Art décoratif et appliqué russe du XVIIIe siècle. Arts décoratifs et appliqués du XVIIIe - premier tiers du XIXe siècle. Architecture populaire en bois

29.06.2020

Coffre de mariage. Italie. 17ème siècle

Groupe sculptural "Hiver". De la série "Quatre Saisons". Allemagne. Meissen

Articles de service. France. Rompre. 1780-1784. Porcelaine tendre, peinture. Congélateur

Salle de l'art français des XVIIIe-XIXe siècles

Armoire. Augsbourg. 17ème siècle Bois, sculpture, métal blanc, dorure, 196x135x61

Bureau-cylindre. Russie. Fin du XVIIIe siècle.

Vase. Russie. Premier quart du XIXe siècle. Verre, peinture dorée. Hauteur 35,5

Congélateur. Russie. Manufacture Impériale de Porcelaine. Premier quart du XIXe siècle. Porcelaine, peinture. Hauteur 40

Les collections d'art décoratif et appliqué sont également associées au nom d'A.P. Bogolyubov, qui a fait don de 40 pièces de porcelaine ancienne, pour la plupart saxonnes, lors de l'ouverture du musée. Divers ustensiles et meubles comptaient alors 92 pièces. En 1897, après la mort de Bogolyubov, un autre groupe de choses fut reçu dans son testament, notamment des meubles, du verre, du bronze et de l'argenterie.

Les collections de Bogolyubov, en particulier la porcelaine, ont été considérablement reconstituées au cours des premières années post-révolutionnaires grâce au Fonds des musées d'État, qui a reçu toutes les œuvres d'art nationalisées. En 1970, le musée a reçu des échantillons de porcelaine russe et d'Europe occidentale (plus de 300 pièces), légués par O. A. Gordeeva, un célèbre ophtalmologiste de Saratov.

L’histoire de cet art subtil et exquis remonte à des siècles. La porcelaine est née au tournant des VIIe-VIIIe siècles en Chine. En Europe, ils l'ont appris au XIIIe siècle. Le célèbre voyageur vénitien Marco Polo a rapporté plusieurs vases en porcelaine d'Orient. L’Europe était en proie à une « fièvre de la porcelaine » ; tout le monde voulait avoir des produits fabriqués à partir de ce matériau blanc brillant, peints de couleurs vives et inaltérables. Il existe des informations selon lesquelles lorsque des objets en porcelaine étaient brisés, ils continuaient de toute façon à être stockés ; les éclats étaient souvent sertis dans des métaux précieux et portés comme bijoux. La porcelaine était appréciée non seulement pour sa beauté, mais aussi pour ses propriétés jusqu'alors inédites. La surface vitrée de la porcelaine n'était pas exposée aux influences chimiques et était impénétrable. Des légendes sont nées sur la porcelaine. Le secret de sa fabrication n’a pu être percé qu’au début du XVIIIe siècle. Mais en cours de route, de nombreux nouveaux matériaux ont été découverts, d'apparence similaire aux produits des artisans chinois. C'est ainsi qu'apparaissent le verre de lait à Venise, la céramique hispano-mauresque et la faïence en Angleterre et en Hollande.

Le premier en Europe à se procurer de la porcelaine fut I.F. Betger, qui découvrit des gisements d'argile blanche (kaolin) près de Meissen en Saxe. Le secret de la production de porcelaine, avec laquelle l'Europe se débattait depuis des siècles, a été découvert. Bientôt, la porcelaine de la manufacture de Meissen se fit connaître dans toute l'Europe. Et maintenant, les produits de cette plante sont populaires parmi les amateurs d'art.

Dans la collection de notre musée, la porcelaine de Meissen est très bien et complètement présentée. Cela comprend les objets légués par Bogolyubov et les objets en porcelaine de la collection de O. A. Gordeeva, ainsi que d'autres objets exposés.

La porcelaine de Meissen du XVIIIe siècle est la plus intéressante. Cette époque est considérée comme la période classique du développement de la porcelaine européenne. A cette époque, le maître s'efforce de souligner la blancheur et la finesse de la porcelaine, en servant le matériau en tenant compte de ses propriétés naturelles.

Meissen - la première production européenne de porcelaine - est surtout célèbre pour ses petites pièces en plastique. Dans les images de dames, de messieurs, de compositions allégoriques et de pastorales, l'une des qualités du style rococo s'est manifestée avec une force particulière : l'illusion d'un flux de lignes continu et fluide. Les noms de Johann Joachim Kaendler et Peter Reinicke sont associés au développement de l'art plastique de Meissen. Leurs œuvres combinaient des éléments de sculpture et d’art décoratif et appliqué lui-même. La fantaisie des contours et la beauté des couleurs caractérisent les sculptures réalisées à partir de leurs modèles.

Deux figures allégoriques de la série « Quatre Saisons » - « Hiver » et « Printemps », réalisées d'après les modèles de Johann Joachim Kaendler, révèlent les traits caractéristiques du style rococo en porcelaine. Les saisons sont représentées en images dieux antiques assis sur les nuages. L'hiver est personnifié par Saturne et Hébé, le printemps par Mars et Flore. Les groupes sculpturaux sont décorés de fleurs moulées finement ouvragées et peintes de couleurs vives, pour lesquelles la manufacture de Meissen était célèbre au XVIIIe siècle.

La petite collection de produits de l'usine de Berlin se distingue par une haute qualité artistique. Il s’agit principalement d’objets destinés à la mise en table et à la décoration intérieure. La « coupe carrosse » est peinte d’après les motifs d’A. Watteau dans le pourpre le plus délicat qui fit la gloire de cette production. Les corps des théières, des cafetières et des vases décoratifs sont décorés de motifs pastoraux et floraux, très appréciés au XVIIIe siècle.

Le groupe d'articles de l'usine de Vienne est représenté entre le XVIIIe et le début du XIXe siècle, lorsque la porcelaine européenne a développé les caractéristiques d'un nouveau style - le style Empire. Soucieux d'accroître le caractère décoratif, les maîtres viennois ont donné leur propre version de la peinture. Des copies de peintures de maîtres de la Renaissance étaient le plus souvent placées dans le miroir des assiettes dans un riche cadre ornemental en or.

Chaque pays a suivi son propre chemin vers la porcelaine, développant à la fois une technologie particulière et un caractère particulier d'ornementation, parfois au sein du même style. Dans toute l'Europe, les plats français aux fonds colorés étaient célèbres : turquoise, rose, bleu, peints dans des médaillons encadrés d'ornements dorés. Cette porcelaine était fabriquée à la manufacture de Sèvres, principale production de porcelaine en France.

C'est exactement ainsi que sont peints la sorbetière bleue, le plateau et l'ustensile à épices qui faisaient partie du service ayant appartenu au prince Yusupov. Ce service a nécessité de nombreuses années de réalisation et a été décoré par de grands peintres sur porcelaine. La sorbetière a été peinte par Vincent Jr., auteur du tableau sur le célèbre service aux camées, commandé par Catherine II de Sèvres et aujourd'hui conservé à l'Ermitage. Le service de Yusupov était en « porcelaine tendre ». Et les propriétés spécifiques de ce matériau n'auraient pas pu être plus cohérentes avec le style rococo avec ses contours doux et habituels. lignes ondulées. Les particularités de la masse de Sèvres ont également déterminé la nature du tableau : aucun autre matériau céramique ne produit des tons aussi profonds et sonores avec de nombreuses nuances.

En Russie, la porcelaine a été produite pour la première fois au milieu du XVIIIe siècle par D.I. Vinogradov à la Fabrique impériale de porcelaine (IFZ) de Saint-Pétersbourg. Dans la collection du musée, la porcelaine russe est représentée par des produits provenant de nombreuses entreprises privées. Le musée peut être fier des magnifiques exemples des usines IPP, Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, qui ont leur propre charme unique.

Les réalisations des maîtres russes dans le style du classicisme du début du XIXe siècle, ou style Empire, sont bien connues. La porcelaine russe de ce style, ainsi que d’autres branches des arts appliqués, en fournit d’excellents exemples.

Le style Empire s'inspire de l'Antiquité. Les motifs décoratifs sont dominés par des couronnes de lauriers, des lions, des griffons, des attributs militaires, etc. Les formes révèlent la solidité des masses et leur caractère statique. Selon les lois de ce style, un vase de décoration de table en forme de deux figures classiques supportant un bol de forme ovale a été réalisé par les artisans de l'IFZ. La couleur blanche des personnages en biscuit (porcelaine non émaillée) contraste avec le ton bleu et la dorure du socle. L’amour du style Empire pour la luminosité et le contraste des couleurs est évident. Un autre vase est également un groupe sculptural : Vénus pose un carquois de flèches sur Cupidon. De tels vases étaient fabriqués pour de grands ensembles de cérémonie ou d'anniversaire et placés au centre de la table de cérémonie.

Les caractéristiques du même style sont évidentes dans la sorbetière à trois pattes de lion, de couleur foncée, ressemblant à du vieux bronze. Sa couleur se mariait à merveille avec l'éclat de la dorure.

Les produits des usines privées sont plus originaux. On peut parler de porcelaine sacerdotale, Gardner ou Safronov. Ces usines sont représentées par des objets qui ne sont pas uniques, contrairement à l'IFZ, mais par des ustensiles dits ordinaires associés à la vie d'une classe particulière. Il est facile de deviner l'appartenance sociale des théières dites « de taverne », lumineuses et élégantes, décorées de simples peintures florales, créées dans l'usine Popov dans les années 1830-1850.

La source à partir de laquelle les artisans ont puisé les formes des plats et les motifs de la peinture est l’art populaire traditionnel russe. Cette voie sera la plus fructueuse à l'heure de l'interstyle qui approche ; elle protégera largement les usines privées russes en cette période difficile de la perte de la « céramique », inévitable à l'ère de l'éclectisme. peint sur fond blanc avec de petites feuilles d'or et des roses, en clair Dans les coupes vertes réalisées par les artisans de l'usine du curé, l'essentiel n'a pas été perdu : l'équilibre de la forme et la fonction fonctionnelle de l'objet.

La collection de porcelaine soviétique est relativement petite. Elle est représentée par la porcelaine de propagande, qui dans les années 20 était l'un des moyens de propagande révolutionnaire.

Plat et tasses peints d'après les dessins de S. Chekhonin et N. Altman, sculptures de N. Danko, assiettes de A. Shchekatikhina-Pototskaya avec des slogans révolutionnaires et des emblèmes du jeune État soviétique - cette première porcelaine du Pays des Soviets parlait la langue de son époque. Il a été exposé dans des vitrines spéciales à Moscou sur Kuznetsky Most et à Petrograd sur Nevsky. "Cette porcelaine était une nouvelle d'un avenir merveilleux, pour lequel le pays soviétique a mené de terribles batailles contre la faim, la dévastation et l'intervention", a écrit E. Ya Danko, artiste et historiographe de la manufacture Lomonossov (anciennement fabrique impériale de porcelaine). , dans ses mémoires.

La verrerie conservée au musée A.N. Radishchev est venue de la même manière que la porcelaine : en 1897, selon la volonté d'A.P. Bogolyubov, par l'intermédiaire du Fonds national des musées, provenant de collections privées.

Une petite mais intéressante collection de verre russe de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle a été léguée au musée par E.P. Razumova en 1973.

Des verreries russes, publiques et privées, apparaissent au début du XVIIIe siècle à Moscou et à Saint-Pétersbourg, près de Smolensk et de Kalouga. La demande d'objets en verre est croissante. Le nombre d'usines augmente également. La célèbre usine Maltsev est apparue sur la rivière Gus près de Vladimir et l'usine Bakhmetyev près de Penza dans le village de Nikolskoye.

Le plus premières œuvres L'industrie du verre du XVIIIe siècle de notre collection sont des produits provenant d'usines privées. Il s'agit tout d'abord d'un damas de verre vert avec un simple ornement floral et l'inscription : « Ce vase a été fabriqué dans l'usine de Gavril en 726... » Il s’agit d’un des premiers exemples de vaisselle ordinaire russe, qui était fabriquée en grande quantité et n’était ni épargnée ni entretenue. Au lieu de celui perdu et cassé, ils en ont acheté un nouveau. Par conséquent, peu de plats de ce type ont survécu. Shtof est également intéressant car c'est un élément de signature. Il indique la date et le lieu de fabrication. On sait qu'en 1724, l'usine Gavrilov et Loginov a été fondée dans la région de Moscou. Il n’y a pas d’autres informations sur cette production. Notre damassé donne une idée de la nature des produits d'une entreprise peu connue.

Le verre en Russie n'était pratiquement pas marqué. Ce n'est qu'à partir des années 20 du 19ème siècle (à l'époque de Nicolas Ier) que la verrerie impériale a commencé à apposer des cachets sur ses produits. Bien entendu, la présence d'une marque n'est pas le seul moyen de déterminer le lieu et l'heure de fabrication d'un article particulier. Les monuments remarquables de la verrerie sont les gobelets du XVIIIe siècle, hauts, de forme conique, souvent munis de couvercles, décorés d'armoiries sculptées des personnages régnants ou de monogrammes. Les Benzels étaient encadrés de pousses et de boucles de plantes, appelées « rocaille ». Sur le dessus des coupes, près du bord, il y a un motif de « fosses » gravées et polies avec des bras. Les poteaux des pieds étaient réalisés sous la forme d'un balustre avec des « pommes », qui étaient parfois enfilées sur le poteau jusqu'à cinq pièces. La gravure de ces objets était superficielle et large. Ces qualités distinguent les coupes russes des coupes de Bohême et d'Allemagne conservées au musée.

Apparemment, de nombreux verres colorés, carafes et bouteilles étaient produits dans des usines privées. Le verre coloré était très populaire en Russie. Contrairement à Europe de l'Ouest, ici ils fabriquaient des plats en verre coloré uni, qui grandes quantités est apparu au milieu du XVIIIe siècle. Cela est dû aux expériences réussies de M. Lomonosov.

A la fin du XVIII - début XIX siècles, de hautes carafes à facettes avec bouchons sont apparues formes différentes, des verres surélevés sur des pieds fins, des verres élégants aux bords étincelants - des plats élégants qui servaient à décorer tables de fête et les fournisseurs. Les plats à facettes sont fabriqués à partir de verre incolore additionné de plomb, ce qui leur confère un éclat particulier. Il est appelé cristal et est taillé avec ce qu'on appelle un « bord en diamant ». Cette technique est encore utilisée en verrerie.

La seconde moitié du XIXe siècle est une période d'intérêt accru pour les arts décoratifs et appliqués, notamment pour leur histoire. La collection d’antiquités se généralise. Ce n’est pas un hasard si, à la même époque, l’intérêt pour les meubles anciens s’est accru. Les collectionneurs collectionnent des meubles sculptés et dorés du XVIIIe siècle, des commodes, des armoires marquetées, des coffres de mariage italiens et allemands et des armoires massives en chêne et noyer d'Allemagne du XVIIe siècle. Il y avait des objets similaires dans la collection de Bogolyubov.

L’engouement pour les meubles anciens donne naissance aux contrefaçons qui inondent les antiquaires. Les uns après les autres, des ateliers se créent à Paris, Venise, Saint-Pétersbourg, produisant des meubles anciens, parfois impossibles à distinguer de l'original - le bois est si doucement poli, les proportions de ses parties structurelles sont si fidèlement respectées.

Les premiers meubles de la collection du musée remontent aux XVIe et XVIIe siècles. Il s'agit de meubles d'Allemagne, de France, d'Italie, de Hollande, collectés par A.P. Bogolyubov. Bien entendu, notre collection de meubles de cette époque ne donne pas lieu de parler de l'intérieur existant, mais elle nous permet d'imaginer caractéristiques nationales des œuvres d'art mobilier de différents pays dans un cadre chronologique assez large.

Les meubles ne sont pas durables ; le matériau utilisé pour leur production est le bois, qui est facilement exposé à diverses influences. Beaucoup d’entre eux sont morts à la fois à cause de catastrophes naturelles ou de guerres, ainsi que pour des raisons liées à l’influence de la mode. Le meuble est un bien de consommation. Cela signifie qu'avec le temps, il s'use et doit être remplacé par un neuf. Peu de meubles provenant des maisons des gens ordinaires ont survécu. Néanmoins, les principales étapes de l'histoire de l'art du meuble dans certains pays européens peuvent être retracées dans les objets de notre collection.

Dans l'Italie du XVIe siècle, une chaise en bois massif avec un dossier sculpté, un coffre de mariage, un travail vénitien et un autel ont été réalisés. Pour fabriquer ce meuble, on a utilisé du noyer brun, un matériau caractéristique de l'Italie, qui permet à l'artisan d'obtenir un grand effet artistique. Les motifs sculptés sont tirés du patrimoine de l'art ancien. Dans le coffre de mariage, évidemment d'œuvre florentine, on est surpris par la rare unité de forme et d'ornement qui distinguait les fabricants de meubles italiens du XVIe au début du XVIIe siècle.

Les meubles de cette époque dans leur logique constructive sont similaires structures architecturales. L'autel est conçu sous la forme d'un portail avec des colonnes entrelacées de vignes, avec un podium dans une niche pour la figure de la Mère de Dieu - ces éléments architecturaux sont extrêmement caractéristiques du mobilier des XVIe-XVIIe siècles. Cela se ressent particulièrement dans les meubles d'armoires fabriqués dans le sud de l'Allemagne. Le placard se transforme en quelque chose comme un bâtiment à deux étages, dont chaque étage est séparé par une corniche. Les gradins sont décorés de colonnes ou de pilastres. Les portes d'armoires ressemblent à des portails ou à des fenêtres surmontées de plateaux ou de frontons. Tous ces détails architecturaux sont renforcés avec de la colle et constituent en fait une décoration qui cache la structure du meuble, composé de deux coffres. Cette impression est renforcée par les poignées de coffre rabattables sur ses façades latérales. C'est exactement ainsi qu'est conçu le meuble, décoré de loupe (une excroissance sur le bois, un défaut du bois qui donne une texture riche et belle). Les armoires étaient nécessairement équipées d'étagères et les vêtements y étaient rangés pliés. Ils pourraient également servir à ranger divers ustensiles.

La forme d'une chaise pliante, appelée chaise curule, peut également être considérée comme traditionnelle pour l'Allemagne des XVIe et XVIIe siècles. Pour les anciens, c'était un symbole de pouvoir. Ce n'est qu'en s'asseyant sur une telle chaise que la justice et les représailles pourraient être exercées. Une telle chaise était généralement portée par les consuls, les hauts chefs militaires et les dictateurs. Les pieds-supports légèrement incurvés, constitués de plusieurs planches étroites, sont croisés et reliés par des barres transversales pour plus de solidité, et une planche amovible insérée dans la partie supérieure de la chaise comme entretoise constitue le dossier.

Depuis le XVIe siècle, une forme unique de chaise est apparue en Allemagne, qui s'est répandue dans l'art du meuble de ce pays au XVIIe siècle - la chaise dite paysanne. Toute une série de produits similaires avec diverses options Notre musée possède également le même ornement. Le prototype d'une telle chaise était au début simplement une souche d'arbre, débarrassée de ses branches et renforcée pour assurer sa stabilité sur trois pieds. Et pour les habitations urbaines confortables, des chaises à quatre pieds ont été fabriquées - des exemples de haut savoir-faire. Seule la planche qui sert de dos est décorée. Il peut être fabriqué non seulement en noyer, mais aussi en chêne et en pin. Cela dépend de l'endroit où l'article a été fabriqué. En sculpture, on utilise généralement des motifs ornementaux grotesques qui, avec l'imagination du maître, se transforment souvent en un motif de conte de fées.

Le XVIIème siècle apporte beaucoup de nouveautés dans l’art du meuble. Cela est principalement dû aux transformations sociales en Europe, qui ont conduit à un changement de position du tiers-état. Arrivée au pouvoir, elle cultive la modestie, la simplicité et le caractère sacré du foyer familial. Les meubles néerlandais sont très demandés et exportés dans tous les pays. A l'autre pôle se trouve la France, dans l'art de laquelle triomphe un style magnifique et solennel.

Dans notre collection de meubles, il n'y a qu'une seule pièce typique d'un décor d'apparat de palais du XVIIe siècle. C'est ce qu'on appelle l'armoire - une armoire avec de nombreux tiroirs, compartiments et une planche coulissante. Il a été réalisé par des artisans de la ville d'Augsbourg, décoré sur la façade de superpositions métalliques avec des images d'animaux et des colonnes dorées torsadées. La planche est faite de bois précieux.

De tels bureaux sont apparus au XVIe siècle. Leur patrie est l'Espagne. Les premières armoires étaient des coffrets sur socle. DANS XVIIe siècle- ce sont déjà de grandes armoires qui font désormais partie de la décoration de la pièce, appelée bureau. Les médailles, les lettres et les bijoux étaient rangés dans des armoires.

La majeure partie de la collection de meubles russes, qui comprend des œuvres des XVIIIe et XIXe siècles, a été réalisée soit dans de petits ateliers privés, soit par des fabricants de meubles de domaines nobles. Les artisans ont apporté dans leurs œuvres une variété de goûts artistiques, toutes les connaissances et compétences qu'ils avaient accumulées, les techniques de transformation du bois, de finition et de décoration. Ils se reflétaient principalement dans les formes des meubles de maison de cette époque, qui étaient fortement influencées par art folklorique. Cela se manifeste non seulement dans les formes et le décor, mais également dans le choix et le traitement du bois. Le bouleau de Carélie et le peuplier sont déjà devenus les matériaux favoris à la fin du XVIIIe siècle. Ils ne sont utilisés qu'en Russie.

Chaque pays dans l'art du meuble était soit l'ancêtre d'un certain style, comme l'Italie à la Renaissance, soit le berceau d'un célèbre fabricant de meubles, comme T. Chippendale en Angleterre ou J. Jacob en France.

Le mobilier russe est représenté principalement par les meubles de l'intérieur noble du premier tiers. XIXème siècle. Ce fut l’une des époques les plus brillantes de l’histoire des arts décoratifs et appliqués en Russie, et en particulier du mobilier. L'art des premières décennies du XIXe siècle est dominé par le style Empire, originaire de France et devenu propriété de toute l'Europe. La Russie donne sa propre version spéciale et originale de ce style, où elle est devenue un représentant d'idées élevées et progressistes. Le caractère décoratif caractéristique du style Empire, le désir de monumentalité et de généralisation des formes ont déterminé le choix du matériau du mobilier et la nature de son interaction avec la forme et le décor. Les principaux matériaux utilisés par les fabricants de meubles russes seront l'acajou et le bouleau de Carélie, qu'ils appréciaient pour leur belle texture de bois.

Les meubles conservés dans notre musée ont été principalement fabriqués par des artisans serfs et représentent cette version du style Empire, largement utilisée dans la vie de la noblesse russe. C'est plus simple que les meubles de palais. Ce meuble est entré au musée après la Grande Révolution d'Octobre révolution socialiste des domaines environnants, des maisons de ville et a non seulement une valeur artistique, mais aussi historique.

Les sièges sont particulièrement variés. Deux fauteuils jumelés aux dossiers sculptés ajourés et décorés de lyres dorées sont un exemple de mobilier de maison russe du premier quart du XIX siècle. Il existe des formes presque dépourvues de décoration, plaquées de bouleau de Carélie doré aux yeux noirs.

A cette époque, une autre pièce apparut à l'intérieur du domaine noble, la soi-disant salle du canapé, et son accessoire indispensable était le canapé. Il s'agit généralement de canapés moelleux et rectangulaires, le dessus des dossiers et des coudes est plaqué de bouleau de Carélie ou d'acajou, qui se sont répandus au cours de ces années. À l'intérieur, le canapé a été combiné avec des fauteuils et une table pré-canapé. De telles variations se retrouvent également dans notre exposition et témoignent de l'intérieur déjà établi à l'époque Empire. Ce meuble diffère du meuble de façade : il y a moins de dorure, au lieu du bronze, on utilise du bois doré sur gesso, et l'une des méthodes traditionnelles de transformation du bois, tant appréciées des artisans russes, est préservée : la sculpture.

Les activités de collection du musée se poursuivent. DANS dernières années les collections d'arts décoratifs et appliqués se sont enrichies d'expositions intéressantes, dont les meilleures ont trouvé leur place dans l'exposition.

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, les Russes arts appliqués a réalisé une hausse significative. Cela a été facilité par le développement de l'économie, du commerce, de la science et de la technologie et, dans une large mesure, par les liens étroits avec l'architecture et les beaux-arts. Le nombre de grandes et petites usines, usines, ateliers produisant des tissus, du verre, de la porcelaine et des meubles a augmenté. Les propriétaires terriens installèrent sur leurs domaines divers ateliers basés sur le travail des serfs.

Les idées humanistes des Lumières se reflétaient de manière unique dans les arts appliqués de la fin du XVIIIe siècle. Les artisans de cette époque se distinguaient par leur attention aux goûts personnels et aux besoins humains, ainsi que par leur recherche du confort dans l'environnement.

Un nouveau style - le classicisme russe - s'est imposé au tournant des années 1770-1780 dans tous les types d'art appliqué. Les architectes M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin ont créé des intérieurs dans un esprit de noble simplicité et de retenue avec une division claire des pièces, avec une disposition constructivement justifiée du décor architectural à la fois plastique et pittoresque.

Les meubles, candélabres et lustres ont été conçus selon les mêmes principes que pour les locaux du palais. Dans l'ornementation des meubles, de la vaisselle et des tissus, construits selon un rythme clair, des motifs antiques sont apparus - acanthes, méandres, ioniques, fleurs vivement interprétées, guirlandes, images d'amour, sphinx. Les dorures et les couleurs deviennent plus douces et plus sobres qu'au milieu du XVIIIe siècle.

À la fin du XVIIIe siècle, la passion pour l'Antiquité oblige les gens à abandonner même le costume complexe et magnifique. Des robes légères et amples avec des plis fluides et une ceinture haute de style antique sont devenues à la mode (V.L. Borovikovsky. «Portrait de M.I. Lopukhina.» 1797).

La synthèse des arts dans le classicisme russe repose sur le principe d'une combinaison harmonieuse de tous les types d'arts.

Meubles. A l'époque du classicisme, ses formes sont simples, équilibrées, clairement construites et les rythmes sont calmes. Les contours conservaient encore une certaine douceur et rondeur, mais les lignes verticales et horizontales se distinguaient déjà. Les décorations (sculptures basses, peintures, plaques de bronze et de laiton) soulignaient l'expressivité des structures. On se souciait davantage de commodité. Les suites ont été conçues pour les pièces de devant à des fins diverses : salon, bureau, chambre de devant, couloir. De nouvelles formes de mobilier sont apparues : des tables pour jeu de cartes, artisanat, tables haricots portables légères (avec un couvercle en forme de haricot), divers types de commodes. Les canapés se sont généralisés, ainsi que dans le mobilier de bureau, les bureaux-secrétaires, les bureaux à couvercle cylindrique enroulable.

Comme dans les périodes précédentes, le mobilier russe, comparé au mobilier occidental, est plus massif, plus généralisé et plus simple dans les détails. Le matériau utilisé était des essences de bois locales - tilleul, bouleau (doré et peint de couleurs claires), noyer, chêne, peuplier, frêne, poirier, chêne des tourbières. À la fin du XVIIIe siècle, le bouleau de Carélie et les bois colorés importés d'acajou, d'amarante, de palissandre et d'autres essences ont commencé à être utilisés. Les artisans ont su montrer leur beauté, leur structure, leur couleur, leur éclat, savamment soulignés par le polissage.

Les maîtres russes ont réalisé de grandes réalisations dans la technique de la typographie (marqueterie). Son essence est de composer des ornements et des peintures entières (généralement basées sur des gravures) à partir de morceaux de bois colorés à la surface d'objets en bois. Ce type de travail est connu non seulement des fabricants de meubles de cour de la capitale, mais aussi des anciens serfs qui travaillaient à Moscou et dans la région de Moscou : Nikifor Vasiliev (ill. 78), Matvey Veretennikov et les maîtres anonymes de Tver et d'Arkhangelsk, qui introduisirent ivoire de morse dans l'ensemble. Des exemples du grand art de la sculpture de meubles dans le palais d'Ostankino appartiennent aux serfs Ivan Mochalin, Gavrila Nemkov et d'autres. À Saint-Pétersbourg, les meubles et les sculptures des maîtres d'Okhta, transférés de divers endroits dans la capitale sous Pierre Ier, étaient célèbres. L'aspect artistique des meubles était complété par des tissus d'ameublement avec des soies à motifs, du velours, du chintz imprimé et du lin. tissus, qui était en harmonie avec la décoration des murs.

Tissus. De toutes les industries de la seconde moitié du XVIIIe siècle, c'est le textile qui s'est développé avec le plus de succès (Moscou, Ivanovo, Yaroslavl, province de Vladimir). Son essor a été déterminé non seulement par les grandes manufactures, mais aussi par les petites entreprises paysannes. Les artisans ont atteint une perfection particulière dans de nouveaux tissus en lin à motifs, aux tissages complexes, avec un jeu de nuances naturelles de lin blanc argenté. Les traditions du tissage paysan et une profonde compréhension du matériau se reflètent ici. Des produits hétéroclites et teints bon marché et produits en série ont également été produits. Les qualités décoratives des tissus colorés et des tissus en laine se sont considérablement améliorées.

La production de tissus en soie pour robes et tissus de décoration, foulards et rubans se développe rapidement (ill. 80). À la fin du XVIIIe siècle, leur qualité n'était pas inférieure à celle des français, les meilleurs d'Europe. Les tisserands russes ont appris à utiliser une variété de fils et des motifs de tissage complexes rappelant la broderie. Des techniques de composition et une riche palette de tissus décoratifs ont été utilisées pour obtenir le transfert d'espace, la subtilité des transitions tonales et la précision du dessin des fleurs, des oiseaux et des paysages. Ces tissus étaient utilisés pour la décoration des palais et envoyés à l'étranger comme cadeaux.

Dans les tissus pour robes, en particulier dans les tissus pour robes d'été, jusque dans les années 1780 et 1790, des motifs de guirlandes florales complexes et ondulées, de rubans et de perles étaient utilisés. Mais peu à peu les guirlandes sont remplacées par des rayures, les motifs se simplifient, leurs rythmes se font plus doux, les couleurs plus claires et plus douces.

Dans les années 1750-1760 à Saint-Pétersbourg et plus tard à Moscou, dans le village. Ivanovo (aujourd'hui la ville d'Ivanovo) a développé la production de calicot (tissu en coton avec un motif imprimé utilisant des colorants infusés qui ne se décolorent pas et un polissage ultérieur). Dans les motifs en calicot, les artisans, en particulier ceux d'Ivanovo, traitaient de manière unique les motifs des tissus en soie. A partir d'imprimés folkloriques, ils combinent une riche tache picturale et des découpes graphiques (contours de motifs, quadrillages, points de fond). Au début, les calicots étaient très chers. À la fin du XVIIIe siècle, des variétés bon marché ont commencé à être produites.

Porcelaine. À la fin du XVIIIe siècle, la porcelaine russe devient l’une des meilleures d’Europe. La fabrique nationale de porcelaine de Saint-Pétersbourg a fonctionné avec succès. Ses produits se distinguaient par leur blancheur légèrement chaude, leur glaçage brillant, leur haute qualité technique. Les formes des plats, des vases et leur peinture n'étaient pas inférieures à celles occidentales.

Le plus important des services est créé - l'Arabesque pour les réceptions de cour (1784, ill. 77). Le décor de table de ce service de neuf sculptures allégoriques glorifie l'annexion de la Géorgie et de la Crimée, la « vertu » de Catherine II (sculpteur Zh. D. Rashet). Il est dominé par des poses calmes caractéristiques du classicisme de la fin du XVIIIe siècle, des dorures claires, des proportions strictes des formes des plats de service avec des peintures en forme d'arabesques, basées sur des ornements anciens.

Dans les années 1780, une série de sculptures «Peuples de Russie» (traitement créatif de gravures) a été créée - brillamment décoratives, avec des images caractéristiques - représentant des nationalités individuelles (Yakoute, Samoyède, Tatar). Des figures sculpturales de vendeurs ambulants et d'artisans ont été produites, représentées en mouvement et au travail. La sculpture en porcelaine est devenue depuis de nombreuses décennies une décoration préférée des intérieurs nobles.

Parmi les fabriques de porcelaine privées, la plus viable est celle de Franz Gardner (1765) (village de Verbilki près de Moscou). Déjà à la fin du XVIIIe siècle, il réalisait des décors pour la maison royale avec l'utilisation originale de motifs de l'ordre russe dans les peintures. La porcelaine Gardner, assez bon marché, se distinguant par sa simplicité de forme, sa peinture florale luxuriante, proche des traditions populaires, connut un succès aussi bien dans la capitale qu'en province (ill. 79).

Verre. Le verre coloré a apporté une véritable gloire au verre russe dans le dernier tiers du XVIIIe siècle. M.V. Lomonossov, avec ses travaux sur la théorie de la couleur et la technologie du verre coloré, a ouvert de nouvelles voies à la verrerie russe, enrichi la palette du verre et fait revivre les mosaïques russes. Il a organisé une usine de production de smalt, de perles et de verre dans le village d'Ust-Ruditsa, dans la province de Saint-Pétersbourg. Les maîtres de l'usine d'État de Saint-Pétersbourg, Druzhinin et Kirillov, ont été formés par Lomonossov à la fusion du verre coloré. L'usine maîtrise la production de verre aux tons profonds et purs - bleu, violet, rose-rouge, vert émeraude. Désormais, sa production n'est plus dominée par le cristal gravé, mais par le verre fin coloré et incolore. Les verres à shot, les gobelets et les carafes reçoivent des formes lisses dans lesquelles le corps se transforme en douceur dans la tige, créant des contours doux et gracieux. Les peintures d'or et d'argent de guirlandes, de nœuds, d'étoiles et de monogrammes ont un rythme calme et soulignent les volumes plastiques des récipients.

On produit également du verre dit blanc laiteux (tasses, carafes, objets d'église), rappelant apparence et la nature des peintures sont des porcelaines plus chères.

À la fin du XVIIIe siècle, les verreries privées de Bakhmetyev dans la province de Penza, de Maltsev dans les provinces de Vladimir et d'Orel et bien d'autres se développaient et obtenaient un grand succès. Leurs verres et cristaux incolores et colorés sont largement distribués dans toute la Russie.

Traitement artistique des métaux. L'épanouissement de l'art de la joaillerie en Russie a commencé au milieu du XVIIIe siècle et s'est poursuivi tout au long du siècle. Il a matériel d'art d'une beauté extraordinaire : ce sont les diamants, les émeraudes, les saphirs et autres pierres précieuses et semi-précieuses, les émaux peints, les métaux non ferreux (or, argent, platine, alliages). L'art de tailler les pierres atteint haut degré la perfection. Pour rehausser le jeu de la pierre, les bijoutiers trouvent diverses techniques artistiques et techniques pour monter et fixer les pièces de manière mobile. Les artistes joailliers créent des bijoux multicolores aux formes complexes : boucles d'oreilles, bagues, tabatières, boucles de chaussures, boutons pour costumes luxueux pour hommes et femmes.

Dans le dernier tiers du XVIIIe siècle, les formes des bijoux s'équilibrent et la palette de couleurs des pierres précieuses devient plus stricte.

Durant cette période, les orfèvres connaissent un grand succès. Conformément aux nouveaux goûts, les formes des services en argent sont simples et claires. Ils sont décorés de flûtes et d'ornements anciens. Sur des verres en argent et des tabatières, les artisans de Veliky Ustyug reproduisent à partir de gravures des images de scènes anciennes et de victoires des troupes russes.

Un phénomène marquant dans les arts appliqués du XVIIIe siècle sont les produits artistiques en acier des maîtres de Toula : meubles, boîtes, bougeoirs, boutons, boucles, tabatières. Ils construisent l'effet décoratif de leurs œuvres sur la juxtaposition d'aciers légers et lisses et de décors en forme de pièces facettées qui scintillent comme des diamants. Les artisans utilisent le bleuissement (traitement thermique en forge à différentes températures) du métal, qui donne différentes nuances - vert, bleu, violet, d'épais à éclairci. Les traditions de l’art populaire se reflètent dans l’amour des couleurs vives et une profonde compréhension de la matière.

Pierre colorée. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, des gisements de marbres, d'orlets rose cerise dans l'Oural, de jaspes multicolores, de brèches panachées, de porphyres de l'Altaï et de lapis-lazuli bleu du Baïkal ont été découverts. Outre Peterhof (1722-1723) et Ekaterinbourg (début des années 1730), l'usine Loktev a commencé à fonctionner au cœur même de l'Altaï en 1787 (depuis 1802, elle a été remplacée par l'usine Kolyvan). Il existe de nombreuses possibilités d'utilisation de la pierre colorée pour la finition et la décoration d'œuvres monumentales et décoratives des intérieurs de palais.

La capacité d'identifier les qualités esthétiques d'un matériau a toujours distingué les artisans russes, mais elle s'exprimait particulièrement clairement dans l'art de tailler la pierre. Travaillant selon les plans des architectes, les tailleurs de pierre révèlent artistiquement la fabuleuse beauté de la pierre, son motif naturel, ses extraordinaires nuances de couleur, son éclat, les mettant en valeur par un excellent polissage. Bronze doré en forme de poignées, le pommeau ne fait que compléter et souligner la forme. Des projets de sculptures sur pierre, d'obélisques et de vases, basés sur des formes anciennes, ont été créés par Quarenghi et Voronikhin.

L'épanouissement des arts appliqués russes au XVIIIe siècle était associé au travail des architectes Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin et d'un certain nombre d'artistes populaires formés. Mais sa véritable gloire a été créée principalement par des artisans serfs restés inconnus - fabricants de meubles, sculpteurs, tisserands, tailleurs de pierre, bijoutiers, verriers, céramistes.

Les changements dans la vie quotidienne et leur impact sur les arts et l'artisanat. Caractéristiques de l'ornement et du décor des styles artistiques du baroque, du rococo et du classicisme.

Fabrication de l'argent et de l'or : école de Saint-Pétersbourg, artisans et manufactures de Moscou, argent niello de Veliky Ustyug. Nouveaux types de vaisselle en métaux précieux et non ferreux : théières, cafetières, bouillottes, samovars. Articles ménagers et ustensiles d'église. Insignes d'État. Commandes et médailles. Émaux. Artistes de l'émail A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.

L'émergence de la porcelaine russe. D.I.Vinogradov. Manufactures de porcelaine impériales et privées. Majolique, faïence. Verre d'art. Tissus de décoration et tapisseries. Nouveau dans les vêtements. Meubles d'armoire et de composition. Marqueterie. Sculptures en bois dans les intérieurs civils et religieux. Équipages. Roche décorative. Camées.

Artisanat folklorique artistique. Fond sculpté et marqueté de Gorodets. Sculpture sur os de Kholmogory. Broderie d'or de la province de Tver. Dentelle de Galich et Vologda. Céramique de Gjel.

Musique et théâtre au XVIIIe siècle

Chant choral polyphonique. Bords. Musique instrumentale et orchestres. L'art de l'opéra. Ballet. Musique à la cour, dans la ville et dans la vie paysanne. L’émergence d’une identité nationale école de composition. E.I. Fomin. I.E. Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S. Berezovsky. A.O. Kozlovski.

Tentatives de création d'un théâtre public accessible sous Pierre le Grand. Performances amateurs à la cour. Théâtres scolaires dans les établissements d'enseignement religieux et laïcs. Troupes professionnelles d'acteurs étrangers.

Dramaturgie du classicisme russe : tragédies et comédies. L'influence du sentimentalisme sur le répertoire théâtral. L'émergence du drame et opéra comique sur la scène russe. A.P. Sumarokov est un dramaturge et une figure du théâtre. Le fondateur du théâtre professionnel russe, acteur et metteur en scène F.G. Volkov. Son ami et disciple I.A. Dmitrevsky. Représentations théâtrales de masse.

Théâtre de la forteresse. Troupe du comte P.B. Sheremetev. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova et d'autres artistes. Théâtre du Palais à Ostankino. Théâtre du Peuple.

ABRÉVIATIONS DES NOMS DES PRINCIPALES COLLECTIONS DU MUSÉE MENTIONNÉES DANS LA LISTE DES MONUMENTS CULTURELS

BAN - Bibliothèque Académie russe Sciences (Saint-Pétersbourg)

VMDPNI- Musée panrusse art décoratif, appliqué et populaire (Moscou)

Musée historique d'État - État Musée historique(ville de Moscou)

HMGS - Musée national de sculpture urbaine (Saint-Pétersbourg)

GMMK - Musées d'État du Kremlin de Moscou (Moscou)

GNIMA - Musée national de recherche scientifique sur l'architecture (Moscou)

GOP - Chambre d'armurerie d'État (Moscou)

Musée d'État russe - Musée d'État russe (Saint-Pétersbourg)

Galerie Tretiakov - État Galerie Tretiakov(ville de Moscou)

Etat de l'Ermitage - Musée de l'Ermitage (Saint-Pétersbourg)

ZIKHMZ - ancienne réserve-musée historique et artistique de Zagorsky (aujourd'hui Sergiev-Posad) (Sergiev Posad, région de Moscou)

MIFA - Musée des trésors historiques d'Ukraine (Kiev)

MPIB - Musée des Arts appliqués et de la vie du XVIIe siècle « La Cathédrale des Douze Apôtres et les Chambres patriarcales du Kremlin de Moscou » (Moscou)

GPS - Musée-réserve d'État des États-Unis de Novgorod (Novgorod)

NGP - Chambre à facettes de Novgorod (Novgorod)

SHM - Musée d'art de Samara (Samara)

MONUMENTS DE LA CULTURE RUSSE

SECTION I. HISTOIRE DE LA CULTURE RUSSE DANS L'ANCIEN ET LE MOYEN ÂGE

(JUSQU'À LA FIN DU XVIIE SIÈCLE)

ARCHITECTURE POPULAIRE EN BOIS

BÂTIMENTS CULTES

1. Églises Kletsky :Église de Lazare du monastère de Mourom (14-16 siècles) - Réserve naturelle de Kizhi ; Église de la Déposition de la Robe du village de Borodavy (XVe siècle) - Musée-réserve Kirillo-Belozersky ; Église de la Transfiguration du village de Spas-Vezhi (XVIIe siècle) - Musée-réserve de Kostroma ; Église Saint-Nicolas du village de Tukholya (XVIIe siècle) - Musée-réserve de Novgorod « Vitoslavlitsy » ; Chapelle de l'Archange Michel du village de Lelikozero (XVIIIe siècle) - Musée-Réserve de Kizhi ; Église Saint-Nicolas du village de Glotova (XVIIIe siècle) - Musée-réserve de Souzdal.

2. Églises sous tente :Église Saint-Nicolas du village de Lyavlya (XVIe siècle) ; Église Saint-Georges du village de Vershina (XVIIe siècle) - Musée-réserve d'Arkhangelsk « Malye Korely » ; Église de la Résurrection du village de Patakino (XVIIIe siècle) - Musée-réserve de Souzdal ; Église de l'Assomption (XVIIIe siècle) dans la ville de Kondopoga.

Reflet du tournant de l’époque de Pierre le Grand dans les arts décoratifs et appliqués. européen de l'Ouest influences artistiques(Hollande, Angleterre, France, Italie). Les processus de formation du système de classes et de renforcement de la culture laïque et leur influence sur le développement des arts décoratifs et appliqués. La nature multicouche des arts décoratifs et appliqués, le développement inégal de ses sphères individuelles. Préservation et développement des orientations traditionnelles (provinciales et culture populaire, art de l'église).

Améliorer la technologie de la production artisanale et manufacturière. L'émergence de l'industrie artistique (production de tapisseries, verrerie d'art, faïence, taille de pierre, production de soie et de tissu). Fabrication d'articles de mode et de luxe. Découverte et valorisation de gisements de cuivre, d'étain, d'argent, de pierres colorées, d'argiles de grande qualité.

Le rôle de l'Académie des sciences dans la « prospérité des arts libres et des manufactures », reflet des nouveaux intérêts scientifiques et techniques dans les arts décoratifs et appliqués. Nouvelles formes d'éducation et de formation des artisans dans les usines d'art. Fermeture des ateliers de l'Armurerie Chambre. La retraite et son rôle dans le développement espèce individuelle l'artisanat. L'émergence d'organisations corporatives d'artisans en Russie. Travail de maîtres étrangers dans divers domaines des arts décoratifs et appliqués.

Style artistique dans les arts décoratifs et appliqués. La mode, son impact sur l'évolution des goûts, l'évolution de l'environnement du sujet. L'émergence de nouveaux types d'objets, le renouvellement des idées esthétiques dans les arts décoratifs et appliqués. Tendances dans la synthèse des arts. Le rôle de l'architecture, de l'art monumental, du graphisme et des publications illustrées dans le développement des arts décoratifs et appliqués. Tendances décoratives de la culture baroque dans la conception de festivals, de complexes de portes triomphales et d'art du jardinage.

L'art de la décoration d'intérieur type particulier activité artistique dans l'œuvre des architectes du premier quart du XVIIIe siècle. Les premiers travaux d'intérieur et les principales tendances stylistiques (Baroque, Rococo, Classicisme). Nouveaux types de locaux (bureaux, chambres d'apparat, salons, « salles de tournage », « salles de peinture ») et leur contenu thématique (Palais d'Été, Palais A.D. Menchikov, Grand Palais de Peterhof, Monplaisir). Œuvres de maîtres français. "Chinoiserie" dans les intérieurs de l'époque Pierre le Grand.

Solution d'ensemble de l'environnement sujet. L'émergence d'activités de projets dans le domaine de la culture matérielle et des arts décoratifs et appliqués.

Développement de l'activité mobilier. Nouveaux types et formes de meubles, matériaux et méthodes de décoration. Influence du mobilier anglais et hollandais. Baroque et Rococo dans le mobilier.

La sculpture sur bois, son rôle à l'intérieur. Reliefs sculptés. Iconostase de la cathédrale Pierre et Paul. Sculpture de navires et fabrication de calèches.

Orfèvrerie. Préservation traditions XVII V. Création d'ateliers d'orfèvrerie. Art de la bijouterie. Portrait miniature sur émail. Commandez des badges et des personnes « accordées ». Les premiers maîtres de la peinture miniature furent Grigori Musikiysky et Andrey Ovsov.

Céramiques et faïences de l'époque de Pierre le Grand. Carrelage hollandais à l'intérieur. Expansion de l'importation de faïence d'Angleterre et de Hollande. La première manufacture privée de A. Grebenshchikov à Moscou, l'émergence de la faïence fine domestique.

Augmentation de la consommation de verre et création d'usines de verre à Yamburg et Zhabino, près de Saint-Pétersbourg. Miroirs et luminaires. Formation du style des plats de palais d'apparat avec gravure mate. La première usine privée de verre et de cristal de Maltsov dans le district de Mozhaisk.

Taille de pierre et taille de pierres précieuses. Fondation des premières usines de découpe à Peterhof et Ekaterinbourg. Sculpture sur os. Techniques de sculpture de base, dispositifs stylistiques. Traditions de Kholmogory. L'apparition des tours, les modifications des formes des produits. Petrovskaya Turning et A. Nartov. L'influence de la gravure et des livres illustrés sur la sculpture sur os. Fondation de la Tula Arms Factory, développement de l'art du traitement artistique de l'acier en produits décoratifs.

Typologie du costume. Changer une robe médiévale en un costume de style européen. L'établissement par Peter des règles de port et des types de vêtements nobles. Introduction de vêtements et d'uniformes statutaires pour l'armée et la marine, pour les fonctionnaires. L'émergence de nouvelles manufactures en lien avec les changements de costumes. Remplacement des tissus orientaux par des tissus d'Europe occidentale. Échantillons de costumes pour hommes de la garde-robe de Pierre Ier.

Fondation de la Manufacture de Treillis de Saint-Pétersbourg. Formation de maîtres russes.

Art décoratif et appliqué de l’époque d’Anna Ioannovna. Argent artistique. Fondation d’une verrerie publique à Fontanka à Saint-Pétersbourg. Activités de la manufacture de treillis. Style de treillis et utilisation à l'intérieur. L. Caravaque et ses projets dans le domaine des arts décoratifs.

Renouveau de la culture artistique sous le règne d'Elizabeth Petrovna. Prédominance des influences françaises. Baroque et rococo dans l'art russe. Rococo en décoration d'intérieur, costume, bijoux, art paysager. Synthèse de l'architecture et des arts décoratifs dans les intérieurs baroques et rococo. Travaux de V.V. Rastrelli et A. Rinaldi dans le domaine du design d'intérieur. Matériaux décoratifs et techniques de finition intérieure. Types de meubles baroques et rococo. Tissus à l'intérieur. Éclairage. Ensemble de divers types d'art décoratif et appliqué du milieu et de la seconde moitié du siècle.

Orfèvrerie. Approbation du style baroque. Œuvres monumentales et décoratives. Grands services cérémoniaux. Changer les formes des objets, nouveaux types de plats pour de nouveaux produits. Art de la bijouterie. Activités des artisans de cour. Style rococo en bijoux. Types de bijoux pour femmes. Pierre colorée dans les bijoux.

Le costume, son image, le type de coupe, les matières, les accessoires, le caractère de la décoration. Influence de la mode française. Baroque et rococo en costume féminin et masculin.

Invention de la porcelaine domestique. Fondation d'une manufacture de porcelaine à Saint-Pétersbourg. Les activités de D.I. Vinogradov et la période « Vinogradov » de développement de la porcelaine russe. Les premiers services du palais, vases, petits objets en plastique. Création d'une faïencerie publique à Saint-Pétersbourg.

Verre élisabéthain gravé. Activités de la verrerie d'État de Saint-Pétersbourg et de l'usine fluviale. Nazier. Baroque et Rococo en verre d'art. Le verre dans la décoration des intérieurs de palais par V.V. Rastrelli. Usines privées des Nemchinov et des Maltsov. Expériences de M.V. Lomonossov dans le domaine du verre coloré, début de sa production à l'usine d'Oust-Ruditsk.

Sculpture sur os. Style rococo, œuvre du sculpteur Osip Dudin.

Arts et métiers deuxième la moitié du XVIII V.

Classicisme dans les arts décoratifs et appliqués 1760-1790. Une combinaison de style rococo avec des motifs antiques. Le rôle des architectes dans les arts décoratifs et appliqués à l'ère du classicisme. Formation de maîtres d'arts décoratifs et appliqués à l'Académie des Arts.

Intérieur du début du classicisme. Matériaux et formes, couleur, décoration sculpturale, réduction du coût des finitions décoratives. Travaux intérieurs de Charles Cameron. Diversité des techniques décoratives, nouveaux matériaux, image des lieux et de l'ensemble. Intérieurs par V. Brenna.

Mobilier classicisme, caractère, formes, influences. Prototypes anciens. Nouveaux types de meubles. Participation d'architectes au développement de l'art du meuble en Russie (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Meubles de D. Roentgen en Russie. Atelier de G. Gambs et I. Ott. Style Jacob dans les meubles russes. Changement de matériaux dans le mobilier d'art (acajou, bois doré, peuplier, bouleau de Carélie). Tissu et broderie dans les meubles.

Atelier de Spol à Moscou. Décor sculpté dans les intérieurs de M. Kazakov. Meubles sculptés du palais Ostankino. L'épanouissement des techniques de composition dans le mobilier russe de la seconde moitié du siècle, les modes d'exécution et les matériaux. Production de meubles chez Okhta à Saint-Pétersbourg. Le papier mâché comme matériau pour l'ameublement et l'art décoratif.

Bronze artistique russe et français. Principaux types de produits et techniques de décoration. Bronze et verre dans les luminaires. Bronze dans la décoration de vases et meubles en pierre et porcelaine. Activités de la Maison Fonderie. Bronzeurs étrangers à Saint-Pétersbourg (P. Azhi, I. Tsekh, etc.).

Costume. Modification des types et des silhouettes de vêtements dans les années 1770-1780. Introduction de la tenue vestimentaire noble uniforme. Tenue de cérémonie de cour, utilisation de formes nationales stylisées. "Style grec" des années 1790 en costumes et coiffures. Un changement radical dans le design de la combinaison. Mode pour châles, foulards, capes, mantilles, châles.

Art de la bijouterie. Activités de I. Pozier, Dubulon, J. Adora, I.G. Sharf, I.V. Bukh, frères Duval. Grande couronne impériale. Atelier de diamants de cour. Argent artistique. Influence de l'argenterie française de style Louis XVI. L'art du nielle sur argent. Le rôle croissant des centres de bijouterie du Nord - Vologda, Veliky Ustyug. Usine de produits noirs et émaillés des frères Popov à Veliky Ustyug. Émail avec superpositions d'argent.

Porcelaine, techniques de fabrication et de décoration. Manufacture Impériale de Porcelaine. Classicisme précoce dans les formes et la décoration des produits. Influence de la porcelaine et de la faïence européennes. Activités de J.-D. Rashetta. Contacts de l'IPE avec l'Académie des Arts. Vases décoratifs et services de palais à l'intérieur de l'époque classique. Les grands services cérémoniaux, leur composition, la nature de leur conception. Rechercher des formes d'objets et des méthodes de décoration de produits appropriées. Sculpture en porcelaine (série de personnages « Peuples de Russie », « Commerçants et colporteurs »). Dessin et gravure de genre en sculpture sur porcelaine et peinture sur porcelaine. Produits de biscuiterie. Porcelaine "Pavlovsk" de la fin des années 1790.

Usine F. Gardner à Verbilki. Services de commande.

Verre d'art. Usine de G. Potemkine à Ozerki. Verre coloré et cristal. Du verre dans les intérieurs de Charles Cameron. La Verrerie Impériale dans les années 1790. Connexion entre les produits des manufactures impériales de porcelaine et de verre. Usine de Bakhmetev dans la province de Penza. L'apogée de la peinture sur verre dans les années 1780-90. Motifs gothiques en verre d'art.

Activités de la manufacture de treillis. Connexion des treillis avec direction générale dans la peinture russe (thème historique, allégorie, portrait dans une tapisserie). Le passage du rococo au classicisme. Treillis en design d'intérieur.

Sculpture sur pierre. Le rôle de Charles Cameron dans le développement de la culture de la pierre colorée et son utilisation à l'intérieur. Nouvelles techniques d'utilisation de la pierre, « mosaïque russe ». Activités de l'usine lapidaire de Peterhof. Découverte de nouveaux gisements de pierres colorées dans l'Oural et l'Altaï. Usine d'Ekaterinbourg et usine de Kolyvan. Invention des machines pour le traitement de la pierre. Vases d'après des dessins de A. Voronikhin et D. Quarenghi.

L'apogée de l'acier de Toula (meubles et objets de décoration). Usines nobles et marchandes. Usine miniatures en laque PI. Korobova. L'émergence de l'artisanat dans les manufactures artistiques. Développement des métiers d'art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : peinture de Khokhloma, tissage de dentelles, tissage à motifs, tissage de tapis, métallurgie artistique, etc.

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"Arts décoratifs et appliqués du XVIIIe siècle."

Introduction

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, l’art appliqué russe connaît un essor significatif. Cela a été facilité par le développement de l'économie, du commerce, de la science et de la technologie et, dans une large mesure, par les liens étroits avec l'architecture et les beaux-arts. Le nombre de grandes et petites usines, usines, ateliers produisant des tissus, du verre, de la porcelaine et des meubles a augmenté. Les propriétaires terriens installèrent sur leurs domaines divers ateliers basés sur le travail des serfs.

L'un des phénomènes les plus brillants de la culture russe est l'art populaire russe, dont l'histoire remonte à autant de siècles que d'habitants sur terre.

Les arts décoratifs et appliqués russes et l'artisanat populaire sont des phénomènes originaux qui n'ont pas d'analogue dans la culture mondiale. Depuis des temps immémoriaux, la terre russe est célèbre pour ses artisans, des personnes capables de créer et de créer une vraie beauté de leurs propres mains. À travers l'art de l'artisanat populaire, le lien entre le passé et le présent est retracé.

L’artisanat populaire est exactement ce qui rend notre culture riche et unique. Les objets peints, jouets et produits en tissus sont emportés avec vous Touristes étrangersà la mémoire de notre pays. Presque chaque coin de Russie possède son propre type d’artisanat.

Principaux types d'artisanat

JOUET DYMKOVO

Jouet Dymkovo (jouet Viatka, Kirov), artisanat d'art populaire russe ; existe depuis longtemps dans la colonie de Dymkovo (maintenant sur le territoire de la ville de Kirov). Un jouet Dymkovo est sculpté en argile, cuit et peint sur le sol à la détrempe, et des feuilles d'or sont incluses. Représente des animaux, des cavaliers, des dames en crinolines, des scènes de conte de fées et de tous les jours. Originalité artistique Les jouets Dymkovo se caractérisent par une plasticité massive et laconique, soulignée par une peinture décorative harmonieuse en forme de grand motif géométrique (cercles, cages de différentes couleurs, etc.).

Le jouet Dymkovo est l'artisanat en argile le plus célèbre de Russie. Il se distingue par sa forme plastique extrêmement simple et claire, sa silhouette généralisée et sa peinture ornementale lumineuse sur fond blanc.

Traditionnellement, l'industrie du jouet de Dymkovo n'a pas de production de masse.

Khokhloma - vieux russe artisanat populaire, né au XVIIe siècle dans la région de la Volga (village de Semino, province de Nijni Novgorod). C’est peut-être le type le plus célèbre de la peinture populaire russe. Il s'agit d'une peinture décorative sur ustensiles et meubles en bois, réalisée dans des tons rouges et noirs (moins souvent verts) et dorés sur fond doré. Ce qui est surprenant, c'est que lorsqu'on peint, ce n'est pas de l'or, mais de la poudre d'étain argenté qui est appliquée sur le bois. Ensuite, le produit est recouvert d'un composé spécial et traité trois ou quatre fois au four. Puis apparaît cette délicieuse couleur miel doré, grâce à laquelle les ustensiles en bois clair semblent massifs.

JOUET BOGORODSKAYA

Des poulets en bois panachés sur un support, des figurines de forgerons, un homme et un ours - tirez la barre et ils frapperont avec des marteaux sur une petite enclume... Les jouets amusants, connus en Russie depuis des temps immémoriaux, sont devenus le principal artisanat populaire pour les habitants du village de Bogorodskoye près de Moscou.

Le « jouet Bogorodskaya » doit sa naissance au village de Bogorodskoye, aujourd'hui situé dans le district de Sergiev Posad de la région de Moscou. Au XVe siècle, le village appartenait au célèbre boyard moscovite M.B. Pleshcheev, après la mort duquel le village ainsi que les paysans ont été hérités par son fils aîné Andrei, puis par son petit-fils Fedor.

Depuis 1595, le village de Bogorodskoye est devenu la propriété du monastère Trinité-Serge et les paysans sont devenus serfs du monastère. Ce sont les paysans qui ont jeté les bases de la sculpture sur bois aux XVIe et XVIIe siècles, qui ont glorifié Bogorodskoïe, l'actuelle « capitale du royaume du jouet », dans le monde entier.

MATRIOCHKA

La matriochka est le souvenir russe le plus célèbre et le plus apprécié, un phénomène mondial. La première poupée russe est apparue à la fin du XIXe siècle, mais elle a acquis une reconnaissance sans précédent comme l'une des images globales de la Russie, un symbole de l'art populaire russe. Le prédécesseur et prototype de la poupée gigogne russe était la figurine d'un vieil homme chauve et de bonne humeur, le sage bouddhiste Fukuruma, qui contenait plusieurs autres figures imbriquées les unes dans les autres. Cette figurine a été ramenée de l'île de Honshu. Les Japonais affirment d'ailleurs qu'un moine russe inconnu a été le premier à sculpter un tel jouet sur l'île de Honshu.

La poupée russe amovible en bois s’appelait une matriochka. Dans la province pré-révolutionnaire, le nom Matryona, Matresha était considéré comme l'un des noms russes les plus courants, basé sur le mot latin « mater », signifiant mère. Ce nom était associé à la mère d'une famille nombreuse, possédant bonne santé et une silhouette corpulente. Par la suite, il est devenu un mot familier et a commencé à désigner un produit en bois tournant, détachable et peint de couleurs vives. Mais à ce jour, la poupée gigogne reste un symbole de maternité, de fertilité, puisqu'une poupée avec une grande famille de poupées exprime parfaitement la base figurative de cette symbole ancien culture humaine.

La première poupée gigogne russe, sculptée par Vasily Zvezdochkin et peinte par Sergei Malyutin, avait huit sièges : une fille avec un coq noir était suivie d'un garçon, puis à nouveau d'une fille, et ainsi de suite. Toutes les figures étaient différentes les unes des autres, et la dernière, la huitième, représentait un bébé emmailloté.

ÉCHARPE EN DUVET ORENBURG

Les bases de l'art appliqué, grâce auquel Orenbourg s'est fait connaître dans le monde entier, ont été posées par les femmes cosaques à la fin du XVIIe siècle, lorsque les pionniers russes, établis dans l'Oural, ont noué des relations commerciales avec la population locale.

Le climat rigoureux de ces lieux exigeait des vêtements chauds mais légers. Les femmes cosaques ont facilement adopté l'artisanat en duvet de chèvre des Kazakhs et des Kalmouks. Seul le style de tricot des peuples des steppes était continu et les femmes Yaik ont commencé à utiliser des ornements en dentelle russe.

FOULARD PAVLOPOSAD

Lumineux et légers, les châles féminins Pavloposad sont toujours à la mode et pertinents. Et aujourd'hui, les designs originaux sont complétés par divers éléments tels que des franges, créés dans différentes couleurs et restent un excellent accessoire pour presque tous les looks.

Les foulards imprimés Pavlovsky Posad, en laine et demi-laine, décorés de motifs imprimés colorés traditionnels, sont originaires de la ville de Pavlovsky Posad, près de Moscou, dans les années 1860-80. La région de Pavlovsky Posad (le territoire de l'ancien district de Bogorodsky) est l'un des plus anciens centres textiles russes. Au XVIIIe - première moitié du XIXe siècle. Les châles et les tissus de sarafan de Bogorodsk se distinguaient par la beauté particulière de l'ornement tissé avec du fil d'or. Plus tard, le tissage de la soie s’est répandu ici, et ce à partir des années 1860. Débute la production d'écharpes en laine et mi-laine, décorées de motifs imprimés colorés. Peu à peu, la production s'est développée et a acquis un caractère national prononcé.

FINIFE DE ROSTOV

L'émail de Rostov est un artisanat d'art populaire traditionnel unique né dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. comme métier de peinture d'icônes. Dans cette série, il est lié à Palekh, Mstera, Kholui, seul le matériau est assez rare - la peinture sur émail. « Émail » vient du nom grec tsEggpt (phengos), qui signifie « chatoyant ». Des peintures spéciales (inventées en 1632 par le joaillier français Jean Toutin) à base de verre additionnées d'oxydes métalliques sont appliquées sur un support métallique (acier, cuivre, argent, feuille d'or) et fixées par cuisson au four. L'émail de Rostov est l'un des dix meilleurs métiers populaires de Russie.

Gjel est le nom d'une région pittoresque près de Moscou, à 60 kilomètres de Moscou. Le mot « Gjel » est incroyablement populaire aujourd'hui. L'harmonie, les contes de fées et les histoires vraies sont associés à la beauté. La porcelaine avec une élégante peinture bleue et la majolique multicolore sont désormais connues non seulement en Russie, mais aussi à l'étranger. Les produits Gjel attirent tous ceux qui aiment la beauté, riche en imagination et en harmonie, ainsi que le grand professionnalisme de leurs créateurs. Gjel est le berceau et le centre principal de la céramique russe. C'est ici que se sont formés ses meilleurs traits et que les plus hautes réalisations de l'art populaire ont été révélées.

Quel âge a cet artisanat populaire russe ? Les recherches archéologiques sur le territoire de Gjel confirment l'existence de poteries ici depuis le début du XIVe siècle. Et ce n'est pas surprenant, la terre de Gjel a longtemps été riche en forêts, rivières, argiles de haute qualité,... "que je n'ai jamais vues d'une plus belle blancheur". Depuis lors, au cours de son histoire de plus de six siècles, Gjel a connu différentes périodes.

La fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle sont devenus une période de crise profonde. Il semblait que l’art de Gjel avait péri pour toujours.

La période d'après-guerre est associée au début du renouveau de l'artisanat et à la recherche de son propre langage figuratif. Cela a nécessité des années de travail minutieux et inlassable, ainsi que la formation de nouveaux maîtres. En conséquence, cela a conduit au succès. Jouet matriochka Dymkovsky Gjel appliqué

En 1972, l'association Gjel est créée sur la base de six petites installations de production implantées dans plusieurs villages. Groupes créatifs développé de nouveaux échantillons. Des formes de produits complètement nouvelles ont été créées. La peinture s'est enrichie et répond aux exigences artistiques d'aujourd'hui.

PLATEAU TAGIL

La peinture de laque de l'Oural sur métal est née au XVIIIe siècle. dans les usines de Nijni Tagil. Le plateau Tagil est plus ancien que celui de Zhostovo. C'est Nijni Tagil qui est considéré comme le berceau de la peinture sur métal russe. L'usine de l'Oural Demidovs, étant le principal client des produits peints, a soutenu l'industrie de la laque de toutes les manières possibles. La peinture sur métal Tagil ne peut être confondue avec aucune autre : elle se caractérise par une richesse de couleurs, une pureté et une grâce dans le traitement des couleurs, une composition complète et un motif raffiné d'ornements.

La peinture de Zhostovo est un artisanat populaire de peinture artistique de plateaux métalliques qui existe dans le village de Zhostovo, district de Mytishchi, région de Moscou. L'artisanat des plateaux en métal peint est né au milieu du XVIIIe siècle. dans l'Oural, où se trouvaient les usines métallurgiques de Demidov. Seulement dans la première moitié du XIXe siècle. Les plateaux ont commencé à être fabriqués dans les villages de la province de Moscou - Zhostovo, Troitsky, Novoseltsev. La pêcherie de la région de Moscou est rapidement devenue la principale.

Les plateaux de Zhostovo sont des peintures, principalement d'ornements floraux, dont les créateurs étaient de simples paysans russes. Ils ont apporté à la peinture sur laque la gaieté des couleurs, la simplicité et la clarté des images, la précision des caractéristiques et la clarté du dessin.

La peinture est réalisée selon des techniques de coups de pinceau libres, sans dessin préalable. Le plus souvent, un fond noir est utilisé. Les volumes de fleurs et de feuilles semblent pousser du fond du fond. Cela se fait en passant progressivement des tons sombres aux tons plus clairs. Les fleurs semblent prendre vie dans le tableau.

La technologie moderne de fabrication des plateaux diffère peu de celle utilisée auparavant par les artisans du village de Zhostovo. Une fine feuille de fer est pressée dans la forme souhaitée, les bords du plateau sont roulés pour donner de la rigidité et la surface est nivelée. La surface avant du plateau est apprêtée et masticée, puis poncée et recouverte de vernis noir (moins souvent d'une couleur différente). Les plateaux sont séchés dans des fours à des températures allant jusqu'à 90 degrés C. Le revêtement est effectué trois fois, après quoi la surface colorée du plateau devient brillante.

FEDOSKINO

Miniature Fedoskino, un type de peinture miniature traditionnelle en laque russe Peinture à l'huile sur papier mâché, qui s'est développé à la fin du XVIIIe siècle. dans le village de Fedoskino près de Moscou.

La production de produits en papier mâché est née en 1798, lorsque le marchand P.I. Korobov a organisé la production de visières dans le village de Danilkov, qu'il a acheté (qui fait actuellement partie de Fedoskino). Quelques années plus tard, Korobov visita l'usine de Johann Stobwasser à Brauschweig, y adopta la technologie des produits en papier mâché et commença à produire dans son usine les tabatières alors populaires, décorées de gravures collées sur le couvercle, parfois peintes et vernies. Dans le deuxième quart du XIXe siècle. Les tabatières, les boîtes à perles, les boîtes et autres produits ont commencé à être décorés de miniatures pittoresques réalisées avec des peintures à l'huile de manière picturale classique.

Les artisans travaillaient à l'usine contre rémunération, beaucoup d'entre eux venaient des ateliers de peinture d'icônes de Sergiev Posad et de Moscou, certains avaient une formation artistique reçue à l'école Stroganov. Les noms de certains d'entre eux sont connus - S. I. Borodkin, A. A. Shavrin, A. V. Tikhomirov, D. A. Krylov et d'autres.

Les motifs préférés de la peinture des miniaturistes de Fedoskino sont devenus des sujets populaires à cette époque : les « troïkas », les « tea parties », les scènes de la vie paysanne russe et petite-russe. Les plus appréciés étaient les cercueils décorés de compositions complexes à plusieurs figures - des copies de peintures d'artistes russes et d'Europe occidentale.

La miniature de Fedoskino est peinte avec des peintures à l'huile en trois ou quatre couches - ombrage (esquisse générale de la composition), copie ou repeinture (travail plus détaillé), glaçage (modélisation de l'image avec des peintures transparentes) et éclat (finition du travail avec des peintures claires qui transmettent des reflets sur les objets) sont réalisés successivement.

La miniature Palekh n'a pas d'analogue dans le monde entier. Il est réalisé sur du papier mâché et ensuite transféré sur la surface de boîtes de différentes formes et tailles.

L'art original et subtil des miniatures en laque de Palekh incorporait comme base les principes de la peinture russe ancienne et art folklorique. Actuellement, les miniatures de Palekh font partie intégrante de l’art décoratif et appliqué russe dans son ensemble. Parallèlement au développement de traditions anciennes, il porte en lui une vision poétique du monde, caractéristique des contes et chansons populaires russes.

La naissance de cet art à Palekh n’est pas fortuite. C'était le résultat naturel du développement de traditions séculaires dans les nouveaux conditions historiques, héritant du savoir-faire de nombreuses générations de peintres d'icônes. L’ancienne expérience Palekh est riche et diversifiée. Les traditions de l'art russe ancien sont étudiées et préservées depuis longtemps à Palekh.

Le style indépendant Palekh de peinture d'icônes ne s'est formé qu'au milieu du XVIIIe siècle. Il a absorbé et développé les principes et éléments de base des écoles de Novgorod et Stroganov et de la peinture de la région de la Volga de la seconde moitié du XVIIe siècle. DANS XVII-XIX siècles Les maîtres de Palekh ont exécuté à plusieurs reprises des commandes d'icônes dans le style de Novgorod ou dans le caractère de la boue de Moscou.

Conclusion

La capacité d'identifier les qualités esthétiques d'un matériau a toujours distingué les artisans russes, qui se sont manifestés dans toutes les sphères de la vie, de la vie quotidienne à l'architecture, où l'habileté s'exprimait dans l'art de tailler la pierre.

L'épanouissement de l'art de la joaillerie en Russie a commencé au milieu du XVIIIe siècle et s'est poursuivi tout au long du siècle.

Un phénomène marquant dans les arts appliqués du XVIIIe siècle sont les produits artistiques en acier des maîtres de Toula : meubles, boîtes, bougeoirs, boutons, boucles, tabatières.

L'épanouissement des arts appliqués russes au XVIIIe siècle était associé au travail des architectes Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin et d'un certain nombre d'artistes populaires formés. Mais sa véritable gloire a été créée en grande partie par des artisans serfs restés inconnus - fabricants de meubles, sculpteurs, tisserands, tailleurs de pierre, bijoutiers, verriers, céramistes...

Littérature

Histoire de l'art russe. Rédacteurs responsables I.A. Bartenev, R.I. Vlasova - M., 1987

Histoire de l'art russe. Éd. C'EST À DIRE. Grabar. T. 1-12 (sections des arts décoratifs et appliqués). M. : 1953-1961

Arts décoratifs et appliqués russes. Éd. I.A. Léonova. T.1-3. M. : 1962-1965

Rybakov B.A. Art appliqué russe des X-XIII siècles. L. : 1971

Vasilenko V.M. Art appliqué russe. Origines et formation. je siècle AVANT JC. - XIIIe siècle ANNONCE M. : 1977

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