Oeuvre d'art décoratif populaire : types. Art populaire Création d'œuvres d'art populaire

Art folklorique

artistique, art populaire, folklore, artistique activité créative les travailleurs; poésie, musique, théâtre, danse, architecture, beaux-arts et arts décoratifs créés par le peuple et existant parmi les masses. Dans la créativité artistique collective, les gens reflètent leurs activités professionnelles, leur vie sociale et quotidienne, leur connaissance de la vie et de la nature, leurs cultes et leurs croyances. Le N. t., formé au cours de la pratique du travail social, incarne les vues, les idéaux et les aspirations du peuple, sa fantaisie poétique, monde le plus riche pensées, sentiments, expériences, protestations contre l'exploitation et l'oppression, rêves de justice et de bonheur. Ayant absorbé l'expérience séculaire des masses, N. t. se distingue par la profondeur de la maîtrise artistique de la réalité, la véracité des images et le pouvoir de généralisation créatrice.

Les images, thèmes, motifs et formes d’art littéraire les plus riches naissent de l’unité dialectique complexe de la créativité individuelle (bien que généralement anonyme) et de la conscience artistique collective. Depuis des siècles, le collectif populaire sélectionne, améliore et enrichit les solutions trouvées par les maîtres individuels. La continuité et la stabilité des traditions artistiques (dans le cadre desquelles se manifeste à son tour la créativité personnelle) se conjuguent avec la variabilité et la mise en œuvre diversifiée de ces traditions dans des œuvres individuelles.

La collectivité de la littérature scientifique, qui constitue sa base constante et sa tradition éternelle, se manifeste tout au long du processus de formation des œuvres ou de leurs types. Ce processus, comprenant l'improvisation, sa consolidation par la tradition, son amélioration ultérieure, son enrichissement et parfois son renouvellement, s'avère extrêmement étendu dans le temps. Il est caractéristique de tous les types d'œuvres littéraires que les créateurs d'une œuvre en soient simultanément les interprètes, et l'interprétation, à son tour, peut être la création de variantes qui enrichissent la tradition ; Le contact étroit des artistes interprètes ou exécutants avec des personnes qui perçoivent l'art et qui peuvent elles-mêmes participer au processus créatif est également important. Les principales caractéristiques de la musique folklorique comprennent l'indivisibilité longtemps préservée et l'unité hautement artistique de ses types : poésie, musique, danse, théâtre et art décoratif fusionnés dans des actions rituelles populaires ; chez le peuple, l'architecture, la sculpture, la peinture, la céramique et la broderie formaient un tout indissociable ; poésie populaire est étroitement lié à la musique et à sa rythmicité, à sa musicalité et à la nature de l'interprétation de la plupart des œuvres, tandis que les genres musicaux sont généralement associés à la poésie, aux mouvements ouvriers et aux danses. Les travaux et les compétences de la littérature scientifique se transmettent directement de génération en génération.

N.T. est apparu base historique de toute la culture artistique mondiale. Ses principes originaux, les formes, les types et en partie les images les plus traditionnels sont nés dans les temps anciens dans les conditions d'une société pré-classique, lorsque tout art était la création et la propriété du peuple (voir Art primitif). AVEC développement social l’humanité, la formation d’une société de classes et la division du travail distinguent progressivement l’art professionnalisé « élevé », « scientifique ». N. t. constitue également une couche particulière de la culture artistique mondiale. Il identifie des couches de contenus sociaux différents associés à la différenciation de classe de la société, mais au début de la période capitaliste, l’art non-fictionnel était universellement défini comme l’art collectif traditionnel des masses laborieuses du village, puis de la ville. Un lien organique avec les principes fondamentaux de la vision du monde du peuple, une intégrité poétique de l’attitude envers le monde et un perfectionnement constant déterminent le haut niveau artistique de l’art populaire. En outre, la technologie scientifique a développé des formes particulières de spécialisation, de continuité des compétences et de formation.

La science technologique de peuples différents, souvent très éloignés les uns des autres, présente de nombreuses caractéristiques et motifs communs, nés dans des conditions similaires ou hérités d'une source commune. Dans le même temps, la littérature nationale a absorbé pendant des siècles les particularités de la vie nationale et de la culture de chaque peuple. Il a conservé son pouvoir vital base de travail, est resté un trésor de la culture nationale, un représentant de la conscience nationale. Cela a déterminé la force et la fécondité de l'influence de la critique littéraire sur tout l'art mondial, comme en témoignent les œuvres de F. Rabelais et W. Shakespeare, A. S. Pouchkine et N. A. Nekrasov, P. Bruegel et F. Goya, M. I. Glinka et M. P. Moussorgski. À son tour, N. t. a beaucoup adopté le « grand » art, qui a trouvé une expression diversifiée - des frontons classiques aux cabanes paysannes ah aux chansons folkloriques basées sur les paroles de grands poètes. N. t. a conservé des témoignages précieux des sentiments révolutionnaires du peuple, de sa lutte pour son bonheur.

Dans des conditions capitalistes, tombées dans la sphère des relations socio-économiques bourgeoises, la science et la technologie se développent de manière extrêmement inégale. Beaucoup de ses branches se dégradent, disparaissent complètement ou risquent d'être remplacées ; d’autres perdent leurs qualités en s’industrialisant ou en s’adaptant aux demandes du marché. Dans le 19ème siècle hauteur identité nationale, les mouvements démocratiques et de libération nationale et le développement du romantisme ont suscité l'intérêt pour N. t. à la fin des XIXe et XXe siècles. L'influence du folklore sur la culture mondiale augmente, certaines branches perdues du folklore sont restaurées et des musées et des sociétés pour sa protection sont organisés. Dans le même temps, le mécénat public et privé des arts soumet souvent N. t. à des fins commerciales, les intérêts de « l’industrie touristique », pour laquelle elle cultive les traits les plus archaïques et les vestiges religieux-patriarcaux.

Dans une société socialiste, les conditions ont été créées pour la préservation et le développement de la technologie scientifique ; hériter et établir des traditions folkloriques, il est imprégné des idées du socialisme, du pathétique du reflet d'une réalité nouvelle et transformée ; N. t. bénéficie du soutien systématique de l'État et des organismes publics, et ses maîtres reçoivent des prix et des titres honorifiques. Un réseau d'institutions de recherche a été créé - instituts et musées qui étudient l'expérience de la technologie scientifique et contribuent à son développement. De nombreux genres traditionnels de non-fiction sont en voie de disparition (par exemple, folklore rituel, complots, drames populaires), mais d'autres trouvent une nouvelle place dans la vie. De nouvelles formes de culture artistique de masse naissent également. Les spectacles artistiques amateurs (chœurs, groupes chorégraphiques, théâtres folkloriques, etc.), qui ont une nature différente de celle de N. t., mais utilisent en partie son patrimoine, se développent intensément. De hauts exemples de N. t. créés au cours de plusieurs siècles conservent le sens d'une vie éternelle. héritage culturel, un trésor d'expérience artistique des masses.

La poésie populaire est la créativité artistique verbale de masse d'un peuple particulier ; la totalité de ses types et formes, désignés dans la science moderne par ce terme, porte d'autres noms - littérature populaire, littérature orale, poésie populaire, folklore. La créativité artistique verbale est née du processus de formation de la parole humaine. Dans une société préclassique, elle est étroitement liée à d'autres types d'activités humaines, reflétant les débuts de ses connaissances et de ses idées religieuses et mythologiques. Au cours du processus de différenciation sociale de la société, divers types et formes de créativité verbale orale sont apparus, exprimant les intérêts de différents groupes et couches sociales. Le rôle le plus important dans son développement a été joué par la créativité des masses laborieuses. Avec l’avènement de l’écriture, est née une littérature historiquement associée à la littérature orale.

La collectivité de la littérature orale (c'est-à-dire non seulement l'expression des pensées et des sentiments d'un groupe, mais surtout le processus de création et de diffusion collective) détermine la variabilité, c'est-à-dire la variabilité des textes dans le processus de leur existence. Dans le même temps, les changements pourraient être très différents - depuis des variations stylistiques mineures jusqu'à une refonte importante du plan. Dans la mémorisation, ainsi que dans la variation des textes, un rôle important est joué par des formules stéréotypées particulières - les soi-disant lieux communs associés à certaines situations d'intrigue, passant de texte en texte (par exemple, dans les épopées - la formule pour seller un cheval, etc. .).

Dans le processus d'existence, les genres de fiction littéraire verbale connaissent des périodes (« âges ») « productives » et « non productives » de leur histoire (émergence, diffusion, entrée dans le répertoire de masse, vieillissement, extinction), et cela est finalement associé aux changements sociaux et culturels quotidiens de la société. La stabilité de l'existence des textes folkloriques dans la vie populaire s'explique non seulement par leur valeur artistique, mais aussi par la lenteur des changements dans le mode de vie, la vision du monde et les goûts de leurs principaux créateurs et gardiens - les paysans. Les textes d'œuvres folkloriques de divers genres sont modifiables (bien qu'à des degrés divers). Cependant, en général, le traditionalisme a une force infiniment plus grande dans la fiction littéraire que dans la créativité littéraire professionnelle.

La collectivité de la littérature verbale ne signifie pas son impersonnalité : des maîtres talentueux ont activement influencé non seulement la création, mais aussi la diffusion, l'amélioration ou l'adaptation des textes aux besoins du collectif. Dans les conditions de division du travail, des professions uniques d'artistes de production sont apparues. N. t. (Rhapsodes et Aeds grecs anciens, Skomorokhs russes, kobzars ukrainiens (voir Kobzar), Akyns kazakhs et kirghizes, etc.). Dans certains pays du Moyen-Orient et d'Asie centrale, ainsi que dans le Caucase, des formes transitionnelles de littérature verbale se sont développées : les œuvres créées par certains individus étaient diffusées oralement, mais le texte changeait relativement peu, le nom de l'auteur était généralement connu et était souvent ; introduits dans le texte (par exemple Toktogul Satylganov au Kirghizistan, Sayat-Nova en Arménie).

La richesse des genres, des thèmes, des images et de la poétique de la musique folklorique verbale est due à la variété de ses fonctions sociales et quotidiennes, ainsi qu'aux méthodes d'exécution (solo, chœur, chœur et soliste), à ​​la combinaison du texte avec mélodie, intonation et mouvements (chant, chant et danse, narration, mise en scène, dialogue, etc.). Au cours de l'histoire, certains genres ont subi des changements importants, ont disparu et de nouveaux sont apparus. Dans la période ancienne, la plupart des peuples avaient des traditions tribales, des chants de travail et rituels et des conspirations. Plus tard, des contes magiques et quotidiens, des contes sur les animaux et des formes pré-étatiques (archaïques) d'épopée sont apparus. Lors de la formation de l'État, un classique épopée héroïque, puis des chansons historiques (Voir Chanson) et des ballades (Voir Ballade) sont apparues. Même plus tard, le chant lyrique non rituel, la romance, la Chastushka et d'autres petits genres lyriques et, enfin, le folklore ouvrier (chants révolutionnaires, histoires orales, etc.) se sont formés.

Malgré la brillante coloration nationale des œuvres littéraires de N. t. différentes nations, de nombreux motifs, images et même intrigues y sont similaires. Par exemple, environ les deux tiers des intrigues des contes de fées des peuples européens ont des parallèles avec les contes de fées d'autres peuples, ce qui est dû soit au développement d'une source, soit à l'interaction culturelle, soit à l'émergence de phénomènes similaires basés sur modèles généraux de développement social.

Jusqu'à la fin de l'ère féodale et à l'époque du capitalisme, la littérature scientifique verbale s'est développée de manière relativement indépendante des littérature écrite. Plus tard, les œuvres littéraires pénètrent plus activement qu'auparavant dans l'environnement populaire (par exemple, « Le Prisonnier » et « Le châle noir » de A. S. Pouchkine, « Les colporteurs » de N. A. Nekrasov ; voir également à ce sujet dans l'article Poésie russe libre, littérature populaire) . En revanche, le travail des conteurs populaires acquiert certaines caractéristiques de la littérature (individualisation des personnages, psychologisme, etc.). Dans une société socialiste, l’accessibilité à l’éducation offre une chance égale de découvrir les talents et la professionnalisation créative des personnes les plus douées. Diverses formes de culture verbale et artistique de masse (la créativité des auteurs-compositeurs, des chansons, la composition d'intermèdes et de sketchs satiriques, etc.) se développent en contact étroit avec l'art socialiste professionnel ; Parmi elles, les formes traditionnelles de fiction littéraire verbale continuent de jouer un certain rôle. Des siècles d'existence ont assuré la pérennité. valeur artistique et l'existence à long terme de tels chants, contes de fées, légendes, etc., qui reflètent le plus clairement les caractéristiques de la composition spirituelle du peuple, ses idéaux, ses espoirs, ses goûts artistiques et son mode de vie. Cela détermine également la profonde influence de la théorie littéraire verbale sur le développement de la littérature. M. Gorki a dit : « … Le début de l'art de la parole est dans le folklore » (« Sur la littérature », 1961, p. 452). Pour l'enregistrement du folklore, son étude et les principes méthodologiques d'étude, voir Folklore.

Musique folklorique ( folklore musical) - la créativité collective vocale (principalement chant), instrumentale et vocale-instrumentale du peuple ; existe, en règle générale, sous forme non écrite et se transmet à travers les traditions du spectacle. Propriété du peuple tout entier, le théâtre musical existe principalement grâce au spectacle vivant de pépites talentueuses. Ce sont parmi différents peuples Kobzar, guslar (voir Gusli), bouffon (voir Bouffons), Ashug, Akyn, kuishi (voir Kuy), Bakhshi, gusan (voir Gusans), Hafiz, olonkhosut (voir Olonkho), aed (voir Aeds) , Jongleur, Ménestrel, Shpilman, etc. Les origines de la musique folklorique, comme d'autres arts, remontent au passé préhistorique. Les traditions musicales des diverses formations sociales sont extrêmement stables et tenaces. Chaque époque historique cohabitent des œuvres plus ou moins anciennes et transformées, ainsi que des œuvres nouvellement créées à partir de celles-ci. Ensemble, ils forment ce qu'on appelle le folklore musical traditionnel. Sa base est la musique paysanne, qui conserve longtemps les caractéristiques d'une relative indépendance et se distingue généralement de la musique associée aux traditions écrites plus jeunes. Les principaux types de folklore musical sont les chansons (voir Chanson), les contes épiques (par exemple, les épopées russes, Yakut olonkho), les mélodies de danse, les chœurs de danse (par exemple, les chansons russes (voir Chastushka)), les pièces instrumentales et les airs (signaux) . , dansant). Chaque morceau de folklore musical est représenté par tout un système de variantes stylistiquement et sémantiquement liées qui caractérisent les changements dans la musique folklorique au cours de son interprétation.

La richesse des genres de la musique folklorique résulte de la diversité de ses fonctions vitales. La musique accompagnait toute la vie professionnelle et familiale du paysan : jours fériés du cercle agricole annuel (chants de Noël (Voir Carol), Vesnyanka, Maslenitsa, chants de Kupala), travaux des champs (tonte, chants de récolte), naissance, mariage (berceuses et mariage chants), la mort (lamentations funéraires). Chez les peuples pasteurs, les chants étaient associés à l'apprivoisement d'un cheval, à la conduite du bétail, etc. Plus tard le plus grand développement dans le folklore de tous les peuples, des genres lyriques sont apparus, où des mélodies de travail simples et courtes, des chants rituels, de danse et épiques ou des airs instrumentaux sont remplacés par des improvisations musicales détaillées et parfois complexes - vocales (par exemple, une chanson russe longue, Doina roumaine et moldave) et instrumental (par exemple, des pièces de programme de violonistes de Transcarpatie, de cavaliers bulgares, de joueurs de dombra kazakhs, de joueurs de komuz kirghizes, de dutaristes turkmènes, d'ensembles et orchestres instrumentaux ouzbeks, tadjiks, indonésiens, japonais et autres).

Dans divers genres de musique folklorique, divers types de Melos se sont développés - du récitatif (carélien, runes, épopées russes, épopée slave du sud) aux riches ornements (chants lyriques des cultures musicales du Proche et du Moyen-Orient), à la polyphonie (voir polyphonie) (polyrythmique une combinaison de campagnols dans des ensembles de peuples africains, d'accords choraux allemands, de polyphonie subvocale géorgienne quarto-seconde et moyen-russe, de Sutartins canoniques lituaniens), de rythmique (voir Rythmiques) (en particulier, des formules rythmiques qui généralisaient le rythme du travail typique et mouvements de danse), les systèmes à l'échelle des modes (des modes primitifs étroits et volumineux à la « structure mélodique libre » diatonique développée). Les formes des strophes, des distiques (paires, symétriques, asymétriques, etc.) et des œuvres dans leur ensemble sont également variées. La musique musicale existe sous formes à voix unique (solo), antiphonale (voir Antiphon), d'ensemble, chorale et orchestrale. Les types de polyphonie chorale et instrumentale sont variés - de l'hétérophonie (voir Hétérophonie) et du bourdon (un fond de basse au son continu) aux formations polyphoniques et d'accords complexes. Chaque culture musicale folklorique nationale, y compris un système de dialectes musicaux et folkloriques, forme un tout musical et stylistique et s'unit en même temps à d'autres cultures en communautés folkloriques et ethnographiques plus larges (par exemple, en Europe - Scandinave, Baltique, Carpates, Balkans , méditerranéenne et etc.).

L'enregistrement de la musique folklorique (au XXe siècle à l'aide d'équipements d'enregistrement sonore) est réalisé par une discipline scientifique particulière - l'ethnographie musicale, et son étude - l'ethnomusicologie (folkloristique musicale).

Sur la base de la musique folklorique, presque toutes les écoles professionnelles nationales sont nées, chacune contenant des exemples de diverses utilisations du patrimoine folklorique - des arrangements les plus simples de mélodies folkloriques à la créativité individuelle, mettant librement en œuvre le folklore. pensée musicale, lois spécifiques à une tradition musicale folklorique particulière. Dans la pratique musicale moderne, la musique est une force fertilisante tant pour l’art professionnel que pour diverses formes d’art amateur.

En Russie, les drames « Le tsar Maximilien et son fils rebelle Adolf », « Bateau » (variantes - « Bateau », « Bande de voleurs », « Stepan Razin », « Corbeau noir ») étaient les plus répandus chez le paysan, le soldat, et environnement d'usine ; Les drames « Le roi Hérode » et « Comment le Français a pris Moscou » ont également été joués. De par leur type, ils appartiennent aux drames de lutte contre les tyrans, héroïques ou dits de voleurs connus dans de nombreux pays. « Le tsar Maximilien » a une source littéraire - le drame scolaire « La Couronne de Démétrius » (1704), basé sur « La Vie de saint Démétrius » ; « Le Bateau » (fin du XVIIIe siècle) est une dramatisation de la chanson folklorique « Down the Mother Volga ». La formation finale de ces pièces est associée à l'inclusion dans leur texte de fragments d'œuvres de poètes de la fin du XVIIIe - première moitié du XIXe siècle. - G. R. Derzhavin, K. N. Batyushkov, A. S. Pouchkine, M. Yu. Lermontov, motifs et images de romans imprimés populaires. En Russie, il y avait aussi des pièces satiriques « Le Barin », « Le Barin nu », « Petrouchka ».

La caractéristique la plus caractéristique théâtre folklorique(comme dans l'art populaire en général) est la convention ouverte des costumes et des accessoires, des mouvements et des gestes ; Lors des représentations, les acteurs communiquaient directement avec le public, qui pouvait donner des indications, intervenir dans l'action, la diriger et parfois y participer (chanter avec le chœur des interprètes, incarner des personnages mineurs dans des scènes de foule). Le théâtre populaire, en règle générale, n'avait ni scène ni décorations. L'intérêt principal n'est pas axé sur la profondeur de la révélation des caractères des personnages, mais sur le caractère tragique ou comique des situations et des situations. Les monologues de sortie des personnages, l'interprétation par les personnages de chansons (folkloriques ou spécialement composées pour la représentation) et les airs d'opéras sont d'une grande importance. Il existe deux types de personnages dans le drame populaire : le dramatique (héroïque ou romantique) et le comique. Les premiers se distinguent par un style très solennel de discours, de monologues et de dialogues, les seconds par des techniques comiques, parodiques et des jeux de mots. La représentation traditionnelle dans le théâtre populaire a ensuite déterminé l'émergence d'un type particulier représentations théâtrales, a obtenu une forme stable. Dans de nombreux pays, ces représentations sont appelées théâtre traditionnel. Les spectacles de pantomime de danse folklorique sont répandus dans les pays asiatiques depuis l'Antiquité. Sur leur base, s'est formé le théâtre traditionnel des peuples d'Asie : les théâtres wayang topeng en Indonésie, les théâtres kolam sur l'île. Sri Lanka (Ceylan), Kathakali en Inde, etc.

L'originalité des techniques artistiques et scéniques du théâtre populaire a attiré des personnalités professionnelles du théâtre et a été utilisée par elles (W. Shakespeare, Molière, C. Goldoni, A. N. Ostrovsky, E. De Philippe, etc.).

La danse folklorique est l'un des types de danse folklorique les plus anciens. La danse faisait partie des spectacles folkloriques lors des festivals et des foires. L'apparition des danses en rond et autres danses rituelles est associée à des rituels folkloriques (danse du feu de Ceylan, danse aux flambeaux norvégiennes, danses en rond slaves associées aux rituels de curling d'un bouleau, de tissage de couronnes et d'allumage de feux). S'éloignant progressivement des actions rituelles, les danses en rond se sont remplies de nouveaux contenus qui exprimaient de nouvelles caractéristiques de la vie quotidienne. Les peuples pratiquant la chasse et l'élevage reflétaient leurs observations du monde animal dans leur danse. Le caractère et les habitudes des animaux, des oiseaux et des animaux domestiques étaient véhiculés de manière figurative et expressive : la danse du bison Indiens d'Amérique du Nord, pencak indonésien (tigre), danse de l'ours yakoute, Pamir - aigle, chinois, indien - paon, finlandais - gobie, grue russe, jars, combat de coqs norvégiens, etc. Des danses sur le thème du travail rural surgissent : danse lettone des faucheurs, Hutsul - bûcherons, cordonniers estoniens, lyank biélorusse, poame moldave (raisin), ver à soie ouzbek, babeurre (coton). Avec l'avènement de l'artisanat et du travail en usine, de nouvelles danses folkloriques sont apparues : la danse du tonnelier ukrainien, la danse des souffleurs de verre allemands, la danse carélienne « Comment le tissu est tissé », etc. Les danses folkloriques reflètent souvent l'esprit militaire, la bravoure, l'héroïsme, les scènes de bataille sont reproduit les danses « à la pyrrhique » des anciens Grecs, mêlant art de la danse avec des techniques d'escrime, khorumi géorgien, berikaoba, danse du sabre écossaise, danses cosaques, etc.). Bel endroit dans la danse N., le thème de l'amour est occupé ; au départ, ces danses étaient ouvertement érotiques ; plus tard, des danses sont apparues qui exprimaient la noblesse des sentiments, une attitude respectueuse envers une femme (Georgian Kartuli, Russian Baynovskaya Quadrille, Polish Masur).

Chaque nation a développé ses propres traditions de danse, son langage plastique, sa coordination particulière des mouvements, ses méthodes de relation entre le mouvement et la musique ; Pour certains, la construction d'une phrase dansée est synchrone avec la phrase musicale, pour d'autres (parmi les Bulgares) elle n'est pas synchrone. Les danses des peuples d'Europe occidentale sont basées sur le mouvement des jambes (les bras et le corps semblent les accompagner), tandis que dans les danses des peuples d'Asie centrale et d'autres pays de l'Est, l'attention principale est portée au mouvement des les bras et le corps. Dans la danse folklorique, le principe rythmique domine toujours, qui est souligné par le danseur (tassement, applaudissements, sonneries, cloches). De nombreuses danses sont exécutées en accompagnement de instruments folkloriques que les danseurs tiennent souvent dans leurs mains (castagnettes, tambourin, tambour, doira, accordéon, balalaïka). Certaines danses sont exécutées avec des accessoires ménagers (écharpe, chapeau, plat, bol, bol). Le costume a une grande influence sur la nature du spectacle : par exemple, les danseurs russes et géorgiens contribuent à la douceur de leurs mouvements. longue robe couvrir les pieds; Un mouvement caractéristique de la danse masculine russe et hongroise consiste à taper sur le dessus des bottes rigides.

L'épanouissement et la popularité de la danse folklorique en URSS ont contribué à l'émergence d'une nouvelle forme scénique : les ensembles de danse folklorique. En 1937, l'Ensemble de danse folklorique de l'URSS a été créé, qui a établi la danse folklorique sur scène dans la chorégraphie professionnelle. Des éléments de danse folklorique sont également utilisés dans le ballet classique. Dans toutes les républiques Union soviétique Des ensembles professionnels de danse folklorique et des ensembles de chant et de danse ont été créés. Les groupes de danse folklorique professionnels et amateurs sont courants dans les pays du monde entier (voir Danse).

L'architecture populaire, les beaux-arts et les arts décoratifs comprennent les outils, les bâtiments (voir Architecture en bois, Habitat), les ustensiles et l'ameublement de la maison (voir Bois dans l'art, Fer, Céramique, Vernis artistiques, Meubles, Cuivre, Récipients d'art, Verre), les vêtements et les tissus. (voir Broderie, Kilim, Tapis, Dentelle, Tissu imprimé, Vêtements, Tissus d'art), jouets (Voir Jouet), Lubok, etc. Parmi les procédés artistiques et techniques les plus importants courants dans la science et la technologie figurent la poterie, le tissage, la sculpture artistique, la peinture décorative, le forgeage, le moulage artistique, la gravure, le gaufrage, etc. L'architecture populaire et les arts décoratifs appartiennent à la production matérielle et sont de nature directement créative ; d'où l'unité en eux des fonctions esthétiques et utilitaires, de la pensée imaginative et de l'ingéniosité technique.

En créant et en concevant un environnement basé sur les objets et en donnant une expression esthétique aux processus de travail, à la vie quotidienne, au calendrier et aux rituels familiaux, N. t. Dans certaines caractéristiques du N. t., on peut retracer des normes de travail et de vie, des cultes et des croyances, remontant au néolithique et à l'âge du bronze. L'élément le plus courant de la conception artistique est l'ornement, né dans l'Antiquité, qui contribue à réaliser l'unité organique de la composition et est profondément lié à la technique d'exécution, au sentiment du sujet, à la forme plastique et à la beauté naturelle. du matériel. Des motifs ornementaux individuels, dont la plupart avaient à l'origine une signification mythologique (« arbre du monde », « grande déesse » avec ses prochains, symboles solaires), capturaient les caractéristiques de la conscience primitive, les moyens mythologiques et magiques de communiquer avec la nature. Ces racines anciennes apparaissent, par exemple, dans les jouets populaires, dans lesquels on retrouve les caractéristiques de l'art plastique culte primitif. Les œuvres de N. t. se caractérisent souvent par un lien spécifique avec l'une ou l'autre coutume, qui persiste même lorsque le souvenir du caractère culte ou de la conditionnalité mythologique de cette coutume est perdu. Cela explique également la fragilité et l'éphémère de nombreux objets N. t. (dessins sur sable, œufs peints), destinés à une reproduction périodique dans le cadre d'un rituel régulièrement répété.

Contrairement au « grand » art de l'élite sociale, N. t. ne connaît pas de changements contrastés dans les styles artistiques. Au cours de son évolution, de nouveaux motifs individuels apparaissent, mais le degré de stylisation et la nature de la compréhension des motifs anciens changent davantage ; les images autrefois associées aux idées indigènes sur le monde ont progressivement acquis une signification étroitement utilitaire (par exemple, dans diverses amulettes et signes magiques qui décoraient des objets du quotidien) ou ont commencé à jouer un rôle purement décoratif, tandis que la forme de l'objet n'a souvent subi que changements structurels et fonctionnels mineurs. L'idée d'une chose dans l'art scientifique n'est généralement pas fixée dans un modèle ou un dessin préparatoire, mais vit dans l'esprit et la main du maître ; en même temps, les résultats de son ingéniosité individuelle, conduisant au développement des méthodes de travail les plus rationnelles, doivent être acceptés par le collectif populaire. De ce fait, la tradition fixée par des siècles de sélection subit des changements spécifiques constants, mais seulement partiels. Objets anciens(par exemple, les louches à canard en bois) peuvent être extrêmement proches de la vie ; Les interprétations ultérieures de ces formes dans la littérature scientifique, tout en préservant la typologie et la base figurative originales, les combinent avec des techniques séculaires de généralisation, de stylisation décorative et d'utilisation rationnelle des moyens techniques et des matériaux.

À mesure que la société se différencie en classes, les conditions préalables se présentent pour l'émergence d'une production artistique, répondant aux besoins des couches inférieures de la société et limitée dans un premier temps au travail artistique domestique pour soi et à l'artisanat villageois. La présence d'une branche folklorique particulière est déjà révélée dans l'art ancien (par exemple, dans les objets votifs (Voir Objets votifs) du cercle italo-étrusque, rappelant la sculpture néolithique). Les monuments initiaux de l'architecture de palais et même de l'architecture religieuse sont clairement liés aux exemples antiques les plus simples d'architecture populaire en bois et en pierre (Megaron égéen, halle allemande), aux habitations portables des nomades, etc., mais ensuite les voies de la construction urbaine et immobilière divergent fortement et architecture populaire, servant principalement à la vie paysanne (maison d'habitation, aire de battage, grange, hangar, écurie, etc.).

Dans l'Europe médiévale, la culture de l'Église féodale s'opposait au désir de préserver la tradition culturelle du système clanique, l'isolement économique et politique et le culte des dieux locaux ; une expression de ceci est devenue le courant populaire de l'art médiéval, généralement saturé d'images du style animalier (voir Style animalier). La vision populaire du monde, exprimée avec une pureté particulière dans les bijoux-amulettes païens, apparaît également dans des monuments qui sont des exemples de l'influence de la culture populaire sur la cour et l'église (tels sont les reliefs de l'école de Vladimir-Suzdal (voir École de Vladimir-Suzdal) , plasticité grotesque des églises romanes et gothiques, ornementation des manuscrits). Cependant, le sous-développement des relations marchandise-argent, la faible différenciation des formes de vie, ainsi que l'anonymat fondamental de l'art médiéval et la proximité de ses maîtres avec le peuple n'ont pas contribué à l'isolement complet de l'art dans les pays qui ont suivi. est entrée dans les premiers stades du développement capitaliste, en particulier dans la Russie médiévale, telle que la situation a persisté jusqu'à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle. Dans les pays de l'Est, qui ont conservé pendant longtemps le mode de vie médiéval (jusqu'aux XIXe et XXe siècles), tous les arts décoratifs et appliqués sont profondément imprégnés de savoir-faire artisanal populaire, et les arts et métiers très développés ne sont pas fondamentalement différent des métiers des couches privilégiées ; dans les beaux-arts de plusieurs pays, il existe un fort courant folklorique (estampes populaires chinoises, japonaises, indiennes). Enfin, dans les pays qui ont connu la colonisation, la technologie nationale reposait généralement sur l’ancienne culture indigène, même si elle absorbait de nombreuses caractéristiques des cultures introduites.

Avec la décomposition de la féodalité et du système des corporations, un artisanat d'art populaire travaillant pour le marché a émergé ; Grâce à cela, N.T., tout en conservant un lien étroit avec la vie populaire, maîtrise de nouveaux types de produits, de nouvelles formes et de nouveaux thèmes. D'autre part, l'identification de l'individualité artistique et le culte de l'art ancien, établis à la Renaissance, conduisent à ce que l'art littéraire émerge de plus en plus clairement comme quelque chose de local, isolé, lié à l'antiquité indigène. Culture de l'art populaire - œuvres art religieux(peinture votive, icônes peintes sur verre, sculpture peinte), se développant rapidement à partir des XVIe-XVIIe siècles. (surtout dans les pays de culte catholique), la conception des fêtes, lubok, avec leur archaïsme naïf des formes, a déjà un tout autre système figuratif que le raffiné, parfois innovant œuvres insolites"art de haute qualité; Un écart similaire apparaît dans le style des articles ménagers. Cet écart est moins visible là où les éléments folkloriques pénètrent profondément dans la culture des couches privilégiées et de l'Église. En Russie, cela se manifestait par exemple dans l’architecture du palais du village. Kolomenskoïe (XVIIe siècle), avec son abondance de formes d'architecture populaire en bois, et dans les pays l'Amérique latine- dans le décor des églises baroques, qui absorbaient les traits de l'art des civilisations précolombiennes. Aux XVIIe-XVIIIe siècles. dans N. t., le principe idéographique s'affaiblit sensiblement. Dans les motifs végétaux, qui remplacent désormais partout les motifs symboliques et géométriques, la structure décorative devient plus libre et plus diversifiée. De plus en plus d'observations nouvelles et d'histoires quotidiennes pénètrent dans le folklore, et le désir d'une compréhension fabuleuse et folklorique de la vie grandit. couches supérieures société, à emprunter les formes des styles dominants, en simulant la texture de matériaux coûteux et exigeants en main-d'œuvre. Cependant, les nouveaux motifs et formes (Renaissance, baroque, Empire), pénétrant dans le style littéraire, ne conservent qu'une ressemblance très lointaine avec le modèle, se simplifiant et se figeant dans un schéma décoratif rythmiquement clair. En général, pour le XVIIe et le début du XIXe siècle. C'est l'époque de l'apogée du N. t., qui a donné une extraordinaire variété de ses types et de ses formes. Cela a été facilité par l'équipement de N.T. de matériaux et d'outils qui lui étaient auparavant inaccessibles, par l'émergence de nouvelles capacités techniques et par l'élargissement de ses horizons. artistes folkloriques, développement de paroles folkloriques et de satire.

Dans le 19ème siècle la production artisanale, en plein développement, est de plus en plus entraînée dans le système de l'économie capitaliste ; Dans la plupart des pays, l'artisanat commercial est finalement séparé de l'artisanat domestique conservateur. En Russie, après 1861, les arts et l'artisanat populaires acquièrent le caractère d'ateliers privés travaillant pour le marché panrusse. La spécialisation étroite des métiers, la division croissante du travail et la standardisation des motifs donnent naissance à des motifs et des formes extrêmement fusionnés avec des techniques virtuoses d'exécution technique (atteignant parfois presque la vitesse d'une machine) ; dans le même temps, le savoir-faire artisanal et mécaniquement impeccable éclipse de plus en plus la créativité. En imitant des exemples de production urbaine de masse, souvent aléatoires et anti-artistiques, les maîtres détruisent l'unité des principes techniques et esthétiques typiques du folklore. Les compositions auparavant strictement organisées et riches en associations sémantiques deviennent plus libres, mais moins logiques. En peinture, les peintures à la détrempe sont remplacées par des peintures à l'huile, puis par des peintures à l'aniline ; l'icône folklorique et l'estampe populaire sont remplacées par l'oléographie ; en plastique, la forme tridimensionnelle de l'objet perd son caractère architectural. L'image et l'ornement, auparavant fusionnés avec la chose, deviennent désormais comme une image collée sur la surface. Certaines industries, incapables de résister à la concurrence des produits d’usine bon marché, déclinent ou disparaissent, mais d’autres émergent et se développent, utilisant principalement des techniques, des styles et même des exemples d’art professionnel sur chevalet et de l’industrie de l’art commercial. Dans un certain nombre de pays qui possédaient auparavant le patrimoine culturel le plus riche (Angleterre, Danemark, Pays-Bas), il disparaît presque complètement, mais se développe intensément dans des zones industriellement arriérées qui ont conservé de puissantes couches de culture médiévale (provinces du nord de la Russie, Bretagne en France, au Tyrol en Autriche , en Slovaquie, Pays des Balkans, Espagne, Sicile en Italie).

Depuis le milieu du XIXe siècle, suite à la reconnaissance de la valeur du folklore verbal, l’intérêt pour l’art décoratif populaire s’est manifesté dans un certain nombre de pays. Depuis lors, l'esthétique de l'art national (à la fois national et exotique), ses couleurs et son rythme ont influencé de plus en plus l'architecture professionnelle et les arts visuels et décoratifs. La collecte des collections d'art commence, les organismes publics et les cercles philanthropiques font revivre un certain nombre d'artisanat disparus et en organisent de nouveaux. Cette activité prend une ampleur particulière au tournant des XIXe et XXe siècles. avec la diffusion du style « moderne » et des mouvements nationaux-romantiques associés. Cependant, en imposant des solutions de type chevalet aux artisans populaires, les artistes et les théoriciens du « modernisme » ont souvent fait preuve d'un manque de compréhension des spécificités de la peinture artistique. Des erreurs similaires ont été commises plus tard (y compris dans la pratique soviétique des années 1930-1950) ; dans un certain nombre de pays capitalistes, au contraire, des tentatives ont été faites pour rapprocher la sculpture et l'ornementation populaires de l'art abstrait.

Les œuvres d'art populaire moderne sont principalement de la nature d'objets de décoration et de souvenirs, indiquant au sens figuré le caractère unique de la culture populaire d'une région particulière ; Grâce à leur aspect clairement artisanal, ils confèrent des caractéristiques de tradition nationale et d'humanité immédiate à un environnement créé en grande partie par des moyens industriels standardisés. Les arts et l'artisanat populaires jouent un rôle important dans les économies des pays en développement. Dans de nombreux pays (principalement en URSS et dans d'autres États socialistes), des fonds sont recherchés pour protéger l'artisanat populaire et son originalité artistique, les activités des artisans populaires sont encouragées par le biais de concours et d'expositions, les écoles et collèges professionnels forment des artistes et des interprètes. Avec la participation d'instituts de recherche et de musées, les traditions sont soigneusement étudiées et des échantillons d'art sont collectés, notamment afin de mettre en valeur des produits et des techniques décoratives en phase avec le mode de vie moderne. N. t. a une influence non diminuée sur l'industrie de l'art, aidant à trouver les formes et les décors les plus expressifs des articles ménagers ; Certaines caractéristiques de l'art populaire se retrouvent dans les œuvres d'artistes amateurs ainsi que d'artistes professionnels qui utilisent l'expérience de l'art populaire. Un certain nombre d'artisanats populaires disparus ont été relancés en URSS, beaucoup ont reçu un nouveau développement et sont associés à La vie soviétique orientation (ainsi, les anciens centres de peinture d'icônes sont devenus des centres de miniatures en laque de renommée mondiale). Dans les divers types et genres de la littérature soviétique, la préservation minutieuse des traditions populaires se combine avec une diversité d’intérêts et une perception active de la réalité soviétique.

Pour plus d'informations sur la littérature de divers peuples, consultez les sections Littérature, Architecture et Beaux-Arts, Musique, Ballet, Théâtre dramatique et Cirque dans les articles sur les différents pays et les républiques de l'URSS.

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Arts et artisanats populaires. Artisanat artistique de Russie
Partie 1

Compilé par Tatiana Kosntantinova

ISBN978-5-4485-5649-4

Créé dans le système d'édition intellectuelle Ridero

Préface

Les processus d'érosion de l'identité spirituelle de la culture nationale qui s'intensifient actuellement conduisent progressivement à la perte de l'identité historique et culturelle des différents territoires, villes et régions. La commercialisation de la vie culturelle unifie continuellement coutumes populaires et des traditions basées sur des modèles étrangers, entraînant la perte de l'identité nationale et culturelle et la destruction de l'individualité culturelle. Problèmes actuels Aujourd'hui, on constate également un déclin du niveau de culture artistique de la population, un manque de demande de décorations traditionnelles arts appliqués un moyen développement artistique personnalité, diminution de l'intérêt à la fois pour la créativité artistique et pour l'art en général. Tout ce qui précède conduit à la perte des technologies de l'artisanat et de l'artisanat populaires, des formes traditionnelles créativité artistique, la transformation de produits d'art populaire en une sorte de produits souvenirs de masse.

L'auteur du manuel proposé tente de résoudre les problèmes ci-dessus en systématisant de nombreux documents sur les arts décoratifs et appliqués. Cette publication vise à développer diverses catégories population de culture artistique en utilisant l'exemple des meilleurs exemples d'art décoratif et appliqué du monde, en nourrissant la conscience historique et un sentiment d'identité avec l'image de la culture traditionnelle. Un grand nombre de informations pédagogiques et de nombreuses illustrations présentées dans le livre présenteront au lecteur les bases des arts décoratifs et appliqués, à travers lesquels, à diverses périodes historiques, les gens exprimaient leurs idées sur la beauté, essayant de transformer l'espace environnant selon les lois de l'harmonie et de la beauté.

Petryakov Petr Anatolyevich,

Docteur en Sciences Pédagogiques, Professeur, Chef du Département de Pédagogie

technologies et artisanat, NovSU.

1. Arts et artisanats populaires dans le système de valeurs culturelles

mot latindécorer traduit par"décorer". C'est la racine du concept"décoratif" , c'est"décoré" . Donc le terme"art décoratif" signifie littéralement"la capacité de décorer" .

Arts et artisanats populaires (NDPA) font partie intégrante de la culture artistique, qui se développe selon ses propres lois. Les œuvres créées par les maîtres des arts et métiers populaires reflètent les traditions artistiques, la compréhension du monde, la vision du monde et l'expérience artistique du peuple, préservent la mémoire historique et ont une valeur spirituelle et matérielle, distinguée par la beauté et l'utilité.

Les maîtres des arts et métiers populaires créent leurs œuvres à partir d’une variété de matériaux. Ils transmettent des compétences techniques de génération en génération. Pour cette raison, une tradition consolidée au fil des siècles sélectionne uniquement les meilleures réalisations créatives.

Les types d'art et d'artisanat populaires les plus courants sont la céramique artistique, le tissage, la dentelle, la broderie, la peinture, la sculpture sur bois ou sur pierre, le forgeage, la fonte, la gravure, le gaufrage, etc. Tout cela, pour l'essentiel, est créé de manière à ce que vous pouvez l'utiliser dans la vie de tous les jours.

Lors de la décoration des œuvres de la taxe d'extraction minière, une grande importance est accordée à l'ornement, qui non seulement décore l'objet (chose) ou est son élément structurel, mais porte également une charge sémantique qui a d'anciennes racines mythologiques. Peindre une cruche avec des motifs, décorer une planche à découper avec des sculptures, tricoter une serviette en dentelle, tisser des motifs sur du tissu - tout cela demande une grande habileté. De tels produits ornementés ont grande valeur, c'est-à-dire que pour créer cette beauté incroyable, vous devez mettre la main dessus.

Comment déterminer si un produit donné est une œuvre d’art décoratif ? Parfois, ils argumentent ainsi : si un vase a une belle forme, mais qu'il n'est décoré de rien, alors ce n'est pas une œuvre d'art décoratif, mais si vous y mettez une sorte de motif, il se transformera immédiatement en une œuvre . C'est faux. Parfois, les ornements décorant un vase en font un faux insipide et le transforment en kitsch. À l’inverse, un récipient en argile pure ou en bois peut être si frappant par sa perfection que sa valeur artistique devient évidente.

Quelles sont les similitudes et les différences entre les œuvres des arts et métiers populaires et professionnels ? Comment savoir si un vase ou un tapis est une œuvre d’art décoratif populaire ou professionnel ?

Parfois, sur la base de la méthode de fabrication d'une chose, de la part du travail manuel dans ce processus et de la circulation massive, ils tentent de classer les œuvres d'art appliqué comme art décoratif populaire ou professionnel. C'est extrêmement difficile à faire, car les produits d'art populaire sont parfois créés dans des usines et les œuvres décoratives d'artistes professionnels sont parfois créées en un seul exemplaire.

Aujourd'hui, comme il y a cent ans, un artiste folklorique réalise principalement une œuvre artistique à la main. Dans le même temps, le maître peut travailler seul ou en équipe, ainsi que dans des ateliers organisés et même dans des usines situées dans les centres d'art et d'artisanat populaires traditionnels.

En règle générale, les œuvres d'art décoratif et appliqué sont créées par des artistes issus d'entreprises ou d'ateliers de l'industrie artistique. Ils participent à la fois à la production d'objets de décoration produits en grande quantité et à la création de designs de créateurs individuels. Les artistes professionnels dans leur travail peuvent s'appuyer sur des images de la culture artistique mondiale, réfracter à leur manière les traditions de l'art populaire ou suivre entièrement leur individualité et leur imagination.

La chose la plus importante pour déterminer quel type d'art classer telle ou telle chose est de déterminer dans le cadre de quelle tradition artistique elle a été créée, si les caractéristiques du type d'image d'un artisanat particulier et la technologie de traitement du matériau sont observé.

Les créations des artisans populaires et des artistes appliqués sont unies par la réflexion, l'opportunité et l'unité stylistique de tous les éléments.

Capacité à analyser des moyens d'expression l'image d'un objet artistique dans les arts populaires et décoratifs est nécessaire pour ressentir et apprendre à mieux comprendre le général et le particulier de chacun d'eux.

Il est très intéressant de retracer comment tous les principaux moyens artistiques du langage arts visuels acquérir un nouveau sens et leur propre spécificité dans les arts populaires et décoratifs. À cet égard, l’une des plus importantes est la question de la relation entre le pictural et le graphique dans les œuvres décoratives, où la figuration ou la plasticité y prédomine. Par exemple, dans les ornements de Khokhloma et de Zhostovo, l'essentiel est le principe pittoresque, et les ornements des maîtres Kubachi et Balkhara sont essentiellement graphiques.

Il faut dire l'interaction complexe des principes plastiques et picturaux dans les arts décoratifs. Dans certains produits, le plastique porte le début du pittoresque - Skopinskaya, Kargopol, Filimonovskaya, Jouets Dymkovskaïa. Dans d'autres, le pittoresque porte en lui le début du plastique : peintures de Zhostovo, Gorodets et Polkhov-Maidan, châles Pavlovo Posad, dentelles de Vologda.

La synthèse de la partie et du tout est obligatoire pour un artiste populaire, quelle que soit la façon dont sa palette s'élargit, peu importe ce qui prédomine - le principe pictural ou ornemental.

L'expressivité de la ligne, de la silhouette, du rythme, de la couleur, des proportions, de la forme, de l'espace dans chaque type d'art décoratif dépend en grande partie des matériaux utilisés et de la technologie de leur traitement.

Un artisan populaire ou un artiste des arts décoratifs et appliqués s'efforce de montrer dans son travail la meilleure façon qualités esthétiques des matériaux : bois, textiles, métal, céramique, verre, papier, os, cuir, pierre, etc.

Caractère décoratif dans les arts et l'artisanat populaires, c'est le principal moyen d'exprimer la beauté, en même temps c'est une caractéristique des œuvres d'autres types d'art (photos 1, 2).

Il faut tenir compte du fait que dans chaque type d'art l'image artistique a sa propre structure, déterminée, d'une part, par les particularités de l'expression du contenu spirituel, et d'autre part, par la technologie, la nature de le matériau dans lequel ce contenu est incorporé. L'image artistique dans les arts populaires et décoratifs présente des caractéristiques communes et distinctives.

L'image décorative n'exprime pas l'individu, mais le général - « spécifique », « générique » (feuille, fleur, arbre, oiseau, cheval, etc.). Une image décorative nécessite une pensée artistique et imaginative, une attitude mythopoétique envers la réalité.

Par conséquent, dans l'art populaire, il est d'usage de mettre en évidence des types d'images de produits de l'artisanat artistique traditionnel, qui reflètent les idées mythologiques et esthétiques du peuple. Par exemple, l'image d'un oiseau, d'un cheval, d'un arbre de vie, d'une femme, de signes-symboles de la terre, de l'eau, du soleil peuvent être vus de différentes manières. matériel d'art: broderie, tissage, dentelle, peinture sur bois et métal, sculpture sur bois, céramique, etc. La stabilité et le caractère traditionnel de ces images déterminent en grande partie la haute valeur artistique et esthétique des œuvres d'art populaire.

Dans le même temps, l'universalité des types d'images dans l'art des différents peuples du monde montre leur unité, associée à la communauté des approches du processus de cognition esthétique des phénomènes naturels et sociaux.

Les images des arts décoratifs professionnels reflètent également les idées d’un peuple particulier sur la beauté. Ils sont aussi souvent créés à partir de motifs naturels ou géométriques, mais ici une grande liberté est laissée dans l'interprétation des images. Les sujets historiques ou les thèmes de la vie moderne sont activement utilisés dans les œuvres d’art appliqué.

Examinons maintenant les similitudes et les différences dans les concepts d'« image artistique », de « symbole » et de « signe » en utilisant l'exemple des œuvres d'art décoratif populaire. Le concept le plus vaste et le plus polyvalent sera « l'image artistique ». Dans certains cas, un symbole est un signe doté du caractère organique et de l'ambiguïté inépuisable de l'image. Dans d’autres, un symbole n’équivaut pas à une image artistique, mais, ce qui est particulièrement important, il doit toujours avoir une valeur artistique. Ainsi, une image artistique n'a pas toujours une signification symbolique et un symbole n'est pas toujours expressif au sens figuré. En règle générale, une image symbolique n'a aucune signification figurative et symbolique, bien que dans l'art populaire, très souvent, tous les signes soient des symboles, et parfois même des images.

Figure 3. Symboles du soleil, d'un champ semé et de la végétation sur la lame d'un rouet sculpté.

Par exemple, un oiseau dans la peinture de Gorodets ou dans la céramique de Gjel a une imagerie différente. Si nous parlons des oiseaux en général, alors ce ne sera pas l'image d'un oiseau en particulier ni même l'image d'un oiseau dans les traditions de certains métiers, mais une image proche du signe (photos 3, 4). Dans le même temps, une image décorative d'un coq peut être un symbole du soleil. D’un autre côté, une série de symboles peut avoir plusieurs significations. Ainsi, non seulement un coq, mais aussi un cheval peuvent être un symbole du soleil. Ce système symbolique et poétique trouve son origine dans les signes et symboles associés au culte des divinités naturelles.

Lors de l'analyse des mérites artistiques d'une œuvre particulière d'art décoratif populaire ou professionnel, il est nécessaire de prêter attention à sa solution figurative, en tenant compte des caractéristiques du matériau, de l'expressivité de la forme et des proportions, de la palette de couleurs, de la connexion des l'ornement avec la forme du produit, les mérites plastiques, picturaux ou graphiques de la chose. Il est important de noter à quel point les répétitions rythmiques, caractéristiques de composition le post-essaimage de l'ornement et de la chose dans son ensemble influence sa solution figurative.

Si vous apprenez à bien analyser une image dans l'un des systèmes artistiques, de riches opportunités s'ouvriront pour identifier les interrelations des moyens artistiques et expressifs.

Les arts et métiers populaires et professionnels sont interprétés comme des arts qui répondent aux besoins de l'homme et satisfont en même temps ses besoins esthétiques, donnant vie à la beauté.

Cependant, vous devez être conscient des différences significatives entre ces types d’arts. L'art populaire, qui transforme la réalité, est considéré par les historiens de l'art moderne comme un type particulier de créativité artistique dont les traits distinctifs sont : le principe collectif et les traditions, la stabilité des thèmes et des images, l'universalité d'un langage compréhensible par tous les peuples. du monde, l'universalité des valeurs spirituelles. Toutes ces caractéristiques de l'art sont déterminées par une perception holistique du monde.

L'art populaire est un phénomène holistique, car il repose sur la vie et le mode de vie des gens, leurs idées sur l'univers, leur activité professionnelle, leurs rituels et leurs vacances. Matérialisé dans des objets d'art populaire la pensée créative personnes.

Les résultats de l'activité artistique et créatrice d'un peuple reflètent sa vie, ses opinions et ses idéaux. Par conséquent, les œuvres d'art populaire contiennent l'expérience des sentiments moraux, des connaissances et du comportement. Unique et riche en contenu, l'expérience confère à l'art populaire une valeur unique en tant que moyen d'éducation morale et esthétique d'une personne. C'est pourquoi il constitue un domaine si important vie sociale comme pédagogie populaire. La polyvalence de l'art populaire nous permet de le considérer comme puissance énorme affectant l’individu et la société.

L'art populaire est avant tout un vaste monde d'expérience spirituelle du peuple, ses idées artistiques font partie intégrante de la culture. L'art populaire est basé sur l'activité créatrice du peuple, reflétant sa conscience de soi et sa mémoire historique. La communication avec l'art populaire, avec ses idéaux moraux et esthétiques développés au fil des siècles, joue un rôle important rôle éducatif. L’attrait de l’art populaire pour les gens et son impact sur leurs sphères intellectuelle, émotionnelle et sensorielle ouvrent de grandes opportunités pour l’utilisation des arts et métiers populaires traditionnels dans le système éducatif.

La formation et le développement des traditions artistiques populaires d'une région particulière ont eu lieu sous l'influence de facteurs naturels, géographiques, culturels et socio-économiques. La tradition portée à travers les siècles n’empêche pas le sentiment de modernité d’apparaître. Dans l'art populaire, cela ne s'exprime pas tant dans les signes extérieurs de l'époque, même si, bien sûr, ils ont aussi leur place, mais dans la capacité de répondre aux exigences d'aujourd'hui sous une forme traditionnelle. Cela se reflète principalement dans la perception du monde, dans l'idée de beauté.

Il est très important que l'art populaire avec sa métaphore et son symbolisme - vivre la créativité (Figure 5) et en même temps mémoire vivante historique , mémoire des origines de la culture. Cela apporte l’expérience de connaître le monde. L'intégrité de l'art populaire en tant que structure artistique est la clé de sa compréhension. Tradition dans ce cas - méthode créative .

Le traditionnel apparaît dans l'art populaire comme système, pour lequel les aspects suivants sont importants : le lien entre l'homme et la nature, l'expression du national, les écoles d'art populaire (nationales, régionales, régionales, école des métiers individuels).

Graphique 5. Image de l'oiseau Sirin dans les peintures de la Dvina du Nord.

La continuité des traditions façonne la culture populaire artistique de la région et soutient le haut professionnalisme de l'artisanat populaire. C'est cette qualité qui nous permet de mettre en valeur les caractéristiques d'une école particulière en tant que communauté créative. Seule l'école, en tant que continuité culturelle déterminée par l'existence d'une tradition, est capable de fournir une telle base artistique, qui fait vivre l'art populaire dans le temps, permet aux métiers d'art de se développer.

La personne principale du métier artistique est un maître populaire, une personnalité créatrice particulière, spirituellement liée aux gens, à la culture, à la nature de la région, porteuse de traditions et d'expérience collective.

Dans chaque contact des mains du maître sur l’objet qu’il crée, vit un sentiment de beauté, organique à la structure interne de la perception populaire. Le tempérament national et le caractère national s'expriment dans l'art populaire. Ils déterminent en grande partie la variété des formes d'art populaire.

Dans l'art populaire, les compétences artistiques, la dextérité technique, les méthodes de travail et les motivations sont transmises de maître à élève. Le système artistique se développe collectivement.

La base de l'art paysan était l'artisanat. Le laconisme des moyens d'expression, l'économie et le raffinement des techniques d'interprétation caractérisent l'œuvre du maître. Le sens de la matière, la connaissance de ses propriétés expressives, le traitement manuel à l'aide des outils les plus simples conduisent à une généralisation artistique de la forme. Souvent, un artiste populaire crée ses œuvres à partir de formes naturelles (Figure 6).

Graphique 6. UN - AVEC kopkar (Peinture sur bois de Permogorsk) ; b- Utitsa (Peinture de Khokhloma sur bois).

Pour créer image artistique ce qui compte, ce sont le matériau, les méthodes et la nature de son traitement. L'utilisation de matériaux naturels est l'une des principales traditions de l'art populaire.

Chaque école disposait d'un système de techniques de travail éprouvées, une technologie basée principalement sur les propriétés du matériau traité. L’art du maître consistait à transformer même les propriétés d’un matériau peu pratiques à traiter en mérites artistiques d’une chose. Par exemple, les différentes propriétés de l'argile ont déterminé le caractère unique de ses techniques de traitement et la solution esthétique de l'image. L'argile blanche trop molle et plastique a contribué à créer la silhouette allongée particulière du jouet Filimonov.

Le concept de « savoir-faire » inclut la présence de capacités créatives et la capacité d'organiser correctement le travail, en respectant une certaine séquence de création d'un objet artistique : concept, développement de la technologie, production de matériaux, finition, estime de soi. Les capacités créatives du maître sont largement déterminées par la capacité de varier et d'improviser dans le cadre de la tradition de l'école. La connaissance des propriétés des matériaux traités et un haut niveau de maîtrise des outils et des techniques de transformation sont importants.

La maîtrise de la compétence se fait sur la base des grands principes de l'art populaire - répétition, variation et improvisation. Par exemple, l'étude de la peinture s'effectue généralement de la manière suivante : d'abord, le maître fait asseoir les élèves autour de lui et les oblige à répéter strictement les éléments de l'ornement.

Après les avoir maîtrisés, les élèves ont la possibilité de varier leurs motifs picturaux préférés. Et ce n'est que sur la base de l'expérience acquise qu'ils passent à l'improvisation basée sur la peinture et à la composition de leurs propres compositions. Si chacun passe sans faute par l'étape de répétition et de variation, alors seuls les étudiants les plus talentueux capables de devenir de véritables maîtres dans leur métier se mettent au travail au niveau de l'improvisation.

Les œuvres d’art décoratif populaire et professionnel décorent et transforment la vie.

2. La décoration dans les arts spatio-temporels

2.1. Essence esthétique. La décoration comme technique de pensée artistique et figurative

Terme "décoratif" Actuellement, il est largement utilisé dans les arts visuels et décoratifs, en architecture et en design, dans l'étude des problèmes modernes de synthèse artistique, dans la théorie de l'organisation esthétique de l'environnement.

Cependant, le terme « décoratif » signifie souvent diverses notions, à un degré ou à un autre, reflétant son essence. Certains chercheurs identifient le caractère décoratif uniquement avec la fonction de décoration, reconnaissent le caractère décoratif comme une propriété supplémentaire d'une œuvre d'art, d'autres rejettent généralement le caractère décoratif au motif que la convention décorative éclipserait prétendument le contenu d'une œuvre d'art et compliquerait sa compréhension, tandis que d'autres voient l'utilisation active des techniques décoratives comme une voie prometteuse la poursuite du développement beaux-arts, notamment peinture décorative.

Concept "décoratif" vient du mot latin "décor"- beauté, charme, grâce, parfois cela se traduit par décoration. mot latin "décorer" signifie - décorer, nettoyer, habiller. Tenue vestimentaire, tenue vestimentaire, décoration sont désignées par un autre mot latin - "ornementum".

Ainsi, étymologiquement, la notion de « décorativité » désigne la décoration, qui est inextricablement liée à la qualité de la décoration elle-même, à la beauté.

Le caractère décoratif est une caractéristique spécifique des arts décoratifs et appliqués, qui peut être interprétée comme une forme d’expression de la beauté.

Le caractère décoratif en tant que qualité positive des produits des arts décoratifs et appliqués, en tant que valeur esthétique, est fixé dans leur forme significative. Le caractère décoratif organique interne diffère du caractère décoratif externe, le « décor » en tant qu'ornement et propriété supplémentaire qui n'a pas de signification esthétique indépendante en raison de sa présence facultative dans une chose donnée.

Le caractère décoratif peut servir de base constructive aux produits d’art et d’artisanat. La décoration est une technique de pensée artistique et figurative dont le trait caractéristique est la création d'un modèle de composition spécial. La décoration en tant que technique sert à révéler la cohérence interne d'une œuvre, la proportionnalité et l'ordre de tous ses détails et formes et est utilisée non seulement dans les arts décoratifs et appliqués, mais aussi dans tous les arts de l'espace-temps.

Ainsi, le caractère décoratif n'est pas seulement une spécificité des arts décoratifs et appliqués, inextricablement liée à l'expressivité, puisque les arts décoratifs et appliqués en esthétique sont classés comme un « type expressif » d'art, mais aussi une technique de pensée artistique et figurative dans tout l'espace. -les arts du temps, y compris dans la peinture décorative.

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« homme-nature-culture »

"Niveau culture de l'époque,

ainsi qu'un individu

déterminé par la relation

au passé."

A.S. Pouchkine

Art populaire – le passé au présent. Une tradition vivante qui préserve invariablement la chaîne de continuité des générations, des peuples et des époques. L'art populaire a atteint un nouveau niveau de problèmes modernes grâce au siècle de la conquête spatiale, du progrès scientifique et technologique et de la crise environnementale.

Tout au long de l’histoire de l’humanité, l’art populaire a constitué un élément essentiel de la culture nationale et mondiale. M. Gorki a écrit : « Le peuple n'est pas seulement la force qui crée toutes les valeurs matérielles, il est la source unique et inépuisable de valeurs spirituelles, le premier philosophe et poète en termes de temps, de beauté et de génie créatif, qui a créé tous les grands poèmes, toutes les tragédies de la terre et la plus grande d'entre elles - l'histoire de la culture mondiale"1.

Les artistes professionnels ne cessent de se tourner vers l’art populaire, d’en tirer des idées et de s’en inspirer. Cependant, la profondeur de la conscience de cet appel est déterminée par l’histoire, les changements sociaux et les besoins spirituels. L'esprit des idées dans l'art fait revivre les formes populaires, la poétique populaire, mais à chaque fois d'une manière nouvelle au niveau des aspirations idéologiques et artistiques du siècle.

Dans le même lien attitude différente l'art populaire lui-même subit une transformation.

L'époque du déclin de l'intérêt public pour cet art, où il devenait souvent « méprisable », est remplacée par des époques d'attention particulière, qui ont toujours eu leurs propres raisons historiques et qui témoignent de la vitalité intacte de l'art populaire. Ayant de féroces adversaires, elle a toujours eu d’ardents défenseurs.

D’où le problème de l’art populaire ; sa production présente sa propre histoire. Mais ce qui y fut décisif n'était pas tant l'évolution scientifique du concept de sujet et les enjeux de sa théorie, mais plutôt la conception de celui-ci comme faisant partie du problème général de la tradition et de l'innovation. Cela rendait difficile l’évaluation de l’art populaire du point de vue de ses propres valeurs. Et si le folklore oral et musical était un domaine d'étude des sciences spéciales, alors le folklore visuel, faisant l'objet de l'histoire générale de l'art, a longtemps été étudié à l'aide de méthodes développées sur le matériau de l'art professionnel, et est resté sans théorie.

Son absence s'est fait sentir avec acuité au cours des deux dernières décennies, lorsque la science et le public ont été confrontés à la renaissance de l'art populaire - un fait inattendu pour ceux qui croyaient que l'art populaire était une page du passé tournée depuis longtemps. sur. La vie a montré que l'art populaire non seulement vit et se développe, mais que son besoin dans le monde augmente chaque année. L'intérêt pour l'art populaire croît rapidement en relation avec les problèmes de la campagne à l'ère de l'urbanisme développé, sous l'aspect des questions générales de culture spirituelle dans le monde moderne, de conservation de la nature et de l'environnement humain.

Une ligne décisive concernant l'art populaire dans notre pays a été tracée par la résolution historique du Comité central du PCUS « Sur l'artisanat des arts populaires » (1974) et par la Constitution (Loi fondamentale) de l'Union des Républiques socialistes soviétiques (1977). Cependant, les problèmes de la pratique artistique et de l'étude scientifique n'ont pas encore reçu de solution appropriée, et principalement les questions théoriques.

La résolution du Comité central du PCUS déclare : « Les arts décoratifs et appliqués populaires, qui font partie de la culture socialiste soviétique... influencent activement la formation des goûts artistiques, enrichissent l'art professionnel et les moyens d'expression de l'esthétique industrielle » 2.

Le problème ainsi posé oblige le chercheur à combiner les aspects artistiques, culturels et historiques de l'étude de l'art populaire, puisqu'il est établi dans la culture non pas dans un contenu individuel-subjectif, mais dans un contenu de valeur spirituelle, est formé par des principes collectifs, puisqu'il est cognitif dans les qualités historiques et spirituelles, morales et nationales-psychologiques. Pourquoi et ne peut-il se limiter à la seule sphère esthétique, tout comme cela ne peut être compris dans une analyse formelle qui ne prend pas en compte le contenu et la dialectique du développement.

L'art populaire est un vaste monde d'expérience spirituelle des gens, idées artistiques, nourrissant constamment la culture professionnelle et artistique.

Cependant, pendant longtemps, il a été considéré à tort comme une simple étape sur la voie menant à un niveau supérieur : l’art des artistes individuels. Le travail de l'artiste populaire, évalué à partir de ces positions, était relégué au rôle d'appendice de l'art décoratif et appliqué moderne. Cette situation a apporté beaucoup de choses négatives dans les activités des arts et métiers populaires et a créé des orientations défectueuses dans le développement de la pensée et de la pratique. À l’origine de toutes les erreurs se trouvait la substitution des valeurs, qui n’a pas été éliminée à ce jour. C'est la raison de nombreux phénomènes douloureux dans la pratique de l'art populaire jusqu'à ce jour.

La vision d'elle comme d'une relique du passé, sujette à toutes sortes de modernisations et d'altérations, s'est tellement ancrée qu'elle est devenue habituelle non seulement pour les chefs de métiers, les artistes qui viennent y travailler, mais aussi pour certains artistes. critiques qui poursuivent cette ligne dans les pages de la presse. Ceci explique les intonations polémiques dans l'énoncé des dispositions fondamentales et dans la formulation théorique des questions dans les pages de notre livre. Au cours des nombreux débats qui ont récemment rempli les pages des revues d'histoire de l'art, il a fallu défendre ce qui, tout en niant, était parfois coupé de l'épaule. Il est significatif que, dans le débat sur le sort de l’art populaire, la question récemment débattue : « L’art populaire est-il possible à l’ère de la révolution scientifique et technologique ? remplacée par une autre question : « Qu’est-ce que l’art populaire ? La théorie de son extinction a trouvé une nouvelle expression dans la proclamation de l'art populaire en scène moderne en tant que créativité individuelle amateur. En général, ce jugement relie l'art populaire au passé ; il se résume aux trois dispositions suivantes. Le premier affirme la fusion de l’art populaire avec l’industrie de l’art. En raison de l'inertie, cette attitude continue d'être déclarée théorique par certains critiques d'art, alors que l'art la dernière décennie a hautement élevé l'esthétique des choses fabriquées par l'homme et du folklore en général. Dans le même temps, l'intérêt pour le contenu spirituel et les valeurs de l'art populaire et son traditionalisme acquiert un nouveau sens.

La deuxième position, répétée dans des articles individuels, revient à assimiler la créativité de l'artisanat populaire à l'art d'artistes individuels, tout en niant les caractéristiques locales de la première, son orientation vers la tradition. Non seulement cela compromet la continuité - force principale développement, mais brise également la collectivité de la créativité, la culture de l'artisanat.

La troisième position, que nous avons déjà évoquée plus haut, identifie l'art populaire avec le travail des artistes amateurs. Et c’est essentiellement aussi sa négation.

Les trois points relevés correspondent également à certaines tendances négatives dans la pratique. Le nivellement des caractéristiques locales a conduit à l’impersonnalité créatrice massive des produits créés dans l’artisanat, à la rupture de la continuité culturelle et à la destruction du système ornemental de l’art populaire. Cela nécessite une étude minutieuse, ne serait-ce que pour éviter de répéter les erreurs du passé.

En fait, c’est le plus souvent exactement le contraire qui se produit. À la recherche d'une nouveauté imaginaire et pour l'approbation de ces thèses, on demande un renforcement aux autorités, dans les déclarations de V.S. Voronov, d'A.V. Bakushinsky et celles qui sont dépassées depuis longtemps, souvent dictées par la situation de l'époque et sans rapport avec la situation. concept scientifique des scientifiques en général. Sans tentative de compréhension critique, ces affirmations, souvent aléatoires, sont répétées comme des affirmations originales ; on tente de les faire passer pour une position théorique, qui ne fait en aucun cas avancer la réflexion ni aider la pratique. L'enracinement assez fort des opinions erronées peut s'expliquer par le fait que jusqu'aux années 60, l'art décoratif soviétique était le plus souvent représenté par des œuvres d'artisanat populaire, à l'origine de l'industrie de l'art. Tout cela nous a appris à considérer l'art populaire comme une forme dépendante de créativité, et n'a pas permis d'en voir sa vraie valeur. Elle s'est artificiellement adaptée à des méthodes de créativité individuelle étrangères à son système.

Bien entendu, toutes ces circonstances ne nous donnent pas aujourd’hui le droit de supposer que l’art populaire n’a pas sa place dans la culture moderne. Entre-temps, une telle conclusion, scientifiquement injustifiée, existait depuis longtemps. Restant théoriquement infondée, elle a donné lieu à de nombreuses tendances négatives dans l'art artisanal, depuis la peinture sur chevalet dans les années 40 et 50, pour finir par le déni de l'ornementation et du caractère décoratif dans la première moitié des années 60, qui sera spécifiquement évoqué.

Aujourd'hui, tout commence à être classé comme art populaire : des œuvres en verre et en céramique d'artistes professionnels jusqu'aux produits d'usine - tissus et porcelaine. Le concept d’« art populaire » reste non seulement flou, mais même inexistant dans la pratique de l’histoire de l’art en tant que catégorie esthétique. Elle est assimilée à la notion de « propriété nationale » au sens le plus large. On entend souvent : « L'art de l'artisanat est-il populaire ? », « L'art populaire est-il nécessaire à l'ère du progrès technologique ? », « N'est-ce pas simplement du passé ? Et ces questions sont discutées dans les pages des magazines, toutes sortes de fausses théories sont avancées, qui, en règle générale, ne sont pas scientifiquement étayées. Cependant, le fait même que de telles questions se posent s'explique par le fait qu'il n'existe toujours pas de position théorique dans la formulation et la solution des problèmes de l'art populaire moderne, malgré quelques travaux sérieux. Beaucoup de choses écrites sur l’art populaire ne sont pas correctement niveau scientifique, est souvent déterminé par des considérations de marché. Autrement, il est impossible d’expliquer l’écart frappant entre les déclarations contenues dans les œuvres imprimées et les réalités de la pratique elle-même3, entre les difficultés que connaît l’art populaire, d’une part, et, d’autre part, le besoin croissant de ses œuvres chaque jour. .

Il convient de noter qu'une position erronée dans la vision de l'art populaire entrave son étude et conduit à des conclusions arbitraires et improductives dans les travaux scientifiques. De nombreuses questions sont posées et résolues, comme auparavant, par analogie avec l'art artistique professionnel.

En réalité, l'art populaire, dont notre pays est si riche, est présenté comme un anachronisme et n'est pas encore compris dans toute sa plénitude et sa nécessité en tant que partie de la culture spirituelle. On entend ou lit souvent que l’environnement qui entoure une personne dans le monde technicisé technicise l’art à sa manière. Dans ce cas, la personne elle-même n’est pas du tout prise en compte. Pendant ce temps, la norme de pensée à l’ère du technicisme, consistant à produire des « blocs prêts à l’emploi », les fait tomber non seulement sur le spectateur des expositions, mais aussi sur l’homme dans son environnement quotidien. Et derrière cela se cache le danger de la technicisation de la perception elle-même, de toute la structure du sentiment, de la vision, qui ronge inévitablement le tissu vivant de l'art, tue son inquiétude spirituelle et détruit finalement l'humanité de l'environnement lui-même. Et puis il n’y a ni le propre ni celui d’autrui, ni personnel ni commun, en l’honneur desquels tant de déclarations creuses sont faites.

Dans la compréhension de l’art, ce qui prime n’est pas ce qui est exprimé, mais la manière dont cela est fait ; cela est souvent présenté comme une fin en soi. Mais vaut-il la peine de prouver que notre époque, comme toutes les autres en son temps, a introduit dans l'art de nouveaux rythmes, de nouvelles formes, de nouveaux moyens et même un nouveau monde de créativité : l'esthétique technique. C'est évident et naturel. Cependant, ce n’est pas cela qui détermine la finalité interne de l’art, de la culture spirituelle en général. Sur le chemin principal de leur développement, la compréhension de la vérité, de la vérité et de la beauté ne peut disparaître. Un artiste, s'il est artiste, peut-il percevoir l'étendue visuelle de son environnement sans être dérangé par le mouvement des idées qui anime la société ? Consciemment ou inconsciemment, cela reflète, d'une manière ou d'une autre, les tendances existantes dans la vision du monde de l'époque.

Si jusqu'à récemment les artistes et les poètes cherchaient à introduire le monde de la technologie dans le monde de l'homme et même à techniciser son image, aujourd'hui, ce qui est significatif, un désir différent apparaît : trouver l'humain dans l'homme lui-même et, à travers lui, influencer le monde technicisé. . Et cela pose la question des valeurs et de l’intégrité de l’art, ainsi que de la culture elle-même, d’une toute autre manière. Cela nous oblige à regarder de plus près et en profondeur l’art populaire, dans ses liens avec la nature et l’histoire, non seulement au sein d’un groupe ethnique, mais aussi à l’échelle planétaire.

Le problème de « l’homme et du monde », sous quelque aspect qu’il soit pris dans l’art, ne peut naturellement pas être résolu indépendamment de l’essence humaine, en définitive de celle-ci. objectif le plus élevé", qui, selon Kant, a en soi l'existence de l'homme. Autrement, cela reviendrait à adopter la position des auteurs de science-fiction occidentaux qui prophétisent une « planète des singes » dans le futur.

Comme vous le savez, l'un des problèmes aigus de l'Occident moderne est l'aliénation d'une personne, l'assimilant à une chose. Mais peu importe à quel point vie humaine dans le contre-nature, l'artificiel, la nature, en fin de compte, dicte encore ses lois naturelles, les lois de la vie elle-même. Le lien entre l’homme et la terre ne peut pas disparaître !

Dans l'immensité de notre vaste pays, l'art populaire vit et se développe dans une diversité inhabituellement grande d'écoles d'art populaire nationales, régionales, régionales et régionales, dans la continuité des traditions. Et toute tentative de voir dans l'art populaire seulement un anachronisme étranger à l'époque moderne, le désir de prouver qu'il ne se développe pas et qu'il a été complètement détruit par le capitalisme, est réfutée par la vie elle-même. Ces dernières années, l'activité des passionnés s'est développée, découvrant de nouveaux artisans talentueux et de nouvelles écoles d'artisanat populaire.

Les centres d'art populaire disséminés dans tout le pays, et dans de nombreux cas en Russie, témoignent du grand potentiel créatif de la population. Après tout, chaque centre a ses propres talents, ses propres traditions, ses propres systèmes et méthodes artistiques, vérifiés dans l'expérience de nombreuses générations d'artisans populaires. Et cette expérience crée une culture de tradition qui renforce l’art populaire des artistes professionnels. Ainsi, le traditionnel non seulement nourrit le nouveau, mais s'inscrit organiquement dans le contexte de l'époque. Les années 70 marquent une étape particulièrement importante dans la culture artistique. Le rôle de l'art décoratif dans l'organisation de l'environnement s'est accru, l'esthétique industrielle a pris la plus grande ampleur et l'art décoratif lui-même a été déterminé dans sa valeur spirituelle et a pris une place égale à la peinture et à la sculpture.

Dans une telle situation, l'art populaire est également appelé à prendre sa place dans le système de la culture moderne, correspondant à son essence. La responsabilité scientifique dans la résolution de ses problèmes doit augmenter. Responsabilité personnelle et responsabilité générale face à l'histoire. Ce n'est qu'à partir d'une telle responsabilité que l'on peut aborder une solution productive, en premier lieu, aux questions des conditions et des incitations à son développement. De nombreux jugements superficiels, une compréhension simple de l'effacement des frontières entre ville et campagne, à propos desquels la disparition prétendument naturelle de l'art populaire est incorrectement posée, devraient être soumis à une critique fondamentale, car ils portent un préjudice irréparable à l'art vivant des villages. et contribuer à la destruction des hautes valeurs spirituelles du peuple.

Il ne faut pas oublier que le rapprochement du village avec la ville est un processus complexe, long, loin d'être univoque, dans lequel se manifestent des excès de toutes sortes, accompagnés du déni du patrimoine culturel4.

Il est devenu clair depuis longtemps que le travailleur rural, quelle que soit l'évolution des formes mécanisées de son travail, conserve toujours les caractéristiques du travail déterminées par le fait lui-même - la culture de la terre, toutes les spécificités de la production agricole. « Cette caractéristique du travail agricole deviendra de plus en plus attractive et socialement précieuse, influençant les conditions d'établissement, de travail et de loisirs de l'ensemble de la population » 5 .

« L’homme vit par nature. Cela signifie que la nature est son corps, avec lequel une personne doit rester en communication constante, « pour ne pas mourir » 6.

« De même que l’humanité se reproduit continuellement dans la naissance et l’enfance d’un enfant, de même elle se reproduit continuellement dans la culture de la terre, « pour ne pas mourir » 7.

Et cela signifie que le lien direct de l'homme avec la terre, avec la nature est toujours préservé, la base de l'art populaire demeure toujours, qui continue de porter la plénitude de son contenu spirituel et ne se transforme pas du tout en un jeu de formes, de lignes. et des couleurs, accessibles uniquement à l'admiration esthétique et destinées, comme certains le pensent, à la libre stylisation d'un artiste professionnel, à « se jouer », comme ils aiment à le dire. Déjà, une telle compréhension de la finalité de l'art populaire le place au rang de quelque chose de secondaire par rapport à l'art véritable, affirme le caractère unique du contenu. Et toute formalisation des qualités et des moyens artistiques prive la créativité du sens de la vie, donnant finalement naissance à un art impersonnel, tourné vers lui-même.

D’un autre côté, la reproduction massive d’œuvres d’art populaire transformées en industrie du souvenir relève de la même incompréhension de ses principes substantiels.

La thèse sur la fusion de l'art populaire avec l'industrie se transforme en une industrie populaire, apportant l'unification et la standardisation de l'art populaire. Le modèle de l'artiste dans cet environnement devient déterminant. Dans ce cas, les fils de continuité de l'artisanat populaire sont déchirés et celui-ci tombe de manière catastrophique. En conséquence, les systèmes artistiques dans l'art de l'artisanat populaire s'effondrent, les écoles de traditions populaires périssent, qui ont subi des dommages importants pendant les périodes de domination des styles d'art de chevalet dans les années 50 et de manque de décoration dans les années 60, lorsque l’ornementation était placée au-delà du moderne. À cette époque, l'art populaire était dépersonnalisé dans ses caractéristiques régionales, nationales et régionales et moyenné dans son talent artistique. Nous avons été témoins de la fréquence à laquelle, au lieu d’un art véritablement vivant, des phénomènes intrinsèquement imparfaits et peu prometteurs sur le plan artistique ont été mis en avant.

Dans une telle situation, il y avait une nette substitution des valeurs à la fois dans la science et dans la pratique elle-même, ce qui entraînait inévitablement une stagnation de la pensée scientifique et des troubles pour l'art populaire. Mais où sont, dans ce cas, les critères qui permettent de bien comprendre et gérer l’art populaire ?

Où sont les sources cachées de sa puissance créatrice sans fin ? Il faut les rechercher dans l'art populaire lui-même, dans ses liens avec ce qui a une valeur éternelle pour l'humanité - avec la nature et la culture. Il est nécessaire de saisir les dynamiques historiques, autrement dit de comprendre le développement culturel.

Il faut dire que la science de l'art populaire, du fait de sa jeunesse, reste un domaine de connaissance peu étudié. C'est ce qui, tout d'abord, peut expliquer la propagation de jugements aléatoires et superficiels, des points de vue qui se prétendent actuellement être une direction scientifique, tout en restant seulement un point de vue facilement modifié par les tendances de la mode.

Cette situation a été créée en raison du manque de développement de nombreux problèmes fondamentaux de l'art populaire. Jusqu'à récemment, dans de nombreuses discussions qui remplissaient les pages de nos magazines, il était nécessaire de défendre l'art populaire non seulement en tant que culture spirituelle, mais aussi en tant que type indépendant de créativité artistique.

C'est précisément cette approche de la formulation du problème qui manquait dans les travaux de V. S. Voronov et A. V. Bakushinsky (dont nous parlerons plus en détail plus tard). Dans les années 50, A. B. Saltykov, qui a jeté les bases de la compréhension des spécificités de l'art décoratif, n'a en même temps pas abordé la formulation théorique des problèmes de l'art populaire lui-même. Au stade actuel, il s’avère qu’une ligne infranchissable la sépare de son passé. C'est dans cette direction que s'est développée la pensée scientifique, voulant tout voir dans l'art populaire moderne, mais pas ce qu'il est réellement. Jusqu'à présent, en abordant les questions de théorie et de pratique, les résultats des recherches sur l'art populaire pré-révolutionnaire dans les œuvres des années 60-70 de B. A. Rybakov, G. K. Wagner, V. M. Vasilenko sont mal pris en compte. Ainsi, la question elle-même est : qu’est-ce qui passe pour de l’art populaire ? – est d’une importance fondamentale et prend aujourd’hui une dimension très aiguë.

À cet égard, le problème de l’intégrité devient pertinent8. Il est particulièrement important de connaître les origines de l'art populaire, ses sources vives de créativité, qui enrichissent toute la culture, dans l'intégrité de la vie - dans les complexes de la vie rurale et de la nature qui entoure les gens et dans la continuité culturelle des traditions9. Ils ne sont pas seulement différents selon les peuples, mais aussi dans chaque région. Mais comment, dans ce cas, surmonter l’inertie de la pensée qui continue de s’appuyer sur des attitudes réfutées par le temps, comme l’effacement des caractéristiques locales et des signes d’écoles d’artisanat populaire ? Après tout, cette attitude se manifeste encore aujourd’hui par des appels infructueux à la créativité sans traditions.

Comment trouver une unité de théorie et de pratique qui soit réelle et non imaginaire ? Ces questions restent sans réponse.

Si l'art populaire est une culture spirituelle, ce qui ne fait sans doute plus aucun doute, s'il est une partie vivante de la culture moderne (de nombreuses expositions en témoignent de manière éloquente, et notamment l'Exposition pan-syndicale d'art populaire en 1979), le premier après une pause de 15 ans), enfin, si l'intérêt pour l'art populaire grandit (cela est évident tant dans notre pays qu'à l'étranger), alors il faut tout d'abord reconnaître les caractéristiques de l'art populaire en tant qu'intégrité culturelle et résoudre ainsi ses problèmes scientifiques, artistiques, créatifs et organisationnels.

Contribuons-nous à cette clarification de la question ou y faisons-nous obstacle ? Cette question ne peut que se poser à tous ceux qui sont d'une manière ou d'une autre liés à l'art populaire.

Dans des conditions de contradictions aiguës entre les réalisations techniques modernes de l'humanité et le niveau de sa moralité, alors que la planète Terre était menacée de destruction, le besoin s'est fait sentir de rechercher de nouveaux contacts avec la nature et de raviver ceux perdus. Dans cet environnement, les valeurs éternelles de la culture ont commencé à résonner avec une force extraordinaire. L'envie d'eux augmente avec l'envie de nature, de terre. Dans le même temps, la valeur de la nature est ravivée dans l’art. Jusqu'à récemment, le thème de l'homme en tant que conquérant de la nature absorbait tous les autres aspects de la relation avec elle. Mais le conquérant devient souvent un consommateur, un dilapidateur de ses richesses. Un homme, un robot de fer, qui est-il : un gardien de la nature ou son fossoyeur ?

De nombreux artistes modernes recherchent l'unité de l'homme avec la nature ; ils s'éloignent du chemin rigide de la représentation du héros conquérant. Dans l'art des années 60 et 70, le principe naturel est sensiblement renforcé et, surtout, dans les arts décoratifs et appliqués avec son virage décisif des choses utilitaires et techniques vers des choses exclusivement artistiques, vers l'imagerie et la plasticité. Ainsi, dans le travail des Shushkanov, le lien entre les principes naturels et populaires, qui s'était sensiblement estompé dans l'art des années précédentes, s'est retrouvé sous une nouvelle forme inattendue. Quelque chose de similaire se produit dans la céramique et le verre d’art. La recherche de liens avec la tradition populaire est indissociable de l'intérêt pour les arts nationaux et, en général, pour la culture du passé. Dans le folklore, la nature est toujours un représentant de la beauté et de la bonté ; elle se confond avec le monde moral. Le naturel agit donc comme un critère des valeurs humaines. Et cela pousse le problème de l'art populaire dans le contexte de capacités techniques en croissance illimitée à un nouveau niveau de problèmes environnementaux du monde moderne.

L'écologie de la nature, l'écologie de la culture ne peuvent qu'inclure l'écologie de l'art populaire comme partie de la culture, comme partie de la nature avec laquelle l'homme est initialement lié.

En posant ainsi la question, nous déterminons la manière de la résoudre dans le système homme – nature – culture.

Tel nouvelle fabrication les problèmes de l'art populaire l'élèvent à un niveau d'une grande pertinence, nous permettent de pénétrer plus profondément dans le contenu des images et nous aident à comprendre son essence en tant qu'intégrité indépendante. Nous avons entrepris une compréhension théorique des problèmes du vaste domaine de l'art populaire afin de déterminer sa nature artistique, sa valeur spirituelle et, par conséquent, sa place dans la culture.

En tant qu'élément de la culture, l'art populaire est à la fois la nature elle-même et mémoire historique les gens, une connexion indissoluble entre les temps. L'unité esthétique et l'intégrité de l'art populaire témoignent de ses fondements hautement moraux. C’est à partir de ces positions, reflétées dans la série d’illustrations de notre livre, que l’art populaire est examiné et que les questions de sa théorie sont résolues.

C'est le problème du général et du spécial, qui détermine l'interaction de l'art professionnel et de l'art populaire, c'est aussi la question de la spécificité propre de l'art populaire en tant que type particulier de créativité artistique, des formes de son développement et de ses liens avec nature. Enfin, les principales questions portent sur les valeurs, l'essence, la nature du collectif, sur le contenu des concepts d'« art populaire » et de « maître populaire ». L'étude des questions clés de théorie permettra, selon les spécificités du sujet, d'approfondir les principes méthodologiques de l'étude de l'art populaire. Cela aidera à comprendre sa place dans le système culturel, son énorme rôle - historique, moral, esthétique - dans la vie humaine, dans développement spirituel la culture, sa construction au présent pour le futur. Le matériau de notre livre sera l’art populaire de nombreuses nationalités de notre pays, principalement au cours des deux dernières décennies.

Ainsi, nous considérerons l’art populaire avant tout comme un monde de valeurs spirituelles.

Aujourd'hui, beaucoup sont préoccupés par la recherche de l'auto-identification nationale, des liens spirituels du peuple, d'une idée commune, et dans ces recherches, les regards sont généralement tournés vers les sommets culturels, les principes éthiques fondamentaux et les mécanismes économiques. Pendant ce temps, les valeurs recherchées se frayent un chemin dans nos vies, comme l'herbe sur l'asphalte, avec des faits, des événements et des intrigues à peine perceptibles de la pratique culturelle quotidienne. En ce qui concerne des problèmes aussi grandioses que l'auto-identification nationale, qui se souviendra d'une petite chose - un jouet folklorique ? Quand l'as-tu vue pour la dernière fois? Et où – dans le musée ? A l'exposition ? Sur la commode de grand-mère ? Ou vous souvenez-vous de la façon dont vous jouiez avec quand vous étiez enfant ? Et quel rapport cette petite chose totalement sans importance de votre vie quotidienne peut-elle avoir avec des problèmes spirituels fondamentaux ? l'homme moderne et surtout la société tout entière ?

Sifflets et trompettes

L’histoire des jouets en argile remonte à des milliers d’années et se poursuit encore aujourd’hui. Et parmi toute la variété des types de figurines en argile, le sifflet mérite une attention particulière. Dans les temps anciens, les objets sonores en céramique étaient utilisés dans des rituels et avaient un but culte. La figurine en argile servait de talisman ; on lui attribuait des propriétés magiques. On croyait que le sifflement pouvait éloigner les mauvais esprits et se protéger du mal. Le vent et la pluie étaient provoqués par le bruit et le sifflet. Avec l'oubli des croyances païennes, les sifflets ont perdu leur fonction sacrée et se sont presque partout transformés en jeux d'enfants, bien que l'usage culte des jouets, y compris les sifflets, soit resté (jusqu'à récemment) avec le jeu. En Russie, l'événement le plus célèbre impliquant le sifflet est le festival de la mendicité de Viatka, ou siffleur.

Maître de Gorodets

Après s'être lancé professionnellement dans la sculpture sur bois, Sergueï Sokolov a commencé à étudier les traditions Gorodets de cet art. Il s'intéressait aux possibilités de la sculpture à l'aveugle de Nijni Novgorod. On l'appelle aveugle car aucun trou n'a été percé dans la planche en cours de traitement ; le maître a formé un motif en relief sur sa surface à l'aide de ciseaux. C'est ainsi que, selon la tradition, étaient décorés la poupe et les flancs des navires de la Volga et la planche frontale des huttes paysannes, où la planche recouvre le point de contact entre le fronton du toit et la couronne supérieure de la maison en rondins.

Le maître a découpé le contour requis avec une scie sauteuse électrique et a peint la face avant. De plus, il appliquait de la peinture (aquarelle) directement sur le bois sans apprêt, puis le recouvrait d'huile siccative. Plus tard, Sergei Fedorovich a commencé à apprêter ses affaires avec de l'huile siccative naturelle et est passé de l'aquarelle à la détrempe, qui donne une couleur plus saturée.

L'art populaire dans les paradigmes de l'histoire et de la modernité

Les approches de la compréhension de l'art populaire traditionnel parmi les critiques d'art, les ethnographes, les sociologues, les historiens, les psychologues, les économistes et les experts culturels diffèrent, mais ce n'est qu'ensemble qu'elles nous permettent de nous rapprocher de la compréhension d'un phénomène qui continue d'échapper à l'analyse dans son intégralité 1 .

Arts et artisanats populaires

L’utilisation de matériaux naturels fait partie des traditions générales et fondamentales de l’art populaire. C'est dans la matière que résident ses caractéristiques artistiques. Sculpture et peinture sur bois, tissage, broderie, tissage de dentelle, traitement de l'écorce et des racines de bouleau, poterie, forgeage des métaux - avec toute la variété des techniques et des matériaux, les artisans populaires modernes de ces arts anciens adhèrent aux éléments, formes et sujets traditionnels.

La Maison Polenov, dont le successeur est la Maison nationale russe des arts populaires, a 100 ans. Le 29 décembre 1915 a eu lieu à Moscou l'inauguration d'une institution unique dans l'histoire de la culture mondiale - la Maison Polenovsky. Le fait de sa création est lié par une tradition séculaire à l'histoire du développement de l'amateurisme en Russie. La Maison disposait : d'une salle de 300 places avec une scène pour la mise en scène de spectacles exemplaires, de démonstrations folkloriques et scolaires ; des salles de répétition, une bibliothèque, des ateliers de décors et de costumes et une exposition pédagogique. Le bâtiment a été érigé selon le projet original de l'éminent artiste russe, grand éducateur et académicien de la peinture Vasily Dmitrievich Polenov.

De nombreuses méthodes de traitement artistique du cuir ont été inventées par l'homme : gaufrage, appliqué, broderie, peinture et même incrustation de métal. Se démarque parmi eux technique originale coudre des chaussures en cuir à motifs Kazan. Cette technique peut être appelée mosaïque de cuir, car c'est selon le principe de la mosaïque que des pièces en cuir coloré sont combinées en un motif complexe à l'aide d'une méthode unique de couture et de broderie.

Théâtre Carré de l'Est

Une caractéristique frappante du Caucase, que l’on pourrait appeler l’immortalité la mémoire des gens ou conservatisme poétique - la capacité de préserver pendant des milliers d'années ce qui a autrefois donné naissance à l'esprit ou à l'imagination des gens. Dans l'opinion quotidienne, les traditions populaires peuvent être observées en particulier dans certaines régions, en particulier dans le Caucase. On a beaucoup écrit sur cette caractéristique du Caucase.

Cependant, dès le début du siècle dernier, les chercheurs pensaient que « Il n'est pas si facile de distinguer parmi toute une série d'influences culturelles entrelacées et croisées, sous l'influence desquelles le Caucase a été, ce qui est local, ce qui est assyro-babylonien ou byzantin, ou mongol-turc, ou russe, ou Islamique avec ses réfractions arabes, persanes et turques. » Malgré des imbrications aussi complexes, le concept reste couramment utilisé "Culture orientale" , avec toute la richesse de ce concept, sa seule certitude, comme il y a plusieurs décennies, est le concept "Culture orientale" à peu près équivalent au concept "culture non européenne"