Types de peinture brièvement. La peinture comme forme d'art. Matériel de peinture

02.05.2019

Qu'est-ce que la peinture ?

La peinture est une vue arts visuels, dont les œuvres sont créées à l'aide de peintures appliquées sur n'importe quelle surface.
« La peinture n’est pas qu’une sorte de fantasme. C’est un travail, un travail qui doit être fait consciencieusement, comme le fait tout travailleur consciencieux », affirmait Renoir.

La peinture est un miracle étonnant qui transforme des matériaux artistiques accessibles en une variété d’images visibles de la réalité. Maîtriser l’art de la peinture signifie être capable de représenter des objets réels de n’importe quelle forme, couleur et matériau différents dans n’importe quel espace.
La peinture, comme toutes les autres formes d’art, a une particularité langage artistique, à travers lequel l'artiste reflète le monde. Mais, exprimant sa compréhension du monde, l'artiste incarne simultanément ses pensées et ses sentiments, ses aspirations, ses idéaux esthétiques dans ses œuvres, évalue les phénomènes de la vie, expliquant à sa manière leur essence et leur sens.
DANS œuvres d'art différents genres d'art créé par les peintres utilisent le dessin, la couleur, la lumière et l'ombre, l'expressivité des traits, la texture et la composition. Cela permet de reproduire sur plan la richesse colorée du monde, le volume des objets, leur originalité matérielle qualitative, leur profondeur spatiale et leur environnement lumière-air.
Le monde de la peinture est riche et complexe, ses trésors ont été accumulés par l’humanité au fil de plusieurs millénaires. Les œuvres de peinture les plus anciennes ont été découvertes par des scientifiques sur les parois des grottes dans lesquelles ils vivaient peuple primitif. Les premiers artistes ont représenté des scènes de chasse et des habitudes animales avec une précision et une netteté étonnantes. C'est ainsi qu'est né l'art de la peinture murale, qui présente des caractéristiques caractéristiques de la peinture monumentale.
Il existe deux principaux types de peinture monumentale : la fresque et la mosaïque.
La fresque est une technique de peinture avec des peintures diluées avec de l'eau propre ou de la chaux sur du plâtre frais et humide.
La mosaïque est une image composée de particules de pierre, de smalt, de carreaux de céramique de matériaux homogènes ou différents, fixés dans une couche de sol - chaux ou ciment.
La fresque et la mosaïque sont les principaux types d'art monumental qui, en raison de leur durabilité et de la solidité des couleurs, sont utilisés pour décorer les volumes et les plans architecturaux (peintures murales, abat-jour, panneaux).
La peinture sur chevalet (image) a un caractère et une signification indépendants. Étendue et exhaustivité de la couverture vrai vie se reflète dans la diversité des types et des genres inhérents à la peinture de chevalet : genres portrait, paysage, nature morte, quotidien, historique, bataille.
Contrairement à la peinture monumentale, la peinture de chevalet n’est pas reliée au plan du mur et peut être librement exposée.
Idéologique valeur artistique les œuvres d'art de chevalet ne changent pas selon l'endroit où elles se trouvent, bien que leur sonorité artistique dépende des conditions d'exposition.
En plus des types de peinture ci-dessus, il existe des peintures décoratives - des croquis décor de théâtre, décors et costumes de cinéma, ainsi que miniatures et iconographie.
Pour créer une œuvre d'art miniature ou monumentale (par exemple, une peinture sur un mur), l'artiste doit connaître non seulement l'essence constructive des objets, leur volume, leur matérialité, mais aussi les règles et lois de la représentation picturale des objets. la nature, l'harmonie des couleurs et la couleur.

Dans une image picturale tirée de la nature, il est nécessaire de prendre en compte non seulement la variété des couleurs, mais également leur unité, déterminée par la force et la couleur de la source lumineuse. Aucune tache de couleur ne doit être introduite dans l’image sans la faire correspondre à l’état général des couleurs. La couleur de chaque objet, tant dans la lumière que dans l’ombre, doit être liée à la couleur d’ensemble. Si les couleurs de l’image ne traduisent pas l’influence de la couleur de l’éclairage, elles ne seront pas soumises à une palette de couleurs unique. Dans une telle image, chaque couleur apparaîtra comme quelque chose d’étranger et d’étranger à un état d’éclairage donné ; cela apparaîtra aléatoire et ruinera l’intégrité des couleurs de l’image.
Ainsi, l'unification naturelle des couleurs des peintures par la couleur générale de l'éclairage constitue la base de la création d'une structure de couleur harmonieuse de l'image.
La couleur est l’un des moyens les plus expressifs utilisés en peinture. L'artiste transmet sur l'avion la richesse colorée de ce qu'il voit, à l'aide de formes de couleurs qu'il connaît et reflète le monde qui l'entoure. Dans le processus de représentation de la nature, un sens de la couleur et de ses nombreuses nuances se développe, ce qui permet d'utiliser des peintures comme élément principal. des moyens d'expression peinture.
La perception de la couleur, et l'œil de l'artiste est capable de distinguer plus de 200 de ses nuances, est peut-être l'une des qualités les plus heureuses dont la nature a doté l'homme.
Connaissant les lois du contraste, l'artiste navigue dans ces changements de couleur de la nature représentée, qui dans certains cas sont difficiles à capter à l'œil nu. La perception de la couleur dépend de l'environnement dans lequel se trouve l'objet. Par conséquent, l'artiste, lorsqu'il transmet la couleur de la nature, compare les couleurs entre elles, s'assurant qu'elles sont perçues dans une interconnexion ou une relation mutuelle.
« Prendre des relations d'ombre et de lumière » signifie préserver la différence entre les couleurs en termes de luminosité, de saturation et de teinte, selon la façon dont elles se produisent dans la nature.
Le contraste (à la fois en termes de lumière et de couleur) est particulièrement visible sur les bords des taches de couleur adjacentes. Le flou des limites entre les couleurs contrastées renforce l'effet de contraste des couleurs et la clarté des limites des taches le réduit. La connaissance de ces lois élargit les capacités techniques de la peinture, permet à l'artiste, à l'aide du contraste, d'augmenter l'intensité de la couleur des peintures, d'augmenter leur saturation, d'augmenter ou de diminuer leur luminosité, ce qui enrichit la palette du peintre. Ainsi, sans utiliser de mélanges, mais uniquement des combinaisons contrastées de couleurs chaudes et froides, vous pouvez obtenir une sonorité coloristique particulière du tableau.

Le mot « peinture » vient des mots russes « vivre » et « écrire », ce qui donne l'expression « lettre vivante ». La peinture désigne une image du monde réel, dessinée à l'aide de matériaux improvisés (crayons, peintures, pâte à modeler, etc.) sur des surfaces planes. On peut dire que la projection du monde réel à travers le prisme de l’imaginaire de l’artiste est aussi

Types de peinture

Celui-ci regorge d’une variété de types et de techniques de représentation de la réalité, qui dépendent non seulement de la technique d’exécution du travail de l’artiste et des matériaux utilisés, mais également du contenu et du message sémantique de la créativité. Afin de transmettre des sentiments, des émotions et des pensées, l'artiste utilise tout d'abord les règles du jeu avec la couleur et la lumière : le rapport des nuances de couleurs et le jeu des reflets et des ombres. Grâce à ce secret, les tableaux ressortent vraiment vivants.

Pour obtenir cet effet, vous devez utiliser habilement des matériaux colorés. Ainsi, la peinture, dont les types dépendent de la technique de dessin et des types de peinture, peut utiliser l'aquarelle, l'huile, la détrempe, le pastel, la gouache, la cire, l'acrylique, etc. Tout dépend du désir de l'artiste.

Dans les beaux-arts, on distingue les principaux types de peinture suivants :

1. Peinture monumentale. Le nom même de ce type d’art suggère que la création vivra plusieurs siècles. Ce type implique une symbiose entre l'architecture et les beaux-arts. La peinture monumentale est le plus souvent visible dans les temples religieux : ce sont des murs, des voûtes, des arcs et des plafonds peints. Lorsque le dessin et le bâtiment lui-même ne font plus qu’un, ces œuvres revêtent une signification profonde et portent une valeur culturelle mondiale. Les fresques relèvent plus souvent de ce type de peinture. En règle générale, ils sont fabriqués non seulement avec des peintures, mais aussi avec des carreaux de céramique, du verre, des pierres colorées, des coquillages, etc.

2. Peinture sur chevalet. Les types de ces beaux-arts sont très courants et accessibles à tout artiste. Pour qu'un tableau soit considéré comme un chevalet, le créateur aura besoin d'une toile (chevalet) et d'un cadre pour celui-ci. Ainsi, le tableau sera de nature indépendante et peu importe où et dans quelle structure architecturale il se trouve.

3. Les types et les formes d'expression de la créativité sont illimités et ce type d'art peut servir de preuve. existe depuis des milliers d'années : il s'agit de décorations pour la maison, de peinture de vaisselle, de création de souvenirs, de peinture de tissus, de meubles, etc. L'essence de la créativité est que l'objet et le design qu'il contient deviennent un tout. Il est considéré comme de mauvais goût lorsqu’un artiste représente un dessin totalement inapproprié sur un objet.

4. implique la conception visuelle des représentations théâtrales ainsi que du cinéma. Ce type d'art permet au spectateur de comprendre et d'accepter plus précisément l'image d'une pièce de théâtre, d'un spectacle ou d'un film.

Genres de peinture

Dans la théorie de l'art, il est également important de distinguer les genres de peinture, chacun ayant ses propres caractéristiques :

Portrait.

Nature morte.

Iconographie.

Animalisme.

Histoire.

Ce sont les principaux qui existent depuis longtemps dans l’histoire de l’art. Mais les progrès ne s’arrêtent pas. Chaque année, la liste des genres s'allonge et s'allonge. Ainsi sont apparus l'abstraction et la fantaisie, le minimalisme, etc.

La peinture fait partie des arts anciens qui, au cours de plusieurs siècles, ont évolué depuis les peintures rupestres du Paléolithique jusqu'aux dernières tendances du 20e et même du 21e siècle. Cet art est né presque avec l'avènement de l'humanité. Les peuples anciens, sans même se réaliser pleinement en tant qu’humains, ressentaient le besoin de représenter le monde qui les entourait à la surface. Ils peignaient tout ce qu'ils voyaient : les animaux, la nature, les scènes de chasse. Pour peindre, ils utilisaient quelque chose de similaire aux peintures à base de matériaux naturels. C'étaient des peintures à la terre, du fusain, de la suie noire. Les pinceaux étaient fabriqués à partir de poils d'animaux ou simplement peints avec les doigts.

À la suite de ces changements, de nouveaux types et genres de peinture sont apparus. A la période antique succède celle de l’Antiquité. Il y avait un désir parmi les peintres et les artistes de reproduire la vie réelle qui nous entoure, telle qu'elle apparaît aux humains. Le désir d'exactitude de la transmission a fait émerger les fondements de la perspective, les fondements des constructions d'ombre et de lumière de diverses images et leur étude par les artistes. Et ils ont tout d’abord étudié comment représenter l’espace volumétrique sur le plan d’un mur, dans la fresque. Certaines œuvres d'art, comme l'espace volumétrique, le clair-obscur, ont commencé à être utilisées pour décorer des pièces, des centres religieux et des sépultures.

La prochaine période importante du passé de la peinture est le Moyen Âge. À cette époque, la peinture était de nature plus religieuse et la vision du monde commençait à se refléter dans l’art. La créativité des artistes visait la peinture d'icônes et d'autres mélodies religieuses. Principal les points importants, ce que l'artiste devait souligner, n'était pas tant un reflet fidèle de la réalité qu'un transfert de spiritualité même dans les peintures les plus diverses. Les toiles des maîtres de cette époque émerveillaient par l'expressivité des contours, de la couleur et de la couleur. La peinture médiévale nous paraît plate. Tous les personnages des artistes de cette époque sont sur la même ligne. C'est pourquoi de nombreuses œuvres nous semblent quelque peu stylisées.

La période du Moyen Âge gris a été remplacée par la période plus lumineuse de la Renaissance. La Renaissance marque à nouveau un tournant dans le développement historique de cet art. De nouvelles ambiances dans la société, une nouvelle vision du monde ont commencé à dicter à l'artiste : quels aspects de la peinture révéler plus pleinement et plus clairement. Les genres de peinture tels que le portrait et le paysage deviendront des styles indépendants. Les artistes expriment les émotions de l'homme et de ses monde intérieurà travers de nouvelles façons de peindre. Les XVIIe et XVIIIe siècles voient un essor encore plus important de la peinture. Au cours de cette période, l'Église catholique perd de son importance et les artistes dans leurs œuvres reflètent de plus en plus les véritables points de vue des gens, de la nature et de la vie quotidienne. Au cours de cette période, des genres tels que le baroque, le rococo, le classicisme et le maniérisme se sont également formés. Le romantisme émerge, qui est ensuite remplacé par un style plus spectaculaire : l'impressionnisme.

Au début du XXe siècle, la peinture a radicalement changé et une nouvelle direction de l'art moderne est apparue : la peinture abstraite. L'idée de cette direction est de transmettre l'accord entre l'homme et l'art, de créer une harmonie dans les combinaisons de lignes et de reflets de couleurs. C'est de l'art sans objectivité. Elle ne recherche pas le rendu fidèle d’une image réelle, mais au contraire, elle transmet ce qui est dans l’âme de l’artiste, ses émotions. Les formes et les couleurs jouent un rôle important dans cette forme d'art. Son essence est de transmettre d'une manière nouvelle des objets auparavant familiers. Ici, les artistes bénéficient d'une totale liberté d'imagination. Cela a donné une impulsion à l'émergence et au développement tendances modernes comme l'art avant-gardiste, underground et abstrait. De la fin du XXe siècle à nos jours, la peinture n’a cessé de se transformer. Mais malgré toutes les nouvelles réalisations et technologies modernes, les artistes restent fidèles à l'art classique - huile et la peinture à l'aquarelle, créent leurs chefs-d'œuvre à l'aide de peintures et de toiles.

Natalia Martynenko

Histoire des beaux-arts

L’histoire de la peinture est une chaîne sans fin qui commence avec les toutes premières peintures réalisées. Chaque style est issu des styles qui l’ont précédé. Chaque Grand artiste ajoute quelque chose aux réalisations des artistes antérieurs et influence les artistes ultérieurs.

Nous pouvons apprécier la peinture pour sa beauté. Ses lignes, ses formes, ses couleurs et sa composition (agencement des pièces) peuvent faire appel à nos sens et rester gravés dans nos mémoires. Mais le plaisir de l’art augmente lorsque nous apprenons quand, pourquoi et comment il a été créé.

L'histoire de la peinture a été influencée par de nombreux facteurs. Géographie, religion, caractéristiques nationales, événements historiques, le développement de nouveaux matériaux, tout cela contribue à façonner la vision de l'artiste. Tout au long de l’histoire, la peinture a reflété l’évolution du monde et nos idées à ce sujet. À leur tour, les artistes ont fourni certains des meilleurs témoignages du développement de la civilisation, révélant parfois plus que les mots écrits.

Peinture préhistorique

Les habitants des grottes étaient les plus premiers artistes. Des dessins colorés d'animaux datant de 30 000 à 10 000 avant JC ont été découverts sur les parois de grottes du sud de la France et de l'Espagne. Beaucoup de ces peintures sont remarquablement bien conservées car les grottes ont été scellées pendant de nombreux siècles. Les premiers gens dessinaient des images des animaux sauvages qu’ils voyaient autour d’eux. Des figures humaines très grossières, réalisées dans des positions de vie, ont été trouvées en Afrique et dans l'est de l'Espagne.

Les artistes rupestres ont rempli les parois de la grotte de dessins aux couleurs riches et vibrantes. Certaines des plus belles peintures se trouvent dans la grotte d'Altamira, en Espagne. Un détail montre un buffle blessé, incapable de se tenir debout, probablement victime d'un chasseur. Il est peint dans une couleur brun rougeâtre et est souligné simplement, mais habilement, en noir. Les pigments utilisés par les artistes rupestres sont l'ocre (oxydes de fer dont la couleur varie du jaune clair à l'orange foncé) et le manganèse (un métal sombre). Ils étaient broyés en une poudre fine, mélangés à un lubrifiant (éventuellement de l'huile grasse) et appliqués sur la surface avec une sorte de pinceau. Parfois, les pigments prenaient la forme de bâtons, semblables à des crayons de couleur. La graisse mélangée à des pigments en poudre donnait une peinture liquide et les particules de pigment restaient collées ensemble. Les habitants des cavernes fabriquaient des pinceaux à partir de poils d'animaux ou de plantes et des outils tranchants en silicium (pour dessiner et gratter).

Il y a 30 000 ans déjà, les hommes ont inventé les outils et matériaux de base pour la peinture. Les méthodes et les matériaux furent affinés et améliorés au cours des siècles suivants. Mais les découvertes de l’homme des cavernes restent fondamentales pour la peinture.

Peinture égyptienne et mésopotamienne (3400-332 avant JC)

L'une des premières civilisations est apparue en Égypte. On sait beaucoup de choses sur leur vie grâce aux documents écrits et aux œuvres d'art laissées par les Égyptiens. Ils croyaient que le corps devait être préservé afin que l'âme puisse vivre après la mort. Les grandes pyramides étaient des tombeaux élaborés destinés aux dirigeants égyptiens riches et puissants. Une grande partie de l’art égyptien a été créée pour les pyramides et les tombeaux des rois et d’autres personnages importants. Pour être absolument sûrs que l’âme continuerait d’exister, les artistes ont créé des images d’une personne décédée dans la pierre. Ils reproduisaient également des scènes de la vie humaine sur des peintures murales des chambres funéraires.

Les techniques artistiques égyptiennes sont restées inchangées depuis des siècles. Dans une méthode, la peinture aquarelle était appliquée sur des surfaces argileuses ou calcaires. Dans un autre processus, les contours ont été sculptés dans les murs de pierre et peints à l’aquarelle. Un matériau appelé gomme arabique était probablement utilisé pour faire adhérer la peinture à la surface. Heureusement, le climat sec et les tombes scellées ont empêché certains de ces peintures à l'aquarelle se détériorer à cause de l'humidité. De nombreuses scènes de chasse provenant des murs des tombes de Thèbes, datant d'environ 1450 avant JC, sont bien conservées. Ils montrent comment les chasseurs chassent les oiseaux ou les poissons. Ces sujets peuvent encore être identifiés aujourd’hui car ils ont été peints avec soin et minutie.

La civilisation mésopotamienne, qui a duré de 3200 à 332 avant JC, était située dans la vallée située entre le Tigre et l'Euphrate, au Moyen-Orient. Les maisons en Mésopotamie étaient construites principalement en argile. À mesure que l'argile est ramollie par la pluie, leurs bâtiments se sont effondrés en poussière, détruisant toutes les peintures murales qui auraient pu être très intéressantes. Ce qui subsiste sont des poteries décorées (peintes et cuites) et des mosaïques colorées. Même si les mosaïques ne peuvent pas être considérées comme de la peinture, elles l’influencent souvent.

Civilisation égéenne (3000-1100 avant JC)

Le troisième grand culture ancienne il y avait une civilisation égéenne. Les Égéens vivaient sur les îles au large des côtes grecques et sur la péninsule d’Asie Mineure à peu près à la même époque que les anciens Égyptiens et Mésopotamiens.

En 1900, les archéologues ont commencé à fouiller le palais du roi Minos à Knossos, sur l'île de Crète. Les fouilles ont mis au jour des œuvres d'art peintes vers 1500 avant JC. dans le style inhabituellement libre et gracieux de l’époque. Apparemment, les Crétois étaient un peuple insouciant et amoureux de la nature. Parmi leurs sujets artistiques préférés figuraient la vie marine, animaux, fleurs, jeux de sport, processions de masse. À Cnossos et dans d’autres palais de la mer Égée, les peintures étaient réalisées sur des murs en plâtre humide, à l’aide de peintures à base de substances minérales, de sable et d’ocres de terre. La peinture a pénétré dans le plâtre humide et est devenue une partie permanente du mur. Ces peintures furent plus tard appelées fresques (du mot italien signifiant « frais » ou « nouveau »). Les Crétois aimaient les couleurs jaune vif, rouge, bleu et vert.

Peinture classique grecque et romaine (1100 avant JC – 400 après JC)

Les Grecs de l’Antiquité décoraient les murs des temples et des palais de fresques. À partir de sources littéraires anciennes et de copies romaines de l’art grec, on peut dire que les Grecs peignaient de petits tableaux et réalisaient des mosaïques. Les noms des maîtres grecs et peu de choses sur leur vie et leurs œuvres sont connus, même si très peu de peinture grecque a survécu aux siècles et aux conséquences des guerres. Les Grecs n’écrivaient pas beaucoup dans les tombes, leurs œuvres n’étaient donc pas protégées.

Les vases peints sont tout ce qui reste aujourd’hui de la peinture grecque. La fabrication de poterie était une industrie importante en Grèce, notamment à Athènes. Les conteneurs étaient très demandés, exportés, ainsi que l'huile et le miel, et destinés à des usages domestiques. La première peinture sur vase a été réalisée en formes géométriques et ornements (1100-700 avant JC). Les vases étaient également décorés de figures humaines en glaçure brune sur argile claire. Au VIe siècle, les artistes de vase peignaient souvent des figures humaines noires sur de l'argile rouge naturelle. Les détails ont été sculptés dans l'argile avec un outil pointu. Cela a permis au rouge d'apparaître dans les profondeurs du relief.

Le style à figures rouges a finalement remplacé le style noir. C'est-à-dire vice versa : les chiffres sont rouges et le fond est noir. L’avantage de ce style était que l’artiste pouvait utiliser un pinceau pour créer des contours. Le pinceau produit une ligne plus lâche que l'outil métallique utilisé sur les vases à figures noires.

Des peintures murales romaines ont été trouvées principalement dans des villas ( maisons de campagne) à Pompéi et Herculanum. En 79 après JC, ces deux villes furent complètement ensevelies par l’éruption du Vésuve. Les archéologues qui ont fouillé la région ont pu en apprendre beaucoup sur la vie romaine antique grâce à ces villes. Presque toutes les maisons et villas de Pompéi avaient des peintures sur les murs. Les peintres romains préparaient soigneusement la surface du mur en appliquant un mélange de poussière de marbre et de plâtre. Ils ont poli les surfaces pour obtenir une finition en marbre. La plupart des peintures sont des copies de peintures grecques du IVe siècle avant JC. Les poses gracieuses des personnages peints sur les murs de la Villa des Mystères de Pompéi ont inspiré les artistes du XVIIIe siècle lors des fouilles de la ville.

Les Grecs et les Romains peignaient également des portraits. Un petit nombre d'entre eux, pour la plupart des portraits de momies réalisés dans le style grec par des artistes égyptiens, survivent autour d'Alexandrie, dans le nord de l'Égypte. Fondée au IVe siècle avant JC par Alexandre le Grand de Grèce, Alexandrie est devenue un centre majeur de la culture grecque et romaine. Les portraits ont été peints selon la technique de l'encaustique sur bois et installés sous la forme d'une momie après la mort de la personne représentée. Les peintures à l'encaustique réalisées avec de la peinture mélangée à de la cire d'abeille fondue durent très longtemps. En effet, ces portraits semblent encore frais même s'ils ont été pris au IIe siècle avant JC.

Peinture paléochrétienne et byzantine (300-1300)

L'Empire romain déclina au IVe siècle après JC. Dans le même temps, le christianisme gagnait en force. En 313, l’empereur romain Constantin reconnut officiellement la religion et se convertit lui-même au christianisme.

L’émergence du christianisme a grandement influencé l’art. Des artistes furent chargés de décorer les murs des églises avec des fresques et des mosaïques. Ils réalisaient des panneaux dans les chapelles des églises, illustraient et décoraient les livres paroissiaux. Sous l'influence de l'Église, les artistes étaient censés communiquer les enseignements du christianisme aussi clairement que possible.

Les premiers chrétiens et les artistes byzantins ont continué à utiliser la technique de la mosaïque apprise des Grecs. De petits morceaux plats de verre coloré ou de pierre étaient posés sur du ciment ou du plâtre humide. Parfois, d’autres matériaux durs étaient utilisés, comme des morceaux d’argile cuite ou des coquillages. Dans la mosaïque italienne, les couleurs sont particulièrement profondes et pleines. Des artistes italiens ont réalisé le fond avec des morceaux de verre doré. Ils représentaient des figures humaines aux couleurs riches sur un fond d’or étincelant. L’effet global était plat, décoratif et peu réaliste.

Les mosaïques des artistes byzantins étaient souvent encore moins réalistes et encore plus décoratives que les motifs des premiers chrétiens. "Byzantin" est le nom style donné l'art qui s'est développé autour ville antique Byzance (aujourd'hui Istanbul, Turquie). La technique de la mosaïque convenait parfaitement au goût byzantin pour les églises magnifiquement décorées. Les célèbres mosaïques de Théodora et Justinien, réalisées vers 547 après J.-C., témoignent d'un goût pour la richesse. Bijoux les personnages scintillent et les robes de cour colorées scintillent sur un fond d'or scintillant. Les artistes byzantins utilisaient également l’or sur des fresques et des panneaux. L'or et d'autres matériaux précieux étaient utilisés au Moyen Âge pour séparer les objets spirituels du monde quotidien.

Peinture médiévale (500-1400)

La première partie du Moyen Âge, du VIe au XIe siècle environ, est généralement appelée l'Âge des Ténèbres. Pendant cette période de troubles, l’art était principalement conservé dans les monastères. Au 5ème siècle après JC Les tribus Warran du nord et du centre de l’Europe parcouraient le continent. Pendant des centaines d’années, ils ont dominé l’Europe occidentale. Ces personnes ont produit des œuvres d’art dont l’élément principal est le motif. Ils étaient particulièrement fascinés par les structures de dragons et d’oiseaux entrelacés.

Le meilleur de l’art celtique et saxon se trouve dans des manuscrits des VIIe et VIIIe siècles. L’illustration de livres, l’enluminure et la peinture miniature, pratiquées depuis la fin de l’époque romaine, se sont répandues au Moyen Âge. L'éclairage est la décoration du texte, des majuscules et des marges. De l'or, de l'argent et des couleurs vives ont été utilisés. Une miniature est une petite image, souvent un portrait. Le terme était à l’origine utilisé pour décrire le bloc décoratif entourant les premières lettres d’un manuscrit.

Charlemagne, qui fut couronné empereur du Saint-Empire au début du IXe siècle, tenta de faire revivre l'art classique de la fin de l'époque romaine et du début du christianisme. Sous son règne, les peintres miniatures imitaient l’art classique, mais ils transmettaient également des sentiments personnels à travers leurs sujets.

Très peu de peintures murales ont survécu du Moyen Âge. Les églises construites à l'époque romane (XIe-XIIIe siècles) possédaient de grandes fresques, mais la plupart d'entre elles ont disparu. Dans les églises de la période gothique (XIIe-XVIe siècles), il n'y avait pas assez d'espace pour les peintures murales. L’illustration de livres était l’œuvre principale du peintre gothique.

Parmi les manuscrits les mieux illustrés figuraient les livres d'heures - recueils de calendriers, de prières et de psaumes. Une page d'un manuscrit italien montre des initiales élaborées et une scène marginale finement détaillée de Saint Georges terrassant un dragon. Les couleurs sont brillantes et semblables à gemmes comme un vitrail, et l'or scintille au-dessus de la page. Des motifs de feuilles et de fleurs gracieusement subtils bordent le texte. Les artistes utilisaient probablement des loupes pour produire des œuvres aussi complexes et détaillées.

Italie : Cimabue et Giotto

Les artistes italiens de la fin du XIIIe siècle travaillaient encore dans le style byzantin. Les figures humaines étaient plates et décoratives. Les visages étaient rarement expressifs. Les corps étaient en apesanteur et semblaient flotter plutôt que de rester fermement au sol. A Florence, l'artiste Cimabue (1240-1302) tenta de moderniser certaines des anciennes techniques byzantines. Les anges de Madonna Inthroned sont plus actifs que d’habitude dans les peintures de l’époque. Leurs gestes et leurs visages témoignent d'un sentiment un peu plus humain. Cimabue a ajouté un nouveau sentiment de monumentalité ou de splendeur à ses peintures. Cependant, il a continué à suivre de nombreuses traditions byzantines, telles que le fond doré et la disposition à motifs des objets et des personnages.

C'est le grand artiste florentin Giotto (1267-1337) qui rompit réellement avec la tradition byzantine. Sa série de fresques dans la chapelle Arena de Padoue laisse loin derrière elle l’art byzantin. Il y a une réelle émotion, une tension et un naturalisme dans ces scènes de la vie de Marie et du Christ. Toutes les qualités de chaleur humaine et de sympathie sont présentes. Les gens ne semblent pas complètement irréels ou paradisiaques. Giotto a ombré les contours des personnages et a placé des ombres profondes dans les plis des vêtements pour donner une impression de rondeur et de solidité.

Pour ses petits panneaux, Giotto utilisait de la détrempe pure à l'œuf, un médium perfectionné par les Florentins au 14ème siècle. La clarté et l'éclat de ses couleurs ont dû grandement influencer les gens habitués aux couleurs sombres des panneaux byzantins. Les peintures à la détrempe donnent l’impression que la douce lumière du jour tombe sur la scène. Ils ont un aspect presque plat, contrairement au brillant de la peinture à l'huile. La détrempe à l’œuf est restée la peinture principale jusqu’à ce que l’huile la remplace presque complètement au XVIe siècle.

Peinture de la fin du Moyen Âge au nord des Alpes

Au début du XVe siècle, les artistes d'Europe du Nord travaillaient dans un style complètement différent de la peinture italienne. Artistes du Nord atteint le réalisme en ajoutant d'innombrables détails à leurs peintures. Tous les cheveux étaient gracieusement définis et chaque détail des draperies ou du revêtement de sol était positionné avec précision. L’invention de la peinture à l’huile a rendu les détails plus faciles.

L'artiste flamand Jan van Eyck (1370-1414) a grandement contribué au développement de la peinture à l'huile. Lorsque la détrempe est utilisée, les couleurs doivent être appliquées séparément. Ils ne peuvent pas bien s’ombrer car la peinture sèche rapidement. Avec une huile qui sèche lentement, l’artiste peut réaliser des effets plus complexes. Ses portraits de 1466 à 1530 ont été exécutés selon la technique flamande à l'huile. Tous les détails et même les reflets du miroir sont clairs et précis. La couleur est durable et présente une surface dure semblable à de l'émail. Le panneau de bois apprêté a été préparé de la même manière que Giotto préparait ses panneaux pour la détrempe. Van Eyck a créé le tableau en couches d'une fine couleur appelée glaçure. La détrempe était probablement utilisée dans les sous-bois d'origine et pour les rehauts.

Renaissance italienne

À l’époque où van Eyck travaillait dans le Nord, les Italiens entraient dans un âge d’or de l’art et de la littérature. Cette période est appelée Renaissance, ce qui signifie renaissance. Les artistes italiens se sont inspirés de la sculpture des anciens Grecs et Romains. Les Italiens voulaient faire revivre l'esprit de l'art classique, qui glorifie l'indépendance et la noblesse humaines. Les artistes de la Renaissance ont continué à peindre scènes religieuses. Mais ils ont également souligné la vie terrestre et les réalisations des gens.

Florence

Les réalisations de Giotto au début du XIVe siècle marquent le début de la Renaissance. italien artistes XVII des siècles l'ont continué. Masaccio (1401-1428) fut l'un des dirigeants de la première génération d'artistes de la Renaissance. Il vécut à Florence, une riche ville commerçante où commença l’art de la Renaissance. Au moment de sa mort à la fin des années vingt, il avait révolutionné la peinture. Dans sa célèbre fresque murale « The Tribute Money », il place d'imposantes figures sculpturales dans un paysage qui semble s'étendre au loin. Masaccio a peut-être étudié la perspective auprès de l'architecte et sculpteur florentin Brunelleschi (1377-1414).

La technique de la fresque était très populaire à la Renaissance. Il convenait particulièrement aux grandes peintures murales car les couleurs de la fresque sont sèches et parfaitement plates. L'image peut être visualisée sous n'importe quel angle sans éblouissement ni reflet. Des fresques sont également accessibles. Habituellement, les artistes avaient plusieurs assistants. Les travaux ont été réalisés par parties car ils devaient être terminés alors que l'enduit était encore humide.

Le style « tridimensionnel » de Masaccio était typique du nouveau mouvement progressiste du XVe siècle. Le style de Fra Angelico (1400-1455) représente une approche plus traditionnelle, utilisée par de nombreux artistes du début de la Renaissance. Il était moins préoccupé par l'avenir et plus intéressé par motif décoratif. Son « Couronnement de la Vierge » est un exemple de la plus belle tempera. Des couleurs amusantes et riches sur fond d'or et rehaussées d'or. L'image ressemble à une miniature agrandie. Les personnages longs et étroits ont peu de points communs avec Masaccio. La composition est organisée en grandes lignes de mouvement entourant les figures centrales du Christ et de Marie.

Un autre Florentin qui travaillait dans le style traditionnel était Sandro Botticelli (1444-1515). Des lignes rythmiques fluides relient des sections du Printemps de Botticelli. La figure du Printemps, portée par le vent d'Ouest, passe par la droite. Les Trois Grâces dansent en cercle, les plis fluides de leurs robes et les mouvements gracieux de leurs mains exprimant les rythmes de la danse.

Léonard de Vinci (1452-1519) étudie la peinture à Florence. Il est célèbre pour son recherche scientifique et inventions, ainsi que ses peintures. Très peu de ses peintures survivent, en partie parce qu'il expérimente souvent différentes manières de créer et d'appliquer la peinture plutôt que d'utiliser des méthodes éprouvées. " Dernière Cène" (peint entre 1495 et 1498) a été réalisé à l'huile, mais malheureusement Léonard l'a peint sur un mur humide, ce qui a fait craquer la peinture. Mais même en mauvais état (avant restauration), le tableau avait la capacité de susciter des émotions chez tous ceux qui le voient.

L'une des caractéristiques distinctives du style de Léonard était sa méthode de représentation des lumières et des ténèbres. Les Italiens appelaient son éclairage tamisé « sfumato », ce qui signifie enfumé ou brumeux. Les personnages de la Madone aux Rochers sont voilés dans une atmosphère de sfumato. Leurs formes et leurs traits sont doucement ombragés. Léonard a obtenu ces effets en utilisant des gradations très subtiles de tons clairs et sombres.

Rome

L'apogée de la peinture de la Renaissance s'est produite au XVIe siècle. Dans le même temps, le centre artistique et culturel se déplace de Florence vers Rome. Sous le pape Sixte IV et son successeur Jules II, la ville de Rome fut glorieusement et richement décorée par des artistes de la Renaissance. Certains des projets les plus ambitieux de cette période furent lancés sous la papauté de Jules II. Julius a chargé le grand sculpteur et peintre Michel-Ange (1475-1564) de peindre le plafond Chapelle Sixtine et sculpter une sculpture pour le tombeau du pape. Jules invita également le peintre Raphaël (1483-1520) à participer à la décoration du Vatican. Avec ses assistants, Raphaël a peint quatre pièces des appartements du Pape au Palais du Vatican.

Michel-Ange, florentin de naissance, a développé un style de peinture monumental. Les personnages de sa peinture sont si forts et volumineux qu'ils ressemblent à des sculptures. Le plafond Sixtine, qui a pris 4 ans à Michel-Ange, se compose de centaines de figures humaines de l'Ancien Testament. Pour achever cette fresque grandiose, Michel-Ange a dû s'allonger sur le dos sur un échafaudage. Le visage pensif de Jérémie parmi les prophètes qui entourent le plafond est considéré par certains experts comme un autoportrait de Michel-Ange.

Raphaël est arrivé à Florence depuis Urbino alors qu'il était encore un très jeune homme. À Florence, il s'imprègne des idées de Léonard et de Michel-Ange. Au moment où Raphaël se rendit à Rome pour travailler au Vatican, son style était devenu l'un des plus grands en termes de beauté d'exécution. Il aimait particulièrement ses magnifiques portraits de la Vierge à l'Enfant. Ils ont été reproduits par milliers et peuvent être vus partout. Sa Madonna del Granduca connaît un succès dû à sa simplicité. Intemporel par sa paix et sa pureté, il nous séduit autant qu'il l'était pour les Italiens de l'époque de Raphaël.

Venise

Venise était la principale ville du nord de l'Italie de la Renaissance. Il a été visité par des artistes de Flandre et d'autres régions qui connaissaient les expériences flamandes avec peinture à l'huile. Cela a stimulé l’utilisation précoce de la technologie pétrolière dans la ville italienne. Les Vénitiens ont appris à peindre sur des toiles tendues plutôt que sur des panneaux de bois couramment utilisés à Florence.

Giovanni Bellini (1430-1515) fut le plus grand artiste vénitien du XVe siècle. Il fut également l'un des premiers artistes italiens à utiliser l'huile sur toile. Giorgione (1478-1151) et Titien (1488-1515), qui est le plus célèbre de tous les artistes vénitiens, furent apprentis dans l'atelier de Bellini.

Maître de la peinture à l'huile, Titien a peint d'immenses toiles aux couleurs chaudes et riches. Dans ses peintures de la maturité, il sacrifie les détails pour créer des effets époustouflants, comme dans la Madone de Pesaro. Il utilisait de gros pinceaux pour fabriquer grands coups. Ses couleurs sont particulièrement riches car il crée patiemment des émaux de couleurs contrastées. Généralement, les émaux étaient appliqués sur une surface trempée brune, ce qui donnait à la peinture un ton uniforme.

Un autre grand artiste vénitien du XVIe siècle fut le Tintoret (1518-1594). Contrairement à Titien, il travaillait généralement directement sur toile, sans esquisses ni esquisses préalables. Il déformait souvent ses formes (les tordait) pour des raisons de composition et de drame de l'intrigue. Sa technique, qui comprend de larges coups de pinceau et des contrastes spectaculaires de lumière et d'obscurité, semble très moderne.

L'artiste Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) était connu sous le nom d'El Greco (« Le Grec »). Né sur l'île de Crète occupée par l'armée vénitienne, El Greco a été formé par des artistes italiens. Jeune homme, il part étudier à Venise. L'influence combinée de l'art byzantin, qu'il a vu autour de lui en Crète, et de l'art de la Renaissance italienne, a rendu l'œuvre d'El Greco exceptionnelle.

Dans ses peintures, il déformait les formes naturelles et utilisait des couleurs encore plus étranges et surnaturelles que le Tintoret, qu'il admirait. Plus tard, El Greco s'installe en Espagne, où la noirceur de l'art espagnol influence son travail. Dans sa vision dramatique de Tolède, une tempête fait rage sur le silence mortel de la ville. Des bleus froids, des verts et des teintes bleu-blanc répandent un froid sur le paysage.

Renaissance en Flandre et en Allemagne

L'âge d'or de la peinture en Flandre (qui fait aujourd'hui partie de la Belgique et du nord de la France) se situe au XVe siècle, à l'époque de van Eyck. Au XVIe siècle, de nombreux artistes flamands imitèrent Artistes italiens Renaissance. Cependant, certains Flamands perpétuent la tradition flamande du réalisme. Puis ça s'est propagé peinture de genre- des scènes de la vie quotidienne tantôt charmantes, tantôt fantastiques. Jérôme Bosch(1450-1515), qui précéda les peintres de genre, possédait une imagination particulièrement vive. Il a imaginé toutes sortes de créatures étranges et grotesques pour La Tentation de Saint-Pierre. Antoine." Pieter Bruegel l'Ancien (1525-1569) a également travaillé dans la tradition flamande, mais a ajouté de la perspective et d'autres caractéristiques de la Renaissance à ses scènes de genre.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein le Jeune (1497-1543) et Lucas Cranach l'Ancien (1472-1553) comptent parmi les artistes allemands les plus importants du XVIe siècle. Ils ont beaucoup contribué à adoucir le réalisme sinistre des débuts de la peinture allemande. Dürer s'est rendu au moins une fois en Italie, où il a été impressionné par les peintures de Giovanni Bellini et d'autres Italiens du nord. Grâce à cette expérience, il a inculqué à la peinture allemande une connaissance de la perspective, un sens de la couleur et de la lumière et une nouvelle compréhension de la composition. Holbein a absorbé encore plus de réalisations italiennes. Son dessin sensible et sa capacité à sélectionner uniquement les détails les plus importants ont fait de lui un maître portraitiste.

Peinture baroque

Le XVIIe siècle est connu dans l’art comme la période baroque. En Italie, les artistes Caravage (1571-1610) et Annibale Carracci (1560-1609) représentent deux points de vue contrastés. Le Caravage (de son vrai nom Michelangelo Merisi) s'est toujours inspiré directement des réalités de la vie. L’une de ses principales préoccupations était de copier au plus près la nature sans la glorifier d’aucune manière. Carrache, quant à lui, suivait l’idéal de beauté de la Renaissance. Il a étudié sculpture ancienne et des œuvres de Michel-Ange, Raphaël et Titien. Le style du Caravage a admiré de nombreux artistes, notamment l'Espagnol Ribera et le jeune Velazquez. Carrache a inspiré Nicolas Poussin (1594-1665), célèbre peintre français du XVIIe siècle.

Espagne

Diego Velazquez (1599-1660), peintre de la cour du roi Philippe IV d'Espagne, fut l'un des plus grands artistes espagnols. Fan du travail de Titien, il maîtrisait parfaitement l'utilisation de couleurs riches et harmonieuses. Aucun artiste ne pourrait mieux créer l’illusion de tissus riches ou de peau humaine. Le Portrait du Petit Prince Philippe de Prosper montre cette habileté.

Flandre

Peintures artiste flamand Peter Paul Rubens (1577-1640) représente l'incarnation du style baroque tout en couleur. Ils regorgent d’énergie, de couleurs et de lumière. Rubens rompt avec la tradition flamande de la peinture de petits tableaux. Ses toiles sont immenses, remplies de figures humaines. Il reçut plus de commandes de grands tableaux qu’il ne pouvait en gérer. Par conséquent, il ne dessinait souvent qu’un petit croquis en couleur. Ses assistants transférèrent ensuite l'esquisse sur une grande toile et achevèrent le tableau sous la direction de Rubens.

Hollande

Les réalisations du peintre hollandais Rembrandt (1606-1669) comptent parmi les plus remarquables de l'histoire. Il avait le don merveilleux de capturer et de transmettre avec précision les émotions humaines. Comme Titien, il a longtemps travaillé à la création de peintures à plusieurs niveaux. Les couleurs de la terre – ocre jaune, marron et brun-rouge – étaient ses préférées. Ses peintures sont réalisées principalement dans des couleurs sombres. L'importance des pièces multicouches sombres rend sa technique inhabituelle. L'accent est mis sur un éclairage clair dans des zones relativement claires.

Jan Vermeer (1632-1675) faisait partie d'un groupe d'artistes hollandais qui peignaient des scènes modestes de la vie quotidienne. Il était passé maître dans l'art de peindre n'importe quelle texture : satin, tapis persans, croûtes de pain, métal. L'impression générale de l'intérieur de Vermeer est celle d'une pièce ensoleillée et joyeuse remplie d'objets ménagers emblématiques.

peinture du XVIIIe siècle

Au XVIIIe siècle, Venise a produit plusieurs beaux artistes. Le plus célèbre fut Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Il décora les intérieurs des palais et autres bâtiments de grandes fresques colorées représentant des scènes de richesse. Francesco Guardi (1712-1793) était très habile avec le pinceau et, avec seulement quelques taches de couleur, il pouvait évoquer l'idée d'une petite silhouette dans un bateau. Les vues spectaculaires d'Antonio Canaletto (1697-1768) célébraient les gloires passées de Venise.

France : style rococo

En France, le goût pour les couleurs pastel et la décoration complexe conduit au développement du style rococo au début du XVIIIe siècle. Jean Antoine Watteau (1684-1721), peintre de la cour du roi Louis XV, puis François Boucher (1703-1770) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806) furent associés aux tendances rococo. Watteau a écrit des visions rêveuses, une vie où tout est amusant. Le style est basé sur les pique-niques dans les parcs et les fêtes en forêt, où des messieurs joyeux et des dames élégantes s'amusent dans la nature.

D'autres artistes du XVIIIe siècle ont représenté des scènes vie ordinaire classe moyenne. Comme le Hollandais Vermeer, Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779) appréciait les sujets domestiques simples et les natures mortes. Ses couleurs sont sobres et calmes par rapport à Watteau.

Angleterre

Au XVIIIe siècle, les Britanniques développèrent pour la première fois une école de peinture distincte. Le noyau était principalement constitué de portraitistes, influencés par les artistes vénitiens de la Renaissance. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) et Thomas Gainsborough (1727-1788) sont les plus célèbres. Reynolds, qui a voyagé en Italie, a suivi les idéaux de la peinture de la Renaissance. Ses portraits, bien que charmants et émouvants, ne sont pas particulièrement intéressants en couleur ou en texture. Gainsborough, en revanche, avait un talent pour le génie. Les surfaces de ses peintures brillent de couleurs éclatantes.

peinture du 19ème siècle

Le XIXe siècle est parfois considéré comme la période durant laquelle art moderne. L’une des raisons importantes de la soi-disant révolution de l’art à cette époque fut l’invention de l’appareil photo, qui obligea les artistes à reconsidérer le but de la peinture.

Plus événement important Les peintures préfabriquées étaient largement utilisées. Jusqu'au 19ème siècle, la plupart des artistes ou leurs assistants fabriquaient leurs propres peintures en broyant des pigments. Les premières peintures commerciales étaient inférieures aux peintures manuelles. Les artistes de la fin du XIXe siècle ont découvert que les bleus foncés et les bruns étaient plus premières peintures en quelques années, ils sont devenus noirs ou gris. Ils ont recommencé à utiliser des couleurs pures pour préserver leur travail, et parfois parce qu'ils essayaient de refléter plus fidèlement la lumière du soleil dans les scènes de rue.

Espagne : Goya

Francisco Goya (1746-1828) fut le premier grand artiste espagnol à émerger depuis le XVIIe siècle. Artiste préféré de la cour espagnole, il réalise de nombreux portraits de la famille royale. Les personnages royaux sont équipés de vêtements élégants et de bijoux raffinés, mais sur certains de leurs visages, tout ce qui se reflète n'est que vanité et cupidité. En plus des portraits, Goya peint scènes dramatiques, comme le 3 mai 1808. Ce tableau représente l'exécution d'un groupe de rebelles espagnols par des soldats français. Des contrastes audacieux de couleurs claires et sombres, entrelacés de touches de rouge, évoquent une sombre horreur du spectacle.

Bien que la France ait été un grand centre artistique au XIXe siècle, les paysagistes anglais John Constable (1776-1837) et Joseph Mallord William Turner (1775-1851) ont apporté de précieuses contributions à la peinture du XIXe siècle. Tous deux s’intéressaient à la peinture de la lumière et de l’air, deux aspects de la nature que les artistes du XIXe siècle ont pleinement explorés. Le gendarme a utilisé une méthode connue sous le nom de division ou couleur brisée. Il a utilisé des couleurs contrastées par rapport à la couleur de fond principale. Il utilisait souvent un couteau à palette pour appliquer la couleur de manière serrée. Le tableau "Hay Wain" le rendit célèbre après avoir été exposé à Paris en 1824. Il s’agit d’une simple scène de fenaison dans un village. Les nuages dérivent sur les prairies couvertes de taches de soleil. Les peintures de Turner sont plus dramatiques que celles de Constable, qui a peint les spectacles majestueux de la nature - les tempêtes, paysages marins, couchers de soleil flamboyants, hautes montagnes. Souvent, une brume dorée obscurcit partiellement les objets de ses peintures, leur donnant l’impression de flotter dans un espace infini.

France

La période du règne de Napoléon et Révolution française marque l'émergence de deux courants opposés dans l'art français : le classicisme et le romantisme. Jacques Louis David (1748-1825) et Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) se sont inspirés de l'art grec et romain antique et de la Renaissance. Ils ont mis l’accent sur les détails et utilisé la couleur pour créer des formes solides. En tant qu'artiste préféré du gouvernement révolutionnaire, David a souvent peint des événements historiques de cette période. Dans ses portraits, comme celui de Madame Récamier, il s'efforce d'atteindre la simplicité classique.

Théodore Guéricault (1791-1824) et le romantique Eugène Delacroix (1798-1863) se rebellent contre le style de David. Pour Delacroix, la couleur était l’élément le plus important de la peinture et il n’avait aucune patience pour imiter les statues classiques. Au contraire, il admirait Ruben et les Vénitiens. Il a choisi des thèmes colorés et exotiques pour ses peintures, pétillantes de lumière et pleines de mouvement.

Les artistes de Barbizon faisaient également partie du mouvement romantique général, qui dura environ 1820 à 1850. Ils travaillaient près du village de Barbizon en lisière de la forêt de Fontainebleau. Ils ont trouvé l'inspiration dans la nature et ont réalisé les peintures dans leurs ateliers.

D'autres artistes ont expérimenté des objets quotidiens et ordinaires. Les paysages de Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) reflètent son amour de la nature, et ses études du corps humain témoignent d'une sorte de calme équilibré. Gustave Courbet (1819-1877) se disait réaliste parce qu'il dépeint le monde tel qu'il le voit, même dans ses côtés durs et désagréables. Il a limité sa palette à quelques couleurs sombres. Edouard Manet (1832-1883) s'inspire également du monde environnant pour ses sujets. Les gens ont été choqués par ses contrastes colorés et ses techniques inhabituelles. Les surfaces de ses peintures ont souvent une texture plate et modelée par des coups de pinceau. Les méthodes utilisées par Manet pour appliquer les effets de la lumière à la forme ont influencé les jeunes artistes, notamment les impressionnistes.

Travaillant dans les années 1870 et 1880, un groupe d’artistes connus sous le nom d’impressionnistes souhaitait représenter la nature exactement telle qu’elle était. Ils sont allés bien plus loin que Constable, Turner et Manet dans l’étude des effets de la lumière sur la couleur. Certains d’entre eux ont développé des théories scientifiques sur la couleur. Claude Monet (1840-1926) a souvent peint le même tableau dans temps différent jours pour montrer comment cela change dans différentes conditions d'éclairage. Quel que soit le sujet, ses peintures sont constituées de centaines de petits coups de pinceau placés les uns à côté des autres, souvent dans des couleurs contrastées. À distance, les traits se mélangent pour créer l’impression de formes solides. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) a utilisé des techniques impressionnistes pour capturer la célébration de la vie parisienne. Dans sa Danse au Moulin de la Galette, des gens vêtus de vêtements aux couleurs vives se rassemblaient et dansaient joyeusement. Renoir a peint le tableau entier par petits traits. Les points et les traits de peinture créent une texture sur la surface d'un tableau qui lui donne un type particulier. Les foules semblent se dissoudre sous la lumière du soleil et les couleurs chatoyantes.

peinture du 20ème siècle

Un certain nombre d'artistes sont rapidement devenus mécontents de l'impressionnisme. Des artistes comme Paul Cézanne (1839-1906) estimaient que l'impressionnisme ne décrivait pas la solidité des formes dans la nature. Cézanne aimait peindre des natures mortes car elles lui permettaient de se concentrer sur la forme des fruits ou d'autres objets et leur disposition. Les sujets de ses natures mortes semblent solides car il les réduit à de simples formes géométriques. Sa technique consistant à placer côte à côte des éclaboussures de peinture et de courts traits de couleurs riches montre qu'il a beaucoup appris des impressionnistes.

Vincent Van Gogh (1853-90) et Paul Gauguin (1848-1903) répondent au réalisme des impressionnistes. Contrairement aux impressionnistes, qui disaient considérer la nature de manière objective, Van Gogh se souciait peu de l’exactitude. Il déformait souvent les objets pour exprimer ses pensées de manière plus créative. Il a utilisé des principes impressionnistes pour placer des couleurs contrastées les unes à côté des autres. Parfois, il pressait la peinture des tubes directement sur la toile, comme dans « Yellow Corn Field ».

Gauguin n'aimait pas la couleur marbrée des impressionnistes. Il appliquait la couleur avec fluidité sur de grandes zones planes, qu'il séparait les unes des autres par des lignes ou des bords sombres. Les peuples tropicaux colorés ont fourni une grande partie de son sujet.

La méthode de Cézanne pour créer de l'espace à l'aide de formes géométriques simples a été développée par Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) et d'autres. Leur style est devenu connu sous le nom de Cubisme. Les cubistes peignaient les objets comme s'ils pouvaient être vus sous plusieurs angles à la fois, ou comme s'ils avaient été démontés et remontés sur une toile plate. Souvent, les objets se sont révélés différents de tout ce qui existe dans la nature. Parfois, les cubistes découpaient des figures dans du tissu, du carton, du papier peint ou d'autres matériaux et les collaient sur une toile pour réaliser un collage. Les textures étaient également variées en ajoutant du sable ou d'autres substances à la peinture.

Les tendances plus récentes ont consisté à accorder moins d’importance à ce sujet. La composition et la technique de l’image ont commencé à recevoir une plus grande importance.

Peinture- le type d'art le plus courant, dont les œuvres sont créées à l'aide de peintures appliquées sur n'importe quelle surface.

Les œuvres d'art créées par les peintres utilisent le dessin, la couleur, la lumière et l'ombre, l'expressivité des traits, la texture et la composition. Cela permet de reproduire sur plan la richesse colorée du monde, le volume des objets, leur originalité matérielle qualitative, leur profondeur spatiale et leur environnement lumière-air.

La peinture, comme tout art, est une forme de conscience sociale et un reflet artistique et figuratif du monde. Mais, reflétant le monde, l'artiste incarne simultanément dans ses œuvres ses pensées et ses sentiments, ses aspirations, ses idéaux esthétiques, évalue les phénomènes de la vie, expliquant à sa manière leur essence et leur sens, et exprime sa compréhension du monde.

Le monde de la peinture est riche et complexe, ses trésors ont été accumulés par l’humanité au fil de plusieurs millénaires. Les œuvres de peinture les plus anciennes ont été découvertes par des scientifiques sur les parois des grottes dans lesquelles vivaient les peuples primitifs. Les premiers artistes ont représenté des scènes de chasse et des habitudes animales avec une précision et une netteté étonnantes. C'est ainsi qu'est né l'art de la peinture murale, qui présente des caractéristiques caractéristiques de la peinture monumentale.

Peinture monumentale Il existe deux principaux types de peinture monumentale fresque (de la fresque italienne - frais) et mosaïque (de la mosaïque italienne, littéralement dédiée aux muses).

Fresque est une technique de peinture avec des peintures diluées avec de l'eau propre ou de la chaux sur du plâtre frais et humide.

Mosaïque– une image constituée de particules de pierre, de smalt, de carreaux de céramique, de matériaux homogènes ou différents, qui sont fixés dans une couche de sol - chaux ou ciment.

La fresque et la mosaïque sont les principaux types d'art monumental qui, en raison de leur durabilité et de la solidité des couleurs, sont utilisés pour décorer les volumes et les plans architecturaux (peintures murales, abat-jour, panneaux). Parmi les monumentalistes russes, les noms sont bien connus Les AA Deineki, P.D. Korina, A.V. Vasnetsova, B.A. Talberga, D.M. Merperta, B.P. Milyukova et autres.

Peinture sur chevalet(l’image) a un caractère et une signification indépendants. L'étendue et l'exhaustivité de la couverture de la vie réelle se reflètent dans la diversité des types et genres : nature morte, vie quotidienne, historique, genres de bataille, paysage, portrait.

Contrairement à la peinture monumentale, la peinture de chevalet n’est pas reliée au plan du mur et peut être librement exposée. La signification idéologique et artistique des œuvres d'art de chevalet ne change pas. en fonction de l'endroit où ils se trouvent, même si leur sonorité artistique dépend des conditions d'exposition.

En plus des types de peinture ci-dessus, il existe décoratif- des croquis de décors et de costumes de théâtre et de cinéma, - ainsi que miniatures Et iconographie.

Un monument de haute habileté de la peinture russe ancienne du XVe siècle. L'icône de la «Trinité», créée par Andrei Rublev, est à juste titre considérée comme un chef-d'œuvre conservé à l'Association panrusse des musées «Galerie nationale Tretiakov» (ill. 6). Ici, l'idéal moral de l'harmonie de l'esprit avec le monde et la vie s'exprime sous une forme parfaite et la plus élevée pour son époque. L'icône est remplie d'un contenu poétique et philosophique profond. L'image de trois anges s'inscrit dans un cercle, subordonnant toutes les lignes de contour, dont la consistance produit un effet presque musical. Des tons clairs et purs, notamment le bleu bleuet (« chou roulé ») et le vert transparent, se fondent dans une gamme finement coordonnée. Ces couleurs contrastent avec la robe cerise foncée de l'ange du milieu, soulignant le rôle prépondérant de sa figure dans la composition globale.

La beauté de la peinture d'icônes russe, les noms Théophane le Grec, Andrei Rublev, Denys, Prokhor de Gorodets, Daniil Cherny ouverte au monde seulement après le 20e siècle. appris à effacer les icônes anciennes des documents ultérieurs.

Malheureusement, il existe une compréhension simplifiée de l'art, lorsque dans les œuvres on recherche la clarté obligatoire de l'intrigue, la reconnaissance de ce que l'artiste a représenté, du point de vue du « similaire » ou du « différent ». En même temps, ils oublient : dans tous les types d'art, on ne peut pas trouver une ressemblance directe entre ce qui est représenté sur la toile et l'image d'une vie concrète familière. Avec cette approche, il est difficile d'évaluer les mérites de la peinture d'Andrei Rublev. Sans parler des formes de créativité « non visuelles » comme la musique, l'architecture, les arts appliqués et décoratifs.

La peinture, comme toutes les autres formes d'art, possède un langage artistique particulier à travers lequel l'artiste transmet ses idées et ses sentiments qui reflètent la réalité. En peinture, « l'image grandeur nature de la réalité est réalisée à travers l'image artistique, la ligne et la couleur. Malgré toute sa perfection technique, la peinture n'est pas encore une œuvre d'art si elle n'évoque pas l'empathie et les émotions chez le spectateur.

Avec une exécution absolument précise, l'artiste est privé de la possibilité de montrer son attitude envers ce qui est représenté si son objectif est de ne transmettre que des similitudes !

Pour les maîtres célèbres, l'image ne traduit jamais complètement et fidèlement la réalité, mais la reflète seulement d'un certain point de vue. L'artiste identifie avant tout ce qu'il considère consciemment ou intuitivement comme particulièrement important, l'essentiel dans ce cas. Le résultat d'une telle attitude active envers la réalité ne sera pas seulement une image précise, mais image artistique de la réalité, dans lequel l'auteur, résumant des détails individuels, souligne la caractéristique la plus importante. Ainsi, la vision du monde et la position esthétique de l’artiste se manifestent dans l’œuvre.

Nature morte- l'un des genres indépendants de la peinture. La particularité du genre réside dans ses grandes possibilités visuelles. Grâce à l'essence matérielle d'objets spécifiques, un véritable artiste peut refléter sous forme figurative les aspects essentiels de la vie, les goûts et la morale, le statut social des personnes, des événements historiques importants et parfois une époque entière. Grâce à la sélection ciblée d'objets d'image et à leur interprétation, il exprime son attitude face à la réalité, révèle ses pensées et ses sentiments.

A titre de comparaison, prenons une nature morte peinte par un peintre soviétique hors du commun. MS. Sarian(1880-1972), « Fleurs d'Erevan » (ill. 7). Le maître a exprimé son attitude envers les fleurs dans les mots qui sont devenus l'épigraphe de la monographie de ses œuvres créatives : « Quoi de plus beau que des fleurs qui décorent la vie d'une personne ? ...Quand on voit des fleurs, on est immédiatement infecté par une humeur joyeuse... La pureté des couleurs, la transparence et la profondeur que l'on voit dans les fleurs ne peuvent être vues que dans le plumage des oiseaux et des fruits »1.

« Derrière l'apparente facilité et la spontanéité de la peinture se cache une grande culture picturale et la vaste expérience d'un artiste de grand talent, sa capacité, comme d'un seul souffle, à peindre un grand tableau (96x103 cm), en ignorant délibérément les détails typiques. de la manière créative du peintre, s'efforçant de transmettre l'essentiel - la richesse illimitée des couleurs de la nature de notre Arménie natale.

Genre quotidien, ou simplement « genre » (de mot français genre - genre, type) est le type de peinture de chevalet le plus courant, dans lequel l'artiste se tourne vers la représentation de la vie dans ses manifestations quotidiennes.

Dans les beaux-arts russes, le genre quotidien a pris une position dominante au XIXe siècle, lorsque 154 représentants exceptionnels du mouvement démocratique en peinture ont contribué à son développement : CV. Perov (1833-1882), K.A. Savitski (1844-1905), N.A. Yaroshenko (1846 -1896), V.E. Makovsky (1846-1920), c'est-à-dire Répine (1844-1930).

Le succès créatif incontestable des A.A. Plastova (1893-1972) Le tableau « Printemps » est considéré comme dans lequel l'artiste a exprimé un sentiment d'admiration chaste et subtil pour la maternité. La silhouette d’une mère attachant un foulard sur la tête de son enfant est superbe sur fond de légère neige printanière. L'artiste a consacré de nombreuses peintures de genre aux situations simples de la vie de ses concitoyens du village.

Genre historique formé dans l'art russe dans la seconde moitié du XIXe siècle. Il a aidé les principaux artistes russes à prêter une attention particulière au passé de leur patrie et aux problèmes aigus de la réalité d'alors. La peinture historique russe a atteint son apogée dans les années 80-90 du siècle dernier en termes de créativité C'EST À DIRE. Répina, V.I. Surikova, V.M. Vasnetsova, K.P. Brioullov. Artiste russe célèbre P.D. Corinne (1892-1967) créé un triptyque (une composition de trois tableaux distincts reliés thème commun) "Alexandre Nevski". L'œuvre a été créée pendant les temps difficiles du Grand Guerre patriotique(1942-1943). Pendant les années difficiles de la guerre, l'artiste s'est tourné vers l'image du grand guerrier de la Rus antique, montrant son lien indissoluble avec le peuple, avec la terre russe elle-même. Le triptyque de Korin est devenu l'un des documents les plus marquants de la période héroïque de notre histoire, exprimant la foi de l'artiste dans le courage et la résilience du peuple soumis à de dures épreuves.

Genre de bataille(du français bataille - bataille) est considéré comme un type de genre historique. Les œuvres remarquables de ce genre comprennent des peintures Les AA Deineki"Défense de Petrograd" (1928), "Défense de Sébastopol" (1942) et "Downdown Ace" (1943).

Paysage souvent utilisé comme un ajout important aux peintures historiques et de bataille quotidiennes, mais peut également agir comme un genre indépendant. Les œuvres de peinture de paysage nous sont proches et compréhensibles, même si le personnage sur la toile est souvent absent.

Les images de la nature excitent tout le monde, leur donnant des humeurs, des expériences et des pensées similaires. Qui d’entre nous n’est pas proche des paysages des peintres russes : « Les tours sont arrivées » A.K. Savrasova, "Décongeler" F. Vassilieva,"Seigle" I.I. Chichkina,"Nuit sur le Dniepr" I.A. Kouindji,"Cour de Moscou" VD. Polenova et "Sur la paix éternelle" I.I. Lévitan. Nous commençons involontairement à regarder le monde à travers les yeux d'artistes qui ont révélé la beauté poétique de la nature.

Les paysagistes ont vu et transmis la nature chacun à leur manière. Ils avaient leurs propres motifs favoris. I.K. Aivazovsky (1817-1900), représentant différents états de la mer, des navires et des personnes aux prises avec les éléments. Ses toiles se caractérisent par une subtile gradation de clair-obscur, d'effets de lumière, d'exaltation émotionnelle et une tendance à l'héroïsme et au pathétique.

Œuvres remarquables dans ce genre des peintres paysagistes soviétiques : NE. Guérasimova (1885-1964), auteur de tableaux tels que « Winter » (1939) et « The Ice Gone » (1945),

N.P. Krymova(1884-1958), créateur des tableaux « Automne » (1918), « Gray Day » (1923), « Noon » (1930), « Before Dusk » (1935) et autres, aquarelles A.P. Ostroumova-Lebedeva(1871-1955) - « Pavlovsk » (1921), « Petrograd. Champ de Mars" (1922), peintures SUIS. Gritsaya (né en 1917)« Jardin d'été » (1955), « Après-midi » (1964), « Mai. Chaleur printanière" (1970), etc.

Portrait(du portraire français - représenter) - une image, une image d'une personne ou d'un groupe de personnes qui existent ou ont existé dans la réalité.

L'un des critères les plus importants peinture de portrait est la similitude de l'image avec le modèle (original). Différentes solutions de composition dans un portrait sont possibles (buste, taille, pied, groupe). Mais malgré toute la variété des solutions et des manières créatives, la principale qualité du portrait n'est pas seulement la transmission d'une ressemblance extérieure, mais aussi la révélation de l'essence spirituelle de la personne représentée, de sa profession et de son statut social.

Dans l'art russe, le portrait a commencé sa brillante histoire au début du XVIIIe siècle. F.S. Rokotov (1735-1808), D.G. Levitski (1735-1822), V.A. Borovikovski (1757-1825)à la fin du XVIIIe siècle. atteint le niveau des plus hautes réalisations de l'art mondial.

Au début du 19ème siècle. Artistes russes VIRGINIE. Tropinine (1776-1857) Et O.A. Kiprenski (1782-1836) a créé des portraits largement connus d'A.S. Pouchkine.

Les traditions du portrait pictural russe ont été perpétuées par les artistes itinérants : V.G. Perov (1833/34-1882), N.N. Ge (1831 - 1894), I.N. Kramskoï (1837-1887), c'est-à-dire Répine (1844-1930) et etc.

Un brillant exemple de résolution de compositions pour des portraits de personnalités éminentes de la science et de l'art est une série de toiles créées par l'artiste. M.V. Nesterov (1877-1942). Le maître semblait trouver ses héros au moment le plus intense de leur pensée créatrice et concentrée, de leur recherche spirituelle (ill. 13). C'est ainsi qu'ont été conçus les portraits de célèbres sculpteurs soviétiques IDENTIFIANT. Shadra (1934) et V.I. Moukhina (1940), académicien I.P. Pavlova (1935) et un éminent chirurgien S.S. Youdina (1935).

La peinture est un type d'art qui consiste à créer des images, peintures, reflétant la réalité de la manière la plus complète et la plus réaliste.

Une œuvre d'art réalisée avec des peintures (huile, détrempe, aquarelle, gouache, etc.) appliquées sur n'importe quel surface dure, s’appelle la peinture. Le principal moyen d'expression de la peinture est la couleur, sa capacité à évoquer divers sentiments et associations renforce l'émotivité de l'image. L'artiste dessine généralement la couleur requise pour peindre sur une palette, puis transforme la peinture en couleur sur le plan de peinture, créant ainsi un ordre de couleurs - la coloration. Selon la nature des combinaisons de couleurs, elle peut être chaude et froide, joyeuse et triste, calme et tendue, claire et sombre.

Les images du tableau sont très visuelles et convaincantes. La peinture est capable de transmettre le volume et l'espace, la nature et de révéler monde complexe les sentiments et les personnages humains incarnent des idées humaines universelles, des événements du passé historique, des images mythologiques et des envolées de fantaisie.

Contrairement à la peinture en tant que type d'art indépendant, l'approche (méthode) picturale peut être utilisée dans ses autres types : en dessin, en graphisme et même en sculpture. L’essence de l’approche picturale réside dans la représentation d’un objet en relation avec l’environnement spatial lumière-air qui l’entoure, dans une subtile gradation de transitions tonales.

La variété des objets et des événements du monde environnant, proche

l'intérêt des artistes pour eux a conduit à l'émergence au XVIIe -

XX siècles genres de peinture : portrait, nature morte, paysage, animalier, quotidien (peinture de genre), genres mythologiques, historiques, de combat. Dans les œuvres d’art, il peut y avoir une combinaison de genres ou de leurs éléments. Par exemple, une nature morte ou un paysage peut compléter avec succès une image de portrait.

Par méthodes techniques et les matériaux utilisés, la peinture peut être divisée selon les types suivants : huile, détrempe, cire (encaustique), émail, colle, peintures à l'eau sur plâtre humide (fresque), etc. Dans certains cas, il est difficile de séparer la peinture du graphisme. . Les œuvres réalisées à l'aquarelle, à la gouache et au pastel peuvent concerner à la fois la peinture et le graphisme.

La peinture peut être monocouche, réalisée immédiatement, ou multicouche, y compris la sous-couche et le vitrage, des couches de peinture transparentes et translucides appliquées sur la couche de peinture séchée. Cela permet d'obtenir les nuances et nuances de couleurs les plus fines.

Par des moyens importants expression artistique en peinture il y a, en plus de la couleur (couleur), la tache et le caractère du trait, le traitement de la surface de la peinture (texture), des valeurs montrant de subtils changements de ton en fonction de l'éclairage, des réflexes qui apparaissent de l'interaction de couleurs adjacentes.

La construction du volume et de l'espace dans la peinture est associée à une perspective linéaire et aérienne, aux propriétés spatiales des couleurs chaudes et froides, à la modélisation de la forme par la lumière et l'ombre et au transfert de la tonalité de couleur globale de la toile. Pour créer une image, en plus de la couleur, vous avez besoin bon dessin et composition expressive. En règle générale, l'artiste commence à travailler sur la toile en recherchant la solution la plus réussie dans les croquis. Puis, dans de nombreuses esquisses pittoresques d'après nature, il

élabore les éléments nécessaires de la composition. Le travail sur un tableau peut commencer par dessiner la composition avec un pinceau, appliquer une sous-couche et

peindre directement la toile avec l'un ou l'autre moyen pictural. De plus, même les croquis et croquis préparatoires ont parfois une signification artistique indépendante, surtout s'ils appartiennent au pinceau. peintre célèbre. La peinture est un art très ancien, qui a connu une évolution au fil des siècles, depuis les peintures rupestres du Paléolithique jusqu'aux dernières tendances picturales du XXe siècle. La peinture offre un large éventail de possibilités pour réaliser des idées allant du réalisme à l'abstraction. D’énormes trésors spirituels ont été accumulés au cours de son développement. DANS les temps anciens un désir est né de reproduire le monde réel tel qu'une personne le voit. Cela a provoqué l'émergence des principes du clair-obscur, des éléments de perspective et l'émergence d'images picturales volumétriques-spatiales. De nouvelles possibilités thématiques se sont ouvertes pour représenter la réalité par des moyens picturaux. La peinture servait à décorer les temples, les habitations, les tombeaux et autres structures et était en unité artistique avec l'architecture et la sculpture.

Peinture médiévale avait un contenu majoritairement religieux. Il se distinguait par l'expression de couleurs sonores, principalement locales, et l'expressivité des contours.

Le fond des fresques et des peintures était généralement conventionnel, abstrait ou doré, incarnant l'idée divine dans son mystérieux scintillement. Le symbolisme des couleurs a joué un rôle important.

A la Renaissance, le sentiment de l'harmonie de l'univers, l'anthropocentrisme (l'homme au centre de l'univers) se reflète dans des compositions picturales sur des thèmes religieux et mythologiques, dans des portraits, des scènes quotidiennes et historiques. Le rôle de la peinture s'est accru, développant un système scientifiquement fondé de perspective linéaire et aérienne, le clair-obscur.

La peinture abstraite est apparue, qui a marqué l'abandon de la figuration et l'expression active de l'attitude personnelle de l'artiste envers le monde, l'émotivité et la conventionnalité de la couleur, l'exagération et la géométrisation.

formes, caractère décoratif et associativité des solutions de composition.

Au 20ème siècle la recherche se poursuit de nouvelles peintures et moyens techniques de création peintures, ce qui conduira sans aucun doute à l'émergence de nouveaux styles en peinture, mais peinture à l'huile reste toujours l’une des techniques préférées des artistes.