Le XVIIe siècle est l'époque de la création de l'École nationale des beaux-arts de Flandre. Comme en Italie, le baroque est devenu ici le mouvement dominant. Cependant, le baroque flamand diffère à bien des égards du baroque italien ; des traits réalistes y sont développés. Apogée culture nationale et l'art flamand couvre la première moitié du XVIIe siècle, il est déterminé par les traits de la première révolution bourgeoise de la fin du XVIe siècle. Au début du XVIIe siècle. Dans l’art flamand, les formes d’art médiévales sont enfin dépassées. Sujets et genres profanes répandus : historique et allégorique, mythologique, portrait et genres quotidiens, paysage. Après le maniérisme, l'académisme de l'école bolognaise et le caravagesme pénétrèrent depuis l'Italie. Basée sur le croisement de la tradition réaliste de la peinture ancienne des Pays-Bas et du caravagisme, la direction réaliste s'est développée et le style baroque monumental s'est épanoui. Le plus grand centre artistique de Flandre de la seconde moitié du XVIe siècle. est devenu Anvers.
Tête école flamande le tableau était Peter Paul Rubens (1577-1640). Le réalisme puissant et la version nationale du baroque s'expriment clairement dans son œuvre. Muraliste et peintre de chevalet né, graphiste, architecte-décorateur, concepteur de représentations théâtrales, diplomate de talent parlant plusieurs langues, scientifique et humaniste, il était tenu en haute estime dans les cours princières et royales. Rubens est le créateur de compositions baroques pathétiques, capturant tantôt l'apothéose du héros, tantôt remplies de tragédie. La puissance de l'imagination plastique, le dynamisme des formes et des rythmes, le triomphe du principe décoratif constituent la base de son œuvre.
Les premières œuvres (période anversoise) de Rubens (avant 1611-1613) témoignent de l'influence des Vénitiens et du Caravage. Rubens était un maître des peintures aux thèmes mythologiques et allégoriques. Dans les « Bacchanales » (1615-1620, Moscou, Musée Pouchkine), représentant une fête en l'honneur du dieu du vin Bacchus, les images mythologiques sont porteuses du principe élémentaire naturel, de la fertilité et de l'amour inépuisable de la vie. De la deuxième décennie du XVIIe siècle. la dynamique dramatique des compositions de Rubens s'intensifie. Dans « L'Enlèvement des filles de Leucippe » (1619-1620, Munich, Alte Pinakothek), le drame des passions qui captivent les héros atteint son paroxysme. Le talent de Rubens pour la peinture atteint son apogée dans les années 1620. La couleur est devenue le principal expresseur des émotions, organisant le début des compositions. Rubens a abandonné la couleur locale, s'est tourné vers la peinture multicouche tonale sur fond blanc ou rouge et a combiné une modélisation soignée avec de légères esquisses. A cette époque, la création d'une vingtaine de grandes compositions sur le thème « La vie Marie de Médicis" (1622-1625, Paris, Louvre), destiné à décorer le Palais du Luxembourg. Dans « Autoportrait » (vers 1638, Vienne, Kunsthistorisches Museum), tout contribue à la révélation de l'idéal d'une personne douée, intelligente et sûre d'elle. Depuis les années 1630 a commencé période tardive activité artistique Rubens. Las de la gloire et des honneurs, il se retira des activités diplomatiques, refusa les ordres officiels et passa la majeure partie de sa vie dans le château de campagne de Stan. Sa perception du monde est devenue plus profonde et plus calme. Les compositions ont acquis un caractère sobre et équilibré. L'artiste s'est concentré sur leur perfection picturale : la coloration a perdu sa multicolore et s'est généralisée. Ces dernières décennies de l'œuvre de Rubens représentent l'apogée de son développement artistique. Rubens se tourne vers l'image vie populaire, peint des paysages, des portraits de ses proches, de sa femme, de ses enfants, lui-même entouré d'eux, il était particulièrement doué pour les images d'enfants : « Portrait d'Elena Fourman avec des enfants », « Manteau de fourrure », (1638-1639, Vienne, Musée d'Histoire et d'Art). (1636, Persienne, Paris). Base folklorique La créativité de Rubens se manifeste clairement dans « La Danse paysanne » (entre 1636 et 1640, Madrid, Prado).
L'évolution de l'œuvre d'Anthony Van Dyck (1599-1641) anticipe et détermine la voie de développement de l'école flamande dans la seconde moitié du XVIIe siècle. dans le sens de l'aristocratie et de la laïcité. L'artiste s'est tourné vers des solutions dramatiques aux thèmes et a concentré son attention sur les aspects psychologiques de la vie des personnages individuels. Cela a déterminé l'appel de Van Dyck à peinture de portrait. Il y crée une sorte de portrait aristocratique brillant, l'image d'un homme sophistiqué, intelligent et noble. (« Portrait de famille », entre 1618 et 1626, Saint-Pétersbourg, Hermitage). Van Dyck passa les dix dernières années de sa vie en Angleterre à la cour de Charles Ier. Les types de portraits qu'il développa influencèrent le développement ultérieur de l'anglais et Portrait européen.
À la sophistication de l'art de Van Dyck s'opposait l'art joyeux de Jacob Jordanes (1593-1678), qui créa une galerie d'objets caractéristiques types folkloriques. Comme Rubens, son art est imprégné d'un sens puissant de la vie de la nature et de ses éléments sensuels. Jordanes a peint des images d'autel et des peintures sur des thèmes mythologiques, mais les a interprétés en termes de genre. Parmi les plus caractéristiques figure la « Fête du roi des haricots » (vers 1638, Saint-Pétersbourg, Ermitage).
Au 17ème siècle la nature morte s'impose comme un genre indépendant. Cela reflétait un intérêt pour le monde matériel qui trouve son origine dans la « peinture des choses » hollandaise du début du XVe siècle. Les « boutiques de vie » flamandes sont des toiles de grande taille, de couleurs vives ; elles servaient de décoration aux murs des palais spacieux de la noblesse flamande, glorifiant la beauté et la richesse de l'existence terrestre. Un grand maître du monumental nature morte décorative et les « scènes de chasse » étaient Frans Snyders (1579-1657). Les objets aux dimensions exagérées semblent dotés d'extraordinaires vitalité, les lignes agitées qui les dessinent donnent lieu à un rythme dynamique et orageux (Une série de « boutiques » pour le palais de chasse champêtre de l'archevêque Trist dans la ville de Bruges (années 1620, Saint-Pétersbourg, Ermitage). La ligne démocratique de La peinture flamande du XVIIe siècle était représentée par l'œuvre d'Adrian Brouwer (1605/06-1638), élève de Frans Hals, Brouwer peignait de petits tableaux, poursuivant la tradition grotesque-humoristique. peinture de genre Pieter Bruegel. Contrairement à Bruegel, créateur de larges panoramas de la vie des gens, Brouwer s'est tourné vers des situations quotidiennes spécifiques et des personnages expressifs. Il a tendance à enregistrer des conflits psychologiques, décrivant des scènes de beuveries, de jeux de cartes et de dés, qui se transforment souvent en bagarres. (« Dans la taverne », années 1630, Munich, Alte Pinakothek).
Dans la seconde moitié du XVIIe siècle. le contenu de la peinture flamande devient moins profond. Des tendances à l’idéalisation et au divertissement externe apparaissent. Ces caractéristiques caractérisent l'œuvre de l'un des peintres les plus éminents du milieu du XVIIe siècle. David Teniers le Jeune (1610-1690). Dans des compositions de grande taille mais de petite taille, belles en couleurs et en design décoratif, il aimait représenter des repas joyeux avec des danses en plein air, des mariages paysans («Village Holiday», 1646, Saint-Pétersbourg, Ermitage), créant en eux des compositions idylliques. des images d’une vie joyeuse, insouciante et satisfaite.
Au 17ème siècle L'art néerlandais a été divisé en deux écoles - flamande et hollandaise - en raison de la division des Pays-Bas eux-mêmes en deux parties à la suite de la révolution ; à la Hollande, comme ont commencé à être appelées les sept provinces du nord libérées de la domination espagnole, et à la partie sud, qui est restée sous la domination espagnole - la Flandre (la Belgique moderne). Leur développement historique a suivi des chemins différents, tout comme leur développement culturel. En Flandre, la noblesse féodale et la haute bourgeoisie, ainsi que l'Église catholique, jouèrent un rôle majeur dans la vie du pays et furent les principaux clients de l'art. Ainsi, les peintures pour les châteaux, les maisons de ville du patriciat anversois et les images d'autel majestueuses pour les riches églises catholiques - tels sont les principaux types d'œuvres des peintres flamands de cette époque. Scènes des Saintes Écritures, scènes mythologiques antiques, portraits d'éminents clients, scènes de chasse, immenses natures mortes - les principaux genres d'art en Flandre au XVIIe siècle. Il mélange des caractéristiques de l'espagnol et du Renaissance italienne avec en fait Traditions néerlandaises. C’est ainsi qu’est né l’art baroque flamand, gai à l’échelle nationale, émotionnellement optimiste, matériellement sensuel, luxuriant dans ses formes abondantes. Le baroque flamand s'est montré peu visible dans l'architecture, mais s'est montré brillant et expressif dans les arts décoratifs (sculpture sur bois, ciselage du métal), dans l'art de la gravure et surtout dans la peinture.
Figure centrale de l'art flamand du XVIIe siècle. il y avait Pierre Paul Rubens (1577-1640). La polyvalence du talent de Rubens et son étonnante productivité créatrice le rapprochent des maîtres de la Renaissance.
Né en Allemagne, où ses parents ont vécu peu de temps, Rubens a fait ses études dans son pays natal, à Anvers : dans une école jésuite, il a étudié le latin et le moderne langues européennes, et j'ai également rencontré histoire ancienne, étudia plus tard la peinture - d'abord auprès d'un artiste de la vieille tradition hollandaise, puis auprès d'un maître du mouvement italien. L'artiste, qui dans la conscience quotidienne est associé au chanteur de la violence de la chair presque païenne, était l'une des personnes les plus intelligentes et les plus instruites de son temps. En 1598, Rubens fut inscrit sur la liste des maîtres libres de la Guilde de Saint-Pierre. Luke, et cette date peut être considérée comme le début de l’indépendance créatrice de l’artiste. Cependant, en 1600, il voyage pour poursuivre son travail en Italie, principalement à Venise, « pour rencontrer » Titien, Véronèse et le Tintoret, puis à Rome, où il étudie Michel-Ange. Il resta en Italie jusqu'en 1608, à partir de 1601, servant comme peintre de la cour du duc de Gonzague à Mantoue. Ces années furent la période de formation de son art. Parmi les artistes contemporains, Rubens a été le plus influencé par le Caravage durant cette période. En Italie, il étudie et tombe amoureux de l'Antiquité pour le reste de sa vie.
En 1608, Rubens retourne dans son pays natal, épouse une fille issue d'une riche famille bourgeoise, Isabella Brandt, et s'installe solidement à Anvers. À partir de ce moment-là, il connaît invariablement le succès en tant qu'artiste. Les années 20 et 30 sont la période la plus intense activité créative Rubens. Il reçoit les ordres de l'Église, de la cour, des bourgeois, et les cours étrangères commandent ses ouvrages. D'abord bon travail dans son pays natal, il y avait des images d'autel pour la célèbre cathédrale d'Anvers : « L'élévation de la croix » (1610-1611) et « La descente de croix » (1611-1614), dans lesquelles Rubens créa un type classique d'image d'autel de le 17ème siècle. Il combine la monumentalité (car c'est la peinture qui doit exprimer l'ambiance grand nombre les gens, des idées très importantes qu'ils comprennent) et le caractère décoratif (car une telle image est une tache colorée dans l'ensemble de l'intérieur).
L'art de Rubens est une expression typique du style baroque, qui acquiert dans ses œuvres ses caractéristiques nationales. Grand principe d'affirmation de la vie, la prédominance du sentiment sur la rationalité est caractéristique même des œuvres les plus dramatiques de Rubens. Il leur manque totalement le mysticisme et l’exaltation inhérents au baroque allemand et même italien. La force physique, la passion, parfois même le déchaînement, l'ivresse de la nature remplacent l'érotisme spiritualiste et voilé de la Thérèse du Bernin. Rubens glorifie le type national de beauté. La Vierge Marie, comme Madeleine, apparaît comme une Brabançonne blonde, aux yeux bleus et aux figures tout en courbes. Le Christ, même sur la croix, ressemble à un athlète. Sébastien reste plein de force sous une pluie de flèches.
Les tableaux de Rubens sont pleins de mouvements violents. Habituellement, pour renforcer la dynamique, il recourt à une certaine composition où prédomine la direction diagonale. Ainsi, dans les deux images d’Anvers, par exemple, la diagonale est formée par la ligne de croix. Cette direction dynamique est également créée par des angles et des poses complexes de figures interconnectées, formant un environnement spatial complexe. Toutes les compositions de Rubens sont empreintes de mouvement ; c'est véritablement un monde où il n'y a pas de repos.
Rubens.Élever la croix. Anvers, cathédrale
Rubens comprenait et aimait l'Antiquité ; il transformait souvent les mythes en images pittoresques. Mais il a choisi principalement les sujets qui pouvaient être incarnés dans des compositions dynamiques. Jupiter enlève ses amants, les Amazones se battent, les satyres attaquent les nymphes... Les Bacchanales, où l'on peut montrer la douceur de l'ivresse, la chasse aux lions, avec leur énergie, leur rapidité et leur force débridée, tout ce qui donne l'occasion de s'exprimer. la joie d'être, de chanter l'hymne de la vie, attire particulièrement l'artiste. Le pinceau de Rubens poétise l'élément sensuel. Les images de l'Antiquité classique acquièrent une authenticité terrestre sans s'ancrer ni perdre leur sublimité, comme par exemple dans le chef-d'œuvre de l'Ermitage « Persée et Andromède ». Andromède, devenue une Flamande blonde et pleine de santé, Persée, plein de puissance, qui a libéré la belle de la captivité du dragon, son cheval ailé Pégase, les Amours, la gloire couronnant le héros - tout est couvert de poésie et plein d'un sentiment de jubilation. Ceci est particulièrement facilité par la couleur de l'image, le son solennel du bleu, du rouge, du jaune. Un coup de pinceau frémissant et vibrant traduit dans les plus fines nuances de tons roses et nacrés toute la beauté du corps d’Andromède. Les transitions de lumière et d'ombre sont imperceptibles, il n'y a pas de contours clairs, tous les objets semblent surgir de la lumière et de l'air. Rubens peint avec beaucoup de fluidité, parfois la tonalité du fond transparaît sous les peintures. Certes, les années 1920 étaient généralement caractérisées par des couleurs vives et des couleurs multicolores ; plus tard, Rubens se tournera vers une peinture plus monochrome.
Rubens. Portrait d'Elena Fourman avec des enfants. Paris, Persienne
La maison de Rubens devient le centre de la vie artistique des Flandres, la crème de l'intelligentsia artistique et scientifique d'Europe s'y presse, et les personnes les plus privilégiées sollicitent l'attention de l'artiste. Atmosphère la vie de famille Rubens l'a parfaitement exprimé dans «Autoportrait avec Isabella Brandt» (1609-1610), le représentant lui et sa femme sous la canopée d'un chèvrefeuille en fleurs, dans des costumes élégants, voire formels, dépourvus de toute pose ou prétention, rayonnant de bonheur juvénile.
En 1623-1625. Rubens reçoit une commande d'un cycle de 21 tableaux de la reine de France Marie de Médicis, veuve d'Henri IV, pour décorer le palais du Luxembourg. Le génie de Rubens a transformé des thèmes sans intérêt et sans signification historique (le mariage et la régence de la reine) en une brillante création d'art monumental et décoratif. Les scènes de la vie de Marie de Médicis ne peuvent être décrites dans leur sens plein peintures historiques, en eux des personnages historiques coexistent avec des divinités anciennes, des événements réels coexistent avec des allégories. Mais peu importe ce qu'il représente, tout a le caractère d'une vérité convaincante, d'une réalité et d'une fidélité au monde représenté, avec toute l'imagination artistique débridée.
En 1626, Rubens perd son épouse bien-aimée. Une certaine période de sa vie touche à sa fin. Accablé par la solitude, l'artiste accepte l'offre de la souveraine des Pays-Bas, l'infante Isabelle, et part en mission diplomatique en Espagne et en Angleterre (pour négocier la paix entre l'Espagne et l'Angleterre). Accueilli avec honneur par les rois d'Angleterre et d'Espagne comme un artiste de renommée mondiale, il acquiert de nouvelles relations, le patronage de la royauté, et est élevé à la dignité de noblesse et de chevalerie. En Espagne, Rubens y étudie les peintures richement présentées du Titien et rencontre le jeune Vélasquez.
En 1630, Rubens retourna à Anvers et épousa bientôt une jeune parente éloignée de sa première épouse, Hélène Fourment. Elle devient la muse de l'artiste dans la dernière période de son œuvre. Elena Fourman est une incarnation vivante de l’idéal de l’artiste, une image comme tirée de ses toiles. Il la peint avec lui lors d'une promenade, dans le jardin, lui montrant ses biens, il la représente avec des enfants, la peint habillée et nue. Dans le portrait viennois (« Manteau de fourrure », 1638), Elena apparaît nue, debout sur un tapis rouge, avec un manteau de fourrure drapé sur les épaules. Le portrait est construit sur les plus belles nuances de couleurs, sur le contraste d'une épaisse fourrure brune avec le velouté de la peau, des cheveux légèrement imprégnés d'air et l'humidité des yeux brillants. Le corps de la femme est peint avec une puissance réaliste incroyable, il semble que vous sentiez le sang palpiter dans vos veines. Il s'agit d'une image très personnelle, intime, mais, comme dans toute grande œuvre, elle a une idée générale : Rubens glorifie la femme comme symbole de la vie.
Dans les années 30, Rubens, accablé par la vie dans une grande ville commerçante, acheta un domaine avec l'ancien château Sten (Steen), c'est pourquoi cette période de l'œuvre de Rubens est souvent appelée « Sten's ». Au cours de cette dernière décennie de sa vie, Rubens écrit davantage pour lui-même, guidé par ses propres choix de thèmes, mais il interprète également de nombreuses œuvres sur commande. Il peint des portraits, et bien que ce genre ne soit pas le plus important dans son œuvre, il s'inscrit néanmoins clairement dans le cadre du style. Il s'agit d'un portrait baroque d'apparat, dans lequel la grandeur est véhiculée par la pose du modèle, le costume et toutes sortes d'accessoires du décor. Dans le dernier autoportrait (1638-1639), Rubens réussit cependant à le faire. se montrer en psychologue subtil : tristesse, fatigue, traces de maladie et nombreuses pensées de sage expérience de la vie d'un homme d'âge moyen sont inscrits sur ce visage. Non moins subtil dans son caractère et ses couleurs exquises est un portrait antérieur d'une jeune femme, connu sous le nom de Portrait d'une femme de chambre (vers 1625).
Rubens se tourne également vers la vie de la nature. De vastes plaines, de gros troupeaux, des arbres puissants, une liberté calme ou, à l’inverse, des éléments déchaînés sont véhiculés par le pinceau de Rubens avec le même sens du réalisme et de l’affirmation constante de la vie. On se sent authentique esprit folklorique Rubens est l'héritier du grand artiste néerlandais Pieter Bruegel Moujitski.
Au cours de la dernière décennie, les compétences picturales de Rubens se distinguent par une virtuosité particulière et une extrême ampleur. La coloration devient plus monochrome, plus généralisée, le multicolore précédent se perd (« Bathsheba », 1635 ; « Consequences of War », 1638).
Rubens mourut en 1640, dans la fleur de l'âge créateur. Il avait de nombreux élèves, un immense atelier dans lequel de nombreuses œuvres étaient réalisées d’après les croquis de l’artiste par ses élèves. Van Dyck, Snyders, Jan Brueghel le Velours en faisaient partie. Mais ce n’est pas une question de nombre d’étudiants. Signification historique Rubens est qu'il a déterminé la voie de développement de l'école flamande, ce qui a eu une énorme influence sur le développement ultérieur Art d'Europe occidentale, surtout au 19ème siècle.
Le plus célèbre de tous les élèves de Rubens, qui étudia avec lui pendant une courte période, mais devint bientôt le premier assistant de son atelier, était Antoine van Dyck (1599-1641). Van Dyck s'est développé très tôt en tant qu'artiste. Fils d'un riche marchand anversois, il a passé toute sa vie à s'efforcer de rejoindre l'aristocratie familiale, et ses portraits et autoportraits ont toujours souligné l'aristocratisme du modèle, sa fragilité et sa sophistication. C'est précisément un chouchou du destin si élégant que l'on le voit dans l'autoportrait de l'Ermitage : une expression fatiguée est volontairement donnée à ce visage aux joues roses du Flamand, les traits de la féminité sont soulignés dans la nature. De belles mains bien soignées sont soigneusement représentées, le costume est aristocratiquement décontracté et les boucles sont développées de manière romantique. Il s'écrit tantôt sous le nom de Rinaldo, tantôt sous le nom de Paris, tantôt. St. Sébastien. Portraitant les riches bourgeois anversois, lui-même issus de ce milieu, van Dyck tente par tous les moyens d'aristocratiser les modèles, en leur conférant une expression nerveuse et une sophistication des formes.
Les sujets mythologiques et chrétiens occupent une grande place dans son œuvre, qu'il interprète avec un lyrisme caractéristique ou un triste élégiaque (« Suzanne et les anciens », 1618-1620 ; « Saint Jérôme », 1620 ; « Madone aux perdrix », début années 30).
Van Dyck. Portrait de Charles Ier à la chasse. Paris, Persienne
Mais le genre principal de van Dyck est le portrait. Dans la première période anversoise (fin des années 10 - début des années 20), comme on appelle cette période de son œuvre, il peint de riches bourgeois ou ses confrères artistes, écrivant d'une manière strictement réaliste, avec un psychologisme subtil. Mais dès l’arrivée en Italie, ce type de portrait laisse place à un autre. Ayant gagné l'amour de la noblesse génoise locale, van Dyck reçut de nombreuses commandes et créa un portrait cérémonial et représentatif, dans lequel s'exprimait tout d'abord l'appartenance de classe du modèle. La figure est présentée un peu par le bas, ce qui la rend plus majestueuse, monumentale ; les accessoires d'un riche costume et d'un mobilier renforcent cette impression. Les portraits de Van Dyck sont décoratifs dans toute leur structure : le rythme plastique et linéaire, le jeu du clair-obscur, qu'il a appris du Caravage, et, bien sûr, la couleur, dans laquelle l'influence du plus grand coloriste Rubens se confond avec l'influence sur l'artiste de l'école vénitienne des couleurs (portrait de Paola Adorno).
En 1627, van Dyck retourna à Anvers et, comme Rubens partit à cette époque pour l'Espagne et l'Angleterre, il devint pendant quelque temps la principale figure artistique de ville natale. Son succès en tant que peintre à la mode est énorme. Des hommes politiques, des prélats d'église, des aristocrates et de riches bourgeois, des beautés locales, des collègues artistes apparaissent dans une longue galerie, qui comprenait les œuvres de van Dyck de ces années (portraits jumelés des époux Stevens ; portrait de l'artiste F. Snyders, etc.).
Au retour de Rubens dans son pays natal, ne voulant pas rivaliser avec le grand maître, l'ambitieux artiste part en Angleterre pour servir le roi Charles Ier (1632). L’école nationale anglaise de peinture venait tout juste de prendre forme et van Dyck fut accueilli avec joie et immédiatement littéralement bombardé de commandes. Charles Ier lui accorde le titre de peintre en chef du roi et l'élève au rang de chevalier. Van Dyck « rembourse » tout en créant une galerie de portraits d'apparat de l'aristocratie de la cour anglaise. Il présente ses modèles dans des intérieurs riches ou en plein air, le plus souvent en pleine hauteur, dans une pose spectaculaire, dans des vêtements colorés, clairement embellis. Mais les caractéristiques individuelles du modèle, subtilement capturées dans chaque cas individuel, le sens inhérent des proportions de van Dyck et, bien sûr, le brillant talent de l'artiste - tout cela ensemble le sauve de la flatterie grossière (portrait de Thomas Wharton ; portrait de Philip Wharton ; portrait de Charles Ier en chasse, vers 1635).
Pour l'Angleterre, van Dyck fut le fondateur d'une grande école d'art du portrait, qui connut un apogée exceptionnelle au XVIIIe siècle. Mais pour les écoles du continent, van Dyck, en tant que maître du portrait de cérémonie, revêtait une grande importance.
F. Snyders. Magasin de fruits. Saint-Pétersbourg, Ermitage
Van Dyck était à bien des égards loin de Rubens. Le véritable disciple et chef de l'école flamande après la mort de Rubens fut Jacob Jordanes (1593-1678), le plus grand artiste de Flandre au XVIIe siècle. L'un des meilleurs assistants de Rubens dans son atelier, il a beaucoup appris du grand peintre, mais a réussi à ne pas perdre ses traits individuels. Comme van Dyck, il venait d’un milieu bourgeois. Quels que soient les sujets qu'il aborde - mythologiques, chrétiens, allégoriques - il reste toujours un réaliste sobre qui parvient à préserver un principe populaire sain. Son genre préféré est le quotidien. Il s'agit de la « Fête nationale du roi des haricots », des fêtes de famille, répétées à plusieurs reprises par la Jordanie : les tables sont remplies de nourriture, les visages brillent de contentement et les sourires se répandent. L'artiste cherchait ses images dans le milieu paysan, dans la foule populaire. Dans une autre intrigue courante, « Un satyre visitant un paysan » (sur le thème de la fable d’Ésope ; des versions de ce tableau sont disponibles dans de nombreux musées européens), l’ancienne légende prend des traits nationaux flamands. L’art jordanien est étroitement lié aux traditions des vieux Pays-Bas. DANS premières années Parmi les maîtres européens, il fut grandement influencé par Cavaraggio (« Adoration des bergers »). Plus tard, il s’intéresse moins aux effets de contrastes d’ombre et de lumière. La saturation des couleurs crée une composition festive, toujours pétillante de plaisir. La peinture de Jordanes est luxuriante, libre, plastiquement puissante, montrant les grandes capacités décoratives de l'artiste. La couleur nationale et le type national sont exprimés dans les œuvres de Jordan avec la plus grande complétude et simplicité.
Un genre particulier en flamand art XVII V. il y avait une nature morte dont le célèbre maître était Frans Snyders (1579-1657). Dans ses peintures, des cadeaux de terre et d'eau magnifiquement peints s'entassent sur les tables : poisson, viande, fruits, gibier tué. En règle générale, de telles natures mortes servaient de décoration décorative pour de grands et riches intérieurs, de sorte que la nature morte flamande est généralement de grande taille, contrairement aux Néerlandais (par exemple, les célèbres « Boutiques » de Snyders, 1618-1621 : « Fish Shop ", "Fruit Shop", exécuté pour le palais épiscopal).
La peinture de genre est représentée dans l'art flamand par l'artiste exceptionnellement doué Adrian Brouwer (Brouwer, 1601-1638). Ayant vécu de nombreuses années en Hollande, Brouwer peint de petits tableaux sur des thèmes quotidiens. Ses héros sont des paysans et des plèbes urbains, ils jouent aux cartes, boivent, se battent et chantent. Dans les œuvres de Brouwer, il n'y a pas de décoration générale de l'école flamande ; elles sont réalisées dans l'esprit ; Réalisme néerlandais et sont conçus pour un examen minutieux (« Village Doctor »). Les intrigues sont parfois dramatiques, les visages, les expressions faciales, les poses, les gestes sont inhabituellement expressifs, l'ironie se mêle à l'amertume, et en ce sens Brouwer perpétue les traditions de Bruegel (« Le Combat »). Son écriture est magistrale, artistique, pleine de subtiles relations de couleurs. Le laconisme du langage, la capacité d’exprimer l’essentiel, la sage retenue avec des moyens minimaux, se manifestent pleinement dans les dessins de Brouwer, qui dans leur style lapidaire sont très proches de l’art moderne.
Dans l'œuvre du disciple de Brouwer - David Teniers le Jeune (1610-1690) thème paysan interprétées comme des fêtes rurales. Dans des compositions de grande taille mais de petits personnages, il représente les divertissements festifs en plein air, avec danses, repas, conversations paisibles... Dans la seconde moitié du XVIIe siècle. Il n’existe pas de grands maîtres dans la peinture flamande, mais la Flandre a déjà apporté sa contribution à l’art européen.
En Flandre, le style baroque possédait une identité nationale prononcée et une puissante vitalité. Le directeur de l'école flamande était P.P. Rubens, qui allie décoration baroque et tendances réalistes. Les plus grands contemporains de Rubens étaient A. van Dyck (portrait), J. Jordaens (genre domestique), F. Snyders (nature morte) et A. Brouwer (genre paysan).
Au XVIIe siècle, l'art hollandais était divisé en deux écoles - flamande et hollandaise - en raison de la division des Pays-Bas eux-mêmes à la suite de la révolution en deux parties : la Hollande, comme on a fini par appeler les sept provinces du nord libérées de la domination espagnole. , et la partie sud, restée sous la domination de l'Espagne, - la Flandre (Belgique moderne). Leur développement historique a suivi des chemins différents, tout comme leur développement culturel. En Flandre noblesse féodale et bourgeois supérieurs , et L'Église catholique a joué un rôle majeur dans la vie du pays etétaient les principaux clients de l'art . C'est pourquoi tableaux pour châteaux , pour les maisons de ville du patriciat anversois et les majestueuses images d'autel des riches églises catholiques - ici cette fois. Scènes des Saintes Écritures, scènes mythologiques antiques, portraits de clients éminents, scènes de chasse, immenses natures mortes sont les principaux genres de l'art flamand du XVIIe siècle.
Comme en Italie, le baroque est devenu le mouvement dominant en Flandre, mais en Flandre, plus qu'en Italie, des éléments réalistes se sont développés dans le cadre du baroque. L’art reflète la beauté matérielle de la nature et l’image d’une personne forte, énergique et en bonne santé. Le genre du quotidien et de la nature morte se développe.
La figure centrale de l'art flamand du XVIIe siècle était Pierre Paul Rubens(1577-1640). La polyvalence du talent de Rubens et son étonnante productivité créatrice le rapprochent des maîtres de la Renaissance.
Né en Allemagne dans la famille de l'avocat anversois Jan Rubens, qui a émigré en Allemagne pendant la guerre civile aux Pays-Bas. Après la mort de son père en 1589, la mère et les enfants de Rubens retournèrent à Anvers, où Rubens fit ses études : dans une école jésuite, il étudia le latin et les langues européennes modernes, se familiarisa également avec l'histoire ancienne et étudia plus tard la peinture - d'abord à partir d'un artiste de la vieille tradition hollandaise, puis issu d'un maître du mouvement italien. En 1598, Rubens fut inscrit sur la liste des maîtres libres de la Guilde de Saint-Pierre. Luke, et cette date peut être considérée comme le début de l’indépendance créatrice de l’artiste.
Cependant, en 1600, il voyage pour poursuivre son travail en Italie, principalement à Venise, « pour rencontrer » Titien, Véronèse et le Tintoret, puis à Rome, où il étudie Michel-Ange. Il resta en Italie jusqu'en 1608, à partir de 1601, servant comme peintre de la cour du duc de Gonzague à Mantoue. Ces années furent la période de formation de son art.
Les années passées en Italie ne furent pas seulement remplies de travaux sur les peintures d'autels des églises romaines, mantouanes et génoises, sur les portraits (« Autoportrait avec des amis mantouans », vers 1606, « Marquise Brigida Spinola-Doria », 1606-07) , mais et en étudiant les œuvres de l'Antiquité, dont il tomba amoureux toute sa vie, ainsi que les maîtres de la Renaissance et les peintres bolognais contemporains. Depuis artistes contemporains Le Caravage a eu la plus grande influence sur Rubens durant cette période.
En 1608, Rubens retourne dans son pays natal, épouse une fille issue d'une riche famille bourgeoise, Isabella Brandt, et s'installe solidement à Anvers. À partir de ce moment-là, il connaît invariablement le succès en tant qu'artiste. Il reçoit les ordres de l'Église, de la cour, des bourgeois, et les cours étrangères commandent ses ouvrages.
Déjà dans les premières années du séjour de Rubens à Anvers, est né son atelier, une sorte d'académie d'art, remarquable non seulement par le nombre colossal de toiles créées ici, destinées à décorer les palais et temples de Flandre et d'autres capitales d'Europe, mais aussi pour attirer de jeunes talents travailler ensemble avec Rubens. Parallèlement, émerge l’école anversoise de gravure de reproduction, reproduisant les peintures originales de Rubens et de son entourage.
La maison de Rubens devient le centre de la vie artistique des Flandres, la crème de l'intelligentsia artistique et scientifique d'Europe s'y presse, les personnes les plus privilégiées sollicitent l'attention de l'artiste. Rubens a parfaitement transmis l'atmosphère de la vie de famille dans "Autoportrait avec Isabella Brandt"(1609-1610), le représentant lui et sa femme sous la canopée d'un chèvrefeuille en fleurs, dans des costumes élégants, voire formels, dénués de toute pose ou prétention, rayonnant de bonheur juvénile.
La première œuvre majeure à la maison fut les images d’autel de la célèbre cathédrale d’Anvers : "Élévation de la Croix"(1610-1611) et "Descente de Croix"(1611-1614), dans lequel Rubens créa une image d'autel classique du XVIIe siècle. En lui combiner la monumentalité(car c'est une peinture qui doit exprimer l'humeur d'un grand nombre de personnes, des idées très importantes qui leur sont compréhensibles) et le caractère décoratif(car une telle image est une tache colorée dans l'ensemble de l'intérieur).
Rubens s'est tourné vers les thèmes de l'Ancien et du Nouveau Testament, vers la représentation des saints, vers mythologie ancienne et sujets historiques, allégorie, genre quotidien, portrait, paysage. Grand peintre, il était aussi un grand maître du dessin (études d'après nature, compositions indépendantes, portraits, croquis ; environ 300 dessins ont survécu). L'art de Rubens, caractérisé par un sens vif et puissant de la nature et une imagination inépuisable, plein d'intrigues diverses, d'action, d'une abondance de personnages et d'accessoires et de gestes pathétiques.
L'art de Rubens est une expression typique du style baroque, qui acquiert dans ses œuvres ses caractéristiques nationales. Grand principe d'affirmation de la vie, la prédominance du sentiment sur la rationalité est caractéristique même des œuvres les plus dramatiques de Rubens. Caractéristique du baroque allemand et même italien caractéristiques de convention, d'exaltation extérieure et de mysticisme, je me retire t chez Rubens devant la puissante pression de la réalité vivante, la force physique, la passion, parfois même le déchaînement, l'ivresse de la nature. Rubens glorifie le type national de beauté. La Vierge Marie, comme Madeleine, apparaît comme une Flamande blonde, aux yeux bleus et aux courbes généreuses. Le Christ, même sur la croix, ressemble à un athlète. Sébastien est plein de force sous une pluie de flèches.
Les tableaux de Rubens sont pleins de mouvements violents. Habituellement, pour renforcer la dynamique, il recourt à un certain compositions où la direction diagonale prédomine. Ainsi, dans les deux images d’Anvers, par exemple, la diagonale est formée par la ligne de croix. Ce la direction dynamique est créée par des angles et des poses compliqués des personnages, qui sont interconnectés, formant environnement spatial complexe. Toutes les compositions de Rubens imprégné de mouvement, c’est véritablement un monde où il n’y a pas de paix.
Le pathos de la dynamique cosmique turbulente, la lutte des forces opposées domine dans les immenses toiles décoratives : « Jugement dernier", "Le moindre jugement dernier", "La chute des pécheurs", "Bataille des Amazones"(Années 1610, le tout à l'Alte Pinakothek, Munich). L'élément du chaos primordial est subordonné à une composition impeccablement organisée construite selon une diagonale, une ellipse, une spirale, sur des contrastes de silhouettes sombres et claires, des combinaisons et des taches de couleurs, des flots de lumière et des masses picturales ombragées, jeu difficile harmonies rythmiques. La lutte acharnée entre les hommes et les animaux sauvages s'incarne dans les scènes de chasse - un nouveau genre de peinture flamande créé par Rubens, qui se distinguait par un caractère plus conventionnel. (« Chasse au crocodile et à l'hippopotame », « Chasse au sanglier », 1615, "Chasse au lion" 1615-18), puis une approche du réel, combinaison du genre animalier et du paysage (« Chasse au sanglier », D'ACCORD. 1618-20). Le thème de la lutte de l’homme contre les forces de la nature est déjà présent dans les premières œuvres paysagères de l’artiste. (« Porteurs de pierres », D'ACCORD. 1620, Ermitage).
Rubens a compris et j'ai adoré l'antiquité, il transformait souvent les mythes en images pittoresques. Mais il a choisi principalement les sujets qui peuvent être incarnés dans des compositions dynamiques, exprimer la joie d'être, chanter l'hymne de la vie. Le pinceau de Rubens poétise l'élément sensuel. ("Statue de Cérès", entre 1612 et 1614 ; "Vénus et Adonis" 1615; "Union de la Terre dans l'Eau" D'ACCORD. 1618, "Le retour de Diane de la chasse", v. 1615-16, "Vénus devant le miroir" 1615-16), scènes de « Bacchanales », glorifiant la vie de la nature et la généreuse fertilité de la terre ("Bacchanales", 1615-20, "Procession de Silène" 1618,).
Les images de l'Antiquité classique acquièrent une authenticité terrestre sans s'enraciner ni perdre leur sublime, comme par exemple dans le chef-d'œuvre de l'Ermitage. "Persée et Andromède". Andromède, devenue une Flamande blonde et pleine de santé, Persée, plein de puissance, qui a libéré la belle de la captivité du dragon, son cheval ailé Pégase, les Amours, la gloire couronnant le héros - tout est couvert de poésie et plein d'un sentiment de jubilation. Ceci est particulièrement facilité par la couleur de l'image, le son solennel du bleu, du rouge, du jaune. Un coup de pinceau frémissant et vibrant traduit dans les plus fines nuances de tons roses et nacrés toute la beauté du corps d’Andromède. Les transitions de lumière et d'ombre sont imperceptibles, il n'y a pas de contours clairs, tous les objets semblent surgir de la lumière et de l'air. Rubens peint avec beaucoup de fluidité, parfois la tonalité du fond transparaît sous les peintures. Certes, les années 1920 étaient généralement caractérisées par des couleurs vives et des couleurs multicolores ; plus tard, Rubens se tournera vers une peinture plus monochrome.
Rubens créait généralement une petite esquisse du futur tableau, appliquant le dessin principal avec des traits brunâtres sur un fond clair et construisant une composition de couleurs à l'aide de quelques peintures claires. Les croquis de Rubens - de magnifiques créations de sa peinture (certaines d'entre elles se trouvent à l'Ermitage) - ont été rédigés rapidement, capturant le plan du maître ; Une fois le tableau prêt, avec l’aide de ses élèves, il l’a peint avec son pinceau. Cependant, ses meilleures œuvres sont créées par lui-même du début à la fin. Rubens adhère souvent à la vieille coutume néerlandaise consistant à peindre sur des planches de bois, recouvertes d'une fine couche de peinture sur un fond clair et créant l'effet d'une surface brillante et polie comme un miroir.
Les années 1620 et 1630 sont la période de l'activité créatrice la plus intense de Rubens.
Dans l'atelier anversois de Rubens, le travail battait son plein - parmi ses clients se trouvaient non seulement des nobles et de riches marchands, mais aussi la reine de France Marie de Médicis et la reine Isabelle d'Espagne. Rubens était surnommé « le roi des artistes et l’artiste des rois ». En 1623-1625. Rubens reçoit une commande pour un cycle de 21 tableaux de la reine de France Marie de Médicis, veuve d'Henri IV, pour décorer le Palais du Luxembourg. Des sujets de peu d'intérêt et sans signification historique (le mariage et la régence de la reine) sont le génie de Rubens. en a fait une brillante création d’art monumental et décoratif. Les scènes de la vie de Marie de Médicis ne peuvent pas être qualifiées de peintures historiques ; des personnages historiques y cohabitent avec des divinités antiques, des événements réels coexistent avec des allégories. Mais peu importe ce qu'il représente, tout a le caractère d'une vérité convaincante, d'une réalité et d'une fidélité au monde représenté, avec toute l'imagination artistique débridée.
Dans les années 1620. Rubens crée nouveau genre européen portrait baroque d'apparat, soulignant la signification sociale du modèle, dans lequel la grandeur est véhiculée par la pose du modèle, le costume et toutes sortes d'accessoires du décor.(portrait de Marie de Médicis, 1622). Une place particulière est occupée par la plus belle peinture transparente portrait de la servante de l'infante Isabelle(1625, Ermitage).
En 1626, Rubens perd son épouse bien-aimée. Une certaine période de sa vie touche à sa fin. Accablé par la solitude, l'artiste accepte une commande du souverain des Pays-Bas, l'infante Isabelle, et part en mission diplomatique en Espagne et en Angleterre (pour négocier la paix entre l'Espagne et l'Angleterre). Accueilli avec honneur par les rois d'Angleterre et d'Espagne comme un artiste de renommée mondiale, il acquiert de nouvelles relations, le patronage de la royauté, et est élevé à la dignité de noblesse et de chevalerie. En Espagne, Rubens y étudie les peintures richement présentées du Titien et rencontre le jeune Vélasquez.
En 1630, Rubens retourna à Anvers et épousa bientôt une jeune parente éloignée de seize ans de sa première épouse, Elena Fourmen (dans une autre transcription - Faurmen). Le mariage de Rubens devient une nouvelle étape de sa vie, remplie de bonheur familial serein. Il acquiert un domaine qui comprend le château de Sten (d'où le nom de cette période - « Sten »). Déçu par sa carrière à la cour et ses activités diplomatiques, il se consacre entièrement à la créativité. La maîtrise de feu Rubens se manifeste avec brio dans des œuvres relativement petites exécutées de sa propre main. L'image de sa jeune épouse devient le leitmotiv de son œuvre. Elle devient la muse de l'artiste dans la dernière période de son œuvre. L’idéal d’une beauté blonde avec un corps luxuriant et sensuel et une belle coupe de grands yeux étincelants s’est formé dans les œuvres du maître bien avant qu’Elena n’entre dans sa vie, devenant finalement l’incarnation visible de cet idéal. Rubens peint Hélène sous la forme de la biblique Bethsabée (1635), la déesse de Vénus (« Le Jugement de Pâris », vers 1638), l'une des trois grâces (vers 1639), inclut son image dans le tableau « La Jardin d'Amour » (vers 1635), comme rempli de rires et d'exclamations de jeunes couples rassemblés dans le parc, du bruissement des robes de soie, du frémissement de la lumière et de l'air. Il existe de nombreux portraits d'Elena dans sa robe de mariée, avec ses enfants, avec son fils aîné Franz et lors d'une promenade avec son mari dans le jardin. L'artiste crée l'image d'une Elena nue avec un manteau de fourrure bordé de fourrure de velours drapé sur ses épaules, rare par la franchise de ses sentiments personnels et sa peinture captivante. ("Manteau", 1638, Kunsthistorisches Museum, Vienne). Le portrait est construit sur les plus belles nuances de couleurs, sur le contraste de l'épaisse fourrure brune avec le velouté de la peau, la légèreté des cheveux imprégnés d'air et l'humidité des yeux brillants. Le corps de la femme est peint avec une puissance réaliste incroyable, il semble que vous sentiez le sang palpiter dans vos veines. Il s'agit d'une image très personnelle, intime, mais, comme dans toute grande œuvre, elle a une idée générale : Rubens glorifie la femme comme symbole de la vie.
Au cours de cette dernière décennie de sa vie, Rubens écrit davantage pour lui-même, guidé par ses propres choix de thèmes, mais il interprète également de nombreuses œuvres sur commande. Il peint des portraits, et bien que ce genre ne soit pas le plus important dans son œuvre, il s'inscrit néanmoins clairement dans le cadre du style. Dans son dernier autoportrait (1638-1639), Rubens parvient cependant à se montrer comme un psychologue subtil : tristesse, fatigue, traces de maladie et de nombreuses réflexions d'un homme déjà d'âge moyen, sage par l'expérience de la vie, sont écrites sur ce visage.
Rubens se tourne également vers la vie de la nature. Les paysages de feu Rubens reproduisent l'image épique de la nature de la Flandre avec ses espaces ouverts, ses distances, ses routes et ses habitants. La liberté calme ou, à l’inverse, les éléments enragés sont véhiculés par le pinceau de Rubens avec le même sens du réalisme et de l’affirmation constante de la vie. (« Arc-en-ciel », 1632-35, Ermitage ; « Retour des champs », 1636-38, Galerie Pitti, Florence).
Dans le sens d'un esprit véritablement populaire, Rubens est l'héritier du grand artiste hollandais Pieter Bruegel Muzhitsky. L'artiste dépeint le plein d'éléments joyeux fêtes folkloriques(« Danse paysanne », 1636-40, « Kermessa », vers 1635).
Au cours de la dernière décennie, les compétences picturales de Rubens se sont distinguées par leur virtuosité et leur extrême ampleur. La coloration devient plus monochrome, plus généralisée, le multicolore précédent se perd.
Rubens mourut en 1640, dans la fleur de l'âge créateur. Il a donné au monde environ 3 000 peintures et de nombreux dessins. Il avait de nombreux élèves, un immense atelier dans lequel de nombreuses œuvres étaient réalisées d’après les croquis de l’artiste par ses élèves. Van Dyck, Snyders, Jan Brueghel le Velours en faisaient partie. Mais ce n’est pas une question de nombre d’étudiants. L'importance historique de Rubens réside dans le fait qu'il a essentiellement fondé l'école flamande et déterminé la voie de son développement., qui a eu une énorme influence sur le développement ultérieur de l’art d’Europe occidentale, notamment au XIXe siècle.
Rubens a atteint une perfection et une facilité étonnantes dans l'art d'utiliser un pinceau - et cela a étonné les romantiques. Voici comment Eugène Delacroix écrivait à son sujet : « …il imitait Michel-Ange, mais de la manière la seule qu'il savait imiter ! Il était rempli des plus grands exemples, mais suivait le principe qu'il portait en lui… Il a le courage d'être lui-même... Je le boude parfois ! Je me dispute avec lui à cause de ses formes lourdes, à cause du manque de sophistication et de grâce... Mais même les erreurs de Rubens n'affaiblissent pas l'impression de ses tableaux, elles le sont. si imprégné d'une qualité très particulière de vrai courage. ... Rubens ressemble beaucoup plus à Homère que beaucoup de maîtres anciens. Il avait un génie similaire dans son esprit même... "
Le plus célèbre de tous les élèves de Rubens, qui étudia brièvement avec lui, mais devint bientôt le premier assistant de son atelier, était Antoine van Dyck (1599-1641).
Van Dyck s'est développé très tôt en tant qu'artiste. Fils d'un riche marchand anversois, il chercha toute sa vie à rejoindre l'aristocratie familiale et dans ses portraits et autoportraits, l'aristocratisme du modèle, sa fragilité et sa sophistication sont toujours soulignés.
C'est précisément un chéri du destin si élégant que l'on le voit sur autoportrait: une expression fatiguée est volontairement donnée à ce visage aux joues roses du Flamand, les traits de la féminité sont soulignés dans la nature. De belles mains bien soignées sont soigneusement représentées, le costume est aristocratiquement décontracté et les boucles sont développées de manière romantique. Il se peint tantôt comme Rinaldo, tantôt comme Pâris, tantôt comme Saint Sébastien, et dans toutes ses compositions religieuses transparaît une ambiance triste et élégiaque. Portraitant les riches bourgeois anversois, lui-même issus de ce milieu, van Dyck tente par tous les moyens d'aristocratiser les modèles, en leur conférant une expression nerveuse et une sophistication des formes.
Les sujets mythologiques et chrétiens occupent une grande place dans son œuvre, qu'il interprète avec son lyrisme caractéristique (« Suzanne et les Anciens », 1618-1620 ; "St. Jérôme", 1620; "Madonna aux perdrix" début des années 1630).
Mais le genre principal de van Dyck est le portrait. D'abord, Période anversoise(fin des années 10 - début des années 20), comme on appelle cette époque de son travail, il peint de riches bourgeois ou ses confrères artistes, écrit de manière strictement réaliste, avec un psychologisme subtil.
Mais à l'arrivée en Italie ce type de portrait cède la place à un autre. Ayant gagné l'amour de la noblesse génoise locale, van Dyck reçut de nombreuses commandes et créa un portrait cérémonial et représentatif, dans lequel s'exprimait tout d'abord l'appartenance de classe du modèle. La figure est présentée un peu par le bas, ce qui la rend plus majestueuse, monumentale ; les accessoires d'un riche costume et d'un mobilier renforcent cette impression. Les portraits de Van Dyck sont décoratifs dans toute leur structure : rythme plastique et linéaire, jeu du clair-obscur, qu'il a appris du Caravage, et bien sûr, couleur, dans lequel l'influence du plus grand coloriste Rubens se confond avec l'influence sur l'artiste de l'école de couleurs vénitienne ( portrait de Paolo Adorno).
En 1627, van Dyck retourna à Anvers et, depuis que Rubens partit pendant cette période pour l'Espagne et l'Angleterre, il devint pendant quelque temps la principale figure artistique de sa ville natale. Son succès en tant que peintre à la mode est énorme. Des hommes politiques, des prélats d'église, des aristocrates et de riches bourgeois, des beautés locales et des collègues artistes apparaissent dans une longue galerie des œuvres de Van Dyck de ces années-là ( des portraits appariés du couple Stevens ; portrait de l'artiste F. Snyders et etc.).
Au retour de Rubens dans son pays natal, ne voulant pas rivaliser avec le grand maître, l'ambitieux artiste part en Angleterre pour servir le roi Charles Ier (1632). L’école nationale anglaise de peinture venait tout juste de prendre forme et van Dyck fut accueilli avec joie et immédiatement littéralement bombardé de commandes. Charles Ier lui accorde le titre de peintre en chef du roi et l'élève au rang de chevalier. Van Dyck « rembourse » tout avec sa création galeries de portraits de cérémonie de l'aristocratie de la cour anglaise. Il présente ses modèles dans des intérieurs riches ou en plein air, le plus souvent en pleine hauteur, dans une pose spectaculaire, dans des vêtements colorés, clairement embellis. Mais les caractéristiques individuelles du modèle, subtilement capturées dans chaque cas individuel, le sens inhérent des proportions de Van Dyck et, bien sûr, le brillant talent de l'artiste - tout cela ensemble le sauve de la flatterie grossière ().
portrait de Thomas Wharton ; portrait de Philippe Wharton ; portrait de Charles Ier chassant
Pour l'Angleterre, van Dyck fut le fondateur d'une grande école d'art du portrait, qui connut un apogée exceptionnelle au XVIIIe siècle. Mais pour les écoles du continent, van Dyck, en tant que maître du portrait de cérémonie, revêtait une grande importance. (1593-1678), Le véritable disciple et directeur de l'école flamande après la mort de Rubens était Jacob Jordaens.
L'un des meilleurs assistants de Rubens dans son atelier, il a beaucoup appris du grand peintre, mais a réussi à ne pas perdre ses traits individuels. Comme van Dyck, il venait d’un milieu bourgeois. Quels que soient les sujets qu'il aborde – mythologiques, chrétiens, allégoriques – il est resté un réaliste sobre qui a réussi à préserver un esprit populaire sain. Son genre préféré est le quotidien. Des images d'autel et des peintures sur des thèmes mythologiques ont également été créées à travers le prisme des solutions de genre.
Un travail typique est "Fête du roi des haricots"- une image d'une fête de famille, répétée à plusieurs reprises par Jordanes : les tables sont remplies de nourriture, les visages brillent de contentement et ils éclatent de sourires. L'artiste cherchait ses images dans le milieu paysan, dans la foule populaire.
Dans une autre histoire commune - "Un satyre visitant un paysan"(sur le thème de la fable d'Ésope ; des versions de ce tableau sont disponibles dans de nombreux musées européens) la légende ancienne acquiert des traits nationaux flamands.
L'art de Jordaens est étroitement lié aux traditions des vieux Pays-Bas. Dans ses premières années, parmi les maîtres européens, il fut fortement influencé par le Caravage (« Adoration des bergers »). Plus tard, il s’intéresse moins aux effets de contrastes d’ombre et de lumière. La saturation des couleurs crée une composition festive, toujours pétillante de plaisir. La peinture de Jordanes est luxuriante, libre, plastiquement puissante, montrant les grandes capacités décoratives de l'artiste. La couleur nationale, le type national sont exprimés dans les œuvres de Jordaens avec la plus grande complétude et simplicité.
Un genre particulier dans l'art flamand du XVIIe siècle. était une nature morte dont le célèbre maître était Frans Snyders (1579-1657).
Dans ses peintures, des cadeaux de terre et d'eau magnifiquement peints s'entassent sur les tables : poisson, viande, fruits, gibier tué. En règle générale, ces natures mortes servaient de décoration décorative pour les intérieurs grands et riches, de sorte que la nature morte flamande est généralement de grande taille, contrairement aux Néerlandais (par exemple, le célèbre "Banc" Snyders, 1618-1621 : « Fish Shop », « Fruit Shop », exécutés pour l’évêché).
La peinture de genre de la Flandre est représentée dans l'art d'un artiste exceptionnellement doué Adriana Brouwer(Brouwer, Brower, 1606-1638).
Ayant vécu de nombreuses années en Hollande, Brouwer a peint de petites peintures sur des thèmes quotidiens. Ses héros sont des paysans et des plèbes urbains, ils jouent aux cartes, boivent, se battent, crient des chansons.
Dans les œuvres de Brouwer, il n'y a pas de décoration générale de l'école flamande ; elles sont réalisées dans l'esprit du réalisme hollandais et sont conçues pour un examen attentif (« Village Doctor »). Les intrigues sont parfois dramatiques, les visages, les expressions faciales, les poses, les gestes sont inhabituellement expressifs, l'ironie se mêle à l'amertume, et en ce sens Brouwer perpétue les traditions de Bruegel (« Le Combat »).
Son écriture est magistrale, artistique, pleine de subtiles relations de couleurs. Le laconisme du langage, la capacité d’exprimer l’essentiel avec un minimum de moyens, une sage retenue se manifestent pleinement dans les dessins de Brouwer, qui dans leur style lapidaire sont très proches de l’art moderne.
Abonné du navigateur - David Teniers le Jeune(1610-1690), dans son œuvre le thème paysan est interprété comme les fêtes rurales et les éléments décoratifs sont mis en valeur. Dans des compositions de grande taille mais à petits personnages, il représente des divertissements festifs en plein air, avec des danses, des repas et des conversations paisibles (« Vacances au village », « Mariage paysan »).
Dans la seconde moitié du XVIIe siècle. Il n’existe pas de grands maîtres dans la peinture flamande, mais la Flandre a déjà apporté sa contribution à l’art européen.
Le XVIIe siècle est l'époque de la création de l'École nationale des beaux-arts de Flandre. Comme en Italie, le baroque est devenu ici le mouvement dominant. Cependant, le baroque flamand diffère à bien des égards du baroque italien ; des traits réalistes y sont développés. L'apogée de la culture nationale et de l'art de la Flandre couvre la première moitié du XVIIe siècle, elle est déterminée par les particularités de la première révolution bourgeoise de la fin du XVIe siècle. Au début du XVIIe siècle. Dans l’art flamand, les formes d’art médiévales sont enfin dépassées. Les sujets et genres profanes se répandent : genres historiques et allégoriques, mythologiques, portraits et quotidiens, paysage. Après le maniérisme, l'académisme de l'école bolognaise et le caravagesme pénétrèrent depuis l'Italie. Basée sur le croisement de la tradition réaliste de la peinture ancienne des Pays-Bas et du caravagisme, la direction réaliste s'est développée et le style baroque monumental s'est épanoui. Le plus grand centre artistique de Flandre de la seconde moitié du XVIe siècle. est devenu Anvers.
Le chef de l'école flamande de peinture était Peter Paul Rubens (1577-1640). Le réalisme puissant et la version nationale du baroque s'expriment clairement dans son œuvre. Muraliste et peintre de chevalet né, graphiste, architecte-décorateur, concepteur de représentations théâtrales, diplomate de talent parlant plusieurs langues, scientifique et humaniste, il était tenu en haute estime dans les cours princières et royales. Rubens est le créateur de compositions baroques pathétiques, capturant tantôt l'apothéose du héros, tantôt remplies de tragédie. La puissance de l'imagination plastique, le dynamisme des formes et des rythmes, le triomphe du principe décoratif constituent la base de son œuvre.
Les premières œuvres (période anversoise) de Rubens (avant 1611-1613) témoignent de l'influence des Vénitiens et du Caravage. Rubens était un maître des peintures aux thèmes mythologiques et allégoriques. Dans les « Bacchanales » (1615-1620, Moscou, Musée Pouchkine), représentant une fête en l'honneur du dieu du vin Bacchus, les images mythologiques sont porteuses du principe élémentaire naturel, de la fertilité et de l'amour inépuisable de la vie. De la deuxième décennie du XVIIe siècle. la dynamique dramatique des compositions de Rubens s'intensifie. Dans « L'Enlèvement des filles de Leucippe » (1619-1620, Munich, Alte Pinakothek), le drame des passions qui captivent les héros atteint son paroxysme. Le talent de Rubens pour la peinture atteint son apogée dans les années 1620. La couleur est devenue le principal expresseur des émotions, organisant le début des compositions. Rubens a abandonné la couleur locale, s'est tourné vers la peinture multicouche tonale sur fond blanc ou rouge et a combiné une modélisation soignée avec de légères esquisses. A cette époque, vingt grandes compositions sur le thème « La Vie de Marie de Médicis » (1622-1625, Paris, Louvre) sont créées, destinées à décorer le Palais du Luxembourg. Dans « Autoportrait » (vers 1638, Vienne, Kunsthistorisches Museum), tout contribue à la révélation de l'idéal d'une personne douée, intelligente et sûre d'elle. Depuis les années 1630 La période tardive de l'activité artistique de Rubens commence. Las de la gloire et des honneurs, il se retira des activités diplomatiques, refusa les ordres officiels et passa la majeure partie de sa vie dans le château de campagne de Stan. Sa perception du monde est devenue plus profonde et plus calme. Les compositions ont acquis un caractère sobre et équilibré. L'artiste s'est concentré sur leur perfection picturale : la coloration a perdu sa multicolore et s'est généralisée. Ces dernières décennies de l'œuvre de Rubens représentent l'apogée de son développement artistique. Rubens s'est tourné vers la représentation de la vie des gens, peint des paysages, des portraits de ses proches, de sa femme, de ses enfants, lui-même entouré d'eux, il a particulièrement réussi dans les images d'enfants : « Portrait d'Elena Fourman avec des enfants », « Manteau de fourrure », ( 1638-1639, Vienne, Musée d'art historique). (1636, Persienne, Paris). La base folklorique de l'œuvre de Rubens se manifeste clairement dans « La Danse paysanne » (entre 1636 et 1640, Madrid, Prado).
L'évolution de l'œuvre d'Anthony Van Dyck (1599-1641) anticipe et détermine la voie de développement de l'école flamande dans la seconde moitié du XVIIe siècle. dans le sens de l'aristocratie et de la laïcité. L'artiste s'est tourné vers des solutions dramatiques aux thèmes et a concentré son attention sur les aspects psychologiques de la vie des personnages individuels. Cela a déterminé le tournant de Van Dyck vers le portrait. Il y crée une sorte de portrait aristocratique brillant, l'image d'un homme sophistiqué, intelligent et noble. (« Portrait de famille », entre 1618 et 1626, Saint-Pétersbourg, Hermitage). Van Dyck passa les dix dernières années de sa vie en Angleterre à la cour de Charles Ier. Les types de portraits qu'il développa influencèrent le développement ultérieur de l'anglais et Portrait européen.
À la sophistication de l'art de Van Dyck s'opposait l'art joyeux de Jacob Jordanes (1593-1678), qui créa une galerie de types folkloriques caractéristiques. Comme Rubens, son art est imprégné d'un sens puissant de la vie de la nature et de ses éléments sensuels. Jordanes a peint des images d'autel et des peintures sur des thèmes mythologiques, mais les a interprétés en termes de genre. Parmi les plus caractéristiques figure la « Fête du roi des haricots » (vers 1638, Saint-Pétersbourg, Ermitage).
Au 17ème siècle la nature morte s'impose comme un genre indépendant. Cela reflétait un intérêt pour le monde matériel qui trouve son origine dans la « peinture des choses » hollandaise du début du XVe siècle. Les « boutiques de vie » flamandes sont des toiles de grande taille, de couleurs vives ; elles servaient de décoration aux murs des palais spacieux de la noblesse flamande, glorifiant la beauté et la richesse de l'existence terrestre. Frans Snyders (1579-1657) était un maître majeur des natures mortes décoratives monumentales et des « scènes de chasse ». Les objets aux dimensions exagérées semblent dotés d'une vitalité extraordinaire, les lignes agitées qui les dessinent génèrent un rythme dynamique et orageux (Une série de « bancs » pour le palais de chasse champêtre de l'archevêque Trist dans la ville de Bruges (années 1620, Saint-Pétersbourg). , Hermitage). Démocratique La ligne de la peinture flamande du XVIIe siècle était représentée par l'œuvre d'Adrian Brouwer (1605/06-1638), élève de Frans Hals, qui peignait de petites peintures, poursuivant ainsi la tradition grotesque et humoristique de la peinture. peinture de genre de Pieter Bruegel, contrairement à Bruegel, le créateur de larges panoramas de la vie populaire, Brouwer s'est tourné vers des situations quotidiennes spécifiques et des personnages expressifs, représentant des scènes de beuveries, de jeux de cartes et de dés, qui se transformaient souvent en bagarres (« Dans une taverne », années 1630, Munich, Alte Pinakothek).
Dans la seconde moitié du XVIIe siècle. le contenu de la peinture flamande devient moins profond. Des tendances à l’idéalisation et au divertissement externe apparaissent. Ces caractéristiques caractérisent l'œuvre de l'un des peintres les plus éminents du milieu du XVIIe siècle. David Teniers le Jeune (1610-1690). Dans des compositions de grande taille mais de petite taille, belles en couleurs et en design décoratif, il aimait représenter des repas joyeux avec des danses en plein air, des mariages paysans («Village Holiday», 1646, Saint-Pétersbourg, Ermitage), créant en eux des compositions idylliques. des images d’une vie joyeuse, insouciante et satisfaite.
La lutte de libération contre l’Espagne s’est terminée différemment au nord et au sud des Pays-Bas. En 1598, le roi espagnol Philippe II, après une guerre longue et sanglante, fut contraint de faire des concessions. Les Pays-Bas du nord obtinrent leur indépendance totale et les provinces du sud obtinrent une souveraineté formelle, tout en conservant l'autorité du vice-roi royal et de l'Église catholique. Au début du XVIIe siècle, une seule école d'art hollandaise a cessé d'exister et, à sa place, deux écoles indépendantes ont commencé à se former. écoles d'art- Flamand et néerlandais. Au XVIIe siècle, ils connurent leur plus grande prospérité.
Les provinces du sud des Pays-Bas, dirigées par la Flandre et le Brabant (principalement le territoire de la Belgique moderne), restées sous domination espagnole, menaient une vie agitée, constamment tourmentées par la menace de guerre. Cependant, le court répit accordé par la trêve de 1609 à 1621 eut un effet bénéfique sur la vie spirituelle du pays. Ici, au tournant du siècle, une école d'experts en antiquités et d'humanistes s'est formée. Le gouverneur lui-même a écouté les conférences de l'un d'eux, un éminent scientifique, historien et philologue flamand, éditeur des œuvres de l'ancien philosophe romain Sénèque, Justus Lipsia, à l'Université de Louvain. Mais la page la plus marquante de la culture du XVIIe siècle fut celle des Pays-Bas du Sud (on les appelle Flandres du nom de la plus grande province) avec leur peinture.
Au tournant du XVIe et XVIIe siècles les traditions de l’époque précédente étaient encore vivantes ici. Lieu important La peinture flamande était dominée par le paysage. Le plus jeune fils de Pieter Bruegel l'Ancien, Jan Bruegel (1568-1625), surnommé Velvet pour la sophistication de sa peinture, continue à travailler.
Les peintures religieuses ont été créées dans la Flandre catholique principalement pour décorer les églises. Cependant, de nombreuses compositions basées sur des sujets de l'Ancien et du Nouveau Testament ont commencé à être perçues comme des bâtiments laïques historiques et décorés.
La peinture flamande a trouvé son vrai visage après le retour de Peter Pauwel Rubens (1577-1640) dans son pays natal en 1606 après un séjour de huit ans en Italie. L'œuvre de ce maître a absorbé tout ce qu'il y avait de plus avancé et de plus significatif culture européenne ce temps. Intelligence, talent et éducation extraordinaires, inépuisables fantaisie artistique l'artiste était admiré par ses contemporains. Peintre, historien de l'Antiquité, archéologue et historien de l'architecture, il a mené des missions diplomatiques complexes, recherchant la paix pour sa patrie qui souffre depuis longtemps. Rubens aimait passionnément la Flandre, ressentait l'esprit de ses habitants, l'attitude pleine de sang des Flamands envers la vie était proche de lui, il partageait leur rêve passionné de paix et de prospérité.
Le rêve de bonheur et d'abondance alimentait l'œuvre de l'assistant constant de Rubens, le plus grand maître de la nature morte flamande, Frans Snyders (1579-1657).
Lié par des liens forts avec Rubens, Anthony Van Dyck (1599-1641) fut l'un des plus grands portraitistes du XVIIe siècle. La précision de l'observation se conjugue dans ses œuvres avec la volonté d'affirmer la noblesse spirituelle raffinée du modèle.
L’apogée de l’école flamande de peinture n’a duré qu’à peine plus de trois décennies. Le déclin commença à se faire sentir peu après la mort de Rubens. En 1632, van Dyck partit pour l'Angleterre et en 1657 Snyders mourut. Et seul Jacob Jordanes (1593-1678), ayant vécu longue vie, a continué à créer ses peintures dans la seconde moitié du siècle. Sa peinture forte, calme et brute gravitait vers des types et des images folkloriques communes.
Les scènes de genre paysannes ont été peintes par le peintre David Teniers le Jeune (1610-1690). Il connut le succès de son vivant et fut acheté avec impatience par les collectionneurs au cours des siècles suivants. Les compositions de Teniers regorgent d'épisodes quotidiens. L'essentiel pour l'artiste était vie courante alentours du village et ses habitués.