Principales tendances, étapes de développement de la peinture et peintres emblématiques de la Hollande.
Peinture hollandaise
Introduction
La peinture hollandaise du XVIIe siècle est parfois considérée à tort comme un art destiné à la classe moyenne, admirant la peinture flamande de cette période et la qualifiant de courtoise et aristocratique. Non moins erronée est l'opinion selon laquelle les artistes néerlandais se consacrent uniquement à la représentation de l'environnement humain immédiat, utilisant à cette fin les paysages, les villes, les mers et la vie des gens, tandis que l'art flamand se consacre à la peinture historique, qui dans la théorie de l'art est considérée comme une peinture plus sublime. genre. En revanche, les bâtiments publics hollandais, censés avoir une apparence imposante, ainsi que les visiteurs fortunés, quelles que soient leurs croyances ou leurs origines religieuses, avaient besoin de peintures aux thèmes allégoriques ou mythologiques.
Toute division de l'école de peinture hollandaise en branches flamande et hollandaise jusqu'au début du XVIIe siècle. en raison de l’échange créatif constant entre les zones, cela serait artificiel. Par exemple, Pieter Aertsen, né à Amsterdam, a travaillé à Anvers avant de retourner dans sa ville natale en 1557, et son élève et neveu Joachim Bukelaer a passé toute sa vie à Anvers. Dans le cadre de la signature de l'Union d'Utrecht et de la séparation des sept provinces du nord, de nombreux habitants après 1579-1581. émigré du nord des Pays-Bas vers la partie protestante de ce pays artificiellement divisé.
"Boucherie" Artsen.
Développement de l'art
Impulsion au développement indépendant Peinture hollandaise provenaient d'artistes flamands. Bartholomeus Spranger, né à Anvers et éduqué à Rome, est devenu le fondateur d'un style virtuose, courtois et artificiel qui, grâce à la résidence temporaire de Spranger à Vienne et à Prague, est devenu une « langue » internationale. En 1583, le peintre et théoricien de l'art Karel van Mander introduit ce style à Haarlem. L'un des principaux maîtres de ce maniérisme de Haarlem ou d'Utrecht fut Abraham Bloemaert.
Puis Isaiah van de Velde, né en Hollande dans une famille d'émigrants flamands, et étudiant dans un cercle de peintres centré sur les artistes flamands David Vinkboons et Gillies Koninksloe, développe dans ses premières peintures un style de peinture réaliste, qui fait référence à Jan Bruegel. l'Ancien, avec des dégradés de couleurs vives de plans artistiques. Vers 1630, une tendance à l'unification s'installe en Hollande espace artistique et la fusion des couleurs de différentes couches. Depuis lors, la nature multiforme des objets représentés a cédé la place à une sensation d’espace et à une atmosphère de brume aérienne, véhiculées par une utilisation progressivement croissante de la couleur monochrome. Isaiah van de Velde a incarné cette révolution stylistique dans l'art avec son élève Jan van Goen.
Paysage d'hiver. Velde.
L'un des paysages les plus monumentaux du haut baroque, "La Grande Forêt", de Jacob van Ruisdael, appartient à la prochaine période de développement de la peinture hollandaise. Le spectateur n'a plus à ressentir l'aspect plutôt amorphe d'un espace tentaculaire aux tons gris-brun avec quelques motifs marquants ; l'impression est désormais faite d'une structure fixe et énergiquement accentuée.
Peinture de genre
Néerlandais peinture de genre, qui, en fait, peut difficilement être qualifié de simple portrait la vie quotidienne, souvent porteur d'un message moraliste, est représenté à Vienne par les œuvres de tous ses principaux maîtres. Son centre était Leiden, où Gérard Doux, le premier élève de Rembrandt, fonda une école connue sous le nom d'École de peinture fine de Leiden (fijnschilders).
Peinture figurative
Réunion des dirigeants de la société. Frans Hals.
Les trois plus grands maîtres hollandais de la peinture figurative, Frans Hals, Rembrandt et Johannes Vermeer de Delft, se sont succédé à un intervalle de près d'une génération. Hals est né à Anvers et a travaillé à Haarlem principalement comme portraitiste. Pour beaucoup, il est devenu la personnification du peintre virtuose ouvert, joyeux et spontané, tandis que l'art de Rembrandt, penseur - comme le dit le cliché - révèle les origines du destin humain. C’est à la fois juste et faux. Ce qui attire immédiatement l'attention lorsqu'on regarde un portrait ou un portrait de groupe de Hals, c'est la capacité de transmettre une personne submergée d'émotion par le mouvement. Pour représenter un moment éphémère, Hals utilise des coups de pinceau ouverts et sensiblement irréguliers, se croisant en zigzags ou en hachures croisées. Cela crée l’effet d’une surface constamment scintillante, comme un croquis, qui ne se fond en une seule image que lorsqu’on la regarde à une certaine distance. Après le retour des « cadeaux » de Rothschild, un portrait expressif d'un homme en noir fut acquis pour la collection du prince du Liechtenstein et retourna ainsi à Vienne. Le Kunsthistorisches Museum ne possède qu'un seul tableau de Franz Hals, un portrait jeune homme, qui figurait déjà dans la collection de Charles VI comme l'un des rares exemples d'art « protestant » en Hollande. Portraits peints en période tardiveœuvres de Hals, plus proches des œuvres de Rembrandt en termes de pénétration psychologique et de manque de pose.
Grâce à de subtiles transitions de nuances et de zones de clair-obscur, le clair-obscur de Rembrandt semble envelopper les personnages dans un espace résonant dans lequel résident l'ambiance, l'atmosphère, quelque chose d'intangible et même d'invisible. L'œuvre de Rembrandt à Vienne galerie d'art n'est représenté que par des portraits, bien que « La Mère de l'Artiste » et « Le Fils de l'Artiste » puissent également être considérés comme des peintures historiques à un seul personnage. Dans le soi-disant « Grand Autoportrait » de 1652, l’artiste apparaît devant nous dans une blouse marron, le visage tourné aux trois quarts. Son regard est sûr de lui et même provocant.
Vermeer
L'art peu dramatique de Vermeer, entièrement axé sur la contemplation, était considéré comme le reflet de la classe moyenne néerlandaise, désormais indépendante et satisfaite de ce qu'elle avait. Cependant, la simplicité des concepts artistiques de Vermeer est trompeuse. Leur clarté et leur calme sont le résultat d’une analyse précise, incluant le recours aux dernières inventions techniques comme la camera obscura. "Allégorie de la peinture", créée vers 1665-1666, l'œuvre phare de Vermeer en termes de travail avec la couleur, peut être considérée comme sa peinture la plus ambitieuse. Le processus entamé par Jan van Eyck, originaire du nord des Pays-Bas, contemplation passive et détachée du monde immobile, est toujours resté thème principal La peinture hollandaise et les œuvres de Vermeer ont atteint une apothéose à la fois allégorique et réelle.
Mise à jour : 16 septembre 2017 par : Gleb
Jusqu'à la fin du XVIe siècle, la peinture hollandaise était indissociable de la peinture flamande et portait le nom général d'« école hollandaise ». Tous deux, étant une branche de la peinture allemande, considèrent les frères van Eyck comme leurs ancêtres et évoluent depuis longtemps dans la même direction, développant la même technique, de sorte que les artistes hollandais ne sont pas différents de leur Flandre. et les frères brabançons.
Lorsque le peuple néerlandais s'est débarrassé de l'oppression de l'Espagne, la peinture hollandaise a acquis un caractère national. Les artistes hollandais se distinguent par leur reproduction de la nature avec un amour particulier dans toute sa simplicité et sa vérité et un sens subtil de la couleur.
Les Néerlandais ont été les premiers à comprendre que même dans la nature inanimée, tout respire la vie, tout est attrayant, tout est capable d'évoquer la pensée et d'exciter le mouvement du cœur.
Parmi les peintres paysagistes interprétant leur nature domestique, sont particulièrement respectés par Jan van Goyen (1595-1656), qui, avec Esaias van de Velde (vers 1590-1630) et Pieter Moleyn l'Ancien (1595-1661), est considéré comme le fondateur du paysage hollandais.
Mais les artistes hollandais ne peuvent être divisés en écoles. L’expression « école de peinture hollandaise » est très arbitraire. En Hollande, il existait des sociétés organisées d'artistes, qui étaient des sociétés libres qui protégeaient les droits de leurs membres et n'influençaient pas l'activité créatrice.
Le nom de Rembrandt (1606-1669) brille particulièrement dans l'histoire, dans la personnalité duquel se concentraient toutes les meilleures qualités de la peinture hollandaise et son influence se reflétait dans tous ses types - dans les portraits, peintures historiques, scènes du quotidien et paysage.
Au XVIIe siècle, la peinture domestique se développe avec succès, dont les premières expériences sont notées dans l'ancien école néerlandaise. Dans ce genre, les noms les plus célèbres sont Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704) Henrik Roques, surnommé Sorg (1621-82),
Les artistes qui ont peint des scènes de la vie militaire peuvent être classés parmi les peintres de genre. Le principal représentant de cette branche de la peinture est le célèbre et extraordinairement prolifique Philips Wouwerman (1619-68).
Dans une catégorie spéciale, nous pouvons distinguer les maîtres qui, dans leurs peintures, combinaient des paysages avec des images d'animaux, le plus célèbre parmi ces peintres d'idylles rurales est Paulus Potter (1625-1654) ; Albert Cuyp (1620-91).
Les artistes hollandais accordaient la plus grande attention à la mer.
Dans l'œuvre de Willem van de Velde l'Ancien (1611 ou 1612-93), de son célèbre fils Willem van de Velde le Jeune (1633-1707), de Ludolf Backhuisen (1631-1708), la peinture de vues sur la mer était leur spécialité.
Dans le domaine de la nature morte, les plus célèbres furent Jan-Davids de Gem (1606-83), son fils Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93) .
La période brillante de la peinture hollandaise n'a pas duré longtemps - seulement un siècle.
Depuis le début du XVIIIe siècle. son déclin approche, la raison en est les goûts et les vues de l'époque pompeuse de Louis XIV. Au lieu d'un rapport direct à la nature, de l'amour de ce qui est indigène et de la sincérité, s'établit la domination des théories préconçues, des conventions et de l'imitation des sommités de l'école française. Le principal propagateur de cette regrettable tendance fut le Flamand Gérard de Leresse (1641-1711), installé à Amsterdam.
Le déclin de l'école a également été facilité par le célèbre Adrian van de Werff (1659-1722), dont les couleurs ternes de ses peintures semblaient autrefois le comble de la perfection.
L'influence étrangère a pesé lourdement sur la peinture hollandaise jusque dans les années vingt du XIXe siècle.
Par la suite, les artistes néerlandais se sont tournés vers leur antiquité – vers une stricte observation de la nature.
La dernière peinture hollandaise des peintres paysagistes est particulièrement riche. Il s'agit notamment d'Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (né en 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) et d'autres.
Parmi les peintres de marine les plus récents des Pays-Bas, la palme appartient à Johannes Schotel (1787-1838).
Wouters Verschoor (1812-1874) fit preuve d'une grande habileté dans la peinture des animaux.
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L'essor de l'art néerlandais
L’ère de prospérité de l’art du réalisme ne dura pas longtemps en Hollande. Cette période couvre tout le XVIIe siècle, mais l'ampleur de son importance dépasse largement les données cadre chronologique. Les artistes néerlandais de cette époque sont devenus des modèles pour la génération suivante de peintres. Pour que ces propos ne semblent pas infondés, il convient de mentionner les noms de Rembrandt et Hals, Potter et Ruisdael, qui ont renforcé à jamais leur statut de maîtres inégalés de la représentation réaliste.
Un représentant très important du Néerlandais Jan Vermeer. Il est considéré comme le personnage le plus mystérieux de l’apogée de la peinture hollandaise, puisque, bien que célèbre de son vivant, il se désintéressa de sa personne moins d’un demi-siècle plus tard. On sait peu de choses sur les informations biographiques de Vermeer ; la plupart des historiens de l'art ont exploré son histoire en étudiant ses œuvres, mais il y avait là aussi des difficultés : l'artiste n'a pratiquement pas daté ses peintures. Les plus précieuses d'un point de vue esthétique sont considérées comme les œuvres de Jan "La femme de ménage avec un pichet de lait" et "La fille avec une lettre".
Des artistes non moins célèbres et respectables étaient Hans Memling, Hieronymus Bosch et le brillant Jan van Eyck. Tous les créateurs se distinguent par leur attrait pour le quotidien, qui se reflète dans les natures mortes, les paysages et les portraits.
A laissé sa marque sur le développement ultérieur art français la seconde moitié du XVIIe siècle et est devenu un modèle pour les paysages réalistes créés à la Renaissance. Les artistes réalistes russes ont également prêté attention aux Néerlandais. Nous pouvons affirmer avec certitude que l'art des Pays-Bas est devenu progressiste et exemplaire et a réussi à se refléter dans la toile de chacun. artiste exceptionnel, qui a écrit des études naturelles.
Rembrandt et son héritage
Le nom complet de l'artiste est Rembrandt van Rijn. Il est né au cours de la mémorable année 1606 dans une famille assez prospère pour l’époque. Étant le quatrième enfant, il a quand même reçu une bonne éducation. Le père voulait que son fils obtienne un diplôme universitaire et devienne une figure exceptionnelle, mais ses attentes n'ont pas été satisfaites en raison des faibles résultats scolaires du garçon, et pour que tous les efforts ne soient pas vains, il a été contraint de céder au gars. et d'accord avec son désir de devenir artiste.
Les professeurs de Rembrandt étaient les artistes néerlandais Jacob van Swanenburch et Pieter Lastman. Le premier avait des compétences en peinture plutôt médiocres, mais réussit à se faire respecter par sa personnalité, puisqu'il passa longtemps en Italie, communiquant et travaillant avec des artistes locaux. Rembrandt ne resta pas longtemps avec Jacob et partit à la recherche d'un autre professeur à Amsterdam. Là, il étudie avec Peter Lastman, qui devient pour lui un véritable mentor. C'est lui qui enseigne au jeune homme l'art de la gravure dans la mesure où ses contemporains peuvent l'observer.
Comme en témoignent les œuvres du maître, exécutées en grande quantité, Rembrandt devint un artiste pleinement formé en 1628. Ses croquis étaient basés sur n'importe quel objet et les visages humains ne faisaient pas exception. Lorsqu'on parle de portraits d'artistes hollandais, on ne peut manquer de mentionner le nom de Rembrandt, qui, de par son jeunesse est devenu célèbre pour son talent remarquable dans ce domaine. Il a peint de nombreux tableaux de son père et de sa mère, qui sont aujourd'hui conservés dans des galeries.
Rembrandt a rapidement gagné en popularité à Amsterdam, mais n'a cessé de s'améliorer. Dans les années 30 du XVIIe siècle, ses célèbres chefs-d'œuvre « Leçon d'anatomie » et « Portrait de Coppenole » ont été créés.
Un fait intéressant est qu'à cette époque, Rembrandt épousa la belle Saxia et qu'une période fertile d'abondance et de gloire commença dans sa vie. La jeune Saxia est devenue la muse de l’artiste et a été incarnée dans plus d’un tableau. Cependant, comme en témoignent les historiens de l’art, ses traits se retrouvent à plusieurs reprises dans d’autres portraits du maître.
L'artiste mourut dans la pauvreté, sans perdre la renommée qu'il avait acquise de son vivant. Ses chefs-d'œuvre sont concentrés dans toutes les grandes galeries du monde. Il peut à juste titre être qualifié de maître, dont les œuvres représentent une synthèse de l'ensemble de l'histoire médiévale. peinture réaliste. Techniquement, son travail ne peut pas être qualifié d'idéal, car il ne s'est pas efforcé d'être précis dans la construction du dessin. L'aspect artistique le plus important qui le distinguait des représentants des écoles de peinture était son jeu inégalé de clair-obscur.
Vincent Van Gogh - une pépite de génie
En entendant l’expression « grands artistes hollandais », beaucoup de gens imaginent immédiatement dans leur tête l’image de Vincent Van Gogh, ses peintures indéniablement belles et luxuriantes, qui n’ont été appréciées qu’après la mort de l’artiste.
Cette personne peut être qualifiée de personnalité unique et brillante. Fils d'un pasteur, Van Gogh, comme son frère, a suivi les traces de leur père. Vincent a étudié la théologie et a même été prédicateur dans la ville belge du Borinage. Il travaille également comme commissionnaire et divers déménagements. Cependant, le service paroissial et le contact étroit avec la dure vie quotidienne des mineurs ont ravivé le sentiment intérieur d'injustice chez le jeune génie. En contemplant chaque jour les champs et la vie des travailleurs, Vincent est tellement inspiré qu'il se met à dessiner.
Les artistes néerlandais sont principalement connus pour leurs portraits et paysages. Vincent Van Gogh ne faisait pas exception. À trente ans, il abandonne tout et commence à se lancer activement dans la peinture. Durant cette période, il a été créé œuvres célèbres"Mangeurs de pommes de terre", "Paysanne". Toutes ses œuvres sont empreintes d'une sympathie forcenée pour des gens ordinaires qui nourrissent le pays tout entier, mais peuvent à peine nourrir leur propre famille.
Plus tard, Vincent se rend à Paris et l'orientation de son travail change quelque peu. Des images intenses et de nouveaux thèmes d'empathie apparaissent. Le style de vie à moitié carcéral et le mariage avec une prostituée se reflètent dans son art, clairement visible dans les tableaux « Night Cafe » et « Prisoners’ Walk ».
Amitié avec Gauguin
À partir de 1886, van Gogh s’intéresse à l’étude de la peinture en plein air des impressionnistes et développe un intérêt pour les estampes japonaises. C’est à partir de ce moment que les œuvres de l’artiste montrent traits caractéristiques Gauguin et Toulouse-Lautrec. Tout d’abord, cela se voit dans le changement dans la transmission de l’ambiance des couleurs. Les traits riches commencent à dominer les œuvres jaune, ainsi qu'un « éclat » bleu. Les premiers croquis aux couleurs caractéristiques furent : « Pont sur la Seine » et « Portrait du Père Tanguy ». Ce dernier éblouit par sa luminosité et ses traits audacieux.
L'amitié entre Gauguin et Van Gogh était de nature corrélationnelle : ils s'influençaient mutuellement sur la créativité, bien qu'ils utilisaient des outils d'expression différents, échangeaient activement des cadeaux sous la forme de leurs propres peintures et se disputaient sans relâche. La différence entre les personnages, la position précaire de Vincent, qui considérait ses manières picturales comme « bestiales rurales », ont donné lieu à des polémiques. D’une certaine manière, Gauguin était une personnalité plus terre-à-terre que Van Gogh. Les passions dans leur relation sont devenues si intenses qu'un jour ils se sont disputés dans leur café préféré et Vincent a lancé un verre d'absinthe à Gauguin. La querelle ne s'arrête pas là, et le lendemain s'ensuit une longue série d'accusations contre Gauguin, qui, selon Van Gogh, est coupable de tout. C'est à la fin de cette histoire que le Néerlandais est si furieux et déprimé qu'il le fait. il lui a coupé une partie de l'oreille et l'a aimablement offerte en cadeau à une prostituée.
Les artistes néerlandais, quelle que soit l'époque de leur vie, ont prouvé à plusieurs reprises à la société leur manière inégalée de transférer des moments de la vie sur toile. Cependant, peut-être que personne au monde n'a jamais pu obtenir le titre de génie sans avoir la moindre compréhension des techniques de dessin, de la composition et des méthodes d'expression artistique. Vincent Van Gogh est un génie unique qui a réussi à acquérir une reconnaissance mondiale grâce à sa persévérance, sa pureté d'esprit et sa soif de vie exorbitante.
Ayant gagné la lutte contre l’Espagne pour son indépendance, la Hollande bourgeoise est devenue l’État économiquement le plus développé d’Europe occidentale. Amsterdam, la principale ville néerlandaise, est devenue l'un des plus grands centres commerciaux d'Europe.
Parallèlement à l'économie, la peinture hollandaise se développe également. Contrairement à d'autres pays d'Europe occidentale, les peintures baroques de palais et de châteaux n'étaient pas populaires en Hollande - la faiblesse de la noblesse constituait un obstacle au développement. arts décoratifs. L’Église calviniste de Hollande n’a pas non plus cherché à décorer ses églises avec des œuvres de peinture.
Néanmoins, la peinture est florissante en Hollande : les artistes reçoivent de nombreuses commandes de particuliers. Même les paysans hollandais pouvaient accrocher un petit tableau chez eux tant les créations de ces artistes étaient si bon marché.
Au 17ème siècle Plus de deux mille artistes ont travaillé dans la petite Hollande. Ils mettent en marche la production de tableaux, fabriquent des toiles par lots entiers et les remettent aux vendeurs. Presque tous les maîtres interprétaient de deux à cinq compositions par semaine.
Souvent, la production de peintures dépassait la demande, de sorte que pour se nourrir, les artistes devaient simultanément s'engager dans d'autres travaux. Des maîtres aussi célèbres que J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen et bien d'autres étaient à la fois employés, jardiniers et taverniers.
En règle générale, les peintres se spécialisaient dans un sujet spécifique. Par exemple, H. Averkamp a peint des vues hivernales, E. van der Poel a représenté des incendies nocturnes, G. Terborch et G. Metsu - des scènes de tous les jours, P. Claes et V. K. Heda - des natures mortes-petits-déjeuners.
Très souvent, les artistes travaillaient collectivement sur un tableau : l'un peignait le ciel, l'autre l'herbe et les arbres, le troisième des figures humaines. Les œuvres les plus réussies auprès du public ont été copiées et ont servi de modèle pour la création d'innombrables versions.
Bien que l'art des peintres talentueux soit subordonné à des objectifs commerciaux, les maîtres parviennent généralement à éviter le mensonge. La plupart de ces peintures se distinguent par leur réalisme, l'intégrité et la clarté de leur composition, la fraîcheur de leurs couleurs et leur excellente technique d'exécution.
Le genre du portrait s'est répandu dans la peinture hollandaise. a joué un rôle majeur dans la vie du pays diverses organisations(société de tir, groupes de représentants de la corporation médicale et magasins de commerce), qui ont contribué à l'émergence d'un portrait public de groupe.
La lutte à long terme contre les colonialistes espagnols a aiguisé le sentiment identité nationale Par conséquent, en peinture, outre le réalisme, la représentation de traits nationaux caractéristiques a été particulièrement appréciée. Les artistes peignaient la mer et les navires, le bétail, les fleurs. En plus du portrait, des genres tels que le paysage et la nature morte se sont développés. Il y avait aussi peinture religieuse, mais il n’y avait aucun élément de mysticisme dedans ; histoires bibliques se sont présentés
par l'artiste plutôt que des scènes du quotidien.
Frans Hals
Frans Hals est né vers 1581 à Anvers dans une famille de tisserands. Dans sa jeunesse, il vint à Haarlem, où il vécut presque constamment jusqu'à sa mort (en 1616, il visita Anvers et au milieu des années 1630 - Amsterdam). On sait peu de choses sur la vie de Hulse. En 1610, il entra dans la Guilde de Saint-Luc et en 1616, il entra dans la chambre des rhéteurs (acteurs amateurs).
Très vite, Hals devint l'un des plus portraitistes célèbres Haarlem. Aux XVe-XVIe siècles. dans la peinture des Pays-Bas, il y avait une tradition de peindre des portraits uniquement de représentants cercles dirigeants, des personnes célèbres et des artistes. L'art de Hals est profondément démocratique : dans ses portraits, on peut voir un aristocrate, un citoyen riche, un artisan et même une personne du bas de l'échelle. L'artiste ne cherche pas à idéaliser les personnes représentées ; l'essentiel pour lui est leur naturel et leur unicité. Ses nobles se comportent aussi détendus que les représentants des couches inférieures de la société, qui dans les peintures de Khals sont représentés comme des gens joyeux qui ne sont pas dénués d’estime de soi.
Les portraits de groupe occupent une grande place dans le travail de l’artiste. Les meilleures œuvres Les portraits des officiers de la compagnie de fusiliers de Saint-Georges (1627) et de la compagnie de fusiliers de Saint-Adrien (1633) sont devenus de ce genre. Chaque personnage des peintures a sa propre personnalité, et en même temps, ces œuvres se distinguent par leur intégrité.
Hals a également peint des portraits commandés représentant de riches bourgeois et leurs familles dans des poses détendues (« Portrait d'Isaac Massa », 1626 ; « Portrait de Hethuisen », 1637). Les images de Hals sont vivantes et dynamiques ; il semble que les personnages des portraits parlent à un interlocuteur invisible ou s’adressent au spectateur.
Les représentants du milieu populaire dans les portraits de Khals se distinguent par leur vive expressivité et leur spontanéité. Dans les images de garçons des rues, de pêcheurs, de musiciens et de visiteurs de tavernes, on sent la sympathie et le respect de l’auteur. Son « Gypsy » est remarquable. La jeune femme souriante semble étonnamment vivante, son regard narquois dirigé vers son interlocuteur, invisible aux yeux du public. Hals n'idéalise pas son modèle, mais l'image d'un gitan joyeux et échevelé ravit par son charme joyeux.
Très souvent, les portraits de Hulse comportent des éléments d'une scène de genre. Il s'agit d'images d'enfants chantant ou jouant d'instruments de musique (« Singing Boys », 1624-1625). La célèbre « Malle Babbe » (début des années 1630) a été interprétée dans le même esprit, représentant une célèbre taverne de Haarlem, que les visiteurs appelaient derrière son dos la sorcière de Haarlem. L'artiste a représenté de manière presque grotesque une femme avec une énorme chope de bière et un hibou sur l'épaule.
Dans les années 1640. Le pays montre les signes d’un tournant. Quelques décennies seulement se sont écoulées depuis la victoire de la révolution et la bourgeoisie a déjà cessé d’être une classe progressiste fondée sur des traditions démocratiques. La véracité de la peinture de Hals n'attire plus les clients fortunés qui veulent se voir dans des portraits mieux qu'ils ne le sont réellement. Mais Hulse n’abandonna pas le réalisme et sa popularité s’effondra. Des notes de tristesse et de déception apparaissent dans la peinture de cette période (« Portrait d'un homme au chapeau à larges bords »). Sa palette devient plus stricte et plus calme.
À l'âge de 84 ans, Hulse réalise deux de ses chefs-d'œuvre : des portraits de groupe de régents (administrateurs) et de régents d'une maison de retraite (1664). Ces dernières œuvres du maître hollandais se distinguent par leur émotivité et la forte individualité des images. Les images des régents – vieillards et femmes – émanent de la tristesse et de la mort. Ce sentiment est également souligné par la palette de couleurs en noir, gris et blanc.
Hals mourut en 1666 dans une profonde pauvreté. Son art véridique et vivifiant a eu une grande influence sur de nombreux artistes néerlandais.
Rembrandt
Dans les années 1640-1660. La peinture hollandaise était florissante. L'artiste le plus marquant de cette époque était Rembrandt.
Rembrandt Harmens van Rijn est né en 1606 à Leyde. Son père était un riche meunier. Ses parents rêvaient d'une bonne éducation pour leur fils et l'envoyèrent dans une école latine, après quoi Rembrandt entra à l'Université de Leiden. Mais le jeune homme était attiré par l'art. Il quitte l'université et commence à étudier avec le peintre Jacob Swannenburch. Trois ans plus tard, le jeune artiste part pour Amsterdam, où il commence à suivre les cours de Pieter Lastman.
En 1624, Rembrandt retourna à Leyde. Ici, il loue un atelier avec le peintre Jan Lievens. L'artiste travaille beaucoup d'après nature, peignant non seulement en atelier, mais aussi dans la rue et au bazar de la ville.
A la fin des années 1620. Rembrandt a gagné en popularité parmi les habitants de Leyde. Il reçut de nombreuses commandes et son premier élève fut Gérard Dou, qui devint plus tard un peintre assez célèbre.
Les premières peintures de Rembrandt se caractérisent par une composition soignée et une exécution consciencieuse. En même temps, ils se caractérisent par une certaine raideur (« Le Tourment de saint Sébastien », 1625).
En 1631, Rembrandt s'installe à Amsterdam. Sa renommée se répand rapidement dans toute la ville et les commandes affluent pour le peintre. La vie personnelle de Rembrandt fut également couronnée de succès : en 1634, il épousa Saskia van Uylenburg, une fille issue d'une célèbre famille bourgeoise. Le mariage a apporté à l'artiste une fortune importante, qui lui a assuré une indépendance créative et lui a permis de commencer à collectionner des œuvres d'art et des antiquités.
Rembrandt jouissait du bonheur en compagnie de son épouse bien-aimée, qu'il représenta à plusieurs reprises dans ses portraits. Saskia sert souvent de modèle pour des peintures aux thèmes très variés (« Flore », 1634 ; « Autoportrait avec Saskia à genoux », vers 1639).
L'œuvre de Rembrandt durant cette période est diversifiée : il peint des compositions historiques, mythologiques et religieuses, des portraits, des scènes quotidiennes, des paysages, des natures mortes, des peintures avec des images d'animaux. Mais l’objet principal de son attention est l’homme. Non seulement dans les portraits, mais aussi dans ses autres œuvres, l'artiste s'efforce de transmettre le caractère et le monde intérieur de ses héros.
Un remarquable maître du genre du portrait, seulement dans les années 1630. Rembrandt a exécuté plus de soixante portraits commandés. L'essentiel pour un peintre n'est pas la ressemblance extérieure avec le modèle, mais la profondeur monde intérieur, le pouvoir des mouvements et des expériences mentaux. Le portrait de groupe « L'Anatomie du docteur Tulp » (1632) fut accueilli avec ravissement par ses contemporains. L'artiste a modifié la composition traditionnelle du portrait de groupe classique, en disposant les personnages non pas en rangée, comme c'était l'habitude, mais librement. Cette construction a donné à l'image vie et naturel.
Fin des années 1630. Rembrandt est devenu le plus maître célèbre en Hollande. C'est à cette époque que remonte son chef-d'œuvre, le célèbre « Danaé » (1636), dont la facture surpasse tout ce qui a été créé par ses contemporains.
artiste. La perfection de sa composition et la richesse de la palette de couleurs, conçue dans des tons dorés, frappent. Il semble qu'il n'y ait rien de superflu dans cet ouvrage ; chaque détail est soigneusement pensé par l'auteur. A l'aide d'un coup de pinceau libre et vif, le maître transmet la légèreté du couvre-lit, les plis des lourds rideaux et tentures. La plasticité souple de la jeune femme allongée sur le lit et les douces nuances dorées du corps, illuminées par une lumière douce, sont saisissantes. Bien que Danaë ne brille pas d'une beauté idéale, son image ravit le spectateur par son charme vif et sa fraîcheur.
Dans les années 1630. L'artiste travaille également beaucoup à la gravure. Il est attiré par des motivations quotidiennes (« Vendeur de poison aux rats », 1632). Des éléments de genre sont également inhérents aux œuvres aux thèmes bibliques (« Le retour du fils prodigue », 1636). L'une des meilleures gravures de cette période est « La Mort de Marie » (1639), émouvante et empreinte d'un sentiment de profonde tristesse. L'œuvre remarquable « Le Christ guérissant les malades » (la soi-disant « Feuille aux cent florins » - ce nom indique le coût du travail) se distingue également par la complexité de la composition et la grandeur monumentale des images.
Dans les années 1640. Rembrandt devient le peintre le plus célèbre et le mieux payé d'Amsterdam. Il reçut des commandes de portraits et de compositions pour le palais du stathouder néerlandais à La Haye. De nombreux artistes en herbe cherchent à étudier dans son atelier. La renommée de l’art de Rembrandt dépasse les frontières de la Hollande. Plusieurs tableaux du célèbre maître sont conservés dans le palais du roi anglais Charles Ier.
Le talent de Rembrandt était évident dans ses natures mortes réalistes et expressives (« Carcasse de taureau ») et ses paysages (« Paysage avec un moulin », vers 1650). Un lyrisme subtil est inhérent aux paysages hollandais sans prétention, frappant le spectateur par leur réalité presque tangible.
La mort de son épouse bien-aimée en 1642 a éloigné Rembrandt de ses nobles parents. L'artiste a cessé de communiquer avec ses connaissances de la société aristocratique. Les changements dans la vie du maître se reflètent dans sa peinture, qui devient plus profonde et plus ciblée. Si premiers travaux Rembrandt se distingue par une humeur calme et uniforme, mais des notes d'anxiété et de doute commencent désormais à résonner dans ses peintures. La palette, dominée par les nuances rouges et dorées, change également.
La toile « David et Jonathan » (1642, Ermitage, Saint-Pétersbourg), réalisée dans des tons rose doré et bleu doré, se distingue par sa vive expressivité.
Toutes ces nouveautés dans la peinture de Rembrandt n’ont pas été comprises par ses contemporains. La grande composition monumentale « Night Watch » (1642) suscite le mécontentement. Le tableau a reçu ce nom au 19ème siècle. En fait, l’action ne se déroule pas la nuit, mais le jour, en plein soleil, ce qui confirme la nature des ombres.
Au fil du temps, les couleurs se sont assombries et seule une restauration réalisée en 1946-1947 a montré que la palette de couleurs de cette œuvre était autrefois beaucoup plus claire.
Le tableau représente les fusiliers de la compagnie du capitaine Banning Coke. Le client s'attendait à voir un produit traditionnel portrait de cérémonie(une scène de fête ou un commandant présentant ses subordonnés au spectateur). Rembrandt a créé un géo-
Peinture roico-historique représentant la performance des tirailleurs sur ordre du capitaine. Les personnages sont excités et dynamiques ; le commandant donne des ordres, le porte-étendard lève la bannière, le tambour bat le tambour, les tirailleurs chargent leurs armes. Il y a aussi une petite fille qui sort de nulle part et qui tourne sur elle-même avec un coq à sa ceinture.
Au cours de ces années, Hendrikje Stoffels apparaît dans la vie de Rembrandt, d'abord comme servante, puis comme sa femme, qui devient sa fidèle amie et assistante. L'artiste travaille encore beaucoup. Il crée son célèbre " Sainte Famille" (1645), dans lequel le thème religieux est interprété comme un thème de genre. Outre des compositions bibliques, le peintre peint des paysages réalistes avec des images du village (« Winter View », 1646). Ses portraits de cette période se distinguent par sa volonté de montrer les caractéristiques individuelles de ses modèles.
Dans les années 1650. le nombre de commandes est considérablement réduit. Rembrandt connaît de grandes difficultés financières. Il risque la ruine totale, car la dette liée à l'achat d'une maison du vivant de sa première épouse, Saskia, n'a toujours pas été payée. En 1656, l’artiste fut déclaré insolvable et sa collection d’art ainsi que tous ses biens furent vendus aux enchères. La famille de Rembrandt a dû déménager dans le quartier juif pauvre d'Amsterdam.
Malgré toutes les adversités, le talent du grand peintre ne se tarit pas. Mais maintenant, le critère de sa compétence est complètement différent. DANS travaux ultérieurs Les traits colorés de Rembrandt apparaissent avec netteté sur la surface de la toile. Désormais, les couleurs de ses peintures ne servent pas seulement à transmettre l'apparence extérieure des personnages et l'image de l'intérieur - c'est la coloration qui assume la charge sémantique de l'œuvre. Ainsi, le sentiment de drame intense dans le tableau « Assur, Haman et Esther » (1660) est créé grâce à une gamme tonale complexe et des effets de lumière spéciaux.
Privé de commandes, vivant dans une grande pauvreté, Rembrandt ne cesse d'écrire. Il réalise des portraits expressifs et spirituels, pour lesquels parents et amis lui servent de modèles (« Portrait de la femme du frère de l'artiste », 1654 ; « Portrait d'un vieillard en rouge », 1652-1654 ; « Portrait du fils Titus lisant », 1657 ; « Portrait d'Hendrikje Stoffels aux fenêtres », vers 1659).
Le fils Titus, qui a enfin reçu la fortune de sa mère décédée, tente de protéger son père du dénuement matériel et de créer les conditions lui permettant de travailler paisiblement. Mais les malheurs continuent de hanter l'artiste : Hendrickje meurt en 1663, et Titus la suit quelques années plus tard.
C’est à cette époque tragique que le vieil artiste solitaire créa ses chefs-d’œuvre, caractérisés par leur grandeur monumentale et leur spiritualité (« David et Urie », 1665-1666 ; « Le retour du fils prodigue », vers 1668-1669).
Rembrandt meurt en 1669, oublié de tous. Seulement au XVIIIe siècle. son art était enfin compris et apprécié.
Dans les années 1640-1660. Le genre phare de la peinture hollandaise était le genre quotidien. Les peintures représentant les moments les plus ordinaires de la réalité sont étonnamment poétiques et lyriques. Le principal objet d’attention des peintres est l’homme et le monde qui l’entoure. La plupart des compositions de genre se distinguent par une narration calme et un manque de drame. Ils parlent des tâches ménagères de la maîtresse de maison (acheter des provisions, s'occuper des enfants, faire du bricolage), des divertissements du bourgeois hollandais (jouer aux cartes, recevoir des invités, des concerts). Les artistes représentent tout ce qui se passe dans la maison d’un riche citadin, ignorant l’aspect social de la vie d’une personne.
Les peintres de genre étaient très appréciés : G. Dou, dont les tableaux se vendaient à des prix très élevés, A. van Ostade, qui peignait des scènes la vie paysanne(« Concert rural »), J. Sten, dont les thèmes favoris étaient les scènes de divertissement et de vacances (« Merry Society »), G. Terborch, dont la peinture élégante représentait la vie d'une riche famille bourgeoise (« Verre de limonade »), G. Metsu avec sa narration naïve (« L'Enfant malade »), P. de Hooch, qui a créé des toiles contemplatives et lyriques (« La Maîtresse et la Pucelle »).
Élargir la portée genre de tous les jours s'est battu pour K. Fabricius, qui a vécu une vie courte (décédé à Delft dans l'explosion d'un entrepôt de poudre à canon). L'une de ses meilleures œuvres est « La Résurrection de Lazare » (vers 1643), remarquable par son caractère dramatique et sa portée presque monumentale. Ses portraits et autoportraits sont également remarquables, mettant l'artiste au même niveau que F. Hals et Rembrandt.
Le sort d'E. de Fabricius, talentueux maître des scènes quotidiennes et des œuvres représentant des intérieurs d'églises (« Marché sur le port », « Intérieur avec une femme au clavecin ») est tragique. L'artiste ne cherchait pas à satisfaire les goûts du public bourgeois, c'est pourquoi ses œuvres, qui n'avaient pas de succès auprès de ses contemporains, étaient vendues pour quelques centimes. Souvent, Fabricius était obligé de rembourser leurs dettes envers les propriétaires. Par une nuit d'hiver de 1692, un artiste de soixante-quinze ans, expulsé de sa maison par son propriétaire, se pendit à la balustrade d'un pont. Un sort similaire était typique de nombreux peintres hollandais qui ne voulaient pas abandonner les traditions réalistes pour plaire au public.
Jan Wermeer de Delft
Jan Vermeer, surnommé Delft en raison de son lieu de naissance et de son activité, est un représentant éminent de la peinture de genre néerlandaise. Le peintre est né en 1623 dans une famille de marchand de peintures et de soieries. On sait peu de choses sur la vie de Wermeer. Peut-être que son professeur était C. Fabricius. En 1653, l'artiste devient membre de la Guilde de Saint-Luc et épouse la fille d'un riche citadin, Catherine Bolnes. A Delft, il jouissait du respect et de la renommée, vivait à grande maison, situé sur la place du marché.
Vermeer a travaillé sur ses peintures très lentement et minutieusement, enregistrant soigneusement chaque détail. La peinture ne pouvait pas assurer une existence confortable à la famille de l’artiste, même si ses toiles connaissaient un grand succès. C’est probablement la raison pour laquelle Vermeer a commencé à vendre des tableaux, poursuivant ainsi l’œuvre de son père.
Déjà dans les premières œuvres de Vermeer, apparaît une combinaison de réalisme et d'une certaine idéalisation des images, caractéristique de son œuvre (« Diane avec les nymphes », « Le Christ avec Marthe et Marie » - toutes deux avant 1656). L'œuvre suivante, une toile à grandes figures « Chez le proxénète » (1656), peinte sur une intrigue utilisée par de nombreux peintres, se distingue par son originalité d'exécution. Une scène quotidienne ordinaire pour l'artiste acquiert une signification presque monumentale. Le tableau se distingue des autres œuvres sur un thème similaire par ses couleurs audacieuses, soutenues par des couleurs pures jaune, rouge, noir et blanc, et par l'expressivité lumineuse des images.
Par la suite, Vermeer se tourne vers les compositions de chambre traditionnelles de la peinture hollandaise. Comme d'autres maîtres hollandais, il dépeint des événements se déroulant dans de riches maisons bourgeoises. L’image préférée de l’artiste est celle d’une jeune fille lisant une lettre ou essayant un collier. Ses toiles représentent des scènes simples du quotidien : une servante remet une lettre à sa maîtresse, un monsieur apporte un verre de vin à la dame. Mais ces tableaux, de composition simple, étonnent par leur intégrité, leur harmonie et leur lyrisme ; leurs images attirent par leur naturel et leur poésie calme.
Dans la seconde moitié des années 1650. l'artiste a créé ses plus belles œuvres. Les profondément lyriques "Sleeping Girl", "Glass of Wine", "Girl with a Letter" sont empreints d'un sentiment chaleureux. De nombreux peintres hollandais de l’époque représentaient dans leurs peintures des servantes occupées au travail, mais seule l’image de Vermeer d’une femme du peuple présente des traits d’une vraie beauté et grandeur (« La servante au pot de lait »).
Vermeer est un véritable virtuose dans la transmission de l'essence du monde des choses à l'aide de arts visuels. Les natures mortes de ses tableaux sont exécutées avec une grande habileté. Un plat de pommes et de prunes, posé sur une table recouverte d'une nappe à motifs dans la toile « Fille à la lettre », est incroyablement beau et naturel.
Dans le tableau « La servante au pot de lait », le pain et le lait coulant en un épais filet du pot surprennent par leur fraîcheur.
La lumière joue un rôle important dans les œuvres de Vermeer. Il remplit l'espace des toiles, créant une impression de légèreté extraordinaire ; les modèles façonnent et pénètrent les peintures, les faisant briller de l’intérieur. C’est grâce à cette quantité de lumière et d’air qu’une exaltation émotionnelle particulière est créée dans la plupart des œuvres de Vermeer.
Le talent remarquable du peintre se manifeste également dans peinture de paysage. Petit coin la ville, enveloppée dans l’atmosphère humide d’un jour nuageux, est reproduite par la composition claire et simple de « Street » (vers 1658). La ville lavée par la pluie apparaît propre et fraîche dans le tableau « Vue de Delft » (entre 1658 et 1660). Les rayons du soleil traversent les doux nuages argentés, créant de nombreux reflets lumineux à la surface de l'eau. La coloration sonore avec ses subtiles transitions de couleurs donne à l'image expressivité et harmonie.
Dans les années 1660. La peinture de Vermeer devient plus raffinée et élégante. La palette change également, désormais dominée par des nuances colorées et froides (« Girl with a Pearl »). Les personnages principaux des tableaux sont de riches dames et messieurs entourés d'objets luxueux (« Lettre d'amour », vers 1670).
Jan Wermeer de Delft. Femme de ménage avec un pot de lait. Entre 1657 et 1660
Jan Wermeer de Delft. Atelier de peintre. D'ACCORD. 1665
DANS dernière période Au cours de la vie de Vermeer, ses œuvres deviennent superficielles et quelque peu farfelues (« Allégorie de la foi »), et la palette perd de sa richesse et de sa sonorité. Mais même dans ces années œuvres individuelles l'artiste est émerveillé par son ancienne puissance expressive. Tel est son « Atelier du peintre » (1665), dans lequel Vermeer se représente au travail, et les tableaux « Astronome » et « Géographe », représentant des scientifiques.
Le sort de Vermeer, comme celui de nombreux autres maîtres hollandais, est tragique. A la fin de sa vie, l'artiste malade, qui avait perdu la plupart de ses anciens clients, fut contraint de déménager grande famille de votre ancienne maison à une maison moins chère. Au cours des cinq dernières années, il n’a peint aucun tableau. Le peintre meurt en 1675. Son art reste longtemps oublié et ce n'est qu'en milieu du 19ème V. Vermeer était apprécié et mis sur un pied d'égalité avec des maîtres hollandais tels que Rembrandt et F. Hals.
Les premières années du XVIIe siècle sont considérées comme la naissance de l’école hollandaise. Cette école appartient aux grandes écoles de peinture et est une école indépendante et indépendante aux caractéristiques et à l'identité uniques et inimitables.
Cela a une explication largement historique : un nouveau mouvement artistique et un nouvel état sur la carte de l’Europe sont apparus simultanément.
Jusqu'au XVIIe siècle, la Hollande ne se distinguait pas par l'abondance d'artistes nationaux. C'est peut-être pour cela qu'à l'avenir, dans ce pays, on pourra compter autant de grand nombre artistes, et plus particulièrement les artistes néerlandais. Alors que ce pays formait un seul État avec la Flandre, c'est principalement en Flandre que des mouvements artistiques originaux ont été intensément créés et développés. Les peintres remarquables Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, dont on ne trouvait pas d'équivalents en Hollande, ont travaillé en Flandre. Seuls des éclats isolés de génie en peinture peuvent être notés au début du XVIe siècle : il s'agit de l'artiste et graveur Luc de Leyde, adepte de l'école de Bruges. Mais Luc de Leyde n’a créé aucune école. On peut en dire autant du peintre Dirk Bouts de Haarlem, dont les créations ne se démarquent guère par rapport au style et à la manière de ses origines. école flamande, sur les artistes Mostert, Skorel et Heemskerk, qui, malgré toute leur importance, ne sont pas des talents individuels qui caractérisent le pays par leur originalité.
Ensuite, l'influence italienne s'est étendue à tous ceux qui créaient avec le pinceau - d'Anvers à Haarlem. C’est l’une des raisons pour lesquelles les frontières sont devenues floues, les écoles étaient mixtes et les artistes ont perdu leur identité nationale. Pas même un seul élève de Jan Skorel n'a survécu. Le dernier, le plus célèbre, le plus grand portraitiste, qui, avec Rembrandt, fait la fierté de la Hollande, un artiste doué d'un talent puissant, d'une excellente éducation, de style varié, courageux et flexible de nature, un cosmopolite qui a tout perdu des traces de son origine et même de son nom - Antonis Moreau, (il était le peintre officiel du roi d'Espagne) est décédé après 1588.
Les peintres survivants cessèrent presque d'être néerlandais dans l'esprit de leur œuvre ; il leur manquait l'organisation et la capacité de renouveler l'école nationale. C'étaient des représentants du maniérisme hollandais : le graveur Hendrik Goltzius, Cornelis de Haarlem, qui imitait Michel-Ange, Abraham Bloemaert, adepte du Corrège, Michiel Mierevelt, bon portraitiste, habile, précis, laconique, un peu froid, moderne pour son époque. , mais pas national. Il est intéressant de noter que lui seul n'a pas succombé à l'influence italienne, qui a subjugué la plupart des manifestations de la peinture hollandaise de cette époque.
À la fin du XVIe siècle, alors que les portraitistes avaient déjà créé une école, d’autres artistes commencèrent à apparaître et à se former. Dans la seconde moitié du XVIe siècle, grand nombre peintres devenus un phénomène de la peinture, c'est presque le réveil de l'école nationale néerlandaise. La grande variété de talents conduit à de nombreuses directions et voies différentes pour le développement de la peinture. Les artistes s'essayent à tous les genres, dans différentes combinaisons de couleurs : certains travaillent de manière claire, d'autres de manière sombre (ici l'influence de l'art italien). artiste Caravage). Les peintres privilégient les couleurs claires et les coloristes les couleurs sombres. La recherche d'une manière picturale commence et des règles de représentation du clair-obscur sont élaborées. La palette devient plus détendue et libre, tout comme les lignes et la plasticité de l'image. Les prédécesseurs directs de Rembrandt apparaissent - ses professeurs Jan Pace et Peter Lastman. Les méthodes de genre deviennent également plus libres - l'historicité n'est plus aussi obligatoire qu'avant. Un événement spécial, profondément national et presque genre historique- des portraits de groupe destinés aux lieux publics - mairies, entreprises, ateliers et collectivités. Avec cet événement, de la forme la plus parfaite, se termine le XVIe siècle et commence le XVIIe siècle.
Ce n’est qu’un début, l’embryon de l’école elle-même n’existe pas encore. Il y en a beaucoup artistes talentueux. Parmi eux se trouvent des artisans qualifiés, plusieurs grands peintres. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder et enfin Esayas van de Velde et van Goyen - tous sont nés à la fin du XVIe siècle. Cette liste comprend également des artistes dont les noms ont été préservés par l'histoire, ceux qui ne représentaient que des tentatives individuelles pour atteindre la maîtrise et ceux qui sont devenus professeurs et prédécesseurs des futurs maîtres.
Ce fut un moment critique dans le développement de la peinture hollandaise. Avec un équilibre politique instable, tout ne dépendait que du hasard. En Flandre, où un réveil similaire a été observé, au contraire, il existait déjà un sentiment de confiance et de stabilité qui n'existait pas encore en Hollande. En Flandre, il y avait déjà des artistes qui s'étaient formés ou qui en étaient proches. Les conditions politiques et socio-historiques de ce pays étaient plus favorables. Il y avait un gouvernement, des traditions et une société plus flexibles et plus tolérants. Le besoin de luxe a fait naître un besoin persistant d’art. En général, il y avait de sérieuses raisons pour que la Flandre devienne pour la deuxième fois un grand centre d'art. Pour cela, il ne manquait que deux choses : plusieurs années de paix et un maître qui serait le créateur de l'école.
En 1609, alors que se décide le sort de la Hollande - Philippe III conclut une trêve entre l'Espagne et les Pays-Bas - Rubens apparaît.
Tout dépendait du hasard politique ou militaire. Vaincue et subjuguée, la Hollande devrait perdre complètement son indépendance. Bien sûr, il ne pouvait pas y avoir deux écoles indépendantes – en Hollande et en Flandre. Dans un pays dépendant de l'influence italo-flamande, une telle école et des artistes talentueux et originaux ne pourraient pas se développer.
Pour que le peuple néerlandais naisse et que l’art hollandais voie le jour avec lui, il fallait une révolution profonde et victorieuse. Il était particulièrement important que la révolution soit basée sur la justice, la raison, la nécessité, que le peuple mérite ce qu'il voulait réaliser, qu'il soit décisif, convaincu qu'il a raison, qu'il travaille dur, qu'il est patient, retenu, héroïque et sage. Toutes ces caractéristiques historiques se sont ensuite reflétées lors de la formation de l’école de peinture hollandaise.
La situation s'est avérée telle que la guerre n'a pas ruiné les Néerlandais, mais les a enrichis ; la lutte pour l'indépendance n'a pas épuisé leurs forces, mais les a renforcés et inspirés. Dans la victoire sur les envahisseurs, le peuple a fait preuve du même courage que dans la lutte contre les éléments, contre la mer, contre l'inondation des terres, contre le climat. Ce qui était censé détruire le peuple leur a bien servi. Les traités signés avec l'Espagne ont donné la liberté à la Hollande et renforcé sa position. Tout cela a conduit à la création de leur propre art, qui glorifiait, spiritualisait et exprimait l'essence intérieure du peuple néerlandais.
Après le traité de 1609 et la reconnaissance officielle des Provinces-Unies, l'accalmie est immédiate. Comme si une brise bienfaisante et chaude touchait âmes humaines, a ravivé le sol, trouvé et réveillé des pousses prêtes à fleurir. Il est étonnant de constater à quel point de manière inattendue et en peu de temps - pas plus de trente ans - dans un petit espace, sur un sol désertique ingrat, dans des conditions de vie difficiles, une merveilleuse galaxie de peintres, et en plus de grands peintres, est apparue.
Ils sont apparus immédiatement et partout : à Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, même à l'étranger - comme s'ils provenaient de graines tombées hors des champs. Les premiers sont Jan van Goyen et Wijnants, nés au tournant du siècle. Et plus loin, entre le début du siècle et la fin de son premier tiers - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.
Mais la créativité ne s’est pas arrêtée là. Ensuite naquit Pieter de Hooch, Hobbema. Les derniers grands, van der Heyden et Adrian van de Velde, sont nés en 1636 et 1637. A cette époque, Rembrandt avait trente ans. C'est approximativement ces années qui peuvent être considérées comme l'époque de la première floraison de l'école hollandaise.
Compte tenu des événements historiques de cette époque, on peut imaginer quels devraient être les aspirations, le caractère et le destin de la nouvelle école de peinture. Que pourraient écrire ces artistes dans un pays comme la Hollande ?
La révolution, qui a donné au peuple néerlandais liberté et richesse, l'a en même temps privé de ce qui constitue partout la base vitale des grandes écoles. Elle a changé les croyances, changé les habitudes, aboli les images de scènes antiques et évangéliques et arrêté la création de grandes œuvres - peintures d'églises et décoratives. En fait, chaque artiste avait une alternative : être original ou ne pas l'être du tout.
Il était nécessaire de créer un art pour une nation de bourgeois qui les séduirait, les représenterait et serait pertinent pour eux. Ils étaient pratiques, peu enclins à la rêverie, gens d'affaires, avec des traditions brisées et des sentiments anti-italiens. On peut dire que les Néerlandais avaient une tâche simple et audacieuse : créer leur propre portrait.
La peinture hollandaise était et ne pouvait être qu'une expression de l'apparence extérieure, un portrait fidèle, précis et similaire de la Hollande. C'était un portrait des gens et du terrain, des coutumes bourgeoises, des places, des rues, des champs, de la mer et du ciel. Les principaux éléments de l'école hollandaise étaient les portraits, les paysages et les scènes de la vie quotidienne. Tel fut ce tableau depuis le début de son existence jusqu’à son déclin.
Il peut sembler que rien de plus simple que la découverte de cet art ordinaire. En fait, il est impossible d’imaginer quelque chose d’égal en ampleur et en nouveauté.
Immédiatement, tout change dans la manière de comprendre, de voir et de transmettre : point de vue, idéal artistique, choix de la nature, du style et de la méthode. italien et Peinture flamande dans leurs meilleures manifestations, ils nous sont encore compréhensibles, car ils sont toujours appréciés, mais ce sont déjà des langues mortes et personne ne les utilisera plus.
À une époque, il y avait une habitude de penser haut et généralement ; il existait un art qui consistait en une sélection habile d'objets. Dans leur décoration, correction. Il aimait montrer la nature telle qu'elle n'existe pas dans la réalité. Tout ce qui était représenté correspondait plus ou moins à la personnalité de la personne, en dépendait et lui ressemblait. En conséquence, un art est apparu dans lequel l'homme est au centre, et toutes les autres images de l'univers étaient soit incarnées dans des formes humaines, soit vaguement affichées comme un environnement secondaire de l'homme. La créativité s'est développée selon certains modèles. Chaque objet devait emprunter sa forme plastique au même idéal. L'homme devait être représenté plus souvent nu que habillé, bien bâti et beau, afin qu'il puisse jouer avec la grandeur qui lui convient le rôle qui lui était assigné.
Aujourd’hui, la tâche de peindre est devenue plus simple. Il fallait donner à chaque chose ou phénomène sa vrai sens, remettre une personne à sa place et, si nécessaire, s'en passer complètement.
Il est temps de penser moins, de regarder de près ce qui est le plus proche, de mieux observer et d'écrire autrement. Or, c'est la peinture de la foule, du citoyen, de l'ouvrier. Il fallait devenir modeste pour tout modeste, petit pour les petits, discret pour les discrets, tout accepter sans rien rejeter ni mépriser, pénétrer dans la vie cachée des choses, se confondre amoureusement avec leur existence, il fallait devenir attentif , curieux et patient. Le génie consiste désormais à ne plus avoir de préjugés. Il n’est pas nécessaire d’embellir, d’ennoblir ou de dénoncer quoi que ce soit : tout cela est un mensonge et un travail inutile.
Peintres hollandais, créant dans un coin pays du nord avec l'eau, les forêts, les horizons marins, ils étaient capables de refléter l'univers entier en miniature. Un petit pays, soigneusement exploré selon les goûts et les instincts de l'observateur, se transforme en un trésor inépuisable, aussi abondant que la vie elle-même, aussi riche en sensations que le cœur humain en est riche. L’école néerlandaise se développe et fonctionne de cette manière depuis un siècle.
Les peintres hollandais ont trouvé des sujets et des couleurs pour satisfaire toutes les inclinations et affections humaines, pour les natures rudes et délicates, ardentes et mélancoliques, rêveuses et joyeuses. Les jours nuageux cèdent la place aux jours joyeux les jours ensoleillés, la mer est tantôt calme et scintillante d'argent, tantôt orageuse et sombre. Il y a de nombreux pâturages avec des fermes et de nombreux navires bondés le long de la côte. Et on sent presque toujours le mouvement de l'air au-dessus des étendues et les vents forts de la mer du Nord, qui accumulent les nuages, plient les arbres, font tourner les ailes des moulins et chassent la lumière et les ombres. À cela, il faut ajouter les villes, la maison et la vie dans la rue, festivités dans les foires, représentations de diverses mœurs, besoins des pauvres, horreurs de l'hiver, farniente dans les tavernes avec leur fumée de tabac et leurs chopes de bière. D'autre part - un style de vie riche, un travail consciencieux, des cavalcades, un repos l'après-midi, une chasse. A part ça - vie sociale, cérémonies civiles, banquets. Le résultat était un art nouveau, mais avec des sujets aussi vieux que le temps.
Ainsi naquit une unité harmonieuse de l'esprit de l'école et la diversité la plus étonnante qui ait jamais surgi au sein d'un même mouvement artistique.
En général, l’école hollandaise est appelée école de genre. Si l'on le décompose en ses éléments constitutifs, on peut alors distinguer parmi lui les peintres paysagistes, les maîtres des portraits de groupe, les peintres de marines, les peintres animaliers, les artistes qui ont peint des portraits de groupe ou des natures mortes. Si vous regardez plus en détail, vous pouvez en distinguer de nombreux et variétés de genre- des amoureux du pittoresque aux idéologues, des copistes de la nature à ses interprètes, des casaniers conservateurs aux voyageurs, de ceux qui aiment et ressentent l'humour aux artistes qui évitent la comédie. Rappelons-nous les peintures de l'humour d'Ostade et du sérieux de Ruisdael, de la sérénité de Potter et de la moquerie de Jan Steen, de l'esprit de Van de Velde et de la sombre rêverie du grand Rembrandt.
À l'exception de Rembrandt, qui doit être considéré comme un phénomène exceptionnel, tant pour son pays que pour tous les temps, tous les autres artistes néerlandais se caractérisent par un certain style et une certaine méthode. Les lois de ce style sont la sincérité, l’accessibilité, le naturel et l’expressivité. Si vous enlevez de art hollandais ce qu'on peut appeler l'honnêteté, alors vous cesserez de comprendre sa base vitale et ne pourrez déterminer ni son caractère moral ni son style. Chez ces artistes, qui ont pour la plupart acquis la réputation de copistes myopes, on sent le sublime et le bonne âme, fidélité à la vérité, amour du réalisme. Tout cela donne à leurs œuvres une valeur que les choses qui y sont représentées ne semblent pas avoir.
Le début de ce style sincère et le premier résultat de cette démarche honnête est un dessin parfait. Parmi les peintres hollandais, Potter est une manifestation de génie par ses mesures précises et vérifiées et sa capacité à retracer le mouvement de chaque ligne.
En Hollande, le ciel occupe souvent la moitié, voire la totalité, du tableau. Il est donc nécessaire que le ciel sur l’image bouge, nous attire et nous entraîne avec lui. Pour que la différence entre le jour, le soir et la nuit soit ressentie, pour que la chaleur et le froid soient ressentis, pour que le spectateur ait à la fois froid et profite, et ressente le besoin de se concentrer. Bien qu'il soit probablement difficile de qualifier un tel dessin de plus noble de tous, essayez de trouver des artistes dans le monde qui peindraient le ciel, comme Ruisdael et van der Neer, et diraient tant de choses et si brillamment avec leur travail. Partout, les Néerlandais ont le même design - sobre, laconique, précis, naturel et naïf, habile et non artificiel.
La palette hollandaise est tout à fait digne de leur dessin, d'où la parfaite unité de leur méthode de peinture. N'importe quelle peinture hollandaise peut être facilement reconnue par apparence. Il est de petite taille et se distingue par ses couleurs puissantes et strictes. Cela nécessite une grande précision, une main ferme et une profonde concentration de la part de l'artiste afin d'obtenir un effet concentré sur le spectateur. L’artiste doit aller au plus profond de lui-même pour nourrir son idée, le spectateur doit aller au plus profond de lui-même pour comprendre le projet de l’artiste. Ce sont les peintures hollandaises qui donnent l'idée la plus claire de ce processus caché et éternel : ressentir, penser et exprimer. Il n'y a pas d'image au monde plus saturée, puisque ce sont les Néerlandais qui incluent de tels excellent contenu dans un si petit espace. C'est pourquoi tout ici prend une forme précise, compressée et condensée.
Chaque peinture hollandaise est concave, elle se compose de courbes décrites autour d'un point, qui est l'incarnation du concept d'image et d'ombres situées autour du point de lumière principal. Une base solide, un plan supérieur et des coins arrondis tendant vers le centre, tout cela est souligné, coloré et éclairé en cercle. En conséquence, le tableau acquiert de la profondeur et les objets qui y sont représentés s’éloignent de l’œil du spectateur. Le spectateur est en quelque sorte conduit du premier plan au dernier plan, du cadre à l'horizon. Nous semblons habiter le tableau, bouger, regarder en profondeur, lever la tête pour mesurer la profondeur du ciel. La rigueur de la perspective aérienne, la parfaite correspondance des couleurs et des nuances avec la place dans l'espace qu'occupe l'objet.
Pour une compréhension plus complète de la peinture hollandaise, il faut examiner en détail les éléments de ce mouvement, les caractéristiques des méthodes, la nature de la palette, et comprendre pourquoi elle est si pauvre, presque monochromatique et si riche en résultats. Mais toutes ces questions, comme bien d’autres, ont toujours fait l’objet de spéculations de la part de nombreux historiens de l’art, mais n’ont jamais été suffisamment étudiées et éclaircies. La description des principales caractéristiques de l'art hollandais permet de distinguer cette école des autres et de retracer ses origines. Une image expressive illustrant cette école est un tableau d'Adriaan van Ostade du musée d'Amsterdam "Artist's Atelier". Ce sujet était l'un des favoris des peintres hollandais. On y voit un homme attentif, légèrement voûté, avec une palette préparée, des pinceaux fins et propres et de l'huile transparente. Il écrit au crépuscule. Son visage est concentré, sa main est prudente. Seulement, peut-être, ces peintres étaient plus audacieux et savaient rire avec plus d'insouciance et profiter de la vie que ce que l'on peut conclure à partir des images survivantes. Sinon, comment leur génie se manifesterait-il dans une atmosphère de traditions professionnelles ?
Les bases de l'école hollandaise ont été posées par van Goyen et Wijnants au début du XVIIe siècle, établissant certaines lois de la peinture. Ces lois ont été transmises des professeurs aux étudiants, et pendant tout un siècle, les peintres hollandais les ont vécues sans s'écarter.
Peinture maniériste hollandaise