Hollande. 17ème siècle Le pays connaît une prospérité sans précédent. Le soi-disant « âge d’or ». À la fin du XVIe siècle, plusieurs provinces du pays accèdent à leur indépendance vis-à-vis de l'Espagne.

Aujourd’hui, les Pays-Bas protestants ont suivi leur propre voie. Et la Flandre catholique (la Belgique actuelle) sous l’aile de l’Espagne est la sienne.

En Hollande indépendante peinture religieuse Presque plus personne n’en avait besoin. L'Église protestante n'approuvait pas la décoration luxueuse. Mais cette circonstance « a fait le jeu » de la peinture profane.

Littéralement, tous les habitants du nouveau pays se sont réveillés amoureux de ce type d’art. Les Néerlandais voulaient voir dans les peintures propre vie. Et les artistes les ont volontiers rencontrés à mi-chemin.

Jamais auparavant la réalité environnante n’a été autant représentée. Des gens ordinaires, des chambres ordinaires et le petit déjeuner le plus ordinaire d'un citadin.

Le réalisme a prospéré. Jusqu'au XXe siècle, il sera un digne concurrent de l'académisme avec ses nymphes et ses Déesses grecques.

Ces artistes sont appelés « petits » hollandais. Pourquoi? Les peintures étaient de petite taille, car elles étaient créées pour les petites maisons. Ainsi, presque toutes les peintures de Jan Vermeer ne mesurent pas plus d'un demi-mètre de hauteur.

Mais j'aime mieux l'autre version. Aux Pays-Bas, au XVIIe siècle, vivait et travaillait un grand maître, le « grand » Hollandais. Et tout le monde était « petit » en comparaison avec lui.

Nous parlons bien sûr de Rembrandt. Commençons par lui.

1.Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrait à 63 ans. 1669 Galerie nationale de Londres

Rembrandt a vécu toute une gamme d’émotions au cours de sa vie. C'est pourquoi il y a tant de plaisir et de bravade dans ses premiers travaux. Et il y a tellement de sentiments complexes – dans les derniers.

Le voici jeune et insouciant dans le tableau « Le fils prodigue à la taverne ». À genoux se trouve son épouse bien-aimée, Saskia. C'est un artiste populaire. Les commandes affluent.

Rembrandt. Le fils prodigue dans une taverne. 1635 Galerie des Maîtres Anciens, Dresde

Mais tout cela disparaîtra dans une dizaine d’années. Saskia mourra de consomption. La popularité disparaîtra comme de la fumée. Une grande maison avec une collection unique sera confisquée pour dettes.

Mais le même Rembrandt apparaîtra et restera pendant des siècles. Les sentiments bruts des héros. Leurs pensées les plus profondes.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrait. 1650 Musée d'art métropolitain de New York

Frans Hals est l'un des plus grands portraitistes de tous les temps. C’est pourquoi je le classerais également parmi les « grands » Néerlandais.

En Hollande, à cette époque, il était d'usage de commander des portraits de groupe. C'est ainsi que sont apparues de nombreuses œuvres similaires représentant des personnes travaillant ensemble : tireurs d'élite d'une guilde, médecins d'une ville, directeurs d'une maison de retraite.

Dans ce genre, Hals se démarque le plus. Après tout, la plupart de ces portraits ressemblaient à un jeu de cartes. Les gens s’assoient à table avec la même expression faciale et se contentent de regarder. C'était différent pour Hals.

Regardez son portrait de groupe « Flèches de la Guilde de St. Georges."

Frans Hals. Flèches de la Guilde de St. Georges. 1627 Musée Frans Hals, Haarlem, Pays-Bas

Ici, vous ne trouverez pas une seule répétition de pose ou d’expression faciale. En même temps, il n’y a pas de chaos ici. Les personnages sont nombreux, mais aucun ne semble superflu. Grâce à la disposition étonnamment correcte des chiffres.

Et même dans un seul portrait, Hals était supérieur à de nombreux artistes. Ses motifs sont naturels. Les gens de haute société ses tableaux sont dépourvus de grandeur artificielle et les modèles des classes inférieures n'ont pas l'air humiliés.

Et ses personnages sont aussi très émotifs : ils sourient, rient et gesticulent. Comme par exemple ce « Gypsy » au look rusé.

Frans Hals. Gitan. 1625-1630

Hals, comme Rembrandt, a fini sa vie dans la pauvreté. Pour la même raison. Son réalisme allait à l'encontre des goûts de ses clients. Qui voulaient que leur apparence soit embellie. Hals n'a pas accepté la flatterie pure et simple et a ainsi signé sa propre phrase - "Oblivion".

3. Gérard Terborch (1617-1681)

Gérard Terborch. Autoportrait. 1668 Galerie Royale Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas

Terborkh était un maître du genre quotidien. Les bourgeois riches et moins riches parlent tranquillement, les dames lisent des lettres et une entremetteuse surveille la cour. Deux ou trois personnages rapprochés.

C'est ce maître qui a développé les canons du genre quotidien. Qui sera ensuite empruntée par Jan Vermeer, Pieter de Hooch et bien d’autres « petits » Néerlandais.

Gérard Terborch. Un verre de limonade. années 1660. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

« Un verre de limonade » est l'un des œuvres célèbres Terborha. Cela montre un autre avantage de l’artiste. Image incroyablement réaliste du tissu de la robe.

Terborch possède également des œuvres insolites. Ce qui en dit long sur sa volonté d’aller au-delà des exigences des clients.

Son "The Grinder" montre la vie des personnes les plus pauvres aux Pays-Bas. Nous avons l'habitude de voir des cours confortables et des salles blanches dans les peintures des « petits » Hollandais. Mais Terborch a osé montrer la Hollande disgracieuse.

Gérard Terborch. Broyeur. 1653-1655 Musées d'État de Berlin

Comme vous le comprenez, un tel travail n’était pas demandé. Et ils - événement rare même Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Atelier d'artiste. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienne

On ne sait pas avec certitude à quoi ressemblait Jan Vermeer. Il est évident que dans le tableau « L’atelier de l’artiste », il s’est représenté lui-même. La vérité de dos.

Il est donc surprenant qu’un nouveau fait dans la vie du maître soit récemment devenu connu. Il est lié à son chef-d'œuvre « Delft Street ».

Jan Vermeer. Rue de Delft. 1657 Musée d'Étatà Amsterdam

Il s'est avéré que Vermeer a passé son enfance dans cette rue. La maison photographiée appartenait à sa tante. Elle y a élevé ses cinq enfants. Peut-être est-elle assise sur le pas de la porte en train de coudre pendant que ses deux enfants jouent sur le trottoir. Vermeer lui-même vivait dans la maison d'en face.

Mais le plus souvent, il représentait l'intérieur de ces maisons et leurs habitants. Il semblerait que les intrigues des peintures soient très simples. Voici une jolie dame, riche citadine, vérifiant le fonctionnement de sa balance.

Jan Vermeer. Femme avec des écailles. 1662-1663 Galerie nationale d'art, Washington

Pourquoi Vermeer se démarque-t-il parmi des milliers d’autres « petits » Néerlandais ?

C'était un maître inégalé de la lumière. Dans le tableau « Femme aux écailles », la lumière enveloppe doucement le visage de l’héroïne, les tissus et les murs. Donner à l’image une spiritualité méconnue.

Et les compositions des tableaux de Vermeer sont soigneusement vérifiées. Vous ne trouverez pas un seul détail inutile. Il suffit d'en supprimer un, l'image « s'effondrera » et la magie disparaîtra.

Tout cela n’a pas été facile pour Vermeer. Une telle qualité étonnante nécessitait un travail minutieux. Seulement 2-3 tableaux par an. En conséquence, l'incapacité de nourrir la famille. Vermeer a également travaillé comme marchand d'art, vendant des œuvres d'autres artistes.

5. Pieter de Hooch (1629-1684)

Pieter de Hooch. Autoportrait. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch est souvent comparé à Vermeer. Ils travaillaient en même temps, il y avait même une période dans la même ville. Et dans un genre - tous les jours. À Hoch, nous voyons également un ou deux personnages dans de confortables cours ou pièces hollandaises.

Les portes et fenêtres ouvertes rendent l'espace de ses peintures superposé et divertissant. Et les personnages s'intègrent très harmonieusement dans cet espace. Comme par exemple dans son tableau « Femme de chambre avec une fille dans la cour ».

Pieter de Hooch. Une femme de chambre avec une fille dans la cour. 1658 Galerie nationale de Londres

Jusqu'au 20ème siècle, Hoch était très apprécié. Mais peu de gens remarquèrent les petites œuvres de son concurrent Vermeer.

Mais au XXe siècle, tout a changé. La gloire de Hoch s'est évanouie. Cependant, il est difficile de ne pas reconnaître ses réalisations en peinture. Peu de gens pourraient combiner avec autant de compétence l’environnement et les gens.

Pieter de Hooch. Joueurs de cartes dans une salle ensoleillée. 1658 Royale collection d'art, Londres

Veuillez noter que dans une modeste maison, sur la toile «Joueurs de cartes», il y a un tableau accroché dans un cadre coûteux.

C'est dans encore une fois raconte à quel point la peinture était populaire parmi les Néerlandais ordinaires. Des peintures décoraient chaque maison : celle d'un riche bourgeois, d'un modeste citadin et même d'un paysan.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoportrait au luth. années 1670 Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen est peut-être le « petit » Néerlandais le plus joyeux. Mais j'aime l'enseignement moral. Il représentait souvent des tavernes ou des maisons pauvres dans lesquelles régnait le vice.

Ses personnages principaux sont des fêtards et des dames de petite vertu. Il voulait divertir le spectateur, mais le mettre en garde de manière latente contre une vie vicieuse.

Jan Steen. C'est le bordel. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vienne

Sten a également des œuvres plus silencieuses. Comme, par exemple, « Toilettes du matin ». Mais là aussi l'artiste surprend le spectateur avec des détails trop révélateurs. Il y a des traces d'élastique de bas, et non un pot de chambre vide. Et d’une manière ou d’une autre, il n’est pas du tout approprié que le chien soit allongé directement sur l’oreiller.

Jan Steen. Toilettes du matin. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Mais malgré toute la frivolité, solutions de couleurs Wall est très professionnel. En cela, il était supérieur à de nombreux « petits Hollandais ». Regardez comme le bas rouge se marie parfaitement avec la veste bleue et le tapis beige vif.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1682)

Portrait de Ruisdael. Lithographie tirée d'un livre du XIXe siècle.

Jusqu'à la fin du XVIe siècle, la peinture hollandaise était indissociable de la peinture flamande et avait nom commun"École néerlandaise" Tous deux, étant une branche de la peinture allemande, considèrent les frères van Eyck comme leurs ancêtres et évoluent depuis longtemps dans la même direction, développant la même technique, de sorte que les artistes hollandais ne sont pas différents de leur Flandre. et les frères brabançons.

Lorsque le peuple néerlandais s'est débarrassé de l'oppression de l'Espagne, la peinture hollandaise a acquis caractère national. Les artistes hollandais se distinguent par leur reproduction de la nature avec un amour particulier dans toute sa simplicité et sa vérité et un sens subtil de la couleur.

Les Néerlandais ont été les premiers à comprendre que même dans la nature inanimée, tout respire la vie, tout est attrayant, tout est capable d'évoquer la pensée et d'exciter le mouvement du cœur.

Parmi les peintres paysagistes interprétant leur nature domestique, sont particulièrement respectés par Jan van Goyen (1595-1656), qui, avec Ezaias van de Velde (c. 1590-1630) et Pieter Moleyn l'Ancien (1595-1661), est considéré comme le fondateur du paysage hollandais.

Mais les artistes hollandais ne peuvent être divisés en écoles. L’expression « école de peinture hollandaise » est très arbitraire. En Hollande, il existait des sociétés organisées d'artistes, qui étaient des sociétés libres qui protégeaient les droits de leurs membres et n'influençaient pas l'activité créatrice.

Le nom de Rembrandt (1606-1669) brille particulièrement dans l'histoire, dans la personnalité duquel tout meilleures qualités La peinture hollandaise et son influence se reflètent dans tous ses types - dans les portraits, peintures historiques, scènes du quotidien et paysage.

Au XVIIe siècle, la peinture quotidienne se développe avec succès, dont les premières expériences sont constatées dans la vieille école hollandaise. Dans ce genre, les noms les plus célèbres sont Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704) Henrik Roques, surnommé Sorg (1621-82),

Les artistes qui ont peint des scènes de la vie militaire peuvent être classés parmi les peintres de genre. Représentant en chef cette branche de la peinture - le célèbre et exceptionnellement prolifique Philips Wouwerman (1619-68)

Dans une catégorie spéciale, nous pouvons distinguer les maîtres qui, dans leurs peintures, combinaient des paysages avec des images d'animaux, le plus célèbre parmi ces peintres d'idylles rurales est Paulus Potter (1625-1654) ; Albert Cuyp (1620-91).

Les artistes hollandais accordaient la plus grande attention à la mer.

Dans l'œuvre de Willem van de Velde l'Ancien (1611 ou 1612-93), de son célèbre fils Willem van de Velde le Jeune (1633-1707), de Ludolf Backhuisen (1631-1708), la peinture de vues sur la mer était leur spécialité.

Dans le domaine de la nature morte, les plus célèbres furent Jan-Davids de Gem (1606-83), son fils Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93) .

La période brillante de la peinture hollandaise n'a pas duré longtemps : un siècle seulement.

Depuis le début du XVIIIe siècle. son déclin approche, la raison en est les goûts et les vues de l'époque pompeuse de Louis XIV. Au lieu d'un rapport direct à la nature, de l'amour de ce qui est indigène et de la sincérité, s'établit la domination des théories préconçues, des conventions et de l'imitation des sommités de l'école française. Le principal propagateur de cette regrettable tendance fut le Flamand Gérard de Leresse (1641-1711), installé à Amsterdam.

Le déclin de l'école fut également facilité par le célèbre Adrian van de Werff (1659-1722), dont la couleur terne des peintures semblait autrefois le comble de la perfection.

L'influence étrangère a pesé lourdement sur la peinture hollandaise jusque dans les années vingt du XIXe siècle.

Par la suite, les artistes néerlandais se sont tournés vers leur antiquité – vers une stricte observation de la nature.

La dernière peinture de paysage hollandaise est particulièrement riche. Il s'agit notamment d'Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (né en 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) et d'autres.

Parmi les peintres de marine les plus récents des Pays-Bas, la palme appartient à Johannes Schotel (1787-1838).

Il a montré des animaux en peinture grand art Wouters Verschoor (1812-74).

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Note. Outre les artistes des Pays-Bas, la liste comprend également des peintres flamands.

Art hollandais du XVe siècle
Les premières manifestations de l’art de la Renaissance aux Pays-Bas remontent au début du XVe siècle. Les premiers tableaux pouvant déjà être classés comme monuments de la première Renaissance ont été réalisés par les frères Hubert et Jan van Eyck. Tous deux - Hubert (mort en 1426) et Jan (vers 1390-1441) - jouèrent un rôle décisif dans la formation de la Renaissance hollandaise. On ne sait presque rien d’Hubert. Jan était apparemment un homme très instruit, il étudia la géométrie, la chimie, la cartographie et effectua quelques missions diplomatiques pour le duc de Bourgogne, Philippe le Bon, au service duquel, d'ailleurs, eut lieu son voyage au Portugal. Les premiers pas de la Renaissance aux Pays-Bas peuvent être jugés par les peintures des frères, exécutées dans les années 20 du XVe siècle, et parmi elles comme « Femmes porteuses de myrrhe au tombeau » (peut-être une partie d'un polyptyque ; Rotterdam, Museum Boijmans van Beiningen), « Madonna in the Church » (Berlin), « Saint Jerome » (Detroit, Art Institute).

Les frères Van Eyck occupent une place exceptionnelle dans l'art contemporain. Mais ils n'étaient pas seuls. Parallèlement, d’autres peintres qui leur étaient liés stylistiquement et problématiquement travaillèrent également avec eux. Parmi eux, la première place appartient sans aucun doute au soi-disant maître Flemal. De nombreuses tentatives ingénieuses ont été faites pour déterminer son véritable nom et son origine. Parmi celles-ci, la version la plus convaincante est que cet artiste porte le nom de Robert Campin et une biographie assez développée. Anciennement appelé le Maître de l'Autel (ou « Annonciation ») de Mérode. Il existe également un point de vue peu convaincant qui attribue les œuvres qui lui sont attribuées au jeune Rogier van der Weyden.

On sait de Campin qu'il est né en 1378 ou 1379 à Valenciennes, reçut le titre de maître en 1406 à Tournai, y vécut, se produisit en plus de peintures de nombreux peintres décoratifs, fut le professeur de plusieurs peintres (dont Rogier van der Weyden, dont il sera question ci-dessous, à partir de 1426, et Jacques Darais, à partir de 1427) et mourut en 1444. L'art de Kampen a conservé fonctionnalités quotidiennes dans le schéma général « panthéiste » et se révèle ainsi très proche de la prochaine génération de peintres hollandais. Les premiers ouvrages de Rogier van der Weyden et de Jacques Darais, auteur extrêmement dépendant de Campin (par exemple « L'Adoration des Mages » et « La Rencontre de Marie et d'Élisabeth », 1434-1435 ; Berlin), révèlent clairement un intérêt pour l'art de ce maître, dont il ne fait aucun doute que la tendance du temps apparaît.

Rogier van der Weyden est né en 1399 ou 1400, formé par Campin (c'est-à-dire à Tournai), reçut le titre de maître en 1432 et s'installa en 1435 à Bruxelles, où il fut le peintre officiel de la ville : en 1449– En 1450, il voyage en Italie et meurt en 1464. Certains des plus grands artistes de la Renaissance néerlandaise étudient avec lui (par exemple Memling) et il jouit d'une grande renommée non seulement dans son pays natal, mais aussi en Italie (le célèbre scientifique et philosophe Nicolas de Cuse l'a appelé le plus grand artiste ; plus tard, son œuvre a été remarquée par Dürer). L’œuvre de Rogier van der Weyden a servi de base nourricière à une grande variété de peintres de la génération suivante. Il suffit de dire que son atelier - le premier atelier aussi largement organisé aux Pays-Bas - a eu une forte influence sur la diffusion sans précédent du style d'un maître au XVe siècle, a finalement réduit ce style à la somme de techniques de pochoir et a même joué le rôle de frein à la peinture à la fin du siècle. Pourtant, l’art du milieu du XVe siècle ne peut être réduit à la tradition Rohir, bien qu’il y soit étroitement lié. L’autre voie est incarnée principalement par les travaux de Dirik Bouts et d’Albert Ouwater. Comme Rogier, ils sont quelque peu étrangers à l'admiration panthéiste de la vie, et leur image de l'homme perd de plus en plus contact avec les questions de l'univers - questions philosophiques, théologiques et artistiques, acquérant de plus en plus de concret et de certitude psychologique. Mais Rogier van der Weyden, maître du son dramatique exacerbé, artiste qui recherchait des images à la fois individuelles et sublimes, s'intéressait principalement au domaine des propriétés spirituelles humaines. Les réalisations de Bouts et Ouwater résident dans le domaine de la valorisation de l'authenticité quotidienne de l'image. Parmi les problèmes formels, ils s'intéressaient davantage aux problèmes liés à la résolution de problèmes moins expressifs que visuels (non pas la netteté du dessin et l'expression de la couleur, mais l'organisation spatiale de l'image et le naturel de l'environnement lumière-air) .

Portrait d'une jeune femme, 1445, Galerie de photos, Berlin

Saint-Ivo, 1450, National Gallery, Londres

Saint Luc peignant l'image de la Madone, 1450, Musée de Groningen, Bruges

Mais avant d'aborder l'œuvre de ces deux peintres, il convient de s'attarder sur un phénomène à plus petite échelle, qui montre que les découvertes de l'art du milieu du siècle, étant à la fois une continuation de la tradition Van Eyck-Campen et une rupture avec d'eux, étaient profondément justifiés dans ces deux qualités. Le peintre plus conservateur Petrus Christus démontre clairement le caractère historiquement inévitable de cette apostasie, même pour les artistes peu enclins aux découvertes radicales. À partir de 1444, Christus devint citoyen de Bruges (il y mourut en 1472/1473) - c'est-à-dire qu'il vit les meilleures œuvres de van Eyck et fut influencé par sa tradition. Sans recourir à l’aphorisme acéré de Rogier van der Weyden, Christus parvient à une caractérisation plus individualisée et différenciée que celle de van Eyck. Cependant, ses portraits (E. Grimston - 1446, Londres, National Gallery ; Chartreux - 1446, New York, Metropolitan Museum of Art) indiquent en même temps un certain déclin de l'imagerie dans son œuvre. Dans l’art, le besoin de concret, d’individuel et de particulier se fait de plus en plus apparent. C’est peut-être dans l’œuvre de Bouts que ces tendances se sont manifestées le plus clairement. Plus jeune que Rogier van der Weyden (né entre 1400 et 1410), il est loin du caractère dramatique et analytique de ce maître. Pourtant, les premiers Bouts viennent en grande partie de Rogier. L'autel avec « La Descente de Croix » (Grenade, Cathédrale) et un certain nombre d'autres tableaux, par exemple « La Mise au Tombeau » (Londres, National Gallery), témoignent d'une étude approfondie de l'œuvre de cet artiste. Mais l'originalité est déjà perceptible ici - Bouts offre plus d'espace à ses personnages, il ne s'intéresse pas tant à l'environnement émotionnel qu'à l'action, au processus même de celle-ci, ses personnages sont plus actifs. Il en va de même pour les portraits. En excellent portrait d'un homme(1462; Londres, National Gallery) les yeux levés dans la prière - bien que sans aucune exaltation -, une bouche particulière et des mains soigneusement jointes ont une coloration si individuelle que van Eyck ne connaissait pas. Même dans les détails, vous pouvez ressentir cette touche personnelle. Une réflexion un peu prosaïque, mais innocemment réelle, réside dans toutes les œuvres du maître. Cela est particulièrement visible dans ses compositions à plusieurs figures. Et surtout dans son œuvre la plus célèbre - l'autel de l'église Saint-Pierre de Louvain (entre 1464 et 1467). Si le spectateur perçoit toujours l’œuvre de van Eyck comme un miracle de créativité, alors des sentiments différents surgissent devant les œuvres de Bouts. Le travail de composition de Bouts en dit long sur lui en tant que réalisateur. Ayant à l’esprit les succès d’une telle méthode de « metteur en scène » (c’est-à-dire une méthode dans laquelle la tâche de l’artiste est d’agencer les traits caractéristiques, comme s’ils étaient extraits de la nature), personnages, organiser la scène) dans les siècles suivants, il faudra prêter attention à ce phénomène dans l'œuvre de Dirk Bouts.

La prochaine étape de l'art néerlandais couvre les trois ou quatre dernières décennies du XVe siècle - une période extrêmement difficile pour la vie du pays et sa culture. Cette période s'ouvre avec l'œuvre de Joos van Wassenhove (ou Joos van Gent ; entre 1435 et 1440 - après 1476), un artiste qui joua un rôle important dans la formation de nouvelle peinture, mais partit pour l'Italie en 1472, s'y acclimata et s'impliqua organiquement dans l'art italien. Son autel avec la « Crucifixion » (Gand, église Saint-Bavon) témoigne d'un désir de narration, mais en même temps d'un désir de priver l'histoire de froide impartialité. Il veut réaliser ce dernier avec l'aide de la grâce et du caractère décoratif. Son autel est une œuvre séculaire en nature avec une palette de couleurs claires basée sur des tons irisés raffinés.
Cette période se poursuit avec le travail d'un maître au talent exceptionnel - Hugo van der Goes. Il est né vers 1435, devint maître à Gand en 1467 et mourut en 1482. Les premières œuvres de Hus comprennent plusieurs images de la Vierge à l'Enfant, distinguées par l'aspect lyrique de l'image (Philadelphie, Musée d'Art et Bruxelles, Musée), et le tableau « Sainte Anne, Marie et l'Enfant et donateur » (Bruxelles, Musée). Développant les découvertes de Rogier van der Weyden, Hus voit dans la composition non pas tant un moyen d'organisation harmonieuse de ce qui est représenté, mais un moyen de concentration et de révélation du contenu émotionnel de la scène. Une personne n'est remarquable à Hus que par la force de ses sentiments personnels. En même temps, Gus est attiré par des sentiments tragiques. Cependant, l'image de Sainte Geneviève (au dos de la Lamentation) indique que, en quête d'émotion nue, Hugo van der Goes a commencé à prêter attention à sa signification éthique. Sur l'autel de Portinari, Hus tente d'exprimer sa foi dans les capacités spirituelles de l'homme. Mais son art devient nerveux et tendu. Techniques artistiques Gusa est varié - surtout lorsqu'il a besoin de recréer le monde spirituel d'une personne. Parfois, comme pour exprimer la réaction des bergers, il compare des sentiments proches dans un certain ordre. Parfois, comme à l'image de Marie, l'artiste dessine caractéristiques communes des expériences à partir desquelles le spectateur complète le sentiment dans son ensemble. Parfois - dans les images d'un ange aux yeux étroits ou de Marguerite - il recourt à des techniques de composition ou rythmiques pour déchiffrer l'image. Parfois, le caractère très insaisissable de l'expression psychologique se transforme pour lui en un moyen de caractérisation - c'est ainsi que le reflet d'un sourire joue sur le visage sec et incolore de Maria Baroncelli. Et les pauses jouent un rôle énorme – dans la décision spatiale et dans l’action. Ils offrent l'occasion de développer mentalement et de compléter le sentiment que l'artiste a décrit dans l'image. Le caractère des images de Hugo van der Goes dépend toujours du rôle qu'elles sont censées jouer dans leur ensemble. Le troisième berger est vraiment naturel, Joseph est entièrement psychologique, l'ange à sa droite est presque irréel et les images de Marguerite et de Madeleine sont complexes, synthétiques et construites sur des gradations psychologiques extrêmement subtiles.

Hugo van der Goes a toujours voulu exprimer et incarner dans ses images la douceur spirituelle d'une personne, sa chaleur intérieure. Mais en substance, les derniers portraits de l'artiste indiquent une crise croissante dans l'œuvre de Hus, car sa structure spirituelle n'est pas tant générée par la conscience des qualités individuelles d'une personne, mais par la perte tragique de l'unité de l'homme et du monde pour l'artiste. DANS dernier emploi– « La Mort de Marie » (Bruges, Musée) – cette crise entraîne l’effondrement de toutes les aspirations créatrices de l’artiste. Le désespoir des apôtres est sans espoir. Leurs gestes n'ont aucun sens. Flottant dans son rayonnement, le Christ, avec sa souffrance, semble justifier sa souffrance, et ses paumes percées sont tournées vers le spectateur, et une figure de taille indéfinie viole la structure à grande échelle et le sens de la réalité. Il est également impossible de comprendre l’étendue de la réalité de l’expérience des apôtres, car ils ont tous le même sentiment. Et ce n’est pas tant le leur que celui de l’artiste. Mais ses porteurs sont toujours physiquement réels et psychologiquement convaincants. Des images similaires renaîtront plus tard, lorsqu'à la fin du XVe siècle, dans la culture hollandaise, une tradition centenaire (à Bosch) prit fin. Un étrange zigzag fonde la composition du tableau et l'organise : l'apôtre assis, le seul immobile, regardant le spectateur, incliné de gauche à droite, la Marie prostrée de droite à gauche, le Christ flottant de gauche à droite. . Et le même zigzag dans la palette de couleurs : la figure de la personne assise est associée en couleur à Marie, celle allongée sur un drap bleu terne, dans une robe également bleue, mais du bleu le plus extrême, extrême, puis - l'éthéré, bleu immatériel du Christ. Et tout autour se trouvent les couleurs des robes des apôtres : jaune, vert, bleu – infiniment froides, claires, contre nature. Le sentiment dans « L’Assomption » est nu. Cela ne laisse aucune place à l’espoir ni à l’humanité. À la fin de sa vie, Hugo van der Goes entra dans un monastère ; ses dernières années furent éclipsées par la maladie mentale. Apparemment, dans ces faits biographiques, on peut voir le reflet des contradictions tragiques qui définissaient l’art du maître. Le travail de Hus était connu et apprécié et attira l'attention même en dehors des Pays-Bas. Jean Clouet l'Ancien (Maître de Moulins) fut grandement influencé par son art, Domenico Ghirlandaio connaissait et étudiait le retable de Portinari. Mais ses contemporains ne le comprenaient pas. art hollandais s’est progressivement orienté vers une voie différente, et des traces isolées de l’influence de l’œuvre de Hus ne font que souligner la force et la prédominance de ces autres tendances. Ils sont apparus de manière plus complète et plus cohérente dans les œuvres de Hans Memling.

Vanité terrestre, triptyque, panneau central,

Enfer, panneau gauche du triptyque "Vanités terrestres",
1485, Musée beaux arts, Strasbourg

Hans Memling, apparemment né à Seligenstadt, près de Francfort-sur-le-Main, en 1433 (mort en 1494), l'artiste reçut une excellente formation auprès de Rogier et, s'étant installé à Bruges, y acquit une grande renommée. Des travaux déjà relativement anciens révèlent la direction de sa quête. Les principes de lumière et de sublime ont reçu de lui un sens beaucoup plus profane et terrestre, et tout ce qui est terrestre - une certaine exaltation idéale. Un exemple est l'autel avec la Madone, les saints et les donateurs (Londres, National Gallery). Memling s'efforce de préserver l'apparence quotidienne de ses vrais héros et de rapprocher d'eux ses héros idéaux. Le principe sublime cesse d'être une expression de certaines forces mondiales générales comprises d'un point de vue panthéistique et se transforme en une propriété spirituelle naturelle de l'homme. Les principes de l’œuvre de Memling ressortent plus clairement dans ce qu’on appelle l’autel de Floreins (1479 ; Bruges, musée de Memling), dont la scène principale et l’aile droite sont pour l’essentiel des copies libres des parties correspondantes de l’autel de Rogier à Munich. Il réduit de manière décisive la taille de l'autel, coupe les parties supérieures et latérales de la composition de Rogier, réduit le nombre de personnages et, pour ainsi dire, rapproche l'action du spectateur. L'événement perd sa portée majestueuse. Les images des participants perdent leur représentativité et acquièrent des traits privés, la composition est une nuance de douce harmonie et la couleur, tout en conservant pureté et transparence, perd complètement la sonorité froide et aiguë de Rogirov. Il semble trembler de nuances claires et claires. Plus caractéristique encore est l’Annonciation (vers 1482 ; New York, collection Lehman), où le schéma de Rogier est utilisé ; L'image de Marie présente des caractéristiques d'idéalisation douce, l'ange est considérablement orienté vers le genre et les objets intérieurs sont peints avec un amour semblable à celui de Van Eyck. Dans le même temps, les motifs de la Renaissance italienne – guirlandes, putti, etc. – pénètrent de plus en plus dans l’œuvre de Memling et la structure de la composition devient plus mesurée et plus claire (triptyque avec « La Vierge à l’Enfant, l’Ange et le Donateur », Vienne). L'artiste tente d'effacer la frontière entre le principe concret et bourgeois et le principe idéalisant et harmonieux.

L'art de Memling a attiré l'attention des maîtres des provinces du nord. Mais ils s'intéressaient également à d'autres caractéristiques - celles associées à l'influence de Huss. Les provinces du nord, y compris la Hollande, étaient à la traîne par rapport aux provinces du sud au cours de cette période, tant sur le plan économique qu'économique. spirituellement. La peinture hollandaise ancienne ne dépassait généralement pas le modèle médiéval et provincial de la fin, et le niveau de son art ne s'élevait jamais au niveau artistique des artistes flamands. Ce n'est que dans le dernier quart du XVe siècle que la situation change grâce à l'art de Hertgen tot sint Jans. Il vécut à Haarlem, chez les moines johannites (auxquels il doit son surnom - sint Jans signifie Saint Jean) et mourut jeune - vingt-huit ans (né à Leiden (?) vers 1460/65, mort à Haarlem en 1490- 1495). Hertgen sentit vaguement l'inquiétude qui inquiétait Hus. Mais, sans s'élever jusqu'à ses intuitions tragiques, il découvrit le doux charme du simple sentiment humain. Il est proche de Gus avec son intérêt pour l'intérieur, monde spirituel personne. Parmi les œuvres majeures de Hertgen figure un retable peint pour les Johannites de Harlem. L'aile droite, désormais sciée des deux côtés, en a survécu. Sa face intérieure représente une grande scène de deuil à plusieurs figures. Gertgen accomplit les deux tâches fixées à l'époque : transmettre la chaleur, l'humanité des sentiments et créer un récit vitalement convaincant. Ce dernier est particulièrement visible à l'extérieur de la porte, où est représenté l'incendie des restes de Jean-Baptiste par Julien l'Apostat. Les participants à l'action sont dotés d'un caractère exagéré et l'action est divisée en un certain nombre de scènes indépendantes, dont chacune est présentée avec une observation vivante. En chemin, le maître crée peut-être l'un des premiers art européen nouvelle époque des portraits de groupe : construits sur le principe de la combinaison simple caractéristiques du portrait, il anticipe les travaux du XVIe siècle. Sa « Famille du Christ » (Amsterdam, Rijksmuseum), présentée dans un intérieur d’église, interprétée comme un véritable environnement spatial, apporte beaucoup pour comprendre l’œuvre de Geertgen. Les personnages du premier plan restent significatifs, ne traduisant aucun sentiment, conservant leur apparence quotidienne avec une dignité calme. L'artiste crée des images qui sont peut-être les plus bourgeoises de l'art des Pays-Bas. En même temps, il est significatif que Gertgen comprenne la tendresse, la douceur et une certaine naïveté non pas comme des signes extérieurement caractéristiques, mais comme certaines propriétés du monde spirituel d’une personne. Et cette fusion du sens de la vie bourgeoise avec une profonde émotivité est une caractéristique importante de l’œuvre de Gertgen. Ce n'est pas un hasard s'il n'a pas donné aux mouvements spirituels de ses héros un caractère sublime et universel. C’est comme s’il empêchait délibérément ses héros de devenir exceptionnels. Pour cette raison, ils ne semblent pas individuels. Ils ont de la tendresse et n'ont pas d'autres sentiments ou pensées étrangères ; la clarté et la pureté de leurs expériences les éloignent de la vie quotidienne. Cependant, l’idéalité de l’image qui en résulte ne semble jamais abstraite ou artificielle. Ces caractéristiques distinguent l'un des meilleures œuvres artiste, « Christmas » (Londres, National Gallery), un petit tableau qui cache des sentiments d'excitation et de surprise.
Gertgen mourut prématurément, mais les principes de son art ne restèrent pas dans l'obscurité. Cependant, le maître du diptyque de Braunschweig (« Saint Bavon », Braunschweig, Musée ; « Noël », Amsterdam, Rijksmuseum) et quelques autres maîtres anonymes qui lui sont les plus proches, qui lui sont les plus proches, n'ont pas tellement développé les principes de Hertgen tout en leur conférant le caractère d'une norme largement répandue. Le plus significatif d'entre eux est peut-être le Maître de la Vierge inter virgines (du nom du tableau du Rijksmuseum d'Amsterdam représentant Marie parmi les saintes vierges), qui ne s'intéressait pas tant à la justification psychologique de l'émotion qu'à la netteté de son expression dans de petites figures plutôt quotidiennes et parfois presque délibérément laides ( "Mise au tombeau", Saint-Louis, Musée ; "Lamentation", Liverpool ; "Annonciation", Rotterdam). Mais aussi. son œuvre témoigne davantage de l’épuisement d’une tradition séculaire que de l’expression de son développement.

Une forte baisse du niveau artistique est également perceptible dans l'art des provinces du sud, dont les maîtres étaient de plus en plus enclins à se laisser emporter par les détails insignifiants du quotidien. Plus intéressant que les autres est le très narratif Maître de la Légende de Sainte-Ursule, qui a travaillé à Bruges dans les années 80-90 du XVe siècle (« La Légende de Sainte-Ursule » ; Bruges, Couvent des Sœurs Noires), l'auteur inconnu de portraits des époux Baroncelli qui ne sont pas dénués de savoir-faire (Florence, Galerie des Offices), et aussi un très traditionnel maître brugeois de la légende de Sainte-Lucie (Autel de Sainte-Lucie, 1480, Bruges, église Sainte-Lucie). James, également polyptyque, Tallinn, Musée). La formation d’un art vide et mesquin à la fin du XVe siècle est l’inévitable antithèse de la quête de Huss et Hertgen. L'homme a perdu soutien principal sa vision du monde - la foi dans l'ordre harmonieux et favorable de l'univers. Mais si la conséquence commune de cette situation n’était qu’un appauvrissement du concept précédent, alors un examen plus attentif révélait des caractéristiques menaçantes et mystérieuses du monde. Pour répondre aux questions insolubles de l'époque, des allégories de la fin du Moyen Âge, la démonologie et de sombres prédictions des Saintes Écritures ont été utilisées. Dans des conditions d'augmentation aiguë contradictions sociales et des conflits difficiles ont surgi l'art de Bosch.

Hieronymus van Aken, surnommé Bosch, est né à Bois-le-Duc (y est mort en 1516), c'est-à-dire loin du principal centres d'art Pays-Bas. Ses premières œuvres ne sont pas dénuées d’une certaine primitivité. Mais déjà, ils combinent étrangement un sens aigu et inquiétant de la vie de la nature avec un grotesque froid dans la représentation des gens. Bosch répond à la tendance art contemporain- avec son envie de réel, avec sa concrétisation de l'image d'une personne, puis - la réduction de son rôle et de sa signification. Il pousse cette tendance à un certain extrême. Dans l'art de Bosch apparaissent des images satiriques ou, pour mieux dire, sarcastiques de la race humaine. Il s'agit de son « Opération pour enlever les pierres de la bêtise » (Madrid, Prado). L'opération est effectuée par un moine - et ici un sourire diabolique apparaît au clergé. Mais celui à qui on le fait regarde intensément le spectateur, et ce regard nous implique dans l'action. Le sarcasme se développe dans l’œuvre de Bosch ; il imagine les gens comme des passagers sur le bateau des fous (le tableau et le dessin correspondant sont au Louvre). Il se tourne vers l'humour populaire - et sous ses mains il prend une teinte sombre et amère.
Bosch vient affirmer le caractère sombre, irrationnel et bas de la vie. Il exprime non seulement sa vision du monde, son sens de la vie, mais lui donne une évaluation morale et éthique. "Haystack" est l'une des œuvres les plus significatives de Bosch. Dans cet autel, un sens nu de la réalité se confond avec l’allégorie. La botte de foin fait allusion au vieux proverbe flamand : « Le monde est une botte de foin : chacun y prend ce qu'il peut » ; les gens s'embrassent à la vue de tous et jouent de la musique entre un ange et une créature diabolique ; des créatures fantastiques tirent la charrette, et le pape, l'empereur et les gens ordinaires la suivent avec joie et obéissance : certains courent devant, se précipitent entre les roues et meurent écrasés. Le paysage au loin n’est ni fantastique ni fabuleux. Et au-dessus de tout - sur un nuage - se trouve un petit Christ avec les mains levées. Il serait toutefois erroné de penser que Bosch s’oriente vers la méthode des comparaisons allégoriques. Au contraire, il s'efforce de faire en sorte que son idée s'incarne dans l'essence même des décisions artistiques, afin qu'elle apparaisse devant le spectateur non pas comme un proverbe ou une parabole crypté, mais comme un mode de vie inconditionnel généralisant. Avec une sophistication d'imagination peu familière au Moyen Âge, Bosch peuple ses peintures de créatures qui combinent bizarrement diverses formes animales, ou des formes animales avec des objets du monde inanimé, les plaçant dans des relations manifestement incroyables. Le ciel devient rouge, des oiseaux équipés de voiles volent dans les airs, des créatures monstrueuses rampent sur la surface de la terre. Les poissons aux pattes de cheval ouvrent la bouche, et à côté d'eux se trouvent des rats, portant sur leur dos des chicots de bois vivants d'où les gens éclosent. La croupe du cheval se transforme en une cruche géante et une tête à queue se faufile quelque part sur de fines jambes nues. Tout rampe et tout est doté de formes acérées et grattantes. Et tout est infecté d'énergie : chaque créature - petite, fourbe, tenace - est engloutie dans un mouvement maléfique et précipité. Bosch donne à ces scènes fantasmagoriques la plus grande force de persuasion. Il abandonne l'image de l'action qui se déroule au premier plan et l'étend au monde entier. Il confère à ses extravagances dramatiques à plusieurs figures un ton étrange dans son universalité. Parfois, il introduit dans l'image une dramatisation d'un proverbe - mais il n'y a plus d'humour dedans. Et au centre, il place une petite figurine sans défense de saint Antoine. Tel est par exemple l'autel avec « La Tentation de saint Antoine » sur la porte centrale en bois Musée de Lisbonne. Mais Bosch fait ensuite preuve d'un sens de la réalité nu et aigu sans précédent (en particulier dans les scènes sur les portes extérieures de l'autel mentionné). Dans les œuvres de la maturité de Bosch, le monde est sans limites, mais sa spatialité est différente – moins rapide. L'air semble plus clair et plus humide. C'est ainsi qu'est écrit « Jean à Patmos ». Au revers de ce tableau, où des scènes du martyre du Christ sont représentées en cercle, des paysages étonnants sont présentés : transparents, propres, avec de larges espaces fluviaux, des cieux hauts et autres - tragiques et intenses (« Crucifixion »). Mais plus Bosch pense aux gens avec insistance. Il essaie de trouver une expression adéquate de leur vie. Il recourt à la forme d'un grand autel et crée un spectacle grandiose étrange et fantasmagorique de la vie pécheresse des gens - le « Jardin des Délices ».

Les dernières œuvres de l'artiste combinent étrangement le fantasme et la réalité de ses œuvres précédentes, mais en même temps elles se caractérisent par un sentiment de triste réconciliation. Des caillots de créatures maléfiques qui se répandaient auparavant triomphalement dans tout le champ de l'image sont dispersés. Individuels, petits, ils se cachent toujours sous un arbre, apparaissent dans des ruisseaux tranquilles ou courent le long de collines désertes couvertes d'herbe. Mais leur taille a diminué et leur activité a disparu. Ils n'attaquent plus les humains. Et lui (toujours Saint Antoine) est assis entre eux - lit, réfléchit (« Saint Antoine », Prado). Bosch n’était pas intéressé par l’idée de la position d’une personne dans le monde. Saint Antoine dans ses œuvres précédentes est sans défense, pitoyable, mais pas seul - en fait, il est privé de cette part d'indépendance qui lui permettrait de se sentir seul. Désormais, le paysage se rapporte spécifiquement à une personne et, dans l’œuvre de Bosch, le thème de la solitude de l’homme dans le monde surgit. L'art du XVe siècle se termine avec Bosch. L'œuvre de Bosch complète cette étape de pures intuitions, puis de recherches intenses et de déceptions tragiques.
Mais la tendance incarnée par son art n’est pas la seule. Non moins symptomatique est une autre tendance, associée au travail d'un maître d'une échelle infiniment plus petite - Gérard David. Il mourut tardivement, en 1523 (né vers 1460). Mais, comme Bosch, il clôt le XVe siècle. Déjà le sien premiers travaux(« Annonciation » ; Détroit) – prosaïquement réaliste ; des œuvres de la toute fin des années 1480 (deux tableaux sur l'intrigue du procès de Cambyse ; Bruges, Musée) révèlent un lien étroit avec Bouts ; meilleures que d'autres sont les compositions de nature lyrique avec un environnement paysager développé et actif (« Repos pendant la fuite vers l'Égypte » ; Washington, National Gallery). Mais l'impossibilité pour le maître de dépasser les limites du siècle est plus clairement visible dans son triptyque avec le « Baptême du Christ » (début du XVIe siècle ; Bruges, Musée). La proximité et la nature miniature du tableau semblent être en conflit direct avec la grande échelle du tableau. La réalité dans sa vision est dépourvue de vie, émasculée. Derrière l'intensité de la couleur, il n'y a ni tension spirituelle ni sentiment de préciosité de l'univers. Le style émaillé de la peinture est froid, autonome et dépourvu de but émotionnel.

Le XVe siècle aux Pays-Bas était une époque de grand art. À la fin du siècle, elle était épuisée. De nouvelles conditions historiques, la transition de la société vers un autre stade de développement ont provoqué nouvelle étape dans l'évolution de l'art. Son origine remonte au début du XVIe siècle. Mais aux Pays-Bas, avec la combinaison originale du principe laïque avec des critères religieux dans l'évaluation des phénomènes de la vie, caractéristique de leur art, qui vient des van Eyck, avec l'incapacité de percevoir une personne dans sa grandeur autosuffisante, en dehors des questions de communion spirituelle avec le monde ou avec Dieu - aux Pays-Bas, une nouvelle ère ne devait inévitablement survenir qu'après la crise la plus forte et la plus grave de toute la vision du monde précédente. Si en Italie Haute Renaissanceétait une conséquence logique de l’art du Quattrocento, un tel lien n’existait pas aux Pays-Bas. La transition vers une nouvelle ère s'est avérée particulièrement douloureuse, car elle impliquait en grande partie le déni de l'art antérieur. En Italie, une rupture avec les traditions médiévales s'est produite dès le XIVe siècle, et l'art de la Renaissance italienne a maintenu l'intégrité de son développement tout au long de la Renaissance. Aux Pays-Bas, la situation était différente. Usage patrimoine médiéval au XVe siècle rendait difficile l'application des traditions établies au XVIe siècle. Pour les peintres hollandais, la frontière entre les XVe et XVIe siècles s'est avérée être associée à un changement radical dans leur vision du monde.

06.05.2014

La vie de Frans Hals était aussi brillante et mouvementée que ses peintures. À ce jour, le monde connaît des histoires sur les bagarres ivres de Khalsa, qu'il organisait de temps en temps après les grandes vacances. Un artiste au caractère aussi joyeux et violent ne pourrait pas gagner le respect dans le pays, religion d'état qui contenait le calvinisme. Frans Hals est né à Anvers au début de 1582. Cependant, sa famille quitte Anvers. En 1591, les Khal arrivèrent à Haarlem. Le frère cadet de France est né ici...

10.12.2012

Jan Steen est l'un des les représentants les plus célèbres école néerlandaise peinture du milieu du XVIIe siècle. Dans les œuvres de cet artiste, vous ne trouverez pas de peintures monumentales ou élégantes, ni de portraits lumineux de grands personnages ou d'images religieuses. En fait, Jan Steen est un maître des scènes quotidiennes remplies d'humour amusant et pétillant de son époque. Ses peintures représentent des enfants, des ivrognes, des gens ordinaires, Gülen et bien d’autres. Jan est né dans la province méridionale des Pays-Bas, dans la ville de Leiden, vers 1626...

07.12.2012

Le travail du célèbre artiste néerlandais Hieronymus Bosch est encore perçu de manière ambiguë tant par les critiques que par les simples amateurs d'art. Que représentent les peintures de Bosch : des démons des enfers ou simplement des personnes défigurées par le péché ? Qui était réellement Jérôme Bosch : un psychopathe obsédé, un sectaire, un voyant ou simplement un grand artiste, une sorte de surréaliste antique, comme Salvador Dali, qui puisait ses idées dans le domaine de l'inconscient ? Peut-être son chemin de vie...

24.11.2012

Le célèbre artiste néerlandais Pieter Bruegel l'Ancien a créé son propre style de peinture coloré, qui différait considérablement des autres peintres de la Renaissance. Ses peintures sont des images d'une épopée satirique populaire, des images de la nature et de la vie du village. Certaines œuvres fascinent par leur composition - on a envie de les regarder et de les regarder, en discutant de ce que l'artiste voulait exactement transmettre au spectateur. La particularité de l'écriture et de la vision du monde de Bruegel n'est pas sans rappeler l'œuvre du premier surréaliste Jérôme Bosch...

26.11.2011

Han van Meegeren (nom complet Henrikus Antonius van Meegeren) est né le 3 mai 1889 dans la famille d'un simple instituteur. Tout à toi temps libre le garçon accompagnait son professeur bien-aimé, nommé Korteling, à l'atelier. Son père n’aimait pas ça, mais c’est Korteling qui réussit à développer chez le garçon le goût et la capacité d’imiter le style d’écriture de l’Antiquité. Van Meegeren a reçu bonne éducation. Il entre à l'Institut de Technologie de Delft, où il suit un cours d'architecture, à l'âge de 18 ans. Parallèlement, il étudie à...

13.10.2011

Le célèbre artiste néerlandais Johannes Jan Vermeer, connu sous le nom de Vermeer de Delft, est à juste titre considéré comme l'un des plus brillants représentants de l'âge d'or. art hollandais. Il était un maître des portraits de genre et de la peinture dite domestique. Le futur artiste est né en octobre 1632 dans la ville de Delft. Jan était le deuxième enfant de la famille et le fils unique. Son père faisait le commerce d'objets d'art et se livrait au tissage de la soie. Ses parents étaient amis avec l'artiste Leonart Breimer, qui...

18.04.2010

L'expression déjà éculée selon laquelle tous les génies sont un peu fous correspond tout simplement parfaitement au destin du grand et brillant artiste post-impressionniste Vincent Van Gogh. N'ayant vécu que 37 ans, il a laissé un riche héritage - environ 1000 peintures et autant de dessins. Ce chiffre est encore plus impressionnant quand on apprend que Van Gogh a consacré moins de 10 ans de sa vie à la peinture. 1853 Le 30 mars, un garçon, Vincent, naît dans le village de Grot-Zundert, situé au sud de la Hollande. Un an plus tôt, dans la famille d'un prêtre dans laquelle il est né...

La peinture flamande est l'une des écoles classiques dans l'histoire des beaux-arts. Quiconque s'intéresse au dessin classique a entendu cette phrase, mais que se cache-t-il derrière un nom aussi noble ? Pourriez-vous, sans hésiter, identifier plusieurs caractéristiques de ce style et citer les principaux noms ? Afin de parcourir les couloirs avec plus de confiance grands musées et être un peu moins timide face au lointain 17ème siècle, il faut connaître cette école.

Histoire de l'école flamande

Le XVIIe siècle a commencé avec une scission interne aux Pays-Bas en raison de conflits religieux et lutte politique pour la liberté intérieure de l’État. Cela a conduit à une scission sphère culturelle. Le pays se divise en deux parties, sud et nord, dont la peinture commence à se développer différentes directions. Les sudistes restés catholiques sous la domination espagnole deviennent des représentants école flamande, alors que artistes du nord les critiques d'art font référence à école néerlandaise.

Les représentants de l'école de peinture flamande ont poursuivi les traditions de leurs collègues artistes italiens plus âgés de la Renaissance : Raphaël Santi, Michel-Ange Buonarroti qui accordait une grande attention aux thèmes religieux et mythologiques. En suivant un chemin familier, complété par des éléments inorganiques et bruts du réalisme, les artistes néerlandais n'ont pas pu créer des œuvres d'art exceptionnelles. La stagnation a continué jusqu'à ce qu'il se lève devant le chevalet Pierre Paul Rubens(1577-1640). Qu’y avait-il de si étonnant que ce Néerlandais pouvait apporter à l’art ?

Maître célèbre

Le talent de Rubens a su donner vie à la peinture des sudistes, peu remarquable avant lui. Très familier avec le patrimoine Maîtres italiens, l'artiste poursuit la tradition de se tourner vers des thèmes religieux. Mais contrairement à ses collègues, Rubens était capable d'intégrer harmonieusement des éléments dans des intrigues classiques. propre style, gravitant vers la richesse des couleurs, la représentation d’une nature pleine de vie.

D’après les peintures de l’artiste, comme d’une fenêtre ouverte, il semble couler soleil (« Jugement dernier", 1617). Des solutions inhabituelles pour construire une composition d'épisodes classiques des Saintes Écritures ou de la mythologie païenne ont attiré l'attention sur le nouveau talent de ses contemporains, et le font toujours. Une telle innovation paraissait fraîche en comparaison des nuances sombres et sourdes des peintures de ses contemporains hollandais.

Caractéristique acier et modèles d'un artiste flamand. Les dames blondes et dodues, peintes avec intérêt sans fioritures inappropriées, devenaient souvent héroïnes centrales peintures de Rubens. Des exemples peuvent être trouvés dans les tableaux « Le Jugement de Pâris » (1625), "Susanna et les aînés" (1608), "Vénus devant le miroir"(1615), etc.

De plus, Rubens a fourni influence sur la formation du genre paysager. Il a commencé à se développer dans la peinture des artistes flamands jusqu'au principal représentant de l'école, mais c'est l'œuvre de Rubens qui a défini les principales caractéristiques de la peinture paysagère nationale, reflétant la couleur locale des Pays-Bas.

Abonnés

Rubens, rapidement devenu célèbre, se retrouve bientôt entouré d'imitateurs et d'étudiants. Le maître leur a appris à utiliser caractéristiques folkloriques localité, couleur et peut-être glorifier une beauté humaine inhabituelle. Cela a attiré des spectateurs et des artistes. Les abonnés se sont essayés à différents genres- à partir de portraits ( Gaspare De Caine, Abraham Janssens) aux natures mortes (Frans Snyders) et aux paysages (Jan Wildens). Peinture domestique L'école flamande a joué à l'origine Adrien Brouwer Et David Teniers Jr.

L'un des étudiants les plus brillants et les plus remarquables de Rubens était Anthony Van Dyck(1599-1641). Le style de son auteur s'est développé progressivement, d'abord complètement subordonné à l'imitation de son mentor, mais au fil du temps, il est devenu plus prudent avec les peintures. L'élève avait un penchant pour les nuances douces et sourdes contrairement au professeur.

Les peintures de Van Dyck montrent clairement qu'il n'avait pas une forte inclination à construire des compositions complexes, des espaces volumétriques avec des figures lourdes, qui distinguaient les peintures de son professeur. La galerie des œuvres de l’artiste est remplie de portraits simples ou couplés, cérémoniaux ou intimes, ce qui indique les priorités de genre de l’auteur, différentes de celles de Rubens.