1656 (Musée du Prado, Madrid). De l’espagnol, le titre du tableau est traduit par « demoiselles d’honneur » et représente l’atelier de l’artiste dans le palais royal de l’Alcazar, en Espagne. L'infante Marguerite, cinq ans, et sa suite sont venues voir Velazquez peindre un portrait de son père, Philippe IV, et de sa mère, la reine Marianne (leurs figures sont visibles dans le miroir). L'infante est entourée de ses dames d'honneur, un nain, un nain, une religieuse, un courtisan et un chien. La taille de l'œuvre est de 318x276 cm, ce qui a permis à Velazquez de peindre des personnages aussi grands qu'une personne.
"Nous ne sommes pas des spectateurs, nous sommes des participants à l'action"
Marina Khaikina, critique d'art :« Velázquez a eu une astuce : il a transféré les figures du couple royal de l'espace illusoire à l'espace réel, et le public - vice versa. En fait, où sont le roi et la reine et où sommes nous, le public ? Hors de la toile ou à l’intérieur ? C’est vers nous que le regard du nain est dirigé, et Velazquez lui-même regarde dans notre direction. Le chien a reniflé, comme s'il sentait la présence d'étrangers, ce qui signifie qu'il nous a remarqué, qu'il connaît notre présence, qu'il sait qu'il est surveillé. Cette valeur du spectateur pour l'artiste, la conversation avec lui, est la chose la plus importante dans cette image. Velazquez « a laissé » le spectateur entrer dans la peinture, et cette découverte a changé tout le concept de l'art. S'il n'y avait pas "Les Ménines", il n'y aurait ni Goya, ni Cézanne, ni Magritte, ni art du 19ème siècle et le 20e siècle en général.
Velazquez a également introduit une nouvelle dimension dans la peinture : le temps. Tout ce qui se passe dans l'image ne se produit qu'ici et maintenant et se terminera une seconde plus tard. L'infante acceptera la boisson des mains de la demoiselle d'honneur, le maréchal de la cour, qui s'est figé en se retournant, dans l'allée, disparaîtra, et immédiatement après lui sortiront le roi et la reine... L'artiste nous a permis , le public, pour saisir ce moment, pour saisir le mouvement du temps. Nous regardons ce qui se passe dans l'atelier. Mais l'artiste regarde aussi. Il est ici à la fois l'objet de l'observation et son sujet. Pour moi, "Las Meninas" est une image sur l'art de la peinture et illusion d'optique, et aussi sur l'importance de l'art. Pouvez-vous imaginer à quel point Velázquez appréciait son métier pour oser placer un autoportrait dans un tableau aux côtés de membres de la famille royale ? Et cela - dans des conditions d'étiquette stricte et de hiérarchie stricte de la cour espagnole ! Aux yeux du public de l’époque, cela signifiait la plus haute reconnaissance. »
"La créativité vainc l'inceste"
Andrey Rossokhin, psychanalyste :« Tout d’abord, la photo m’angoisse à cause du fond sombre qui prend beaucoup de place. Je me sens même désespéré. Il semblerait pourquoi, car Velazquez nous offre une image si lumineuse et paisible d’une douce famille avec une jeune infante épanouie au centre. L'artiste peint un portrait du roi Philippe IV avec son épouse et la jeune fille regarde ses parents. Pourquoi Velazquez a-t-il choisi de les représenter de cette façon ?
Il est difficile de comprendre l’anxiété sans connaître les détails de l’histoire. Le fait est que Philip a épousé sa nièce de 15 ans, qui était également l'épouse de son fils subitement décédé. Autrement dit, le roi a noué une relation incestueuse. Les enfants nés de ce mariage moururent rapidement et l'infante Margarita était alors leur unique enfant. Et peu importe à quel point elle est fière, nous comprenons que le père n'a pas besoin d'elle, mais d'un fils, d'un héritier. Velazquez, dont l'atelier était situé dans le palais royal, ressentait parfaitement cette atmosphère d'horreur et de désespoir associée à l'inceste et au châtiment qui en résultait. Et c’est peut-être pour cela qu’il a, sans le savoir, représenté le couple royal non pas avec tout le monde, mais reflété dans le miroir.
Devant nous se trouve une famille qu’on ne peut pas regarder directement. L'inceste est si terrible que nous ne pouvons rester en vie que si nous voyons notre conjoint à travers un miroir.
Cette sensation est renforcée par la présence du chien qui, tel un sphinx, reste immobile et les yeux fermés, malgré le fait que le nain lui donne des coups de patte - comme s'il était réellement pétrifié.
Je vois un reflet de cette horreur cachée chez la jeune fille, qui commence à sentir sa croissance, son importance, mais est condamnée à devenir victime de l'inceste, comme sa mère (ce qui s'est produit : elle a ensuite épousé son oncle). Et en ce sens, le lien entre la jeune fille et le maréchal Don José Nieto, qui se tient sur le pas de la porte, est très important. Ils sont les seuls sur la photo à être présentés sous une lumière vive, ce qui souligne leur lien. L'homme semble s'accrocher et dominer la jeune fille. Il ne sera pas son mari, mais son apparence et sa posture laissent entrevoir son destin. Enfin, mon attention est attirée sur l'artiste lui-même, Velazquez. Sa silhouette domine largement le tableau ; il a une apparence très fière et vive. Avec sa participation, il semble surmonter l'atmosphère d'inceste, introduisant un élément créatif (sain) dans cette image. Il n’est pas immédiatement clair si les deux tableaux accrochés à l’arrière-plan représentent, Athéna et Apollon, qui punissent ceux qui osaient rivaliser avec eux dans les arts. Il s'avère que Velasquez a tellement confiance en lui qu'il défie les dieux de l'Olympe. C'est-à-dire que, d'une part, l'artiste parle du sort d'une dynastie qui périt parce qu'elle a défié la nature humaine et ses interdits sociaux. En revanche, il défie lui-même les dieux. Et la créativité gagne. Parce qu’elle donne naissance à ce qui est vraiment vivant, contrairement aux relations incestueuses.
Diego Vélasquez(1599-1660), remarquable portraitiste espagnol, représentant du Siècle d'Or peinture espagnole.
Le peintre de la cour du roi Philippe IV, Diego Velazquez, a achevé le tableau « Les Ménines » en 1656. Les historiens de l’art se disputent encore sur le type de scène représenté par l’artiste. Ainsi, Paul Lefort estime que la toile n'a aucune intrigue et ressemble en quelque sorte à une photographie instantanée. Deux autres points de vue sont beaucoup plus courants. Selon le premier, Velazquez a représenté le moment où il travaillait sur un portrait du roi et de la reine d'Espagne, lorsque leur fille, l'infante Margarita, est entrée dans l'atelier. Selon un autre, l’infante elle-même était le modèle de l’artiste et ses augustes parents venaient rendre visite à leur fille. Il existe également des interprétations philosophiques. Ainsi, Walter von Loga note dans le regard de l’artiste un respect dévoué pour son maître sacré.
La version d’Alexandre Yakimovich est exactement le contraire, estimant que la toile est un manifeste de la liberté de l’artiste par rapport à toutes les conventions et restrictions du palais. Mais l’explication la plus intéressante de l’intrigue de « Les Ménines » appartient à Vladimir Kemenev, qui croyait que Velazquez représentait un tableau dans un tableau. Il écrit « Les Ménines » comme il écrit « Les Ménines », selon le reflet dans le miroir. Et il y a plusieurs raisons à cela.
.jpg)
1. Infante Marguerite- fille de cinq ans du roi d'Espagne Philippe IV et de la reine Marie d'Autriche. Il est peu probable que Velazquez soit actuellement occupée à son portrait - l'immense toile sur laquelle travaille l'artiste n'est en aucun cas adaptée pour représenter une petite fille. Un seul de ses tableaux, « Les Ménines », a cette taille (environ 3 x 3 m).
2. Miroir. Il reflète les parents de l'infante Margarita. La version qu'ils posent pour l'artiste peut également être remise en question : il n'existe aucune preuve qu'un tel portrait en couple existe. Le roi et la reine étaient toujours écrits séparément. Oui, encore une fois, la taille de la toile du tableau ne convient pas à un tel travail.
3. Diego Vélasquez- C'est le seul autoportrait de l'artiste qui nous soit parvenu.
4. Clés sur la ceinture de Velazquez est un signe qu'il occupe une position de palais : l'artiste était chargé d'ouvrir et de fermer les portes.
5. Croix de l'Ordre chevaleresque de Santiago orne la poitrine de Velazquez. On sait que Velazquez désirait passionnément être fait chevalier. Son rêve s'est réalisé trois ans après la fin de "Las Menin", et l'artiste a spécialement peint une croix rouge sur sa camisole. Les clés de la ceinture et l'insigne de l'ordre jettent le doute sur la version selon laquelle Velazquez s'est rebellé contre la morale du palais.
6. Ménines. Les jeunes filles-demoiselles d'honneur étaient appelées meninas. À droite se trouve Doña Isabel de Velasco, à gauche se trouve Doña Maria Agustina de Sarmiento.
7. Peintures sur le mur du fond de la salle. À droite, « Apollon écorchant Marsyas », à gauche, « Athéna et Arachné ». À la fois histoires mythologiques parle de la façon dont dieux de l'Olympe puni les mortels audacieux qui décidèrent de rivaliser avec eux dans beaux-Arts. Velazquez se représente sur le fond de ces peintures dans un moment de travail inspiré. Selon les partisans de Yakimovich, c’est ainsi qu’il s’oppose aux héros de la mythologie et souligne le droit de l’artiste à une liberté totale sans aucune restriction, tant céleste que terrestre. Nous convenons que cela ne cadre pas bien avec la vision de Velazquez comme sujet obséquieux.
8. Cruche. Si l'enfant royal voulait boire, alors, selon l'étiquette, un page lui apportait un récipient d'eau. Dans notre cas, il s'agit de Doña Maria. Elle se tient sur un genou et tend à Margarita un plateau en argent sur lequel se trouve une petite cruche en argile rouge Bucaro.
9. Duègne(mentor) de l'infante Doña Marcela de Ulloa. Elle porte des vêtements semi-monastiques en signe de deuil pour son mari décédé.
10. Guardadamas- un courtisan qui fait office d'escorte honoraire des dames.
11. Don José Nieto Velazquez- peut-être un parent de l'artiste, le maréchal - le majordome principal du palais.
12. Maria Barbola- Le nain préféré de l'Infante.
13. Nicolasito Pertusato- bouffon nain.
Pavel Vorobyov. Page du livre de réflexions. « Autour du monde » n°5 2012.
Analyse peinture XV – XIX siècles. Diego Rodriguez de Silva y Velazquez, "Les Ménines"
Plan
Maintenir
2. Peinture générale de Diego Velazquez.
3. Détermination des principales caractéristiques de l'œuvre « Les Ménines ». L'intrigue de l'image, l'affiliation au genre. Construction de l'espace image. Caractéristiques de la composition. Caractéristiques de la structure lumineuse de l'image. Caractéristiques de la structure des couleurs de la peinture. Les caractéristiques finales de la structure artistique et figurative, l'originalité sémantique et du contenu de ce travail art.
Conclusion
Introduction
Peintures artistes célèbres nous permettent de nous immerger dans le passé, de comprendre comment la vie s'est construite, comment les gens vivaient et ressemblaient il y a plusieurs siècles. De plus, nous voyons le monde à travers les yeux d’une personne de cette époque, ce qui nous aide à nous immerger dans les réalités des temps anciens. À bien des égards, nous connaissons l'histoire grâce aux peintures, car chaque élément peinture nous en dit long. Nous regardons les visages, étudions les détails intérieurs, les costumes et essayons de comprendre ce que pensaient ces gens. Mais ce n’est pas seulement l’intrigue de l’image qui nous aide à comprendre l’essence d’une époque révolue.
Sur quoi le tableau est-il peint, avec quoi l'artiste a-t-il peint, choix solutions de couleurs, la perspective, les jeux d'ombre et de lumière en disent long, souvent plus que l'intrigue. Après tout, le caractère du tableau et le caractère de l'époque reflètent le caractère du peintre, son humeur, son attitude face à la vie. Cela signifie qu'un spectateur attentif ressentira et comprendra l'essence de l'époque à laquelle le tableau a été peint. Et puis le résultat de vos observations peut être comparé à vos propres idées sur cette époque. Et l'image que nous obtenons peut surprendre l'imagination. Après tout, nos idées sur le monde n’ont souvent rien à voir avec la réalité.
Et maintenant, je veux aller dans l’Espagne du XVIIe siècle. Au pays du vin rouge espagnol, des corridas brutales, flamenco passionné. Et notre guide sera le grand Diego Rodriguez de Silva y Velazquez. Vélasquez. Artiste de la cour d'Espagne.
Il est impossible de parler du travail de l’artiste indépendamment de l’époque, du mode de vie de cette époque, en oubliant la politique et l’économie du pays, de tout ce qui a influencé la vision du monde des gens.
Partie principale
1. caractéristiques générales Peinture espagnole du XVIIe siècle.
Le XVIIe siècle est à juste titre considéré comme l’âge d’or de la peinture espagnole. C'est cette époque qui a donné naissance à de nombreux noms merveilleux : El Greco, Pedro Antonio Vidal, Rodrigo de Villandrando, Jusepe Ribera, Jeronimo Jacinto de Espinosa, Nicholas de Villacis, Juan de Toledo et des dizaines d'autres. Peinture du Siècle d'Or espagnol, l'époque baroque est devenue la période de la plus grande floraison de l'Espagne arts visuels. La chercheuse en art espagnole Tatyana Kaptereva note ce qui suit : traits de caractère peintures de cette période :
- la prédominance de l'observation aiguë de la nature sur l'imagination artistique
- concentration de l'attention sur une personne, à l'exclusion des autres couches de perception de la réalité (cela a conduit à sous-développement paysage et le développement particulier et extra-intrigue du genre quotidien).
De nombreux artistes et écoles de peinture permettent de tracer clairement les tendances générales de la peinture espagnole de cette époque. période historique. On peut notamment souligner l'école madrilène de peinture espagnole, dont Velázquez était un représentant. Et sans flatterie ni servilité, nous pouvons l’appeler le roi de « l’âge d’or de la peinture espagnole ».
2. Caractéristiques générales de la peinture de Diego Velazquez.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Espagnol : Diego Rodríguez de Silva y Velázquez) est un artiste espagnol, le plus grand représentant de l'âge d'or de la peinture espagnole. Il est né au tournant du siècle, en 1599, à Séville. Diego découvre très tôt son talent de peintre et, à 10 ans, il est chargé d'étudier dans l'atelier du célèbre artiste sévillan Francisco Herrera l'Ancien. Mais bientôt leurs chemins se séparent et il entre en apprentissage chez l'artiste Francisco Pacheco pendant six ans, à partir de décembre. Pacheco, homme de grande culture et d'éducation polyvalente, auteur d'un traité sur l'art de la peinture, fidèle disciple de Raphaël et de Michel-Ange, et qui réalisa lui-même d'excellents portraits au crayon, était son homme dans le cercle intellectuel de Séville. et parmi le clergé, puisqu'il occupait le poste de censeur et d'expert en peinture religieuse auprès de la Sainte Inquisition de Séville. L’école de peinture de l’Academia Sevillana reflétait une vision académique et officielle de la présentation des sujets et des images religieuses. C'est dans cette école que le jeune Velazquez reçut son premier entrainement technique et des compétences esthétiques, il se lie d'amitié avec le futur sculpteur et peintre Alonso Cano et le célèbre peintre espagnol Francisco de Zurbarán. Et quelques années plus tard, il s'est lié avec son professeur et a épousé sa fille. Ce fut une excellente aide pour le jeune artiste talentueux et donna le coup d'envoi à sa carrière.
Les premiers tableaux de l’auteur montraient que le monde avait trouvé un brillant maître du pinceau. Les jeux de lumière sur les personnages du premier plan, soulignant les surfaces et les textures dans le tableau « Petit déjeuner », le tableau « Le porteur d'eau », célèbre pour ses effets visuels. En outre, les peintures de Velascas se distinguent par un réalisme accentué dans la représentation des objets et un rendu précis des caractéristiques naturelles, renforcés par l'éclairage contrasté des personnages du premier plan et la densité de l'écriture. Toutes les œuvres sont réalisées sur un fond sombre, souvent conventionnel, dépourvu de profondeur, qui laisse une impression d'aération, de manière laconique et expressive. Avec tout cela, force est de constater qu’il n’y a aucun doute sur la vitalité et l’authenticité des images et des scènes représentées. Mais déjà à l'âge de 20 ans, Velazquez s'est rendu compte que le style d'écriture et l'intrigue standard de l'époque étaient loin de ses aspirations. Le premier signe était le tableau « Le Christ dans la maison de Marie et Marthe ». Et le tableau « Vendeur d'eau de Séville » est rempli d'un érotisme subtil, subtil, mais audacieux pour l'époque. Et grâce au talent et au patronage de Pacheco et du comte Gaspar de Guzman Olivares, Velazquez devint peintre de la cour du roi d'Espagne Philippe IV. De longues années il peint des portraits de courtisans, de hauts fonctionnaires, de dignitaires de l'Église et même du pape. Il fut le premier à élever le portrait au rang d’art figuratif, présentant favorablement ceux représentés sur la toile. Mais malgré le fait que Velazquez ait été peintre de cour pendant près de 40 ans, il a trouvé sa voie dans l'art, a montré au monde la beauté de la nature et est en même temps devenu le premier artiste espagnol, qui a représenté un nu féminin dans le tableau « Vénus au miroir ». Et en même temps, il n'y a pas la moindre vulgarité ou grossièreté dans l'image, il n'y a pas de vulgarité. C'est vraiment de l'art, grand et inégalé.
3. Détermination des principales caractéristiques de l'œuvre « Les Ménines ». L'intrigue de l'image, l'affiliation au genre. Construction de l'espace image. Caractéristiques de la composition. Caractéristiques de la structure lumineuse de l'image. Caractéristiques de la structure des couleurs de la peinture. Les caractéristiques finales de la structure artistique et figurative, l'originalité sémantique et contenue d'une œuvre d'art donnée.
Le roi et la reine ne sont pas visibles. Ils sont censés être hors du tableau, devant lui. Ceci est indiqué par leur vague reflet dans le miroir au fond de la pièce. Mais au premier plan de l’image est capturé tout ce qui apparaît aux yeux de ceux qui posent. Un artiste avec un pinceau et une palette scrute ses modèles, regardant derrière son chevalet. À côté de lui, au milieu de la pièce, se tient la petite infante Marguerite, qui était amenée à divertir le couple royal pendant les fastidieuses séances. Penchées attentivement sur elle, deux dames d'État, en meninas espagnoles, qui ont donné le nom à l'ensemble du tableau. Celle qui donne le vase à l'infante s'appelle Dona Maria Sarmiento, l'autre est Isabella de Velasco. Derrière Isabelle, du crépuscule, viennent une femme en tenue monastique, Doña Marcela de Ulloa, et les guardadamas - un grade de cour obligé d'accompagner l'infante partout. Les passe-temps favoris de la cour espagnole n'ont pas été oubliés : le petit nain Nicolasito Pertusato donne un coup de pied à l'énorme chien qui somnole tranquillement. La vilaine naine Maria Barbola se tient tranquillement à proximité. L'action se déroule dans la salle spacieuse du palais royal, réservée à l'artiste comme atelier. Tout au loin, on aperçoit la figure du maréchal Don José Nieto. Rejetant le lourd rideau, il regarde par la porte et un rayon de soleil se déverse dans le hall sombre. Cette œuvre de Velazquez fait depuis longtemps partie du panthéon des chefs-d'œuvre mondiaux et est devenue si familière à nos yeux qu'on n'y remarque presque pas de violations de toutes les règles des portraits de groupe. Cependant, cette toile est remarquable en ce qu'elle capture tout ce qui n'était habituellement pas montré : elle dépeint les coulisses de la vie de cour. Velazquez peignait généralement ses portraits sur un fond sombre et neutre. Dans les portraits équestres de Philippe et d'Anne, le paysage servait de fond, mais propagation des arbres sur fond de ces portraits, ils ressemblent à des décors conventionnels en coulisses. Dans le portrait des « Ménines », l'arrière-plan n'est pas un décor conventionnel, mais ce qu'il y a derrière le décor, quelque chose qui n'a pas été remarqué ; dans le même temps, l’arrière-plan devient le sujet principal de l’attention de l’artiste, capture toute la toile et, pour ainsi dire, déplace les personnages principaux au-delà de ses limites.
En levant le rideau sur l'envers de la cour royale, Velazquez observe strictement les règles de courtoisie, tout semble convenable et même solennel. Ce n'est pas pour rien que le roi n'a rien trouvé de répréhensible dans le tableau, et celui-ci a pris place parmi les autres trésors pittoresques du palais. Pendant ce temps, il est construit sur une casuistique complexe d'éléments d'« exaltation » et de « réduction », et seule leur extrême confusion a sauvé le maître des ennuis que le mélange des personnages de « La Ronde de nuit » avait récemment causés à Rembrandt.
Pour décrire la place du couple royal dans le tableau, il faut recourir à des définitions contradictoires. D'une part, ce ne sont pas Philippe et Anna qui sont montrés, mais seulement ce qu'il y a derrière eux ; d'autre part, ils sont exaltés par le fait que le tableau dans son ensemble et même l'artiste lui-même servent d'objets à leur perception ; leur perception s'affirme comme subjective, puisque l'artiste qui a écrit image réelle, et le spectateur qui le regarde, peut adopter le point de vue du couple royal comme de simples mortels. L'invisibilité du couple royal peut signifier qu'ils sont sans commune mesure avec le petit monde de la peinture ; en revanche, elle perd cette incommensurabilité, se transformant en un reflet terne dans le miroir.
La même casuistique complexe de « l’exaltation » et de la « dégradation » sous-tend l’image de la petite infante. Dans "Las Meninas", elle occupe la deuxième place la plus importante. Il a été suggéré qu'elle est la principale acteur. Velazquez a beaucoup travaillé sur l'image des infantas, des filles pâles et maladives, tirées dans des bas, dans des poses peu enfantines et primitives. Des portraits d'enfants en pleine croissance étaient envoyés aux proches du roi ; les anciennes collections impériales du Musée de Vienne en contiennent plusieurs exemplaires. Seule la consonance des taches colorées, délicate comme un bouquet frais des champs, animait ce schéma légitimé par la tradition. Velazquez n'a pas osé le briser dans « Las Meninas ». La poupée infanta est la figure la plus figée de tout le tableau. En même temps, son impassibilité est le signe de sa plus haute dignité. Cependant, grâce à la composition finement équilibrée, la petite infante est placée dans une position quelque peu inhabituelle. Il semblerait que toutes les conventions et coutumes soient ici également respectées. L'infante sert de centre d'attention à tous les personnages et occupe une position centrale dans le tableau. Sa tête tombe strictement au milieu de l'immense toile, à un point de fuite prometteur, et tout cela fait ressortir sa silhouette de son cortège hétéroclite. Cette disposition nécessite toutefois des réserves et des amendements. La toile placée en avant coupe une étroite bande du tableau de gauche. En fait, le tableau doit être considéré comme une étendue occupée par des personnages et, à l'intérieur de ses limites, la place centrale n'appartient pas à l'infante, mais à la figure du maréchal arrêté à la porte. Il apparaît avec une silhouette si nette sur le fond clair de la porte que l’œil du spectateur, contournant les personnages du premier plan, se tourne involontairement vers lui. Cela ne signifie évidemment pas que le rôle prédominant de l’infante soit complètement détruit, mais cela rend sa prédominance à moitié fictive. Un spectateur impartial ne remarque pas immédiatement sa position centrale. Pas étonnant que le tableau porte le nom personnages secondaires- ménine.
Dans le même temps, dans « Les Ménines », une autre technique est utilisée qui prive l'image de l'infante de son aura royale. L’ensemble est construit sur des oppositions par paires. Cela se reflète dans les deux ménines courbées, la correspondance du miroir et de la porte et les deux peintures mythologiques sur le mur du fond. Parmi ces correspondances, l'étrange similitude entre la petite infante et le nain Barbola frappe le regard. Le même regard insignifiant, la même drôle de calme, presque la même tenue. La vilaine Barbola est comme une parodie de la jolie image presque surnaturelle de l'infante blonde aux yeux bleus. Il est très possible que la parodie directe n’ait pas été l’intention de l’artiste. Dans les portraits de cette époque, les carlins et les bouledogues, avec leur laideur, ne faisaient que mettre en valeur la bonté humaine de leurs propriétaires. Dans le même temps, l'inclusion de nains dans un portrait de groupe non seulement les immortalise sur un pied d'égalité avec les personnes les plus élevées, mais fait également descendre ces personnes de leur piédestal.
Le tableau « Les Ménines » est si remarquable qu’il dépasse tellement le niveau moyen des portraits de groupe du XVIIe siècle qu’il donne peut-être une image plus complète de la vision du monde de Velázquez que nombre de ses autres œuvres. L'homme dans la peinture de Velazquez est plus étroitement associé à environnement, plus sensible à l'action forces externes, révèle une plus grande richesse de relations avec monde extérieur. On peut dire que non seulement le roi, mais aussi l’homme en général, n’est pas le personnage principal des « Ménines », comme il l’était dans l’art classique. Tout dépend du point de vue. Il y a le point de vue de Philip et Anna, il y a le point de vue de l'artiste, il y a le point de vue du spectateur. L’ensemble forme un système de mondes s’interpénétrés ou, selon les mots de la philosophie des XVIIe-XVIIIe siècles, des monades. Chacun a sa propre validité. De chaque point de vue, le sens de l’ensemble change.
Dans "Las Meninas", la décadence est devenue encore plus aiguë. Le couple royal est remplacé par son reflet dans le miroir, de sorte que sa véritable base peut tomber et être retirée du cadre.
Mais le miroir de Lass Meninas a une autre signification. Il se situe strictement au milieu de l’image, à côté de la porte ouverte par laquelle fait irruption un rayon de soleil éclatant. Deux points lumineux sur un mur sombre : une porte ouverte mène au loin, au-delà de la salle crépusculaire, le miroir capte un reflet du monde devant la toile. L’image s’avère être un lieu où deux sphères se croisent. Peut-être que le motif du miroir a été inspiré par Velazquez, un Néerlandais très apprécié en Espagne. Ce n'est pas pour rien que van Eyck, au XVe siècle, a capturé son reflet dans un miroir rond accroché au mur dans un portrait du couple Arnolfini. Mais le miroir de Van Eyck n'agrandit pas l'espace. À l’image de la figure de l’artiste, elle ne fait que l’initier au confort paisible d’une maison bourgeoise, comme le laisse entendre l’inscription : « J’étais ici ».
Ainsi, par rapport à l’espace, la peinture de Velazquez forme l’intersection de deux sphères. En termes d'action, il relie plusieurs nœuds de l'intrigue. Au premier plan, l'artiste peint un portrait, l'infante sert les ménines et le nain gambade. Au loin, le maréchal, montant les escaliers, rejette le rideau et regarde indifféremment la porte ouverte. Chez les Néerlandais, et notamment chez Pieter de Hooch, on rencontre souvent de telles figures d’« outsiders ». Mais dans les intérieurs tranquilles des bourgeois, où une personne devient un bâton, toute action se fige et ce motif perd de son acuité. Au contraire, dans « Les Ménines », la collision de deux plans contient quelque chose de la nature multiforme du nouveau roman européen. L'apparition du maréchal est si inattendue, il regarde si naturellement par la porte ouverte, comme s'il nous appelait à quitter les chambres sombres du palais, que nous, comme le lecteur d'un roman, emportés par la deuxième intrigue et oubliant à propos du personnage principal, sont prêts à ne pas remarquer l'infante et sa suite.
Dans l’art classique, le cadre clôt le tableau, tout comme le prologue et l’épilogue clôturent le poème. Chez Velazquez, au contraire, le cadre n'est qu'une étendue aléatoire, sur les côtés et devant laquelle se trouve la réalité. Représentant comment sont peints les portraits (en particulier l'évangéliste Luc - la Madone), les maîtres anciens prouvent leur véracité en comparant l'original et l'image. Se limitant uniquement au processus de peinture d'un tableau, Velazquez ne montre essentiellement ni l'original ni l'image. En regardant comment Velazquez peint le portrait de Philippe sur la photo, nous pouvons deviner que le Velazquez qui peint Philippe a été peint par le vrai Velazquez. Nous semblons revenir de plus en plus haut degré réalité, mais on n'atteint jamais l'absolu. Le tableau "Les Ménines" peut être appelé un portrait sur un portrait, un tableau sur un tableau : l'envergure de la porte, le miroir, les peintures au mur et le tableau lui-même - ce sont toutes des étapes d'incorporation de l'image dans des cadres. , étapes de l'incarnation picturale.
L’image nous emmène dans un espace mesurable, dans le royaume du nombre d’or. Les rectangles réguliers des peintures et des fenêtres rappellent les tapis de la Cène de Léonard. Seule la composition de Velazquez ne repose pas sur la symétrie, mais plutôt sur l'équilibre des figures et des formes architecturales.
Vous devez examiner de près leurs relations. On voit que le miroir et la porte du fond de la pièce sont situés strictement au milieu, comme sur les côtés de l'axe principal de la composition, juste au-dessus de la figure de l'infante. On remarque en outre que les tableaux au-dessus d'eux s'écartent légèrement vers la gauche de cet axe, de sorte qu'ils apparaissent directement au-dessus du miroir avec le reflet du couple royal. De plus, ces deux images sont construites selon le nombre d'or et sont si harmonieuses que ce deuxième système tectonique se superpose au premier et inclut des formes géométriques dans la relation des figures.
Mais si les axes verticaux de la composition sont quelque peu décalés et donc dynamiques, alors les divisions horizontales sont de nature plus calme. Tout d’abord, l’ensemble du tableau, comme l’un des deux paysages de Velazquez « Villa Médicis », est divisé en deux parties égales, la frontière entre elles étant une étroite bande de mur entre les peintures de la rangée supérieure et la porte. La moitié inférieure de l’image est occupée par des personnages.
Celui du haut est libre, plus aéré et léger. Cette solution à elle seule est aussi claire et simple qu’elle ne peut l’être que chez Poussin (nouvelle preuve que l’importance de Velázquez ne réside pas uniquement dans le colorisme). Mais à part cela, il s’avère que chaque moitié de l’image est divisée en deux parties ; la limite de cette division en haut est la ligne du plafond, en bas - la ligne du sol, et les deux divisions obéissent assez précisément à la loi du nombre d'or. Il est vrai que ce modèle ne peut être établi que par des mesures que tout spectateur n’est pas tenu d’effectuer. Mais on peut affirmer que quiconque perçoit l’image avec un œil impartial ressent inconsciemment l’harmonie de ses proportions. Si vous fermez la bande étroite en haut de l’image et la transformez en carré, vous remarquerez l’importance de ces relations. La disposition des figures restera inchangée, mais l'image perdra sa légèreté et sa légèreté.
Nous ne savons pas exactement dans quelle mesure Velazquez a appliqué consciemment toutes ces formes. Nous ne connaissons pas les croquis du tableau. Il n'y a rien d'incroyable chez elle histoire créative Les impressions visuelles aléatoires reflétées dans des croquis rapides ont également joué un rôle. Cependant, sous la forme sous laquelle ces impressions sont combinées, elles forment une image harmonieuse et complète, dans laquelle toutes les parties sont mutuellement conditionnées, et l'ensemble se distingue par sa polyvalence et sa profondeur.
Conclusion
Il se trouve qu’une scène vue au hasard de la vie ordinaire d’un palais est devenue la bible de la peinture. Une image qui n’attire pas immédiatement l’attention, mais qui ne sera jamais oubliée. Léger, aérien, délicieusement simple et en même temps incroyablement complexe, correspondant exactement aux canons de la peinture. Un tableau qui peut être considéré comme le couronnement du roi de l’âge d’or de la peinture espagnole.
Bibliographie
(1656)
318 x 276 cm
Musée du Prado, Madrid
Ce chef-d'œuvre de Velazquez est l'un des plus peintures mystérieuses dans l'histoire Peinture européenne. Que se passe-t-il finalement sur cette toile ? Peut-être Velazquez peignait-il un portrait de l'infante Marguerite lorsque le roi et la reine sont entrés dans son atelier ? Ou bien était-il en train de « portraitiser » le couple royal lorsque l'infante entra en courant dans l'atelier avec ses dames d'honneur et ses nains ? Mais l’intention de l’artiste n’était-elle pas encore plus subtile : se représenter au moment de la créativité ? La plupart des historiens de l’art sont enclins à croire que « Les Ménines » est une sorte de « rapport créatif » de Velazquez, « une peinture sur la peinture ». L'artiste a cherché à établir le statut de peintre en mettant l'accent sur la composante créative de son travail, qui pour beaucoup semblait être un savoir-faire élémentaire. Et pourtant, dans l'ensemble, la question reste ouverte, provoquant la création de textes « interprétatifs » et de « répétitions » créatives sans fin - répliques et citations. Ils étaient particulièrement nombreux au XXe siècle. Un exemple frappant- « Les Ménines » ont servi de base à une grande série de tableaux de Picasso réalisés dans les années 1950. Le grand philosophe espagnol Ortega y Gasset a écrit à plusieurs reprises sur cette œuvre de Velazquez. Michel Foucault a inclus le texte « Dames de la Cour » (avec Description détaillée le chef-d'œuvre de Velazquez) dans le livre « Les mots et les choses » - une sorte d'« évangile » de tout postmoderniste cohérent.
Cour Royale : « de et vers »
Croix de Sant'Iago
Après la mort de Velazquez, le roi Philippe IV ordonna
ajoutez la croix de chevalier de Sant'Iago sur la poitrine de l'artiste.
Au moment de la création de « Las Menin », notre héros n'avait pas encore été fait chevalier par cet ordre (cela s'est produit trois ans plus tard).
Reflet dans le miroir
On voit le couple royal reflété dans le miroir,
mais c’est précisément cette image « lointaine » qui détermine tout le caractère de la scène, rassemblant les fils de l’attention de chacun.
Jan van Eyck a eu l'idée de montrer la présence de quelqu'un à l'aide de tels reflets de miroir.
Il a utilisé cette technique dans le « Portrait du couple Arnolfini », qui faisait partie de la collection du roi d'Espagne.
Course libre
À propos de la liberté avec laquelle Velazquez a manipulé le pinceau,
disent ses doigts élégamment pliés,
écrit avec plusieurs traits légers de tons clairs et foncés.
Dans l'embrasure de la porte
Dans l'ouverture de la porte du fond, on aperçoit la silhouette du maréchal.
Son regard est dirigé vers le roi et la reine,
UN coude plié La main indique le point de convergence des lignes de perspective.
Selon ses lois, le roi et la reine doivent être situés strictement en face de lui.
Le point de vue de l'infante
Velazquez a littéralement « photographié » le visage de l'infante de cinq ans à ce moment-là,
alors qu'elle le tournait vers ses parents qui se tenaient devant elle.
Le mouvement lui-même est capturé ici - il est évident qu'au moment précédent, elle surveillait le chien,
qui se fait taquiner par un nain debout dans le coin droit de la photo
Le tableau "Les Ménines" de Diego Velazquez est l'un des chefs-d'œuvre du musée du Prado à Madrid. Il semblerait que ce soit à ce sujet peinture célèbre Absolument tout est connu depuis le XVIIe siècle. Cependant, de nombreux historiens de l’art estiment que le tableau cache en réalité de nombreux secrets. Par exemple, un autoportrait crypté de l'artiste lui-même. De plus, l'autoportrait n'est pas réel, mais idéal, dans lequel le peintre ne montre pas comment il est, mais comment il aimerait que ce soit dans la réalité. Dans cette revue, nous lèverons le voile du secret sur ce magnifique tableau.
1. "Las Meninas" peut être qualifié de portrait royal
Au centre de l'image se trouve l'infante Margarita Teresa, qui, dix ans après avoir écrit « Les Ménines », sera proclamée impératrice, épouse de Léopold Ier, empereur du Saint-Empire romain germanique, roi de la République tchèque et de Hongrie. Son règne dura de 1666 à 1673 et Margaret mourut à l'âge de 21 ans seulement. Bien qu'elle ait été représentée dans de nombreux portraits, "Les Ménines" est le tableau le plus célèbre.
2. En effet, le tableau représente la vie quotidienne d'une jeune princesse
Traditionnellement, les portraits représentent une personne « isolée » du reste du monde. Dans ce cas, les servantes qui entouraient constamment la jeune princesse sont également représentées. "Las Ménines" est vie couranteà la cour espagnole.
3. Il y a un roi et une reine sur la photo
Au-dessus de la tête de la princesse, il est facile de remarquer une peinture dans un cadre en bois sombre représentant deux personnes. Il s'agit du père et de la mère de Margatita, du roi Philippe IV d'Espagne et de son épouse Marianne d'Autriche.
4. Velazquez s'est représenté dans le tableau
Malgré le fait que Velazquez était l'artiste de la cour du roi, c'était une démarche très audacieuse que de se peindre lui-même à Las Meninas. À gauche, l’artiste lui-même est représenté avec un pinceau à la main.
5. Une seule personne sur la photo est restée non identifiée
Au centre du tableau se trouvent le roi, la reine, la princesse et l'artiste. À gauche de la princesse (lui donnant un récipient avec une boisson) se trouve la demoiselle d'honneur de la princesse, Doña Maria Agustina de Sarmiento Sotomayor, et à droite (en faisant la révérence) se trouve Doña Isabel de Velasco. Au-dessus de son épaule droite, on peut voir le mentor de la princesse, Doña Marcela de Ulloa, et les guardadamas inconnus qui étaient obligés d'accompagner l'infante partout (son nom a été perdu dans l'histoire, mais certains érudits modernes pensent qu'il aurait pu s'agir de Diego Ruiz de Azcona). . À droite se trouvent les membres permanents de la suite de Margarita - la naine Maria Barbola, le nain Nicholas Pertusato et le dogue préféré de la princesse (son nom est également inconnu).
6. Le plus grand mystère est ce que Velazquez voulait réellement représenter.
Certains scientifiques pensent que les images du roi et de la reine, qui semblent apparaître en arrière-plan, sont en réalité affichées dans le miroir et que les parents de l'infante ont observé le processus de peinture. Une autre théorie prétend que le couple royal n'est pas dans le champ de vision de Velazquez, donc il n'a pas pu les peindre volontairement, mais en fait la princesse et l'artiste se regardent dans un grand miroir, dont le reflet a permis de capturer Margarita dans l'un des les moments du quotidien.
7. "Las Meninas" - le point de vue du couple royal
On ne sait pas si cela s'est réellement produit, mais Velazquez a représenté l'image telle qu'elle aurait été du point de vue du roi et de la reine.
8. Peu de tableaux ont eu l'honneur d'être vus quotidiennement par le roi.
Philippe IV pendit Las Ménines dans son compte personnel, où je voyais cette photo tous les jours.
9. Le tableau a été modifié après la mort de l'artiste sur ordre du roi.
Le roi a rendu hommage artiste talentueux après sa mort. En 1660, presque un an après sa mort, Velazquez reçut le titre de chevalier de l'ordre de Sant Iago. Sur la photo, le symbolisme de cet ordre est représenté sur sa poitrine, mais l'histoire de son apparition est inhabituelle (au départ, ce symbole n'était pas là). Ce symbole est apparu à titre posthume sur ordre du roi. Certains historiens affirment même que Léopold Ier a peint de sa propre main le symbole de l'ordre.
10. Dimensions du tableau
"Las Meninas" sont tout simplement énormes - leur taille est d'environ 3,20 x 2,74 mètres.
11. "Las Ménines" ont été offertes au musée par le roi
Le musée du Prado à Madrid a ouvert ses portes en 1819 pour « montrer au monde l'importance et la gloire de l'art du peuple espagnol ». "Las Meninas" sont l'un des plus oeuvres célébres dans la collection du musée.
12. Le titre du tableau a changé
Pour la première fois au musée du Prado, le tableau est mentionné sous le nom de « Les Ménines » dans le catalogue de 1843. En 1666, lors d'un inventaire, le tableau fut intitulé "Portrait de l'Impératrice avec ses dames d'honneur et ses nains". Puis, après un incendie en 1734, elle fut baptisée « La Famille du Roi ».
13. "Les Ménines" ont rendu Velazquez célèbre 150 ans après sa mort
L’investissement dans le Prado s’est avéré payant et a rendu l’art espagnol populaire en Europe au XIXe siècle. C'est grâce à « Les Ménines » que Vélasquez devint célèbre en dehors de la cour royale espagnole, auprès du grand public. Velázquez est ensuite devenu une source d'inspiration pour une nouvelle génération d'artistes, dont le peintre réaliste français Gustave Courbet, Édouard Manet et le fondateur américain du tonalisme, James Abbott Whistler.
14. Le Royaume-Uni a sa propre version du film
Au Kingston Lacy Mansion dans le Dorset, il existe une version plus petite du tableau qui a presque la même aura de mystère que le célèbre tableau. On ne sait pas qui a écrit cette ligne et quand elle a été rédigée. Certains chercheurs affirment que la peinture du Dorset est de Velazquez lui-même. D'autres soutiennent que le tableau a probablement été copié plus tard par un artiste inconnu.
Surtout pour les amateurs de peinture classique, ils impressionneront même ceux qui ne connaissaient pas le travail de cet artiste.