Récits bibliques : Le baiser de Judas à travers les yeux d'artistes
Judas Iscariote. Ce nom biblique et l'histoire qui lui est associée sont devenus un symbole de trahison. Trente pièces d'argent, pour lesquelles Judas a accepté de parler de Jésus, constituent le paiement de cette trahison. Tous les récits bibliques inspirent les représentants depuis deux mille ans. différents types art. L'histoire de Judas, avec d'autres, apparaît souvent sur les toiles des artistes.
Histoire de la peinture Caravage"Le Baiser de Judas" est étonnant en soi. Le maître l'a peint sur ordre de Chiriaco Mattei en 1602. Cependant, deux siècles plus tard, l’œuvre disparut. Il a été découvert assez récemment, lorsqu'en 1990 le tableau a été identifié par le restaurateur en chef de la National Gallery of Ireland, Sergio Benedetti. Pendant longtemps, le tableau de Caravgio a été exposé dans la Compagnie de Jésus à Dublin. Il était considéré comme une copie du tableau peintre hollandais Gérard van Honthorst. L'œuvre se trouve maintenant à la National Gallery of Ireland.
Fait référence à l'image de Judas artiste italien, l'un des représentants les plus éminents de l'école de Sienne Duccio de Buoninsegna. Emploi principal L'image de l'autel de la cathédrale de Sienne "Maesta" est considérée comme celle du maître. Sa création remonte au début du XIVe siècle.
La trahison du disciple de Jésus a été incluse dans la série d'ouvrages "Grandes Passions" Albrecht Dürer. Sur la gravure peintre allemand et des graphiques nous montrent comment le Sauveur est placé en garde à vue. Judas s'assoit et s'étend à côté de lui. Il y a de la souffrance et de la douleur sur le visage de Jésus, tandis que le traître essaie nerveusement et à la hâte de s'expliquer auprès du professeur.
Le musée du Prado à Madrid abrite le Baiser de Judas, écrit par un représentant de l'école napolitaine. Giordano Luca. Le traître regarde désespérément le visage de Jésus. Mais les yeux du fils de Dieu sont fermés, sa tête est tournée, sa main touche son cœur.
Sur la fresque Giotto Di Bondone le drame se déroule. Illustrant histoire biblique, l'auteur utilise tous les moyens expression artistique pour souligner l'importance et la grandeur du Christ et le contraster avec la laideur et la méchanceté de Judas. L'artiste confronte le haut et le bas, la moralité et son absence. Le regard calme et confiant de Jésus rencontre le regard repoussant et désagréable du traître. Giotto anime la composition en entourant le professeur et l'élève, figés dans la tension. La statique et la concentration au centre contrastent avec la dynamique environnante.
Le Caravage Michelangelo Merisi a compris dans son art ce qu'est la mort et comment un chrétien apparaît devant elle, où se trouve le fil conducteur qui le mènera au salut.
Art baroque
Le Caravage est un représentant de l’art baroque, qui a fait de la mort une réalité. Elle ne peut être séparée de la violence et de la souffrance. La mort et son image s’emparent des sentiments du peintre et les subjuguent. Peintures du Caravage- c'est souvent l'extase des saints, leur unité priante avec Dieu dans l'amour et la mort, leur plus haut pèlerinage devant son visage. Il ne s’agit plus d’un événement calme et paisible, comme à la Renaissance. Dans le baroque, cela devient non pas un fait personnel, mais un fait public, une partie de la vie, inspirant peur et horreur. Une personne ne meurt pas simplement tranquillement, mais elle en est arrachée par la violence ou un mauvais sort. Des exemples en sont les peintures du Caravage : « David avec la tête de Goliath », « Sacrifice d'Isaac », « Décapitation de Jean-Baptiste ».
La vie du Caravage
Le Caravage est né dans la famille d'un architecte. Il maîtrise très tôt les bases de l'artisanat et étudie à Milan avec l'artiste Peterzano. L'école lombarde a donné à l'artiste le sens de la vie et le désir de le transmettre. Le destin de l’artiste est si difficile que sa personnalité même incite à la réflexion. À la recherche de son chemin dans la vie et dans la peinture, le Caravage quitte la Lombardie et, après avoir visité toutes les villes du nord de l'Italie, vient à Rome, où il n'a pas de mécènes. Avec beaucoup de difficulté, il parvient à attirer l'attention des dignitaires influents de l'Église. Il est difficile de juger le Caravage comme un homme de foi. Il n’existe aucune preuve documentaire de cela. En tant qu’homme, il s’inquiétait de la perspective de l’éternité.
Des peintures du Caravage telles que « Le Martyre de Saint-Pierre ». Matthieu », « La Mise au Tombeau », « Salomé avec la tête de Jean-Baptiste » en sont la confirmation. Le thème de la fragilité (vanitas) traverse toute l'œuvre du peintre de jeunesse jusqu'à sa mort.
Œuvre marquante de la collection Borghèse, 1591
« Bacchus malade" est une œuvre qui n'est pas apparue par hasard. L'artiste tombe gravement malade, est admis à l'hôpital, puis transféré au sous-sol, où il n'y a plus de soins pour lui, et il est véritablement à l'article de la mort. Par hasard, il y fut remarqué par un prêtre qui connaissait le Caravage. L'artiste a été emmené dans les services, soigné et il a survécu.
Après avoir récupéré dans un état semi-malade, il peint le tableau « Bacchus malade », dans lequel on pense qu'il se représente alors qu'il est encore en état de maladie. En témoignent les couleurs froides de l'image et le thème de la mort est mis en valeur par les feuilles fanées au premier plan, qui rappellent au spectateur que toute vie n'est que temporaire. Après cela, il inclut de plus en plus dans ses natures mortes, qui portent un goût de mortalité, un rappel non seulement de la vie, mais de ce qui lui est directement opposé.
La prière comme extase du pèlerinage
L’initiation à la foi se fait, entre autres, par la prière. Un exemple d'un tel exploit spirituel pour les croyants du 16ème siècle était celui de Saint-Pierre. François d'Assise. "Extase de St. François" (1598) pour des gens ordinairesétait un exemple de compréhension de la foi. Il dépeint une extase priante égale à la mort. Ce n'est pas une mort physique, mais renaissance spirituelle, la naissance d'un homme de foi et d'amour. L'ange qui soutient sa tête tient, pour présenter plus tard, les stigmates de saint. Francis. Mais plus tard (1600) nous voyons un autre saint. François, en pauvre vagabond, en pèlerin. Il a une soutane rugueuse et un trou à l'épaule. Il s'inquiète de ce avec quoi il se présentera devant Dieu, alors il tient un crâne dans ses mains.
L'image de "St. Jérôme" (1606) est un exemple d'ascétisme, qui est inculqué dans les hauteurs de l'esprit en s'éloignant des tentations du monde vers la vie troglodyte. Sa récompense est la révélation divine. L'artiste tente de le rappeler à son spectateur. La nature morte – un livre, une plume – montre que le saint est devenu conducteur de la parole divine.
Le visage de la mort
DANS premières années la créativité écrit l'œuvre traditionnelle du Caravage - «Méduse» (1593-1594) sous la forme d'un bouclier rond. Elle était très souvent représentée sur des boucliers en bois recouverts de cuir et offerts aux hommes en événements importants leurs vies.
Sans sortir de la tradition, il représente le monstre du Caravage à l’agonie. La méduse de l’artiste n’est pas encore morte ; ses dernières secondes sont venues. Un état de transition s'écrit, où la vie est encore présente, mais s'en va goutte à goutte, et Méduse le ressent. Le visage est toujours vivant et hurlant, mais la pâleur le recouvre déjà et la vie est sur le point de disparaître à jamais. La représentation de Méduse est très naturaliste car il faut être effrayé par le cauchemar de la disparition. Et à ce moment-là, des serpents vivants se balancent autour de sa tête. Cette scène et d’autres scènes plutôt cruelles traversent l’art du Caravage.
Faits de foi
"Judith et Holopherne" (1595-1596). L'histoire est comme ça. Holopherne et son armée assiégèrent sa Vettulia natale, où vivait Judith. La jeune fille s'est faufilée dans la tente du commandant. La belle Judith et Holopherne sont en fête. La jeune fille intrépide le boit avec du vin et lui coupe la tête. L'emportant avec elle, elle retourne hors des murs de la ville et la tête d'Holoferne est exposée sur une lance à la vue de tous. L'armée bat en retraite et le peuple est sauvé. Le Caravage dépeint une violence manifeste.
Sur la toile, Judith lui coupe la tête avec dégoût et dégoût, gardant ses distances avec lui. Le Caravage est l’un des premiers à décrire l’instant même de cette décapitation, qui est purement physiologiquement très désagréable : les yeux sortent de leurs orbites, la bouche d’Holoferne est ouverte, il crie. On pense que la tête d’Holopherne est un autoportrait.
« David et Goliath » (1596) lui ressemble beaucoup. Au premier plan se trouve à nouveau la tête brutalement coupée. Ceci est encore plus évident dans la suite œuvre du même nom, lorsque l'artiste représente sa tête coupée par Goliath (1605). D'un geste théâtral, David pousse au premier plan la tête terrible, tel le visage de la mort.
La même chose a été représentée dans une œuvre de la Galerie Borghèse, où l'artiste s'est entièrement peint lui-même (1606). Il y a ici une intonation subtile et complexe d’acceptation tragique de la mort. Ce sont des peintures du Caravage représentant des moments terrifiants de la mort.
Ces dernières années, les errances
Les motifs de la mort sont répétés dans son travaux ultérieurs, après avoir été contraint de fuir Rome parce qu'il avait accidentellement tué son adversaire au cours d'un match et lors d'une dispute. L'artiste a été condamné par décret papal. Il erre à Malte de 1606 à 1610, puis meurt en Toscane. C'est au cours de ces années qu'il crée ses œuvres les plus tragiques et les plus profondes. Il écrit plusieurs versions de « Salomé avec la tête de Jean-Baptiste », « La Décapitation de Jean-Baptiste » (1608, Cathédrale San Giovanni, La Valette). Ce sont les chefs-d’œuvre incontestables du Caravage, que personne ne pourrait imiter de manière adéquate.
"La Décapitation" est une œuvre immense qui dépeint un sujet commun. Sa particularité est que nous avons vraiment l'impression de nous trouver dans une immense cour déserte avec son arc colossal en pierre. La franchise de ce qui est représenté est soulignée par le fait que le bourreau a coupé, mais n'a pas encore levé la tête. C'est-à-dire que le moment de transition du vivant à l'inanimé se répète à nouveau, lorsque les fils de la vie relient encore le corps et la tête. Mais ce qu'il y a de plus choquant et de plus tragique dans cette image, c'est que dans le sang qui s'écoule du corps, le Caravage signe son nom. Avec ce sang, il s'unit à la mort sacrificielle de Jean-Baptiste.
L'éclairage dans les peintures du Caravage
Pour le Caravage, la lumière n'est pas seulement un outil avec lequel il modèle la forme, donne du volume et de la plasticité. La lumière de l'artiste est la dramaturgie. Il identifie les principales composantes du contenu et le crée. L'artiste utilise la lumière pour mettre en valeur certains points principaux, en les mettant en valeur. D’après des sources documentaires d’auteurs anciens, il apparaît clairement qu’il écrivait dans un atelier ombragé et utilisait un éclairage artificiel.
Une trouvaille inattendue
Le tableau du Caravage "Le Baiser de Judas" était considéré comme perdu depuis longtemps. À Dublin, en 1990, le monastère Saint-Ignace s'est adressé à la National Gallery of Ireland. Les moines avaient besoin de restaurer un tableau qu'ils possédaient depuis les années 30 du 20e siècle.
Le restaurateur a immédiatement compris qui était l'auteur de ce chef-d'œuvre connu uniquement par des copies. L'artiste l'a créé sur commande de son client régulier Mattei. Ses descendants considérèrent alors le tableau comme une copie et le vendirent en 1802 à l'Écosse, où il resta jusqu'en 1921 et fut revendu à un pédiatre en Irlande. Ensuite, il a été offert au monastère, où il a été accroché au réfectoire. Après restauration, le tableau est resté en prêt permanent à la National Gallery. L'intrigue est basée sur le texte de l'Évangile. Judas embrasse le Sauveur alors qu'il sort du jardin de Gethsémani pour indiquer aux gardes qui doivent être arrêtés.
Caravage. Baiser de Judas. 1602 Galerie nationale d'Irlande, Dublin.
"Baiser de Judas" Clair de lune arrache plusieurs personnages de l'obscurité. Visages. Mains. Armure noire. Le Christ recula sous la pression de la foule. Judas va l'embrasser maintenant. Donnant ainsi un signe aux gardes que c'est lui. Un garde avait déjà touché la poitrine de Jésus. Il en restait une seconde avant son arrestation. Pour l'instant, faites une pause.
À première vue, le tableau est typique du Caravage. Il est facile de comprendre toutes les innovations de l’artiste. Cependant, cet ouvrage contient un message inhabituel. Nous allons essayer de le déchiffrer.
Tenebroso, le réalisme et autre chose
Si vous n'avez jamais vu un seul tableau du Caravage auparavant, vous pourrez alors comprendre toutes ses caractéristiques à partir du seul « Baiser de Judas ». C'est le sien classique.
Ténébroso
Le Caravage a utilisé avec beaucoup de talent la méthode du ténébroso. Lorsque le fond est complètement sombre. Et seule une lumière tamisée sculpte les personnages.
Dans le tableau « Le Baiser de Judas », la méthode ténébreuse est particulièrement appropriée. Après tout, le Christ est arrêté la nuit dans le jardin de Gethsémani. Et seule la lune pouvait éclairer cet événement dramatique.
Le réalisme
L'image est extrêmement réaliste. Même au crépuscule, on voit la saleté sous les ongles des héros. Nous voyons chaque ride. Les gestes et les expressions faciales des personnages sont très crédibles. Comme par exemple Saint-Jean. Qui crie, réalisant la tragédie de ce qui se passe.
Comment le Caravage est-il parvenu à un tel réalisme ? Il a utilisé une camera obscura. Il a demandé aux modèles de prendre les poses nécessaires. L'image a été projetée sur la toile. Puis l'artiste a rapidement esquissé les contours des personnages. C’est ainsi que les poses des personnages se sont révélées réalistes.
Le Caravage n'a jamais créé de dessins préliminaires. Il n'a travaillé que d'après nature. Cela l’a également aidé à créer des images vives. Certains artistes, en abusant d’une préparation excessive, peuvent transformer une intrigue dynamique en un récit aride.
Approximation
Le Caravage nous rapproche le plus possible de ce qui se passe. En conséquence, seuls cinq personnages « rentrent » dans le cadre. Il n'a même pas prétendu être Saint-Pierre. Bien qu'avant le Caravage, cela ait toujours été inclus dans l'intrigue. Montrant comment il se précipite pour protéger le professeur dans un accès de colère. Oui, il n'a coupé l'oreille qu'à un seul malheureux de la foule.
. 1303-1305 Fresque de la chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie. wga.hu Un message insolite du Caravage
Il y a un moment inhabituel dans le film. Regardez, il y a un homme debout à droite avec une lanterne à la main. Il regarde ce qui se passe avec intérêt.
Caravage. Baiser de Judas. Fragment. 1602 Galerie nationale d'Irlande, Dublin. wga.hu Il n'est pas un apôtre. Et pas un gardien. Qui est-il?
C'est le Caravage lui-même.
Pourquoi le Caravage s'est-il peint lui-même ?
Est-ce du narcissisme ? L'envie de vous immortaliser ?
Très probablement, la raison est différente. C'est son message pour nous tous. Et pour le déchiffrer, il faut approfondir un peu histoire biblique.
Et cette intrigue concerne une trahison perfide. Un élève trahit son professeur pour 30 pièces d'argent. Il semblerait que l'intrigue soit tragique, mais simple. Le méchant intéressé a trahi le bon et doux Jésus.
Mais les racines de sa trahison sont plus profondes. Judas considérait Jésus comme le sauveur de son peuple. Il imaginait comment il réaliserait un coup d'État. Asseyez-vous sur le trône royal. Et il confiera les rôles principaux à ses plus proches collaborateurs. Lui aussi.
Oui, Judas était vaniteux. Pour un poste élevé, il était prêt à endurer image ascétique vie. Pour devenir plus tard ministre de la cour. Pas moins.
Mais Jésus ne s’est pas comporté comme Judas l’espérait. Il ne s’est pas battu pour le pouvoir de la manière habituelle. Il a conquis le cœur des gens grâce à sa sagesse, sa générosité et sa volonté de se sacrifier.
Judas ne s'y attendait pas. Ses projets ambitieux échouent. Et un petit prix à payer pour l’extradition du Christ est une opportunité d’exprimer votre colère face à vos espoirs non réalisés.
Ce n’est donc pas un méchant effrayant comme il est souvent décrit. C'est plutôt une personne pathétique et mesquine. Qui est prêt à se détourner immédiatement de son professeur, ami. Se rendre compte que cette connexion ne lui promet rien. C'est sa principale tragédie. Et de telles tragédies ne sont que trop fréquentes à tout moment. Et à notre époque.
C'est pourquoi le Caravage se présente comme un observateur. Il regarde ce qui se passe. Comme si vous vous posiez la question « Et moi ? Est-ce que je trahis le Christ ?
C'est comme s'il nous appelait. Avertit. Genre, soyez prudent. Demande toi questionne plus souvent« Est-ce que je trahis le Christ ?
Et chacun aura déjà son propre Christ. Principes moraux. Famille. But. Conscience…
Fait intéressant. Un autre « baiser de Judas »
Les peintures du Caravage étaient souvent copiées. « Le Baiser de Judas » en possède également une copie. Il est conservé au Musée d'art oriental et occidental d'Odessa.
Bien sûr, je vais vous le montrer ici. Mais cela n'a pas beaucoup de sens. Il est difficile de les distinguer les uns des autres. Tout a été copié dans les moindres détails.
Disciple du Caravage. Baiser de Judas. 1602 Musée d'art oriental et occidental, Odessa. musée.odessa.ua Ne faites pas attention à l'éclairage et aux couleurs. Pourtant, les photos sont prises de différentes sources.
Non. Ils diffèrent cependant sur un détail.
Regardez de plus près les visages des personnages des deux tableaux.
Dans le tableau d’Odessa, la peau paraît cireuse. A Dublin, elle est plus naturelle.
Mais les deux images sont néanmoins très similaires. Par conséquent, à un moment donné, la copie d’Odessa était considérée comme celle de l’auteur. Il existe même une légende sur son apparition.
Le Caravage a écrit le Baiser de Judas de Dublin pour son mécène Chiriaco Mattei. Les connaisseurs d'art ont admiré le tableau. Ce dont le frère de Kiriako était très jaloux. Pour lui plaire, le Caravage lui a écrit une copie originale.
La copie a en réalité été rédigée pour le frère du client. D'après son registre. Mais ce n’est probablement pas Caravage qui l’a fait. A cette époque, il n'était plus à Rome. Il s'est ensuite enfui de là.
PS.
À propos, le « Baiser de Judas » d’Odessa a été volé au musée en 2008. Le tableau a été restitué en 2010. Utiliser un acheteur de paille. La toile a été gravement endommagée par les voleurs. Il est encore en restauration.
Le quatrième jour après son entrée triomphale à Jérusalem, Jésus-Christ dit à ses disciples : « Vous savez que dans deux jours ce sera Pâques, et que le Fils de l’homme sera livré pour être crucifié. »
Ce jour-là, à notre avis, les grands prêtres, les scribes et les anciens du peuple se sont réunis chez le grand prêtre Caïphe et se sont consultés sur la manière de détruire Jésus-Christ. Lors de ce concile, ils décidèrent de prendre Jésus-Christ par ruse et de le tuer, mais pas un jour férié (alors beaucoup de gens se rassemblent), afin de ne pas provoquer de troubles parmi le peuple.
L'un des douze apôtres du Christ, Judas Iscariote, était très avide d'argent ; et l'enseignement du Christ n'a pas corrigé son âme. Il s'approcha des grands prêtres et leur dit : « Que me donnerez-vous si je vous le livre ? »
Ils furent ravis et lui offrirent trente pièces d'argent.
"Judas reçoit le salaire de la trahison" de Giotto di Bondone 
Trahison de Judas. Auteur : Duccio di Buonisegna, XIIIe siècle. 
Bon vendredi. Baiser de Judas. Début XIVe siècle, fresque du monastère de Vatopedi, Athos
A partir de ce moment Judas chercha opportunité trahir Jésus-Christ, pas devant le peuple.
Après que le Christ ait prié dans le jardin de Gethsémani, Judas, le traître, est entré dans le jardin avec une foule de gens qui marchaient avec des lanternes, des pieux et des épées ; c'étaient des soldats et des ministres envoyés par les grands prêtres et les pharisiens pour capturer Jésus-Christ. Judas était d’accord avec eux : « Celui que j’embrasse, prends-le. »
S'approchant de Jésus-Christ, Judas dit : « Réjouis-toi, Rabbi (Maître) ! Et je l'ai embrassé.
Jésus-Christ lui dit : « Ami ! Pourquoi es-tu venu ? Trahissez-vous le Fils de l'homme par un baiser ? Ces paroles du Sauveur furent pour Judas le dernier appel à la repentance.
Basilique de San Apollinaire Nouveau. Baiser de Judas
Trahison de Judas. Ivan AivazovskyLe baiser de Judas. Petrov Alexandre Nikolaïevitch.
Peinture La trahison de Judas d'Andrey Nikolaevich Mironov.
Lorsque Judas le traître apprit que Jésus-Christ était condamné à mort, il réalisa l'horreur de son acte. Peut-être ne s'attendait-il pas à une telle sentence, ou croyait-il que le Christ ne le permettrait pas, ou se débarrasserait miraculeusement de ses ennemis. Judas réalisa où son amour de l'argent l'avait amené. Un remords douloureux s'empara de son âme. Il alla trouver les grands prêtres et les anciens et leur rendit les trente pièces d'argent en disant : « J'ai péché en livrant du sang innocent » (c'est-à-dire, j'ai trahi un homme innocent jusqu'à la mort).
Ils lui dirent : « Qu’est-ce que cela nous fait ? voyez par vous-même » (c’est-à-dire soyez responsable de vos propres affaires).
Mais Judas ne voulait pas se repentir humblement dans la prière et les larmes devant le Dieu miséricordieux. Le froid du désespoir et du découragement enveloppait son âme. Il jeta les pièces d'argent dans le temple devant les prêtres et partit. Puis il est allé se pendre (c'est-à-dire s'est pendu).
Histoires de peintures et de tableaux :
Giotto di Bondone.
Mettre le Christ en garde à vue
ou Le Baiser de Judas. 1304, détrempe
"La prise du Christ ou le baiser de Judas" est l'une des fresques les plus expressives et les plus sincères de Giotto située dans la chapelle des Scrovegni, une petite chapelle privée de la ville de Padoue, dans le nord de l'Italie, qui a assuré la renommée de Giotto pendant sept siècles. viens.
«Le Baiser de Judas» choque le spectateur avec une intensité émotionnelle sans précédent (et presque impensable pour le début du Trecento, lorsque la fresque a été créée). Nous assistons à un pandémonium agité, voyons de longues torches, épées et lances trembler dans des mains instables contre le ciel nocturne bleu foncé et sentons à quel point l'air est électrifié en prévision des événements qui se déroulent. Les gardes sont prêts à arrêter quiconque embrassera Judas. La vérité se heurte ici à la trahison, le bien absolu au mal. Les visages du Christ et de Judas personnifient cette opposition, ce contraste saisissant.
C'est ainsi qu'un critique d'art le décrit Paola Volkova dans la série vidéo « Bridge over the Abyss » :
« …Le visage noble et beau du Christ : doré Cheveux épais, front clair, regard calme, colonne de cou, visage sérieux et concentré. Alors Christ - comme un héros, comme c'est incroyable bel homme- représentera ensuite, 100 ans plus tard Renaissance italienne. C'est très important : pas un visage émacié, usé par la souffrance, pas un corps saignant sur la croix, pas une chair torturée, mais grand homme, plein de force. Et un simple sanglier noir, un cochon noir, rapproche son visage de lui ! Si le front du Christ est convexe, alors le sien est concave, comme celui de Néandertal ; de petits yeux sous les os du front en surplomb le regardent dans les yeux.
Le Christ est parfait et beau, Judas est laid et gros ; les vêtements ne peuvent pas le cacher. Le Manteau de Judas dans cette fresque est considéré comme l'une des grandes réalisations picturales de Giotto. Premièrement, personne avant lui n’avait représenté les draperies des vêtements décrivant de manière aussi plausible les contours du corps et traduisant la rapidité du mouvement. Deuxièmement, la décision compositionnelle la plus intéressante de Giotto fut de peindre le manteau de Judas de manière à ce qu’il recouvre presque entièrement le Christ, comme s’il l’absorbait.
Une grande partie de ce que nous voyons dans le « Baiser de Judas » de Giott apparaît pour la première fois dans l’histoire de la peinture. Pour la première fois, l’artiste met en scène ce qu’on appellera plus tard un « duel de regards ». Pour la première fois, un canon iconographique tout fait issu de Peinture byzantine, est remplacé par une scène réaliste pleine de drame et d'excitation. Pour la première fois, la foule paraît aussi clairement hétérogène. L’apôtre sortit un couteau à pain et, avec passion, coupa l’oreille du garde. Le curé au premier plan montre du doigt : « Prenez-le ! » Quelqu'un, le dos tourné, tire quelqu'un à côté de lui par les vêtements. Le garde à côté de Judas, coiffé d'un haut casque noir, marche sur le pied de celui qui se tient à côté de lui. Et quelqu'un (probablement un ange) à l'arrière-plan souffle déjà du cor, anticipant La résurrection du Christ. Barbus et imberbes, bruns et blonds, avec des profils individuellement différents, chaussures et pieds nus, habillés Couleurs différentes et des formes - qui démontrent tous à quel point on s'intéresse à la réalité vivante art italien avec l'apparition de Giotto.
Les fresques bibliques de l'italien Giotto di Bondone étaient si différentes du canon de la peinture d'icônes byzantine (grecque) de l'artiste et théoricien de l'art des XIVe et XVe siècles. Cennino Cennini a fait remarquer avec humour : "Giotto a traduit la Bible du grec vers le latin" .