La formation de la civilisation industrielle a eu un impact énorme sur l’art européen. Comme jamais auparavant, elle était étroitement liée à la vie sociale, aux besoins spirituels et matériels des personnes. Dans un contexte d’interdépendance croissante des peuples mouvements artistiques et les réalisations culturelles se sont rapidement répandues dans le monde entier.
Peinture
Le romantisme et le réalisme se manifestent avec une force particulière dans la peinture. Il y avait de nombreux signes de romantisme dans son œuvre artiste espagnol Francisco Goya (1746-1828). Grâce à son talent et à son travail acharné, le fils d'un pauvre artisan devient un grand peintre. Son œuvre constitue une époque entière dans l’histoire de l’art européen. Magnifique portraits artistiques femmes espagnoles. Ils sont écrits avec amour et admiration. On lit l'estime de soi, la fierté et l'amour de la vie sur les visages des héroïnes, quelle que soit leur origine sociale.
Le courage avec lequel Goya, peintre de la cour, a peint un portrait de groupe de la famille royale ne cesse d'étonner. Devant nous ne sommes pas des dirigeants ou des arbitres des destinées du pays, mais des gens tout à fait ordinaires, voire ordinaires. Le tournant de Goya vers le réalisme est également attesté par ses peintures consacrées à la lutte héroïque du peuple espagnol contre l'armée de Napoléon.
La figure clé du romantisme européen était le célèbre artiste français Eugène Delacroix (1798-1863). Dans son travail, il place la fantaisie et l’imagination avant tout. Son tableau « La Liberté guidant le peuple » (1830) a marqué une étape importante dans l’histoire du romantisme, et en fait de tout l’art français. L'artiste a immortalisé la révolution de 1830 sur toile Après ce tableau, Delacroix ne se tourne plus vers la réalité française. Il s'intéresse au thème de l'Orient et aux sujets historiques, où un romantique rebelle peut laisser libre cours à sa fantaisie et à son imagination.
Les plus grands artistes réalistes étaient les français Gustave Courbet (1819-1877) et Jean Millet (1814-1875). Les représentants de ce mouvement s'efforçaient d'obtenir une représentation fidèle de la nature. L'accent était vie courante et le travail humain. Au lieu de héros historiques et légendaires caractéristiques du classicisme et du romantisme, leurs œuvres sont apparues des gens simples: bourgeois, paysans et ouvriers. Les noms des tableaux parlent d'eux-mêmes : « Stone Crusher », « Knitters », « Gatherers of Ears ».
Officier des rangers à cheval de la garde impériale partant à l'attaque, 1812. Théodore Géricault (1791-1824). Le premier artiste du mouvement romantique. Le tableau exprime le romantisme de l'époque napoléonienne
Courbet fut le premier à utiliser la notion de réalisme. Il a défini le but de sa créativité comme suit : « Être capable de transmettre la morale, les idées, l'apparence des gens de l'époque selon moi, être non seulement un artiste, mais aussi un citoyen, créer de l'art vivant. »
À la fin tiers du XIX V. La France devient un leader dans le développement de l'art européen. C'était en Peinture française l'impressionnisme est né (du français impression - impression). Le nouveau mouvement est devenu un événement d'importance européenne. Les artistes impressionnistes cherchaient à transmettre sur toile des impressions momentanées de changements constants et subtils dans l'état de la nature et de l'homme.
Dans un wagon de troisième classe, 1862. O. Daumier (1808-1879). L'un des artistes les plus originaux de son époque. Balzac le comparait à Michel-Ange.
Cependant, Daumier est devenu célèbre pour ses caricatures politiques. "Dans une voiture de troisième classe" présente une image non idéalisée de la classe ouvrière
Femme qui lit. K. Corot (1796-1875). Le célèbre artiste français s'intéressait particulièrement aux jeux de lumière et était un prédécesseur des impressionnistes.
En même temps, son œuvre porte le sceau du réalisme.
Les impressionnistes ont opéré une véritable révolution dans les techniques de peinture. Ils travaillaient généralement à l'extérieur. Les couleurs et la lumière ont joué un rôle bien plus important dans leur travail que le dessin lui-même. Les artistes impressionnistes exceptionnels étaient Auguste Renoir, Claude Monet et Edgar Degas. L'impressionnisme a eu une énorme influence sur de grands maîtres du pinceau comme Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.
Impression. Lever du soleil, 1882.
Claude Monet (1840-1926) peignait souvent les mêmes objets à différents moments de la journée pour explorer les effets de la lumière sur la couleur et la forme.
Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Insatisfaction de l'artiste à l'européenne la vie l'oblige à quitter la France et à vivre à Tahiti.
Les traditions artistiques locales et la diversité du monde qui l'entoure ont eu une influence considérable sur la formation de son style artistique.
Peintre espagnol ayant travaillé en France. Déjà à l'âge de dix ans, il était artiste et à seize ans eut lieu sa première exposition. A ouvert la voie au cubisme, un mouvement révolutionnaire dans l'art du 20e siècle. Les cubistes abandonnent la représentation de l'espace et la perspective aérienne. Les objets et les figures humaines sont transformés en une combinaison de diverses lignes et plans géométriques (droits, concaves et courbes). Les cubistes disaient qu'ils peignaient non pas comme ils voient, mais comme ils savent
Comme la poésie, la peinture de cette époque est pleine de pressentiments anxieux et vagues. À cet égard, l’œuvre du talentueux artiste symboliste français Odilon Redon (1840-1916) est très caractéristique. Son sensationnel dans les années 80. dessin "Araignée" - écrire sur le mur la première Guerre mondiale. L'araignée est représentée avec un effrayant visage humain. Ses tentacules sont en mouvement et agressifs. Le spectateur a le sentiment d’une catastrophe imminente.
Musique
La musique n’a pas subi de changements aussi importants que les autres formes d’art. Mais elle a également été influencée par la civilisation industrielle, la libération nationale et mouvements révolutionnaires, qui a secoué l’Europe tout au long du siècle. Dans le 19ème siècle la musique dépassait les palais des nobles et les temples des églises. Elle est devenue plus laïque et plus accessible au grand public. Le développement de l'édition a contribué à l'impression rapide des partitions et à leur distribution œuvres musicales. Dans le même temps, de nouveaux instruments de musique étaient créés et les anciens étaient améliorés. Le piano est devenu un objet incontournable et quotidien dans la maison de la bourgeoisie européenne.
Jusqu'à la fin du 19ème siècle. La tendance dominante en musique était le romantisme. A ses origines se trouve la gigantesque figure de Beethoven. Ludwig von Beethoven (1770-1827) a respecté l'héritage classique du XVIIIe siècle. S'il a apporté des modifications aux règles existantes art musical, il l'a fait avec précaution, en essayant de ne pas offenser ses prédécesseurs. En cela, il se distinguait de nombreux poètes romantiques, qui bouleversaient souvent tout et tout le monde. Beethoven était si brillant que même s'il était sourd, il pouvait créer œuvres immortelles. Sa célèbre Neuvième Symphonie et " Sonate au clair de lune"a enrichi le trésor de l'art musical.
Les musiciens romantiques se sont inspirés des motifs des chansons folkloriques et des rythmes de danse. Dans leur travail, ils se tournaient souvent vers travaux littéraires- Shakespeare, Goethe, Schiller. Certains d’entre eux montraient un penchant pour la création d’œuvres orchestrales gigantesques, ce qui n’existait même pas au XVIIIe siècle. Mais ce désir était tellement en phase avec la marche puissante de la civilisation industrielle ! compositeur français Hector Berlioz frappait particulièrement par la grandeur de ses projets. Ainsi, il écrit une composition pour un orchestre composé de 465 instruments de musique, dont 120 violoncelles, 37 basses, 30 pianos et 30 harpes.
Il possédait une technique si virtuose qu'il y avait des rumeurs selon lesquelles c'était le diable lui-même qui lui avait appris à jouer du violon. Au milieu d'une performance musicale, un violoniste pourrait casser trois cordes et continuer à jouer de manière tout aussi expressive sur la seule corde restante.
Dans le 19ème siècle de nombreux pays européens ont donné au monde de grands compositeurs et musiciens. En Autriche et en Allemagne, les autorités nationales et culture mondiale enrichi par Franz Schubert et Richard Wagner, en Pologne - Frédéric Chopin, en Hongrie - Franz Liszt, en Italie - Gioachino Rossini et Giuseppe Verdi, en République tchèque - Bedřich Smetana, en Norvège - Edvard Grieg, en Russie - Glinka, Rimsky Korsakov , Borodine, Moussorgski et Tchaïkovski.
Depuis les années 20 XIXème siècle En Europe, commence un engouement pour une nouvelle danse : la valse. La valse est née en Autriche et en Allemagne à la fin du XVIIIe siècle, originaire du Ländler autrichien - une danse paysanne traditionnelle
Architecture
Le développement de la civilisation industrielle a eu un impact énorme sur Architecture européenne. Les progrès scientifiques et technologiques ont contribué à l’innovation. Dans le 19ème siècle Les grands bâtiments d'importance nationale et publique ont été construits beaucoup plus rapidement. Depuis lors, de nouveaux matériaux ont commencé à être utilisés dans la construction, notamment le fer et l’acier. Avec le développement de la production en usine, transports ferroviaires et les grandes villes, de nouveaux types de structures apparaissent - gares, ponts en acier, banques, grands magasins, bâtiments d'exposition, nouveaux théâtres, musées, bibliothèques.
L'architecture au 19ème siècle. se distinguait par sa variété de styles, sa monumentalité et son objectif pratique.
Façade du bâtiment de l'Opéra de Paris. Construit en 1861 -1867. Exprime une direction éclectique, inspirée des époques Renaissance et baroque
Tout au long du siècle, le style néoclassique fut le plus répandu. Bâtiment Musée anglaisà Londres, construit en 1823-1847, donne une idée claire de l'architecture ancienne (classique). Jusque dans les années 60. Le soi-disant « style historique » était à la mode, exprimé dans une imitation romantique de l’architecture du Moyen Âge. Fin du 19ème siècle. il y a un retour au gothique dans la construction d'églises et d'édifices publics (néo-gothique, c'est-à-dire nouveau gothique). Par exemple, les Chambres du Parlement à Londres. Contrairement au néo-gothique, une nouvelle direction, l'Art Nouveau (nouvel art), a émergé. Il se caractérisait par les contours sinueux et lisses des bâtiments, des locaux et des détails intérieurs. Au début du 20ème siècle. Une autre direction est apparue : le modernisme. Le style Art Nouveau se distingue par son côté pratique, sa rigueur et sa prévenance, ainsi que par son manque de décoration. C'est ce style qui reflétait l'essence de la civilisation industrielle et dans la plus grande mesure
. Le regard des poètes, des écrivains et des artistes était plus aiguisé et plus perspicace. Ils ont vu ce que les autres ne voyaient pas et ne pouvaient pas voir.
C'EST INTÉRESSANT À SAVOIR "Je préfère peindre les yeux des gens plutôt que les cathédrales... l'âme humaine , même l'âme d'un malheureux mendiant... à mon avis, est bien plus intéressante », a déclaré Vincent Van Gogh. Le grand artiste a vécu toute sa vie dans la pauvreté et le dénuement, n'avait souvent pas d'argent pour la toile et la peinture et était pratiquement dépendant de son jeune frère. Les contemporains ne lui reconnaissaient aucun mérite. À la mort de Van Gogh, seules quelques personnes suivaient le cercueil. Seules deux ou trois douzaines de personnes en Europe pouvaient apprécier son art, qui Grand artiste
adressée au futur. Mais les années ont passé. Au 20ème siècle L’artiste a acquis une renommée bien méritée, quoique tardive. Des sommes colossales sont désormais payées pour les tableaux de Van Gogh. Par exemple, le tableau « Tournesols » a été vendu aux enchères pour un montant record de 39,9 millions de dollars. Mais cet exploit a également été dépassé par le tableau « Iris », vendu pour 53,9 millions de dollars.
Les références: V. S. Koshelev, I. V. Orjekhovsky, V. I. Sinitsa / L'histoire du monde
Temps modernes XIX - début. XXe siècle, 1998. Le XIXe siècle a laissé des traces indélébiles sur toutes les formes d’art. C'est l'heure du changement et des exigences, des progrès colossaux dans l'architecture, la construction et l'industrie. Des réformes et des révolutions sont activement menées en Europe, des organisations bancaires et gouvernementales sont créées, et tous ces changements affectent directement les artistes. Artistes étrangers Le XIXe siècle a amené la peinture à une nouvelle dimension, plus niveau moderne, introduisant progressivement des tendances telles que l'impressionnisme et le romantisme, qui ont dû passer par de nombreuses épreuves avant d'être reconnues par la société. Les artistes des siècles passés n'étaient pas pressés de doter leurs personnages d'émotions violentes, mais les représentaient plus ou moins retenus. Mais l'impressionnisme avait dans ses traits un caractère débridé et audacieux. monde fantastique, qui était brillamment combiné avec un mystère romantique. Au XIXe siècle, les artistes ont commencé à sortir des sentiers battus, rejetant complètement les modèles acceptés, et cette force d’âme se reflète dans l’ambiance de leurs œuvres. Durant cette période ont travaillé de nombreux artistes, dont nous considérons toujours les noms comme grands et leurs œuvres inimitables.
France
Espagne
La péninsule ibérique nous a également donné de nombreux noms célèbres, parmi lesquels :
Pays-Bas
Vincent Van Gogh est l'un des plus Néerlandais éminents. Comme chacun le sait, Van Gogh souffrait d'une grave maladie mentale, mais cela n'a pas affecté son génie intérieur. Exécuté en technique inhabituelle, ses peintures ne sont devenues populaires qu'après la mort de l'artiste. Les plus célèbres : « Nuit étoilée », « Iris », « Tournesols » sont inclus dans la liste des plus travaux coûteux art dans le monde entier, même si Van Gogh n'a reçu aucune formation artistique particulière.
Norvège
Edvard Munch est originaire de Norvège, célèbre pour sa peinture. L'œuvre d'Edvard Munch se distingue nettement par la mélancolie et une certaine insouciance. Décès de la mère et sœur Même dans l’enfance, les relations dysfonctionnelles avec les femmes ont grandement influencé le style de peinture de l’artiste. Par exemple, tout le monde œuvre célèbre« Scream » et « Sick Girl », tout aussi populaires, véhiculent douleur, souffrance et oppression.
Etats-Unis
Kent Rockwell est l'un des célèbres Peintres paysagistes américains. Ses œuvres allient réalisme et romantisme, qui traduisent très fidèlement l'humeur de la personne représentée. Vous pouvez regarder ses paysages pendant des heures et interpréter les symboles différemment à chaque fois. Peu d’artistes ont réussi à représenter la nature hivernale de manière à ce que ceux qui la regardent ressentent réellement le froid. La saturation et le contraste des couleurs sont le style reconnaissable de Rockwell.
Le XIXe siècle est riche de créateurs brillants qui ont apporté d’énormes contributions à l’art. Étranger artistes du 19ème siècle Les siècles ont ouvert la porte à plusieurs nouveaux mouvements, comme le post-impressionnisme et le romantisme, qui se sont en fait révélés être une tâche difficile. La plupart d'entre eux ont inlassablement prouvé à la société que leur créativité avait le droit d'exister, mais beaucoup n'ont malheureusement réussi qu'après leur mort. Leur caractère débridé, leur courage et leur volonté de se battre se conjuguent à un talent exceptionnel et à une facilité de perception, ce qui leur donne parfaitement le droit d'occuper une cellule significative et significative.
Impressionnisme. Symbolisme. Modernisme.
Dans la seconde moitié du XIXe siècle, une tendance apparaît dans l’art occidental, que l’on appellera plus tard le « modernisme ». Son premier mouvement peut être considéré comme l’impressionnisme, apparu dans les années 60. Ce mouvement n'est pas encore pleinement moderniste. Il sort du réalisme et s'en éloigne de plus en plus, sans pour autant rompre complètement avec lui. L'impressionnisme n'est pas encore du modernisme, mais ce n'est plus du réalisme. On peut très bien le considérer précisément comme le début du modernisme, puisqu’il en contient déjà les principales caractéristiques.
Le premier est associé à un net déplacement de l'accent de l'objet vers le sujet, de l'objectivité et de la véracité vers la sensation subjective. Dans l'impressionnisme, l'essentiel n'est pas l'objet représenté, mais sa perception, l'impression qu'il suscite chez l'artiste. La fidélité à l'objet cède la place à la fidélité à la perception, à la fidélité à l'impression passagère. Le principe de « l'infidélité au sujet » deviendra alors l'un des principes fondamentaux de l'esthétique du modernisme, se transformant en principe de déformation consciente, de distorsion et de décomposition du sujet, principe de rejet du sujet, d'objectivité et de figuration. L'art devient de plus en plus l'art d'expression de soi de l'artiste.
Le deuxième signe est attention particulièreà l'expérimentation, à la recherche de moyens d'expression, de techniques techniques et artistiques toujours nouveaux. En cela, les artistes impressionnistes suivent l'exemple des scientifiques. Ils s'adonnent avec enthousiasme à la décomposition des tons, au jeu des reflets de couleurs et aux combinaisons inhabituelles de couleurs. Ils aiment la fluidité, la variabilité, la mobilité. Ils ne tolèrent rien de gelé et de statique. Les impressionnistes s'intéressent particulièrement aux processus d'interaction des objets avec l'atmosphère, l'air, la lumière, le brouillard, le smog et la lumière du soleil. Grâce à tout cela, ils ont réalisé des progrès et des réalisations importants dans le domaine de la couleur et de la forme.
Dans l'impressionnisme, la passion pour l'expérimentation, la recherche de nouvelles techniques, la recherche de la nouveauté et de l'originalité ne deviennent pas encore une fin en soi. Cependant, de nombreux mouvements ultérieurs du modernisme arrivent précisément à cela, dont la conséquence est le refus de l’artiste du résultat final, de l’œuvre d’art, comprise comme quelque chose de complet et de complet.
Une autre caractéristique de l'impressionnisme, en partie une conséquence et une continuation directe de celles déjà mentionnées, est associée à une rupture avec les questions sociales. La vraie vie est présente dans les œuvres des impressionnistes, mais elle apparaît sous la forme d'une performance picturale. Le regard de l’artiste semble glisser sur la surface des phénomènes sociaux, captant principalement des sensations de couleur, sans s’y arrêter et sans s’y plonger. Dans les mouvements ultérieurs du modernisme, cette tendance s’intensifie, la rendant asociale, voire antisociale.
Les figures centrales de l'impressionnisme sont C. Monet (1840-1926), C. Pissarro (1830 - 1903), O. Renoir (1841 - 1919).
L'impressionnisme s'est pleinement incarné dans l'œuvre de Monet. Le sujet favori de ses œuvres est le paysage : un champ, une forêt, une rivière, un étang envahi par la végétation. Il définit ainsi sa compréhension du paysage : « Le paysage est une impression instantanée. » D'après son tableau « Lever du soleil. « Impression » était le nom de l'ensemble du mouvement (en français « impression » signifie « impression »). Les célèbres « Meules de foin » lui valent la plus grande renommée. Il a également montré une passion particulière pour la représentation de l'eau. Pour cela, il a construit un bateau-atelier spécial, qui lui a permis de passer des heures à observer le comportement de l'eau et le reflet des objets qui s'y trouvent. Dans tout cela, Monet a obtenu un succès impressionnant, ce qui a donné à E. Manet l'occasion de l'appeler « Raphaël de l'eau ». Le tableau « Cathédrale de Rouen » est également très remarquable.
K. Pissaro privilégie le paysage urbain - représentant des maisons, des boulevards, des rues remplies de calèches et de passants, des scènes quotidiennes.
O. Renoir accorde une grande attention au nu et aux portraits, notamment féminins. Un exemple frappant Son art du portrait est un portrait de l'artiste J. Samary. Il peint également « Les Baignades sur la Seine » et « Le Moulin de la Galette ».
Vers le milieu des années 80, l'impressionnisme a commencé à connaître une crise et deux mouvements indépendants s'y sont formés : le néo-impressionnisme et le post-impressionnisme.
Le premier est représenté par les artistes J. Seurat et P. Signac. S'appuyant sur les réalisations de la science des couleurs, ils poussent certaines caractéristiques de l'impressionnisme - la décomposition des tons en couleurs pures et la passion pour l'expérimentation - jusqu'à leur conclusion logique. Sur le plan artistique et esthétique, ce mouvement n’a pas suscité beaucoup d’intérêt.
Le postimpressionnisme « semblait être un phénomène beaucoup plus productif et intéressant. Ses principaux personnages étaient P. Cézanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) et P. Gauguin (1848 - 1903), parmi lesquels se distinguait P. Cézanne.
Dans son œuvre, P. Cézanne préserve l'essentiel de l'impressionnisme et crée en même temps un nouvel art, développant une tendance à s'éloigner du sujet, de son apparence extérieure. En même temps, il parvient à surmonter le caractère illusoire et éphémère de ce qui est représenté, caractéristique de l'impressionnisme.
Sacrifiant la similitude extérieure d'un objet, P. Cézanne transmet avec une force extraordinaire ses principales qualités et propriétés, sa matérialité, sa densité et son intensité, une certaine « matérialité d'une chose ». Contrairement à l'impressionnisme, pour créer des œuvres, il utilise non seulement les sensations visuelles, mais tous les sens. Dans son œuvre, il exprime de manière vivante et puissante sa nature personnelle. Comme le note P. Picasso, P. Cézanne s'est peint toute sa vie.
Parmi les œuvres de P. Cézanne, on peut souligner telles que « Autoportrait », « Fruit », « Nature morte aux draperies », « Bords de Marne », « Dame en bleu ». P. Cézanne a eu une énorme influence sur tout le modernisme ultérieur. A. Matisse le qualifiait de « professeur généraliste » large éventail de jeunes artistes qui devinrent plus tard célèbres et célèbres.
Outre la peinture, l’impressionnisme s’est manifesté dans d’autres formes d’art. En musique, son influence a été ressentie par le compositeur français C. Debussy (1862 - 1918), en sculpture - par le sculpteur français O. Rodin (1840 - 1917).
Dans les années 80, un mouvement symboliste surgit en France, qui peut pleinement être considéré comme du modernisme. Il est le plus répandu dans la poésie et la littérature. Le symbolisme poursuit la lignée du romantisme et de « l’art pour l’art », rempli d’un sentiment de déception face au monde qui nous entoure, visant la recherche de la beauté pure et de l’esthétisme pur.
Dans leur manifeste, les symbolistes se déclarent chanteurs de la décadence, du déclin et de la mort du monde bourgeois. Ils se sont opposés à la science et à la philosophie positiviste, estimant que la raison et la logique rationnelle ne peuvent pas pénétrer le monde des « réalités cachées », des « essences idéales » et de la « beauté éternelle ». Seul l'art en est capable - grâce à l'imagination créatrice, à l'intuition poétique et à la perspicacité mystique. Le symbolisme exprimait une prémonition tragique de bouleversements sociaux imminents, les acceptant comme une épreuve de purification et un paiement pour une véritable liberté spirituelle.
Les figures centrales du symbolisme français sont les poètes S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891). Le premier est considéré comme le fondateur du mouvement. Le second a créé de beaux chefs-d'œuvre de paroles. A. Rimbaud est devenu l'un des poètes les plus originaux et les plus brillants de France. Il a eu une grande influence sur la poésie française du XXe siècle.
Le symbolisme s'est répandu dans de nombreux pays européens. En Angleterre, il est représenté tout d'abord par l'écrivain O. Wilde (1854 - 1900), auteur du célèbre roman « Le portrait de Dorian Gray », ainsi que du poème « La ballade de Reading Gaol ». En Autriche, le poète R.M. Rilke (1875 - 1926) était proche du symbolisme, qui se manifestait notamment dans ses œuvres « Le Livre des images » et « Le Livre des heures ». Un autre représentant éminent du symbolisme est le dramaturge et poète belge M. Maeterlinck (1862 - 1949), auteur du célèbre « L'oiseau bleu ».
Le XIXe siècle revêt une importance fondamentale dans l’histoire de l’Occident. C'est à ce moment-là que tout se développe complètement nouveau genre civilisation - industrielle. Elle reposait sur le progrès scientifique et technologique. Par conséquent, l'un des principaux idéaux des Lumières - l'idéal du progrès de la raison - y a reçu son incarnation la plus complète.
L'émergence de la démocratie bourgeoise a contribué à l'expansion Liberté politique. Quant aux autres idéaux et valeurs de l'humanisme éducatif, leur mise en œuvre s'est heurtée à de sérieuses difficultés et obstacles. Par conséquent, le bilan général du XIXe siècle ne peut être sans ambiguïté.
D’une part, il y a les succès et les réalisations sans précédent de la civilisation. Dans le même temps, la civilisation industrielle émergente commence à évincer de plus en plus la culture spirituelle.
Tout d'abord, cela a touché la religion, puis d'autres domaines de la culture spirituelle : la philosophie, la morale et l'art. En général, on peut dire qu'au 19ème siècle, une dangereuse tendance à la déshumanisation de la culture est apparue dans le monde occidental, dont la conséquence à la fin du siècle était le système colonial, et au 20ème siècle - deux guerres mondiales.
Art européen de la fin du XIXe siècle - début du XXe siècle.
La formation de la civilisation industrielle a eu un impact énorme sur l’art européen. Comme jamais auparavant, elle était étroitement liée à la vie sociale, aux besoins spirituels et matériels des personnes. Dans le contexte de l’interdépendance croissante des peuples, les mouvements artistiques et les réalisations culturelles se sont rapidement répandus à travers le monde.
Peinture. Le romantisme et le réalisme se manifestent avec une force particulière dans la peinture. L’œuvre de l’artiste espagnol Francisco Goya (1746-1828) présente de nombreux signes de romantisme. Grâce à son talent et à son travail acharné, le fils d'un pauvre artisan devient un grand peintre. Son œuvre constitue une époque entière dans l’histoire de l’art européen. Les portraits artistiques de femmes espagnoles sont magnifiques. Ils sont écrits avec amour et admiration. On lit l'estime de soi, la fierté et l'amour de la vie sur les visages des héroïnes, quelle que soit leur origine sociale.
Le courage avec lequel Goya, peintre de la cour, a peint un portrait de groupe de la famille royale ne cesse d'étonner. Devant nous ne sommes pas des dirigeants ou des arbitres des destinées du pays, mais des gens tout à fait ordinaires, voire ordinaires. Le tournant de Goya vers le réalisme est également attesté par ses peintures consacrées à la lutte héroïque du peuple espagnol contre l'armée de Napoléon.
Charles IV et sa famille. F. Goya. A gauche (dans l'ombre) l'artiste se représente
Le célèbre artiste français Eugène Delacroix (1798-1863) est une figure clé du romantisme européen. Dans son travail, il place la fantaisie et l’imagination avant tout. Son tableau « La Liberté guidant le peuple » (1830) a marqué une étape importante dans l’histoire du romantisme, et en fait de tout l’art français. L'artiste a immortalisé la révolution de 1830 sur toile Après ce tableau, Delacroix ne se tourne plus vers la réalité française. Il s'intéresse au thème de l'Orient et aux sujets historiques, où un romantique rebelle peut laisser libre cours à sa fantaisie et à son imagination.
Les plus grands artistes réalistes étaient les français Gustave Courbet (1819-1877) et Jean Millet (1814-1875). Les représentants de ce mouvement s'efforçaient d'obtenir une représentation fidèle de la nature. L'accent était mis sur la vie quotidienne et le travail de l'homme. Au lieu des héros historiques et légendaires caractéristiques du classicisme et du romantisme, des gens ordinaires sont apparus dans leur œuvre : citadins, paysans et ouvriers. Les noms des tableaux parlent d'eux-mêmes : « Stone Crusher », « Knitters », « Gatherers of Ears ».
Officier des rangers à cheval de la garde impériale partant à l'attaque, 1812. Théodore Géricault (1791-1824). Le premier artiste du mouvement romantique. Le tableau exprime le romantisme de l'époque napoléonienne
Courbet fut le premier à utiliser la notion de réalisme. Il a défini le but de sa créativité comme suit : « Être capable de transmettre la morale, les idées, l'apparence des gens de l'époque selon moi, être non seulement un artiste, mais aussi un citoyen, créer de l'art vivant. »
Dans le dernier tiers du XIXe siècle. La France devient un leader dans le développement de l'art européen. C'est dans la peinture française qu'est né l'impressionnisme (du français impression - impression). Le nouveau mouvement est devenu un événement d'importance européenne. Les artistes impressionnistes cherchaient à transmettre sur toile des impressions momentanées de changements constants et subtils dans l'état de la nature et de l'homme.
Dans un wagon de troisième classe, 1862. O. Daumier (1808-1879). L'un des artistes les plus originaux de son époque. Balzac le comparait à Michel-Ange. Cependant, Daumier est devenu célèbre pour ses caricatures politiques. "Dans une voiture de troisième classe" présente une image non idéalisée de la classe ouvrière
Femme qui lit. K. Corot (1796-1875). Le célèbre artiste français s'intéressait particulièrement aux jeux de lumière et était un prédécesseur des impressionnistes. En même temps, son œuvre porte le sceau du réalisme.
Les impressionnistes ont opéré une véritable révolution dans les techniques de peinture. Ils travaillaient généralement à l'extérieur. Les couleurs et la lumière ont joué un rôle bien plus important dans leur travail que le dessin lui-même. Les artistes impressionnistes exceptionnels étaient Auguste Renoir, Claude Monet et Edgar Degas. L'impressionnisme a eu une énorme influence sur de grands maîtres du pinceau comme Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.
Impression. Lever du soleil, 1882. Claude Monet (1840-1926) peignait souvent les mêmes objets à différents moments de la journée pour explorer l'effet de la lumière sur la couleur et la forme.
Tournesols dans un vase. V.Van Gogh (1853-1890)
Église du village. V.Van Gogh
Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Le mécontentement de l'artiste face au mode de vie européen l'oblige à quitter la France et à vivre à Tahiti. Les traditions artistiques locales et la diversité du monde qui l'entoure ont eu une influence considérable sur la formation de son style artistique.
Rose et vert. E. Degas (1834-1917)
Fille à la mandoline, 1910. Pablo Picasso (1881-1973). Peintre espagnol ayant travaillé en France. Déjà à l'âge de dix ans, il était artiste et à seize ans eut lieu sa première exposition. A ouvert la voie au cubisme, un mouvement révolutionnaire dans l'art du 20e siècle. Les cubistes abandonnent la représentation de l'espace et la perspective aérienne. Les objets et les figures humaines sont transformés en une combinaison de diverses lignes et plans géométriques (droits, concaves et courbes). Les cubistes disaient qu'ils peignaient non pas comme ils voient, mais comme ils savent
Parapluies. O.Renoir
Comme la poésie, la peinture de cette époque est pleine de pressentiments anxieux et vagues. À cet égard, l’œuvre du talentueux artiste symboliste français Odilon Redon (1840-1916) est très caractéristique. Son sensationnel dans les années 80. Le dessin de l'Araignée est un présage inquiétant de la Première Guerre mondiale. L'araignée est représentée avec un visage humain effrayant. Ses tentacules sont en mouvement et agressifs. Le spectateur a le sentiment d’une catastrophe imminente.
Architecture. Le développement de la civilisation industrielle a eu un impact énorme sur l’architecture européenne. Les progrès scientifiques et technologiques ont contribué à l’innovation. Dans le 19ème siècle Les grands bâtiments d'importance nationale et publique ont été construits beaucoup plus rapidement. Depuis lors, de nouveaux matériaux ont commencé à être utilisés dans la construction, notamment le fer et l’acier. Avec le développement de la production industrielle, du transport ferroviaire et des grandes villes, de nouveaux types de structures sont apparus : gares, ponts en acier, banques, grands magasins, bâtiments d'exposition, nouveaux théâtres, musées, bibliothèques.
L'architecture au 19ème siècle. se distinguait par sa variété de styles, sa monumentalité et son objectif pratique.
Façade du bâtiment de l'Opéra de Paris. Construit en 1861 -1867. Exprime une direction éclectique, inspirée des époques Renaissance et baroque
Tout au long du siècle, le style néoclassique fut le plus répandu. Le bâtiment du British Museum de Londres, construit en 1823-1847, donne une idée claire de l'architecture ancienne (classique). Jusque dans les années 60. Le soi-disant « style historique » était à la mode, exprimé dans une imitation romantique de l’architecture du Moyen Âge. Fin du 19ème siècle. il y a un retour au gothique dans la construction d'églises et d'édifices publics (néo-gothique, c'est-à-dire nouveau gothique). Par exemple, les Chambres du Parlement à Londres. Contrairement au néo-gothique, une nouvelle direction, l'Art Nouveau (nouvel art), a émergé. Il se caractérisait par les contours sinueux et lisses des bâtiments, des locaux et des détails intérieurs. Au début du 20ème siècle. Une autre direction est apparue : le modernisme. Le style Art Nouveau se distingue par son côté pratique, sa rigueur et sa prévenance, ainsi que par son manque de décoration. C'est ce style qui reflète l'essence de la civilisation industrielle et est le plus associé à notre époque.
Dans son ambiance, l'art européen de la fin du 19e - début du 20e siècle. était contrasté. D’un côté, l’optimisme et la joie de vivre débordante. D’un autre côté, il y a un manque de confiance dans les capacités créatrices de l’homme. Et il ne faut pas y chercher de contradictions. L’art ne faisait que refléter à sa manière ce qui se passait dans le monde réel. Le regard des poètes, des écrivains et des artistes était plus aiguisé et plus perspicace. Ils ont vu ce que les autres ne voyaient pas et ne pouvaient pas voir.
Les tendances de la peinture du XIXe siècle recoupent assez étroitement celles du siècle précédent. Au début du siècle, c'était la direction dominante dans de nombreux pays. Né au XVIIIe siècle, ce style a continué à se développer, d'ailleurs au différents pays son développement avait des caractéristiques individuelles.
Classicisme
Les artistes qui ont travaillé dans ce sens se tournent à nouveau vers les images de l'Antiquité. Cependant, à travers des intrigues classiques, ils tentent d'exprimer des sentiments révolutionnaires - le désir de liberté, de patriotisme, d'harmonie entre l'homme et la société. L'artiste Louis David était un représentant éminent du classicisme révolutionnaire. Certes, au fil du temps, le classicisme est devenu direction conservatrice, qui a été soutenu par l'État, ce qui signifie qu'il est devenu sans visage, lisse par la censure.
Un épanouissement particulièrement brillant de la peinture au XIXe siècle a été observé en Russie. À cette époque, de nombreux nouveaux styles et tendances ont émergé ici. L’analogue du classicisme en Russie était l’académisme. Ce style présentait les caractéristiques du style européen classique : un appel aux images de l'Antiquité, des thèmes sublimes et une idéalisation des images.
le romantisme
Au début des années 30 du XIXe siècle, le romantisme apparaît comme un contrepoids au classicisme. Il y a eu de nombreux tournants dans la société à cette époque. Les artistes cherchaient à s'abstraire de la réalité disgracieuse, créant leur propre monde idéal. Cependant, le romantisme est considéré comme un mouvement progressiste de son époque car le désir des artistes romantiques était de véhiculer des idées d'humanisme et de spiritualité.Il s’agit d’une vaste direction qui se reflète dans l’art de nombreux pays. Son sens est l'exaltation de la lutte révolutionnaire, la création de nouveaux canons de beauté, le fait de peindre des tableaux non seulement avec le pinceau, mais aussi avec le cœur. L'émotivité est ici au premier plan. Le romantisme se caractérise par l'introduction d'images allégoriques dans une intrigue très réelle et par un habile jeu de clair-obscur. Les représentants de cette tendance étaient Francisco Goya, Eugène Delacroix et Rousseau. En Russie, les œuvres de Karl Bryullov sont classées comme romantisme.
Le réalisme
La tâche de cette direction était de décrire la vie telle qu'elle est. Les artistes réalistes se tournent vers les images gens ordinaires, les principales caractéristiques de leurs travaux sont la criticité et la véracité maximale. Ils représentaient en détail les haillons et les trous dans les vêtements des gens ordinaires, les visages des gens ordinaires déformés par la souffrance et les corps gras des bourgeois.L'école des artistes de Barbizon est un phénomène intéressant du XIXe siècle. Ce terme a réuni plusieurs maîtres français qui ont développé leur propre style dissemblable. Si dans les directions du classicisme et du romantisme, la nature différentes façons idéalisés, les Barbizoniens cherchaient à représenter des paysages d'après nature. Dans leurs peintures il y a des images nature indigène, et les gens ordinaires dans ce contexte. Le plus artistes célèbres Les Barbizons sont Théodore Rousseau, Jules Despres, Virgil la Peña, Jean-François Millet, Charles Daubigny.
Jean-François Millet
La créativité des Barbizoniens a influencé la poursuite du développement Peinture du 19ème siècle. Premièrement, les artistes de cette tendance ont des adeptes dans plusieurs pays, dont la Russie. Deuxièmement, les Barbizons ont donné une impulsion à l'émergence de l'impressionnisme. Ils furent les premiers à peindre en plein air. Par la suite, la tradition de représenter des paysages réels a été reprise par les impressionnistes.
Elle constitue l'étape finale de la peinture du XIXe siècle et se produit dans le dernier tiers du siècle. Les artistes impressionnistes ont abordé la représentation de la réalité d’une manière encore plus révolutionnaire. Ils cherchaient à transmettre non pas la nature elle-même, ni les images en détail, mais l'impression que produit tel ou tel phénomène.
L’impressionnisme constitue une avancée majeure dans l’histoire de la peinture. Cette période a donné au monde de nombreuses nouvelles techniques et des œuvres d'art uniques.
Classicisme, style artistique V art européen XVIIe – début du XIXe siècle, dont l’une des caractéristiques les plus importantes était l’appel aux formes de l’art ancien comme norme esthétique et éthique idéale. Le classicisme, né d'une interaction intensément polémique avec le baroque, est devenu un système stylistique intégral dans la culture artistique française du XVIIe siècle.Le classicisme du XVIIIe – début du XIXe siècle (dans l'histoire de l'art étranger, on l'appelle souvent néoclassicisme), devenu un style paneuropéen, s'est également formé principalement au sein de la culture française, sous la forte influence des idées des Lumières. En architecture, nouveaux types de demeures élégantes, cérémoniales bâtiment public, place ouverte de la ville (Gabriel Jacques Ange et Soufflot Jacques Germain), la recherche de nouvelles formes d'architecture désordonnées, le désir d'une simplicité sévère dans l'œuvre de Ledoux Claude Nicolas a anticipé l'architecture stade avancé classicisme - style empire. Pathétique civil et lyrisme se conjuguent dans l'art plastique (Pigal Jean Baptiste et Houdon Jean Antoine), les paysages décoratifs (Robert Hubert). Drame courageux d'histoire et photos de portraits inhérent aux œuvres du chef du classicisme français, le peintre Jacques Louis David. Au XIXe siècle, la peinture du classicisme, malgré les activités de grands maîtres, comme Jean Auguste Dominique Ingres, a dégénéré en un art de salon officiel, apologétique ou prétentieux. Rome est devenue le centre international du classicisme européen du XVIIIe et du début du XIXe siècle, où dominaient les traditions de l'académisme avec leur combinaison caractéristique de noblesse de forme et d'idéalisation froide ( peintre allemand Anton Raphael Mengs, sculpteurs : l'Italien Canova Antonio et le Danois Thorvaldsen Bertel). Pour l'architecture classicisme allemand Caractérisés par la monumentalité austère des bâtiments de Karl Friedrich Schinkel, l'ambiance contemplative et élégiaque de la peinture et des arts plastiques sont les portraits d'August et Wilhelm Tischbein, la sculpture de Johann Gottfried Schadow. Dans le classicisme anglais, se distinguent les structures antiques de Robert Adam, les parcs de style palladien de William Chambers, les dessins d'une austérité exquise de J. Flaxman et les céramiques de J. Wedgwood. Ses propres versions du classicisme développées dans la culture artistique de l'Italie, de l'Espagne, de la Belgique, des pays scandinaves et des États-Unis ; Le classicisme russe des années 1760-1840 occupe une place importante dans l’histoire de l’art mondial.
À la fin du premier tiers du XIXe siècle, le rôle prédominant du classicisme s'est effondré presque partout ; il a été remplacé par diverses formes d'éclectisme architectural. Vient à la vie tradition artistique classicisme dans le néoclassicisme de la fin du 19e au début du 20e siècle.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Artiste français, chef de file généralement reconnu de l'académisme européen du XIXe siècle.
Il y a chez Ingres une recherche de l'harmonie pure.
A étudié à l'Académie de Toulouse beaux-Arts. Après avoir obtenu son diplôme de l'académie, il s'installe à Paris, où en 1797 il devient l'élève de Jacques-Louis David. En 1806-1820, il étudie et travaille à Rome, puis s'installe à Florence, où il passe encore quatre ans. En 1824, il revient à Paris et ouvre une école de peinture. En 1835, il revient à Rome comme directeur de l'Académie française. De 1841 jusqu'à la fin de sa vie, il vécut à Paris.
L'académisme (académisme français) est une direction de la peinture européenne des XVIIe-XIXe siècles. La peinture académique est née à l’époque du développement des académies d’art en Europe. La base stylistique de la peinture académique au début du XIXe siècle était le classicisme et dans la seconde moitié du XIXe siècle l'éclectisme.
L'académisme s'est développé en suivant les formes extérieures de l'art classique. Les adeptes ont caractérisé ce style comme une réflexion sur la forme d'art ancienne. ancien monde et Renaissance.
Ingénieur. Portraits de la famille Rivière. 1804-05
le romantisme
le romantisme- un phénomène généré par le système bourgeois. Comme la vision du monde et le style créativité artistique elle reflète ses contradictions : l'écart entre ce qui devrait être et ce qui est, l'idéal et la réalité. La prise de conscience de l'irréalisabilité des idéaux et des valeurs humanistes des Lumières a donné naissance à deux alternatives positions idéologiques. L’essence de la première est de mépriser la basse réalité et de se replier sur des idéaux purs. L’essence de la seconde est de reconnaître la réalité empirique et d’écarter toute spéculation sur l’idéal. Le point de départ de la vision romantique du monde est le rejet ouvert de la réalité, la reconnaissance du fossé insurmontable entre les idéaux et l'existence réelle, le caractère déraisonnable du monde des choses.Elle se caractérise par une attitude négative envers la réalité, le pessimisme, l'interprétation forces historiques comme étant en dehors de la réalité quotidienne réelle, de la mystification et de la mythologisation. Tout cela a incité à rechercher une résolution des contradictions non pas dans le monde réel, mais dans le monde fantastique.
La vision romantique du monde couvrait toutes les sphères de la vie spirituelle : science, philosophie, art, religion. Cela s’est exprimé de deux manières :
Le premier est que le monde y apparaît comme une subjectivité cosmique sans fin, sans visage. L'énergie créatrice de l'esprit agit ici comme le début qui crée l'harmonie du monde. Cette version de la vision romantique du monde se caractérise par une image panthéiste du monde, l'optimisme, sentiments sublimes.
La seconde - la subjectivité humaine y est considérée individuellement et personnellement, comprise comme le monde intérieur égocentrique d'une personne en conflit avec monde extérieur. Cette attitude est caractérisée par le pessimisme, une attitude lyriquement triste envers le monde.
Le principe originel du romantisme était « deux mondes » : comparaison et contraste des mondes réel et imaginaire. La manière d’exprimer ce double monde était le symbolisme.
Le symbolisme romantique représentait une combinaison organique des mondes illusoire et réel, qui se manifestait par l'apparition de métaphores, d'hyperboles et de comparaisons poétiques. Le romantisme, malgré ses liens étroits avec la religion, était caractérisé par l'humour, l'ironie et la rêverie. Le romantisme a déclaré que la musique était le modèle et la norme pour tous les domaines de l'art, dans lesquels, selon les romantiques, résonnait l'élément même de la vie, l'élément de liberté et le triomphe des sentiments.
L’émergence du romantisme est due à plusieurs facteurs. Premièrement, socio-politique : Révolution française 1769-1793, Guerres napoléoniennes, Guerre d'Indépendance l'Amérique latine. Deuxièmement, économique : la révolution industrielle, le développement du capitalisme. Troisièmement, il s’est formé sous l’influence de la philosophie allemande classique. Quatrièmement, il s'est développé sur la base et dans le cadre des styles littéraires: Lumières, sentimentalisme.
Le romantisme fleurit entre 1795 et 1830. - la période des révolutions européennes et des mouvements de libération nationale, et le romantisme s'est manifesté particulièrement clairement dans la culture de l'Allemagne, de l'Angleterre, de la Russie, de l'Italie, de la France et de l'Espagne.
Tendance romantique a eu une grande influence dans le domaine humanitaire et le positiviste - dans les sciences naturelles, la technologie et la pratique.
Jean Louis André Théodore Géricault (1791-1824).
Elève un temps de C. Vernet (1808-1810), puis de P. Guérin (1810-1811), bouleversé par ses méthodes de transmission de la nature non conformes aux principes de l'école de Jacques-Louis David. et sa passion pour Rubens, mais il reconnut par la suite les aspirations rationnelles de Géricault.
Alors qu'il servait dans les mousquetaires royaux, Géricault écrivit principalement scènes de bataille, cependant, après avoir voyagé en Italie en 1817-1819. il a exécuté un tableau vaste et complexe «Le Radeau de la Méduse» (situé au Louvre, Paris), qui est devenu un déni complet de la direction davidique et une prédication éloquente du réalisme. La nouveauté de l'intrigue, le drame profond de la composition et la vérité vitale de cette œuvre magistralement écrite n'ont pas été immédiatement appréciés, mais elle a rapidement été reconnue même par les adeptes du style académique et a valu à l'artiste la renommée d'un innovateur talentueux et courageux. .
Tension et drame tragiques En 1818, Géricault travaille sur le tableau « Le Radeau de la Méduse », qui marque le début du romantisme français. Delacroix, posant pour son ami, a vu naître une composition qui brise toutes les idées habituelles sur la peinture. Delacroix a rappelé plus tard que lorsqu’il a vu le tableau terminé, il « s’est mis à courir avec joie comme un fou et n’a pas pu s’arrêter jusqu’à la maison ».
L'intrigue du film est basée sur un incident réel survenu le 2 juillet 1816 au large des côtes du Sénégal. Puis, sur le haut-fond d'Argen, à 40 lieues des côtes africaines, la frégate Medusa s'écrasa. 140 passagers et membres d'équipage ont tenté de s'échapper en montant à bord du radeau. Seuls 15 d'entre eux survécurent et, au douzième jour de leur pérégrination, ils furent récupérés par le brick Argus. Les détails du voyage des survivants ont choqué l'histoire moderne. opinion publique, et le crash lui-même s’est transformé en scandale au sein du gouvernement français en raison de l’incompétence du capitaine du navire et des tentatives insuffisantes pour secourir les victimes.
Solution figurative
La toile gigantesque impressionne par sa puissance expressive. Géricault a réussi à créer image lumineuse, combinant dans une seule image les morts et les vivants, l'espoir et le désespoir. La photo était précédée d'un énorme travail préparatoire. Géricault réalise de nombreux croquis de mourants dans les hôpitaux et de cadavres de personnes exécutées. « Le Radeau de la Méduse » fut la dernière des œuvres achevées de Géricault.
En 1818, alors que Géricault travaille au tableau « Le Radeau de la Méduse », qui marque le début du romantisme français, Eugène Delacroix, posant pour son ami, voit naître une composition qui brise toutes les idées habituelles sur la peinture. Delacroix a rappelé plus tard que lorsqu’il a vu le tableau terminé, il « s’est mis à courir avec joie comme un fou et n’a pas pu s’arrêter jusqu’à la maison ».
Réaction du public
Lorsque Géricault expose « Le Radeau de la Méduse » au Salon de 1819, le tableau suscite l'indignation du public, car l'artiste, contrairement aux normes académiques de l'époque, n'utilise pas un si grand format pour dépeindre un personnage héroïque, moralisateur ou classique. sujet.
Le tableau a été acquis en 1824 et se trouve actuellement salle 77 au 1er étage de la galerie Denon au Louvre.
Eugène Delacroix(1798 - 1863) - Peintre et graphiste français, chef du mouvement romantique dans la peinture européenne.
Mais les véritables universités pour Delacroix étaient le Louvre et la communication avec le jeune peintre Théodore Géricault. Au Louvre, il se fascine pour les œuvres des maîtres anciens. A cette époque, on pouvait y voir de nombreuses peintures capturées lors guerres Napoléoniennes et n'ont pas encore été restitués à leurs propriétaires. L'artiste en herbe était surtout attiré par les grands coloristes - Rubens, Véronèse et Titien. Mais c'est Théodore Géricault qui a eu la plus grande influence sur Delacroix.
En juillet 1830, Paris se rebelle contre la monarchie des Bourbons. Delacroix sympathisait avec les rebelles, et cela se reflétait dans sa « La liberté guidant le peuple » (dans notre pays, cette œuvre est également connue sous le nom de « La liberté sur les barricades »). Exposé au Salon de 1831, le tableau suscite une forte approbation du public. Le nouveau gouvernement a acheté le tableau, mais a immédiatement ordonné son retrait ; son pathos semblait trop dangereux.
