L'artiste russe Karl Bryullov était sans aucun doute très respecté pour son talent bien avant la création de ce chef-d'œuvre. Néanmoins, c’est « Le Dernier Jour de Pompéi » qui a amené Briullov, sans exagération, à renommée mondiale. Pourquoi l’image de la catastrophe a-t-elle eu un tel impact sur le public et quels secrets cache-t-elle encore aujourd’hui aux téléspectateurs ?
Pourquoi Pompéi ?
À la fin du mois d'août 79 après JC, à la suite de l'éruption du Vésuve, les villes de Pompéi, Herculanum, Stabiae et de nombreux petits villages sont devenus les tombes de plusieurs milliers de personnes. résidents locaux. Les véritables fouilles archéologiques des zones tombées dans l'oubli n'ont commencé qu'en 1748, soit 51 ans avant la naissance de Karl Bryullov lui-même. Il est clair que les archéologues ont travaillé non seulement pendant une journée, mais pendant plusieurs décennies. Grâce à cette circonstance, l'artiste a pu visiter personnellement les fouilles et se promener dans les anciennes rues romaines déjà débarrassées de la lave solidifiée. De plus, à ce moment-là, Pompéi s'est avérée être la plus dégagée.
La comtesse Yulia Samoilova, pour qui Karl Pavlovich avait des sentiments chaleureux, s'y promenait également avec Bryullov. Plus tard, elle jouera un rôle énorme dans la création du chef-d’œuvre de son amant, et plus d’un. Bryullov et Samoilova ont eu l'occasion de voir les bâtiments de la ville antique, des articles ménagers restaurés, des vestiges des morts. Tout cela a laissé une empreinte profonde et vivante sur la nature délicate de l’artiste. C'était en 1827.
Disparition de personnages
Impressionné, Bryullov s'est presque immédiatement mis au travail, et très sérieusement et minutieusement. Il a visité plus d'une fois les environs du Vésuve, réalisant des croquis pour la future toile. En outre, l'artiste s'est familiarisé avec des manuscrits qui ont survécu jusqu'à ce jour, notamment des lettres d'un témoin oculaire de la catastrophe, l'ancien homme politique et écrivain romain Pline le Jeune, dont l'oncle Pline l'Ancien est mort dans l'éruption. Bien entendu, un tel travail demandait beaucoup de temps. Par conséquent, la préparation à l’écriture du chef-d’œuvre a pris à Bryullov plus de 5 ans. La toile elle-même, d'une superficie de plus de 30 mètres carrés, il a créé en moins d'un an. L'artiste était parfois incapable de marcher à cause de l'épuisement ; il était littéralement transporté hors de l'atelier. Mais même avec une préparation aussi minutieuse et un travail acharné sur le chef-d'œuvre, Bryullov a continué à modifier le plan original à un degré ou à un autre. Par exemple, il n’a pas utilisé le croquis d’un voleur prenant les bijoux d’une femme tombée au combat.
Mêmes visages
L'un des principaux mystères que l'on retrouve sur la toile est la présence dans l'image de plusieurs visages féminins. Il s'agit d'une fille avec une cruche sur la tête, d'une femme allongée par terre avec un enfant, ainsi que d'une mère serrant ses filles dans ses bras et d'une personne avec son mari et ses enfants. Pourquoi Bryullov les a-t-il dessinés de manière si semblable ? Le fait est que tous ces personnages ont servi de modèle à la même dame - la même comtesse Samoilova. Malgré le fait que l'artiste ait dessiné d'autres personnes parmi les résidents ordinaires d'Italie, apparemment Samoilov Bryullov, submergé par certains sentiments, aimait simplement peindre.
De plus, dans la foule représentée sur la toile, on retrouve le peintre lui-même. Il se présentait tel qu'il était, un artiste avec une boîte remplie de matériel de dessin sur la tête. Cette méthode, comme une sorte d'autographe, a été utilisée par de nombreux Maîtres italiens. Et Bryullov a passé de nombreuses années en Italie et c'est là qu'il a étudié l'art de la peinture.
Chrétien et païen
Parmi les personnages du chef-d'œuvre, il y a aussi un adepte de la foi chrétienne, facilement reconnaissable à la croix sur sa poitrine. Une mère et ses deux filles se blottissent près de lui, comme pour chercher la protection du vieil homme. Cependant, Bryullov a également peint un prêtre païen qui s'enfuit rapidement, sans prêter attention aux habitants effrayés. Sans aucun doute, le christianisme a été persécuté à cette époque et on ne sait pas avec certitude si l'un des adeptes de cette foi aurait pu se trouver à Pompéi à cette époque. Mais Bryullov, essayant d'adhérer à l'exactitude documentaire des événements, a introduit dans son travail et sens caché. Par l’intermédiaire du clergé susmentionné, il montra non seulement le cataclysme lui-même, mais aussi la disparition de l’ancien et la naissance du nouveau.
K. Brioullov. Autoportrait. (le romantisme)
Né dans la famille d'un artiste, académicien et professeur à l'Académie des Arts. Déjà dans son enfance, son père travaillait beaucoup avec lui, ce qui ne pouvait que laisser une empreinte sur son travail. Dans ses œuvres, il suivait généralement le style du classicisme ( style artistique, traduit du latin par « exemplaire », prenant pour idéal les traditions de l’Antiquité et de la Renaissance. Le classicisme exalte l'héroïque, la haute civisme, le sens du devoir, condamne les vices.), que l'Académie des Arts introduisit avec persistance dans ses murs. Cependant, comme nous le verrons, les tendances n’ont pas non plus laissé Bryullov indifférent. Il est brillamment diplômé de l'Académie, a reçu un Grand médaille d'or, puis se perfectionne en Italie, où il obtient rapidement Reconnaissance européenne. Les sujets de plusieurs de ses peintures sont inspirés de motifs italiens. Bryullov possède des peintures sur des thèmes à la fois historiques et mythologiques, et histoires de tous les jours. Il a également peint des illustrations pour travaux littéraires et beaucoup de portraits.
Le dernier jour de Pompéi (1833)
Le tableau recrée la mort de l'ancienne ville de Pompéi lors de l'éruption du Vésuve en 79 après JC. Il s'agit d'une immense toile de 4,5 mètres de haut et 6,5 mètres de long.
Le fond de paysage le plus complexe et la composition à plusieurs figures nécessitaient une énergie physique et créative intense. Le succès du tableau s'explique par le drame orageux de la scène, l'éclat et la luminosité des couleurs, l'ampleur de la composition, la clarté sculpturale et l'expressivité des formes.
Le Vésuve a ouvert la bouche - de la fumée s'est répandue, un nuage de flammes
Largement développé comme un drapeau de bataille,
La terre est agitée - à cause des colonnes qui se balancent
Les idoles tombent ! Un peuple animé par la peur
Sous la pluie de pierres, sous les cendres enflammées,
Les foules, jeunes et vieux, quittent la ville en courant.
L'essentiel est ce que le peintre a montré de manière convaincante : même les forces les plus impitoyables et les plus inévitables ne sont pas capables de détruire une personne chez une personne. En regardant l'image, vous remarquez que même au moment de la mort, chacun des personnages représentés ne cherche pas tant le salut pour lui-même, mais s'efforce avant tout de sauver ses personnes proches et chères. Ainsi, l'homme au centre du tableau, étendant la paume ouverte de sa main gauche vers le ciel menaçant, ne se protège pas lui-même des chutes de pierres, mais sa femme, qu'il a recouverte de son manteau. La femme, penchée et penchée tout son corps en avant, essaie de couvrir les enfants avec son corps.
Voici des enfants adultes qui tentent de sortir leur vieux père du feu. Ici, la mère convainc son fils de la quitter et de se sauver. Et voici le marié avec la mariée morte dans ses bras.
Bien sûr, tous les gens ne sont pas également fidèles et honnêtes. L'image contient à la fois la peur bestiale, obligeant le cavalier à cheval à se sauver rapidement, et l'avidité insatiable avec laquelle le prêtre s'approprie les trésors de l'église, profitant de la panique générale. Mais ils ne sont pas nombreux.
Pourtant, la noblesse et l’amour prédominent dans le tableau.
L'œuvre de Bryullov porte une nette empreinte de l'influence du romantisme. Cela se voit à la fois dans le choix du thème et dans la coloration fougueuse du tableau. Mais d'un autre côté, on peut aussi voir ici l'influence du classicisme, auquel Bryullov a toujours été fidèle - les figures des personnages rappellent beaucoup les sculptures antiques parfaites. Peu d’œuvres d’art ont connu le triomphe qu’a connu la création de Bryullov.
Célèbre écrivain anglais Walter Scott a passé deux heures à proximité du tableau et a évalué la création du maître russe comme une épopée historique. Quand l'auteur est intervenu pays natal, il a déjà été chaleureusement célébré à Odessa (il est arrivé par la mer), et surtout avec enthousiasme à Moscou. C'est sur le « trône maternel » que l'artiste a été accueilli avec les strophes poétiques d'E.A. Baratynsky :
Vous avez apporté des trophées de la paix
Avec toi jusqu'au dais de ton père,
Et est devenu « Le dernier jour de Pompéi »
Premier jour pour le pinceau russe !
Autoportrait (1848)
Cet autoportrait est considéré comme l'un des meilleurs de la peinture mondiale. L'artiste y transmet l'ambiance qui l'habitait à la fin de sa vie. Bryullov était alors gravement malade. Le maître se représente allongé sur une chaise. L'oreiller rouge sur lequel repose la tête avec lassitude souligne la pâleur maladive du visage. La main du bras émacié, descendue impuissante de l'accoudoir, renforce le motif de souffrance physique. Cependant, on estime que l’angoisse mentale s’ajoute à la souffrance physique. Le regard des yeux enfoncés et fatigués en parle de manière expressive. Ce chef-d'œuvre a été écrit en seulement deux heures.
Portrait de Yulia Samoilova avec son élève
Ce tableau constitue l’apogée de l’œuvre de Briullov en tant que portraitiste. C'est une manifestation triomphale de la beauté et de la force spirituelle d'une personnalité indépendante, brillante et libre. Bryullov et Yulia Samoilova s'aimaient. Ils se sont rencontrés à Rome et leur amour a été facilité par la généreuse nature italienne. L'artiste l'a représentée avec son élève sortant du salon de la maison : impétueuse, impétueuse, d'une beauté éblouissante, captivante par sa jeunesse parfumée et sa passion pour la nature. L'artiste Kiprensky a dit qu'on peut si bien créer le portrait d'une femme que l'on admire non seulement sans fin, mais que l'on aime passionnément et follement...
Le deuxième titre du tableau est « Mascarade ». C'est l'idée principale de l'artiste.
Là, au fond de la salle, se déroule une mascarade. Mais dans un monde de mensonges, Samoilova, pleine de dignité humaine, jette avec dédain son masque et montre fièrement son visage ouvert. Elle est sincère. Elle ne cache pas son amour pour l'artiste, condamné lors de ce bal, et son attitude envers la société, qu'elle et sa nièce quittent avec défi.
Et là, au fond de la salle, la foule masquée continue de s'amuser, il y a des représentants haute société qui ont l'habitude de dire une chose, d'en faire une autre et de penser autre chose. Il existe là-bas une société complètement fausse, avec laquelle Bryullov ne coïncidait si souvent pas avec ses opinions. Samoilova a joué un rôle énorme dans la vie de l'artiste - elle l'a soutenu financièrement et spirituellement dans les moments difficiles de la vie de Bryullov.
Fontaine Bakhchisaraï (1849)
Peinture-illustration du poème du même nom de Pouchkine. Il a représenté les « épouses timides » de Khan Girey dans le jardin au bord de la piscine, observant les mouvements des poissons dans l'eau. Un eunuque les surveille. Avec intérêt et plaisir, l'artiste transmet l'exotisme de l'Orient : costumes orientaux fantaisistes, luxe luxuriant de la nature - tout cela donne au tableau une qualité décorative festive. Il n'y a aucun drame dans le film. comme dans un poème. L'ambiance idyllique en fait une illustration pittoresque pour les poèmes :
Attendant négligemment le khan,
Autour d'une fontaine ludique
Sur des tapis de soie
Ils étaient assis dans une foule de gambades
Et avec une joie enfantine ils regardèrent,
Comme un poisson dans les profondeurs claires
J'ai marché sur le fond de marbre.
Exprès pour elle au fond des autres
Ils ont laissé tomber des boucles d'oreilles en or.
midi italien (1827)
Le modèle de ce tableau était un roturier romain, une personne rondelette au visage rond qu'il représentait en train de cueillir des raisins. Debout dans l'escalier, elle tient dans sa main gauche une corbeille de raisins, et main droite s'apprête à cueillir une grappe de raisin, mais admire les jeux de lumière dans les baies remplies d'ambre. L'artiste l'a trouvée en train de faire ça. Le généreux soleil italien brille à travers le feuillage vert, brûle d'or dans les fruits des raisins, éclaire d'une flamme vive la cape violette jetée sur main gauche d'une jeune femme, le rougissement de ses joues, la courbe de ses lèvres écarlates, perce son buste luxuriant, exposé par un chemisier glissant de son épaule. « Midi italien » est une femme mûre et épanouie, à la hauteur des fruits mûrs et juteux nourris par le soleil italien. Une explosion de lumière et de couleurs, une distribution de visages typiquement italienne et méridionale qui n'exige pas de montrer l'environnement pour mettre en valeur la scène.
Portrait des sœurs Shishmarev (1839)
Portrait de cérémonie filles du célèbre amateur de théâtre et artiste Shishmarev. Le portrait est peint sous la forme peinture de genre, Les sœurs sont représentées descendant l'escalier de marbre menant au jardin. Un chien se précipite vivement à leurs pieds. En bas, un serviteur éthiopien tient les chevaux arabes. Les mouvements des « Amazones » sont fluides et beaux. Leurs costumes sont exquis. La couleur des vêtements bleus, pourpres et noirs est profonde et riche.
Bethsabée (1832)
L'image est écrite dessus histoire biblique. Bethsabée est l'épouse d'Urie, ami du roi David. David tua Urie et fit de Bethsabée sa femme. Elle lui donna un fils, le futur roi Salomon, célèbre pour sa sagesse. L'artiste a combiné la beauté idéale avec la vérité de la vie dans l'image. Il écrit la beauté corps féminin, mais avec toutes les formes sculpturales qui rappellent le classicisme, cette beauté n'est pas froide, mais vivante, chaleureuse. Intrigue mythologique dans un esprit de romantisme, il se colore du piment de l'exotisme oriental : la beauté blanche comme neige de Bethsabée est mise en valeur par le corps à la peau sombre d'une femme noire.
Fille cueillant des raisins.
Le tableau a été peint en 1827. C'est une scène de la vie rurale, vue dans l'une des villes italiennes. Bryullov en a fait un élégant ballet.
La jeune paysanne, telle une danseuse gracieuse, se dressait sur la pointe des pieds et écartait ses bras flexibles, effleurant à peine la vigne aux grappes de raisins noirs. La musicalité de sa pose est soulignée par la robe légère qui épouse ses jambes fines - un chiton. Un fil de corail met en valeur un cou élancé et un visage vermeil encadré de cheveux bruns bouclés.
Une autre fille, librement allongée sur les marches de la maison. sonne les cloches du tambourin et regarde coquettement le spectateur.
DANS entreprise amusante intervient un petit frère en chemise courte, sorte d'Amour bacchanalien qui porte une bouteille de vin.
La bonne aventure Svetlana
La veille de Noël, les filles prédisent l'avenir de leur fiancée. Alors Svetlana, en se regardant dans le miroir, se demande. C'est une fille du peuple - en kokoshnik, en robe d'été, avec des perles sur la poitrine. L'artiste, bien sûr, a grandement embelli le portrait - les filles du peuple ne s'habillent pas comme ça. Svetlana se regarde dans le miroir et murmure quelques sorts. La fille dit avec passion mots magiques, ses yeux implorants se fixent sur son visage, comme si elle attendait que son souhait se réalise. Une bougie allumée se trouve à proximité, illuminant le visage de la jeune fille.
Portrait de N. N. Gontcharova. 1832
C’est le seul portrait de l’épouse de Pouchkine réalisé du vivant du poète. Il s’agit d’un véritable chef-d’œuvre de l’aquarelle russe.
L'artiste ne s'attarde pas sur le personnage de la demoiselle. Il est entièrement influencé par la beauté et le charme de la jeunesse. Dès lors, toute l’attention du spectateur est portée sur sa jeunesse, son aspect presque joli. visage de bébé, et des toilettes élégantes. Elle n'avait que 18 ans.
Dans le portrait, la belle Natalie a des boucles d'oreilles avec des diamants coûteux aux oreilles. Le pauvre Pouchkine les a empruntés à son ami Piotr Meshchersky pour un bal pour sa femme bien-aimée. Lorsque le poète les vit sur sa femme, il insista pour que Bryullov fasse un portrait portant ces boucles d'oreilles. Il faut dire que selon la légende, ces diamants n'étaient pas des diamants ordinaires, mais des « diamants Shirin » - ils sont classés comme pierres précieuses historiques « fatales ». On le croyait. qu'ils ne peuvent pas être portés par des femmes n'appartenant pas à la famille Meshchersky.
En regardant ce portrait de Briullov, on rappelle involontairement des vers du poème de Pouchkine dédié à son épouse bien-aimée :
Dans mon coin simple, au milieu de lents travaux,
Je voulais être pour toujours spectateur d'une seule image,
Un : pour que depuis la toile, comme depuis les nuages,
Le Très Pur et notre divin sauveur...
Mes souhaits se sont réalisés. Créateur
Il t'a envoyé vers moi, toi, ma Madone,
L’exemple le plus pur de pure beauté.
Portrait jumelé d'E. Mussard et E. Mussard (1849), aquarelle
Sur les conseils des médecins, Bryullov partit en 1849 pour l'île de Madère, où il resta environ un an. C'est ici, au milieu d'une petite colonie de Russes, que l'artiste rencontre le beau couple Mussard. Evgeniy Ivanovich Mussard était le secrétaire du duc Maximilien de Lichtenberg et de son épouse Grande-Duchesse Maria Nikolaïevna. L'artiste entreprit de peindre un portrait des Moussards. Portrait équestre, cérémonial. Bryullov aimait peindre de tels portraits. Et bien qu'il s'agisse d'une aquarelle, l'artiste a réussi à transmettre magistralement la texture des vêtements et la beauté des accessoires. Mais leur éclat ne vous empêche pas d'admirer en balade le beau couple Mussard et le look de leurs magnifiques chevaux.
Mort d'Inessa de Castro (1834)
Nous avons devant nous un drame de la vie du roi castillan Alphonse IV du Portugal. La dame de la cour de l'épouse du fils du roi, Don Pedro Inessa, a captivé par sa beauté l'enfant qui, après la mort de sa femme, l'a épousée en secret, parce que... le père avait une autre candidate pour épouse pour son fils. Les conseillers du roi découvrent le secret de son fils et le révèlent à Alphonse.
Don Pedro refusa d'épouser le prétendant de son père. Puis, par décision du Conseil Royal, il fut décidé de tuer Inessa. Après avoir attendu le moment où Don Pedro partait à la chasse, le roi et ses conseillers se rendirent chez Inessa. Lorsqu’Inessa réalisa ce qui les attendait, elle se jeta aux pieds du roi. La malheureuse sanglotait, implorant sa vie. Au début, le roi eut pitié de la jeune femme, mais ses conseillers la persuadèrent de ne pas succomber à une pitié inutile et tuèrent la mère de deux enfants.
Don Pedro n'a pas pardonné une telle trahison à son père et après sa mort, il a trouvé les assassins directs et les a exécutés. L'artiste a réussi à transmettre les sentiments d'une mère implorant passionnément ses assassins. Le roi et ses serviteurs sont représentés dans des couleurs sombres et sombres ; les figures d'Inessa et des enfants ressortent comme un point lumineux. Et encore, dans la représentation d'une femme, Bryullov reste fidèle au classicisme, et dans le choix du thème, dans la représentation de la passion, il penche vers le romantisme.
Cavalière (1823)
Peut-être le plus portrait célèbre Les pinceaux de Briullov. Devant nous se trouvent les élèves de la comtesse Samoilova - Giovanna et Amazilia Pacini. Il s'agit d'un portrait-photo de cérémonie : la jeune beauté Giovanna en forme d'Amazone a retenu son cheval devant la véranda de la maison, des chiens et une petite fille ont couru à sa rencontre, elle regarde sa sœur avec admiration et adoration. Le portrait semble rempli de mouvements et de sons : les chiens aboient, il semble que l’écho du crépitement des pieds des enfants se fasse encore entendre dans les couloirs résonnants du palais. Le cheval a chaud, mais la cavalière elle-même est assise calmement sur son large dos. Avec une grande habileté, Bryullov peint l'écharpe de gaze émeraude flottante du cavalier sur fond de verdure sombre du parc - vert sur vert. La fête sera empreinte d'un joyeux sentiment d'admiration pour la richesse festive et la diversité de la vie.
Quatre s plus d'un an Karl Bryullov vécut en Italie avant d'arriver à Pompéi en 1827. A cette époque, il cherchait un terrain pour grande image sur sujet historique. Ce qu'il a vu a étonné l'artiste. Il lui a fallu six ans pour rassembler du matériel et peindre une toile épique d'une superficie de près de 30 m2. Sur la photo, des personnes de différents sexes, âges, professions et confessions, prises dans le désastre, se précipitent. Pourtant, dans la foule hétéroclite, on peut remarquer quatre visages identiques...
La même année 1827, Bryullov rencontra la femme de sa vie, la comtesse Yulia Samoilova. Séparée de son mari, la jeune aristocrate, ancienne demoiselle d'honneur, adepte d'un style de vie bohème, s'installe en Italie, où les mœurs sont plus libres. La comtesse et l’artiste avaient tous deux la réputation d’être des idoles. Leur relation est restée libre, mais longue, et leur amitié s’est poursuivie jusqu’à la mort de Briullov. "Rien n'a été fait selon les règles entre moi et Karl", écrivit plus tard Samoilova à son frère Alexandre.
(Total 19 images)
Karl Bryullov, « Portrait de la comtesse Yulia Pavlovna Samoilova, sortant du bal avec fille adoptive Amazilia Pacini", 1839-1840, fragment.
Julia, avec son apparence méditerranéenne (des rumeurs circulaient selon lesquelles le père de la femme était le comte italien Litta, le beau-père de sa mère), était en outre un idéal pour Bryullov, comme si elle avait été créée pour un complot ancien. L'artiste peint plusieurs portraits de la comtesse et « donne » son visage aux quatre héroïnes du tableau, qui devient sa création la plus célèbre. Dans "Le Dernier Jour de Pompéi", Bryullov voulait montrer la beauté d'une personne même dans une situation désespérée, et Yulia Samoilova était pour lui un parfait exemple de cette beauté dans monde réel.
Le chercheur Erich Hollerbach a noté que les héroïnes se ressemblent « Dernier jour Pompéi", malgré les différences sociales, ressemble à des représentants d'un même grande famille, comme si le désastre avait rapproché et égalisé tous les citadins.
« J'ai pris ce paysage sur le vif, sans reculer ni ajouter quoi que ce soit, en tournant le dos aux portes de la ville pour voir une partie du Vésuve comme raison principale"- Bryullov a expliqué dans une lettre à son frère le choix du lieu. Il s'agit déjà d'un faubourg, appelé la Route des Tombeaux, qui mène de la porte d'Herculanum de Pompéi à Naples. Ici se trouvaient les tombeaux de nobles citoyens et les temples. L'artiste a dessiné l'emplacement des bâtiments lors des fouilles.
Selon Bryullov, il a vu lors de fouilles les squelettes d'une femme et de deux enfants, recouverts dans ces poses de cendres volcaniques. L'artiste pourrait associer une mère de deux filles à Yulia Samoilova, qui, n'ayant pas d'enfants, a accueilli deux filles, parents d'amis, pour les élever. À propos, le père du plus jeune d'entre eux, le compositeur Giovanni Pacini, a écrit l'opéra "Le dernier jour de Pompéi" en 1825, et cette production à la mode est devenue l'une des sources d'inspiration de Bryullov.
Prêtre chrétien. Au premier siècle du christianisme, un ministre de la nouvelle foi aurait pu apparaître à Pompéi ; sur la photo, il est facilement reconnaissable à la croix, aux ustensiles liturgiques - un encensoir et un calice - et à un rouleau avec un texte sacré. Le port de croix corporelles et de croix pectorales au Ier siècle n'a pas été confirmé archéologiquement.
Prêtre païen. Le statut du personnage est indiqué par les objets de culte dans ses mains et le bandeau - infula. Les contemporains reprochaient à Bryullov de ne pas mettre en avant l'opposition du christianisme au paganisme, mais l'artiste n'avait pas un tel objectif.
Objets de culte païen. Le trépied était destiné à l'encens pour les dieux, les couteaux et haches rituels - pour abattre le bétail sacrificiel, et le récipient - pour se laver les mains avant d'accomplir le rituel.
Les vêtements d'un citoyen de l'Empire romain se composaient d'un maillot de corps, d'une tunique et d'une toge, un grand morceau de tissu de laine en forme d'amande drapé autour du corps. La toge était un signe de citoyenneté romaine ; les Romains exilés perdaient le droit de la porter. Les prêtres portaient une toge blanche avec une bande violette le long du bord - toga praetexta.
À en juger par le nombre de fresques sur les murs de Pompéi, le métier de peintre était très demandé dans la ville. Bryullov s'est représenté comme un peintre antique courant à côté d'une fille ressemblant à la comtesse Yulia - c'est ce que faisaient souvent les maîtres de la Renaissance, dont il a étudié le travail en Italie.
Selon la critique d'art Galina Leontyeva, la femme pompéienne allongée sur le trottoir et tombée de son char symbolise la mort. ancien monde, auquel aspiraient les artistes du classicisme.
Les objets tombés de la boîte, ainsi que d'autres objets et décorations du tableau, ont été copiés par Bryullov à partir de miroirs en bronze et en argent, de clés, de lampes remplies d'huile d'olive, de vases, de bracelets et de colliers trouvés par les archéologues et appartenant aux habitants de Pompéi au 1er siècle après JC.
Selon l'idée de l'artiste, ce sont deux frères qui sauvent un vieux père malade.
Pline le Jeune avec sa mère. Un ancien prosateur romain qui a été témoin de l'éruption du Vésuve l'a décrit en détail dans deux lettres à l'historien Tacite. Bryullov a placé la scène avec Pline sur toile « comme exemple de la vie d’un enfant et l'amour d'une mère", malgré le fait que le désastre ait frappé l'écrivain et sa famille dans une autre ville - Misenach (à environ 25 km du Vésuve et à environ 30 km de Pompéi). Pline a rappelé comment lui et sa mère sont sortis de Misène au plus fort du tremblement de terre et qu'un nuage de cendres volcaniques s'approchait de la ville. Il était difficile pour la femme âgée de s'échapper et, ne voulant pas provoquer la mort de son fils de 18 ans, elle a tenté de le persuader de la quitter. « J'ai répondu que je ne serais sauvé qu'avec elle ; Je la prends par le bras et je la force à accélérer le pas », dit Pline. Tous deux ont survécu.
Chardonneret. Lors d'une éruption volcanique, des oiseaux sont morts en vol.
Selon l’ancienne tradition romaine, les têtes des jeunes mariés étaient décorées de couronnes de fleurs. Le flammei, le voile traditionnel de la mariée romaine antique fait d’un fin tissu jaune-orange, est tombé de la tête de la jeune fille.
Bâtiment de la Route des Tombeaux, lieu de repos d'Aulus Umbricius Scaurus le Jeune. Les tombeaux des anciens Romains étaient généralement construits en dehors des limites de la ville, des deux côtés de la route. De son vivant, Scaurus le Jeune occupait le poste de duumvir, c'est-à-dire qu'il était à la tête de l'administration de la ville, et pour ses services, il reçut même un monument sur le forum. Ce citoyen était le fils d'un riche marchand de sauce de poisson garum (Pompéi en était célèbre dans tout l'empire).
Les sismologues, sur la base de la nature de la destruction des bâtiments représentés sur la photo, ont déterminé l'intensité du tremblement de terre « selon Bryullov » - huit points.
L'éruption, survenue les 24 et 25 août 79 après JC, a détruit plusieurs villes de l'Empire romain situées au pied du volcan. Sur les 20 à 30 000 habitants de Pompéi, environ deux mille n'ont pas été sauvés, à en juger par les restes retrouvés.
Autoportrait de Karl Briullov, 1848.
1799 - Né à Saint-Pétersbourg dans la famille de l'académicien de sculpture ornementale Pavel Brullo.
1809-1821 - Étudie à l'Académie des Arts.
1822 - Grâce aux fonds de la Société pour l'Encouragement des Artistes, il part pour l'Allemagne et l'Italie.
1823 - Création du "Matin italien".
1827 - Peint les tableaux « Après-midi italien » et « Fille cueillant des raisins dans les environs de Naples ».
1828-1833 - Travaille sur la toile « Le dernier jour de Pompéi ».
1832 - Écrit « La Cavalière », « Bethsabée ».
1832-1834 - A travaillé sur le « Portrait de Yulia Pavlovna Samoilova avec Giovanina Pacini et le Petit Arabe ».
1835 - Retour en Russie.
1836 - Devient professeur à l'Académie des Arts.
1839 - Épouse la fille du bourgmestre de Riga Emilia Timm, mais divorce deux mois plus tard.
1840 - Création du « Portrait de la comtesse Yulia Pavlovna Samoilova sortant du bal… ».
1849-1850 - Parti à l'étranger pour se faire soigner.
1852 - Mort dans le village de Manziana près de Rome, enterré au cimetière romain de Testaccio.
Matériel préparé par Natalya Ovchinnikova pour le magazine "Autour du monde". Publié avec la permission de la revue.
Pompée, du passé
Je continue l'histoire des petites villes de la série « petites mais courageuses ».
Démarrer
Sur ces pages, j'ai pris la grande responsabilité de vous présenter, chers lecteurs Petite ville Grande Italie - Pompéi.
Je suis sûr que beaucoup d'entre vous qui ont visité le sud de l'Italie n'ont pas ignoré le grand Vésuve et ne se sont pas privés du plaisir de voyager dans les profondeurs des siècles, c'est-à-dire visiter Pompéi.
Avant de voyager en Italie, je connaissais peu cette ville ; mes connaissances étaient pratiquement limitées ; peinture célèbre"Le dernier jour de Pompéi" de Bryullov, mais, en préparant le voyage, j'ai décidé que le tableau serait incomplet sans approfondir l'histoire et essayer de comprendre comment les gens vivaient dans cette région. ville antique, quels intérêts, habitudes, préférences ils avaient et pourquoi leur vie s'est terminée de manière si inattendue.
Alors, qu’est-ce qui nous est parvenu du fond des siècles ?
Les archéologues datent la fondation de Pompéi au milieu du VIe siècle avant JC, alors Pompée ne se distinguait en rien du reste des villes de Campanie (c'était le nom et c'est aujourd'hui le nom de la région fertile de la péninsule des Apennins , où se trouvait la ville de Pompée).
Bien plus tard, au Ier siècle. avant JC e. Pompée se transforme en Centre culturel. Un amphithéâtre pour 20 000 spectateurs, un Odéon, de nombreux bâtiments sont en construction et des rues sont pavées. La ville est décorée de sculptures, de mosaïques et de fresques. C'était l'époque où Attention particulière Dans l'Empire romain, l'attention était portée à l'architecture : des conduites d'eau et des ponts, des bains et des amphithéâtres, des villas et de nombreux immeubles d'habitation furent construits.
5 février 62 après JC Le premier avertissement d'une catastrophe imminente a retenti : un puissant tremblement de terre s'est produit en Campanie avec un épicentre à proximité de Pompéi. La ville a été détruite. Jusqu’à ce moment, la ville a connu de légères secousses qui n’ont pas causé de dégâts importants. À ce moment-là, le sentiment de danger des habitants s’était estompé.
Pendant les 15 années suivantes, Pompéi était en construction : les habitants de la ville ont restauré les maisons détruites par le tremblement de terre et construit de nouveaux bâtiments.
Curieusement, les citadins, malgré la cruelle leçon du destin, n'ont pas pris le Vésuve au sérieux et ne s'attendaient pas à de nouveaux problèmes.
Les secousses n’ont pas vraiment dérangé les habitants. À chaque fois, ils réparaient les fissures des maisons, modernisant simultanément l’intérieur et ajoutant de nouvelles décorations. Pas de panique.
Mais en octobre 79 après JC. Le Vésuve, qui somnolait jusqu'à présent, s'est finalement réveillé et a fait tomber toute sa puissance sur la ville, comme pour se venger du peuple pour de nombreuses années de négligence envers sa grande personne.
Tremblements, flocons de cendres, pierres tombant du ciel, tout cela volait à grande vitesse vers la ville. Les gens ont tenté de se réfugier dans les maisons, mais y sont morts étouffés ou sous les ruines. La mort s'est emparée de partout : dans les théâtres, les marchés, les forums, les églises, dans les rues de la ville, au-delà de ses frontières. Mais la plupart des habitants ont quand même réussi à quitter la ville.
Le Vésuve a fait rage toute la journée. Pompéi était recouverte d'une couche de cendres de plusieurs mètres. La poussière et les cendres flottèrent dans le ciel comme un linceul noir pendant les trois jours suivants. La ville fut irrémédiablement perdue.
Le tableau de Bryullov "Le dernier jour de Pompéi"
« En recherchant la plus grande authenticité de l'image, Bryullov a étudié les matériaux de fouilles et les documents historiques. Structures architecturales sur la photo, il les a restaurés à partir des restes de monuments antiques ; des articles ménagers et des bijoux pour femmes ont été copiés à partir d'expositions situées au musée de Naples. Les figures et les têtes des personnages représentés ont été peintes principalement d'après nature, par les habitants de Rome. De nombreux croquis de personnages individuels, de groupes entiers et d’esquisses du tableau montrent le désir de l’auteur d’une expressivité psychologique, plastique et coloristique maximale.
Bryullov a construit l'image en épisodes séparés, à première vue sans lien les uns avec les autres. Le lien ne devient clair que lorsque le regard couvre simultanément tous les groupes, l’ensemble du tableau.
Cent grands tableaux" de N.A. Ionin, Maison d'édition Veche, 2002.
Grâce à la mort soudaine et rapide, Pompéi s'est avérée être la ville antique la mieux conservée, puisque tous les meubles des maisons sont restés intacts sous une couche de lave durcie.
À ce jour, grâce au travail des archéologues, les 3/5 de la ville ont été découverts (ils ont décidé de laisser le reste aux générations futures !) : murs défensifs, portes, nécropoles, blocs d'immeubles résidentiels avec mosaïques, fresques et sculptures, deux des forums, un amphithéâtre et deux théâtres, des temples et bien plus encore sont accessibles à l'inspection.
Entrons par les portes de la ville de Pompéi.
De façon inattendue, juste à côté de la porte, franchissant à peine le seuil, en entrant dans la ville, j'ai vu une image bien conservée d'un phallus sur le carrelage.
Ouah! - J'étais abasourdi - pourtant c'était une petite ville joyeuse !
- N'est-il pas vrai qu'ils agissaient de manière plus que extravagante dans les temps anciens ?
Je ne peux même pas imaginer ce qui se passerait si les gens essayaient maintenant de se comporter de la même manière... - env. auteur.
Des assiettes avec des images de louves ou de phallus, qui étaient auparavant accrochées aux maisons, se trouvent depuis longtemps dans les musées de Naples, et on ne peut que croire les guides qu'elles accrochaient autrefois ici et ici. Les anciens messieurs n'hésitaient pas à se montrer s'ils avaient quelque chose et commandaient aux artistes des plaques spéciales représentant leur dignité et leur taille, qu'ils apposaient au-dessus du seuil de leur maison.
Il est facile de deviner à quel point Pompéi était une ville extraordinaire et pourquoi les marins et les guerriers y affluaient toujours. Il y avait beaucoup de luponaires dans la ville : ils étaient situés dans les hôtels et les maisons privées au deuxième étage, ou au premier étage avec une entrée séparée, mais il n'y en avait pas dans les bains et thermes. (paradoxe, de nos jours les services intimes fleurissent dans les bains publics ! - ndlr). Les Romains aimaient se laver et ne voulaient pas se laisser distraire de cette activité sacrée par différents
C'est facile à comprendre : il n'y avait pas de toilettes dans les maisons où l'on perçoit le manque d'eau chaude pendant deux semaines comme une catastrophe naturelle ! Les anciens devaient fréquenter les institutions publiques, où ils parvenaient à combiner l'utile à l'agréable : ils pouvaient se laver et rencontrer amis et voisins. - environ. auteur.
Les luponarias ont conservé des fresques intéressantes qui mettent les visiteurs de bonne humeur ; ces fresques ne doivent pas être montrées aux enfants. De nombreuses fresques à caractère érotique se trouvent dans des maisons privées, ce qui indique attitude sérieuse anciens propriétaires aux questions de sexe. Si vous y regardez de plus près, vous serez surpris de constater que les services intimes ont peu changé depuis l’Antiquité.
Aux Européens vivant à Pompéi, les portes paraîtront étroites, les plafonds bas, les loges courtes et les pièces petites. Les peuples anciens étaient de petite taille, à peu près de la taille des Japonais modernes.
À Pompéi, vous trouverez de nombreuses colonnes de marbre qui ne soutiennent plus que le ciel, des mosaïques, des fresques, des ruines pittoresques, d'anciennes toilettes et les restes d'un ancien système d'approvisionnement en eau.
Seules les maisons riches, les fontaines et les bains étaient raccordés à l'approvisionnement en eau. Les citadins ordinaires allaient chercher l'eau des fontaines, il n'y a donc aucun signe d'eau courante dans leurs maisons. Seuls de grands conteneurs destinés à collecter l’eau de pluie ont survécu.
Des figurines en plâtre grandeur nature d'anciens habitants sont exposées.
De nos jours, Pompéi compte environ 30 rues et ruelles. Les maisons étaient pour la plupart à deux étages, situées vers la rue avec un mur blanc, ce qui suggère que les peuples anciens n'avaient pas le désir d'exposer leur vie personnelle. Des pâtés de maisons entiers étaient occupés par des thermes, lieux de loisirs privilégiés des citoyens. D'autres lieux de loisirs et de divertissement sont situés en périphérie, les théâtres y sont concentrés. La ville est entourée d’un mur d’enceinte avec plusieurs portes.
Lors des représentations au théâtre, les sièges sont installés puis retirés.
À Pompéi, le principe de restauration « douce » est appliqué, impliquant la restauration et la restauration d'un petit pourcentage seulement de bâtiments ou d'éléments structurels individuels. Le but de cette approche est de montrer, c'est-à-dire faire allusion à ce à quoi pourrait ressembler tel ou tel objet dans sa forme achevée, permettre d'établir des analogies avec d'autres objets, sans perturber le lien avec un patrimoine archéologique fiable - note. architecte
Il n'y a pratiquement plus de fouilles en cours, car... il y a une question urgente de préserver ce qui a déjà été révélé.
Aujourd'hui, un nouvel ennemi attaque Pompéi : une végétation variée qui se fraye un chemin partout, poursuivant inexorablement le processus de destruction de la ville. Aucun moyen de combattre cet ennemi n'a encore été trouvé.
Visuellement, la végétation donne un certain charme à la ville. Les têtes rouges des coquelicots en fleurs, ici et là de jeunes arbres minces se balançant sous la brise légère, renforcent le sentiment de paix et d'abandon qui rappelle une vie paisible et la tragédie qui a éclaté ici.
Karl Pavlovitch Brioullov(1799 - 1852),
Artiste.
Autoportrait
Karl Bryullov est né le 12 décembre 1799 à Saint-Pétersbourg. A grandi dans famille artistique: ses frères, père, grand-père, arrière-grand-père étaient artistes.
Il est diplômé de l'Académie des Arts, où son père enseignait. Grâce à son talent rare et à sa préparation considérable à domicile, il se démarque dès les premiers pas de ses pairs.
En 1821, la Société pour l'encouragement des artistes fut créée à Saint-Pétersbourg, dont l'objectif principal était d'aider les artistes par tous les moyens possibles et de promouvoir une large diffusion de tous. beaux-Arts. Ce sont Karl Briullov et son frère Alexandre qui furent les premiers à se rendre en Italie, à Rome, avec l’argent de la Société.
Portrait de l'architecte A.P. Bryullov, frère de l'artiste
Et à la veille de leur voyage à l’étranger, leur nom d’origine « Brullo » a été donné Fin russe, tous deux sont désormais devenus des « Bryullov ». Les jeunes artistes russes se sont familiarisés à fond avec l’histoire et l’art de l’Europe occidentale.
Portrait de l'impératrice Alexandra Feodorovna. 1837
Là, Karl a peint le tableau "Matin italien", ce qui a fait de lui un artiste exceptionnellement populaire.
Matin italien
Son héroïne, se lavant sous les jets d'une fontaine, pénétrée par les rayons du soleil, aériens et légers, est perçue comme la personnification du matin lui-même, le matin d'un nouveau jour qui se lève, le matin de la vie humaine.
midi italien
Le Grand Karl - c'est ainsi que les contemporains du remarquable artiste russe Karl Pavlovich Bryullov l'appelaient de son vivant. L’immense toile de Briullov, « Le dernier jour de Pompéi », qu’il a peinte en Italie, lui a valu une reconnaissance mondiale. Le nom de Karl Bryullov était désormais placé à côté des noms de Rubens, Rembrandt, Van Dyck.
Le dernier jour de Pompéi
L'intrigue du tableau « Le dernier jour de Pompéi » est la mort de l'ancienne ville de Pompéi à la suite de l'éruption du Vésuve en 79 après JC. Travaillant à mettre en œuvre son plan, il étudia soigneusement le matériel historique, en particulier le témoignage d'un témoin oculaire du désastre - l'écrivain et homme d'État romain - Pline le Jeune, et se rendit sur place. fouilles archéologiques, où il réalise de nombreux croquis et études d'après nature.
Perte tragique de vies humaines lors de l'éruption du Vésuve, poétique des sentiments, grandeur esprit humain devant les éléments aveugles illustrait la perception dramatique de la vie de l’artiste.
En 1836, K.P. Bryullov retourna en Russie et occupa le poste de professeur à l'Académie des Arts.
A Saint-Pétersbourg, l'artiste crée une galerie de portraits de ses contemporains.
Cavalier
Portrait de Yu.P. Samoilova avec sa fille adoptive Amalia 1842