Dernière Cène. Pour de nombreux historiens et critiques d'art, la "Cène" de Léonard de Vinci est le plus grand travail art mondial. Dans The Da Vinci Code, Dan Brown attire l'attention des lecteurs sur certains des éléments symboliques de ce tableau au moment où Sophie Neveu, alors qu'elle se trouve dans la maison de Lee Teabing, apprend que Léonard a peut-être crypté un grand secret dans son chef-d'œuvre. « La Cène » est une fresque peinte sur le mur du réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazie à Milan. Même à l’époque de Léonard lui-même, il était considéré comme son œuvre la meilleure et la plus célèbre. La fresque a été réalisée entre 1495 et 1497, mais déjà au cours des vingt premières années de son existence, comme le montrent les preuves écrites de ces années, elle a commencé à se détériorer. Il mesure environ 15 pieds sur 29.
La fresque a été peinte avec une épaisse couche de tempera à l’œuf sur du plâtre sec. Sous la couche principale de peinture se trouve une esquisse de composition grossière, une étude en rouge, anticipant l’utilisation habituelle du carton. C'est une sorte d'outil de préparation. On sait que le client du tableau était le duc de Milan Lodovico Sforza, à la cour duquel Léonard s'est fait connaître en tant que grand peintre, et non les moines du monastère de Santa Maria della Grazie. Le thème du tableau est le moment où Jésus-Christ annonce à ses disciples que l'un d'eux va le trahir. Pacioli écrit à ce sujet dans le troisième chapitre de son livre « La Divine Proportion ». C'est ce moment - où le Christ annonce la trahison - que Léonard de Vinci a capturé. Pour obtenir précision et réalisme, il a étudié les poses et les expressions faciales de plusieurs de ses contemporains, qu'il a ensuite représentés dans le tableau. L'identité des apôtres a fait l'objet de controverses à plusieurs reprises, mais à en juger par les inscriptions sur une copie du tableau conservée à Lugano, ce sont (de gauche à droite) : Barthélemy, Jacques le Jeune, André, Judas, Pierre, Jean, Thomas, Jacques l'Ancien, Philippe, Matthieu, Thaddeus et Simon Zelotes. De nombreux historiens de l'art estiment que cette composition doit être perçue comme une interprétation iconographique de l'Eucharistie - communion, puisque Jésus-Christ montre des deux mains la table avec du vin et du pain. Presque tous les spécialistes de l'œuvre de Léonard conviennent que l'endroit idéal pour voir le tableau se situe à une hauteur d'environ 13 à 15 pieds au-dessus du sol et à une distance de 26 à 33 pieds de celui-ci. Il existe une opinion – aujourd’hui contestée – selon laquelle la composition et son système de perspective sont basés sur le canon musical des proportions. Ce qui donne à La Cène son caractère unique est que, contrairement à d’autres tableaux du genre, il montre l’étonnante variété et la richesse des émotions des personnages provoquées par les paroles de Jésus selon lesquelles l’un de ses disciples le trahirait. Aucune autre peinture basée sur la Cène ne peut s'en rapprocher. composition unique et l'élaboration des détails dans le chef-d'œuvre de Léonard. Alors, quels secrets pourrait-il chiffrer dans sa création ? Grand artiste? Dans La Découverte des Templiers, Clive Prince et Lynn Picknett soutiennent que plusieurs éléments de la structure de la Dernière Cène indiquent des symboles qui y sont cryptés. Premièrement, ils estiment que le chiffre est main droite de Jésus (pour le spectateur, elle est à gauche) - pas Jean, mais une certaine femme.
Elle porte une robe dont la couleur contraste avec les vêtements du Christ, et elle est inclinée dans la direction opposée à celle de Jésus, assis au centre. L'espace entre cette figure féminine et Jésus a la forme d'un V, et les figures elles-mêmes forment un M.
Deuxièmement, sur la photo, à leur avis, à côté de Peter, une certaine main est visible, tenant un couteau. Prince et Picknett affirment que cette main n'appartient à aucun des personnages du film.
Troisièmement, assis directement à gauche de Jésus (à droite pour l'audience), Thomas, s'adressant au Christ, leva le doigt.
Et enfin, il existe une hypothèse selon laquelle l'apôtre Thaddée assis dos au Christ serait en réalité un autoportrait de Léonard lui-même.
Examinons chaque point dans l'ordre. En examinant de plus près le tableau, il s'avère que le personnage à droite de Jésus (pour le spectateur - à gauche) a en réalité des traits féminins ou féminins. Prince et Picknett assurent aux lecteurs que sous les plis des vêtements, on peut même voir sein féminin. Bien sûr, Léonard aimait parfois donner des traits féminins aux figures et aux visages masculins. Par exemple, un examen attentif de l'image de Jean-Baptiste montre qu'il est doté presque des traits d'un hermaphrodite à la peau pâle et glabre.
Mais qu’importe si dans le tableau « La Cène » Jésus et Jean (la femme) se penchaient dans des directions opposées, formant entre eux un espace en forme de lettre V, et les contours de leurs corps formant la lettre M ? Est-ce que cela a une signification symbolique ? Prince et Picknett soutiennent que cet agencement inhabituel de personnages, dont l'un a des traits nettement féminins, contient une allusion au fait qu'il ne s'agit pas de Jean, mais de Marie-Madeleine, et que le signe V est un symbole du principe féminin sacré. La lettre M, selon leur hypothèse, signifie le nom – Marie/Madeleine. Vous pouvez être d’accord ou non avec cette hypothèse, mais personne ne niera son originalité et son courage. Concentrons-nous sur la main sans corps. Quelle main est visible à gauche, à côté de la figure de Pierre ? Pourquoi tient-elle un poignard ou un couteau de manière si menaçante ? Une autre bizarrerie est que la main gauche de Peter semble trancher la gorge du personnage voisin avec le bord de sa paume.
Que voulait dire Léonard par là ? Que signifie le geste étrange de Peter ? Cependant, en y regardant de plus près, il apparaît clairement que la main avec le couteau appartient toujours à Peter et n'existe pas en soi. Peter l'a révélé main gauche, et sa position est donc clairement inhabituelle et extrêmement gênante. Quant à la trotteuse, levée de manière menaçante vers la gorge de John/Mary, il y a une explication à cela : Peter pose simplement sa main sur son épaule. Très probablement, les différends à ce sujet continueront pendant très longtemps. Quant à Thomas, assis à gauche de Jésus (à droite - pour le spectateur), il s'est vraiment relevé index main gauche d’une manière clairement menaçante. Ce geste de Jean-Baptiste, comme l'appellent Prince et Picknett, est présent dans de nombreux tableaux de Léonard, ainsi que d'autres peintres de l'époque. Il symbolise le courant souterrain de la connaissance et de la sagesse. Le fait est que Jean-Baptiste a en réalité joué un rôle bien plus important que celui qui lui est assigné dans l’Écriture. Pour ceux qui souhaitent en savoir plus à ce sujet, je recommande la lecture du livre "La Découverte des Templiers". L'apôtre Thaddée représenté dans le tableau semble avoir une certaine ressemblance avec Léonard, si l'on compare son image avec le célèbre autoportrait du grand artiste. Dans de nombreuses peintures de Léonard de Vinci représentant Jésus ou la Sainte Famille, le même détail est perceptible : au moins un des personnages tourne le dos au personnage principal. peinture. Par exemple, dans le tableau « L’Adoration des Mages ». La restauration récemment achevée de La Cène a permis d'en apprendre beaucoup sur ce sujet. image étonnante. Dans celui-ci, comme dans de nombreux autres tableaux de Léonard, sont en réalité cachés des messages secrets et des symboles oubliés. Cependant, leur véritable signification ne nous reste pas encore tout à fait claire, ce qui donne lieu à de plus en plus de nouvelles suppositions et hypothèses. Quoi qu’il en soit, il reste beaucoup à faire à l’avenir pour percer ces mystères. J'aimerais que nous soyons capables de comprendre, même dans la plus petite mesure, les plans du grand maître.
Parcelle
La Cène est le dernier repas de Jésus-Christ avec ses 12 disciples. Ce soir-là, Jésus institua le sacrement de l'Eucharistie, qui consistait en la consécration du pain et du vin, et prêcha l'humilité et l'amour. L'événement phare de la soirée est la prédiction de la trahison d'un des étudiants.
Les compagnons les plus proches de Jésus - ces mêmes apôtres - sont représentés en groupes autour du Christ, assis au centre. Barthélemy, Jacob Alfeev et Andrey ; puis Judas Iscariote, Pierre et Jean ; puis Thomas, Jacques Zébédée et Philippe ; et les trois derniers sont Matthieu, Judas Thaddeus et Simon.
Selon une version, la personne la plus proche de la main droite du Christ n'est pas Jean, mais Marie-Madeleine. Si nous suivons cette hypothèse, alors sa position pointe vers le mariage avec le Christ. Ceci est confirmé par le fait que Marie-Madeleine a lavé les pieds du Christ et les a séchés avec ses cheveux. Cela ne pouvait être fait épouse légale.
Nikolai Ge "La Cène", 1863
On ne sait pas exactement quel moment de la soirée Léonard de Vinci voulait représenter. Probablement la réaction des apôtres aux paroles de Jésus concernant la trahison imminente de l'un des disciples. L'argument est le geste du Christ : selon la prédiction, le traître tendra la main vers la nourriture en même temps que le fils de Dieu, et le seul « candidat » est Judas.
Les images de Jésus et de Judas étaient plus difficiles pour Léonard que pour d'autres. L'artiste n'a pas pu trouver de modèles appropriés. En conséquence, il a basé le Christ sur un chanteur dans une chorale d'église et Judas sur un clochard ivre, qui d'ailleurs était aussi chanteur dans le passé. Il existe même une version selon laquelle Jésus et Judas étaient basés sur la même personne à différentes périodes de sa vie.
Contexte
Pour la fin du XVe siècle, au moment de la création de la fresque, la profondeur de perspective reproduite constitue une révolution qui change l'orientation du développement de la peinture occidentale. Pour être précis, «La Cène» n'est pas une fresque, mais un tableau. Le fait est que techniquement, il a été réalisé sur un mur sec, et non sur du plâtre humide, comme c'est le cas des fresques. Leonardo a fait cela pour que les images puissent être corrigées. La technique de la fresque ne donne pas le droit à l'auteur de se tromper.
Da Vinci a reçu une commande de son client habituel, le duc Lodovico Sforza. L’épouse de ce dernier, Béatrice d’Este, qui supportait patiemment l’amour effréné de son mari pour les libertins, finit par mourir subitement. La Cène était une sorte de dernière volonté du défunt.
Lodovic Sforza
Moins de 20 ans après la création de la fresque, l'œuvre de Léonard a commencé à s'effondrer à cause de l'humidité. Après encore 40 ans, il était presque impossible de reconnaître ces chiffres. Apparemment, les contemporains ne s'inquiétaient pas particulièrement du sort de l'œuvre. Au contraire, de toutes les manières possibles, volontairement ou involontairement, ils n'ont fait qu'aggraver son état. Alors, dans milieu du XVIIe siècle siècle, lorsque les ecclésiastiques eurent besoin d'un passage dans le mur, ils le firent de telle manière que Jésus perdit ses jambes. Plus tard, l'ouverture a été bloquée avec des briques, mais les pieds n'ont pas pu être restaurés.
Le roi de France François Ier fut tellement impressionné par l'œuvre qu'il envisagea sérieusement de la transporter chez lui. Et pendant la Seconde Guerre mondiale, la fresque a miraculeusement survécu : un obus qui a frappé le bâtiment de l'église a tout détruit sauf le mur avec l'œuvre de Da Vinci.
Santa Maria delle Grazie
La Cène a été tentée à plusieurs reprises de être restaurée, mais sans grand succès. En conséquence, dans les années 1970, il est devenu évident qu’il était temps d’agir de manière décisive, sinon le chef-d’œuvre serait perdu. Un travail colossal a été réalisé depuis 21 ans. Aujourd'hui, les visiteurs du réfectoire n'ont que 15 minutes pour contempler le chef-d'œuvre et les billets doivent bien entendu être achetés à l'avance.
L'un des génies de la Renaissance, un homme universel, est né près de Florence, lieu où, au tournant des XVe et XVIe siècles, la vie culturelle, politique et économique était extrêmement riche. Grâce aux familles de mécènes (comme les Sforza et les Médicis), qui payaient généreusement pour l'art, Léonard pouvait créer librement.
Statue de Léonard de Vinci à Florence
Da Vinci n'était pas un homme très instruit. Mais lui des cahiers permettons-nous de parler de lui comme d'un génie dont l'éventail des intérêts s'étendait extrêmement largement. Peinture, sculpture, architecture, ingénierie, anatomie, philosophie. Et ainsi de suite. Et le plus important ici n'est pas le nombre de passe-temps, mais le degré d'implication dans ceux-ci. Da Vinci était un innovateur. Sa pensée progressiste a bouleversé les idées de ses contemporains et a établi un nouveau vecteur de développement de la culture.
Dernière Cène - événement derniers jours vie terrestre de Jésus-Christ, son dernier repas avec ses douze disciples les plus proches, au cours duquel il institua le sacrement de l'Eucharistie et prédit la trahison de l'un des disciples. La Cène fait l'objet de nombreuses icônes et peintures, mais la plus œuvre célèbre- Il s'agit de « La Cène » de Léonard de Vinci.
Au centre de Milan, à côté de l'église gothique de Santa Maria della Grazie, se trouve l'entrée de l'ancien monastère dominicain, où se trouve la célèbre peinture murale de Léonard de Vinci. Créée en 1495-97, La Cène est l'œuvre la plus copiée. Déjà à la Renaissance, une vingtaine d'œuvres sur le même thème avaient été écrites par des artistes de France, d'Allemagne et d'Espagne.
Église de Santa Maria della Grazie
Le peintre reçut une commande de peindre cette œuvre de son mécène, le duc de Milan Ludovico Sforza, en 1495. Malgré le fait que le souverain était célèbre pour sa vie dissolue, après la mort de sa femme, il n'a pas quitté sa chambre pendant 15 jours. Et quand il est sorti, la première chose qu'il a faite a été d'ordonner à Léonard de Vinci de peindre une fresque, ce que sa défunte épouse avait demandé un jour, et a arrêté pour toujours tout divertissement à la cour.
Esquisser
"La Cène", description
Le pinceau de Léonard représentait Jésus-Christ avec ses apôtres lors du dernier repas avant son exécution, célébré à Jérusalem, à la veille de son arrestation par les Romains. Selon l'Écriture, Jésus a dit pendant le repas qu'un des apôtres le trahirait (« et pendant qu'ils mangeaient, il dit : « En vérité, je vous le dis, l'un de vous me trahira »). Léonard de Vinci a tenté de décrire la réaction de chacun des élèves à la phrase prophétique du professeur. Un artiste, comme d'habitude Des gens créatifs, a travaillé de manière très chaotique. Soit il n'a pas levé les yeux de son travail pendant des journées entières, soit il n'a appliqué que quelques traits. Il s'est promené dans la ville, a parlé à des gens ordinaires, a observé les émotions sur leurs visages.
Les dimensions de l'œuvre sont d'environ 460x880 cm, elle se situe dans le réfectoire du monastère, sur le mur du fond. Bien qu’on l’appelle souvent une fresque, ce n’est pas tout à fait exact. Après tout, Léonard de Vinci a écrit son œuvre non pas sur du plâtre humide, mais sur du plâtre sec, afin de pouvoir l'éditer plusieurs fois. Pour ce faire, l’artiste a appliqué une épaisse couche de tempera à l’œuf sur le mur.
La méthode de peinture avec des peintures à l'huile s'est avérée très éphémère. Dix ans plus tard, lui et ses élèves tentent de réaliser les premiers travaux de restauration. Au total, huit restaurations ont été réalisées en 300 ans. En conséquence, de nouvelles couches de peinture ont été appliquées à plusieurs reprises sur le tableau, déformant considérablement l’original.
Aujourd'hui, afin de protéger cette œuvre délicate des dommages, le bâtiment maintient une température et une humidité constantes grâce à des dispositifs de filtrage spéciaux. Entrée à la fois - pas plus de 25 personnes toutes les 15 minutes, et ticket d'admission doit être commandé à l’avance.
L'œuvre emblématique de Da Vinci est entourée de légendes et est associée à ligne entière secrets et suppositions. Nous en présenterons quelques-uns.
Léonard de Vinci "La Cène"
1. On pense que Léonard de Vinci a eu le plus de mal à écrire deux personnages : Jésus et Judas. L'artiste a longtemps cherché des modèles adaptés pour incarner les images du bien et du mal.
Jésus
Un jour, Léonard vit dans la chorale de l'église un jeune chanteur si spirituel et si pur qu'il n'y avait aucun doute : il avait trouvé le prototype de Jésus pour sa « Cène ». Il ne restait plus qu'à retrouver Judas.
Judas
L'artiste a passé des heures à errer dans les points chauds, mais il n'a eu de chance qu'au bout de presque 3 ans. Un type complètement dérangé gisait dans un fossé, en état d'ébriété grave. Il a été amené à l'atelier. Et après que l'image de Judas ait été peinte, l'ivrogne s'est approché du tableau et a admis qu'il l'avait déjà vu auparavant. Il s'est avéré qu'il y a trois ans, il était complètement différent, il menait une vie saine et chantait dans la chorale de l'église. Et un jour, un artiste l'a approché avec une proposition de peindre le Christ d'après lui.
2. Le tableau contient des références répétées au chiffre trois :
Les apôtres sont assis par groupes de trois ;
Derrière Jésus se trouvent trois fenêtres ;
Les contours de la figure du Christ ressemblent à un triangle.
3. La figure du disciple situé à la droite du Christ reste controversée. On pense qu'il s'agit de Marie-Madeleine et son emplacement indique qu'elle était l'épouse légale de Jésus. Ce fait serait confirmé par la lettre « M » (de « Matrimonio » - « mariage »), qui est formée par les contours des corps du couple. Dans le même temps, certains historiens contestent cette affirmation et insistent sur le fait que la signature de Léonard de Vinci est visible sur l'image - la lettre « V ».
4. Pendant la Seconde Guerre mondiale, le 15 août 1943, le réfectoire fut bombardé. L’obus qui a frappé l’église a presque tout détruit sauf le mur sur lequel était représentée la fresque. Des sacs de sable empêchaient les fragments de bombe de pénétrer dans le tableau, mais les vibrations auraient pu avoir un effet néfaste.
5. Les historiens et les historiens de l'art étudient en détail non seulement les apôtres, mais aussi la nourriture représentée sur la table. Par exemple, le plus grand sujet de controverse reste le poisson dans le tableau. Il n’est pas déterminé si ce qui est peint sur la fresque est un hareng ou une anguille. Les scientifiques y voient un message crypté sens caché. Et tout cela parce qu'en italien « anguille » se prononce « aringa ». Et « aringa » signifie instruction. Dans le même temps, le mot « hareng » se prononce dans le nord de l'Italie comme « renga », ce qui signifie « celui qui nie la religion ».
Il ne fait aucun doute que la « Cène » de Léonard de Vinci recèle encore de nombreux secrets non résolus. Et dès qu'ils seront résolus, nous en parlerons certainement.
L'œuvre la plus célèbre de Léonard est la célèbre « Cène » du monastère milanais de Santa Maria della Grazie. Ce tableau, qui dans sa forme actuelle représente une ruine, fut achevé entre 1495 et 1497. La raison de la détérioration rapide, qui s'est fait sentir déjà en 1517, était une technique unique combinant l'huile et la détrempe.
L'une des œuvres les plus célèbres Léonard de Vinci situé dans le monastère de Santa Maria della Grazie à Milan - ce "Le dernier souper". La fresque, qui fait aujourd'hui pitié, a été peinte à la fin du XVe siècle. L'image s'est détériorée très rapidement, vingt ans plus tard, le chef-d'œuvre avait déjà besoin d'être restauré - la raison en était équipement spécial, qui combinait la détrempe avec de l'huile.
La peinture de la fresque a été précédée d’une préparation longue et minutieuse. Leonardo comblé grande quantité des croquis qui ont permis de sélectionner les gestes et les poses les plus adaptés des personnages. L'artiste a considéré dans l'intrigue de "La Cène" non seulement le contenu dogmatique profond, mais aussi une immense tragédie humaine, qui permet de révéler les caractères des personnages du tableau et de démontrer leurs expériences émotionnelles. Pour Da Vinci, « La Cène » est devenue avant tout une scène de trahison, l'une des tâches était donc d'introduire dans ce traditionnel histoire biblique une note dramatique qui donnerait à la fresque une toute nouvelle coloration émotionnelle.
En réfléchissant à l'idée de « La Cène », l'artiste a pris des notes décrivant le comportement et les actions de certains participants à la scène : « Celui qui a bu pose la tasse sur la table et fixe son regard sur l'orateur, l'autre , joignant ses doigts, fronce les sourcils et regarde son camarade, le troisième montre ses paumes et lève les épaules de surprise… » Ces archives ne mentionnent pas les noms des apôtres, mais de Vinci a clairement identifié la posture, les expressions faciales et les gestes. de chacun d'eux. Les personnages devaient être disposés de telle manière que l'ensemble de la composition représentait un tout unique, transmettant tout le caractère poignant de l'intrigue, pleine de passions et d'émotions. Selon Léonard, les apôtres ne sont pas des saints, mais de simples personnes qui vivent à leur manière l’actualité.
« La Cène » est considérée comme la création la plus mature et la plus complète de Léonard de Vinci. Le tableau attire par l'étonnante conviction de la solution compositionnelle ; le maître parvient à éviter tout élément susceptible de distraire le spectateur de l'action principale. La partie centrale de la composition est occupée par la figure du Christ, représentée sur fond d'ouverture de la porte. Les apôtres se sont éloignés du Christ - cela a été fait exprès pour concentrer davantage d'attention sur lui. Dans le même but, Léonard a placé la tête de Jésus au point de convergence de toutes les lignes de perspective. Les étudiants sont répartis en quatre groupes, chacun semblant dynamique et vivant. La table est petite et le réfectoire est conçu dans un style simple et austère. Grâce à cela, l'accent est mis sur des personnages dont la puissance plastique est vraiment grande. Toutes ces techniques démontrent la profonde intention créatrice et la détermination artistique de l'auteur.
En réalisant le tableau, Léonard s'est fixé l'objectif le plus important : transmettre de manière réaliste les réactions mentales des apôtres aux paroles de Jésus : "L'un de vous me trahira". L’image de chaque étudiant est un tempérament et un caractère humain presque complet et formé, qui a sa propre unicité, et donc leur réaction à la prédiction du Christ est différente.
Les contemporains de Léonci ont vu le génie de La Cène précisément dans la subtile différenciation émotionnelle, dont l'incarnation était facilitée par la variété des poses, des gestes et des expressions faciales des personnages. Cette caractéristique de la fresque la distingue du fond de plus premières œuvres décrivant une histoire biblique. D'autres maîtres, tels que T. Gaddi, D. Ghirlandaio, C. Roselli et A. Del Castanto, ont représenté des étudiants assis à table dans des poses calmes et statiques, comme s'ils n'avaient rien à voir avec ce qui se passait. Ces artistes n'ont pas pu caractériser Judas de manière suffisamment détaillée du point de vue psychologique et l'ont isolé du reste des apôtres de l'autre côté de la table. Ainsi, l’opposition crapuleuse de Judas à la congrégation a été créée artificiellement.
Da Vinci a réussi à briser cette tradition. Utiliser riche langage artistique a permis de se passer d'effets exclusivement externes. Le Judas de Léonard est regroupé avec les autres disciples, mais ses traits le distinguent d'une certaine manière des apôtres, de sorte qu'un spectateur attentif reconnaît rapidement le traître.
Tous les personnages de l'action sont dotés d'individualité. Sous nos yeux, dans la congrégation, qui tout à l'heure était dans un calme complet, grandit la plus grande excitation, provoquée par les paroles de Jésus, perçant comme le tonnerre le silence de mort. Réaction la plus impulsive à la parole Christ trois étudiants assis à sa gauche. Ils forment un groupe intégral, uni par des gestes et une volonté communs.
Philippe saute de son siège, adressant sa question perplexe à Jésus, Jacob, sans cacher son indignation, écarte les bras en se penchant légèrement en arrière, Thomas lève la main, comme pour essayer de comprendre et d'évaluer ce qui se passe. Dans le groupe assis à la droite du Maître, règne une ambiance légèrement différente. Il est séparé de la figure du Christ par une distance considérable et la retenue émotionnelle de ses participants est évidente. Judas, tenant dans ses mains une bourse d'argent, est représenté à tour de rôle, son image est imprégnée d'une peur tremblante de Jésus. La figure de Judas est délibérément peinte dans des couleurs plus sombres ; elle contraste fortement avec la lumière et d'une manière lumineuse Jeanne, qui baissa mollement la tête et croisa humblement les mains. Coincé entre Jean et Judas Pierre, qui pose sa main sur l'épaule de John et lui dit quelque chose, en se penchant près de son oreille, de son autre main Peter saisit l'épée de manière décisive, voulant à tout prix protéger le Maître. Les disciples assis près de Pierre regardent le Christ avec surprise, comme s'ils posaient une question silencieuse, ils veulent connaître le nom du traître. Les trois derniers personnages étaient placés du côté opposé de la table. Matthieu, les bras tendus vers Jésus, se tourne avec indignation vers Thaddée, lui demandant une explication sur une nouvelle aussi inattendue. Mais le vieil apôtre est lui aussi dans le flou et le montre d’un geste ahuri.
Les personnages assis à chaque extrémité de la table sont représentés de profil complet. Cela n'a pas été fait par hasard : Léonard a ainsi fermé le mouvement envoyé depuis le centre du tableau ; l'artiste a utilisé une technique similaire plus tôt dans le tableau « L'Adoration des Mages », où ce rôle était joué par les figures d'un jeune homme. et un vieil homme situé aux bords de la toile. Cependant, dans ce travail, nous ne voyons pas une telle profondeur techniques psychologiques, les moyens d'expression traditionnels sont ici principalement utilisés. Dans La Cène, au contraire, un sous-texte émotionnel complexe est clairement exprimé, analogue à celui Peinture italienne Le XVe siècle n'existe pas. Les contemporains de Léonard ont immédiatement reconnu le véritable génie du transfert d'une intrigue pas du tout nouvelle et ont pris La Cène à sa juste valeur, la qualifiant de nouveau mot dans les beaux-arts.
Jésus-Christ et ses disciples ont été capturés par Léonard lors de leur dernière rencontre au dîner la veille de son exécution. Il n’est donc pas surprenant que la fresque ait été réalisée dans la salle à manger du monastère. Le maître, comme il sied à un vrai génie, travaillait de manière chaotique. Parfois, il ne pouvait pas quitter sa création pendant des jours, puis abandonner son travail pendant un certain temps. La Cène était la seule œuvre majeure achevée de Léonard de Vinci. La peinture a été appliquée d'une manière non conventionnelle, ont été utilisées Peinture à l'huile, plutôt que la détrempe - cela a permis de faire le travail beaucoup plus lentement et a permis d'apporter quelques modifications et ajouts en cours de route. La fresque est peinte dans un style unique ; le spectateur peut avoir l'impression que l'image se trouve derrière une vitre brumeuse.
Léonard de Vinci– la personnalité la plus mystérieuse et la moins étudiée des années passées. Certains lui attribuent un don de Dieu et le canonisent comme saint, tandis que d'autres, au contraire, le considèrent comme un athée qui a vendu son âme au diable. Mais le génie du grand Italien est indéniable, puisque tout ce que la main du grand peintre et ingénieur a jamais touché était instantanément rempli d'un sens caché. Aujourd'hui, nous parlerons de œuvre célèbre "Le dernier souper" et les nombreux secrets qu'il cache.
Localisation et histoire de la création :
La célèbre fresque est dans l'église Santa Maria delle Grazie, situé sur la place du même nom à Milan. Ou plutôt sur un des murs du réfectoire. Selon les historiens, l'artiste a spécifiquement représenté sur la photo exactement la même table et les mêmes plats qui se trouvaient dans l'église à cette époque. Par cela, il a essayé de montrer que Jésus et Judas (le bien et le mal) sont beaucoup plus proches des gens qu'il n'y paraît.
Le peintre reçut une commande pour peindre cette œuvre de son mécène, le duc de Milan. Ludovico Sforza en 1495. Le souverain était célèbre pour sa vie dissolue et jeunesseétait entouré de jeunes bacchantes. La situation n'a pas changé du tout car le duc avait une épouse belle et modeste. Béatrice d'Este, qui aimait sincèrement son mari et, en raison de son caractère doux, ne pouvait pas contredire son mode de vie. Nous devons admettre que Ludovico Sforza il vénérait sincèrement sa femme et lui était attaché à sa manière. Mais le duc dissolu n'a ressenti le véritable pouvoir de l'amour qu'au moment de la mort subite de sa femme. Le chagrin de l'homme était si grand qu'il n'a pas quitté sa chambre pendant 15 jours. Et quand je suis sorti, la première chose que j'ai faite a été de commander Léonard de Vinci fresque, que sa défunte épouse avait demandée un jour, et qui interrompit à jamais tout divertissement à la cour.
Les travaux furent achevés en 1498. Ses dimensions étaient de 880 sur 460 cm. De nombreux connaisseurs du travail de l’artiste ont convenu que c’était la meilleure. "Dernière Cène" Vous pouvez le voir si vous vous déplacez de 9 mètres sur le côté et si vous montez à 3,5 mètres. De plus, il y a quelque chose à voir. Déjà du vivant de l'auteur, la fresque était considérée comme sa meilleur travail. Cependant, qualifier le tableau de fresque serait incorrect. Le fait est que Léonard de Vinci J'ai écrit l'œuvre non pas sur plâtre humide, mais sur plâtre sec, afin de pouvoir la retoucher plusieurs fois. Pour ce faire, l'artiste a appliqué une épaisse couche de tempera à l'œuf sur le mur, qui n'a ensuite pas rendu service, commençant à s'effondrer à peine 20 ans après la peinture du tableau. Mais plus là-dessus plus tard.
Idée de la pièce :
"Le dernier souper" représente le dernier dîner de Pâques de Jésus-Christ avec ses disciples et apôtres, qui a eu lieu à Jérusalem à la veille de son arrestation par les Romains. Selon les Écritures, Jésus a déclaré lors d'un repas qu'un des apôtres le trahirait. Léonard de Vinci J'ai essayé de décrire la réaction de chacun des élèves à la phrase prophétique du Maître. Pour ce faire, il se promenait dans la ville, parlait aux gens ordinaires, les faisait rire, les bouleversait et les encourageait. Et en même temps il observait les émotions sur leurs visages. Le but de l'auteur était de dépeindre le célèbre dîner avec de la pure point humain vision. C’est pourquoi il a représenté toutes les personnes présentes en rangée et n’a dessiné d’auréole au-dessus de la tête de personne (comme d’autres artistes aimaient le faire).
Nous arrivons maintenant à la partie la plus intéressante de l'article : les secrets et les caractéristiques cachées dans l'œuvre du grand auteur.
1. Selon les historiens, le plus difficile est Léonard de Vinciétant donné l'écriture de deux personnages : Jésus et Judas. L'artiste a essayé d'en faire l'incarnation du bien et du mal, c'est pourquoi il n'a pas pu trouver de modèles appropriés pendant longtemps. Un jour, un Italien a vu dans une chorale d'église un jeune chanteur si spirituel et si pur qu'il ne restait plus aucun doute : le voici - le prototype de Jésus pour lui. "Dernière Cène". Mais, malgré le fait que l'image du Maître ait été peinte, Léonard de Vinci Je l'ai longuement corrigé, le jugeant insuffisamment parfait.
Le dernier personnage non écrit de l’image était Judas. L'artiste a passé des heures à errer dans les pires endroits, à la recherche d'un modèle à peindre parmi les personnes dégradées. Et maintenant, presque 3 ans plus tard, il a eu de la chance. Un type complètement dérangé gisait dans un fossé, en état d'ébriété grave. L'artiste a ordonné qu'il soit amené à l'atelier. L’homme pouvait à peine se tenir debout et n’avait aucune idée de l’endroit où il se trouvait. Cependant, après que l'image de Judas ait été peinte, l'ivrogne s'est approché du tableau et a admis qu'il l'avait déjà vu auparavant. À la stupéfaction de l’auteur, l’homme a répondu qu’il y a trois ans, il était complètement différent, qu’il menait une vie correcte et qu’il chantait dans la chorale de l’église. C'est alors qu'un artiste l'a approché avec une proposition de peindre le Christ d'après lui. Ainsi, selon les historiens, Jésus et Judas étaient basés sur la même personne à différentes périodes de sa vie. Cela souligne une fois de plus le fait que le bien et le mal sont si proches que parfois la frontière entre eux est imperceptible.
D'ailleurs, en travaillant Léonard de Vinci distrait par l'abbé du monastère, qui pressait constamment l'artiste et affirmait qu'il devait peindre un tableau pendant des jours et ne pas rester pensif devant lui. Un jour, le peintre n'a pas pu le supporter et a promis à l'abbé de lui radier Judas s'il ne cessait pas de s'immiscer dans processus créatif.
2. Le secret le plus discuté de la fresque est la figure du disciple situé à la droite du Christ. On pense qu'il ne s'agit que de Marie-Madeleine et sa localisation indique qu'elle n'était pas la maîtresse de Jésus, comme on le croit généralement, mais son épouse légale. Ce fait est confirmé par la lettre « M », formée par les contours des corps du couple. Apparemment, cela signifie le mot « Matrimonio », qui signifie « mariage ». Certains historiens contestent cette affirmation et insistent sur le fait que la signature est visible sur le tableau. Léonard de Vinci- lettre "V". La première affirmation est étayée par la mention que Marie-Madeleine a lavé les pieds du Christ et les a séchés avec ses cheveux. Selon les traditions, seule une épouse légale pouvait le faire. De plus, on pense que la femme était enceinte au moment de l’exécution de son mari et qu’elle a ensuite donné naissance à une fille, Sarah, qui a marqué le début de la dynastie mérovingienne.
3. Certains chercheurs affirment que la disposition inhabituelle des étudiants sur la photo n’est pas fortuite. Ils disent Léonard de Vinci placé les gens par... signes du zodiaque. Selon cette légende, Jésus était Capricorne et sa bien-aimée Marie-Madeleine était vierge.
4. Il est impossible de ne pas mentionner le fait que lors des bombardements de la Seconde Guerre mondiale, un obus qui a touché le bâtiment de l'église a presque tout détruit sauf le mur sur lequel la fresque était représentée. Cependant, non seulement les gens eux-mêmes ne se sont pas occupés du travail, mais ils l'ont également traité d'une manière véritablement barbare. En 1500, une inondation dans l'église causa des dommages irréparables au tableau. Mais au lieu de restaurer le chef-d'œuvre, les moines firent en 1566 un trou dans le mur avec l'image "Dernière Cène" une porte qui « coupait » les jambes des personnages. Un peu plus tard, les armoiries milanaises furent accrochées au-dessus de la tête du Sauveur. Et à la fin du XVIIe siècle, le réfectoire est transformé en écurie. La fresque déjà délabrée était recouverte de fumier, et les Français rivalisaient : qui frapperait la tête de l'un des apôtres avec une brique. Cependant, il y avait "Dernière Cène" et les fans. Le roi de France François Ier fut tellement impressionné par l'œuvre qu'il réfléchit sérieusement à la manière de la transporter jusqu'à son domicile.
5. Non moins intéressantes sont les réflexions des historiens sur la nourriture représentée sur la table. Par exemple, près de Judas Léonard de Vinci représentait une salière renversée (ce qui a toujours été considéré comme un mauvais présage), ainsi qu'une assiette vide. Mais le plus gros point de controverse reste le poisson sur la photo. Les contemporains ne peuvent toujours pas s'entendre sur ce qui est peint sur la fresque - un hareng ou une anguille. Les scientifiques estiment que cette ambiguïté n’est pas fortuite. L’artiste a spécifiquement chiffré le sens caché du tableau. Le fait est qu'en italien « anguille » se prononce « aringa ». Nous ajoutons une lettre supplémentaire et nous obtenons un mot complètement différent - "arringa" (instruction). Dans le même temps, le mot « hareng » se prononce dans le nord de l'Italie comme « renga », ce qui signifie « celui qui nie la religion ». Pour l’artiste athée, la seconde interprétation est plus proche.
Comme vous pouvez le constater, dans une seule image se cachent de nombreux secrets et euphémismes que plus d’une génération a eu du mal à découvrir. Beaucoup d’entre eux resteront sans solution. Et les contemporains n'auront qu'à spéculer sur le grand Italien en peinture, marbre, sable, en essayant de prolonger la vie de la fresque.