Les sujets bibliques dans les peintures de Léonard de Vinci, ainsi que dans les peintures d'autres artistes de son temps, occupent une place importante.
D'abord peinture, attribuée à Léonard, est l'Annonciation, bien que sa paternité soit contestée par de nombreux experts. Cependant, cela ne s’applique pas uniquement au tableau « L’Annonciation ». Malheureusement, l’auteur inconnu a apporté des corrections ultérieures, ce qui a considérablement détérioré la qualité du travail du maître.
Léonard de Vinci "L'Annonciation" (1472-1475)
Planche, huile. 98x217 cm. Galerie des Offices (Florence)
Image de Wikipédia
L'intrigue de « L'Annonciation » est tirée de l'Évangile ; elle raconte l'annonce par l'archange Gabriel à la Vierge Marie de la future naissance de Jésus-Christ.
Gabriel révèle la connaissance secrète de Dieu. Selon l'Évangile de Luc, Gabriel a été envoyé par Dieu à Nazareth auprès de la Vierge Marie pour lui annoncer la bonne nouvelle de la future naissance selon la chair de Jésus-Christ de sa part : « L'ange vint vers elle et dit : Réjouis-toi, pleine de grâce ! Le Seigneur est avec toi ; Tu es bénie entre les femmes. Elle, le voyant, fut gênée par ses paroles et se demanda quel genre de salutation ce serait. Et l'Ange lui dit : N'aie pas peur, Marie, car tu as trouvé grâce auprès de Dieu ; et voici, tu deviendras enceinte et tu enfanteras un Fils, et tu lui donneras le nom de Jésus. Il sera grand et sera appelé Fils du Très-Haut, et le Seigneur Dieu lui donnera le trône de son père David ; et il régnera pour toujours sur la maison de Jacob, et son royaume n'aura pas de fin » (Évangile de Luc, 1, 28-33).
Description de l'image
L'archange Gabriel est représenté agenouillé avec un lys blanc dans la main gauche (symbole de la pureté de la Vierge Marie). Main droite il bénit Marie assise devant sa maison.
La Vierge Marie est représentée avec la Bible (un hommage à la tradition).
Le réalisme de l'image s'arrête là. La riche maison, les tours et les murs de la ville portuaire en arrière-plan évoquent dans notre imaginaire Grande ville. Mais il n'y a aucune mention de Nazareth dans les textes historiques des premiers siècles, ce qui suggère qu'il s'agissait d'une ville très Petite ville ou un village.
La ville de Nazareth est située en basse Galilée, dans une belle vallée entourée de montagnes.
Nazareth. Photographie contemporaine
Auteur : État d’Israël – Nazareth, de Wikipédia
Mais les sommets des montagnes enveloppés d'une brume bleu pâle sont toujours les mêmes...
A. Verrocchio « Le Baptême du Christ » (1475)
Bois, huile. 177x151 cm. Galerie des Offices (Florence)
Andrea del Verrocchio(1435-1488) - Sculpteur et peintre italien de la Renaissance, l'un des professeurs de Léonard de Vinci. Verrocchio était davantage impliqué dans la sculpture, mais se tournait parfois vers la peinture. Il a formé, outre Léonard de Vinci, d'autres génies de la Renaissance : Pietro Perugino et Sandro Botticelli.
Dans ce tableau, certains éléments du paysage et l'ange blond à gauche sont peints par Léonard. La célèbre légende du « professeur vaincu » est liée à cette circonstance : Verrocchio a été tellement choqué par l'habileté de son élève qu'il a ensuite abandonné son pinceau.
Léonard de Vinci "La Cène" (1495-1498)
460x880 cm. Santa Maria delle Grazie (Milan)
Ce peinture monumentale a été réalisée pour le monastère dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan.
Santa Maria delle Grazie
Auteur : Abelson de Wikipédia anglais
Dernière Cène - événement derniers jours la vie terrestre de Jésus-Christ, dont parlent les quatre Évangiles, ainsi que la 1ère lettre de l'apôtre Paul aux Corinthiens.
Jésus envoya deux disciples, Pierre et Jean, à Jérusalem pour préparer le repas de Pâque, et ils le préparèrent. Jésus s'est assis avec douze disciples pour un repas au cours duquel il a prédit la trahison de l'un d'eux. Lors de la Dernière Cène, le Christ a établi le sacrement principal de la foi chrétienne - l'Eucharistie, qui signifie « action de grâce » en grec. Les événements de la Dernière Cène sont constamment rappelés pendant la liturgie, avant la communion.
La Cène fait l'objet de nombreuses icônes et peintures, dont la plus célèbre est « La Cène » de Léonard de Vinci.
Cette image se trouve dans le réfectoire du monastère, sur le mur du fond. Ce tableau est devenu un chef-d'œuvre de la Renaissance grâce à méthode technique Leonardo : il reproduit correctement la profondeur de la perspective. C'est le tableau « La Cène » de Léonard de Vinci qui a changé l'orientation du développement de la peinture occidentale.
La peinture de Léonard ne peut pas être qualifiée de fresque au sens plein du terme, car la fresque est réalisée sur du plâtre humide et Léonard de Vinci a peint « La Cène » sur un mur sec. La fresque ne peut être modifiée pendant les travaux et Léonard a décidé de la recouvrir mur de pierre une couche de résine, de gabs et de mastic, puis écrire sur cette couche détrempe(peintures à l'eau préparées à base de pigments en poudre sèche. Les liants pour peintures à la détrempe sont des émulsions : naturelles (jaune dilué avec de l'eau œuf de poule ou œuf entier) ou artificiels (huiles siccatives dans une solution aqueuse de colle, polymères).
Au centre de l'image se trouve Jésus-Christ. Autour de lui sont représentés les apôtres assis en groupes (de gauche à droite) : Barthélemy, Jacob Alphée et André ; Judas Iscariote (vêtu de vert et de bleu), Pierre et Jean ; Thomas, James Zebedee et Philip ; Matthieu, Judas Thaddeus et Simon.
Le moment est représenté où Jésus prononce les paroles selon lesquelles l'un des apôtres le trahira, et la réaction de chacun d'eux à ces paroles.
Judas a une petite bourse à la main, contenant peut-être l'argent qu'il a reçu pour avoir trahi Jésus, ou l'identifiant simplement comme trésorier.
La figure de Jésus est positionnée et éclairée de manière à attirer l'attention du spectateur sur Lui. La lumière qui éclaire toute la scène ne vient pas des fenêtres peintes derrière, mais vient de la gauche.
Déjà en 1517, la peinture du tableau commençait à se décoller à cause de l'humidité, c'est pourquoi des restaurations répétées furent effectuées. De 1978 à 1999 sous la direction de Pinin Brambilla Barchilon, une restauration à grande échelle a été réalisée.
Léonard de Vinci "Salvator Mundi" (vers 1499)
Panneau de bois, huile. 66x47cm. Collection privée(NEW YORK)
La paternité de ce tableau, comme d'autres œuvres de Léonard de Vinci, a longtemps été remise en question. En 2004, lors d'une vente aux enchères, cette œuvre a été achetée par Robert Simon, spécialiste des maîtres anciens, et envoyée en restauration. Après cela, « Sauveur » a été examiné dans plusieurs musées en Europe et aux États-Unis.
L'attention est attirée sur le haut savoir-faire du verre pouvoirs(symbole le pouvoir de l'État monarque, qui était une boule d'or avec une couronne ou une croix), la légèreté aérienne des robes bleues, l'utilisation sfumato(technique développée par Léonard de Vinci pour adoucir les contours des personnages et des objets), correspondance complète des pigments du « Sauveur » new-yorkais et de la « Madone aux rochers » de Léonard. Et toujours le même sourire léger et vagabond de Leonardo...
En 2013, ce tableau a été acheté par le milliardaire russe Dmitri Rybolovlev.
Léonard de Vinci "Jean-Baptiste" (1514-1516)
Bois, huile. 57x69 cm.Persienne (Paris)
Cette œuvre appartient à la période tardive du travail de l’artiste.
L'attention du spectateur est entièrement concentrée sur la figure représentée en raison de l'absence de paysage ou d'intérieur. L'accueil est clairement exprimé sfumato, porté à la perfection sur cette photo.
Formellement, tout l'attirail associé à Jean-Baptiste est présent: une fine croix de roseau, cheveux longs, vêtements en laine. Mais...
Jean-Baptiste était un ascète. Dans l’Évangile de Matthieu, il est décrit comme suit : « Jean lui-même avait une robe en poil de chameau et une ceinture de cuir autour de ses reins, et sa nourriture était des sauterelles et du miel sauvage » (Mt 3 : 4).
Le tableau de Léonard de Vinci représente un jeune homme choyé et efféminé, dont l'image ne correspond pas à celle de l'ascète Jean, mangeur de sauterelles. Style classique Léonard est absent de ce tableau ; l'image de Jean-Baptiste a été créée dans le style du maniérisme, bien que ce style soit apparu beaucoup plus tard. Mais Leonardo est ici aussi le fondateur.
Dans le tableau d’A. Ivanov, nous voyons une image complètement différente de Jean-Baptiste, plus proche de la description des évangélistes.
A. Ivanov « L'apparition du Christ au peuple » (1837-1857)
Toile, huile. 540x750 cm. Galerie Tretiakov(Moscou)
La figure de Jean-Baptiste est au centre de l'image. Il baptise les gens du Jourdain et montre Jésus qui s'approche. Les attributs de Jean sont les mêmes que ceux de Léonard : une fine croix de roseau, des cheveux longs, des vêtements en laine, mais l'image ascétique correspond à la description évangélique.
L'artiste, musicien et personnage de théâtre russe Vasily Polenov n'a pas osé se tourner pendant longtemps vers Thème biblique. Jusqu'à ce que quelque chose de terrible se produise : sa sœur bien-aimée tomba gravement malade et, avant sa mort, elle fit promettre à son frère qu'il commencerait à « écrire grande image sur le thème prévu de longue date « Le Christ et le pécheur ».
Et il a tenu parole. Après avoir créé ce tableau, Polenov a commencé à créer toute une série de tableaux intitulés « De la vie du Christ », auxquels il consacre plusieurs décennies de recherche créative et spirituelle infatigable. Pour cela, Polenov traverse même Constantinople, Athènes, Smyrne, Le Caire et Port-Saïd jusqu'à Jérusalem.
Henrik Semiradsky
L'éminent portraitiste Henryk Semiradsky, bien qu'il soit d'origine polonaise, a ressenti dès sa jeunesse un lien organique avec la culture russe. Cela a peut-être été facilité par les études au gymnase de Kharkov, où le dessin était enseigné par Dmitry Bezperchiy, élève de Karl Bryullov.
Semiradsky a apporté du pittoresque à ses toiles sur des sujets bibliques, ce qui les a rendues lumineuses, mémorables et vivantes.
Détail : A participé à la peinture de la cathédrale du Christ Sauveur.
Alexandre Ivanov
"Il n'a laissé que le divin Raphaël comme professeur. Avec un instinct intérieur élevé, il a senti véritable signification mots: peinture d'histoire. ET sentiment intérieur a tourné son pinceau vers des sujets chrétiens, le plus haut et dernier degré du haut », écrit-il à propos de peintre célèbre Nicolas Gogol.
Alexandre Ivanov est l'auteur du tableau «L'apparition du Christ au peuple», qui lui a coûté 20 ans de travail réel et de dévouement créatif. Ivanov l'a également fait croquis à l'aquarelle aux peintures du "Temple de l'Humanité", mais ne les a montrées à presque personne. Ce n'est qu'après la mort de l'artiste que ces dessins furent connus. Ce cycle est entré dans l'histoire de l'art sous le nom de « croquis bibliques ». Ces croquis ont été publiés il y a plus de 100 ans à Berlin et n'ont plus été réimprimés depuis.
Nikolaï Ge
La peinture de Ge Dernière Cène« a choqué la Russie, tout comme l'a fait autrefois « Le dernier jour de Pompéi » de Karl Bryullov. Le journal « Vedomosti de Saint-Pétersbourg » a rapporté : « La Cène » étonne par son originalité sur fond général de fruits secs d'allure académique », et les membres de l'Académie des Arts, au contraire, n'ont pas pu se décider longtemps.
Dans "La Cène", Ge interprète l'intrigue religieuse traditionnelle comme une confrontation tragique entre un héros qui se sacrifie pour le bien de l'humanité et son élève, qui renonce à jamais aux préceptes de son professeur. Dans l’image de Judas donnée par Ge, il n’y a rien de privé, seulement du général. Judas – image collective, L'homme sans visage".
Détail : Nikolai Ge s'est d'abord tourné vers les histoires évangéliques sous l'influence d'Alexandre Ivanov
Ilya Répine
On pense qu'aucun des artistes russes, à l'exception de Karl Bryullov, n'a connu de son vivant une telle renommée qu'Ilya Repin. Les contemporains admiraient les compositions de genre à plusieurs figures magistralement exécutées et les portraits apparemment « vivants ».
Ilya Repin s'est tourné à plusieurs reprises vers le thème de l'Évangile dans son travail. Il est même allé en pèlerinage en Terre Sainte pour voir par lui-même les lieux où le Christ a marché et prêché. "Je n'ai presque rien écrit là-bas - je n'avais pas le temps, je voulais en voir plus... J'ai peint une image de l'église russe - la tête du Sauveur, je voulais apporter ma contribution à Jérusalem..." Il a dit plus tard. : « il y a une Bible vivante partout », « si grandiosement j'ai ressenti le Dieu vivant », « Dieu ! Comme tu ressens merveilleusement ton insignifiance jusqu'à la non-existence.
Ivan Kramskoï
Ivan Kramskoy a réfléchi pendant une décennie entière à son tableau « La résurrection de la fille de Jaïrus ». Au début de 1860, il réalise le premier croquis, et ce n'est qu'en 1867 qu'il réalise la première version du tableau, ce qui ne le satisfait pas. Pour voir tout ce qui a été fait de cette manière, Kramskoy parcourt l'Europe avec une visite obligatoire meilleurs musées paix. part pour l'Allemagne. Il se promène galeries d'art Vienne, Anvers et Paris, se familiarisent avec l'art nouveau et font ensuite un voyage en Crimée - dans les régions de Bakhchisarai et Chufui-Kale, si semblables au désert palestinien.
Marc Chagall
L'auteur du célèbre « Message biblique », Marc Chagall, aimait la Bible depuis son enfance, la considérant comme une extraordinaire source de poésie. Issu d'une famille juive, il a commencé très tôt à apprendre les bases de l'éducation à l'école de la synagogue. De nombreuses années plus tard, déjà adulte, Chagall dans son travail essaya de comprendre non seulement l'Ancien, mais aussi Nouveau Testament, tend à comprendre la figure du Christ.
Scènes bibliques en peinture
Réalisé par un élève de 6ème
gymnase n°587
Nikitine A. A.
Saint-Pétersbourg
Depuis deux mille ans, le monde entier a été éduqué avec des contes de fées et des légendes, des chants et des paraboles tirés de la Bible.
La Bible nous est parvenue à travers les siècles. Ils l'ont bannie et brûlée, mais elle a survécu. Il a fallu 18 siècles pour compiler la Bible. Plus de 30 auteurs y ont travaillé. 66 livres de la Bible ont été écrits sur différentes langues des gens qui ont vécu à des époques différentes.
De grands artistes du monde entier ont représenté des scènes bibliques dans leurs peintures.
Dans l'histoire des beaux-arts des siècles passés, le brillant artiste hollandais Rembrandt, peut-être plus que quiconque, a su révéler de manière profondément émouvante et véridique la richesse inépuisable monde intérieur personne.
Les peintres hollandais ont été les premiers à voir l'homme tel qu'il est dans la vie et à refléter dans l'art divers aspects de sa vie quotidienne. Certains d'entre eux ont abordé la solution d'une tâche plus complexe : refléter la beauté et la signification de monde spirituel personne ordinaire
Il semblerait que se tourner vers le contenu biblique et thèmes évangéliques, Rembrandt s'éloigne de la représentation de la société de son temps. En fait, ses héros bibliques et évangéliques rappellent à bien des égards ses héros contemporains. des gens ordinaires, attirant invariablement la sympathie de l'artiste. Dans son esprit, les héros bibliques sont des personnifications vivantes de la belle qualités humaines. L’artiste voit en eux une grandeur spirituelle, une intégrité intérieure, une simplicité austère et une grande noblesse. Ils ne ressemblent en rien aux petits bourgeois satisfaits d’eux-mêmes de ses contemporains. Les véritables passions humaines se reflètent de plus en plus dans les toiles de l’artiste, de plus en plus drame théâtral, l’événement « terrible » sera remplacé par le véritable drame de la vie.
Ces nouveautés apparaissent clairement dans le tableau de l’Ermitage « La Descente de croix », peint en 1634.
Nuit. Silence lugubre. Une foule silencieuse entourait l'immense croix sur laquelle le Christ a été crucifié. Ils sont venus au Golgotha pour rendre un dernier hommage à leur professeur. À la lumière froide des torches, on retire son cadavre de la croix.
L'un des hommes, grimpant sur l'échelle, arrache les clous à l'aide desquels le Christ a été crucifié sur la barre transversale ; d'autres prennent dans leurs bras son corps glissant ; les femmes préparent un lit pour les restes en étalant un grand tissu épais sur le sol. Tout se fait lentement, dans un silence respectueux et triste. Les expériences des personnes rassemblées sont différentes : certains visages expriment un désespoir amer, d'autres expriment une douleur courageuse, d'autres expriment une horreur respectueuse, mais chacune des personnes présentes est profondément imprégnée de la signification de l'événement. . La tristesse du vieil homme qui accepte le Christ mort est sans limites. Il le tient avec un effort notable, mais très soigneusement, prudemment, en touchant de manière touchante sa joue au corps sans vie, Maria est épuisée par le chagrin. Elle est incapable de se tenir debout, perd connaissance, tombe dans les bras des personnes qui l'entouraient soigneusement. Son visage émacié était d'une pâleur mortelle, ses paupières étaient fermées et sa main affaiblie, tendue en avant, s'abaissait, impuissante.
L'image captive par sa pénétration profonde et sa vérité sur la vie. Seule l'exagération de certains mouvements et gestes rappelle les loisirs baroques de Rembrandt.
Tout au long des années 40, Rembrandt aborde à plusieurs reprises le thème de la Sainte Famille. L'une des meilleures solutions à ce thème est le tableau de l'Ermitage « La Sainte Famille », créé par l'artiste en 1645. La scène gospel donne au spectateur de nombreuses associations avec la vie populaire quotidienne contemporaine de Rembrandt. Le silence et la paix ne sont perturbés que par les bruits habituels de la vie à la maison. Le bois brûlant crépite et le bruit doux et monotone de la hache d'un charpentier se fait entendre. La pièce est enveloppée d’un doux crépuscule ; La lumière jaillit doucement de différentes sources, glissant en tremblant sur le visage de Marie, illuminant le berceau, donnant à l’image une touche de spiritualité. Le bébé bouge légèrement et la femme, obéissant au subtil instinct maternel, interrompt son sermon, lève le rideau et regarde le bébé avec inquiétude. Elle est la sensibilité même, la vigilance même. Essentiellement, la grande humanité et l’âme de l’image sont créées d’un seul coup d’œil. La sublimité lumineuse du moment capturé se reflète également dans le fait que les anges descendent silencieusement vers la mère et le garçon.
En 1660 Rembrandt crée peinture célèbre"Assur, Haman et Esther." L'intrigue du film était basée sur un mythe biblique connu sous le nom de « La Fête d'Esther ». Haman, le premier vizir et ami du roi perse Assur, calomnia cruellement les Juifs devant le roi, dans l'espoir de parvenir à leur extermination. Alors la reine Esther, originaire de Judée, prit la défense de son peuple. Après avoir invité Assur et Haman au festin, elle raconta les calomnies du vizir, et le visage perfide de l'homme qu'il considérait comme son ami fut révélé au roi.
L'artiste représente le moment de la fête où Esther a terminé l'histoire et où régnait un silence profond et douloureux. Triste beaux yeux reine. Sans regarder ses mains, Esther froisse machinalement son mouchoir. Elle est encore complètement à la merci de ce qu’elle a vécu. Il lui était péniblement difficile de prononcer des paroles de reproche ; comme le roi, elle croyait le vizir et le traitait en ami. Assur a été choqué par ce qu’il a entendu et amèrement déçu. Ses grands yeux se remplissent de larmes. En même temps, une noble colère s'éveille en lui et il saisit puissamment le sceptre.
Haman est représenté seul et dans l’ombre. Un abîme invisible le séparait du roi et de la reine. La conscience du malheur le presse comme un fardeau insupportable : il est assis voûté, la tête baissée, les yeux fermés ; la main qui tient la coupe repose impuissante sur la table. Il n'est même pas opprimé par la peur de la mort, mais par la grave conscience de la solitude morale. Il comprend qu'Assur et Esther ne lui pardonneront jamais, même s'il leur est difficile de condamner leur ami.
Si dans les peintures consacrées à l'histoire d'Haman, le résultat du conflit est une condamnation irréconciliable, aussi difficile que cela puisse être pour ceux qui prononcent la sentence, alors le pardon humain et le profond repentir d'une personne qui a commis une erreur amère sont racontés. œuvre célèbre Rembrandt « Le retour du fils prodigue ». L'œuvre a été écrite par Rembrandt l'année de sa mort. Oublié de ses contemporains, complètement seul, il réalise sa dernière création brillante.
Encore une grande tragédie humaine. Après de longues errances dans un monde hostile et inconfortable, il vient voir son père abandonné pour lui demander pardon. fils prodigue. Plein de honte et de repentir, il est à genoux, en haillons, le crâne rasé de forçat, les sandales foulées, montrant au spectateur ses talons rugueux. Pour la première fois depuis de nombreuses années, ressentant la chaleur de l’affection humaine, il s’accrocha à son père, cacha son visage dans sa poitrine, essayant de se perdre dans les bras de son père. Le vieillard n'exprime ni surprise ni indignation ; Il a pardonné à son fils il y a longtemps et attendait cette rencontre depuis longtemps. Dans son regard baissé, on peut lire à la fois un reproche silencieux et une humilité douloureuse. Il se pencha doucement sur son fils et posa ses mains faibles et séniles sur son dos. Une fois de plus, Rembrandt incarne son idée selon laquelle les dures épreuves du destin rassemblent les hommes. Au-dessus des illusions, des insultes et de la vanité se trouvent l’amour, la confiance et la compréhension mutuelle.
Pourtant, dans cette rencontre, il y a plus de chagrin que de joie : l’erreur tragique du fils a laissé une marque trop profonde dans la vie des deux. Non seulement le fils est brisé, mais aussi le père. Il suffit de prêter attention à l'expression du visage, à la tête tristement inclinée, à la silhouette voûtée, aux épaules tombantes et séniles pour le sentir.
«Le retour du fils prodigue» est pour ainsi dire le résultat des sages réflexions de Rembrandt sur le monde et les hommes. Son attitude pessimiste face à la réalité au cours des dernières années de sa vie, d'une part, et sa foi inébranlable dans l'homme et en sa hauteur morale, d'autre part, résonnent avec la même force dans dernier travail artiste de génie.
Il existe peu de personnalités dans l’histoire de l’art aussi mystérieuses et controversées que Bruegel. Il n'écrivait ni articles ni traités, ne laissait aucune correspondance et, à l'exception de deux ou trois personnes proches d'esprit, ne connaissait aucun ami. Bruegel n'a laissé aucun portrait de sa femme, de ses enfants ou de ses amis. On pense qu'il s'est parfois représenté parmi ses propres personnages - mais il n'y a aucune preuve de cela. Ses portraits, gravés par ses amis, ne se ressemblent pas.
Le concept de la Renaissance est important personnalité humaine ne correspondait pas aux concepts artistiques de Bruegel. Dans ses dessins et peintures, il cache souvent complètement les visages, privant les personnages de toute individualité. Une tendance similaire peut être observée dans la représentation des personnages bibliques. Il les déplace quelque part sur le côté, les cachant parmi les gens ordinaires. C'est ainsi que l'on voit Marie et le Seigneur sur la place du village, Jean-Baptiste avec le Christ dans la foule, et « l'Adoration des Mages » est généralement cachée derrière un rideau de neige.
L'homme de Bruegel a la liberté de choix et porte la responsabilité de ses propres malheurs. Une personne est obligée de faire un choix entre le bien et le mal, entre la foi et l'incrédulité constamment, tout au long de sa vie - tout comme ses ancêtres ont été forcés de faire ce choix, comme le font beaucoup d'autres aujourd'hui. D'où - une autre caractéristique des œuvres de Bruegel, qui les rend similaires aux icônes, mais que l'on retrouve très rarement dans l'art moderne - la combinaison de couches temporelles et spatiales. Dans des tableaux tels que « Procession au Calvaire », « Recensement à Bethléem », « Massacre des Innocents », « Sermon de Jean-Baptiste », « Conversion de Paul », « Nativité », la gravure « Assomption de Notre-Dame », les personnages bibliques sont présents parmi les contemporains de Bruegel dans leur vie quotidienne. vie normale, des scènes bibliques se déroulent sur fond de paysages urbains et ruraux flamands. Par exemple, la figure du Sauveur courbé sous le poids de la croix se perd presque parmi les nombreuses autres impressions de l'un des personnages représentés sur l'image, et ces gens font leur choix moral, sans se rendre compte qu’ils voient Dieu devant eux.
Les années de maturité créatrice de Bruegel se déroulent dans une période d'aggravation des contradictions entre les Pays-Bas et la monarchie de Philippe II, dans les conditions d'une situation révolutionnaire menaçante. Le mouvement anti-féodal se confond avec la lutte de libération nationale contre la domination espagnole. . En 1561-1562, Bruegel crée des tableaux unis par la prémonition de cataclysmes historiques imminents, « Le triomphe de la mort » (Madrid), « La chute des anges rebelles » (Bruxelles), « Mad Greta », « La bataille des Israélites ». avec les Philistins ».
Au cours de sa vie, Bruegel a résidé dans deux villes très riches : d'abord Anvers, puis Bruxelles.
Le taux de croissance d'Anvers était égal à celui de l'Europe ; elle est devenue le nouveau centre financier et économique du monde occidental. Environ un millier d’étrangers vivaient dans cette ville « bazar » dotée du plus grand port maritime ; ils étaient traités avec méfiance. Dans une situation où les gens n’étaient unis ni par la foi ni par une seule église, où catholiques, protestants, luthériens et anabaptistes vivaient dans le même quartier, un sentiment général d’insécurité et d’anxiété s’est développé. C'est ainsi que s'est formée une « société multiculturelle », où les problèmes de communication se sont posés avec une acuité particulière, principalement pour des raisons religieuses.
Anvers était un symbole de paix. Une tour qui projette une ombre – contrairement à toutes les lois de la nature – non pas sur le sol, mais sur le ciel.
Bruegel a peint La Tour de Babel au moins trois fois. La Tour de Babel (1563) et la « Petite » Tour de Babel (vers 1563) ont survécu. La gigantesque structure a été capturée deux fois. Jamais auparavant les artistes n'avaient pu transmettre de manière aussi vivante la taille monstrueuse de la tour, l'ampleur de la construction, dépassant tout ce que l'homme connaissait auparavant.
Dans les œuvres ultérieures de Bruegel, l'atmosphère de réflexion pessimiste s'approfondit. Dans le célèbre « Les Aveugles » (1568), la parabole évangélique est utilisée pour incarner l'idée d'une humanité aveugle, ayant perdu la volonté de se battre et suivant passivement le destin. Le chef, menant la chaîne des infirmes aveugles, tombe, les autres, trébuchant, le suivent de manière incontrôlable ; leurs gestes impuissants sont convulsifs, le cachet des passions et des vices destructeurs apparaît nettement sur leurs visages, figés d'horreur, les transformant en masques mortels. Le rythme intermittent et inégal des mouvements des personnages développe le thème de la mort imminente. Cependant, comme auparavant, le caractère sereinement harmonieux de l'arrière-plan apparaît comme une alternative contrastée à la vanité humaine, avec sa paix idyllique comme pour suggérer une sortie de l'impasse tragique.
Les peintures du Caravage (1573-1610) ont suscité de vifs débats, car elles frappent par leur singularité. Le caractère de cet artiste était également extraordinaire - impudent, moqueur, arrogant.
Parmi les peintures du Caravage, il n'y a pas de scènes festives - comme "L'Annonciation", "Les Fiançailles", "Introduction au Temple", que les maîtres de la Renaissance aimaient tant. Il est attiré par les thèmes tragiques. Sur ses toiles, les gens souffrent et subissent de cruelles tortures. Le Caravage a observé ces difficultés de la vie. Dans le tableau « La Crucifixion de Saint-Pierre », nous voyons l'exécution de l'apôtre, crucifié la tête en bas sur la croix. « La Conversion de Saül » montre la persécution impitoyable des chrétiens, leur mort sous le talon d'un cheval et Le moment de perspicacité de Saul. Sur le chemin de Damas, il fut soudain aveuglé par un rayon céleste et, tombant de son cheval, il entendit la voix du Christ : « Saul, pourquoi me persécutes-tu ? Après son épiphanie, Saul devient l'un des disciples les plus dévoués du Christ : l'apôtre Paul.
Le Caravage montre la scène de la « Mise au Tombeau » comme un drame populaire. Le corps sans vie du Christ est soigneusement soutenu par les disciples. La main gelée du Sauveur est suspendue à la pierre tombale, au-dessus de l'espace noir de la tombe.
Dans les peintures du Caravage sur des sujets évangéliques, l’apparence quotidienne des personnages est frappante. Dans les scènes évangéliques, il montre la vie. gens ordinaires. Les contemporains du Caravage en témoignent : il méprisait tout ce qui n'était pas copié de la vie. L'artiste appelait ces tableaux des bibelots, des objets d'enfants et de poupées.
La peinture d'icônes est apparue en Russie au 10ème siècle, après qu'en 988 la Russie ait adopté la religion byzantine - le christianisme. À cette époque, à Byzance même, la peinture d'icônes s'était finalement transformée en un système d'images canonique strictement légalisé et reconnu. Le culte de l’icône est devenu partie intégrante de la doctrine et du culte chrétiens. Ainsi, Rus' a reçu l'icône comme l'un des « fondements » de la nouvelle religion.
Pendant des siècles, les icônes ont été les seuls objets de peinture en Russie. C'est à travers eux que les gens ordinaires ont été initiés à l'art.
Représentant des événements de la vie du Christ, de Marie, des apôtres, des peintres d'icônes
Ils ont trouvé des motifs qui ont touché l'âme de chaque personne, ont essayé d'exprimer leurs idées sur le bien et le mal.
Le peintre d'icônes suivait certaines règles dans son travail, par exemple, il ne pouvait pas inventer lui-même une intrigue. Mais cela ne veut pas du tout dire que le peintre a été privé de la possibilité de créer. Il pouvait ajouter quelques détails, « lire » le plan de l'église à sa manière et choisir des combinaisons de couleurs. Par ces détails, on peut distinguer le style d'Andrei Rublev du style de Théophane le Grec ou de Denys.
La question de savoir si telle ou telle œuvre appartient à Rublev fait désormais l'objet de vives discussions scientifiques. La seule œuvre fiable de l'artiste est l'icône de la Trinité. Toutes les autres œuvres sont plus ou moins probablement attribuées au célèbre maître.
Selon la doctrine chrétienne, Dieu, étant un par essence, a trois personnes. La première personne de la Trinité est Dieu le Père, qui a créé le ciel et la terre, tout ce qui est visible et invisible. Sa deuxième personne est Dieu le Fils, Jésus-Christ, qui a pris forme humaine et est descendu du ciel sur la terre pour le salut des hommes. La troisième personne est Dieu le Saint-Esprit, qui donne la vie à toutes choses. Il est incompréhensible pour l'esprit humain comment on existe en trois personnes. C'est pourquoi la doctrine de la Trinité est l'un des principes principaux des religions chrétiennes et, en tant que telle, est un objet de foi, mais pas un sujet de compréhension.
La véritable apparence de la divinité est inconnue de l'homme - « personne n'a vu Dieu » (Jean 1 : 18). Cependant, parfois, comme le dit la tradition chrétienne, Dieu est apparu aux gens, prenant une forme accessible à l'homme. La première personne à voir Dieu fut le vieil homme juste Abraham. Dieu lui est apparu sous la forme de trois anges. Abraham devina que, sous l'apparence de trois vagabonds, il assumait les trois visages de la Trinité. Rempli de joie, il les fit asseoir à l'ombre du chêne de Mamré, ordonna à sa femme Sarah de cuire du pain sans levain avec la meilleure farine et ordonna au jeune domestique d'abattre le tendre veau.
C’est cette histoire biblique qui constitue la base de l’iconographie de la Trinité. Elle est représentée comme trois anges tenant des bâtons errants à la main. Les anges sont assis solennellement à une table chargée de vaisselle. Au loin, vous pourrez apercevoir les Chambres d'Abraham et le légendaire Chêne de Mamré. Le pieux Abraham et Sarah offrent des rafraîchissements aux étrangers ailés.
Vikon Rublev est frappé par l'extraordinaire simplicité, le « laconicisme » avec lequel l'événement biblique est reproduit. À partir de l'histoire de l'Ancien Testament, l'artiste a choisi uniquement les détails qui donnent une idée de l'endroit et de la manière dont l'action s'est déroulée - la montagne (symbole du désert), les chambres d'Abraham et le chêne de Mamré. Il est vain de chercher une telle audace dans l'approche du texte sacré dans les icônes antérieures, qui suivaient auparavant le texte sacré sans raisonner, se fixant pour tâche de donner une image visible de tout ce que racontent la Bible et l'Évangile. , en la personne de Rublev, a négligé la lettre de l'Écriture Sainte et a tenté de la révéler sens philosophique. D'art illustratif, la peinture d'icônes est devenue un art cognitif.
En Russie, aux XIVe et XVe siècles, la doctrine d'une divinité trinitaire, représentant « une force, une puissance, une domination », est devenue un symbole religieux de l'unité politique du pays. Ce n’est pas un hasard si la devise de Moscou au tournant du siècle était : « Nous vivons dans la Trinité, nous bougeons et nous sommes ». La «Trinité» de Roublev est également imprégnée de la même idée, qui est devenue pour ainsi dire un symbole moral de la nouvelle Rus'.
Ainsi, même si les récits bibliques racontent des jours passés, les artistes s'y tournent pour refléter la réalité contemporaine à travers des intrigues bien connues.
Liste de la littérature utilisée :
1.
Rose-Marie Hagen R. « Pieter Bruegel l'Ancien ». – « Printemps des arts », 2000
2.
Andronov S.A. « Rembrandt. À PROPOS essence sociale artiste" - Moscou, "Connaissance" 1978
3.
Platonova N.I. "Art.Encyclopédie" - "Rosman-Press", 2002