Plus variée et colorée que l'architecture et la sculpture flamandes, la peinture flamande se déploie dans sa magnifique floraison. XVIIe siècle. Plus clairement encore que dans ces arts, l'éternel Flamand émerge ici du mélange des fondements du Nord et du Sud comme un trésor national indéracinable. La peinture contemporaine dans aucun autre pays n'a capturé un domaine de sujets aussi riche et varié. Dans les églises neuves ou restaurées, des centaines de gigantesques autels baroques attendaient des images de saints peintes sur de grandes toiles. Dans les palais et les maisons, de vastes murs aspiraient à la mythologie, à l'allégorie et au genre peintures de chevalet; et le portrait, qui s'est développé au XVIe siècle jusqu'aux portraits grandeur nature, reste un grand art au sens plein du terme, alliant un naturel captivant à la noblesse de l'expression.
A côté de cette grande peinture, que la Belgique partageait avec l'Italie et la France, s'épanouit ici la peinture d'ébéniste originale, principalement sur de petites planches de bois ou de cuivre, perpétuant les anciennes traditions, d'une richesse inhabituelle, embrassant tout ce qui est représenté, sans négliger les sujets religieux, mythologiques ou allégoriques, préférant la vie quotidienne de toutes les classes de la population, notamment les paysans, les chauffeurs de taxi, les soldats, les chasseurs et les marins dans toutes ses manifestations. Les arrière-plans développés de paysages ou de pièces de ces peintures à petits personnages se sont transformés en peintures paysagères et architecturales indépendantes entre les mains de certains maîtres. Cette série se termine par des images de fleurs, de fruits et d'animaux. Le commerce extérieur a apporté des merveilles de flore et de faune aux pépinières et ménageries des archiducs au pouvoir à Bruxelles. La richesse de leurs formes et de leurs couleurs ne pouvait être ignorée par les artistes qui maîtrisaient tout.
Malgré tout cela, il n’y avait plus en Belgique de terreau pour la peinture murale monumentale. À l'exception des peintures de Rubens dans l'église des Jésuites d'Anvers et de quelques séries de paysages d'églises, les grands maîtres belges ont créé leurs grandes peintures sur toile, murs et plafonds pour les souverains étrangers, et la chute de la technique de la tapisserie bruxelloise, à laquelle Rubens la participation n'a donné qu'un essor temporaire, a rendu inutile la participation d'autres maîtres belges, comme les Jordan et les Tenier. Mais les maîtres belges ont pris une certaine part, bien que moins profonde que les Néerlandais, au développement ultérieur de la gravure et de l'eau-forte. Les Néerlandais de naissance étaient même les meilleurs graveurs avant Rubens, et la participation des plus grands peintres belges : les Rubens, les Jordan, les Van Dyck, les Brouwer et les Tenier à la « gravure pittoresque » - l'eau-forte, n'est en partie qu'un accessoire secondaire. question, en partie même douteuse.
Anvers, riche ville commerçante bas-allemande située sur l'Escaut, devient plus que jamais la capitale de la peinture bas-néerlandaise au sens le plus large du terme. La peinture bruxelloise, qui ne cherchait que des voies indépendantes dans le paysage, devint une branche de l'art anversois ; même la peinture des anciens centres d'art flamands, Bruges, Gand et Malines, ne vécut d'abord que de ses relations avec les ateliers anversois. Mais dans la partie wallonne de la Belgique, plus précisément à Lüttich, on peut retracer une attirance indépendante pour les Italiens et les Français.
Pour l'histoire générale de la peinture flamande du XVIIe siècle, outre les recueils de sources littéraires de Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool et Weyerman, les lexiques d'Immerzeel, Cramm et Wurzbach, les livres consolidés, seulement en partie périmés de Michiels, Waagen, Woters, Riegel et Philippi sont importants . Compte tenu de l'importance prédominante de l'art de l'Escaut, on peut également citer l'histoire de l'art anversois de Van den Branden et Rooses, qui nécessite bien sûr des ajouts et des modifications. Le chapitre consacré à ce sujet par l’auteur de ce livre dans son « Histoire de la peinture » et celle de Woltmann est déjà dépassé dans ses détails.
Liberté totale d'agencement et d'exécution picturale, unité interne de dessin et de couleurs, ampleur et force la plus fluide du flamand. tableau XVII siècle atteint entre les mains créatives de son grand maître Peter Paul Rubens, qui a fait d'Anvers la place centrale de l'exportation de peintures pour toute l'Europe. Cependant, les maîtres qui se trouvaient à la transition entre l'ancienne et la nouvelle direction ne manquaient pas.
Dans les branches réalistes nationales, avec de petites figures sur fond de paysage développé, ne vivaient encore que des échos de la grandeur et de la spontanéité de Pieter Bruegel l'Ancien. Le rendu du paysage de transition reste dans le cadre du « style de scène » de Gilliss Van Coninksloo avec son feuillage d'arbre touffeté et l'évitement des difficultés de la perspective aérienne et linéaire grâce au développement de tons individuels, successifs et différemment colorés. Les fondateurs de la peinture paysagère moderne, les frères anversois Matthäus et Paul Bril (1550 - 1584 et 1554 - 1626), sont également issus de ce style conventionnel, dont on ne sait presque rien de l'évolution. Matthaus Briel apparaît soudainement comme peintre de fresques paysagères au Vatican à Rome. Après lui mort précoce Paul Briel, camarade de son frère au Vatican, a développé le nouveau style paysager hollandais de l'époque. Peu de peintures authentiques de Matthäus ont survécu ; le plus est venu de Paul, dont j'ai rapporté ailleurs les paysages d'églises et de palais au Vatican, au Latran et au palais Rospigliosi à Santa Cecilia et à Santa Maria Maggiore à Rome. Ce n'est que progressivement qu'ils passent, sous l'influence des paysages plus libres et plus unifiés d'Annibale Carracci, au style transitionnel équilibré mentionné ci-dessus. La poursuite du développement Brill, qui fait partie de l'histoire générale de la peinture de paysage, se reflète dans ses nombreux petits paysages sur planches, en partie marqués par les années (1598 à Parme, 1600 à Dresde, 1601 à Munich, 1608 et 1624 à Dresde, 1609, 1620 et 1624). - au Louvre, 1626 - à Saint-Pétersbourg), abondant comme d'habitude en arbres, cherchant rarement à exprimer une zone précise. En tout cas, Paul Bril fait partie des fondateurs du style paysager à partir duquel est né l’art de Claude Lorrain.
Aux Pays-Bas, l'Anversois Josse de Momper (1564 - 1644), mieux représenté à Dresde, développa le style scénique de Koninksloo dans des paysages de montagne aux peintures soignées, peu riches en arbres, dans lesquels "trois fonds", parfois avec l'ajout d'un quatrièmement ensoleillé, apparaît généralement dans toute sa splendeur brun-vert-gris-bleu.
L'influence des peintures plus anciennes de Brill se fait sentir chez le deuxième fils de Peter Bruegel l'Ancien, Jan Brueghel l'Ancien (1568 - 1625), qui travailla à Rome et à Milan avant son retour à Anvers en 1596. Crivelli et Michel lui ont consacré des ouvrages séparés. Il peint principalement de petits tableaux, parfois miniatures, qui donnent une impression de paysage même dans les cas où ils représentent des thèmes bibliques, allégoriques ou de genre. Ce sont eux qui adhèrent fermement au style Koninksloo avec un feuillage touffeté, bien qu'ils traduisent plus subtilement les transitions mutuelles des trois fonds. La polyvalence de Jan Brueghel réside dans le fait qu'il a peint des fonds de paysages pour des peintres de figures comme Balen, des figures pour des peintres paysagistes comme Momper et des couronnes de fleurs pour des maîtres comme Rubens. Il est célèbre pour sa « Chute » du Musée de La Haye, fraîchement et subtilement exécutée, dans laquelle Rubens a peint Adam et Eve et Jan Brueghel a peint des paysages et des animaux. Ses propres paysages, abondamment dotés d'une vie populaire colorée, qui ne traduisent pas encore de manière particulièrement expressive le ciel avec ses nuages, représentent principalement des zones de collines irriguées par des rivières, des plaines avec des moulins à vent, des rues de village avec des scènes de tavernes, des canaux aux berges boisées, des routes de campagne très fréquentées. sur les hauteurs boisées et les routes forestières avec des bûcherons et des chasseurs, observés avec vivacité et fidélité. Ses premières peintures peuvent être vues dans l'Ambrosiana milanaise. Il est mieux représenté à Madrid, ainsi qu'à Munich, Dresde, Saint-Pétersbourg et Paris. Sa peinture de fleurs revêtait une importance particulière dans le sens de la recherche de nouvelles voies, qui transmettait de manière extrêmement convaincante non seulement tout le charme des formes et l'éclat des couleurs de couleurs rares, mais aussi leurs combinaisons. Madrid, Vienne et Berlin ont des peintures de fleurs réalisées par son pinceau.
Parmi ses collaborateurs, il ne faut pas manquer Hendrik Van Balen (1575 - 1632), dont le professeur est considéré comme le deuxième professeur de Rubens, Adam Van Noort. Ses peintures d'autel (par exemple dans l'église Saint-Jacques d'Anvers) sont insupportables. Il est devenu célèbre pour ses petites peintures sucrées, écrites avec douceur, sur des cartons dont le contenu provient principalement de fables anciennes, par exemple "La Fête des Dieux" au Louvre, "Ariane" à Dresde, "La Rassemblement de la Manne" à Brunswick, mais ses peintures de ce genre manquent également de fraîcheur artistique et de spontanéité.
Le style paysager de transition décrit ci-dessus s'est toutefois poursuivi avec de faibles imitateurs jusqu'au début du XVIIIe siècle. Ici, nous ne pouvons citer que les maîtres les plus forts de cette tendance, qui l'ont transférée en Hollande : David Vinkboons de Malines (1578 - 1629), qui a déménagé d'Anvers à Amsterdam, a peint de fraîches scènes de forêt et de village, parfois aussi des épisodes bibliques dans des paysages. , mais surtout des vacances au temple devant les tavernes du village. Ses meilleures peintures à Augsbourg, Hambourg, Braunschweig, Munich et Saint-Pétersbourg sont tout à fait directement observées et non sans force, peintes de couleurs colorées. Roelant Savery de Courtrai (1576 - 1639), à qui Curt Erasmus a consacré une étude amoureusement écrite, a étudié les montagnes boisées allemandes au service de Rodolphe II, après quoi il s'est installé comme peintre et graveur, d'abord à Amsterdam, puis à Utrecht. Il a doté ses paysages lumineux, fusionnant progressivement trois plans, mais un peu secs dans l'exécution, de paysages de montagne, de rochers et de forêts, bien visibles à Vienne et à Dresde, avec des groupes vivants d'animaux sauvages et apprivoisés dans des scènes de chasse, dans des images de le paradis et Orphée. Il fait également partie des premiers peintres de fleurs indépendants. Adam Willaerts d'Anvers (1577, décédé après 1649), qui s'installa à Utrecht en 1611, était un représentant paysage marin ce style de transition. Ses vues côtières et maritimes (par exemple à Dresde, par Weber à Hambourg, dans la galerie du Liechtenstein) sont encore sèches dans le motif des vagues, encore rugueuses dans la représentation de la vie des navires, mais captivantes par l'honnêteté de leur attitude envers la nature. . Enfin, Alexander Kerrinckx d'Anvers (1600 - 1652), qui a transféré son art du paysage flamand à Amsterdam, dans les peintures portant sa signature, suit encore entièrement Koninksloe, mais dans les peintures ultérieures de Brunswick et de Dresde, il est évidemment influencé par la peinture aux tons hollandais brunâtres de Van. Goyen. Il fait donc partie des maîtres transitionnels au sens plein du terme.
Parmi les maîtres anversois de ce style restés chez eux, Sebastian Vranx (1573 - 1647) connaît un succès incontestable en tant que peintre paysagiste et peintre de chevaux. Il représente également des feuillages en forme de grappes, le plus souvent suspendus, comme un bouleau, mais lui donne une connexion plus naturelle, donne au ton aérien une nouvelle clarté et sait conférer un caractère vital aux actions de l'écrit avec assurance et cohérence. chevaux et cavaliers de ses scènes de bataille et de voleurs, que l'on peut voir, par exemple, à Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam et chez Weber à Hambourg.
Enfin, dans la peinture architecturale, au XVIe siècle, son fils Hendrik Steenvik le Jeune (1580 - 1649), qui s'installa à Londres, et à côté de lui, l'image principale, Peter Neefs l'Ancien (1578 - 1656), vues internes dont les églises se trouvent à Dresde, Madrid, Paris et Saint-Pétersbourg.
D'une manière générale, la peinture flamande était évidemment à un niveau très sur la bonne voie un retour au petit art, quand le grand art de Rubens s'élevait au-dessus d'elle comme le soleil et l'entraînait avec lui dans le royaume de la lumière et de la liberté.
Pierre Paul Rubens (1577 - 1640) est le soleil autour duquel tourne tout l'art belge du XVIIe siècle, mais en même temps l'une des grandes sommités de l'art paneuropéen de cette période. Contrairement à tous les peintres baroques italiens, il est le principal représentant du baroque en peinture. La plénitude des formes, la liberté de mouvement, la domination sur les masses, qui donne le pittoresque au style baroque de l'architecture, dans les peintures de Rubens, renoncent à la lourdeur de la pierre et, avec le luxe enivrant des couleurs, reçoivent un nouveau droit indépendant à existence. Avec la puissance des formes individuelles, la grandeur de la composition, la plénitude florissante de la lumière et des couleurs, la passion de la vie pour transmettre des actions soudaines, la force et le feu pour exciter la vie physique et mentale de son homme et de sa femme charnus, habillés et figures déshabillées, il surpasse tous les autres maîtres. Le corps luxueux de ses femmes blondes aux joues charnues, aux lèvres charnues et au sourire joyeux brille de blanc. Brûlée par le soleil, la peau de ses hommes guerriers brille et leur front convexe et audacieux est égayé par la puissante arcade de leurs sourcils. Ses portraits sont les plus frais et les plus sains, mais pas les plus individuels et intimes de leur époque. Personne ne savait reproduire aussi fidèlement que lui les animaux sauvages et apprivoisés, même si, par manque de temps, il laissait dans la plupart des cas des assistants pour les représenter dans ses peintures. Dans le paysage, dont il confia également l'exécution à des assistants, il voyait avant tout l'effet général dû à la vie atmosphérique, mais il peignait lui-même, même dans la vieillesse, des paysages étonnants. Son art embrassait le monde entier des phénomènes spirituels et physiques, toute la complexité du passé et du présent. Il a peint des peintures d'autel et encore des peintures d'autel pour l'église. Il peint des portraits et des portraits principalement pour lui et ses amis. Il a créé des images mythologiques, allégoriques, historiques et des scènes de chasse pour les grands de ce monde. Les peintures de paysages et de genre étaient des travaux secondaires aléatoires.
Les ordres pleuvent sur Rubens. Au moins deux mille tableaux sont sortis de son atelier. La grande demande pour son art était due à la répétition fréquente de tableaux entiers ou pièces détachées par les mains de ses étudiants et assistants. Au zénith de sa vie, il laissait généralement ses propres tableaux à ses assistants pour qu'ils les peignent. Il y a toutes les transitions entre ses propres œuvres et les peintures de l'atelier, pour lesquelles il n'a donné que des esquisses. Malgré toute la similitude des formes de base et des ambiances de base, ses propres peintures révèlent des changements de style significatifs, les mêmes que ceux de beaucoup de ses contemporains, d'un modelage en plastique solide et d'une écriture épaisse et lourde à une exécution plus légère, plus libre et plus lumineuse, à une exécution plus légère, plus libre et plus lumineuse. des contours animés, à des modelés plus doux, aérés et pleins d'ambiance, illuminés par les couleurs colorées de la peinture tonale.
À la tête de la littérature la plus récente sur Rubens se trouve l'ouvrage collectif de Max Rooses : « Les Œuvres de Rubens » (1887 - 1892). Les œuvres biographiques les meilleures et les plus importantes appartiennent à Rooses et Michel. Des ouvrages collectifs, après Waagen, ont également été publiés par Jacob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg et Wilhelm Bode. Des questions individuelles sur Rubens ont été examinées par Ruelens, Woltmann, Riegel, Heller von Ravensburg, Grosmann, Riemanns et d'autres. Giemans et Voorthelm-Schnevogt étaient engagés chez Rubens comme graveur.
Rubens est né à Siegen, près de Cologne, de parents anversois respectés et a reçu son premier éducation artistique dans la ville de ses pères auprès de Tobias Verhegt (1561 - 1631), peintre paysagiste médiocre de style transitionnel, puis étudia pendant quatre ans auprès d'Adam Van Noort (1562 - 1641), l'un des maîtres moyens de l'italisme maniéré, comme c'est le cas maintenant connu, puis il travailla pendant encore quatre ans auprès d'Otto Van Wen, riche en inventions, vide de forme, faux classique, avec lequel il s'associa d'abord étroitement et devint en 1598 contremaître de guilde. En 1908, Haberzwil consacre des articles détaillés aux trois professeurs de Rubens. Aucune peinture de la première période anversoise de Rubens ne peut être établie avec certitude. De 1600 à 1608, il vécut en Italie ; d'abord à Venise, puis principalement au service de Vincenzo Gonzaga à Mantoue. Mais déjà en 1601, il écrivait à Rome pour trois autels de l'église de Santa Croce à Gerusalemme « La découverte de la croix », « Le couronnement d'épines » et « L'Exaltation de la croix ». Ces trois tableaux, appartenant aujourd'hui à la chapelle de l'hôpital de Grasse, dans le sud de la France, révèlent le style de sa première période italienne, encore en quête d'elle-même, toujours influencée par des copies du Tintoret, du Titien et du Corrège, mais déjà remplie d'un désir indépendant de force et mouvement. Le jeune maître se rend en Espagne en 1603 sur ordre de son prince. Des peintures qu'il y a peintes, les figures des philosophes Héraclite, Démocrite et Archimède du Musée de Madrid montrent encore des formes pompeuses et dépendantes, mais aussi une forte impression de profondeur psychologique. De retour à Mantoue, Rubens peint un grand retable en trois parties, dont le tableau du milieu représente la vénération de saint Paul de la famille Gonzague. Trinité, conservé en deux parties dans la bibliothèque de Mantoue, et des larges peintures latérales riches en figures, montrant la puissance toujours croissante des formes et l'action des masses, « Le Baptême du Christ » a fini au Musée d'Anvers et « Transfiguration » au Musée de Nancy. Puis, en 1606, le maître peint à nouveau à Rome pour la Chiesa Nuova un magnifique retable de l'Assomption de Saint-Pierre, déjà empreint de la puissance rubensienne dans ses figures baignées de lumière. Grégoire", aujourd'hui propriété du Musée de Grenoble, et remplacé à Rome déjà en 1608 par trois autres tableaux, pas du tout meilleurs, du même maître. La spectaculaire « Circoncision du Christ » de 1607 à Sant’Ambrogio de Gênes ressemble plus clairement au style du Caravage. Cependant, des chercheurs tels que Rooses et Rosenberg attribuent le maître à la période italienne, lorsqu'il copiait des œuvres de Titien, du Tintoret, du Corrège, du Caravage, de Léonard, de Michel-Ange et de Raphaël, ainsi qu'un certain nombre de tableaux de lui, apparemment peints plus tard. De grandes, originaires de Mantoue, fortes de forme et de couleur, allégories de l'étalage et de la vertu à Dresde, si elles ne sont pas écrites, comme Michel le pense avec nous, vers 1608 à Mantoue, alors nous admettons plutôt, avec Bode, qu'elles sont apparues après Rubens. ' retourner dans son pays natal qu'avec Roosers, qu'ils ont été écrits avant son voyage italien à Anvers. L'image de Jérôme à Dresde, dessinée avec assurance et modelée plastiquement, révèle également un style rubensien particulier, peut-être même trop développé pour sa période italienne, à laquelle nous attribuons maintenant ce tableau. À son retour à Anvers en 1608, Rubens fut nommé peintre de la cour d'Albrecht et d'Isabelle dès 1609, et son style, déjà indépendant, se développa rapidement pour devenir une force et une grandeur extraordinaires.
Encombrée dans sa composition, agitée dans ses contours, inégale dans ses effets de lumière, son «Adoration des Mages» (1609 - 1610) à Madrid est cependant marquée par un mouvement puissant. Pleine de vie et de passion, puissante dans le modelage musculaire des corps, sa célèbre image en trois parties « L'Exaltation de la Croix » dans la Cathédrale d'Anvers. Des souvenirs italiens plus forts se reflètent dans des peintures mythologiques simultanées, telles que Vénus, Cupidon, Bacchus et Cérès à Kassel, et Prométhée potelé et enchaîné à Oldenbourg. Des exemples typiques de portraits à grande échelle de cette époque sont les portraits paysagers d'Albrecht et d'Isabelle à Madrid et un magnifique tableau munichois représentant le maître lui-même dans un belvédère en chèvrefeuille avec sa jeune épouse, Isabella Brant, qu'il a amenée dans son pays natal en 1609, une image incomparable d'un amour calme et pur bonheur.
L'art de Rubens prend son essor entre 1611 et 1614. L'immense tableau « La Descente de Croix » avec la majestueuse « Visite de Marie-Élisabeth » et « Introduction au Temple » sur les portes, dans la cathédrale d'Anvers, est considéré comme la première œuvre dans laquelle le maître a apporté ses types et les siens. manière d'écrire jusqu'au développement complet. La vitalité passionnée des mouvements individuels est merveilleuse, et plus merveilleuse encore est la puissance émouvante de l'exécution picturale. Des peintures mythologiques telles que « Romulus et Remus » dans la Galerie Capitoline, « Faune et Faune » dans la Galerie Schönborn à Vienne appartiennent également à ces années.
La peinture de Rubens en 1613 et 1614, confiante dans sa composition, avec des formes et des couleurs clairement définies, est représentée par quelques tableaux marqués, à titre exceptionnel, de son nom et de l'année d'exécution. Il s'agit du tableau « Jupiter et Callisto » (1613), de forme pure, de belle couleur, « Fuite en Égypte » à Kassel, plein de lumière magique, « Vénus glacée » (1614) à Anvers, la pathétique « Lamentation » (1614). ) à Vienne et « Susanna » (1614) à Stockholm, dont le corps est sans doute plus agréable et mieux compris que le corps trop luxueux de sa précédente Susanna à Madrid ; Selon la méthode de peinture, ces peintures sont également accompagnées de puissantes images symboliques d'un Christ crucifié solitaire sur fond de ciel sombre à Munich et à Anvers.
A partir de cette époque, les commandes s'accumulent tellement dans l'atelier de Rubens qu'il confie à ses assistants un rôle plus important dans l'exécution de ses tableaux. Les plus anciens, outre Jan Bruegel, comprennent l'éminent peintre d'animaux et de fruits Frans Snyders (1579 - 1657), qui, selon Rubens lui-même, a peint l'aigle dans le tableau d'Oldenbourg mentionné ci-dessus avec Prométhée, et le peintre paysagiste dynamique Jan Wildens. (1586 - 1653), qui travailla à partir de 1618 pour Rubens. L'employé le plus remarquable fut Anton Van Dyck (1599 - 1641), qui devint plus tard une personnalité indépendante. En tout cas, devenu maître en 1618, il sera le bras droit de Rubens jusqu'en 1620. Les propres peintures de Rubens de ces années contrastent généralement la pénombre bleuâtre du corps avec une tache de lumière jaune rougeâtre, tandis que les peintures avec une collaboration clairement établie de Van Dyck se distinguent par un clair-obscur chaleureux et uniforme et un rendu pictural plus nerveux. Il s'agit notamment de six grandes images peintes avec enthousiasme de la vie du consul romain Decius Mussa, au palais du Liechtenstein à Vienne, des cartons que Rubens a fabriqués pour des tapis tissés en 1618 (les copies survivantes se trouvent à Madrid) et de grandes peintures décoratives de plafond (les copies survivantes sont conservées). seulement des esquisses dans diverses collections), et certaines de composition spectaculaire, avec de nombreuses figures des retables de cette église, « Le Miracle de Saint-Pierre ». Xavier" et "Le Miracle de St. Ignace», sauvé par le Musée de la Cour de Vienne. La collaboration de Van Dyck ne fait aucun doute également dans la grande Crucifixion d'Anvers, dans laquelle Longin à cheval transperce le côté du Sauveur avec une lance, dans la Madone avec les pécheurs pénitents de Kassel et, selon Bode, également dans la « Trinité » de Munich. Day" et au "Lazare" de Berlin, selon Rooses également dans la chasse au lion dramatique et dans l'enlèvement non moins dramatique, passionné et rapide des filles de Leucippus à Munich. Tous ces tableaux brillent non seulement par la puissance audacieuse de la composition de Rubens, mais aussi par la subtilité pénétrante du sentiment pictural de Van Dyck. Parmi les peintures peintes à la main, peintes pour l'essentiel par Rubens lui-même entre 1615 et 1620, se trouvent les meilleures peintures religieuses - pleines de mouvements de masse bouillonnants et agités « Le Jugement dernier » à Munich et pleines d'animation intérieure « L'Assomption de Notre Dame" à Bruxelles et à Vienne, ainsi que des peintures mythologiques magistrales, des "bacchanales" luxueuses et des images de "Thyasos" à Munich, Berlin, Saint-Pétersbourg et Dresde, dans lesquelles la puissance de la joie sensuelle débordante de la vie, traduite de Le roman en flamand atteint apparemment pour la première fois sa pleine expression . "La Bataille des Amazones" à Munich (vers 1620), une création inaccessible dans le sens d'un transfert pittoresque de la décharge et de la bataille les plus frénétiques, bien qu'écrite en petit format, est ici adjacente. S'en suivent ensuite des enfants nus grandeur nature, comme de superbes "putti" avec une guirlande de fruits à Munich, puis des scènes de chasse sauvage, des chasses au lion, dont la meilleure est à Munich, et des chasses au sanglier, dont la meilleure pend à Dresde. Viennent ensuite les premières peintures de paysages avec des ajouts mythologiques, par exemple le plein d'ambiance « Le Naufrage d'Énée » à Berlin, ou avec un environnement naturel, comme le rayonnant paysage romain avec des ruines du Louvre (vers 1615) et les paysages vibrants « Été » et « Hiver » (vers 1620) à Windsor. Rendus majestueusement, peints de manière large et fidèle sans la moindre trace de maniérismes anciens, éclairés par la lumière de toutes sortes de manifestations célestes, ils se dressent comme des bornes frontière dans l'histoire de la peinture de paysage.
Enfin, les portraits de Rubens de ce cinquième anniversaire se détachent clairement, majestueusement et puissamment. Son autoportrait aux Offices est une œuvre magistrale, et son groupe de portraits « Quatre philosophes » au Palais Pitti est magnifique. Son épouse Isabella apparaît dans la fleur de l'âge dans de nobles portraits de Berlin et de La Haye. Vers 1620, un étonnant portrait de Susanna Furman coiffée d'un chapeau à plume fut également peint à la National Gallery de Londres, recouvert du plus délicat clair-obscur. Les célèbres portraits masculins du maître de ces années-là peuvent être vus à Munich et à la galerie du Liechtenstein. Aussi passionnément que Rubens dépeint des épisodes de l'histoire sacrée du monde, des scènes de chasse et même des paysages, il peint tout aussi calmement ses portraits, étant capable de transmettre leur enveloppe corporelle avec une puissance et une vérité monumentales, mais sans chercher à spiritualiser intérieurement, capturé uniquement en général. , les traits du visage.
Van Dyck quitta Rubens en 1620 et son épouse Isabella Brant mourut en 1626. Son second mariage avec la belle jeune Helena Furman en 1630 donna un nouvel élan à son art. Cependant, ses voyages artistiques et diplomatiques à Paris lui servirent également d'impulsion ( 1622). , 1623, 1625), à Madrid (1628, 1629) et à Londres (1629, 1630). Parmi les deux grandes séries historiques avec allégories, 21 immenses tableaux de la vie de Marie de Médicis (l'histoire a été écrite par Grossman) font désormais partie des meilleures décorations du Louvre. Esquissés par la main magistrale de Rubens, peints par ses élèves, complétés par lui-même, ces tableaux historiques sont remplis de nombreux portraits modernes et figures mythologiques allégoriques dans l'esprit du baroque moderne et représentent une telle masse de beautés individuelles et une telle harmonie artistique qu'ils resteront à jamais les meilleures œuvres de la peinture du XVIIe siècle. D'une série de tableaux sur la vie d'Henri IV de France, deux tableaux à moitié terminés se sont retrouvés aux Offices ; les croquis pour d'autres sont conservés dans différentes collections. Les neuf tableaux à la gloire de Jacques Ier d’Angleterre, avec lesquels Rubens décora quelques années plus tard les plafonds de la salle d’État de White Hall, noircis par la suie de Londres, sont méconnaissables, mais ils ne font pas eux-mêmes partie des œuvres les plus réussies du maître.
Parmi les peintures religieuses peintes par Rubens dans les années vingt, la grande et enflammée Adoration des Mages à Anvers, achevée en 1625, marque à nouveau un tournant dans son développement artistique avec son pinceau plus lâche et plus large, son langage formel plus léger et ses formes plus dorées et aérées. coloration. L'« Assomption de Marie », lumineuse et aérée, de la cathédrale d'Anvers était prête en 1626. Viennent ensuite l'« Adoration des Mages » pittoresque et gratuite au Louvre et « L'Insurrection de la Vierge Marie » à Anvers. A Madrid, où le maître étudia à nouveau Titien, son coloris devint plus riche et plus « fleuri ». La "Madone" avec les saints qui l'adorent dans l'église des Augustins d'Anvers est une répétition plus baroque de la Madone-Frari du Titien. La partie significativement révisée du Triomphe de César de Mantegna, qui se trouvait à Londres en 1629 (aujourd'hui à la National Gallery), à en juger par sa lettre, aurait également pu paraître seulement après cette période. Cette décennie est particulièrement riche en grands portraits du maître. Isabella Brant, âgée mais toujours pleine de joliesse chaleureuse, dans le magnifique portrait de l'Ermitage ; Le portrait des Offices présente des traits encore plus nets. Parmi les plus beaux et les plus colorés figure le double portrait de ses fils conservé dans la galerie du Liechtenstein. Le portrait expressif de Caspar Gevaert à son bureau à Anvers est célèbre. Et le vieux maître lui-même apparaît devant nous avec un subtil sourire diplomatique aux lèvres dans le magnifique portrait en pied d'Aremberg à Bruxelles.
La dernière décennie qui revient à Rubens (1631 - 1640) est placée sous le signe de sa seconde épouse bien-aimée, Helena Furman, qu'il peint sous toutes les formes et qui lui sert de modèle pour ses peintures religieuses et mythologiques. Ses meilleurs portraits de Rubens comptent parmi les plus beaux portraits de femmes du monde : mi-longue, dans une riche robe, avec un chapeau à plume ; grandeur nature, assis, dans une luxueuse robe ouverte sur la poitrine ; sous une petite forme, à côté de son mari pour une promenade dans le jardin - elle apparaît à la Pinakothek de Munich ; nu, seulement partiellement recouvert d'une robe de fourrure - au Musée de la Cour de Vienne ; en costume pour une promenade sur le terrain - à l'Ermitage ; avec son premier-né à côté, au bras de son mari, et aussi dans la rue, accompagnée d'un page - chez le baron Alphonse Rothschild à Paris.
Les œuvres ecclésiastiques les plus significatives de cette région fleurie et rayonnante époque tardive maître - composition majestueuse et calme, brillant de toutes les couleurs de l'arc-en-ciel, l'autel de Saint-Pierre. Ildefonso avec de puissantes figures de donateurs sur les portes du Musée de la Cour de Vienne et un magnifique retable dans la propre chapelle funéraire de Rubens dans l'église Saint-Jacques d'Anvers, avec les saints de la ville, peints par des proches du maître. Des œuvres plus simples, telles que : St. Cecilia à Berlin et la magnifique Bethsabée à Dresde ne leur sont pas inférieures en ton et en couleurs. Parmi les précieux tableaux mythologiques de cette période figurent les brillantes cours de Paris, de Londres et de Madrid ; et quelle vitalité passionnée respire la chasse de Diane à Berlin, combien fabuleusement luxueuse est la fête de Vénus à Vienne, quelle lumière magique illumine Orphée et Eurydice à Madrid !
Certaines images de genre du maître sont préparatoires à ce type de peinture. Ainsi, le caractère du genre mythologique est capturé dans le « Rendez-vous Hour » audacieusement sensuel et grandeur nature à Munich.
Les prototypes de toutes les scènes sociales de Watteau sont les célèbres tableaux représentant des dieux volants de l’amour, appelés « Jardins d’amour », avec des groupes de couples amoureux luxueusement vêtus lors d’une fête dans le jardin. L'une des meilleures œuvres de ce genre appartient au baron Rothschild à Paris, une autre au musée de Madrid. Les tableaux de genre les plus importants avec de petits personnages de la vie populaire, peints par Rubens, sont une danse paysanne majestueuse et vivante, purement rubensienne à Madrid, un tournoi à moitié paysager devant les douves du château, au Louvre, et une foire au même recueil dont les motifs rappellent ceux de Teniers.
La plupart des véritables paysages de Rubens appartiennent également aux dernières années de sa vie : tel est le paysage radieux avec Ulysse dans le palais Pitti, tels sont les paysages au design nouveau, expliquant artistiquement avec une image simple et large de l'environnement l'appartement. zone dans laquelle se trouvait la datcha de Rubens, et avec un ciel majestueux et plein d'ambiances rendant les changements dans le ciel. Parmi les plus beaux, citons le coucher de soleil enflammé de Londres et les paysages avec des arcs-en-ciel de Munich et de Saint-Pétersbourg.
Quoi que Rubens ait entrepris, il a tout transformé en or brillant ; et quiconque entra en contact avec son art, en tant que collaborateur ou suiveur, ne pouvait plus échapper à son cercle enchanté.
Parmi les nombreux élèves de Rubens, seul Anton Van Dyck (1599 - 1641) - dont la lumière se rapporte bien entendu à la lumière de Rubens, comme la lune au soleil - atteint le ciel de l'art avec sa tête éclairée par l'éclat. Bien que Balen soit considéré comme son véritable professeur, Rubens lui-même l'appelait son élève. Quoi qu'il en soit, son développement juvénile, autant que nous le sachions, a été sous l'influence de Rubens, dont il ne se sépare jamais complètement, mais, en accord avec son tempérament plus impressionnable, le transforme de manière plus nerveuse, douce et subtile. peinture et moins fort en dessin. Ses nombreuses années de séjour en Italie le transformèrent finalement en peintre et maître des couleurs. Ce n'était pas son travail d'inventer et d'intensifier dramatiquement l'action vivante, mais il savait dans ses peintures historiques mettre les personnages dans des relations clairement réfléchies les uns avec les autres et transmettre à ses portraits les caractéristiques subtiles du statut social, qui est devenu le peintre préféré. des nobles de son temps.
Les derniers travaux de synthèse sur Van Dyck appartiennent à Michiels, Guiffrey, Kust et Schaeffer. Des pages individuelles de sa vie et de son art ont été expliquées par Vibiral, Bode, Giemans, Rooses, Lau, Menotti et l'auteur de ce livre. Aujourd'hui encore, ils discutent de la délimitation des différentes périodes de la vie, principalement liées aux voyages. Selon les dernières recherches, il a travaillé jusqu'en 1620 à Anvers, en 1620 - 1621 à Londres, en 1621 - 1627 en Italie, principalement à Gênes, avec une interruption de 1622 à 1623, réalisée, comme l'a montré Rooses, probablement dans son pays natal. , en 1627 - 1628 en Hollande, puis de nouveau à Anvers, et à partir de 1632 comme peintre de la cour de Charles Ier à Londres, où il mourut en 1641, et pendant cette période, en 1634 - 1635 il fut à Bruxelles, en 1640 et 1641 à Anvers et à Paris.
Il n’existe pratiquement aucune œuvre ancienne de Van Dyck dans laquelle l’influence de Rubens ne soit pas perceptible. Même ses premières séries apostoliques portent déjà des traces du style de Rubens. Parmi celles-ci, certaines têtes originales sont conservées à Dresde, d'autres à Althorp. Parmi les tableaux religieux que Van Dyck a peints selon ses propres plans, à ses risques et périls, de 1618 à 1620, alors qu'il était au service de Rubens, figurent « Le Martyre de Saint-Pierre ». Sebastian", avec les compositions "Lamentation of Christ" et "Bathing Susanna" surchargées à l'ancienne à Munich. « Thomas à Saint-Pétersbourg », « Le Serpent de cuivre » à Madrid. Aucune de ces peintures ne présente une composition impeccable, mais elles sont bien peintes et colorées. Le «Jérôme» de Dresde est pittoresque et profondément ressenti, représentant un contraste clair avec le Jérôme voisin, plus calme et grossièrement écrit par Rubens.
Suivent ensuite : « La Profanation du Christ » à Berlin, le plus puissant et le plus expressif de ces tableaux semi-rubensiens, et d'une belle composition, sans doute esquissé par Rubens, « St. Martin" à Windsor, assis sur un cheval, offrant un manteau à un mendiant. La répétition simplifiée et plus faible de ce Martin dans l'église de Saventem se rapproche davantage de la manière ultérieure du maître.
Van Dyck est un grand artiste de cette époque rubensienne, notamment dans ses portraits. Certains d'entre eux, combinant les avantages bien connus des deux maîtres, furent attribués à Rubens au XIXe siècle, jusqu'à ce que Bode les restitue à Van Dyck. Ils sont plus individuels dans leurs traits individuels, plus nerveux dans leur expression, plus doux et plus profonds dans leur écriture que les portraits contemporains de Rubens. Les plus anciens de ces portraits à moitié rubensiens de Van Dyck comprennent tous deux des portraits en buste d'un couple marié âgé de 1618 à Dresde, les plus beaux sont les demi-figures de deux couples mariés de la galerie du Liechtenstein : une femme avec des lacets d'or sur sa poitrine, un monsieur enfilant des gants et assis devant une dame au rideau rouge avec un enfant sur ses genoux, à Dresde. La magnifique Isabelle Brant de l'Ermitage lui appartient, et du Louvre se trouve un double portrait du supposé Jean Grusset Richardo et de son fils debout à côté de lui. Parmi les doubles portraits, on connaît les époux côte à côte - le portrait de Frans Snyders et de sa femme aux poses très forcées, Jan de Wael et sa femme à Munich, le plus pittoresque. Enfin, dans les autoportraits de jeunesse du maître, au regard pensif et sûr de lui, à Saint-Pétersbourg, Munich et Londres, son âge même, une vingtaine d’années, indique une période précoce.
D'après des peintures religieuses peintes par Van Dyck entre 1621 et 1627. en Italie, dans le sud, il reste une belle scène inspirée du Titien avec la "Pièce de monnaie de Pierre" et "Marie et l'Enfant" dans un halo de feu, au Palazzo Bianco, qui rappelle Rubens, la "Crucifixion" du palais royal à Gênes, tendrement ressenti en termes pittoresques et spirituels, la Mise au Tombeau de la Galerie Borghèse à Rome, la tête alanguie de Marie au Palais Pitti, la magnifique famille aux couleurs éclatantes de la Pinacothèque de Turin et le retable puissant mais plutôt maniéré de la Madone del Rosario à Palerme avec des figures allongées. Parmi les peintures profanes, nous ne mentionnerons ici que le beau tableau, dans l'esprit de Giorgione, représentant les trois âges de la vie au musée de la ville de Vincenza et le tableau simple de composition mais peint avec passion « Diane et Endimon » à Madrid.
Le modelé confiant, ferme et en même temps doux du coup de pinceau dans un clair-obscur sombre et la coloration profonde et riche des têtes italiennes du maître, recherchant l'unité d'humeur, sont également évidents dans ses portraits italiens, en particulier génois. Peint dans une perspective audacieuse, presque face au spectateur, le portrait équestre d'Antonio Giulio Brignole Sale agitant son chapeau en guise de salutation main droite, situé dans le Palazzo Rossi de Gênes, a été un véritable indicateur du nouveau chemin. Nobles, avec des colonnes baroques et des draperies en arrière-plan, les portraits de la Signora Geronima Brignole Sale avec sa fille Paola Adorio en robe de soie bleu foncé avec broderies d'or et un jeune homme en habits de noble, de la même collection, sont exposés au sommet de l'art du portrait absolu. Ils sont rejoints par des portraits de la marquise de Durazzo en robe damassée de soie jaune clair, avec des enfants, devant un rideau rouge, un portrait de groupe animé de trois enfants avec un chien et un noble portrait d'un garçon en robe blanche, avec un perroquet, conservé au Palais Durazzo Pallavicini. À Rome, la Galerie Capitoline possède un double portrait très vital de Luca et Cornelis de Wael ; à Florence, au Palais Pitti, il y a un portrait spirituellement expressif du cardinal Giulio Bentivolio. D'autres portraits de la période italienne de Van Dyck ont trouvé leur chemin à l'étranger. L'un des plus beaux appartient à Pierpont Morgan à New York, mais on en trouve également à Londres, Berlin, Dresde et Munich.
Les cinq années (1627 - 1632) passées par le maître dans son pays natal à son retour d'Italie se révèlent extrêmement fructueuses. De grands retables pleins de mouvement, comme les puissantes Crucifixions de l'église Saint-Pierre. Femmes à Termonde, dans l'église Saint-Michel de Gand et dans l'église Romuald de Malines, et à côté de celles-ci l'"Exaltation de la Croix" dans l'église Saint-Pierre. Les femmes de Courtray ne le représentent pas aussi bien que les œuvres pleines de vie intérieure, auxquelles s'ajoutent la Crucifixion avec celles à venir au Musée de Lille, « Le Repos pendant la fuite » à Munich et les Crucifixions individuelles pleines de sentiments à Anvers, Vienne et Munich. Ces peintures traduisent les images de Rubens du langage héroïque au langage des sentiments. Parmi les plus belles peintures de cette période figurent la Madone avec le couple agenouillé de donateurs et d'anges versant des fleurs au Louvre, la Madone avec l'enfant Christ debout à Munich et les « Lamentations sur le Christ » pleines d'humeur à Anvers, Munich, Berlin. et Paris. Les madones et les lamentations en général étaient les thèmes favoris de Van Dyck. Il s'est rarement emparé d'images de dieux païens, même si son « Hercule à la croisée des chemins » aux Offices, ses images de Vénus, de Vulcain, à Vienne et à Paris montrent qu'il était dans une certaine mesure capable de les gérer. Il reste avant tout un portraitiste. De ce cinquième anniversaire, environ 150 portraits de lui ont survécu. Leurs traits du visage sont encore plus nets, leurs mains typiquement gracieuses et sédentaires ont encore moins d'expression que Peintures italiennes lui de la même manière. Une aisance un peu plus aristocratique s'ajoutait à leur allure, et une humeur générale plus subtile apparaissait dans la coloration plus froide. Les vêtements tombent généralement facilement et librement, mais de manière importante. Parmi les plus beaux d'entre eux, peints en grandeur nature, figurent les portraits caractéristiques de la souveraine Isabelle à Turin, au Louvre et à la Galerie du Liechtenstein, Philip de Roy et son épouse dans la collection Wallace à Londres, les doubles portraits d'un gentleman et une dame avec un enfant dans les bras au Louvre et au Musée gothique et plusieurs autres portraits d'hommes et de femmes à Munich. Parmi les portraits en pied et générationnels les plus expressifs, citons les portraits de l'évêque Mulderus et de Martin Pepin à Anvers, d'Adrian Stevens et de son épouse à Saint-Pétersbourg, du comte Van den Bergh à Madrid et du chanoine Antonio de Tassis à la galerie du Liechtenstein. L'organiste Liberty a l'air languissant, le sculpteur Colin de Nole, sa femme et leur fille ont l'air ennuyeux devant un groupe de portraits à Munich. Les portraits du monsieur et de la dame de Dresde et de Marie Louise de Tassis de la galerie du Liechtenstein se distinguent particulièrement par leur noble allure pittoresque. L'influence de Van Dyck sur tous les portraits de son temps, en particulier anglais et français, fut énorme ; cependant, en termes de caractéristiques naturelles et de vérité intérieure, ses portraits ne peuvent pas être égaux à ceux de ses contemporains Velázquez et Frans Hals, pour n'en citer que d'autres.
Mais à l’occasion, Van Dyck s’est également mis à l’aiguille à graver. Il y a 24 feuilles de son travail faciles et significativement exécutées. Il commande en revanche à d'autres graveurs de reproduire une grande série de petits portraits de contemporains célèbres dessinés par lui, peints dans le même ton gris. DANS réunion complète cette « Iconographie de Van Dyck » en cent feuilles ne parut qu'après sa mort.
En tant que peintre de la cour de Charles Ier, Van Dyck a peint de petites peintures religieuses ou mythologiques au cours des huit dernières années de sa vie. Néanmoins, plusieurs maîtres remontent à cette époque tardive. meilleures peintures, écrit lors de son court séjour aux Pays-Bas. Ce fut la dernière et la plus pittoresque image du "Repos pendant la fuite en Egypte", avec une ronde d'anges et de perdrix volantes, aujourd'hui à l'Ermitage, la "Lamentation du Christ" la plus aboutie et la plus belle du Musée d'Anvers, non seulement clair, calme et touchant dans sa composition et dans l'expression émouvante du vrai chagrin, mais aussi dans ses couleurs, ses magnifiques accords de bleu, blanc et or foncé, représentant une œuvre magistrale et enchanteresse. Viennent ensuite de très nombreux portraits de la période anglaise. Il est vrai que ses têtes, sous l'influence du type de la cour de Londres, ressemblent de plus en plus à des masques, ses mains deviennent de moins en moins expressives ; mais les robes deviennent plus raffinées et plus substantielles, les couleurs, dont le ton argenté ne commençait que peu à peu à s'estomper, gagnent de plus en plus en charme délicat. Bien entendu, Van Dyck a également créé à Londres un atelier de production à grande échelle, dans lequel ont travaillé de nombreux étudiants. Le portrait de famille à Windsor, montrant le couple royal assis avec leurs deux enfants et leur chien, est une pièce de théâtre plutôt faible. Le portrait équestre du roi devant l'arc de triomphe, qui s'y trouve, a été peint avec beaucoup de goût, son portrait équestre à la Galerie nationale est encore plus pittoresque, et le ravissant portrait du roi descendant de cheval en costume de chasse à le Louvre est vraiment pittoresque. Parmi les portraits de la reine Henrietta Maria réalisés par Van Dyck, celui appartenant à Lord Northbrook à Londres et représentant la reine avec ses nains sur la terrasse du jardin est parmi les plus frais et les plus anciens, et celui de la galerie de Dresde, malgré toute sa noblesse, est parmi les plus faibles et les plus récents. Divers portraits des enfants du roi anglais sont célèbres et font partie des chefs-d'œuvre les plus attrayants de Van Dyck. Les plus beaux portraits des trois enfants royaux sont ceux de Turin et de Windsor ; mais le plus luxueux et le plus joli de tous est le portrait de Windsor avec les cinq enfants du roi, avec un grand et un petit chien. Parmi le reste des nombreux portraits de Van Dyck à Windsor, le portrait de Lady Venice Digby préfigure avec ses ajouts allégoriques en forme de colombes et de dieux de l'amour. nouvelle ère, et le double portrait de Thomas Killigrew et Thomas Carew étonne par les relations de vie des personnes représentées, inhabituelles pour notre maître. Le portrait de James Stuart avec un gros chien accroché à lui au Metropolitan Museum of Art de New York est particulièrement gracieux ; le portrait des fiancés, les enfants de Guillaume II d'Orange et d'Henriette Maria Stuart, au City Museum d'Amsterdam est particulièrement gracieux ; délicieux. Une centaine de portraits de la période anglaise du maître ont survécu.
Van Dyck est mort jeune. En tant qu’artiste, il a apparemment tout dit. Il lui manque la versatilité, la complétude et la puissance de son grand maître, mais il surpassait tous ses contemporains flamands dans la subtilité d'une humeur purement pittoresque.
Les autres peintres importants, collaborateurs de Rubens et étudiants à Anvers avant et après Van Dyck, ne vivent que dans les échos de l'art de Rubens, Even Abraham Diepepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodore Van Thulden (1606 - 1676). ), Erasmus Quellinus (1607 - 1678), le frère du grand sculpteur, et son petit-fils Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) ne sont pas si significatifs qu'il faille s'y attarder. Les représentants des différents départements réalistes de l'atelier de Rubens ont une signification plus indépendante. Frans Snyders (1579 - 1657) a commencé par nature morte, qu'il aimait réaliser en grandeur nature, de manière large, réaliste et en même temps décorative ; toute sa vie, il a peint de grandes images d'observation saines de fournitures de cuisine et de fruits, comme celles disponibles à Bruxelles, Munich et Dresde. Dans l'atelier de Rubens, il a également appris à représenter de manière vivante et passionnante, presque avec la force et l'éclat de son professeur, le monde vivant, des animaux grandeur nature dans des scènes de chasse. Ses grandes peintures de chasse à Dresde, Munich, Vienne, Paris, Cassel et Madrid sont des classiques du genre. Parfois, son beau-frère Paul de Vos (1590 - 1678) se mêle à Snyders, dont les grandes peintures d'animaux ne peuvent se comparer à la fraîcheur et à la chaleur des peintures de Snyders. Le nouveau style paysager, qui s'est développé sous l'influence de Rubens, supprimant presque complètement les anciens fonds tricolores et les feuillages d'arbres touffetés traditionnels, apparaît plus clairement devant nous dans les peintures et gravures de Lucas Van Udens (1595 - 1672). , assistant dans les dernières années du maître paysagiste. Ses nombreuses peintures paysagères, mais pour la plupart de petite taille, dont neuf sont exposées à Dresde, trois à Saint-Pétersbourg et deux à Munich - des images simples et naturelles des charmants paysages frontaliers entre la région vallonnée du Brabant et la plaine flamande. L'exécution est large et minutieuse. Ses couleurs s'efforcent de transmettre non seulement l'impression naturelle des arbres et des prairies verts, de la terre brunâtre et des distances vallonnées bleutées, mais aussi d'un ciel clair et légèrement nuageux. Les côtés ensoleillés de ses nuages et de ses arbres scintillent généralement de taches de lumière jaunes et, sous l'influence de Rubens, apparaissent parfois également des nuages de pluie et des arcs-en-ciel.
L'art de Rubens a également provoqué une révolution dans la gravure sur cuivre hollandaise. De nombreux graveurs, dont il examinait lui-même les œuvres, étaient à son service. Le plus ancien d'entre eux, l'Anversois Cornelis Halle (1576 - 1656) et les Hollandais Jacob Matham (1571 - 1631) et Jan Müller, traduisirent encore son style dans un langage de formes plus ancien, mais les graveurs de l'école de Rubens, un certain nombre de découverts par Peter Southman de Haarlem (1580 - 1643) et continue de briller avec des noms tels que Lucas Forstermann (né en 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius et Schelte. Bolsvert, Pieter de Jode le Jeune et surtout le grand graveur en clair-obscur Jan Witdöck (né en 1604) ont réussi à imprégner leurs feuilles de la force et du mouvement rubensiens. La nouvelle technique de la manière noire, qui consiste à donner une surface rugueuse à une plaque au moyen d'un point de saisie afin d'y racler un dessin en masses molles, a été, sinon inventée, du moins largement utilisée pour la première fois par Vallerand Vaillant de Lille (1623 - 1677), élève d'Erasmus Quellinus, élève de Rubens, célèbre excellent portraitiste et peintre unique de la nature morte. Mais comme Vaillant n'a pas étudié cet art en Belgique, mais à Amsterdam, où il s'est installé, l'histoire de l'art flamand ne peut que le mentionner.
Certains maîtres anversois importants de cette période, qui n'avaient aucune relation directe avec Rubens ou ses élèves, rejoignirent le Caravage à Rome et formèrent le groupe romain. Les contours clairs, le modelé plastique, les ombres lourdes du Caravage ne s'adoucissent que dans leurs peintures ultérieures avec une écriture plus libre, plus chaleureuse et plus large, qui parlait de l'influence de Rubens. A la tête de ce groupe se trouve Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), dont l'élève Gérard Zeghers (1591 - 1651) dans ses peintures ultérieures a sans aucun doute suivi les traces de Rubens, et Theodor Rombouts (1597 - 1637) révèle l'influence du Caravage. dans son genre, en grandeur nature, avec des couleurs métalliques brillantes et des ombres noires, des peintures à Anvers, Gand, Saint-Pétersbourg, Madrid et Munich.
Le plus ancien des peintres flamands de l'époque qui n'était pas allé en Italie, Caspar de Crayer (1582 - 1669), s'installe à Bruxelles, où, rivalisant avec Rubens, il ne va pas plus loin que l'éclectisme. Ils sont dirigés par l'Anversois Jacob Jordaens (1583 - 1678), également élève et gendre d'Adam Van Noort, chef des réalistes belges véritablement indépendants de l'époque, l'un des plus importants du genre dans l'histoire flamande. peintres du XVIIe siècle, aux côtés de Rubens et Van Dyck. Rooses lui a également consacré un long essai. Plus grossier que Rubens, il est plus spontané et original. Son corps est encore plus massif et charnu que celui de Rubens, ses têtes sont plus rondes et plus ordinaires. Ses compositions, généralement répétées, avec des modifications mineures pour différentes peintures, sont souvent plus naïves et souvent surchargées ; son pinceau, malgré toute son habileté, est plus sec, plus doux, parfois plus dense. C’est pour autant un coloriste formidable et original. Au début, il écrit avec fraîcheur et vivacité, modelant librement dans de riches couleurs locales ; après 1631, captivé par les charmes de Rubens, il passe à un clair-obscur plus délicat, à des couleurs intermédiaires plus nettes et à un ton brunâtre de la peinture, d'où transparaissent effectivement des tons fondamentaux riches et profonds. Il a également représenté tout ce qui est représenté. Il doit ses plus beaux succès aux œuvres allégoriques et peintures de genre et grandeur nature, dans la plupart des cas sur le thème des proverbes populaires.
Le plus ancien tableau connu de Jordaens est la Crucifixion de 1617 dans l'église Saint-Pierre. Paul à Anvers révèle l'influence de Rubens. Jordaens apparaît tout à fait lui-même en 1618 dans « L'Adoration des bergers » à Stockholm et dans un tableau similaire à Brunswick, et notamment dans les premières images du satyre rendant visite à un paysan, à qui il raconte une histoire incroyable. Le premier tableau de ce genre appartient à la ville de Celst à Bruxelles ; suivis par des cas à Budapest, Munich et Kassel. Les premières peintures religieuses comprennent également des images expressives des évangélistes au Louvre et des « Disciples au tombeau du Sauveur » à Dresde ; Parmi les premières peintures mythologiques, « Méléagre et Atlanta » à Anvers mérite d’être mentionnée. La plus ancienne de ses compositions familiales vivantes groupes de portraits(vers 1622) appartiennent au Musée de Madrid.
L'influence de Rubens est à nouveau évidente dans les tableaux de Jordaens, peints après 1631. Dans sa satire du paysan bruxellois, un tournant est déjà perceptible. Son images célèbres"Le roi des haricots", dont Kassel possède le plus ancien exemplaire - d'autres se trouvent au Louvre et à Bruxelles - ainsi que ses représentations innombrables et répétées du dicton "Ce que chantent les vieux, les petits grincent", la copie anversoise de 1638 est encore plus récent que celui de Dresde, peint en 1641 - d'autres au Louvre et à Berlin - appartiennent déjà au style plus doux et plus doux du maître.
Avant 1642, des peintures mythologiques grossières de « La Procession de Bacchus » à Kassel et « Ariane » à Dresde, ainsi que d'excellents portraits vivants de Jan Wirth et de sa femme à Cologne ont également été peints ; puis, jusqu'en 1652, des tableaux animés extérieurement et intérieurement, malgré des lignes plus calmes, comme St. Ivo à Bruxelles (1645), un superbe portrait de famille à Kassel et le vibrant « Bean King » à Vienne.
L'invitation à La Haye pour participer à la décoration du « Château de la Forêt » trouva le maître en pleine force en 1652, à laquelle donnent « La Déification du prince Frédéric Henri » et « La Victoire de la mort sur l'envie » par les pinceaux de Jordaens. son empreinte, et en 1661 une invitation à Amsterdam, où il peint les peintures survivantes mais maintenant presque impossibles à distinguer pour le nouvel hôtel de ville.
Le tableau le plus beau et le plus religieux de ses dernières années est « Jésus parmi les scribes » (1663) à Mayence ; l'«Introduction au Temple» luxueusement colorée à Dresde et la lumineuse «Cène» à Anvers.
Si Jordaens est trop rude et inégal pour être classé parmi les plus grands des grands, il occupe néanmoins, en tant que peintre bourgeois anversois et peintre de bourgeois, une place d'honneur à côté de Rubens, le prince des peintres et le peintre des princes. . Mais c'est précisément à cause de son originalité qu'il n'a pas créé d'élèves ou de disciples remarquables.
Un maître, comme Jordaens, qui appartenait indépendamment au passé de l'art flamand d'avant Rubens était Cornelis de Vos (1585 - 1651), particulièrement remarquable en tant que portraitiste, luttant pour la vérité et la sincérité naïves avec une manière de peindre calme et émouvante, un un éclat particulier dans les yeux de ses personnages et une couleur pleine de lumière. Le meilleur portrait de famille, avec une composition décontractée, appartient au Musée de Bruxelles, et le portrait le plus fort du maître de guilde Grapheus appartient au Musée d'Anvers. Ses doubles portraits du couple marié et de ses petites filles à Berlin sont également très typiques.
A l'opposé de son style purement flamand mâtiné d'italien, maintenu avec plus ou moins déviations par la grande majorité des peintres belges du XVIIe siècle, l'école wallonne de Lüttich, étudiée par Gelbier, développa le style romano-belge du Direction poussinienne qui suivit les Français. A la tête de cette école se trouve Gérard Duffet (1594 - 1660), un académicien pictural inventif que l'on peut mieux voir à Munich. Élève de son élève Barthollet Flemalle ou Flemal (1614 - 1675), imitateur paresseux de Poussin, Gérard Leresse (1641 - 1711), déjà installé à Amsterdam en 1667, transplanta de Lüttich en Hollande ce style académique imitant le français, qu'il a réalisé non seulement en tant que peintre et graveur de sujets mythologiques, mais aussi avec la plume de son livre, qui a eu une influence significative. C'était un réactionnaire extrême et il a surtout contribué, au tournant du siècle, au tournant du monde sain. direction nationale Peinture hollandaise dans le fairway roman. « Séleucus et Antiochus » à Amsterdam et Schwerin, « Parnasse » à Dresde, « Le Départ de Cléopâtre » au Louvre donnent une idée suffisante de lui.
Leres nous ramène enfin de la grande peinture belge à la petite ; et ce dernier, sans aucun doute, connaissait encore, dans les peintures à petits personnages sur fond paysager ou architectural, la maturité nationale du XVIIe siècle, qui naissait directement du sol préparé par les maîtres de l'époque de transition, mais parvenait à une totale liberté d'expression. mouvement grâce au tout-puissant Rubens, et dans certains endroits aussi grâce à de nouvelles influences, françaises et italiennes, ou encore à l'influence du jeune art hollandais sur le flamand.
Un véritable tableau de genre joue aujourd'hui, comme autrefois, le premier rôle en Flandre. Dans le même temps, une frontière assez nette est perceptible entre les maîtres qui ont représenté la vie des classes supérieures dans des scènes sociales ou des portraits de petits groupes, et les peintres de la vie populaire dans les tavernes, les foires et les routes de campagne. Rubens a créé des exemples des deux genres. Les peintres profanes, dans l’esprit des « Jardins d’amour » de Rubens, représentent des dames et des messieurs vêtus de soie et de velours, jouant aux cartes, se régalant, jouant de la musique joyeuse ou dansant. L'un des premiers de ces peintres fut Christian Van der Lamen (1615 - 1661), connu pour ses peintures à Madrid, Gotha, notamment à Lucques. Son élève le plus célèbre fut Jeroom Janssens (1624 - 1693), dont la « Danseuse » et les scènes de danse peuvent être vues à Braungsweig. Au-dessus de lui, en tant que peintre, se tient Gonzales Kokvets (1618 - 1684), maître des portraits aristocratiques en petits groupes représentant des membres d'une famille réunis dans un environnement familial à Kassel, Dresde, Londres, Budapest et La Haye. Les peintres flamands les plus prolifiques de la vie populaire des classes populaires étaient les Teniers. De la grande famille de ces artistes se distinguent David Teniers l'Ancien (1582 - 1649) et son fils David Teniers le Jeune (1610 - 1690). L'aîné était probablement un élève de Rubens, et Rubens donnait probablement des conseils amicaux au plus jeune. Les deux sont également forts en termes de paysage et de genre. Cependant, il n'était pas possible de séparer toutes les œuvres de l'aîné des peintures de jeunesse du plus jeune. Sans aucun doute, l'aîné appartient aux quatre paysages mythologiques du Musée de la Cour de Vienne, encore occupé à transmettre les « trois plans », « La Tentation de Saint-Pierre ». Antonia" à Berlin, "Mountain Castle" à Braunschweig et "Mountain Gorge" à Munich.
David Teniers le Jeune étant influencé par le grand Adrien Brouwer d'Audenard (1606 - 1638), nous privilégions ce dernier. Brower est le créateur et le pionnier de nouvelles voies. Bode a étudié en profondeur son art et sa vie. À bien des égards, il est le plus grand peintre néerlandais de la vie populaire et en même temps l'un des peintres paysagistes belges et hollandais les plus spirituels. L'influence de la peinture hollandaise sur la peinture flamande du XVIIe siècle apparaît pour la première fois chez lui, élève de Frans Hals à Haarlem, déjà avant 1623. À son retour de Hollande, il s'installe à Anvers.
En même temps, son art prouve que les épithètes les plus simples de la vie des gens ordinaires peuvent, grâce à leur exécution, acquérir la plus haute signification artistique. Des Néerlandais, il a pris la spontanéité de la perception de la nature, l'exécution picturale, qui en soi est artistique. En tant que Néerlandais, il se déclare strictement isolé en véhiculant des moments de diverses manifestations de la vie, en tant que Néerlandais, avec un humour précieux, il met en valeur des scènes de tabagisme, de bagarres, de jeux de cartes et de beuveries dans les tavernes.
Les premiers tableaux qu'il a peints en Hollande, des beuveries de paysans, des combats à Amsterdam, révèlent dans leurs personnages grossiers et au gros nez des réponses de l'art de transition du vieux flamand. Les chefs-d'œuvre de cette époque étaient ses « Joueurs de cartes » anversois et les scènes de taverne de l'Institut Städel de Francfort. Un développement ultérieur apparaît nettement dans « Combat au couteau » et « Bain de village » de la Pinacothèque de Munich : ici les actions sont dramatiquement fortes, sans personnages secondaires inutiles ; l'exécution est magnifiquement pensée dans les moindres détails ; De la coloration clair-obscur doré, les tons rouges et jaunes brillent encore. Suit ensuite la maturité période tardive maître (1633 - 1636), avec des figures plus individuelles, un ton de couleur plus froid, dans lequel se détachent les lieux de peinture verte et bleue. Il s'agit notamment de 12 de ses dix-huit tableaux munichois et du meilleur de ses quatre tableaux de Dresde. Schmidt-Degener y a ajouté un certain nombre de tableaux provenant de collections privées parisiennes, mais leur authenticité n'est apparemment pas toujours établie avec précision. Les meilleurs paysages de Brouwer, dans lesquels les motifs les plus simples de la nature de la périphérie d'Anvers sont attisés par une transmission chaleureuse et rayonnante de phénomènes aériens et lumineux, appartiennent également à ces années. "Dunes" à Bruxelles, un tableau portant le nom du maître, prouve l'authenticité des autres. Ils ont un aspect plus moderne que tous ses autres paysages flamands. Parmi les meilleurs figurent le clair de lune et le paysage pastoral de Berlin, le paysage de dunes aux toits rouges de la Bridgwater Gallery et le puissant paysage de coucher de soleil de Londres attribué à Rubens.
Les peintures de genre à grande échelle des deux dernières années de la vie du maître préfèrent une écriture claire et ombrée et une subordination plus claire des couleurs locales à un ton général gris. Les paysans chantants, les soldats jouant aux dés et le couple hôte dans la buvette de la Pinacothèque de Munich sont rejoints par des peintures puissantes représentant les opérations de l'Institut Städel et Le Fumeur du Louvre. L'art original de Brouwer représente toujours le contraire de toutes les conventions académiques.
David Teniers le Jeune, peintre de genre préféré du monde noble, invité en 1651 par le peintre de la cour et directeur de la galerie de l'archiduc Léopold Guillaume d'Anvers à Bruxelles, où il mourut dans la vieillesse, ne peut se comparer à Brouwer dans l'immédiat de transmettre la vie, dans l'expérience émotionnelle de l'humour, mais c'est pourquoi il la surpasse dans sa sophistication extérieure et sa stylisation urbaine de la vie populaire. Il aimait représenter des citadins habillés de façon aristocratique dans leurs relations avec les villageois, il peignait parfois des scènes profanes de la vie de l'aristocratie et véhiculait même des épisodes religieux dans le style de ses peintures de genre, dans des pièces richement décorées ou parmi des objets véridiques mais décoratifs. paysages. Tentation de St. Antonia (à Dresde, Berlin, Saint-Pétersbourg, Paris, Madrid, Bruxelles) fait partie de ses sujets favoris. Plus d'une fois, il a également peint un donjon avec l'image de Pierre en arrière-plan (Dresde, Berlin). Parmi les thèmes mythologiques dans le style de ses peintures de genre, on peut citer « Neptune et Amphitrite » à Berlin, le tableau allégorique « Les Cinq Sens » à Bruxelles et des œuvres poétiques - douze tableaux de « Jérusalem libérée » à Madrid. Ses peintures représentant des alchimistes (Dresde, Berlin, Madrid) peuvent également être classées comme un genre de haute société. La grande majorité de ses tableaux, au nombre de 50 à Madrid, 40 à Saint-Pétersbourg, 30 à Paris, 28 à Munich, 24 à Dresde, représentent l'environnement des villageois s'amusant pendant leurs loisirs. Il les représente en train de festoyer, de boire, de danser, de fumer, de jouer aux cartes ou aux dés, en visite, dans une taverne ou dans la rue. Son langage des formes léger et libre dans son naturel, son écriture à la fois ample et douce n'ont connu des changements que dans la couleur. Le ton de sa « Fête du Temple dans la pénombre » de 1641 à Dresde est lourd, mais profond et froid. Il revient ensuite au ton brun de ses premières années, qui se transforme rapidement en un ton doré enflammé dans des tableaux tels que le donjon de 1642 à Saint-Pétersbourg, "La salle des guildes" de 1643 à Munich et "Le fils prodigue" en 1644. au Louvre, elle s'éclaire de plus en plus dans "La Danse" de 1645 à Munich et "Les Joueurs de dés" de 1646 à Dresde, puis, comme le montrent les "Fumeurs" de 1650 à Munich, elle devient progressivement plus grise et, enfin, en 1651, dans "Noces paysannes" à Munich, prend une teinte argentée raffinée et s'accompagne de l'écriture de plus en plus légère et fluide qui caractérise les peintures de Teniers des années cinquante, comme sa "Salle de garde" de 1657 au palais de Buckingham. Finalement, après 1660, son pinceau devient moins sûr, la coloration redevient plus brune, plus sèche et plus trouble. Munich possède un tableau représentant un alchimiste, avec des caractéristiques de l'écriture du vieux maître de 1680.
Parmi les élèves de Brouwer se distingue Joos Van Kreesbeek (1606 - 1654), dans les tableaux duquel les combats se terminent parfois tragiquement ; Parmi les élèves de Teniers le Jeune, on connaît Gillis Van Tilborch (vers 1625 - 1678), qui peignit également des portraits de groupe de famille dans le style de Coques. A leurs côtés se trouvent des membres de la famille d'artistes Rikaert, parmi lesquels David Rikaert III (1612 - 1661) a notamment atteint une certaine indépendance.
À côté de la peinture nationale flamande de petits personnages, il existe simultanément, bien que non équivalent, un mouvement d'italianisation, dont les maîtres ont travaillé temporairement en Italie et ont représenté la vie italienne dans toutes ses manifestations. Cependant, les plus nombreux de ces membres de la « communauté » hollandaise de Rome, enthousiasmés par Raphaël ou Michel-Ange, étaient les Néerlandais, sur lesquels nous reviendrons plus loin. Pieter Van Laer de Haarlem (1582 - 1642) est le véritable fondateur de ce mouvement, qui a influencé autant les Italiens comme Cerquozzi que les Belges comme Jan Mils (1599 - 1668). Moins indépendants sont Anton Goubau (1616 - 1698), qui enrichit les ruines romaines d'une vie colorée, et Peter Van Blemen, surnommé Standaard (1657 - 1720), qui préférait les foires aux chevaux italiennes, les batailles de cavalerie et les scènes de camp. italien vie populaire est restée depuis l'époque de ces maîtres un domaine qui attirait chaque année des foules de peintres du Nord.
Au contraire, la peinture de paysage s'est développée dans l'esprit national-flamand, avec des thèmes de bataille et de bandit, aux côtés de Sebastian Vranx, dont l'élève Peter Snyers (1592 - 1667) a déménagé d'Anvers à Bruxelles. Les premières peintures de Snyers, comme celles de Dresde, le montrent sur un chemin assez pittoresque. Plus tard, en tant que peintre de batailles de la maison de Habsbourg, il donna plus grande valeur fidélité topographique et stratégique que picturale, comme le montrent ses grandes peintures à Bruxelles, Vienne et Madrid. Son meilleur élève fut Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), peintre de batailles de Louis XIV et professeur à l'Académie de Paris, qui transplanta à Paris le style de Snyers qu'il affina dans la perspective aérienne et lumineuse. Au château de Versailles et à l'Hôtel des Invalides à Paris, il peint de grandes séries de peintures murales, impeccables par leurs formes assurées et l'impression d'un paysage pittoresque. Ses peintures à Dresde, Vienne, Madrid et Bruxelles avec des campagnes, des sièges de villes, des camps et des entrées victorieuses du grand roi se distinguent également par leur brillante subtilité picturale de perception. Cette peinture de bataille néo-flamande a été importée en Italie par Cornelis de Wael (1592 - 1662), qui s'est installé à Gênes et, après avoir acquis ici un pinceau plus parfait et des couleurs chaudes, s'est rapidement tourné vers la représentation de la vie populaire italienne.
Dans la peinture paysagère belge elle-même, décrite plus en détail par l'auteur de ce livre dans "Histoire de la peinture" (la sienne et celle de Woltmann), on peut distinguer assez clairement la direction originale, indigène, à peine touchée par les influences méridionales, de la fausse direction. -direction classique qui jouxte Poussin en Italie. La peinture paysagère nationale belge a conservé, par rapport à la peinture hollandaise, mis à part Rubens et Brouwer, un élément quelque peu décoratif extérieurement ; Avec ce trait, elle est apparue dans la décoration des palais et des églises avec des séries de peintures décoratives avec une abondance comme nulle part ailleurs. L'Anversois Paul Bril a introduit ce type de peinture à Rome ; Plus tard, les Belges francisés François Millet et Philippe de Champagne décorèrent les églises parisiennes de peintures paysagères. L'auteur de ce livre a écrit un article séparé sur les paysages d'églises en 1890.
Parmi les maîtres anversois, il faut signaler tout d'abord Caspar de Witte (1624 - 1681), puis Peter Spirinx (1635 - 1711), à qui appartiennent les paysages d'église du chœur de l'église augustinienne d'Anvers, attribués à tort à Peter Rysbrack. (1655 - 1719), et surtout sur Jan Frans Van Blemen (1662 - 1748), qui reçut le surnom d'"Horizonte" pour la clarté des distances bleues des montagnes de ses peintures réussies, qui rappellent fortement celles de Duguay, mais dures et froides.
La peinture paysagère nationale belge de cette période a prospéré principalement à Bruxelles. Son fondateur était Denis Van Alsloot (environ 1570 - 1626), qui, basé sur le style transitionnel, a développé dans ses peintures semi-rurales et semi-urbaines une grande force, fermeté et clarté de peinture. Son grand élève Lucas Achtschellinx (1626 - 1699), influencé par Jacques d'Artois, a participé à la décoration des églises belges avec des paysages bibliques avec des arbres vert foncé luxuriants et des collines bleues, d'une manière large, libre et quelque peu radicale. Jacques d'Artois (1613 - 1683), le meilleur paysagiste bruxellois, élève du presque inconnu Jan Mertens, décora également les églises et les monastères de grands paysages dont les scènes bibliques furent peintes par ses amis peintres historiques. Ses paysages de la chapelle St. L'auteur de ce livre a vu les épouses de la cathédrale de Bruxelles dans la sacristie de cette église. Quoi qu'il en soit, ses grandes peintures du Musée de la Cour et de la Galerie Liechtenstein à Vienne étaient aussi des paysages d'églises. Ses petites peintures d'intérieur représentant la nature forestière luxuriante de la périphérie de Bruxelles, avec ses arbres verts gigantesques, ses routes de sable jaune, ses collines bleues, ses rivières et ses étangs lumineux, peuvent être mieux vues à Madrid et à Bruxelles et également excellentes à Dresde, Munich et Darmstadt. Avec une composition fermée luxueuse, profonde, saturée de couleurs vives, avec un air clair avec des nuages caractérisés par des côtés illuminés jaune d'or, ils traduisent parfaitement le caractère général, mais toujours seulement général, de la région. Plus doré, plus chaleureux, plus décoratif, si l'on veut, plus vénitien en couleur que d'Artois, son meilleur élève Cornelis Huysmans (1648 - 1727), dont le meilleur paysage d'église est « Le Christ à Emmaüs » dans l'église Sainte-Femme de Malines.
Dans la ville balnéaire d'Anvers, une marina s'est naturellement développée. Le désir de liberté et de naturel du XVIIe siècle s'est concrétisé ici dans des peintures représentant les batailles côtières et maritimes d'Andries Artvelt ou Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventure Peters (1614 - 1652) et Hendrik Minderhout (1632 - 1696), qui , cependant, ne peut pas être comparé aux meilleurs maîtres néerlandais du même secteur.
Dans la peinture architecturale, qui représentait volontiers l'intérieur des églises gothiques, les maîtres flamands, comme Peter Neefs le Jeune (1620 - 1675), qui ne dépassait presque jamais un style de transition brutal, manquaient également du charme intérieur, lumineux et pittoresque du style hollandais. images d'églises.
Plus les Belges ont apporté d'audace et de luminosité aux images d'animaux, de fruits, de nature morte et de fleurs. Cependant, même Jan Fit (1611 - 1661), un peintre d'ustensiles de cuisine et de fruits, qui a soigneusement exécuté et fusionné de manière décorative tous les détails, n'est pas allé plus loin que Snyders. La peinture florale n'a pas non plus progressé à Anvers, du moins en elle-même, au-delà de Jan Brueghel l'Ancien. Même l'élève de Bruegel dans ce domaine, Daniel Seghers (1590 - 1661), ne le surpassa que par l'ampleur et le luxe de la disposition décorative, mais pas par la compréhension de la beauté des formes et du jeu des couleurs individuelles. En tout cas, les couronnes florales de Seghers sur les Madones des peintres à grandes figures et ses rares représentations indépendantes de fleurs, comme le vase en argent de Dresde, révèlent une lumière claire et froide d'une exécution incomparable. Au XVIIe siècle, Anvers était le principal lieu de la peinture hollandaise de fleurs et de fruits ; elle le doit encore moins aux maîtres locaux qu'au grand Utrechtien Jan Davids de Geem (1606 - 1684), qui s'installa à Anvers et y éleva son fils, né à Leiden, Cornelis de Geem (1631 - 1695), plus tard également maître anversois. Mais ce sont eux, les plus grands de tous les peintres de fleurs et de fruits, qui se distinguent par leur amour infini des détails de finition et la puissance de la peinture qui peut fusionner intérieurement ces détails, comme les maîtres du type hollandais et non belge.
On a vu qu'entre la peinture flamande et la peinture hollandaise, italienne, art français il y avait des liens importants. Les Flamands savaient apprécier la perception directe et intime des Hollandais, la grâce pathétique des Français, le luxe décoratif des formes et des couleurs des Italiens, mais, laissant de côté les transfuges et les phénomènes isolés, ils restèrent toujours eux-mêmes dans leur art. seulement un quart, pour l'autre quart ils étaient romanisés intérieurement et extérieurement par des Néerlandais germaniques, qui savaient capturer et reproduire la nature et la vie avec une inspiration forte et rapide, et dans un sens décoratif avec humeur.
L. Aleshina
Un petit pays qui a donné au monde quelques-uns des plus grands artistes - pour ne citer que les frères van Eyck, Bruegel et Rubens - la Belgique au début du 19e siècle. connu une longue stagnation de l’art. La position politiquement et économiquement subordonnée de la Belgique, qui jusqu'en 1830 n'avait pas d'indépendance nationale, a joué un certain rôle à cet égard. C'est seulement lorsque, à partir du début du nouveau siècle, le mouvement de libération nationale se développa de plus en plus, que l'art prit vie, et prit bientôt une place très importante dans une vie culturelle des pays. Il est pour le moins significatif qu'en comparaison avec d'autres pays européens le nombre d'artistes dans la petite Belgique par rapport à la population était très important.
Dans la formation de la culture artistique belge du XIXe siècle. Les grandes traditions de la peinture nationale jouent un rôle majeur. Le lien avec les traditions ne s'exprimait pas seulement dans l'imitation directe de nombreux artistes par leurs remarquables prédécesseurs, même si cela était caractéristique de la peinture belge, surtout au milieu du siècle. L'influence des traditions a affecté les spécificités de l'école d'art belge des temps modernes. L'une de ces spécificités est l'engagement des artistes belges envers le monde objectif, envers la chair réelle des choses. D'où le succès de l'art réaliste en Belgique, mais d'où certaines limites dans l'interprétation du réalisme.
Caractéristique vie artistique Le pays a eu une interaction étroite tout au long du siècle entre la culture belge et la culture française. De jeunes artistes et architectes s'y rendent pour parfaire leurs connaissances. À leur tour, de nombreux maîtres français non seulement visitent la Belgique, mais y vivent également pendant de nombreuses années, participant à la vie artistique de leur petit voisin.
Au début du XIXe siècle, le classicisme dominait la peinture, la sculpture et l'architecture en Belgique, comme dans de nombreux autres pays européens. Le peintre le plus important de cette période fut François Joseph Navez (1787-1869). Il étudie d'abord à Bruxelles, puis à partir de 1813 à Paris avec David, qu'il accompagne en émigration vers Bruxelles. Durant les années de son exil belge, le remarquable maître français jouissait de la plus grande autorité parmi les artistes locaux. Navez était l'un des disciples préférés de David. Sa créativité est inégale. Les compositions mythologiques et bibliques, dans lesquelles il suit les canons du classicisme, sont sans vie et froides. Les portraits qui constituent l'essentiel de son héritage sont très intéressants. Dans ses portraits, l'observation et l'étude attentives et attentives de la nature se conjuguaient à une idée sublimement idéale de la personnalité humaine. Les meilleures caractéristiques de la méthode classique - une structure de composition forte, une plénitude plastique des formes - sont harmonieusement fusionnées dans les portraits de Navez avec expressivité et caractère. mode de vie. Le portrait de la famille Hamptinne (1816 ; Bruxelles, Musée d'Art Moderne) semble de la plus haute qualité artistique.
La tâche difficile d'un portrait à trois personnages a été résolue avec succès par l'artiste. Tous les membres de la jeune famille - un couple marié avec une petite fille - sont représentés dans des poses vivantes et détendues, mais avec un sentiment de lien intérieur fort. La palette de couleurs du portrait témoigne du désir de Navez de comprendre les traditions classiques de la peinture flamande, remontant à van Eyck. Les couleurs pures et brillantes se fondent dans un joyeux accord harmonique. L’excellent portrait de la famille Hamptinne est proche par sa puissance plastique et sa précision documentaire des portraits ultérieurs de David, et par son lyrisme et son désir de transmettre la vie intérieure de l’âme, il est associé au romantisme déjà naissant. Encore plus proche du romantisme est un autoportrait de Navez dans son jeune âge (années 1810 ; Bruxelles, collection privée), où l'artiste se représente avec un crayon et un album à la main, regardant vivement et intensément quelque chose devant lui. Navez a joué un rôle très important en tant qu'enseignant. De nombreux artistes ont étudié avec lui, qui constitueront plus tard le noyau du mouvement réaliste de la peinture belge.
La croissance du sentiment révolutionnaire dans le pays a contribué au triomphe de l'art romantique. La lutte pour l'indépendance nationale a conduit à une explosion révolutionnaire à l'été 1830, à la suite de laquelle la Belgique a rompu ses liens avec les Pays-Bas et a formé un État indépendant. L'art a joué un rôle important dans les événements qui se sont déroulés. Cela a suscité des sentiments patriotiques et incité à des sentiments de rébellion. Comme on le sait, la cause immédiate du soulèvement révolutionnaire à Bruxelles fut la représentation de l'opéra d'Auber "La Muette de Portici".
A la veille de la révolution, un courant patriotique se dessine dans la peinture belge genre historique. Le chef de file de cette tendance était le jeune artiste Gustave Wappers (1803-1874), qui exposa en 1830 le tableau « Le sacrifice de soi du bourgmestre van der Werff au siège de Leiden » (Utrecht, Musée). Glorifiant les actes héroïques de leurs ancêtres, les maîtres de ce mouvement se tournent vers le langage romantique des formes. L'exaltation pathétique de la structure figurative, le son coloré accru de la couleur ont été perçus par les contemporains comme une renaissance des traditions picturales nationales primordiales, représentées le plus clairement par Rubens.
Dans les années 30 La peinture belge, grâce aux peintures historiques, gagne en reconnaissance dans l'art européen. Son caractère programmatique et patriotique, au service des objectifs généraux de développement du pays, a déterminé ce succès. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle comptent parmi les artistes les plus populaires d'Europe. Cependant, très vite, cette direction a révélé ses côtés limités. Les œuvres les plus réussies étaient celles qui reflétaient le pathos du mouvement de libération nationale du peuple, inspirées par l'héroïsme des luttes passées et présentes pour la liberté. Ce n’est pas un hasard si le plus grand succès revient au tableau de Wappers « Journées de septembre 1830 » (1834-1835 ; Bruxelles, Musée d’Art Moderne). L'artiste a créé une toile historique sur des matériaux modernes et a révélé l'importance des événements révolutionnaires. L'un des épisodes de la révolution est montré. L'action se déroule le place centrale Bruxelles. L’élan violent du mouvement populaire se traduit par une composition diagonale déséquilibrée. La disposition des groupes et certaines figures évoquent le tableau de Delacroix « La Liberté guidant le peuple », qui fut un modèle incontestable pour l’artiste. En même temps, Wappers dans ce tableau est quelque peu externe et déclaratif. Ses images sont en partie caractérisées par un éclat théâtral et un caractère démonstratif dans l'expression des sentiments.
Peu après l’indépendance de la Belgique, la peinture historique a perdu la profondeur de son contenu. Le thème de la libération nationale perd de sa pertinence, de sa base sociale. Le tableau historique se transforme en un magnifique spectacle costumé avec une intrigue divertissante. Deux tendances dans la peinture historique se cristallisent ; d'un côté, ce sont des toiles monumentales et pompeuses ; Une autre direction est caractérisée par une interprétation de genre de l'histoire. Les traditions nationales de la peinture sont comprises de manière très superficielle - comme un ensemble de techniques et de moyens non déterminés par l'influence de l'époque. De nombreux artistes apparaissent qui voient toute leur vocation dans des genres picturaux, comme les « maîtres du XVIIe siècle », ou des scènes historiques, « comme Rubens ».
Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) s'efforce avec prétention, mais sans succès, de combiner les réalisations de Michel-Ange et de Rubens dans ses immenses toiles historiques et symboliques. Hendrik Leys (1815-1869) fut le premier à peindre de petites peintures historiques de genre, imitant les couleurs de Rembrandt. Depuis les années 60 il passe à de vastes compositions à plusieurs figures avec des scènes quotidiennes de la Renaissance du Nord, dans la manière d'exécution dont il suit la précision naïve et les détails des maîtres de cette période.
Parmi les nombreux peintres historiques du milieu du siècle, il convient de mentionner Louis Galle (1810-1887), dont les peintures se distinguent par leur retenue et leur composition laconique, et leurs images se distinguent par une certaine signification intérieure et noblesse. Un exemple typique est le tableau « Derniers honneurs aux restes des comtes d'Egmont et de Horn » (1851 ; Tournai, Musée, répétition 1863 - Musée Pouchkine). Ces mêmes qualités sont encore plus caractéristiques de ses peintures de genre, telles que « La Famille du pêcheur » (1848) et « Slavonets » (1854 ; tous deux L'Ermitage).
Progressivement, la peinture historique belge perd son rôle prépondérant dans le système des genres, et ce, à partir des années 60 environ. la peinture domestique se présente. Les peintres de genre du milieu du siècle avaient tendance à imiter les artistes du XVIIe siècle, se tournant vers la création de scènes divertissantes dans des tavernes ou dans des intérieurs confortables. Ce sont de nombreuses peintures de Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) était très traditionnel dans ses sujets, représentant des personnages solitaires en activité tranquille dans des intérieurs lumineux. Son mérite réside dans la résolution du problème de l’éclairage et de l’ambiance aérée grâce à la peinture moderne.
Le développement capitaliste du pays, qui s'est déroulé à un rythme très rapide après l'accession à l'indépendance, déjà dans les années 60. pose de nouveaux problèmes à l’art. DANS culture artistique La Belgique est de plus en plus envahie par la modernité. La jeune génération d'artistes met en avant le slogan du réalisme, affichant les aspects caractéristiques de la vie environnante. Dans leurs aspirations, ils s'appuyaient sur l'exemple de Courbet. La Société Libre a été fondée à Bruxelles en 1868 beaux-Arts. Les plus importants de ses participants étaient Charles de Groux, Constantin Meunier, Félicien Rops, Louis Dubois. Tous ont sorti le slogan du réalisme, avec un appel à lutter contre l'art ancien, avec ses thèmes loin de la vie et son langage artistique dépassé. Le porte-parole des vues esthétiques de cette société était la revue « Art Libre », dont la publication a commencé en 1871. Le participant le plus actif de la Société Libre des Beaux-Arts était déjà Charles de Groux (1825-1870) dès la fin des années 40. est devenu célèbre pour ses peintures de la vie des couches inférieures de la société. Son style d'écriture est proche de Courbet. La coloration est conservée dans des tons sombres et sobres, correspondant émotionnellement à la tristesse douloureuse de ce qui est représenté. Tel est le tableau « Coffee Roaster » (années 60 ; Anvers, Musée) ; il montre des gens pauvres se réchauffant dehors par une sombre et froide journée d'hiver, près d'un torréfacteur où les grains de café sont torréfiés. Une profonde sympathie pour les plus défavorisés caractérise le travail de l’artiste.
Le réalisme en Belgique a très vite acquis une position forte dans tous les genres artistiques. Toute une galaxie de peintres paysagistes apparaît, décrivant à la fois fidèlement et diversement leur nature natale - ce qu'on appelle l'école de Tervuren (du nom d'un endroit situé dans la forêt près de Bruxelles). Le directeur de l'école, Hippolyte Boulanger (1837-1874), peint des paysages forestiers subtils, quelque peu mélancoliques, aux couleurs proches des tableaux de Barbizon. Louis Artand (1837-1890) percevait la nature avec plus d'énergie. Le plus souvent, il représentait des vues de la mer et de la côte. Son trait est dynamique et élastique ; l'artiste s'efforce de transmettre l'atmosphère et l'ambiance changeantes du paysage.
Félicien Rops (1833-1898) occupait une place à part dans l'art belge. Malgré le fait que le maître a passé une partie importante de sa vie créative en France, il a participé activement au processus artistique belge. La renommée assez scandaleuse de l'artiste en tant que chanteur des cocottes parisiennes occulte souvent son rôle très important dans la vie culturelle belge. Rops est l'un des fondateurs de la revue littéraire et artistique Eulenspiegel (fondée à Bruxelles en 1856) et le premier illustrateur du célèbre roman de Charles de Coster (1867). Les illustrations, réalisées selon la technique de la gravure, fournissent des incarnations nettes et intéressantes des images des personnages principaux du roman. Rops était un brillant maître du dessin et un observateur attentif de la vie moderne, comme en témoignent nombre de ses œuvres.
Architecture de la Belgique jusqu'à la fin du 19ème siècle. n'a rien créé de significatif. Dans la première moitié du siècle, plusieurs bâtiments sont encore construits dans le style classique, marqué par un goût strict (le Palais de l'Académie à Bruxelles -1823-1826, architecte Charles van der Straten ; les serres du Jardin Botanique de Bruxelles - 1826-1829). , les architectes F.-T. Seys et P.-F. Depuis le milieu du siècle, l'éclectisme débridé et le désir de créer des bâtiments luxuriants et pompeux se sont développés en architecture. Le bâtiment de la Bourse de Bruxelles (1873-1876, architecte L. Says), le bâtiment du Musée sont par exemple caractéristiques. Art ancien au même endroit (1875-1885, architecte A. Bala). Le capitalisme belge prospère cherche à créer un monument à sa puissance. C'est ainsi qu'est apparu le bâtiment du Palais de Justice de Bruxelles (1866-1883, architecte J. Poulart - l'un des édifices les plus grandioses d'Europe par sa taille, se distinguant par une accumulation et un mélange prétentieux et absurde de toutes sortes d'architectures Dans le même temps, la stylisation joue un grand rôle dans l'architecture belge. De nombreuses églises, hôtels de ville et autres édifices publics sont construits imitant les styles gothique, Renaissance flamande et roman.
Sculpture belge jusqu'au dernier quart du 19ème siècle. est en retard sur la peinture dans son développement. Dans les années 30 Sous l'influence d'idées patriotiques, plusieurs statues intéressantes furent néanmoins créées. Il faut tout d'abord noter ici les œuvres de Willem Hefs (1805-1883 - sa pierre tombale du comte Frédéric de Mérode, tombé lors des combats révolutionnaires à Bruxelles (1837, Bruxelles, cathédrale Sainte-Gudule), et la statue du général Belliard, dressé sur une des places de la capitale ( 1836). Le milieu du siècle en Belgique, comme dans de nombreux autres pays, est marqué par le déclin de l'art de la sculpture.
Durant ces années difficiles pour l'art monumental, se forme l'œuvre du plus grand artiste belge Constantin Meunier (1831-4905). Meunier commence ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Bruxelles dans la classe de sculpture. Ici, au milieu du siècle, dominait un système académique conservateur ; les enseignants, dans leur créativité et dans leur enseignement, suivaient un modèle et une routine, exigeant l'embellissement de la nature au nom d'un idéal abstrait. Les premières œuvres plastiques de Meunier sont encore très proches de cette direction (« Guirlande » ; exposée en 1851, non conservée). Bientôt, cependant, il abandonne la sculpture et se tourne vers la peinture, devenant l'élève de Navez. Ce dernier, bien qu'à l'époque symbole d'un classicisme dépassé, pouvait enseigner une maîtrise confiante du dessin, la sculpture plastique des formes en peinture et une compréhension du grand style. Un autre courant d'influence sur le jeune maître à cette époque était associé à son amitié avec Charles de Groux et à sa connaissance des œuvres des réalistes français - Courbet et Millet. Meunier recherche un art profondément significatif, l'art des grandes idées, mais se tourne d'abord non pas vers un thème moderne, mais vers la peinture religieuse et historique. Le tableau « Épisode de la guerre paysanne de 1797 » (1875 ; Bruxelles, Musée d'Art moderne) est particulièrement intéressant. L'artiste choisit l'une des scènes finales du soulèvement, qui s'est soldé par une défaite. Il décrit ce qui s’est passé comme une tragédie nationale et montre en même temps la volonté inflexible du peuple. L'image est très différente des autres œuvres du genre historique belge de ces années-là. Voici une approche différente de la compréhension de l'histoire et du réalisme dans la représentation des personnages, de l'émotivité émouvante de ce qui est représenté et de l'introduction du paysage en tant qu'environnement sonore actif.
A la fin des années 70. Meunier se retrouve au « pays noir » : les zones industrielles de Belgique. Ici, il s'ouvre complètement nouveau monde, ce qui n'a encore été reflété dans l'art par personne. Les phénomènes de la vie avec leurs aspects de beauté complètement différents ont dicté un nouveau langage artistique, leur propre saveur particulière. Meunier crée des tableaux dédiés au travail des mineurs, il peint des types de mineurs et des femmes mineures, et capture les paysages de ce « pays noir ». La note principale de ses peintures n’est pas la compassion, mais la force des travailleurs. C'est là toute la portée novatrice de l'œuvre de Meunier. Le peuple n'est pas un objet de pitié et de sympathie, il est un créateur de grandes valeurs de vie, exigeant ainsi déjà une attitude digne envers lui-même. Dans cette reconnaissance de la grande importance des travailleurs dans la vie de la société, Meunier se situe objectivement au niveau des penseurs les plus avancés de l’époque.
Dans ses peintures, Meunier utilise le langage de la généralisation. Il sculpte la forme en utilisant la couleur. Sa coloration est stricte et sobre - une ou deux taches colorées et brillantes sont entrecoupées de tons gris terreux, donnant à l'ensemble un son dur. Sa composition est simple et monumentale, rythmée par des lignes simples et claires. Un tableau typique est « Le retour de la mine » (vers 1890 ; Anvers, Musée). Trois ouvriers, comme s'ils marchaient le long de la toile, se dessinent dans une silhouette claire sur fond de ciel enfumé. Le mouvement des personnages se répète et en même temps fait varier le motif général. Le rythme du groupe et le rythme de l'espace du tableau créent une solution harmonieuse et équilibrée. Les personnages sont décalés vers le bord gauche de l'image, entre eux et le cadre latéral droit se trouve un espace libre ouvert. La clarté et la généralité de la silhouette du groupe, le laconisme de l'image de chaque personnage confèrent à la composition le caractère d'un bas-relief presque plastique. Abordant un nouveau sujet qui le passionne, Meunier se souvient très vite de sa vocation première. La généralisation et le laconisme des moyens du langage plastique pourraient être utilisés de la meilleure façon possible pour glorifier la beauté du travail humain. Depuis le milieu des années 80. les unes après les autres, apparaissent statues et reliefs de Meunier, glorifiant son nom, constituant une époque dans le développement des arts plastiques du XIXe siècle. Le thème principal et l'image du sculpteur sont le travail, les travailleurs : ouvriers au marteau, mineurs, pêcheurs, mineures, paysans. Les travailleurs entrent dans la sculpture, auparavant limitée à un cercle étroit de sujets et de figures conventionnelles, très éloignées de la modernité. Le langage plastique, auparavant complètement émasculé, a retrouvé une force brute significative et un pouvoir de persuasion puissant. Le corps humain a montré les nouvelles possibilités de beauté qui s'y cachent. Dans le relief «Industrie» (1901; Bruxelles, Musée Menier), la tension de tous les muscles, la flexibilité élastique et la force des personnages, les difficultés respiratoires, les déchirures de la poitrine, les bras lourds et enflés - tout cela ne défigure pas une personne, mais donne lui un pouvoir et une beauté particuliers. Meunier est devenu le fondateur d'une nouvelle tradition remarquable : la tradition de la représentation de la classe ouvrière, la poésie du processus de travail.
Les personnages représentés par Meunier ne prennent pas de poses d'une beauté exquise ou traditionnellement classiques. Ils sont vus et présentés par le sculpteur dans une position véritablement réelle. Leurs mouvements sont brusques, comme par exemple dans le fort et pugnace « Fetcher » (1888 ; Bruxelles, Musée Menier), parfois même maladroit (« Puddler », 1886 ; Bruxelles, Musée d'Art ancien). Dans la manière dont ces personnages se tiennent debout ou assis, on ressent l'empreinte laissée par le travail sur leur apparence et leur caractère. Et en même temps, leurs poses sont pleines d’une beauté et d’une force plastique captivantes. Il s'agit d'une sculpture au vrai sens du terme, vivant dans l'espace, l'organisant autour d'elle. Sous la main de Meunier, le corps humain révèle toute sa puissance élastique et sa dynamique âpre et intense.
Le langage plastique de Meunier est généralisé et laconique. Ainsi, dans la statue « Le Chargeur » (vers 1905 ; Bruxelles, Musée Menier) n'est pas tant un portrait qu'un type généralisé, et c'est ce qui lui confère un grand pouvoir de persuasion. Meunier refuse les draperies académiques conventionnelles ; son ouvrier porte pour ainsi dire des « vêtements de salopette », mais ces vêtements n'écrasent ni ne réduisent la forme. Les larges surfaces du tissu semblent s'accrocher aux muscles ; quelques plis individuels soulignent le mouvement du corps. L'une des meilleures œuvres de Meunier est Anvers (1900 ; Bruxelles, Musée Menier). Le sculpteur n'a pas choisi des allégories abstraites pour personnifier la ville travailleuse et active, mais une image très spécifique d'un travailleur portuaire. La tête sévère et courageuse, sculptée avec le plus grand laconisme, repose fermement sur des épaules musclées. Glorifiant l’œuvre, Meunier ne ferme pas les yeux sur sa sévérité. L'une de ses œuvres plastiques les plus étonnantes est le groupe « Mine Gas » (1893 ; Bruxelles, Musée d'Art Ancien). Il s’agit d’une version véritablement moderne du thème éternel d’une mère pleurant son fils perdu. Les conséquences tragiques de la catastrophe minière sont capturées ici. La figure féminine lugubre se penchait dans un désespoir retenu et muet sur le corps nu convulsivement étiré.
Ayant créé d’innombrables types et images de travailleurs, Meunier a conçu dans les années 90. monument monumental au Travail. Il aurait dû comprendre plusieurs reliefs glorifiant divers types de travail - « Industrie », « Récolte », « Port », etc., ainsi qu'une sculpture ronde - statues « Semeur », « Maternité », « Ouvrière », etc. Le plan ne fut finalement jamais réalisé en raison du décès du maître, mais en 1930 il fut réalisé à Bruxelles sur la base des originaux du sculpteur. Le monument dans son ensemble ne produit pas une impression monumentale. Ses fragments individuels sont plus convaincants. Leur combinaison dans la version architecturale proposée par l'architecte Orta s'est avérée assez externe et fractionnée.
L'œuvre de Meunier résume de manière unique l'évolution de l'art belge du XIXe siècle. Il s'est avéré que c'est la plus grande réalisation du réalisme dans ce pays au cours de la période sous revue. Dans le même temps, l’importance des réalisations réalistes de Meunier dépassait le seul art national. Les œuvres remarquables du sculpteur ont eu une influence considérable sur le développement des arts plastiques mondiaux.
Belgique Artistes de Belgique (artistes belges)
Royaume de Belgique
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Artistes belges et contemporains.
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Belgique! Le nom officiel de l'État belge est le Royaume de Belgique !
Belgique! Le Royaume de Belgique est un État du nord-ouest de l'Europe.
Belgique! Le Royaume de Belgique est membre de l'Union européenne (UE), des Nations Unies (ONU) et de l'Alliance de l'Atlantique Nord (OTAN).
Belgique! Le Royaume de Belgique couvre une superficie de 30 528 km².
Belgique! Royaume de Belgique ! Aujourd’hui, le royaume compte plus de 10 millions d’habitants. La grande majorité de la population belge est urbaine – environ 97 % déjà en 2004.
Belgique! Royaume de Belgique ! La capitale du royaume belge est la ville de Bruxelles.
Belgique! Royaume de Belgique ! La Belgique est bordée au nord par les Pays-Bas, à l'est par l'Allemagne, au sud-est par le Luxembourg et par la France au sud et à l'ouest. Le Royaume de Belgique, au nord-ouest, a accès à la mer du Nord.
Belgique! Royaume de Belgique ! La forme de gouvernement en Belgique est une monarchie parlementaire constitutionnelle, la forme de structure administrative-territoriale est une fédération.
Belgique Histoire de la Belgique
Belgique Période préhistorique
Belgique Histoire de la Belgique Les traces les plus anciennes de la présence d'hominidés sur le territoire de la future Belgique ont été trouvées sur la colline d'Allambe, à proximité du Mont Saint-Pierre (Saint-Pétersbourg) dans la province de Liège, et remontent à environ 800 il y a mille ans.
Belgique Histoire de la Belgique Dans la période 250-35 mille ans avant JC. e. Le territoire de la Belgique était habité par les Néandertaliens, principalement dans les provinces de Liège et de Namur.
Belgique Histoire de la Belgique Vers 30 000 avant JC. e. Les Néandertaliens disparaissent, remplacés par les Cro-Magnons. La dernière glaciation dans cette région a pris fin vers 10 000 avant JC. e. À cette époque, le niveau de la mer dans ces endroits était nettement plus bas qu'aujourd'hui, il existait donc une connexion terrestre entre la Belgique et l'Angleterre moderne, qui a ensuite disparu.
Belgique Histoire de la Belgique Durant l'ère néolithique, une exploitation active de silicium était réalisée en Belgique, comme en témoigne la mine préhistorique de Spienne.
Belgique Histoire de la Belgique Les premiers signes de l'âge du bronze en Belgique remontent à environ 1750 avant JC. e.
Belgique Histoire de la Belgique Depuis le 5ème siècle avant JC. e. et avant le début de notre ère e. Sur le territoire de la Belgique, la culture gauloise de La Tène s'épanouit, entretenant des liens commerciaux et culturels avec la Méditerranée. De là, les tribus de langue gauloise se sont étendues vers l’est, jusqu’en Asie Mineure. Le mot « Belgique » lui-même vient du nom de la tribu gauloise Belgae, qui habitait ce pays au début de notre ère. Parmi les tribus habitant le territoire de la Belgique, de sources historiques Les Éburons, les Aduatiques, les Nerviens et les Ménapiens sont connus.
Belgique Histoire de la Belgique
Belgique période romaine
Belgique Histoire de la Belgique En 54 av. e. Le territoire de la Belgique moderne a été conquis par les troupes de l'empereur romain Jules César et inclus dans la province romaine des Gaules.
Belgique Histoire de la Belgique Après la chute de l'Empire romain d'Occident, au 5ème siècle, la province romaine de Gaule fut conquise par les tribus franques germaniques.
Belgique Histoire de la Belgique
Belgique Histoire de la Belgique avant l'indépendance
Belgique Histoire de la Belgique Au Moyen Âge, la Belgique faisait partie du duché de Bourgogne.
Belgique Histoire de la Belgique 1477-1556 Durant cette période, le mariage dynastique de Marie de Bourgogne introduisit la possession bourguignonne dans le Saint Empire romain germanique.
Belgique Histoire de la Belgique 1556-1713 Durant ces années, le territoire de la Belgique moderne était sous le contrôle de l'Espagne. La guerre de Trente Ans marque le début de la séparation des territoires belges des Pays-Bas protestants.
Belgique Histoire de la Belgique 1713-1792 Le territoire de la Belgique moderne a été inclus dans le Saint Empire romain germanique sous le nom de Pays-Bas autrichiens.
Belgique Histoire de la Belgique 1792-1815 le territoire de la Belgique moderne passe sous le contrôle de la France.
Belgique Histoire de la Belgique 1815-1830, le territoire de la Belgique moderne fut inclus, selon la décision du Congrès de Vienne, dans le royaume des Pays-Bas Unis. Cependant, de nombreuses personnes en Belgique étaient mécontentes de l'unification forcée avec les Pays-Bas (principalement la population francophone et le clergé catholique, qui craignaient respectivement le renforcement du rôle de la langue néerlandaise et de la confession protestante).
Belgique Histoire de la Belgique
Belgique Révolution belge État belge
Belgique Histoire de la Belgique En 1830, à la suite de la Révolution belge, la Belgique fait sécession du Royaume des Pays-Bas. En 1830, le Royaume de Belgique proclamé obtient pour la première fois son statut d’État indépendant.
Belgique Histoire de la Belgique Le Royaume de Belgique a commencé à développer intensivement son économie après avoir obtenu son indépendance. Par exemple, la Belgique est devenue le premier pays d’Europe continentale à construire le chemin de fer Malines-Bruxelles en 1835.
Belgique Histoire de la Belgique La Belgique a beaucoup souffert pendant la Première Guerre mondiale. Les Belges appellent encore cette guerre la « Grande Guerre ». Bien que la majeure partie de la Belgique ait été occupée, tout au long de la guerre, les troupes belges et britanniques ont tenu une petite partie du pays, prise en sandwich entre la mer du Nord et l'Iser.
Belgique Histoire de la Belgique L'histoire de la ville belge d'Ypres est particulièrement tragique : pendant la guerre, elle a été presque entièrement détruite. Ici, près de la ville d'Ypres, du gaz toxique (chlore) a été utilisé pour la première fois dans l'histoire des guerres. Et le gaz moutarde utilisé deux mois plus tard porte le nom de cette ville.
Belgique Histoire de la Belgique Le 3 avril 1925, un accord est conclu entre la Belgique et les Pays-Bas pour réviser le traité de 1839. Abolition de la neutralité historique de la Belgique et démilitarisation du port d'Anvers.
Belgique Histoire de la Belgique Seconde Guerre mondiale (1940-1944). Pendant la Seconde Guerre mondiale, les Allemands occupent la Belgique. Le gouvernement belge s'enfuit en Angleterre et le roi Léopold III est déporté en Allemagne après avoir signé l'instrument de capitulation le 28 mai 1940. Pendant l'occupation allemande, un régime de contrôle militaire allemand fut introduit en Belgique sous le commandement du général von Falkenhausen.
Belgique Histoire de la Belgique La libération de la Belgique des troupes allemandes commence le 3 septembre 1944 avec l'entrée des troupes britanniques à Bruxelles. Le 11 février 1945, la Belgique commença à diriger son propre gouvernement.
Belgique Histoire de la Belgique
Belgique Royaume de Belgique Histoire moderne de la Belgique
Belgique Histoire de la Belgique 4 avril 1949 Le Royaume de Belgique rejoint l'OTAN.
Belgique Histoire de la Belgique En 1957, le Royaume de Belgique rejoint la Communauté économique européenne (CEE).
Belgique Culture belge
Belgique Culture de la Belgique Une caractéristique de la vie culturelle de la Belgique est l'absence d'un champ culturel unique.
Belgique Culture de Belgique En fait, la vie culturelle du royaume belge est concentrée au sein des communautés linguistiques. Il n’existe pas de télévision nationale, ni de journaux ou autres médias en Belgique.
Belgique Culture belge Art belge
Belgique Art Belge
Belgique Déjà à la Renaissance, la Flandre était devenue célèbre pour sa peinture (primitifs flamands).
Belgique Plus tard, le célèbre artiste Rubens a vécu et travaillé en Flandre (en Belgique, la ville d'Anvers est encore souvent appelée la ville de Rubens). Cependant, dans la seconde moitié du XVIIe siècle, l’art flamand décline progressivement.
Belgique Nouvelle hausse art pictural en Belgique, il appartient aux périodes du romantisme, de l'expressionnisme et du surréalisme. Artistes belges de renommée mondiale : James Ensor (expressionnisme et surréalisme), Constant Permeke (expressionnisme), Leon Spilliaert (symbolisme).
Belgique L'artiste le plus célèbre en Belgique est sans aucun doute René Magritte, considéré comme l'un des plus importants représentants du surréalisme.
Belgique Le 2 juin 2009, un nouveau musée de l'artiste surréaliste belge René Magritte (1898-1967) a ouvert ses portes dans le complexe des Musées royaux des Beaux-Arts de Bruxelles. L'exposition comprend environ 250 œuvres. Le nouveau musée est devenu la plus grande exposition de peintures de René Magritte au monde.
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Belgique Art Belge Artistes Belges Peinture Belge
Belgique! Les artistes de Belgique (peintres et sculpteurs belges), les peintres de Belgique (maîtres belges de la peinture) sont connus dans le monde entier et peignent de magnifiques tableaux. Le travail des artistes belges est très diversifié. Les artistes belges (peintres belges) exposent souvent leurs œuvres lors d'expositions internationales à travers le monde, y compris en Russie.
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culture
Artistes belges
L'apogée de la peinture en Belgique s'est produite sous la domination bourguignonne au XVe siècle. À la Renaissance, les artistes peignaient des portraits aux détails complexes. Il s’agissait de peintures réalistes et non idéalisées, dans lesquelles les artistes essayaient d’atteindre un maximum de réalisme et de clarté. Ce style de peinture s'explique par l'influence de la nouvelle école hollandaise.
Pour la peinture belge, le XXe siècle devient le deuxième âge d'or. Mais les artistes se sont déjà éloignés des principes du réalisme en peinture et se sont tournés vers le surréalisme. L'un de ces artistes était René Magritte.
La peinture belge a des traditions anciennes dont les Belges sont à juste titre fiers. La Maison-Musée Rubens est située à Anvers et le Musée Royal des Beaux-Arts est situé à Bruxelles. Ils sont devenus une manifestation du profond respect que les Belges ont pour leurs artistes et leurs anciennes traditions picturales.
Primitivistes flamands
Dès la fin du Moyen Âge, l’Europe commence à s’intéresser à la peinture en Flandre et à Bruxelles. Jan Van Eyck (vers 1400-1441) révolutionna l'art flamand. Il fut le premier à utiliser l'huile pour fabriquer des peintures permanentes et mélanger les peintures sur toile ou sur bois. Ces innovations ont permis de conserver les tableaux plus longtemps. À la Renaissance, la peinture sur panneaux commence à se répandre.
Jan Van Eyck est devenu le fondateur de l'école du primitivisme flamand, représentant la vie avec des couleurs vives et du mouvement sur ses toiles. Dans la cathédrale de Gand se trouve un autel polyptyque "Adoration de l'Agneau", réalisé par artiste célèbre et son frère.
Le primitivisme flamand en peinture se distingue particulièrement portraits réalistes, la clarté de l'éclairage et la représentation soignée des textures des vêtements et des tissus. L'un des meilleurs artistes qui ont travaillé dans ce sens fut Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (vers 1400-1464). L'un des tableaux célèbres de Rogirde la Pastura est « La Descente de Croix ». L'artiste combine le pouvoir des sentiments religieux et du réalisme. Les peintures de Rogierde la Pasture ont inspiré de nombreux artistes belges qui ont hérité de la nouvelle technique.
Les capacités de la nouvelle technologie ont été élargies par Dirk Bouts (1415-1475).
Le dernier primitiviste flamand est considéré comme Hans Memling (vers 1433-1494), dont les peintures représentent Bruges au XVe siècle. Les premiers tableaux représentant des villes industrielles européennes ont été peints par Joachim Patinir (vers 1475-1524).
Dynastie Bruegel
L'art belge du début du XVIe siècle est fortement influencé par l'Italie. L'artiste Jan Gossaert (vers 1478-1533) étudia à Rome. Pour peindre des tableaux pour la dynastie régnante des ducs de Brabant, il choisit des sujets mythologiques.
Aux XVIe-XVIIe siècles. La famille Bruegel a été la plus grande influence sur l’art flamand. L'un des meilleurs artistes de l'école flamande fut Pieter Bruegel l'Ancien (vers 1525-1569). Il arrive à Bruxelles en 1563. Ses œuvres les plus célèbres sont des toiles représentant des figures comiques de paysans. Ils offrent l'occasion de plonger dans le monde du Moyen Âge. L'un des tableaux célèbres de Pieter Bruegel le Jeune (1564-1638), qui a peint des toiles sur des thèmes religieux, est « Le recensement de Bethléem » (1610). Jan Brueghel l'Ancien (1568-1625), également connu sous le nom de Bruegel « Velours », peint des natures mortes complexes de fleurs sur fond de draperies de velours. Jan Brueghel le Jeune (1601-1678) peignait de magnifiques paysages et était un artiste de la cour.
Artistes d'Anvers
Le centre de la peinture belge au XVIIe siècle s'est déplacé de Bruxelles à Anvers - le centre de la Flandre. Cela s'explique en grande partie par le fait que l'un des premiers artistes flamands de renommée mondiale, Peter Paul Rubens (1577-1640), a vécu à Anvers. Rubens peignait de magnifiques paysages, des tableaux aux thèmes mythologiques et était un artiste de la cour. Mais ses tableaux les plus célèbres sont ceux représentant des femmes rondelettes. La popularité de Rubens était si grande que les tisserands flamands créèrent une vaste collection de tapisseries représentant ses magnifiques peintures.
L'élève de Rubens, le portraitiste de la cour Anthony Van Dyck (1599-1641), devient le deuxième artiste anversois à atteindre une renommée mondiale.
Jan Brueghel l'Ancien s'installe à Anvers et son gendre David Teniers II (1610-1690) fonde l'Académie des Arts d'Anvers en 1665.
Influence européenne
Au XVIIIe siècle, l'influence de Rubens sur l'art persistait, il n'y a donc pas eu de changements significatifs dans le développement de l'art flamand.
Dès le début du XIXe siècle, la forte influence des autres écoles européennes sur l’art belge commence à se faire sentir. DANS Peinture flamande François Joseph Navez (1787-1869) y ajoute le néoclassicisme. Constantin Meunier (1831-1905) privilégie le réalisme. Guillaume Vogels (1836-1896) peint dans le style de l'impressionnisme. L'artiste bruxellois Antoine Wirtz (1806-1865) était un partisan de la direction romantique de la peinture.
Les peintures inquiétantes, déformées et floues d'Antoine Wirtz, comme Hasty Cruelty, peinte vers 1830, marquent le début du surréalisme dans l'art. Fernand Khnopf (1858-1921), connu pour ses portraits troublants de femmes peu recommandables, est considéré comme l'un des premiers représentants de l'école symboliste belge. Son travail a été influencé par Gustav Klimt, le romantique allemand.
James Ensor (1860-1949) est un autre artiste dont l'œuvre est passée du réalisme au surréalisme. Ses toiles représentent souvent des squelettes mystérieux et effrayants. Société des artistes "LesVingt" (LesXX) en 1884-1894. a organisé à Bruxelles une exposition d'œuvres d'artistes étrangers célèbres d'avant-garde, redynamisant ainsi la vie culturelle de la ville.
Surréalisme
Depuis le début du XXe siècle, l'influence de Cézanne se fait sentir dans l'art belge. Durant cette période, les Fauves apparaissent en Belgique, représentant des paysages lumineux baignés de soleil. Un représentant éminent du fauvisme était le sculpteur et artiste Rick Wouters (1882-1916).
Au milieu des années vingt du XXe siècle, le surréalisme fait son apparition à Bruxelles. René Magritte (1898-1967) est devenu un éminent représentant de ce mouvement artistique. Le surréalisme a commencé à se développer au XVIe siècle. Les peintures fantasmagoriques de Pieter Bruegel l'Ancien et de Bosch ont été peintes dans ce style. Il n'y a pas de lignes directrices dans les peintures de Magritte ; style surréaliste, comme « un retour du familier à l’extraterrestre ».
Paul Delvaux (1897-1989) était un artiste plus scandaleux et émotif, ses toiles représentant des intérieurs fantaisistes et élégants avec des figures brumeuses.
Le mouvement CoBRA de 1948 promouvait l’art abstrait. L'abstraction a été remplacée par l'art conceptuel, dirigé par Marcel Brudthaers (1924-1976), maître des installations. Brudthaers a représenté des objets familiers, comme une casserole remplie de moules.
Tapisseries et dentelles
Les tapisseries et dentelles belges sont considérées comme un luxe depuis six cents ans. Au XIIe siècle, les tapisseries ont commencé à être fabriquées à la main en Flandre, puis à Bruxelles, Tournai, Audenarde et Malines.
Dès le début du XVIe siècle, l’art de la dentelle commence à se développer en Belgique. La dentelle était tissée dans toutes les provinces, mais la dentelle de Bruxelles et de Bruges était la plus appréciée. Souvent, les dentellières les plus qualifiées étaient patronnées par les aristocrates. Pour la noblesse, les fines tapisseries et les dentelles exquises étaient considérées comme un signe de leur statut. Aux XVe-XVIIIe siècles. la dentelle et les tapisseries étaient les principaux produits d'exportation. Et aujourd'hui, la Belgique est considérée comme le berceau des meilleures tapisseries et dentelles.
Les villes flamandes de Tournai et d'Arras (aujourd'hui situées en France) sont devenues de célèbres centres de tissage européens au début du XIIIe siècle. L'artisanat et le commerce se développent. La technique permettait de réaliser un travail plus délicat et plus coûteux ; des fils d'argent et d'or véritables commençaient à être ajoutés à la laine, ce qui augmentait encore le coût des produits.
Une révolution dans la production de tapisseries a été réalisée par Bernard Van Orley (1492-1542), qui combinait dans ses dessins le réalisme flamand et l'idéalisme italien. Plus tard, les maîtres flamands furent attirés en Europe et, à la fin du XVIIIe siècle, toute la gloire des tapisseries flamandes passa à la manufacture parisienne.
La Belgique toute l'année
Le climat belge est typique de l'Europe du Nord. C'est pour cette raison que les célébrations peuvent avoir lieu aussi bien dans la rue qu'à la maison. Les conditions climatiques permettent parfaitement aux artistes de la capitale de se produire, aussi bien dans les stades que dans les bâtiments anciens. Les Belges savent profiter du changement des saisons. Par exemple, en été, une fête des fleurs s'ouvre dans la capitale. La Grand Place se couvre de millions de fleurs chaque deuxième mois d'août. L'ouverture de la saison de danse, cinéma et théâtre a lieu en janvier. Des avant-premières des ciné-parcs aux anciennes abbayes attendent ici leurs spectateurs.
À Bruxelles, vous pouvez assister à divers festivals tout au long de l'année. Ici vous pouvez voir des processions historiques luxueuses et pleines de vie. Ils ont lieu chaque année depuis l'époque médiévale. Le dernier art expérimental d’Europe est présenté ici.
Vacances
- Nouvel An - 1er janvier
- Pâques - date flottante
- Lundi propre - date flottante
- Fête du Travail - 1er mai
- Ascension - date flottante
- Jour de la Trinité - date flottante
- Lundi spirituel - date flottante
- Fête nationale belge - 21 juillet
- Assomption - 15 août
- Toussaint - 1er novembre
- Trêve - 11 novembre
- Noël - 25 décembre
À mesure que les jours de printemps s'allongent en Belgique, la vie culturelle reprend. Les touristes commencent à venir ici. Réalisation festivals de musique se passe dans la rue. Lorsque les parcs de la ville fleurissent, les serres tropicales de Laiken, connues dans le monde entier, s'ouvrent aux visiteurs. Pour la fête importante de Pâques, les chocolatiers belges s'affairent à préparer toutes sortes de douceurs.
- Festival International du Film Fantastique (3ème et 4ème semaine). Les amateurs de miracles et d'étrangeté peuvent s'attendre à de nouveaux films dans les cinémas de la capitale.
- Ars Music (mi-mars - mi-avril). Cette fête est l'une des meilleures fêtes européennes. Des artistes célèbres viennent le voir. Des concerts ont souvent lieu au Musée des Maîtres Anciens. Tous les connaisseurs de musique sont présents à ce festival.
- Euroantica (la semaine dernière). Le stade du Heysel regorge de visiteurs et de vendeurs souhaitant acheter ou vendre des antiquités.
- Pâques (dimanche de Pâques). On croit qu'avant Pâques, les cloches des églises volent vers Rome. A leur retour, ils déposent des œufs de Pâques dans les champs et les forêts spécialement pour les enfants. Ainsi, chaque année, plus de 1 000 œufs peints sont cachés par les adultes dans le Parc Royal, et les enfants de toute la ville se rassemblent pour les rechercher.
Avril
- Printemps baroque au Sablon (3ème semaine). Les jeunes talents belges se réunissent sur la célèbre Place de la Grande Sablon. Ils interprètent de la musique du XVIIe siècle.
- Serres Royales à Laiken (12 jours, dates variables). Lorsque les cactus et toutes sortes de plantes exotiques commencent à fleurir, les serres privées de la famille royale belge sont ouvertes au public. Les locaux sont en verre et garnis de fer. Stocké ici du mauvais temps un grand nombre de toutes sortes de plantes rares.
- Festival en Flandre (mi-avril - octobre) Ce festival est une fête musicale dans laquelle se mélangent toutes sortes de styles et de tendances. Plus de 120 orchestres et chœurs célèbres s'y produisent.
- "Scènes d'écran" (3ème week-end). De nouveaux films européens sont présentés quotidiennement spécialement pour les téléspectateurs.
- Célébration de la Journée de l'Europe (7-9 mai). Étant donné que Bruxelles est la capitale européenne, cela est encore une fois souligné lors des vacances. Par exemple, même Mannequin Piece est vêtu d’un costume bleu décoré d’étoiles jaunes.
- Festival des arts de Künsteen (9-31 mai). De jeunes acteurs et danseurs de théâtre participent à ce festival.
- Concours Reine Elizabeth (mai - mi-juin). Sur ce concours de musique les fans des classiques se rassemblent. Ce concours existe depuis plus de quarante ans. De jeunes pianistes, violonistes et chanteurs s'y produisent. Parmi eux, des chefs d’orchestre et solistes célèbres choisissent les interprètes les plus méritants.
- Course de 20 km à Bruxelles (dimanche dernier). Organiser un jogging dans la capitale, auquel participent activement plus de 20 000 coureurs amateurs et professionnels.
- Rallye Jazz (dernier jour de congé). De petits ensembles de jazz se produisent dans les bistros et les cafés.
En juillet, la saison des splendeurs de la cour s'ouvre à Ommengang. C'est une coutume assez ancienne. Un immense cortège parcourt la Grand Place et les rues avoisinantes. À cette merveilleuse période de l’année, vous pouvez entendre de la musique de différents styles. Les artistes peuvent jouer de la musique dans différents lieux, par exemple dans l'immense stade Roi Baudouin du Heysel ou dans de petits cafés-bars. Le jour de l'Indépendance, tous les Belges viennent à la foire du Midi. Il se déroule dans une zone où des plateaux sont installés et des chemins sont construits.
- Festival d'été de Bruxelles (début juin - septembre). Des programmes de concerts ont lieu dans des bâtiments anciens célèbres.
- Festival en Wallonie (juin - octobre). Organiser une série de concerts de gala à Bruxelles et en Flandre nous permet de présenter au public les jeunes solistes et orchestres belges les plus talentueux.
- Festival du café "Cooler" (la semaine dernière). Pendant trois jours, un programme très tendance se déroule dans un entrepôt reconverti de Tour-e-Taxi. Le public peut s’attendre à des batteurs africains, de la salsa, de la musique ethnique et de l’acid jazz.
- Fête de la musique (dernier jour de congé). Pendant deux semaines consécutives, des spectacles-bénéfice et des concerts sont organisés dans les hôtels de ville et les musées dédiés aux musiques du monde.
- Ommegang (1er jour de congé en juillet). Les touristes viennent du monde entier pour voir cette action. Cette fête a lieu à Bruxelles depuis 1549. Ce cortège (ou, comme on l'appelle, « détour ») fait le tour de la Grand Place, de toutes les rues qui lui sont adjacentes, et se déplace en cercle. Plus de 2000 participants y participent. Les costumes les transforment en citadins de la Renaissance. Le défilé passe par de hauts responsables belges. Les billets doivent être réservés à l'avance.
- Festival jazz-folk "Brosella" (2ème week-end). Le festival a lieu au parc Osseghem. Tout le monde vient le voir musiciens célèbres d'Europe.
- Festival d'été à Bruxelles (juillet - août). A cette époque de l'année les musiciens jouent œuvres classiques dans les villes basses et hautes.
- Foire du Midi (mi-juillet - mi-août). La foire se tient à la célèbre gare de Bruxelles Gardu-Midi. Cet événement dure un mois. Les enfants aiment vraiment ça. Cette foire est considérée comme la plus grande d'Europe.
- Fête de la Belgique (21 juillet). Un défilé militaire est organisé en l'honneur du Jour de l'Indépendance, célébré depuis 1831, suivi d'un feu d'artifice dans le parc de Bruxelles.
- Journées portes ouvertes au Palais Royal (dernière semaine de juillet - 2ème semaine de septembre). Les portes du Palais Royal s'ouvrent aux visiteurs. Cet événement se déroule pendant six semaines consécutives.
- Mât de mai (Mayboom) (9 août). Cette fête remonte à 1213. Les participants à cette action s'habillent d'énormes costumes - des poupées. Le cortège traverse la Ville Basse. Il s'arrête sur la Grand Place, puis un mât de mai y est posé.
- Tapis fleuri (mi-août, une fois tous les 2 ans). Cette fête a lieu tous les deux ans. C'est un hommage à la floriculture à Bruxelles. La Grand Place entière est recouverte de fleurs fraîches. La superficie totale d'un tel tapis est d'environ 2000 m².
Automne
En automne, les activités de divertissement des Belges se déplacent à l'intérieur, dans les cafés ou les centres culturels où ils peuvent écouter de la musique moderne. Lors des Journées du Patrimoine, le public a la possibilité de profiter de l'architecture en visitant des maisons privées qui ne sont pas ouvertes au public à d'autres moments et en visitant les collections qui y sont exposées.
Septembre
- Anniversaire de Mannequin Piece (dernier jour de congé).
- Sculpture célèbre le garçon qui fait pipi porte un autre costume, offert par un invité étranger de haut rang.
- Festival "Happy City" (premier week-end).
- A l'heure actuelle, une soixantaine de concerts sont organisés dans trois douzaines des meilleurs cafés bruxellois.
- "Nuits Botaniques" (la semaine dernière).
- En français centre culturel Le Botanique, situé dans les anciennes serres du Jardin Botanique, accueille une série de concerts qui raviront tous les amateurs de musique jazz.
- Journées du Patrimoine (2ème ou 3ème jour férié).
- Durant quelques jours, de nombreux bâtiments protégés et habitations privées, ainsi que des collections d'art fermées, ouvrent leurs portes aux visiteurs.
- Audi Jazz Festival (mi-octobre - mi-novembre).
- Les sons du jazz se font entendre dans tout le pays, diluant l'ennui automnal. Des artistes locaux se produisent, mais certaines stars européennes se produisent souvent au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles.
En hiver, en Belgique, il pleut et il neige généralement, c'est pourquoi presque tous les événements durant cette période se déroulent à l'intérieur. Les galeries d'art accueillent des expositions d'importance mondiale et au Festival du Film de Bruxelles, vous pourrez voir le travail de maîtres célèbres et de jeunes talents. Avant les vacances de Noël, la Basse-Ville est décorée d'illuminations lumineuses, et à Noël, les tables belges sont décorées de plats traditionnels.
- La Nocturne du Sablon (dernier jour de congé). Tous les centres commerciaux et musées de la place Grand Sablon ne ferment que tard dans la soirée. Des charrettes tirées par des chevaux parcourent la foire, transportant les clients, et sur la place principale, chacun peut déguster du vrai vin chaud.
- Fête de la Saint-Nicolas (6 décembre).
- Selon la légende, ce jour-là, le saint patron de Noël, le Père Noël, vient en ville et tous les enfants belges reçoivent des friandises, du chocolat et d'autres cadeaux.
- Noël (24-25 décembre).
- Comme dans d'autres pays catholiques, Noël en Belgique est célébré le soir du 24 décembre. Les Belges échangent des cadeaux puis vont rendre visite à leurs parents le lendemain. Toutes sortes d'attributs de Noël décorent les rues de la capitale jusqu'au 6 janvier.
- Fête du Roi (6 janvier).
- Ce jour-là, des « gâteaux royaux » spéciaux aux amandes sont préparés, et tout le monde cherche le petit pois qui y est caché. Celui qui le trouve est déclaré roi pour toute la nuit de fête.
- Festival du Film de Bruxelles (mi-fin janvier).
- Première projection de nouveaux films avec la participation de stars du cinéma européen.
- Salon des Antiquités (2ème et 3ème semaine).
- Les antiquaires du monde entier se rassemblent au Palais des Beaux-Arts.
- Festival International de la Bande Dessinée (2ème et 3ème semaine).
- Les auteurs et artistes de bandes dessinées affluent vers la ville, qui a eu une profonde influence sur l'art de la bande dessinée, pour partager leurs expériences et présenter leurs nouvelles œuvres.
Qui est aux commandes du marché de l’art belge ? Jan Fabre, Luc Tuymans et Francis Alus
En 2011, sur le marché de l'art européen, avec une part modeste de 1,11%, la Belgique n'occupait que la sixième place, derrière non seulement le Royaume-Uni, la France et l'Allemagne, mais aussi la Suède et l'Italie. Cependant, la faiblesse du marché de l'art belge ne reflète pas du tout le succès obtenu en niveau international Artistes belges. Quatre Belges figuraient dans le Top 30 des auteurs européens contemporains en 2011, faisant de la Belgique le troisième pays le plus représenté dans le classement après le Royaume-Uni et l'Allemagne.
Top 10 des enchères d’artistes belges contemporains en 2011
Emploi | Résultat, dollars | Enchères |
||
Luc Tuymans | Accord - Pas d'accord (2011) | |||
Luc Tuymans | Pâques (2006) | |||
Wim Delvaux | Modèles de camion et pelle Caterpillar 5C (2004) | |||
Luc Tuymans | Rivage (2011) | |||
L'Homme qui mesure les nuages (1998) | ||||
Francis Alus | Le Juif éternel (2011) | |||
L'homme qui donne le feu (2002) | ||||
La bataille à l'heure bleue (1989) | ||||
Francis Alus | Sans titre (Homme/Femme avec une chaussure sur la tête) (1995) | |||
Anthropologie de la planète (2008) |
En 2011, parmi les artistes belges, Luc Tuymans était non seulement le plus vendu, mais aussi le plus généreux. En fait, deux de ses trois meilleurs résultats de l’année ont été obtenus lors de ventes aux enchères caritatives. Son œuvre « Deal - No deal » (« Chanceux ou malchanceux ») a été offerte aux acheteurs le 22 septembre lors de la vente aux enchères Christie's « Artists for Haiti » à New York (les bénéfices ont été destinés à aider les victimes du tremblement de terre de 2010). 956 500 dollars, nettement supérieur à l'estimation de 600 à 800 mille dollars. L'œuvre « Deal - No deal » a été créée par Tuymans à Bruges. L'auteur dit qu'il s'est inspiré d'un homme solitaire jouant à une machine à sous dans le coin d'une rue. bar de nuit après minuit à grande échelle (200 x. 130) dans le tableau de Tuymans, le joueur est dans la confusion et la confusion.
| LUK TUYMANS Accord – Pas d’accord. 2011 Source : christies.com |  LUK TUYMANS Rive. 2011 Source : arcadja.com |
Quelques semaines plus tard, Takashi Murakami organisait une vente aux enchères caritative en faveur des victimes du tremblement de terre au Japon, au cours de laquelle l'œuvre de Tuymans « The Shore » (2011) était vendue pour 260 000 $. Dans cette peinture à l’huile, l’artiste a retravaillé sa sérigraphie « Shore » de 2005, basée sur une photographie Polaroid des vagues la nuit. Dans la nouvelle version, la vague courant sur le rivage et le ciel nocturne ont acquis des nuances de gris et de blanc. Dans cet ouvrage, l'auteur exprime son attitude personnelle face à la tragédie du pays touché par le tremblement de terre et le tsunami.
Une autre œuvre de Tuymans - « Pâques » (2006) - a été vendue aux enchères par Sotheby's à New York en mai pour 800 000 $. Le tableau fait partie d'une série d'œuvres de Tuymans qui explorent l'influence de l'ordre des Jésuites sur divers systèmes de prise de décision. politique, religieux, etc.). Avec ces résultats records, les prix de Tuymans ont presque retrouvé leur niveau record de 2005, année de sa rétrospective à la Tate Modern et, plus récemment, de l'exposition itinérante de Tuymans, qui l'avait déjà visité. Chicago, Columbus, Dallas et Saint-Pétersbourg se sont terminés à Bruxelles.
 VIM DELVAULT Modèles de camion et de pelle Caterpillar 5C. 2004 Source : m.sothebys.com |  VIM DELVAULT Modèles de camions et de pelles Caterpillar 5C (fragment). 2004 Source : m.sothebys.com |
L'artiste belge Wim Delvoye occupe la troisième place du classement avec ses « Modèles d'un camion et d'une excavatrice Caterpillar 5C » (2004), vendus aux enchères Sotheby's à Londres le 13 octobre pour 297,7 milliers de dollars. Petit camion réalisé dans le style emblématique de l'artiste et la pelle est devenue. l'œuvre la plus chère de Delvaux vendue aux enchères publiques. Les motifs gothiques découpés au laser dans l'acier rappellent les racines flamandes de l'artiste. Delvaux a longtemps été considéré comme le « mauvais garçon » de l'art contemporain belge - c'est lui qui a essayé de tatouer des cochons et des cochons. a inventé la machine de production d'excréments "Cloaca". Au cours de l'année écoulée, en plus d'une renommée scandaleuse, l'artiste a également connu un succès commercial : trois de ses œuvres ont été vendues pour plus de 150 000 dollars - le même que les quatre années précédentes. .
Jan Fabre, comme Delvaux, ne peut pas être considéré comme un ange, mais sa réputation de provocateur ne l'a pas empêché de prendre quatre places au classement des auteurs belges les plus titrés. Son meilleur résultat de 2011 est le cinquième au classement national. Le marché secondaire de l'œuvre de Fabre commence enfin à atteindre le niveau de reconnaissance internationale que l'artiste a récemment atteint (Jan Fabre, par exemple, était un artiste invité au pavillon belge de la Biennale de Venise). La statue en bronze « Man Measurement Clouds » (1998) aux enchères Christie's le 15 octobre a atteint un prix d'adjudication de 252,4 milliers de dollars - le meilleur pour l'artiste en 2011. Au total, Fabre a réalisé 8 moulages de cette sculpture, l'un d'eux accompagnant celui-ci ; un marteau pour environ 230 000 dollars ; et un autre déjà cette année, le 16 février, a été vendu pour 267 000 dollars, ce qui a mis à jour le record personnel de l'artiste l'année dernière et a confirmé la hausse des prix sur le marché de ses œuvres. sculptures de Jan Fabre dans le classement actuel : « L'Homme qui donne le feu » (233,6 mille dollars, Christie's, Londres) et « Anthropologie de la planète » (197,9 mille dollars, Sotheby's, Amsterdam). Il est intéressant de noter que l'une des plus belles sculptures de Fabre l'œuvre la plus chère en 2011 est ". The Battle in the Hour Blue" (221,6 mille dollars, Christie's, Londres) - un dessin, alors que tous les résultats précédents des œuvres graphiques de Fabre ne dépassaient pas 28 mille dollars. L'œuvre représente trois lucanes fixés au centre d'une feuille de papier, entièrement peinte au stylo à bille. C'est le plus travail ancien note - Fabre l'a créé en 1989.
De novembre 2004 à mai 2008, 12 œuvres de Francis Alys ont été vendues aux enchères pour plus de 150 mille dollars. De juin 2008 à mai 2011, une seule de ses œuvres a obtenu un résultat supérieur à 80 000 dollars. La crise a eu un impact dramatique sur le marché des œuvres d’Alus : entre 2008 et 2010, les prix de ses œuvres ont chuté de 37 pour cent. En 2011, la Tate Modern a accueilli l'une des expositions les plus complètes de Belgique, A History of Deception. Aujourd’hui, la demande pour les œuvres d’Alus a de nouveau augmenté : en 2011, seulement 21 pour cent de ses œuvres restaient sans acheteur, alors qu’en 2009, ce chiffre était de 40 pour cent. Il n’est donc pas surprenant que deux d’entre eux figurent dans le classement actuel. Ayant débuté comme architecte, Francis Alus explore dans ses œuvres l'interaction entre l'homme et l'espace en utilisant diverses techniques - de la peinture à la performance. Lors de la vente aux enchères caritative « Artistes pour Haïti » déjà mentionnée, la grande peinture à l’huile d’Alus « Le juif errant » et plusieurs dessins préparatoires ont été vendus pour 248 000 dollars. La peinture reflète le thème de la migration d'un point de vue mythologique. Un autre excellent résultat a été apporté par l'œuvre « Sans titre » (« Homme/femme avec une chaussure sur la tête ») : avec une estimation assez audacieuse de 100 à 150 mille dollars (si l'on prend en compte la dernière vente de cette œuvre en 2004 pour 70 mille dollars), l'œuvre a été vendue deux fois plus - pour 200 mille dollars.
Jusqu'à présent, les artistes belges ont obtenu leurs meilleurs résultats aux enchères ailleurs que chez eux. Néanmoins, la Belgique est responsable d'un quart de tous les lots vendus par ces quatre auteurs, ce qui correspond à 11 pour cent du produit total de leurs œuvres aux enchères.
Matériel préparé par Maria Onuchina,I.A.
A lire aussi sur les artistes belges :
Jan Fabre - artiste et entomologiste ;
Troisième Biennale d'art contemporain de Moscou. Luc Tuymans;
Top 10 de la semaine d'actualités. Francis Alus : L'art comme commentaire sur l'existence.
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