La magie du réalisme hollandais. Photos de l'exposition. Artiste de galerie néerlandais. Peinture hollandaise Artiste de galerie Pays-Bas à

27.09.2019

Initialement, les œuvres ont été réalisées selon la technique de l'aquarelle. Plus tard, de l'acrylique a été ajouté. Les dernières séries d'œuvres sont majoritairement acryliques. Avec l'acrylique, l'artiste commence à peindre des tableaux chaleureux, et parfois même brûlants. Certaines œuvres semblent avoir été écrites en médias mixtes. Et aquarelle, acrylique et pastel V. Heijenraets est un artiste impressionniste. Les œuvres de Willem sont imprégnées d'air, de couleur, de tendresse, de légèreté, entourées d'une ambiance aquarelle particulière de détente, de paix et de liberté...site web...

Willem Haenraets

né en octobre 1940 à Rotterdam

À l'âge de 16 ans, il entre à l'Académie des Beaux-Arts d'Anvers. Les enseignants de l'académie ont rapidement remarqué son talent évident jeune talent et a contribué de toutes les manières possibles à sa croissance créative. Quatre ans plus tard, dès son entrée à l'académie, Willem Haenraets commença à recevoir une bourse d'État du gouvernement belge et put poursuivre ses études à l'Institut national des Beaux-Arts d'Anvers. Là, il y eut bientôt son propre atelier. Willem Haenraets a étudié avec les éminents professeurs Sarina et Vaarten. Les artisans expérimentés étaient heureux qu’un digne remplaçant grandisse et contribuèrent de toutes les manières possibles à la promotion de William. Ils y voient une continuation des traditions de l'école belgo-néerlandaise. Au cours de ces mêmes années, la première exposition du jeune artiste a lieu. Avec l'argent récolté, il s'est acheté un scooter, qu'il a ensuite parcouru dans de nombreux endroits pittoresques de la région, notamment dans la zone portuaire d'Anvers. Il y rencontre l'un des riches armateurs, avec l'aide duquel Willem commence à peindre de nombreux portraits sur commande. À la mort du client, William part pour Paris pendant plusieurs mois. Sur la place de Tétre, il peint des portraits du matin au soir et parvient finalement à s'acheter une maison dans la ville de Bergen (en Hollande). Plus tard, il s'y installa avec sa première épouse Hannah. C'était l'époque où un grand nombre de tableaux étaient peints et vendus dans les salons d'art et les galeries. Bientôt, un grand malheur se produisit : Hannah mourut dans un accident, laissant son mari seul avec un enfant de six semaines. , la vie de William a perdu l'ordre. Mais finalement, il décide de retourner dans son Herpen natal, où il s'installe dans le petit château Kasteel Terworm, se plongeant dans le travail. Il vend ses œuvres en Hollande et en Allemagne.

À la fin des années 70, l'artiste retrouve sa seconde épouse, qui a déjà une petite fille. Plus tard, ils eurent un fils. Durant cette période, William commença à publier ses œuvres. Cela a fait une grande différence dans sa vie financièrement et en termes de participation à des foires et expositions d’art. Il y avait régulièrement des invitations à des expositions aux États-Unis et en Angleterre. Ses originaux ont été exposés dans une galerie de Beverly Hills et des lithographies de son travail ont été présentées lors d'expositions. En conséquence, les activités d’exposition ont valu au peintre une renommée mondiale. L'exposition à Nagoya (au Japon) a été un énorme succès. Les Japonais aimaient beaucoup le style de l'artiste, ses couleurs douces, son ambiance romantique. Durant cette période, l'artiste se rapproche du propriétaire de la galerie de la Stokstraat à Maastricht. Ensemble, ils organisent de magnifiques expositions à la Galerie Renoir tous les deux ans. Cependant, en raison de la maladie du galeriste, cette collaboration a pris fin.

années 2000

Durant ces années, Willem Haenraets achète une maison en Espagne, dans la commune de Hondon de las Nieves. L'administration lui a demandé de présenter ses peintures à la Maison de la Culture de la ville. L'artiste qualifie cet événement de très agréable.

William travaille actuellement avec une maison d'édition qui représente son travail dans le monde entier sous forme d'affiches et de lithographies de haute qualité. L'artiste vend des originaux lui-même et par l'intermédiaire de galeries.

En 2009, Willem Haenraets a été invité par le comité de la Biennale Internazionale Della Arte contemporanea à participer à cette célèbre exposition. L'artiste lui-même considère cette participation comme sa grande réussite.

L’âge d’or de la peinture hollandaise est l’une des époques les plus marquantes de l’histoire de la peinture mondiale. L'âge d'or de la peinture hollandaise est considéré 17ème siècle. C'est à cette époque que les artistes et peintres les plus talentueux créent leurs œuvres immortelles. Leurs peintures sont toujours considérées comme des chefs-d'œuvre inégalés, conservés dans musées célèbres monde et sont considérés comme un atout inestimable pour l’humanité.

D'abord 17ème siècle En Hollande, un art plutôt primitif était encore florissant, justifié par les goûts et préférences banals des personnes riches et puissantes. À la suite de changements politiques, géopolitiques et religieux, l’art néerlandais a radicalement changé. Si auparavant les artistes essayaient de plaire aux bourgeois hollandais, en décrivant leur vie et leur mode de vie, dépourvus de toute noblesse et langage poétique, et travaille également pour l'Église, qui commande à des artistes de travailler dans un genre plutôt primitif avec des sujets anciens, le début du XVIIe siècle constitue une véritable avancée. En Hollande, régnait la domination des protestants, qui cessèrent pratiquement de commander des peintures sur des thèmes religieux aux artistes. La Hollande devient indépendante de l'Espagne et s'affirme sur le podium historique. Les artistes sont passés de thèmes auparavant familiers à la représentation de scènes de tous les jours, de portraits, de paysages, de natures mortes, etc. Ici, dans un domaine nouveau, les artistes de l'âge d'or semblaient avoir un nouveau souffle et de véritables génies de l'art commençaient à apparaître dans le monde.

Les artistes hollandais du XVIIe siècle ont introduit le réalisme dans la peinture. D'une composition étonnante, d'un réalisme, d'une profondeur et d'un caractère inhabituel, les peintures commencent à connaître un énorme succès. La demande de peintures a fortement augmenté. En conséquence, de plus en plus de nouveaux artistes ont commencé à apparaître, qui, à un rythme incroyablement rapide, ont développé les principes fondamentaux de la peinture, développé de nouvelles techniques, styles et genres. Certains des artistes les plus célèbres de l'âge d'or étaient : Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel l'Ancien, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck et bien d'autres.

Peintures de peintres hollandais

Cornelis de Man - Manufacture d'huile de baleine

Cornelis Trost - S'amuser dans le parc

Ludolf Backhuizen - Quai de campagne des Indes orientales à Amsterdam

Pieter Bruegel l'Ancien - La catastrophe de l'alchimiste

Rembrandt - Andries de Graef

Les premières années du XVIIe siècle sont considérées comme la naissance de l’école hollandaise. Cette école appartient aux grandes écoles de peinture et est une école indépendante et indépendante aux caractéristiques et à l'identité uniques et inimitables.

Cela a une explication largement historique : un nouveau mouvement artistique et un nouvel état sur la carte de l’Europe sont apparus simultanément.

Jusqu'au XVIIe siècle, la Hollande ne se distinguait pas par l'abondance d'artistes nationaux. C'est peut-être pour cela qu'à l'avenir, dans ce pays, on pourra compter un si grand nombre d'artistes, et en particulier des artistes néerlandais. Alors que ce pays formait un seul État avec la Flandre, c'est principalement en Flandre que des mouvements artistiques originaux ont été intensément créés et développés. Les peintres remarquables Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, dont on ne trouvait pas d'équivalents en Hollande, ont travaillé en Flandre. Seuls des éclats isolés de génie en peinture peuvent être notés au début du XVIe siècle : il s'agit de l'artiste et graveur Luc de Leyde, adepte de l'école de Bruges. Mais Luc de Leyde n’a créé aucune école. On peut en dire autant du peintre Dirk Bouts de Haarlem, dont les créations ne se démarquent guère dans le contexte du style et de la manière des origines de l'école flamande, des artistes Mostart, Skorel et Heemskerke, qui, malgré toute leur importance, ne sont pas des talents individuels qui les caractérisent par leur originalité pays.

Ensuite, l'influence italienne s'est étendue à tous ceux qui créaient avec le pinceau - d'Anvers à Haarlem. C’est l’une des raisons pour lesquelles les frontières sont devenues floues, les écoles étaient mixtes et les artistes ont perdu leur identité nationale. Pas même un seul élève de Jan Skorel n'a survécu. Le dernier, le plus célèbre, le plus grand portraitiste, qui, avec Rembrandt, fait la fierté de la Hollande, un artiste doué d'un talent puissant, d'une excellente éducation, de style varié, courageux et flexible de nature, un cosmopolite qui a tout perdu des traces de son origine et même de son nom - Antonis Moreau, (il était le peintre officiel du roi d'Espagne) est décédé après 1588.

Les peintres survivants cessèrent presque d'être néerlandais dans l'esprit de leur œuvre ; il leur manquait l'organisation et la capacité de renouveler l'école nationale. C'étaient des représentants du maniérisme hollandais : le graveur Hendrik Goltzius, Cornelis de Haarlem, qui imitait Michel-Ange, Abraham Bloemaert, adepte du Corrège, Michiel Mierevelt, bon portraitiste, habile, précis, laconique, un peu froid, moderne pour son époque. , mais pas national. Il est intéressant de noter que lui seul n'a pas succombé à l'influence italienne, qui a subjugué la plupart des manifestations de la peinture hollandaise de cette époque.

À la fin du XVIe siècle, alors que les portraitistes avaient déjà créé une école, d’autres artistes commencèrent à apparaître et à se former. Dans la seconde moitié du XVIe siècle, grand nombre peintres devenus un phénomène de la peinture, c'est presque le réveil de l'école nationale néerlandaise. La grande variété de talents conduit à de nombreuses directions et voies différentes pour le développement de la peinture. Les artistes s'expérimentent dans tous les genres, dans différentes combinaisons de couleurs : certains travaillent de manière claire, d'autres de manière sombre (l'influence de l'artiste italien Caravaggio s'y fait sentir). Les peintres privilégient les couleurs claires et les coloristes les couleurs sombres. La recherche d'une manière picturale commence et des règles de représentation du clair-obscur sont élaborées. La palette devient plus détendue et libre, tout comme les lignes et la plasticité de l'image. Les prédécesseurs directs de Rembrandt apparaissent - ses professeurs Jan Pace et Peter Lastman. Les méthodes de genre deviennent également plus libres - l'historicité n'est plus aussi obligatoire qu'avant. Un genre particulier, profondément national et presque historique, se crée : les portraits de groupe destinés aux lieux publics - mairies, entreprises, ateliers et communautés. Avec cet événement, de la forme la plus parfaite, se termine le XVIe siècle et commence le XVIIe siècle.

Ce n’est qu’un début, l’embryon de l’école elle-même n’existe pas encore. Il existe de nombreux artistes talentueux. Parmi eux se trouvent des artisans qualifiés, plusieurs grands peintres. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder et enfin Esayas van de Velde et van Goyen - tous sont nés à la fin du XVIe siècle. Cette liste comprend également des artistes dont les noms ont été préservés par l'histoire, ceux qui ne représentaient que des tentatives individuelles pour atteindre la maîtrise et ceux qui sont devenus professeurs et prédécesseurs des futurs maîtres.

Ce fut un moment critique dans le développement de la peinture hollandaise. Avec un équilibre politique instable, tout ne dépendait que du hasard. En Flandre, où un réveil similaire a été observé, au contraire, il existait déjà un sentiment de confiance et de stabilité qui n'existait pas encore en Hollande. En Flandre, il y avait déjà des artistes qui s'étaient formés ou qui en étaient proches. Les conditions politiques et socio-historiques de ce pays étaient plus favorables. Il y avait un gouvernement, des traditions et une société plus flexibles et plus tolérants. Le besoin de luxe a fait naître un besoin persistant d’art. En général, il y avait de sérieuses raisons pour que la Flandre devienne pour la deuxième fois un grand centre d'art. Pour cela, il ne manquait que deux choses : plusieurs années de paix et un maître qui serait le créateur de l'école.

En 1609, alors que se décide le sort de la Hollande - Philippe III conclut une trêve entre l'Espagne et les Pays-Bas - Rubens apparaît.

Tout dépendait du hasard politique ou militaire. Vaincue et subjuguée, la Hollande devrait perdre complètement son indépendance. Bien sûr, il ne pouvait pas y avoir deux écoles indépendantes – en Hollande et en Flandre. Dans un pays dépendant de l'influence italo-flamande, une telle école et des artistes talentueux et originaux ne pourraient pas se développer.

Pour que le peuple néerlandais naisse et que l’art hollandais voie le jour avec lui, il fallait une révolution profonde et victorieuse. Il était particulièrement important que la révolution soit basée sur la justice, la raison, la nécessité, que le peuple mérite ce qu'il voulait réaliser, qu'il soit décisif, convaincu qu'il a raison, qu'il travaille dur, qu'il est patient, retenu, héroïque et sage. Toutes ces caractéristiques historiques se sont ensuite reflétées lors de la formation de l’école de peinture hollandaise.

La situation s'est avérée telle que la guerre n'a pas ruiné les Néerlandais, mais les a enrichis ; la lutte pour l'indépendance n'a pas épuisé leurs forces, mais les a renforcés et inspirés. Dans la victoire sur les envahisseurs, le peuple a fait preuve du même courage que dans la lutte contre les éléments, contre la mer, contre l'inondation des terres, contre le climat. Ce qui était censé détruire le peuple leur a bien servi. Les traités signés avec l'Espagne ont donné la liberté à la Hollande et renforcé sa position. Tout cela a conduit à la création de leur propre art, qui glorifiait, spiritualisait et exprimait l'essence intérieure du peuple néerlandais.

Après le traité de 1609 et la reconnaissance officielle des Provinces-Unies, l'accalmie est immédiate. Comme si une brise bienfaisante et chaude touchait âmes humaines, a ravivé le sol, trouvé et réveillé des pousses prêtes à fleurir. Il est étonnant de constater à quel point de manière inattendue et en peu de temps - pas plus de trente ans - dans un petit espace, sur un sol désertique ingrat, dans des conditions de vie difficiles, une merveilleuse galaxie de peintres, et en plus de grands peintres, est apparue.

Ils sont apparus immédiatement et partout : à Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, même à l'étranger - comme s'ils provenaient de graines tombées hors des champs. Les premiers sont Jan van Goyen et Wijnants, nés au tournant du siècle. Et plus loin, entre le début du siècle et la fin de son premier tiers - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.

Mais la créativité ne s’est pas arrêtée là. Ensuite naquit Pieter de Hooch, Hobbema. Les derniers grands, van der Heyden et Adrian van de Velde, sont nés en 1636 et 1637. A cette époque, Rembrandt avait trente ans. C'est approximativement ces années qui peuvent être considérées comme l'époque de la première floraison de l'école hollandaise.

Compte tenu des événements historiques de cette époque, on peut imaginer quels devraient être les aspirations, le caractère et le destin de la nouvelle école de peinture. Que pourraient écrire ces artistes dans un pays comme la Hollande ?

La révolution, qui a donné au peuple néerlandais liberté et richesse, l'a en même temps privé de ce qui constitue partout la base vitale des grandes écoles. Elle a changé les croyances, changé les habitudes, aboli les images de scènes antiques et évangéliques et arrêté la création de grandes œuvres - peintures d'église et décoratives. En fait, chaque artiste avait une alternative : être original ou ne pas l’être du tout.

Il était nécessaire de créer un art pour une nation de bourgeois qui les séduirait, les représenterait et serait pertinent pour eux. C'étaient des gens d'affaires pratiques, peu enclins à la rêverie, avec des traditions brisées et des sentiments anti-italiens. On peut dire que les Néerlandais avaient une tâche simple et audacieuse : créer leur propre portrait.

La peinture hollandaise était et ne pouvait être qu'une expression de l'apparence extérieure, un portrait fidèle, précis et similaire de la Hollande. C'était un portrait des gens et du terrain, des coutumes bourgeoises, des places, des rues, des champs, de la mer et du ciel. Les principaux éléments de l'école hollandaise étaient les portraits, les paysages et les scènes de la vie quotidienne. Tel fut ce tableau depuis le début de son existence jusqu’à son déclin.

Il peut sembler que rien de plus simple que la découverte de cet art commun. En fait, il est impossible d’imaginer quelque chose d’égal en ampleur et en nouveauté.

Immédiatement, tout change dans la manière de comprendre, de voir et de transmettre : point de vue, idéal artistique, choix de la nature, du style et de la méthode. La peinture italienne et flamande à son meilleur nous est encore compréhensible, car elle est toujours appréciée, mais ce sont des langues déjà mortes et plus personne ne les utilisera.

À une époque, il y avait une habitude de penser haut et généralement ; il existait un art qui consistait en une sélection habile d'objets. Dans leur décoration, correction. Il aimait montrer la nature telle qu'elle n'existe pas dans la réalité. Tout ce qui était représenté correspondait plus ou moins à la personnalité de la personne, en dépendait et lui ressemblait. En conséquence, un art est apparu dans lequel l'homme est au centre, et toutes les autres images de l'univers étaient soit incarnées dans des formes humaines, soit vaguement affichées comme un environnement secondaire de l'homme. La créativité s'est développée selon certains modèles. Chaque objet devait emprunter sa forme plastique au même idéal. L'homme devait être représenté plus souvent nu que habillé, bien bâti et beau, afin qu'il puisse jouer avec la grandeur qui lui convient le rôle qui lui était assigné.

Aujourd’hui, la tâche de peindre est devenue plus simple. Il fallait donner à chaque chose ou phénomène son vrai sens, remettre une personne à sa place et, si nécessaire, s'en passer complètement.

Il est temps de penser moins, de regarder de près ce qui est le plus proche, de mieux observer et d'écrire autrement. Or, c'est la peinture de la foule, du citoyen, de l'ouvrier. Il fallait devenir modeste pour tout modeste, petit pour les petits, discret pour les discrets, tout accepter sans rien rejeter ni mépriser, pénétrer dans la vie cachée des choses, se confondre amoureusement avec leur existence, il fallait devenir attentif , curieux et patient. Le génie consiste désormais à ne plus avoir de préjugés. Il n’est pas nécessaire d’embellir, d’ennoblir ou de dénoncer quoi que ce soit : tout cela est un mensonge et un travail inutile.

Les peintres hollandais, créant dans certains coins du nord du pays avec de l'eau, des forêts et des horizons marins, ont pu refléter l'univers entier en miniature. Un petit pays, soigneusement exploré selon les goûts et les instincts de l'observateur, se transforme en un trésor inépuisable, aussi abondant que la vie elle-même, aussi riche en sensations que le cœur humain en est riche. L'école néerlandaise grandit et fonctionne ainsi depuis un siècle.

Les peintres hollandais ont trouvé des sujets et des couleurs pour satisfaire toutes les inclinations et affections humaines, pour les natures rudes et délicates, ardentes et mélancoliques, rêveuses et joyeuses. Les journées nuageuses cèdent la place à de joyeuses journées ensoleillées, la mer est tantôt calme et scintillante d'argent, tantôt orageuse et sombre. Il y a de nombreux pâturages avec des fermes et de nombreux navires bondés le long de la côte. Et vous pouvez presque toujours sentir le mouvement de l'air sur les espaces ouverts et vents forts de la mer du Nord, qui amoncellent les nuages, courbent les arbres, font tourner les ailes des moulins et chassent la lumière et les ombres. A cela s'ajoutent les villes, la vie des foyers et des rues, les festivités des foires, les représentations de diverses mœurs, le besoin des pauvres, les horreurs de l'hiver, l'oisiveté dans les tavernes avec leur fumée de tabac et leurs chopes de bière. D'autre part - un style de vie riche, un travail consciencieux, des cavalcades, un repos l'après-midi, une chasse. En plus - la vie publique, les cérémonies civiles, les banquets. Le résultat était un art nouveau, mais avec des sujets aussi vieux que le temps.

Ainsi naquit une unité harmonieuse de l'esprit de l'école et la diversité la plus étonnante qui ait jamais surgi au sein d'un même mouvement artistique.

En général, l’école hollandaise est appelée école de genre. Si l'on le décompose en ses éléments constitutifs, on y distingue alors les peintres paysagistes, les maîtres des portraits de groupe, les peintres de marines, les peintres animaliers, les artistes qui ont peint des portraits de groupe ou des natures mortes. Si vous regardez plus en détail, vous pouvez distinguer de nombreuses variétés de genres - des amateurs de pittoresque aux idéologues, des copistes de la nature à ses interprètes, des casaniers conservateurs aux voyageurs, de ceux qui aiment et ressentent l'humour aux artistes qui évitent la comédie. Rappelons-nous les peintures de l'humour d'Ostade et du sérieux de Ruisdael, de la sérénité de Potter et de la moquerie de Jan Steen, de l'esprit de Van de Velde et de la sombre rêverie du grand Rembrandt.

À l'exception de Rembrandt, qui doit être considéré comme un phénomène exceptionnel, tant pour son pays que pour tous les temps, tous les autres artistes néerlandais se caractérisent par un certain style et une certaine méthode. Les lois de ce style sont la sincérité, l’accessibilité, le naturel et l’expressivité. Si vous enlevez à l'art hollandais ce qu'on peut appeler l'honnêteté, alors vous cesserez d'en comprendre la base vitale et ne pourrez déterminer ni son caractère moral ni son style. Chez ces artistes, qui ont pour la plupart acquis la réputation de copistes myopes, on sent le sublime et le Âme aimable, fidélité à la vérité, amour du réalisme. Tout cela donne à leurs œuvres une valeur que les choses qui y sont représentées ne semblent pas avoir.

Le début de ce style sincère et le premier résultat de cette démarche honnête est un dessin parfait. Parmi peintres hollandais Potter fait preuve de génie dans des mesures précises et vérifiées et dans la capacité de retracer le mouvement de chaque ligne.

En Hollande, le ciel occupe souvent la moitié, voire la totalité, du tableau. Il est donc nécessaire que le ciel sur l’image bouge, nous attire et nous entraîne avec lui. Pour que la différence entre le jour, le soir et la nuit soit ressentie, pour que la chaleur et le froid soient ressentis, pour que le spectateur ait à la fois froid et profite, et ressente le besoin de se concentrer. Bien qu'il soit probablement difficile de qualifier un tel dessin de plus noble de tous, essayez de trouver des artistes dans le monde qui peindraient le ciel, comme Ruisdael et van der Neer, et diraient tant de choses et si brillamment avec leur travail. Partout, les Néerlandais ont le même design - sobre, laconique, précis, naturel et naïf, habile et non artificiel.

La palette hollandaise est tout à fait digne de leur dessin, d'où la parfaite unité de leur méthode de peinture. N'importe quelle peinture hollandaise peut être facilement reconnue par apparence. Il est de petite taille et se distingue par ses couleurs puissantes et strictes. Cela nécessite une grande précision, une main ferme et une profonde concentration de la part de l'artiste afin d'obtenir un effet concentré sur le spectateur. L’artiste doit aller au plus profond de lui-même pour nourrir son idée, le spectateur doit aller au plus profond de lui-même pour comprendre le projet de l’artiste. Ce sont les peintures hollandaises qui donnent l'idée la plus claire de ce processus caché et éternel : ressentir, penser et exprimer. Il n’y a pas d’image plus riche au monde, puisque ce sont les Néerlandais qui incluent autant de contenu dans un si petit espace. C'est pourquoi tout ici prend une forme précise, compressée et condensée.

Chaque peinture hollandaise est concave, elle est constituée de courbes décrites autour d'un seul point, qui est l'incarnation du concept d'image et d'ombres situées autour du point de lumière principal. Une base solide, un plan supérieur et des coins arrondis tendant vers le centre, tout cela est souligné, coloré et éclairé en cercle. En conséquence, le tableau acquiert de la profondeur et les objets qui y sont représentés s’éloignent de l’œil du spectateur. Le spectateur est en quelque sorte conduit du premier plan au dernier plan, du cadre à l'horizon. Nous semblons habiter le tableau, bouger, regarder en profondeur, lever la tête pour mesurer la profondeur du ciel. La rigueur de la perspective aérienne, la parfaite correspondance des couleurs et des nuances avec la place dans l'espace qu'occupe l'objet.

Pour une compréhension plus complète de la peinture hollandaise, il faut examiner en détail les éléments de ce mouvement, les caractéristiques des méthodes, la nature de la palette, et comprendre pourquoi elle est si pauvre, presque monochromatique et si riche en résultats. Mais toutes ces questions, comme bien d’autres, ont toujours fait l’objet de spéculations de la part de nombreux historiens de l’art, mais n’ont jamais été suffisamment étudiées et éclaircies. La description des principales caractéristiques de l'art hollandais permet de distinguer cette école des autres et de retracer ses origines. Une image expressive illustrant cette école est un tableau d'Adriaan van Ostade du musée d'Amsterdam "Artist's Atelier". Ce sujet était l'un des favoris des peintres hollandais. On y voit un homme attentif, légèrement voûté, avec une palette préparée, des pinceaux fins et propres et de l'huile transparente. Il écrit au crépuscule. Son visage est concentré, sa main est prudente. Seulement, peut-être, ces peintres étaient plus audacieux et savaient rire avec plus d'insouciance et profiter de la vie que ce que l'on peut conclure à partir des images survivantes. Sinon, comment leur génie se manifesterait-il dans une atmosphère de traditions professionnelles ?

Les bases de l'école hollandaise ont été posées par van Goyen et Wijnants au début du XVIIe siècle, établissant certaines lois de la peinture. Ces lois ont été transmises des professeurs aux étudiants, et pendant tout un siècle, les peintres hollandais les ont vécues sans s'écarter.

Peinture maniériste hollandaise

Hollande. 17ème siècle Le pays connaît une prospérité sans précédent. Le soi-disant « âge d’or ». À la fin du XVIe siècle, plusieurs provinces du pays accèdent à leur indépendance vis-à-vis de l'Espagne.

Aujourd’hui, les Pays-Bas protestants ont suivi leur propre voie. Et la Flandre catholique (la Belgique actuelle) sous l’aile de l’Espagne est la sienne.

Dans la Hollande indépendante, presque personne n’avait besoin de peinture religieuse. L'Église protestante n'approuvait pas la décoration luxueuse. Mais cette circonstance « a fait le jeu » de la peinture profane.

Littéralement, tous les habitants du nouveau pays se sont réveillés amoureux de ce type d’art. Les Néerlandais voulaient voir leur propre vie dans les peintures. Et les artistes les ont volontiers rencontrés à mi-chemin.

Jamais auparavant la réalité environnante n’a été autant représentée. Des gens ordinaires, des chambres ordinaires et le petit-déjeuner le plus ordinaire d'un citadin.

Le réalisme a prospéré. Jusqu'au XXe siècle, elle sera une digne concurrente de l'académisme avec ses nymphes et déesses grecques.

Ces artistes sont appelés « petits » hollandais. Pourquoi? Les peintures étaient de petite taille, car elles étaient créées pour les petites maisons. Ainsi, presque toutes les peintures de Jan Vermeer ne mesurent pas plus d'un demi-mètre de hauteur.

Mais j'aime mieux l'autre version. Aux Pays-Bas, au XVIIe siècle, vivait et travaillait un grand maître, le « grand » Hollandais. Et tout le monde était « petit » en comparaison avec lui.

Nous parlons bien sûr de Rembrandt. Commençons par lui.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrait à 63 ans. 1669 Galerie nationale de Londres

Rembrandt a vécu toute une gamme d’émotions au cours de sa vie. C'est pourquoi il y a tant de plaisir et de bravade dans ses premiers travaux. Et il y a tellement de sentiments complexes – dans les derniers.

Le voici jeune et insouciant dans le tableau « Le fils prodigue à la taverne ». À genoux se trouve son épouse bien-aimée, Saskia. C'est un artiste populaire. Les commandes affluent.

Rembrandt. Le fils prodigue dans une taverne. 1635 Galerie des Maîtres Anciens, Dresde

Mais tout cela disparaîtra dans une dizaine d’années. Saskia mourra de consomption. La popularité disparaîtra comme de la fumée. Une grande maison avec une collection unique sera confisquée pour dettes.

Mais le même Rembrandt apparaîtra et restera pendant des siècles. Les sentiments bruts des héros. Leurs pensées les plus profondes.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrait. 1650 Musée d'art métropolitain de New York

Frans Hals est l'un des plus grands portraitistes de tous les temps. C’est pourquoi je le classerais également parmi les « grands » Néerlandais.

En Hollande, à cette époque, il était d'usage de commander des portraits de groupe. C'est ainsi que sont apparues de nombreuses œuvres similaires représentant des personnes travaillant ensemble : tireurs d'élite d'une guilde, médecins d'une ville, directeurs d'une maison de retraite.

Dans ce genre, Hals se démarque le plus. Après tout, la plupart de ces portraits ressemblaient à un jeu de cartes. Les gens s’assoient à table avec la même expression faciale et se contentent de regarder. C'était différent pour Hals.

Regardez son portrait de groupe « Flèches de la Guilde de St. George."

Frans Hals. Flèches de la Guilde de St. George. 1627 Musée Frans Hals, Haarlem, Pays-Bas

Ici, vous ne trouverez pas une seule répétition de pose ou d’expression faciale. En même temps, il n’y a pas de chaos ici. Il y a beaucoup de personnages, mais aucun ne semble superflu. Grâce à la disposition étonnamment correcte des chiffres.

Et même dans un seul portrait, Hals était supérieur à de nombreux artistes. Ses motifs sont naturels. Les gens de la haute société dans ses peintures sont dépourvus de grandeur artificielle et les modèles des classes inférieures n'ont pas l'air humiliés.

Et ses personnages sont aussi très émotifs : ils sourient, rient et gesticulent. Comme par exemple ce « Gypsy » au look rusé.

Frans Hals. Gitan. 1625-1630

Hals, comme Rembrandt, a fini sa vie dans la pauvreté. Pour la même raison. Son réalisme allait à l'encontre des goûts de ses clients. Qui voulaient que leur apparence soit embellie. Hals n'a pas accepté la flatterie pure et simple et a ainsi signé sa propre phrase - "Oblivion".

3. Gérard Terborch (1617-1681)

Gérard Terborch. Autoportrait. 1668 Galerie Royale Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas

Terborch était un maître du genre quotidien. Les bourgeois riches et moins riches parlent tranquillement, les dames lisent des lettres et une entremetteuse surveille la cour. Deux ou trois personnages rapprochés.

C'est ce maître qui a développé les canons du genre quotidien. Qui sera ensuite empruntée par Jan Vermeer, Pieter de Hooch et bien d’autres « petits » Néerlandais.

Gérard Terborch. Un verre de limonade. années 1660. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

"Un verre de limonade" est l'une des œuvres célèbres de Terborch. Cela montre un autre avantage de l’artiste. Image incroyablement réaliste du tissu de la robe.

Terborch possède également des œuvres insolites. Ce qui en dit long sur sa volonté d’aller au-delà des exigences des clients.

Son "The Grinder" montre la vie des personnes les plus pauvres aux Pays-Bas. Nous avons l'habitude de voir des cours confortables et des salles blanches dans les peintures des « petits » Hollandais. Mais Terborch a osé montrer la Hollande disgracieuse.

Gérard Terborch. Broyeur. 1653-1655 Musées d'État de Berlin

Comme vous le comprenez, un tel travail n’était pas demandé. Et ils sont rares, même chez les Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Atelier d'artiste. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienne

On ne sait pas avec certitude à quoi ressemblait Jan Vermeer. Il est évident que dans le tableau « L’atelier de l’artiste », il s’est représenté lui-même. La vérité de dos.

Il est donc surprenant qu’un fait nouveau dans la vie du maître soit récemment devenu connu. Il est lié à son chef-d'œuvre « Delft Street ».

Jan Vermeer. Rue de Delft. 1657 Rijksmuseum à Amsterdam

Il s'est avéré que Vermeer a passé son enfance dans cette rue. La maison photographiée appartenait à sa tante. Elle y a élevé ses cinq enfants. Peut-être est-elle assise sur le pas de la porte en train de coudre pendant que ses deux enfants jouent sur le trottoir. Vermeer lui-même vivait dans la maison d'en face.

Mais le plus souvent, il représentait l'intérieur de ces maisons et leurs habitants. Il semblerait que les intrigues des peintures soient très simples. Voici une jolie dame, riche citadine, vérifiant le fonctionnement de sa balance.

Jan Vermeer. Femme avec des écailles. 1662-1663 Galerie nationale d'art, Washington

Pourquoi Vermeer se démarque-t-il parmi des milliers d’autres « petits » Néerlandais ?

C'était un maître inégalé de la lumière. Dans le tableau « Femme aux écailles », la lumière enveloppe doucement le visage de l’héroïne, les tissus et les murs. Donner à l’image une spiritualité méconnue.

Et les compositions des tableaux de Vermeer sont soigneusement vérifiées. Vous ne trouverez pas un seul détail inutile. Il suffit d'en supprimer un, l'image « s'effondrera » et la magie disparaîtra.

Tout cela n’a pas été facile pour Vermeer. Une qualité aussi étonnante nécessitait un travail minutieux. Seulement 2-3 tableaux par an. En conséquence, l'incapacité de nourrir la famille. Vermeer a également travaillé comme marchand d'art, vendant des œuvres d'autres artistes.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Autoportrait. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch est souvent comparé à Vermeer. Ils travaillaient en même temps, il y avait même une période dans la même ville. Et dans un genre - tous les jours. À Hoch, nous voyons également un ou deux personnages dans de confortables cours ou pièces hollandaises.

Les portes et fenêtres ouvertes rendent l'espace de ses peintures superposé et divertissant. Et les personnages s'intègrent très harmonieusement dans cet espace. Comme par exemple dans son tableau « Femme de chambre avec une fille dans la cour ».

Pieter de Hooch. Une femme de chambre avec une fille dans la cour. 1658 Galerie nationale de Londres

Jusqu'au 20ème siècle, Hoch était très apprécié. Mais peu de gens remarquèrent les petites œuvres de son concurrent Vermeer.

Mais au XXe siècle, tout a changé. La gloire de Hoch s'est évanouie. Il est cependant difficile de ne pas reconnaître ses réalisations en peinture. Peu de gens pourraient combiner avec autant de compétence l’environnement et les gens.

Pieter de Hooch. Joueurs de cartes dans une salle ensoleillée. 1658 Collection royale d'art, Londres

Veuillez noter que dans une modeste maison, sur la toile «Joueurs de cartes», il y a un tableau accroché dans un cadre coûteux.

Cela montre une fois de plus à quel point la peinture était populaire parmi les Néerlandais ordinaires. Des peintures décoraient chaque maison : celle d'un riche bourgeois, d'un modeste citadin et même d'un paysan.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoportrait au luth. années 1670 Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen est peut-être le « petit » Néerlandais le plus joyeux. Mais j'aime l'enseignement moral. Il représentait souvent des tavernes ou des maisons pauvres dans lesquelles régnait le vice.

Ses personnages principaux sont des fêtards et des dames de petite vertu. Il voulait divertir le spectateur, mais le mettre en garde de manière latente contre une vie vicieuse.

Jan Steen. C'est le bordel. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vienne

Sten a également des œuvres plus silencieuses. Comme, par exemple, « Toilettes du matin ». Mais là aussi l'artiste surprend le spectateur avec des détails trop révélateurs. Il y a des traces d'élastique de bas, et non un pot de chambre vide. Et d’une manière ou d’une autre, il n’est pas du tout approprié que le chien soit allongé directement sur l’oreiller.

Jan Steen. Toilettes du matin. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Mais malgré toute la frivolité, solutions de couleurs Wall est très professionnel. En cela, il était supérieur à de nombreux « petits Hollandais ». Regardez comme le bas rouge se marie parfaitement avec la veste bleue et le tapis beige vif.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portrait de Ruisdael. Lithographie tirée d'un livre du XIXe siècle.

La peinture hollandaise, aux beaux-arts

Peinture hollandaise, son émergence et sa période initiale se confondent à tel point avec les premières étapes du développement de la peinture flamande que les historiens de l'art les plus récents considèrent les deux pour toute la période jusqu'à la fin du XVIe siècle. indissociablement, sous un nom général d’« école hollandaise ».

Tous deux, descendants du bras rhénan, sont muets. la peinture, dont les principaux représentants sont Guillaume de Cologne et Stefan Lochner, considèrent les frères van Eyck comme leurs fondateurs ; tous deux vont depuis longtemps dans la même direction, sont animés par les mêmes idéaux, poursuivent les mêmes tâches, développent la même technique, de sorte que les artistes hollandais ne sont pas différents de leurs frères flamands et brabançons.

Cela se poursuit tout au long de la domination du pays, d'abord par la maison bourguignonne, puis par la maison autrichienne, jusqu'à ce qu'une révolution brutale éclate, aboutissant au triomphe complet du peuple hollandais sur les Espagnols qui l'opprimaient. À partir de cette époque, chacune des deux branches de l’art hollandais commence à évoluer séparément, même si elles entrent parfois en contact très étroit l’une avec l’autre.

La peinture hollandaise prend immédiatement un caractère original, tout à fait national, et atteint rapidement une floraison lumineuse et abondante. Les raisons de ce phénomène, dont on ne retrouve guère d'équivalent dans l'histoire de l'art, résident dans des circonstances topographiques, religieuses, politiques et sociales.

Dans ce « bas pays » (hollande), constitué de marécages, d'îles et de péninsules, sans cesse emporté par la mer et menacé par ses razzias, la population, dès qu'elle s'est débarrassée du joug étranger, a dû tout créer à nouveau, en commençant par les conditions physiques du sol et en terminant par les conditions morales et intellectuelles, car tout a été détruit par la précédente lutte pour l'indépendance. Grâce à leur esprit d'entreprise, leur sens pratique et leur travail acharné, les Néerlandais ont réussi à transformer les marécages en champs fertiles et en pâturages luxueux, à conquérir de vastes étendues de terre sur la mer, à acquérir un bien-être matériel et une importance politique extérieure. L'obtention de ces résultats a été grandement facilitée par la forme de gouvernement fédéral-républicain établie dans le pays et par le principe judicieusement mis en œuvre de la liberté de pensée et de croyance religieuse.

Comme par miracle, partout, dans tous les domaines du travail humain, une activité ardente s'est soudain mise à bouillir dans un esprit nouveau, original, purement populaire, entre autres dans le domaine de l'art. Parmi les branches de ce dernier, sur le sol hollandais, on a eu de la chance principalement dans une seule - la peinture, qui ici, dans les œuvres de nombreux artistes plus ou moins talentueux apparus presque simultanément, a pris une direction très polyvalente et en même temps une époque complètement différente de la direction de l’art dans d’autres pays. La caractéristique principale qui caractérise ces artistes est leur amour pour la nature, le désir de la reproduire dans toute sa simplicité et sa vérité, sans la moindre fioriture, sans la soumettre à aucune condition d'un idéal préconçu. La deuxième propriété distinctive de Goll. les peintres sont composés d'un sens subtil de la couleur et d'une compréhension de ce qu'une impression forte et enchanteresse peut être produite, en plus du contenu de l'image, uniquement par la transmission fidèle et puissante de relations colorées déterminées dans la nature par l'action de la lumière. rayons, proximité ou plage de distances.

Parmi les meilleurs représentants de la peinture hollandaise, ce sens de la couleur et de la lumière et de l'ombre est développé à tel point que la lumière, avec ses nuances innombrables et variées, joue dans l'image, pourrait-on dire, le rôle du personnage principal et confère une haute intérêt pour l'intrigue la plus insignifiante, les formes et les images les plus inélégantes. Ensuite, il convient de noter que la plupart des Goll. les artistes ne recherchent pas longuement du matériel pour leur créativité, mais se contentent de ce qu'ils trouvent autour d'eux, dans leur nature natale et dans la vie de leur peuple. Les traits typiques des compatriotes distingués, les physionomies des Néerlandais et des Néerlandaises ordinaires, les divertissements bruyants des fêtes communes, les fêtes paysannes, les scènes de la vie rurale ou de la vie intime des citadins, les dunes indigènes, les polders et les vastes plaines traversées de canaux, les troupeaux paissant dans de riches prairies, cabanes, nichées à l'orée des hêtraies ou des chênaies, villages au bord des rivières, des lacs et des bosquets, villes aux maisons propres, ponts-levis et hautes flèches des églises et des hôtels de ville, ports encombrés de navires, le ciel rempli de vapeurs argentées ou dorées - tout cela, sous le pinceau des maîtres hollandais imprégnés d'amour pour la patrie et de fierté nationale, se transforme en peintures pleines d'air, de lumière et d'attractivité.

Même dans les cas où certains de ces maîtres ont recours à la Bible, à l'histoire ancienne et à la mythologie comme thèmes, même alors, sans se soucier de maintenir la fidélité archéologique, ils transfèrent l'action dans l'environnement des Néerlandais, l'entourant d'un décor hollandais. Il est vrai qu'à côté de la foule nombreuse de ces artistes patriotes, il y a une phalange d'autres peintres qui cherchent l'inspiration hors des frontières de leur patrie, dans le pays classique de l'art, l'Italie ; cependant, dans leurs œuvres, il y a aussi des éléments qui exposent leur nationalité.

Enfin, comme caractéristique des peintres hollandais, on peut souligner leur renoncement aux traditions artistiques. Il serait vain de chercher parmi eux une stricte continuité des principes esthétiques et des règles techniques bien connus, non seulement dans le sens du style académique, mais aussi dans le sens de l'assimilation par les élèves du caractère de leurs professeurs : avec à l'exception peut-être des seuls élèves de Rembrandt, qui suivirent plus ou moins de près les traces de leur génie mentor, presque tous les peintres de Hollande, dès qu'ils passèrent leurs années d'études, et parfois même pendant ces années, commencèrent à travailler dans leur propre voie, selon où leur inclination individuelle les conduisait et ce que l'observation directe de la nature leur enseignait.

Les artistes hollandais ne peuvent donc pas être divisés en écoles, comme nous le faisons pour les artistes italiens ou espagnols ; il est même difficile d'en former des groupes strictement définis, et l'expression même « école de peinture hollandaise », qui est devenue d'usage général, ne doit être prise que dans un sens conditionnel, comme désignant une collection de maîtres tribaux, mais non un ensemble de maîtres tribaux. véritable école. Pendant ce temps, dans toutes les principales villes de Hollande, il existait des sociétés d'artistes organisées qui, semble-t-il, auraient dû influencer la communication de leurs activités dans une direction générale. Cependant, de telles sociétés, portant le nom de guildes de St. Luc, s'il y a contribué, l'a fait dans une mesure très modérée. Il ne s'agissait pas d'académies, gardiennes de traditions artistiques bien connues, mais de corporations libres, semblables à d'autres corporations artisanales et industrielles, peu différentes d'elles en termes de structure et visant à l'entraide de leurs membres, à la protection de leurs droits, aux soins. pour leur vieillesse, veillez au sort de leurs veuves et de leurs orphelins.

Tout peintre local qui satisfaisait aux exigences des qualifications morales était admis dans la guilde après confirmation préalable de ses capacités et de ses connaissances ou sur la base de la renommée qu'il avait déjà acquise ; les artistes invités étaient admis à la guilde en tant que membres temporaires pour la durée de leur séjour dans cette ville. Les membres de la guilde se réunissaient pour discuter, sous la présidence des doyens, de leurs affaires communes ou pour un échange mutuel de pensées ; mais dans ces réunions il n'y avait rien qui ressemblait à la prédication d'un certain direction artistique et aurait tendance à restreindre l'originalité de chacun des membres.

Les caractéristiques indiquées de la peinture hollandaise sont perceptibles dès ses débuts - à une époque où elle se développait de manière indissociable de l'école flamande. Sa vocation, comme celle de cette dernière, était alors principalement de décorer les églises de peintures religieuses, les palais, les hôtels de ville et les maisons nobles de portraits de fonctionnaires et d'aristocrates. Malheureusement, les œuvres des peintres hollandais primitifs ne nous sont parvenues qu'en quantités très limitées, car la plupart d'entre elles ont péri à cette époque troublée où la Réforme dévastait les églises catholiques, abolissait les monastères et les abbayes et incitait les « briseurs d'icônes » (beeldstormers) à détruire les des images sacrées peintes et sculptées, et le soulèvement populaire a détruit partout les portraits des tyrans détestés. Nous ne connaissons que de nom bon nombre des artistes qui ont précédé la révolution ; Nous ne pouvons juger les autres que par un ou deux échantillons de leur travail. Ainsi, concernant le plus ancien des peintres hollandais, Albert van Ouwater, il n'existe aucune donnée positive, à l'exception de l'information selon laquelle il était un contemporain des van Eyck et travaillait à Harlem ; Il n'existe aucune peinture fiable de lui. Son élève Gertjen van Sint-Jan n'est connu que grâce à deux panneaux d'un triptyque (« Saint-Sépulcre » et « Légende des ossements de Saint-Jean ») qu'il a écrit pour la cathédrale de Harlem, conservés à la galerie de Vienne. Le brouillard qui nous enveloppe à l'époque initiale de l'école G. commence à se dissiper avec l'apparition sur scène de Dirk Bouts, surnommé Stuerboat († 1475), originaire de Haarlem, mais qui a travaillé à Louvain et est donc considéré par beaucoup comme un faire partie de l'école flamande (ses meilleures œuvres sont deux tableaux «Le procès injustifié de l'empereur Otton», conservés au Musée de Bruxelles), ainsi que Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), dont le principal mérite est d'avoir été professeur de le célèbre Luc de Leyde (1494-1533). Ce dernier, artiste polyvalent, travailleur et très talentueux, a su, comme personne avant lui, reproduire fidèlement tout ce qui attirait son attention, et peut donc être considéré comme le véritable père du genre hollandais, même s'il a dû peindre principalement des œuvres religieuses. peintures et portraits. Dans les œuvres de son contemporain Jan Mostaert (vers 1470-1556), le désir de naturalisme se conjugue avec une touche de tradition gothique, la chaleur du sentiment religieux avec le souci de l'élégance extérieure.

Outre ces maîtres exceptionnels, pour la première époque de l'art hollandais, méritent d'être mentionnés : Hieronymus van Aken, surnommé Hieronymus de Bosch (vers 1462-1516), qui a jeté les bases de la peinture satirique quotidienne avec ses compositions complexes, complexes et parfois extrêmement étranges ; Jan Mundain († 1520), célèbre à Harlem pour ses représentations de diableries et de bouffonneries ; Peter Aertsen († 1516), surnommé « Long Peter » (Lange Pier) en raison de sa grande taille, David Ioris (1501-56), peintre sur verre habile, emporté par les délires anabaptistes et s'imaginant être le prophète David et le fils de Dieu, Jacob Swarts (1469 ? - 1535 ?), Jacob Cornelisen (1480 ? - plus tard 1533) et son fils Dirk Jacobs (deux tableaux de ce dernier, représentant des sociétés de tirailleurs, se trouvent à l'Ermitage).

Cependant, la fascination pour les Italiens, qui s'est souvent étendue à l'extrême à l'époque de transition de la peinture hollandaise, a apporté une sorte d'avantage, car elle a apporté à cette peinture un dessin meilleur et plus savant et la capacité de gérer la composition plus librement et avec plus d'audace. Avec la tradition des Pays-Bas anciens et l'amour sans limites pour la nature, l'italianisme est devenu l'un des éléments à partir desquels s'est formé l'art original et très développé de cette époque florissante. Le début de cette époque, comme nous l'avons déjà dit, doit être daté du début du XVIIe siècle, lorsque la Hollande, ayant conquis son indépendance, commença à vivre nouvelle vie. Hier encore, la transformation spectaculaire d’un pays opprimé et pauvre en une union d’États politiquement importante, confortable et riche s’est accompagnée d’une révolution tout aussi dramatique dans son art.

De tous côtés, presque simultanément, émergent en nombre incalculable de merveilleux artistes, appelés à l'activité par la montée de l'esprit national et la nécessité de leur travail qui s'est développé dans la société. Aux centres artistiques d'origine, Haarlem et Leiden, s'ajoutent de nouveaux - Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haye, Amsterdam, etc. Partout, les anciennes tâches de la peinture se développent d'une manière nouvelle sous l'influence de demandes et de points de vue changeants. , et ses nouvelles succursales, dont les débuts étaient à peine perceptibles dans la période précédente.

La Réforme a chassé les peintures religieuses des églises ; il n'était pas nécessaire de décorer les palais et les chambres nobles avec des images de dieux et de héros antiques, et donc la peinture historique, satisfaisant les goûts de la riche bourgeoisie, a abandonné l'idéalisme et s'est tournée vers une reproduction fidèle de la réalité : elle a commencé à interpréter des événements passés depuis longtemps comme les événements de l'époque qui se sont déroulés en Hollande, et ont particulièrement adopté le portrait, perpétuant les traits des gens de cette époque, soit dans des figures uniques, soit dans de vastes compositions à plusieurs figures représentant des sociétés de fusiliers (schutterstuke), qui ont joué un rôle si important dans la lutte pour la libération du pays - les directeurs de ses institutions caritatives (regentenstuke), les contremaîtres d'atelier et les membres de diverses sociétés.

Si nous décidions de parler de tous les portraitistes talentueux de l'époque florissante de l'art hollandais, alors la simple liste de leurs noms avec une indication de leurs meilleures œuvres prendrait plusieurs lignes ; Par conséquent, nous nous limitons à mentionner uniquement les artistes qui se démarquent particulièrement dans les rangs généraux. Il s'agit de : Michiel Mierevelt (1567-1641), son élève Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572 ? - 1657), prédécesseurs des trois plus grands portraitistes de Hollande - le sorcier du clair-obscur Rembrandt van Rijn (1606-69), dessinateur incomparable qui possédait un art étonnant de modeler des figures en lumière, mais un peu froids dans le caractère et la couleur, Bartholomew van der Gelst (1611 ou 1612-70) et frappant avec la fugue de son pinceau Frans Gols l'Ancien (1581-1666). Parmi ceux-ci, le nom de Rembrandt brille particulièrement dans l'histoire, d'abord tenu en haute estime par ses contemporains, puis oublié par eux, peu apprécié par la postérité, et seulement dans le siècle actuel élevé, en toute honnêteté, au niveau mondial. génie.

Dans sa personnalité artistique caractéristique, toutes les meilleures qualités de la peinture hollandaise sont concentrées, comme si elles étaient au point, et son influence se reflétait dans tous ses types - dans les portraits, les peintures historiques, scènes de tous les jours et le paysage. Les plus célèbres parmi les étudiants et disciples de Rembrandt étaient : Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ou 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (vers 1620-54), Salomon et Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († plus tard 1645), Gerard Dou (1613-75) et Samuel van Googstraten (1626-78). Outre ces artistes, pour compléter la liste des meilleurs portraitistes et peintres historiques de la période considérée, il faut citer Jan Lievens (1607-30), camarade de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72 ) et Pieter Nazon (1612-91), travaillant apparemment sous l'influence de V. d. Gelsta, imitateur de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan et Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) et Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). La peinture domestique, dont les premières expériences sont apparues dans la vieille école hollandaise, se retrouve au XVIIe siècle. sol particulièrement fertile dans la Hollande protestante, libre, bourgeoise et satisfaite d'elle-même.

Les petits tableaux, représentant naïvement les coutumes et la vie des différentes classes de la société locale, semblaient à suffisamment de gens plus amusants que les grandes œuvres de peinture sérieuse et, avec les paysages, plus pratiques pour décorer de confortables maisons privées. Toute une horde d'artistes satisfait la demande de telles images, sans réfléchir longtemps au choix des thèmes, mais reproduisant consciencieusement tout ce qui se rencontre dans la réalité, montrant à la fois l'amour pour leur famille, puis l'humour bon enfant, avec précision caractérisant les positions et les visages représentés et affinés dans la maîtrise de la technologie. Tandis que certains s'occupent de la vie des gens ordinaires, des scènes de bonheur et de tristesse des paysans, des beuveries dans les tavernes et les tavernes, des rassemblements devant les auberges au bord des routes, des vacances rurales, des jeux et du patinage sur la glace des rivières et des canaux gelés, etc., d'autres s'occupent le contenu de leurs œuvres provient d'un cercle plus élégant - ils peignent des dames gracieuses dans leur environnement intime, la cour des dandys messieurs, les ménagères donnant des ordres à leurs servantes, les exercices de musique et de chant dans les salons, les réjouissances de la jeunesse dorée dans les maisons de plaisance, etc. Dans la longue série d'artistes de la première catégorie, ils surpassent Adrian et Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ou 1606-38), Jan Stan (environ 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, surnommé Bambocchio en Italie (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, surnommé Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anciennement 1630-76), Jan Minse-Molenar (vers 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) et quelques-uns. etc. Parmi le nombre tout aussi important de peintres qui ont reproduit la vie de la classe moyenne et supérieure, généralement suffisante, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh ( 1630-66), Caspar Netscher (1639-84), France c. Miris l'Ancien (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668 ). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony et Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La catégorie des peintres de genre comprend les artistes qui ont peint des scènes de la vie militaire, de l'oisiveté des soldats dans les corps de garde. , campings, escarmouches de cavalerie et batailles entières, dressage de chevaux, ainsi que scènes de fauconnerie et de chasse à courre s'apparentant à des scènes de bataille. Représentant en chef Cette branche de la peinture est le célèbre et exceptionnellement prolifique Philips Wouwerman (1619-68). Outre lui, son frère de ce maître, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), que l'on rencontrera bientôt parmi les paysagistes, ledit Palamède, Jacob Leduc (1600 - plus tard 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Pour beaucoup de ces artistes, le paysage joue un rôle aussi important que les figures humaines ; mais parallèlement à eux, une masse de peintres travaillent, en faisant leur tâche principale ou exclusive.

En général, les Néerlandais ont le droit inaliénable d'être fiers du fait que leur patrie n'est pas seulement la patrie le dernier genre, mais aussi le paysage au sens tel qu'on l'entend aujourd'hui. En fait, dans d'autres pays, par ex. en Italie et en France, l'art s'intéressait peu à la nature inanimée, n'y trouvait ni une vie unique ni une beauté particulière : le peintre n'introduisait le paysage dans ses tableaux que comme élément secondaire, comme décor, parmi lesquels des épisodes de drame humain ou la comédie se joue, et donc la soumet aux conditions de la scène, en inventant des lignes pittoresques et des lieux qui lui sont bénéfiques, mais sans copier la nature, sans s'imprégner de l'impression qu'elle inspire.

De la même manière, il « composait » la nature dans les rares cas où il essayait de peindre un tableau purement paysager. Les Néerlandais ont été les premiers à comprendre que même dans la nature inanimée, tout respire la vie, tout est attrayant, tout est capable d'évoquer la pensée et d'exciter le mouvement du cœur. Et c'était tout à fait naturel, car les Néerlandais, pour ainsi dire, ont créé la nature qui les entourait de leurs propres mains, l'ont chérie et admirée, comme un père chérit et admire sa propre idée. De plus, cette nature, malgré la modestie de ses formes et de ses couleurs, a fourni aux coloristes comme les Hollandais une matière abondante pour élaborer des motifs lumineux et des perspectives aériennes en raison des conditions climatiques du pays - son air saturé de vapeur, adoucissant les contours des objets, produisant une gradation de tons sur différents plans et couvrant la distance d'une brume de brouillard argenté ou doré, ainsi que la variabilité de l'apparence des zones déterminées par la période de l'année, l'heure du jour et les conditions météorologiques.

Parmi les peintres paysagistes de la période de floraison, les Hollandais. écoles, qui étaient les interprètes de leurs nature domestique, particulièrement respecté : Ian V. Goyen (1595-1656), qui, avec Esaias van de Velde (c. 1590-1630) et Pieter Moleyn l'Ancien. (1595-1661), considéré comme le fondateur du Goll. paysage; puis cet étudiant à la maîtrise, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (vers 1600 - plus tard 1679), amoureux des effets d'un meilleur éclairage Art. d. Nair (1603-77), poétique Jacob v. Ruisdael (1628 ou 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) et Cornelis Dekker († 1678).

Parmi les Néerlandais, il y avait aussi de nombreux peintres paysagistes qui entreprenaient des voyages et reproduisaient des motifs de nature étrangère, ce qui ne les empêchait cependant pas de conserver un caractère national dans leur peinture. Albert V. Everdingen (1621-1675) a représenté des vues de la Norvège ; Jan Both (1610-1652), Dirk c. Bergen († plus tard 1690) et Jan Lingelbach (1623-74) - Italie ; Ian V. d. Maire le Jeune (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) et Jan Griffir (1656-1720) - Reina ; Jan Hackart (1629-99 ?) - Allemagne et Suisse ; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) et un groupe de ses disciples ont peint des paysages inspirés de la nature italienne, avec des ruines de bâtiments anciens, des nymphes au bain et des scènes d'une Arcadie imaginaire. Dans une catégorie spéciale, nous pouvons distinguer les maîtres qui, dans leurs peintures, combinaient des paysages avec des images d'animaux, privilégiant soit le premier, soit le second, ou traitant les deux parties avec la même attention. Le plus célèbre de ces peintres de l'idylle rurale est Paulus Potter (1625-1654) ; A part lui, Adrian devrait être inclus ici. d. Velde (1635 ou 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) et de nombreux artistes qui se tournèrent vers l'Italie pour leurs thèmes, tels que : Willem Romain († plus tard 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frédéric de Moucheron (1633 ou 1634 -86), etc. La peinture de vues architecturales est étroitement liée à la peinture de paysages, dans laquelle les artistes hollandais n'ont commencé à s'engager en tant que branche indépendante de l'art que dans la moitié du XVIIe siècle.

Certains de ceux qui ont travaillé depuis dans ce domaine ont été sophistiqués dans la représentation des rues et des places de la ville avec leurs bâtiments ; ce sont, entre autres, moins significatifs, Johannes Bärestraten (1622-66), Job et Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) et Jacob c. village de Yulft (1627-88). D'autres, parmi lesquels les plus éminents sont Pieter Sanredan († 1666), Dirk c. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 ou 1617-92), ont peint des vues intérieures d'églises et de palais. La mer avait une telle importance dans la vie de la Hollande que son art ne pouvait la traiter qu'avec la plus grande attention. Beaucoup de ses artistes qui traitaient du paysage, du genre et même du portrait, s'éloignant un temps de leurs sujets habituels, devinrent peintres de marine, et si l'on décidait de lister tous les peintres de l'école hollandaise qui représentaient une mer calme ou agitée, des navires se balançant dessus, des navires portuaires encombrés, des batailles navales, etc., nous obtiendrions alors une très longue liste qui inclurait les noms de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. et J. Ruisdael, A. Cuyp et d'autres déjà mentionnés dans les lignes précédentes. En nous limitant à signaler ceux pour qui la peinture d'espèces marines était une spécialité, il faut citer Willem v. de Velde l'Ancien (1611 ou 1612-93), son célèbre fils V. v. de Velde le Jeune (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) et Julius Parcellis († plus tard 1634).

Enfin, l'orientation réaliste de l'école hollandaise a été la raison pour laquelle s'est formé et développé un type de peinture qui, dans d'autres écoles jusqu'alors, n'avait pas été cultivé comme une branche spéciale et indépendante, à savoir la peinture de fleurs, de fruits, de légumes, les êtres vivants, les ustensiles de cuisine, la vaisselle, etc., en un mot ce qu'on appelle communément aujourd'hui la « nature morte » (nature morte, Stilleben). Dans cette zone entre le Les artistes les plus célèbres de cette époque florissante étaient Jan-Davids de Gem (1606-83), son fils Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630 -93) , Willem V. Alost (1626-83), Willem Geda (1594 - plus tard 1678), Willem Kalf (1621 ou 1622-93) et Jan Waenix (1640-1719).

Au lieu d'un rapport direct à la nature, de l'amour de l'indigène et de la sincérité, de la domination des théories préconçues, des conventions et de l'imitation de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain et d'autres sommités de l'école française. Le principal propagateur de cette tendance regrettable fut le Flamand Gérard de Leresse (1641-1711), installé à Amsterdam, un artiste très compétent et instruit à son époque, qui eut une énorme influence sur ses contemporains et sa postérité immédiate tant par son pseudo maniéré -des peintures historiques et des œuvres de sa plume, parmi lesquelles l'une, Le Grand Livre du Peintre ('t groot schilderboec), a servi de code aux jeunes artistes pendant cinquante ans. Le célèbre Hadrien a également contribué au déclin de l'école. de Werff (1659-1722), dont la peinture épurée aux figures froides, comme taillées dans l'ivoire, à la couleur terne et impuissante, semblait autrefois le comble de la perfection. Parmi les disciples de cet artiste, Henryk V. jouissait d'une renommée en tant que peintre historique. Limborg (1680-1758) et Philippe V.-Dyck (1669-1729), surnommé « Petit V.-Dyck ».

Parmi les autres peintres de l'époque en question, dotés d'un talent incontestable, mais infectés par l'air du temps, il convient de noter Willem et France c. Miris le Jeune (1662-1747, 1689-1763), Nicolas Vercollier (1673-1746), Constantin Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) et Carel de Maur (1656-1738). Un certain éclat a été donné à l'école mourante par Cornelis Trost (1697-1750), avant tout dessinateur, surnommé Dutch. Gogarth, le portraitiste Jan Quincgard (1688-1772), le peintre décoratif et historique Jacob de Wit (1695-1754) et les peintres de la nature morte Jan V. Geysum (1682-1749) et Rachel Reisch (1664-1750).

m peuples, ont tourné leur regard vers leur antiquité, et donc vers le passé glorieux de leur peinture.

Le désir de lui redonner l'éclat avec lequel il brillait au XVIIe siècle commença à inspirer les artistes les plus récents et à les ramener aux principes des anciens maîtres nationaux - à une observation stricte de la nature et à une attitude naïve et sincère envers les tâches à accomplir. main. Dans le même temps, ils n'ont pas essayé de se débarrasser complètement de l'influence étrangère, mais, allant étudier à Paris ou à Düsseldorf et dans d'autres centres artistiques en Allemagne, ils n'en ont ramené qu'une connaissance des succès. technologie moderne.

Grâce à tout cela, l'école hollandaise ressuscitée a retrouvé une physionomie originale et attrayante et avance aujourd'hui sur la voie qui mène à de nouveaux progrès. Elle peut facilement comparer nombre de ses personnages les plus récents avec les meilleurs peintres du XIXe siècle d'autres pays. La peinture historique au sens strict du terme y est cultivée, comme autrefois, très modérément et n'a pas de représentants marquants ; Mais en termes de genre historique, la Hollande peut être fière de plusieurs maîtres récents importants, tels que : Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (né en 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (né en 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) et le très talentueux Lawrence Alma-Tadema (né en 1836), qui déserta pour l'Angleterre. Le genre quotidien, qui faisait également partie du cercle d'activité de ces artistes (à l'exception d'Alma-Tadema), peut être attribué à un certain nombre d'excellents peintres, dirigés par Joseph Israels (né en 1824) et Christoffel Bisschop (né . 1828); à côté d'eux, Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (née en 1826), Teresa Schwarze (née en 1852) et Valli Mus (née en 1857) méritent d'être nommées.

La peinture hollandaise la plus récente est particulièrement riche en peintres paysagistes qui ont travaillé et travaillent de diverses manières, parfois avec des finitions soignées, parfois avec la vaste technique des impressionnistes, mais des interprètes fidèles et poétiques de leur nature natale. Il s’agit notamment d’Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (né en 1822), Hendrich c. de Sande-Bockhuisen (né en 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (né en 1837), Lodewijk Apol (né en 1850) et bien d'autres. etc. Héritiers directs de Ya. D. Heyden et E. de Witte, peintres aux vues prometteuses, sont apparus, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Parmi les peintres de marine les plus récents de Hollande, le le palmier appartient à Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (né en 1809), Hermann Koekkoek (1815-1882) et Henrik Mesdag (né en 1831). Enfin, Wouters Verschoor (1812-74) et Johann Gas (né en 1832) font preuve d'une grande habileté dans la peinture animalière.

Épouser. Van Eyden u. van der Willigen, « Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw » (4 volumes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, « Geschichte der Malerei » (2e et 3e volumes, 1882-1883) ; Waagen, « Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen » (1862) ; Bode, « Studien zur Geschichte der holländischen Malerei » (1883) ; Havard, « La peinture hollandaise » (1880) ; E. Fromentin, « Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, « Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam » (1890) ; P. P. Semenov, « Esquisses sur l'histoire de la peinture hollandaise à partir de ses échantillons situés à Saint-Pétersbourg ». (supplément spécial à la revue « Vestn. Fine Arts », 1885-90).

En attendant, il s'agit d'un domaine particulier qui mérite une étude plus détaillée. culture européenne, qui reflète la vie originelle des Hollandais à cette époque.

Histoire de l'apparition

Des représentants éminents des arts artistiques ont commencé à apparaître dans le pays au XVIIe siècle. Les experts culturels français leur ont donné un nom commun - « petit hollandais », qui n'a aucun rapport avec l'ampleur du talent et dénote un attachement à certains thèmes de la vie quotidienne, à l'opposé du style « grand » avec de grandes toiles sur des sujets historiques ou mythologiques. L'histoire de l'émergence de la peinture hollandaise a été décrite en détail au XIXe siècle et les auteurs d'ouvrages à ce sujet ont également utilisé ce terme. Les « Petits Hollandais » se distinguaient par un réalisme laïque, tournés vers le monde et les gens qui les entouraient, et utilisaient une peinture riche en tons.

Principales étapes de développement

L'histoire de la peinture hollandaise peut être divisée en plusieurs périodes. La première dura approximativement entre 1620 et 1630, lorsque le réalisme s’imposa dans l’art national. La peinture hollandaise connaît sa deuxième période dans les années 1640-1660. C'est l'époque où la véritable floraison du local école d'art. Enfin, la troisième période, celle où la peinture hollandaise commence à décliner - de 1670 au début du XVIIIe siècle.

Il convient de noter que les centres culturels ont changé au cours de cette période. Au cours de la première période, des artistes de premier plan travaillaient à Haarlem et le principal représentant était Khalsa. Ensuite, le centre s'est déplacé vers Amsterdam, où le plus travaux importants interprété par Rembrandt et Vermeer.

Scènes de la vie quotidienne

Lors de l'énumération des genres les plus importants de la peinture hollandaise, il est impératif de commencer par le quotidien - le plus vivant et le plus original de l'histoire. Ce sont les Flamands qui ont révélé au monde des scènes de la vie quotidienne des gens ordinaires, paysans et citadins ou bourgeois. Les pionniers furent Ostade et ses disciples Audenrogge, Bega et Dusart. Dans les premiers tableaux d'Ostade, les gens jouent aux cartes, se disputent et même se battent dans une taverne. Chaque tableau se distingue par un caractère dynamique, quelque peu brutal. La peinture hollandaise de cette époque parle aussi de scènes paisibles : dans certaines œuvres, des paysans discutent autour d'une pipe et d'un verre de bière, passent du temps à une foire ou en famille. L'influence de Rembrandt a conduit à l'utilisation généralisée d'un clair-obscur doux et doré. Les scènes urbaines ont inspiré des artistes tels que Hals, Leicester, Molenaar et Codde. Au milieu du XVIIe siècle, les maîtres représentaient des médecins, des scientifiques en train de travailler, leurs propres ateliers, les tâches ménagères ou chaque intrigue aurait dû être divertissante, parfois grotesquement didactique. Certains maîtres étaient enclins à poétiser la vie quotidienne, par exemple Terborch représentait des scènes de musique ou de flirt. Metsu a utilisé des couleurs vives, transformant le quotidien en fête, tandis que de Hooch s'est inspiré de la simplicité de la vie de famille, baignée par une lumière du jour diffuse. Les représentants ultérieurs du genre, parmi lesquels des maîtres de la peinture hollandais tels que Van der Werff et Van der Neer, dans leur quête d'une représentation élégante, ont souvent créé des sujets quelque peu prétentieux.

Nature et paysages

De plus, la peinture hollandaise est largement représentée dans le genre du paysage. Il est apparu pour la première fois dans les œuvres de maîtres de Haarlem tels que van Goyen, de Moleyn et van Ruisdael. Ce sont eux qui ont commencé à représenter les zones rurales sous un certain jour argenté. L'unité matérielle de la nature est mise en avant dans ses œuvres. Les paysages marins méritent d'être mentionnés séparément. Les marinistes du XVIIe siècle comprenaient Porsellis, de Vlieger et van de Capelle. Ils ne s'efforçaient pas tant de transmettre certaines scènes marines qu'ils essayaient de représenter l'eau elle-même, les jeux de lumière sur elle et dans le ciel.

Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, des œuvres plus émotionnelles avec des idées philosophiques ont émergé dans le genre. Jan van Ruisdael a révélé au maximum la beauté du paysage néerlandais, le décrivant dans toute sa dramaturgie, sa dynamique et sa monumentalité. Hobbem, qui préférait les paysages ensoleillés, a poursuivi ses traditions. Koninck a peint des panoramas et van der Neer a créé des paysages nocturnes et rendu le clair de lune, le lever et le coucher du soleil. Un certain nombre d'artistes se caractérisent également par la représentation d'animaux dans des paysages, par exemple des vaches et des chevaux au pâturage, ainsi que des scènes de chasse et avec des cavaliers. Plus tard, les artistes ont commencé à s'intéresser à la nature étrangère - Van Laar, Wenix, Berchem et Hackert ont tous deux représenté l'Italie baignant dans les rayons du soleil du sud. Le fondateur du genre était Sanredam, dont les meilleurs adeptes peuvent être appelés les frères Berkheide et Jan van der Heijden.

Image des intérieurs

Un genre distinct qui distinguait la peinture hollandaise à son apogée peut être appelé scènes avec des églises, des palais et des pièces d'habitation. Les intérieurs sont apparus dans les peintures de la seconde moitié du XVIIe siècle des maîtres de Delft - Haukgeest, van der Vliet et de Witte, qui sont devenus le principal représentant du mouvement. Utilisant les techniques de Vermeer, les artistes ont représenté des scènes baignées de soleil, pleines d'émotion et de volume.

Plats et plats pittoresques

Enfin, un autre genre caractéristique de la peinture hollandaise est la nature morte, notamment la représentation des petits déjeuners. Il a été adopté pour la première fois par Claes et Heda, habitants de Haarlem, qui peignaient des tables dressées avec des plats luxueux. Le chaos pittoresque et le caractère particulier d'un intérieur chaleureux sont remplis de lumière gris argenté, caractéristique de l'argent et de l'étain. Les artistes d'Utrecht peignaient des natures mortes florales luxuriantes, et à La Haye, les artistes étaient particulièrement doués pour représenter des poissons et des reptiles marins. À Leiden, une direction philosophique du genre est née, dans laquelle les crânes et les sabliers cohabitent avec des symboles de plaisir sensuel ou de gloire terrestre, conçus pour rappeler la fugacité du temps. Les natures mortes de cuisine démocratiques sont devenues une marque distinctive de l’école d’art de Rotterdam.

Art de Hollande, des Pays-Bas et de Flandre

Frans Hals. Portrait d'un homme. Vers 1635

Jan Van Eyck (1390-1441) La Vierge à l'Enfant trônant dans le temple. Triptyque 1437. Planche de chêne, huile. Partie centrale - 27,5x21,5, côté - 27,5x8

Cette œuvre de petit format est un véritable chef-d'œuvre de l'art hollandais du XVe siècle. Dans la partie centrale du triptyque se trouve la Vierge Marie et l'Enfant dans l'intérieur luxueux d'une cathédrale gothique, assis sur un magnifique trône sculpté entre deux rangées de colonnes multicolores en jaspe et marbre.

La porte de gauche représente l'archange Michel (« chef de l'armée céleste »), vêtu d'une cotte de mailles et armé d'un bouclier, d'une lance et d'une épée. Il présente au donateur, client du triptyque, la Vierge à l'Enfant. Le nom de l'homme est inconnu, on suppose qu'il appartient à la famille génoise des Giustiniani. Sur l'aile droite se trouve sainte Catherine d'Alexandrie avec les attributs traditionnels, « instruments » de son martyre : une épée à la main et une roue de supplice à ses pieds.

Le texte figurant sur le triptyque est d'une grande importance. Ce sont des citations de la Bible et d’autres maximes latines. Le bébé tient un message avec le texte, ce qu'on appelle le colis : « Apprenez de moi, car je suis doux et humble de cœur. » Il y a des inscriptions sur les cadres originaux de toutes les parties du tableau ; sur la barre inférieure du panneau central il est écrit en latin : « Johannes de Eyck achevé et achevé en l'an du Seigneur 1437. Comme moi ». Ces mots ne sont devenus accessibles à la lecture qu’en 1958, soit près de 520 ans après la création du triptyque ! Jusqu’alors, on pensait que l’œuvre appartenait à une période antérieure de l’œuvre du maître.

La petite taille de l'ouvrage a permis au propriétaire de la transporter. La technique de l’artiste frappe par son filigrane : les moindres détails sont peints, visibles uniquement à la loupe. En même temps, le grossissement ne révèle pas un seul trait incertain ni la moindre erreur dans le dessin.

Peter Paul Rubens (1577-1640) Le retour de Diane de la chasse Vers 1615. Huile sur toile. 136x184

En 1608, Rubens, de retour d'Italie à Anvers, apporte avec lui un intérêt pour le patrimoine de l'art et de la littérature antiques, qui ne s'efface pas en lui tout au long de sa vie et devient la pierre angulaire de sa créativité et de sa réflexion sur l'art. Il a utilisé des sujets de la mythologie grecque et romaine pour plusieurs de ses peintures, notamment celles commandées.

La déesse Diane était extrêmement attirante pour Rubens, car le mythe la concernant combinait avec l'Antiquité un autre de ses thèmes favoris : la chasse. L'intérêt du peintre est alimenté par ses mécènes royaux et aristocratiques : la chasse est le privilège exclusif de ces cercles. L'artiste a créé un certain nombre de peintures de chasse grand format, dont beaucoup sont basées sur une intrigue ancienne.

Contrairement à d'autres peintures dans lesquelles le maître transmet le pathos de la lutte, dans ce tableau, son attention est concentrée sur la beauté de l'ancienne chasseuse de déesse. Diane, la défenseure de la pureté féminine, se tient avec ses compagnons devant un groupe de satyres, qui représentent d'ailleurs un autre pôle d'intérêt pour Rubens - tout ce qui touche aux bacchanales. La Lance de Diane délimite nettement ces deux groupes, deux mondes. Comme l'apparence de leurs participants est différente : parmi les satyres se trouvent des créatures aux pieds de chèvre, sauvages dans leur passion, entourées de Diane, qui rayonne elle-même du charme de la nature féminine, ses compagnes divinement belles. Les satyres affichent une abondance de fruits, faisant allusion au grand vin qu'ils produiront à l'avenir. À son tour, Diana possède des oiseaux et un lièvre (symboles de plaisirs sensuels), qu'elle a tués en chassant. Dans un sens symbolique, ils expriment son refus des plaisirs offerts.

Les artistes hollandais du XVIIe siècle, parfois avec une spécialisation étroite, attiraient souvent leurs collègues lorsqu'il fallait représenter dans un tableau quelque chose dans lequel ils n'étaient pas assez forts. Ainsi, les fruits et les animaux sur la toile présentée ont été peints par Frans Snyders, célèbre pour ses natures mortes et ses images d'animaux similaires.

Peter Paul Rubens Bethsabée à la fontaine 1635. Huile sur planche de chêne. 175x126

Rubens a créé un grand nombre de peintures basées sur des sujets bibliques. Pour comprendre l’œuvre présentée ici, il est nécessaire de connaître l’histoire biblique, et l’ingéniosité de l’artiste pour en transmettre les détails est étonnante. Le roi David « marcha un jour sur le toit de la maison du roi et vit une femme se baigner du haut du toit ; et cette femme était très belle. C'était Bethsabée, la femme d'Urie le Hittite. Dans le coin supérieur gauche de la toile, la figure du roi David est à peine visible sur le toit du palais, et Rubens montre Bethsabée derrière les toilettes sur la plate-forme menant à la piscine. David la séduisit et Urie l'envoya vers une mort certaine.

Une magnifique jeune femme attire l’attention ; Rubens était un grand maître dans la représentation du corps féminin et il a créé son propre canon de beauté. Pendant ce temps, on ne peut s'empêcher d'admirer l'ingéniosité avec laquelle l'artiste transmet les subtils moments d'émotion de cette scène : le regard surpris de Bethsabée, qui ne s'attendait pas à recevoir une lettre des mains du garçon noir qui lui était envoyée (il est clair que la lettre ne peut être qu'une lettre d'amour), la réaction du chien, qui montra les dents au messager et soupçonna que quelque chose n'allait pas (un chien assis aux pieds d'une femme dans le système de symboles du portrait de la Renaissance et du baroque personnifiait la fidélité conjugale ). Et comme les figures féminines, l'eau qui coule, les vêtements et le paysage architectural sont délicieusement représentés !

Peter Paul Rubens Chasse au sanglier 1615-1620. Bois, huile. 137x168

Dans les œuvres de Rubens sur le thème de la chasse, on distingue deux phases de créativité. Les peintures de la première période, qui ont duré jusqu'en 1620, à laquelle appartient la « Chasse au sanglier » présentée, se caractérisent par un schéma de composition centripète et diagonal, dans lequel des forces débridées agissent des deux côtés. Les œuvres ultérieures développent une composition caractéristique d'une frise, c'est-à-dire que l'action y est représentée dans une perspective horizontale, parallèle au plan de l'image. Dans le premier cas, le point culminant de la chasse est souligné, lorsque l'animal est rattrapé et vaincu, dans le second, le processus de capture. Et si les œuvres de la première période démontrent la victoire des chasseurs sur un féroce prédateur, alors les peintures de la seconde montrent la poursuite d'un animal sans défense.

La peinture de Dresde, par son contenu, est bien plus qu’une simple scène de chasse aux genres. Cela « transparaît » clairement mythe ancienà propos de la chasse calédonienne, celle au cours de laquelle Méléagre tue le sanglier calydonien avec une lance (ce mythe est décrit par Philostrate le Jeune au chapitre 15 de ses « Peintures »). Tous les participants à l'histoire sont représentés ici : le sanglier se tient sous un arbre dans un cercle dense de chasseurs et de chiens qui aboient avec colère. Atalante vient de tirer sa flèche ; La lance de Méléagre transperce la bête. Allongé près du sanglier homme mort. Ce thème est utilisé par de nombreux Artistes flamands pour des tableaux représentant la chasse sur fond de paysage forestier. Chez Rubens, la fureur du combat, la tension physique et spirituelle sont portées à la plus haute intensité.

Jan Brueghel l'Ancien (1568-1625) Paysage fluvial avec des bûcherons 1608. Huile sur carton. 47x46

Autrefois, il était d'usage d'hériter du travail des parents, notamment des métiers créatifs. Il existe de célèbres dynasties d'artistes, de sculpteurs et de compositeurs. La dynastie Bruegel est l’une des plus importantes de l’histoire de la peinture. Habituellement, dans ces familles, le personnage principal s'élève au-dessus de tout le monde : par exemple, dans la famille Bach - Johann Sebastian, et dans la famille Bruegel - Pieter Bruegel l'Ancien.

Jan Brueghel l'Ancien (l'Ancien, puisque par la suite un autre Jan est apparu dans la famille - respectivement le Jeune) a reçu le surnom de « Velours » en raison de la couleur particulière de sa peinture. Curieusement, dans Galerie de Dresde Il existe cinq tableaux du maître, mais il n'y a aucune œuvre ni du chef de la dynastie ni de ses autres représentants. Cela s'explique dans une certaine mesure par le fait que, bien que Jan ait un talent inférieur à celui de son père, son statut officiel était plus élevé - il était l'artiste de la cour de l'archiduc Albert. Par conséquent, les œuvres du maître étaient conservées dans les appartements royaux, d’où il leur était plus facile d’accéder à d’autres collections augustes.

Jan Brueghel l'Ancien a peint dans différents genres - paysages, natures mortes (principalement des fleurs et des animaux), peintures à petits personnages sur des thèmes bibliques, mythologiques et allégoriques. Le tableau présenté est l'un des exemples de sa peinture de paysage. L'œuvre démontre clairement le lien génétique entre la peinture de Jan Brueghel et l'art de son père. Une comparaison s’impose inévitablement avec le tableau de Pieter Bruegel « Paysage avec la chute d’Icare » (vers 1558, Musée royal des Beaux-Arts de Bruxelles), peint 50 ans avant cette œuvre. Ils sont construits de la même manière : ligne ondulée Les frontières maritimes et terrestres divisent la composition en deux parties. Dans les deux cas, on choisit un point culminant pour peindre un paysage rempli de scènes de genre, ce qui permet une large perspective. C’est là que s’arrêtent peut-être les similitudes : la peinture du père est pleine d’intensité dramatique, tandis que celle du fils n’est qu’un paysage. Et la différence ne réside pas dans l’intrigue, mais dans la psychologie : l’art du père reflète son esprit agité, tandis que le caractère du fils est sans conflit.

Jan van Goyen (1596-1656) L'hiver sur la rivière. B/g. Bois, huile. 68x90,5

Les chercheurs notent un trait caractéristique du style de l’artiste, qui attire l’attention du spectateur moyen : l’horizon dans les peintures de l’artiste est placé assez bas, de sorte que le ciel occupe environ les deux tiers de la surface de la toile. Cela s'explique probablement par le fait que l'état du ciel - qu'il soit clair ou plus ou moins nuageux - a une influence extraordinaire sur la couleur visible de la grande étendue d'eau, que le peintre a généralement représentée et en est devenu célèbre. Bien que l’œuvre présentée ne représente pas la mer, mais un fleuve hivernal gelé, le ciel joue néanmoins un rôle très important. Dans les œuvres de Goyen, il n'est jamais bleu sans nuages ou bleu clair, mais toujours couvert de nuages. Les toiles de l'artiste sont réalisées de manière picturale monochromatique. Les jours nuageux et brumeux sont généralement représentés.

Meindert Gobbema (1638-1709) Moulin à eau. B/g. Chêne, huile. 59,5x84,5

Au XVIIe siècle, Jacob van Ruisdael dominait la peinture paysagère hollandaise avec Rembrandt. Parmi les étudiants de Ruisdael à Amsterdam, Meindert Gobbema (Hobbema) acquit une renommée presque plus grande que l'enseignant.

Meindert Gobbema est le dernier des grands peintres paysagistes hollandais du XVIIe siècle. Les peintures de Gobbema se distinguent par leur simplicité, leur naturel et leur exécution soignée. L'artiste est attiré par les arbres, la forêt dense, les vues de villages, les maisons paysannes aux toits rouges, le clocher d'une église perdu dans la brume de l'horizon et un milieu de plan éclairé par le soleil. Le motif principal de ces paysages est souvent un vieux moulin. De nombreuses variations du maître sur ce thème sont conservées dans différents musées à travers le monde, le tableau de Dresde en fait partie.

Dans l'esprit humain, du moins dans la culture européenne, de nombreuses idées et idées sont associées au moulin, qui colorent toujours émotionnellement notre perception tant dans la réalité que dans l'art. On y associe traditionnellement l'idée de solitude, colorée par des expériences romantiques. L'eau qui coule sans fin est associée à l'idée de l'immuabilité de l'existence, une roue en rotation - le mécanisme principal du moulin - à travers une allusion à la « roue de la Fortune » introduit l'idée des vicissitudes du destin dans le cercle de images générées.

Anthony van Dyck (1599-1641) Portrait d'un chevalier à la bande rouge 1625-1627. Toile, huile. 90x70

Si l'on définit très brièvement la différence entre l'art hollandais et flamand du XVIIe siècle, on peut dire que dans le premier, les natures mortes, appelées « blende », prédominent en raison des traits réalistes et des détails étonnants de l'image, amenés au point d'illusion, dans le second, des portraits d'apparat. Anthony van Dyck est le plus brillant représentant du genre, maître des portraits de cérémonie et des sujets religieux de style baroque.

« Portrait d’un chevalier à l’anneau rouge » est l’un des meilleurs exemples de l’œuvre de Van Dyck. Sur le plan de la composition, il est magnifiquement construit : le visage du modèle est au centre horizontal de l’image, l’énergie, la force et le courage se ressentent dans sa rotation, il attire le regard du spectateur. La texture et l'éclat de l'armure du chevalier sont merveilleusement restitués.

Le portrait a été peint à une époque de sa vie où Van Dyck créait avec une facilité et une rapidité extraordinaires tout en parvenant à une élaboration parfaite de ses œuvres. À la fin de sa vie, le maître, à court d'argent, fut obligé d'écrire trop pour avoir le temps de le faire avec une perfection artistique totale. De 1621 à 1627, il vécut en Italie, passant la plupart de son temps dans les plus hautes sphères de la société génoise. De nombreux représentants de l'aristocratie sont devenus pour lui des modèles. Cependant, il n’a toujours pas été possible d’identifier le personnage de ce tableau. Il est même possible qu'il ne s'agisse pas du portrait d'une personne réelle, mais d'une sorte d'allégorie.

Rembrandt (1606-1669) Portrait de Saskia van Uylenburch 1633. Chêne, huile. 52,5x44,5

Vers 1631-1632, Rembrandt s'installe définitivement à Amsterdam. Il s'installe dans l'une des chambres du marchand d'art Hendrik van Uylenburch, qui vivait déjà avec lui la fille de sa parente, Saskia van Uylenburch. Les jeunes gens tombent amoureux et se marient deux ans plus tard. La fille venait d'une famille riche, c'est ainsi que Rembrandt est entré dans la haute société. La période la plus heureuse de sa vie commence, il devient un artiste célèbre et à la mode.

De nombreux portraits de son épouse datent des années trente. Elle était le modèle préféré de l'artiste. Ainsi, en plus du tableau présenté, on peut citer «Flora», dans laquelle Rembrandt représentait Saskia peu avant la naissance de leur fils Titus. Saskia a également servi de modèle pour le célèbre « Danaé » du maître.

Rembrandt (1606-1669) Autoportrait de l'artiste avec son épouse Saskia 1635. Huile sur toile. 161x131

Au cours de sa vie, Rembrandt a peint de nombreux autoportraits. La peinture de Dresde capture la joie de vivre, l'exultation de posséder un être cher - composantes de l'état émotionnel du peintre de cette période. Le regard ouvert des personnages, dirigé vers le spectateur (il semble qu'ils vous invitent à partager leur joie d'être), le visage radieux de Rembrandt, comme s'il avait atteint tous les bienfaits de la vie - telle est l'ambiance de ce toile.

Mais le portrait contient aussi une certaine provocation qui était évidente pour les spectateurs de l'époque : l'artiste se représente à l'image de... un fils prodigue régalant avec une courtisane. Il est à noter que dans l'Évangile Luc dit clairement : « ... il a dilapidé ses biens en menant une vie dissolue. » Rembrandt, s'étant marié par amour, a au contraire exagéré la condition de sa femme et a acquis un statut social plus élevé. Comme ce « fils prodigue » est remarquablement différent de celui qui est revenu auprès de son père après de longues errances dans le tableau de l'Ermitage du même nom !

Si la comparaison avec le héros biblique est tout à fait évidente, alors l'autre signification sémantique de l'image nécessite une explication. Il y a ici une allusion au symbole de la vertu de modération, dont la transgression a entraîné une triste fin pour le fils prodigue. Ce symbole est un verre levé dans la main d'un gentleman (c'est-à-dire Rembrandt) - une « flûte », comme on l'appelait dans l'usage néerlandais de l'époque - un récipient mesuré, signe d'une sage maîtrise de soi, l'emblème de ce qui est souligné par sa taille disproportionnée.

Willem Claes Heda (1593/1594-1680/1682) Petit déjeuner avec tarte aux myrtilles 1631. Bois, huile. 54x82

Au XVIIe siècle en Hollande, de nombreux artistes créaient des natures mortes, et parmi eux il y avait une spécialisation : l'un représentait des fleurs, un autre des plats, un troisième des instruments de musique. Willem Klass Heda a peint des natures mortes similaires pendant plusieurs décennies, du moins elles remontent à la fois à 1631 (représenté par « Petit déjeuner avec tarte aux myrtilles ») et à 1651. Pendant si longtemps en travaillant dans un genre, les artistes ont atteint une perfection impressionnante dans la technique de rendu des fruits et légumes, textures de tissus, objets en métal et en verre, eau dans des verres. Les natures mortes avec de la nourriture étaient appelées « ontbijtjes » (du néerlandais - « petit-déjeuner »).

La demande pour de telles natures mortes était très forte. Au début des années 1630, Heda commença à les écrire, en utilisant les canons plutôt conservateurs de ses contemporains - Floris Klee van Dyck et Nicolaes Gillies. Il place également la table strictement parallèle au plan du tableau, c'est-à-dire au mur du fond de la pièce. L’artiste apporte néanmoins un certain renouveau à la composition de ses natures mortes. Ainsi, sa nappe blanche ne recouvre pas toute la table, mais seulement une partie de celle-ci. Ainsi, il évite la monotonie du fond.

La prédilection à long terme de Head pour les mêmes sujets est remarquable. Une tasse, un verre, un verre à liqueur, une lame de Damas, une montre de poche avec un couvercle ouvert et un mécanisme incroyablement précis (l'artiste a utilisé les meilleurs pinceaux dans son travail) - tout cela a été reproduit avec un amour incontestable.

Jan Davids de Heem (1606-1684) Fleurs dans un vase en verre et fruits. B/g. Toile, huile. 100x75,5

Jan Davids de Heem est un artiste néerlandais qui a travaillé quelque temps à Leyde, mais en 1635 il rejoint la guilde anversoise de Saint-Luc et devient l'année suivante citoyen anversois. Vers 1667, il retourna dans son Utrecht natal, mais en 1672 il s'enfuit à Anvers pour échapper aux Français qui s'étaient emparés de la ville.

De Heem est devenu célèbre pour ses magnifiques natures mortes de fleurs. Ils sont si soigneusement exécutés qu'ils pourraient bien servir aujourd'hui comme une sorte d'ouvrage de référence sur la flore européenne. Mais avant tout, les toiles séduisent par leurs qualités artistiques, la beauté des combinaisons de couleurs végétales et de peintures, la richesse de leur palette, la complexité de la composition, qui permet d'imaginer une gamme de couleurs vives (colorées) de fleurs (plantes).

En grande partie grâce à Jan Davids de Heem, la nature morte est devenue un genre de peinture indépendant dans l'œuvre des maîtres hollandais et flamands du XVIIe siècle. Les natures mortes de cette époque sont largement allégoriques. Ainsi, en plus des fleurs elles-mêmes, la photo présentée montre un papillon et un escargot ; sur d'autres toiles, il y a des chenilles et des larves. Ils ne désignent pas seulement le cycle de la vie humaine terrestre, mais aussi la mort et la résurrection.

Adrian Brouwer (1606-1638) Combat de paysans en jouant aux cartes. B/g. Chêne, huile. 26,5x34,5

Adrian Brouwer, élève de Frans Hals, fut l'un des créateurs les plus originaux de l'art flamand. Il a vécu une vie courte - seulement 32 ans, mourant de la peste. L'artiste a écrit scènes de genre de la vie paysanne, des danses folkloriques, des joueurs de cartes, des fumeurs, des papillons et des combats. Il s’intéressait particulièrement aux sentiments, aux expressions et aux expressions faciales des personnages. Les peintures de Brouwer se distinguent par leur vivacité et leur ingéniosité de conception. Certaines de ses peintures peuvent évoquer des pensées caricaturales. Cependant, après un examen attentif, il apparaît clairement qu’il ne s’agit là que d’une reproduction de situations quotidiennes très fidèles. Dans les peintures du maître, il n'y a pas de condamnation délibérée des héros par le ridicule. Il écrivait simplement sur la vie qui l'entourait. Le peintre n'était pas apprécié de ses contemporains ; il était toujours dans le besoin. Les générations suivantes ont longtemps perçu Brouwer avant tout comme un humoriste, mais plutôt comme un personnage tragique.

Une querelle en jouant aux cartes est l'une des intrigues préférées de Brouwer. L'action se déroule dans une taverne typique avec ses habitués sordides et son environnement pauvre. Cependant, pour représenter ainsi la pauvreté, le maître devait évidemment avoir une riche imagination artistique.

Adrian van Ostade (1610–1685) Artiste en atelier 1663. Huile sur bois. 38x35,5

Adrian van Ostade est un artiste néerlandais de l'époque baroque, représentant du genre quotidien. Il a étudié avec Frans Hals et, plus tard, son style créatif a été fortement influencé par Rembrandt, mais le talentueux peintre de genre flamand Adrian Brouwer a eu une influence particulière. Ostade est ainsi devenu un écrivain de la vie quotidienne des Néerlandais. Les héros de ses tableaux sont généralement des gens ordinaires, d'où les intrigues correspondantes : des scènes de taverne (parfois avec des bagarres), des frères ivres, des musiciens ivres (toute une galerie : un violoniste, un flûtiste, un joueur de cornemuse, un éventreur il est même surprenant de voir combien de roturiers pourraient jouer au instruments de musique, et surtout au violon).

Sur la toile présentée, l'intrigue est correcte. Certains pensent qu'il s'agit d'un autoportrait du peintre. Quoi qu'il en soit, la vue de l'atelier et de l'artiste qui y travaille avec altruisme évoque une sensation agréable : une pièce spacieuse, inondée de lumière par une fenêtre joliment grillagée, un désordre qui peut être considéré comme créatif... Tout est fait dans couleurs chaudes et harmonieuses. En un mot, l'image crée une ambiance romantique, évoque la tristesse du bon vieux temps et un état d'immersion totale dans la créativité.

Gérard Terborch (1617-1681) Femme se lavant les mains. Vers 1655. Huile sur bois. 53x45

Gérard Terborch est un maître exceptionnel de la peinture de genre de l'école hollandaise du XVIIe siècle. Au début de sa carrière, il peint principalement des scènes de la vie paysanne et des soldats, et à partir de la fin des années 1640, il commence à se spécialiser dans les scènes d'intérieur avec un petit nombre de personnages - en règle générale, il s'agissait de couples, de dames lisant, écrivant et jouant de la musique. . Il est possible que la dame représentée ici soit la sœur de l’artiste.

L'artiste vivait dans la pauvreté, ce qui explique le fait qu'il ait utilisé comme modèle un cercle restreint de personnes proches, notamment sa sœur Gezina. Très probablement, c'est elle qui est représentée dans le tableau «Femme se lavant les mains».

Habituellement, ce type d'intrigue est interprété par les chercheurs comme une allégorie de la vie dissolue, mais dans ce cas, le contenu de l'œuvre représente probablement une allégorie de la vertu. Ses symboles sont les rideaux du lit tirés (dans de nombreux autres tableaux, ils sont écartés), la dame se lavant les mains (depuis l'époque du procès du Christ par Ponce Pilate, ce geste symbolise la réticence à participer à quelque chose de répréhensible), l'absence de bijoux sur la table (dans d'autres scènes similaires du même Terborch, ces décorations sont « lues » comme un paiement pour les plaisirs amoureux) et enfin un chien, protégeant la tranquillité d'esprit du propriétaire. L’illustration la plus claire de la signification du symbole animal peut être vue dans le tableau « Portrait du couple Arnolfini » de Jan van Eyck, conservé à la National Gallery de Londres (voir le volume 11 de la collection « Grands musées du monde »).

D’un point de vue pittoresque, Terborch se révèle dans cette œuvre un maître inégalable dans le rendu de la matière, en particulier du satin blanc (la robe de la jeune fille) et de la nappe multicolore.

David Teniers le Jeune (1610-1690) Fête champêtre à la taverne Crescent. Fragment 1641. Huile sur toile. 93x132

David Teniers le Jeune (le Jeune car il portait le même nom que son père, David Teniers l'Ancien) a surpassé son parent et, croit-on, son enseignant. Meilleures photos Les peintures de l'artiste ont été réalisées dans les années 1640, lorsqu'il devint peintre de la cour de l'archiduc Léopold Guillaume d'Autriche. Teniers rassembla une collection d'art pour le souverain et en devint le gardien. Dans ce statut, Teniers s'est montré très clairement : il a non seulement dressé un catalogue de la collection, mais a également réalisé de petites copies de nombreux tableaux, dont de précieux tableaux de maîtres de l'école vénitienne de la Renaissance. On lui attribue plus de 2 000 de ses propres œuvres, même si, bien entendu, il n’a pas été aussi prolifique. La galerie de Dresde abrite neuf œuvres de l'artiste.

Une partie importante de l'héritage de Teniers est constituée de nombreuses œuvres représentant des scènes de la vie du peuple. L'image présentée est un exemple typique du genre kermes, populaire dans l'art hollandais - une fête de village avec un petit ensemble musical indispensable, des danses joyeuses des villageois et des scènes amusantes de la vie quotidienne. Victor Hugo dans Notre-Dame de Paris écrit à propos de Teniers : « L'orgie prit de plus en plus un caractère flamand. Le pinceau de Teniers lui-même ne pouvait en donner qu’une vague idée.

Wermeer de Delft (1632-1675) Chez le proxénète 1656. Huile sur toile. 143x130

Jan Wermeer de Delft est le plus grand maître de la peinture de genre et de paysage hollandais.

Le tableau « Chez le proxénète » est l’une des nombreuses œuvres de l’artiste dans le genre des scènes quotidiennes. Comme presque toujours dans l'art des petits Hollandais, la scène contient une signification allégorique. Dans ce cas, comme dans l’autoportrait de Rembrandt avec Saskia, l’intrigue remonte à la parabole évangélique du fils prodigue. Dans l'œuvre de Vermeer, un épisode franc est représenté dans un bordel avec tous les attributs d'une vie dépravée : une pièce de monnaie qu'un gentleman offre à une dame (paiement pour la vente de l'amour), des verres de vin dans les mains d'une femme et un gentleman sur à gauche, un manche, probablement un luth, qui introduit une allusion à la musique dans les connotations du contenu sémantique du tableau, fortement associé à l'amour. L'artiste, à travers la peinture, transmet le contenu de la mise en scène, qui révèle au spectateur, pourrait-on dire, scène de théâtre avec des dialogues vivants et clairs. Le monsieur de gauche, tournant son regard vers le spectateur, semble l'inviter à participer au festin.

Wermeer de Delft (1632-1675) Jeune fille lisant une lettre à la fenêtre ouverte 1657. Huile sur toile. 83x64,5

Le motif de la lettre se retrouve souvent dans les peintures de Vermeer et s'incarne toujours dans l'image de l'héroïne lisant un message de son amant, loin d'elle.

Il est à noter que sur la toile présentée, l'artiste avait prévu de représenter un Cupidon avec une lettre. Ceci est démontré par des études de travaux aux rayons X, qui ont révélé le motif de Cupidon. Ainsi, la signification symbolique de la scène entière ne fait aucun doute. Le chercheur Norbert Schneider a même vu dans la nature morte et la nappe froissée sur la table des symboles de vœux brisés de fidélité conjugale et de relations extraconjugales. Les pommes et les pêches sont une allusion au récit biblique de la Chute.

Jacob van Ruisdael (1628-1682) Cimetière juif 1655-1660. Bois, huile.84x95

Presque en même temps que Rembrandt, travaillait un autre Néerlandais remarquable - Jacob van Ruisdael - le plus grand maître du paysage, dont les œuvres se distinguent non seulement par une grande compétence, mais aussi par un profond contenu philosophique.

Les paysages du maître sont pleins de drames et de réflexions philosophiques. Ce sont ces caractéristiques créatrices qui se sont manifestées avec une force exceptionnelle dans l’œuvre la plus complexe et la plus tragique, « Le Cimetière juif ». Il est basé sur une image de l’un des coins d’un ancien cimetière juif réel situé près d’Amsterdam. Au fond se trouvent les ruines d'une ancienne synagogue, qui a fonctionné jusqu'en 1675 et qui a été détruite par la foudre. Sur la façade se trouvent plusieurs pierres tombales en marbre, l'une appartenant à l'ancien médecin personnel du roi de France Henri IV, la seconde au grand rabbin d'Amsterdam et la troisième à un riche citoyen.

La peinture est réalisée dans des tons bleu-vert foncé ; l’arrière-plan crée un ciel orageux avec des nuages menaçants bas. Le lourd silence du cimetière est restitué avec précision, un chagrin vieux de plusieurs siècles imprègne chaque recoin. Il y a un sentiment d'inévitabilité de la mort, de courte durée et de futilité de l'existence terrestre. Wolfgang Goethe a qualifié Ruisdael de poète et de penseur. L'éphémère de la vie humaine est soulignée par l'émeute de la végétation, les arbres puissants et l'éternité de la nature...

Du vivant de l’artiste, le tableau s’appelait « Allégorie de la vie humaine ». Le choix du sujet est remarquable : pourquoi l’auteur a-t-il représenté un cimetière juif, et non un cimetière protestant plus proche, pour exprimer sa vision du monde ? Pourquoi l’artiste a-t-il accordé une attention si exceptionnelle à cette œuvre en particulier ? En plus de nombreux croquis préparatoires, Ruisdael réalise deux versions achevées de l'œuvre : Dresde (1650-1653) et Détroit (1660). L'artiste n'a laissé aucune explication à ce sujet.

Il paraît que contenu philosophique Le tableau « Cimetière juif » a été inspiré par la lecture de l’Ecclésiaste du maître. Ce livre lui a fait une très forte impression. L'image d'un ruisseau coulant comme un ruisseau bouillonnant entre des pierres est associée à la lecture de l'Ancien Testament. Le livre du prophète Isaïe dit : “ L’eau, surtout l’eau “ vivante ”, qui coule au printemps, symbolise la vie et le bonheur.

Gabriel Metsu (1629-1667) Game Trader 1662. Huile sur chêne. 61x45

Gabriel Metsu, artiste et dessinateur néerlandais, peint des sujets religieux et mythologiques, des natures mortes et des portraits. Dans les années 1660, le talent de Metsu se manifeste le plus pleinement dans le domaine du genre quotidien, qui reflète, à un degré ou à un autre, l'influence de Steen, Terborch, de Hooch et Vermeer.

Metsyu apparaît comme un maître mature, enclin à la narration narrative et à une présentation intime et lyrique du thème, maîtrisant avec confiance les techniques de peinture aux tons chauds avec de forts contrastes sonores de taches de couleur et une matérialité apparemment tactile dans la représentation des tissus, des fourrures, de la vaisselle, et des articles coûteux. Ses intérieurs chaleureux sont généralement remplis de deux ou trois personnages.

Dans l’une de ses rares œuvres illustrant la vie des gens ordinaires, Metsu reproduit un coin de rue. Un vieil homme, marchand de gibier, est assis contre un mur au plâtre craquelé, ses vêtements sont déchirés, son aspect est pitoyable. Destinée à renforcer l'impression de pauvreté, passe une femme richement vêtue à qui le vieil homme offre ses biens. Ce tableau, construit sur les contrastes sociaux et prétend fournir un aperçu approfondi de la vie, ne contient cependant qu’un simple exposé de faits. Le spectateur n'est pas touché par l'événement en cours ; l'artiste lui-même est froid envers lui, regardant le pauvre vieillard avec les yeux d'un homme riche. Metsya a la particularité de ressentir l'injustice sociale et la tragédie de la vie.

CHAPITRE 6 Art militaire. Art opérationnel L'AIR DOMINANCE est la supériorité décisive de l'aviation de l'une des parties dans l'espace aérien d'un théâtre d'opérations, d'une zone opérationnelle importante ou dans une certaine zone. Permet à l'Armée de l'Air ainsi qu'aux Forces terrestres

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Peinture hollandaise

son émergence et sa période initiale se confondent à tel point avec les premières étapes du développement de la peinture flamande que les historiens de l'art les plus récents considèrent les deux pour toute la période jusqu'à la fin du XVIe siècle. indissociablement, sous un nom général « école néerlandaise ». Tous deux, descendants du bras rhénan, sont muets. la peinture, dont les principaux représentants sont Guillaume de Cologne et Stefan Lochner, considèrent les frères van Eyck comme leurs fondateurs ; tous deux vont depuis longtemps dans la même direction, sont animés par les mêmes idéaux, poursuivent les mêmes tâches, développent la même technique, de sorte que les artistes hollandais ne sont pas différents de leurs frères flamands et brabançons. Cela se poursuit tout au long du règne du pays, d'abord par la maison bourguignonne puis par la maison autrichienne, jusqu'à ce qu'éclate une révolution brutale, aboutissant au triomphe complet des Goll. peuple contre les Espagnols qui les opprimaient. À partir de cette époque, chacune des deux branches de l’art hollandais commence à évoluer séparément, même si elles entrent parfois en contact très étroit l’une avec l’autre. G. la peinture prend immédiatement un caractère original, tout à fait national et atteint rapidement une floraison lumineuse et abondante. Les raisons de ce phénomène, dont on ne retrouve guère d'équivalent dans l'histoire de l'art, résident dans des circonstances topographiques, religieuses, politiques et sociales. Dans ce « bas pays » (hollande), constitué de marécages, d'îles et de péninsules, sans cesse emporté par la mer et menacé par ses razzias, la population, dès qu'elle s'est débarrassée du joug étranger, a dû tout créer à nouveau, en commençant par les conditions physiques du sol et en terminant par les conditions morales et intellectuelles, car tout a été détruit par la précédente lutte pour l'indépendance. Grâce à leur esprit d'entreprise, leur sens pratique et leur travail acharné, les Néerlandais ont réussi à transformer les marécages en champs fertiles et en pâturages luxueux, à conquérir de vastes étendues de terre sur la mer, à acquérir un bien-être matériel et une importance politique extérieure. L'obtention de ces résultats a été grandement facilitée par la forme de gouvernement fédéral-républicain établie dans le pays et par le principe judicieusement mis en œuvre de la liberté de pensée et de croyance religieuse. Comme par miracle, partout, dans tous les domaines du travail humain, une activité ardente s'est soudain mise à bouillir dans un esprit nouveau, original, purement populaire, entre autres dans le domaine de l'art. Parmi les branches de ce dernier, sur le sol hollandais, on a eu de la chance principalement dans une seule - la peinture, qui ici, dans les œuvres de nombreux artistes plus ou moins talentueux apparus presque simultanément, a pris une direction très polyvalente et en même temps une époque complètement différente de la direction de l’art dans d’autres pays. La caractéristique principale qui caractérise ces artistes est leur amour pour la nature, le désir de la reproduire dans toute sa simplicité et sa vérité, sans la moindre fioriture, sans la soumettre à aucune condition d'un idéal préconçu. La deuxième propriété distinctive de Goll. les peintres sont composés d'un sens subtil de la couleur et d'une compréhension de ce qu'une impression forte et enchanteresse peut être produite, en plus du contenu de l'image, uniquement par la transmission fidèle et puissante de relations colorées déterminées dans la nature par l'action de la lumière. rayons, proximité ou plage de distances. Parmi les meilleurs représentants de la peinture géométrique, ce sens de la couleur et du clair-obscur est tellement développé que la lumière, avec ses nuances innombrables et variées, joue dans le tableau, pourrait-on dire, le rôle du personnage principal et confère un grand intérêt à l'intrigue la plus insignifiante, les formes et les images les plus inélégantes. Ensuite, il convient de noter que la plupart des Goll. les artistes ne recherchent pas longuement du matériel pour leur créativité, mais se contentent de ce qu'ils trouvent autour d'eux, dans leur nature natale et dans la vie de leur peuple. Les traits typiques des compatriotes distingués, les physionomies des Néerlandais et des Néerlandaises ordinaires, les divertissements bruyants des fêtes communes, les fêtes paysannes, les scènes de la vie rurale ou de la vie intime des citadins, les dunes indigènes, les polders et les vastes plaines traversées de canaux, les troupeaux paissant dans de riches des prairies, des cabanes, nichées à l'orée des hêtraies ou des chênaies, des villages au bord des rivières, des lacs et des bosquets, des villes aux maisons propres, des ponts-levis et des hautes flèches d'églises et d'hôtels de ville, des ports encombrés de navires, un ciel rempli de vapeurs argentées ou dorées, tout cela, sous le pinceau du . des maîtres imprégnés d'amour pour la patrie et de fierté nationale, se transforment en tableaux pleins d'air, de lumière et d'attractivité. Même dans les cas où certains de ces maîtres ont recours à la Bible, à l'histoire ancienne et à la mythologie comme thèmes, même alors, sans se soucier de maintenir la fidélité archéologique, ils transfèrent l'action dans l'environnement des Néerlandais, l'entourant d'un décor hollandais. Il est vrai qu'à côté de la foule nombreuse de ces artistes patriotes, il y a une phalange d'autres peintres qui cherchent l'inspiration hors des frontières de leur patrie, dans le pays classique de l'art, l'Italie ; cependant, dans leurs œuvres, il y a aussi des éléments qui exposent leur nationalité. Enfin, comme une caractéristique du but. peintres, on peut souligner leur renoncement aux traditions artistiques. Il serait vain de chercher parmi eux une stricte continuité des principes esthétiques et des règles techniques bien connus, non seulement dans le sens du style académique, mais aussi dans le sens de l'assimilation par les élèves du caractère de leurs professeurs : avec à l'exception peut-être des seuls élèves de Rembrandt, qui suivirent plus ou moins de près les traces de leur génie mentor, presque tous les peintres de Hollande, dès qu'ils passèrent leurs années d'études, et parfois même pendant ces années, commencèrent à travailler dans leur propre voie, selon où leur inclination individuelle les conduisait et ce que l'observation directe de la nature leur enseignait. Donc le but. les artistes ne peuvent pas être divisés en écoles, comme nous le faisons avec les artistes d'Italie ou d'Espagne ; il est même difficile d'en former des groupes strictement définis, et l'expression même " g. école de peinture", qui est devenu d'usage général, ne doit être compris que dans un sens conditionnel, comme désignant une collection de maîtres tribaux, mais pas une véritable école. Entre-temps, dans toutes les principales villes de Hollande, il existait des sociétés organisées d'artistes qui, Il semblerait qu'elles auraient dû influencer la communication de leurs activités dans une direction générale, cependant, ces sociétés portaient ce nom. guildes de st. Arcs, s'ils y ont contribué, alors dans une mesure très modérée. Il ne s'agissait pas d'académies, gardiennes de traditions artistiques bien connues, mais de corporations libres, semblables à d'autres corporations artisanales et industrielles, peu différentes d'elles en termes de structure et visant à l'entraide de leurs membres, à la protection de leurs droits, aux soins. pour leur vieillesse, veillez au sort de leurs veuves et de leurs orphelins. Tout peintre local qui satisfaisait aux exigences des qualifications morales était admis dans la guilde après confirmation préalable de ses capacités et de ses connaissances ou sur la base de la renommée qu'il avait déjà acquise ; les artistes invités étaient admis dans la guilde en tant que membres temporaires pour la durée de leur séjour dans une ville donnée. Les membres de la guilde se réunissaient pour discuter, sous la présidence des doyens, de leurs affaires communes ou pour un échange mutuel de pensées ; mais dans ces réunions il n'y avait rien qui ressemblait à la prédication d'une certaine direction artistique et qui tendrait à restreindre l'originalité de chacun des membres.

Les caractéristiques indiquées de la peinture de G. sont perceptibles dès ses débuts - à une époque où elle se développait de manière indissociable de l'école flamande. Sa vocation, comme celle de cette dernière, était alors principalement de décorer les églises de peintures religieuses, les palais, les hôtels de ville et les maisons nobles de portraits de fonctionnaires et d'aristocrates. Malheureusement, les œuvres des peintres grecs primitifs ne nous sont parvenues qu'en quantités très limitées, car la plupart d'entre elles ont péri à cette époque troublée où la Réforme dévastait les églises catholiques, abolissait les monastères et les abbayes et incitait les « briseurs d'icônes » (beeldstormers) à détruire les paysages pittoresques. et les images sacrées sculpturales, et le soulèvement populaire détruisirent partout les portraits des tyrans détestés. Nous ne connaissons que de nom bon nombre des artistes qui ont précédé la révolution ; Nous ne pouvons juger les autres que par un ou deux échantillons de leur travail. Donc, concernant le plus ancien des Golls. peintres, Albert van Ouwater, il n'y a pas de données positives, à l'exception de l'information selon laquelle il était un contemporain des van Eyck et travaillait à Harlem ; Il n'existe aucune peinture fiable de lui. Son élève Gertjen van Sint-Jan n'est connu que grâce à deux panneaux d'un triptyque conservé à la galerie de Vienne (« Saint-Sépulcre » et « Légende des ossements de Saint-Jean »), qu'il a écrit pour la cathédrale de Harlem. Le brouillard qui nous enveloppe à l'époque initiale de l'école G. commence à se dissiper avec l'apparition sur scène de Dirk Bouts, surnommé Stuerboat († 1475), originaire de Haarlem, mais qui a travaillé à Louvain et est donc considéré par beaucoup comme un faire partie de l'école flamande (ses meilleures œuvres sont deux tableaux " Le procès injustifié de l'empereur Otton " se trouvent au Musée de Bruxelles), ainsi que Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), dont le principal mérite est d'être le professeur de l'école flamande. célèbre Luc de Leyde (1494-1533). Ce dernier, artiste polyvalent, travailleur et très talentueux, a su, comme personne avant lui, reproduire fidèlement tout ce qui attirait son attention, et peut donc être considéré comme le véritable père du genre hollandais, même s'il a dû peindre principalement des œuvres religieuses. peintures et portraits. Dans les œuvres de son contemporain Jan Mostaert (vers 1470-1556), le désir de naturalisme se conjugue avec une touche de tradition gothique, la chaleur du sentiment religieux avec le souci de l'élégance extérieure. Outre ces maîtres remarquables, il convient de mentionner, à l'époque initiale de l'art géorgien, les suivants: Hieronymus van Aken, surnommé J. de Bosch (vers 1462-1516), qui, avec son complexe, posa les bases de la peinture satirique quotidienne, des compositions complexes et parfois extrêmement étranges ; Jan Mundain († 1520), célèbre à Harlem pour ses représentations de diableries et de bouffonneries ; Peter Aertsen († 1516), surnommé « Long Peter » (Lange Pier) en raison de sa grande taille, David Ioris (1501-56), peintre sur verre habile, emporté par les absurdités anabaptistes et s'imaginant être le prophète David et le fils de Dieu, Jacob Swarts (1469 ? - 1535 ?), Jacob Cornelissen (1480 ? - plus tard 1533) et son fils Dirk Jacobs (deux tableaux de ce dernier, représentant des sociétés de tirailleurs, se trouvent à l'Ermitage impérial).

Épouser. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volumes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, « Geschichte der Malerei » (2e et 3e volumes, 1882-1883) ; Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862) ; Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883) ; Havard, « La peinture hollandaise » (1880) ; E. Fromentin, "Les maîtres d'autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov, "Etudes sur l'histoire de la peinture hollandaise à partir de ses échantillons situés à Saint-Pétersbourg." (annexe spéciale à revue "Vestn. Beaux-Arts", 1885-90).

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La peinture hollandaise, aux beaux-arts

Environ la moitié du 16ème tableau. parmi les peintres hollandais, il existe un désir de se débarrasser des défauts de l'art domestique - son angulaire et sa sécheresse gothiques - en étudiant les artistes italiens de la Renaissance et en combinant leur manière avec les meilleures traditions de leur propre école. Ce désir est déjà visible dans les œuvres de Mostert susmentionné ; mais le principal diffuseur du nouveau mouvement doit être considéré comme Jan Schorel (1495-1562), qui vécut longtemps en Italie et fonda plus tard une école à Utrecht, d'où sortirent un certain nombre d'artistes infectés par le désir de devenir des Raphaël hollandais. et Michel-Ange. Sur ses traces, Maarten van Van, surnommé Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, surnommé. Blokhorst (1532-83), Cornelis c. Haarlem (1562-1638) et d'autres appartenant à la période suivante de l'école italienne, comme par exemple Abraham Bloemaert (1564-1651), Gérard Gonthorst (1592-1662), franchirent les Alpes pour s'imprégner des perfections des sommités de la peinture italienne, mais tombèrent, pour la plupart, sous l'influence des représentants du déclin de cette peinture qui commençait à cette époque, ils retournèrent dans leur patrie en tant que maniéristes, imaginant que toute l'essence de l'art réside dans l'exagération des muscles, dans la prétention des angles et le panache des couleurs conventionnelles. Cependant, la passion des Italiens pour la peinture, qui s'est souvent étendue à l'extrême à l'époque de transition de la Géorgie, a apporté une sorte d'avantage, car elle a apporté à cette peinture un dessin meilleur et plus érudit et la capacité de gérer la composition plus librement et avec plus d'audace. Avec la tradition des Pays-Bas anciens et l'amour sans limites pour la nature, l'italianisme est devenu l'un des éléments à partir desquels s'est formé l'art original et très développé de cette époque florissante. Le début de cette époque, comme nous l'avons déjà dit, devrait être daté du début du XVIIe siècle, lorsque la Hollande, ayant conquis son indépendance, commença à vivre une nouvelle vie. Hier encore, la transformation spectaculaire d’un pays opprimé et pauvre en une union d’États politiquement importante, confortable et riche s’est accompagnée d’une révolution tout aussi dramatique dans son art. De tous côtés, presque simultanément, émergent en nombre incalculable de merveilleux artistes, appelés à l'activité par la montée de l'esprit national et la nécessité de leur travail qui s'est développé dans la société. Aux centres artistiques d'origine, Haarlem et Leiden, s'ajoutent de nouveaux - Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haye, Amsterdam, etc. Partout, les anciennes tâches de la peinture se développent d'une manière nouvelle sous l'influence de demandes et de points de vue changeants. , et ses nouvelles succursales, dont les débuts étaient à peine perceptibles dans la période précédente. La Réforme a chassé les peintures religieuses des églises ; il n'était pas nécessaire de décorer les palais et les chambres nobles avec des images de dieux et de héros antiques, et donc la peinture historique, satisfaisant les goûts de la riche bourgeoisie, a abandonné l'idéalisme et s'est tournée vers une reproduction fidèle de la réalité : elle a commencé à interpréter des événements passés depuis longtemps comme les événements de l'époque qui se sont déroulés en Hollande, et ont particulièrement adopté le portrait, perpétuant les traits des gens de cette époque, soit dans des figures uniques, soit dans de vastes compositions à plusieurs figures représentant des sociétés de fusiliers (schutterstuke), qui ont joué un rôle si important dans la lutte pour la libération du pays - les directeurs de ses institutions caritatives (regentenstuke), les contremaîtres d'atelier et les membres de diverses sociétés. Si l’on décidait de parler de tous les portraitistes talentueux de l’époque florissante de la Gaule. l'art, alors le simple fait d'énumérer leurs noms avec une indication de leurs meilleures œuvres prendrait plusieurs lignes ; Par conséquent, nous nous limitons à mentionner uniquement les artistes qui se démarquent particulièrement dans les rangs généraux. Il s'agit de : Michiel Mierevelt (1567-1641), son élève Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572 ? - 1657), prédécesseurs des trois plus grands portraitistes de Hollande - le sorcier du clair-obscur Rembrandt van Rijn (1606-69), dessinateur incomparable qui possédait un art étonnant de modeler des figures en lumière, mais un peu froids dans le caractère et la couleur, Bartholomew van der Gelst (1611 ou 1612-70) et frappant avec la fugue de son pinceau Frans Gols l'Ancien (1581-1666). Parmi ceux-ci, le nom de Rembrandt brille particulièrement dans l'histoire, d'abord tenu en haute estime par ses contemporains, puis oublié par eux, peu apprécié par la postérité, et seulement dans le siècle actuel élevé, en toute honnêteté, au niveau mondial. génie. Dans sa personnalité artistique caractéristique, toutes les meilleures qualités de la peinture de G. sont concentrées, comme au point, et son influence se reflète dans tous ses types - dans les portraits, les peintures historiques, les scènes de tous les jours et les paysages. Les plus célèbres parmi les étudiants et disciples de Rembrandt étaient : Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ou 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (vers 1620-54), Salomon et Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († plus tard 1645), Gerard Dou (1613-75) et Samuel van Googstraten (1626-78). Outre ces artistes, pour compléter la liste des meilleurs portraitistes et peintres historiques de la période considérée, il faut citer Jan Lievens (1607-30), ami de Rembrandt dans ses études avec P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) et Peter Nason (1612-91), qui travaillèrent apparemment sous l'influence de V. d. Gelsta, imitateur de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan et Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) et Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). La peinture domestique, dont les premières expériences sont apparues dans la vieille école hollandaise, se retrouve au XVIIe siècle. sol particulièrement fertile dans la Hollande protestante, libre, bourgeoise et satisfaite d'elle-même. Les petits tableaux, représentant naïvement les coutumes et la vie des différentes classes de la société locale, semblaient à suffisamment de gens plus amusants que les grandes œuvres de peinture sérieuse et, avec les paysages, plus pratiques pour décorer de confortables maisons privées. Toute une horde d'artistes satisfait la demande de telles images, sans réfléchir longtemps au choix des thèmes, mais reproduisant consciencieusement tout ce qui se rencontre dans la réalité, montrant à la fois l'amour pour leur famille, puis l'humour bon enfant, avec précision caractérisant les positions et les visages représentés et affinés dans la maîtrise de la technologie. Tandis que certains s'occupent de la vie des gens ordinaires, des scènes de bonheur et de tristesse des paysans, des beuveries dans les tavernes et les tavernes, des rassemblements devant les auberges au bord des routes, des vacances rurales, des jeux et du patinage sur la glace des rivières et des canaux gelés, etc., d'autres s'occupent le contenu de leurs œuvres provient d'un cercle plus élégant - ils peignent des dames gracieuses dans leur environnement intime, la cour des dandys messieurs, les ménagères donnant des ordres à leurs servantes, les exercices de musique et de chant dans les salons, les réjouissances de la jeunesse dorée dans les maisons de plaisance, etc. Dans la longue série d'artistes de la première catégorie, ils surpassent Adrian et Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ou 1606-38), Jan Stan (environ 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, surnommé Bambocchio en Italie (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, surnommé Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anciennement 1630-76), Jan Minse-Molenar (vers 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) et quelques-uns. etc. Parmi le nombre tout aussi important de peintres qui ont reproduit la vie de la classe moyenne et supérieure, généralement suffisante, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh ( 1630-66), Caspar Netscher (1639-84), France c. Miris l'Ancien (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668 ). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony et Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La catégorie des peintres de genre comprend les artistes qui ont peint des scènes de la vie militaire, de l'oisiveté des soldats dans les corps de garde. , campings, escarmouches de cavalerie et batailles entières, dressage de chevaux, ainsi que scènes de fauconnerie et de chasse à courre s'apparentant à des scènes de bataille. Le principal représentant de cette branche de la peinture est le célèbre et extraordinairement prolifique Philips Wouwerman (1619-68). Outre lui, son frère de ce maître, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), que l'on rencontrera bientôt parmi les paysagistes, ledit Palamède, Jacob Leduc (1600 - plus tard 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Pour beaucoup de ces artistes, le paysage joue un rôle aussi important que les figures humaines ; mais parallèlement à eux, une masse de peintres travaillent, en faisant leur tâche principale ou exclusive. En général, les Néerlandais ont le droit inaliénable d'être fiers du fait que leur patrie est le berceau non seulement du genre le plus récent, mais aussi du paysage au sens où on l'entend aujourd'hui. En fait, dans d'autres pays, par ex. en Italie et en France, l'art s'intéressait peu à la nature inanimée, n'y trouvait ni une vie unique ni une beauté particulière : le peintre n'introduisait le paysage dans ses tableaux que comme élément secondaire, comme décor, parmi lesquels des épisodes de drame humain ou la comédie se joue, et donc la subordonne aux conditions de la scène, inventant des lignes pittoresques et des lieux qui lui sont bénéfiques, mais sans copier la nature, sans s'imprégner de l'impression qu'elle inspire. De la même manière, il « composait » la nature dans les rares cas où il essayait de peindre une peinture purement paysagère. Les Néerlandais ont été les premiers à comprendre que même dans la nature inanimée, tout respire la vie, tout est attrayant, tout est capable d'évoquer la pensée et d'exciter le mouvement du cœur. Et c'était tout à fait naturel, car les Néerlandais, pour ainsi dire, ont créé la nature qui les entourait de leurs propres mains, l'ont chérie et admirée, comme un père chérit et admire sa propre idée. De plus, cette nature, malgré la modestie de ses formes et de ses couleurs, a fourni aux coloristes comme les Hollandais une matière abondante pour élaborer des motifs lumineux et des perspectives aériennes en raison des conditions climatiques du pays - son air saturé de vapeur, adoucissant les contours des objets, produisant une gradation de tons sur différents plans et couvrant la distance d'une brume de brouillard argenté ou doré, ainsi que la variabilité de l'apparence des zones déterminées par la période de l'année, l'heure du jour et les conditions météorologiques. Parmi les peintres paysagistes de la période de floraison, les Hollandais. les écoles qui étaient des interprètes de leur nature domestique sont particulièrement respectées : Jan V. Goyen (1595-1656), qui, avec Esaias van de Velde (c. 1590-1630) et Pieter Moleyn l'Ancien. (1595-1661), considéré comme le fondateur du Goll. paysage; puis cet étudiant à la maîtrise, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (vers 1600 - plus tard 1679), amoureux des effets d'un meilleur éclairage Art. d. Nair (1603-77), poétique Jacob v. Ruisdael (1628 ou 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) et Cornelis Dekker († 1678). Parmi les Néerlandais, il y avait aussi de nombreux peintres paysagistes qui entreprenaient des voyages et reproduisaient des motifs de nature étrangère, ce qui ne les empêchait cependant pas de conserver un caractère national dans leur peinture. Albert V. Everdingen (1621-1675) a représenté des vues de la Norvège ; Jan Both (1610-1652), Dirk c. Bergen († plus tard 1690) et Jan Lingelbach (1623-74) - Italie ; Ian V. d. Maire le Jeune (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) et Jan Griffir (1656-1720) - Reina ; Jan Hackart (1629-99 ?) - Allemagne et Suisse ; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) et un groupe de ses disciples ont peint des paysages inspirés de la nature italienne, avec des ruines de bâtiments anciens, des nymphes au bain et des scènes d'une Arcadie imaginaire. Dans une catégorie spéciale, nous pouvons distinguer les maîtres qui, dans leurs peintures, combinaient des paysages avec des images d'animaux, privilégiant soit le premier, soit le second, ou traitant les deux parties avec la même attention. Le plus célèbre de ces peintres de l'idylle rurale est Paulus Potter (1625-1654) ; A part lui, Adrian devrait être inclus ici. d. Velde (1635 ou 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) et de nombreux artistes qui se tournèrent vers l'Italie pour leurs thèmes, tels que : Willem Romain († plus tard 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frédéric de Moucheron (1633 ou 1634 -86), etc. La peinture de vues architecturales est étroitement liée à la peinture de paysages, dans laquelle les artistes hollandais n'ont commencé à s'engager en tant que branche indépendante de l'art que dans la moitié du XVIIe siècle. Certains de ceux qui ont travaillé depuis dans ce domaine ont été sophistiqués dans la représentation des rues et des places de la ville avec leurs bâtiments ; ce sont, entre autres, moins significatifs, Johannes Bärestraten (1622-66), Job et Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) et Jacob c. village de Yulft (1627-88). D'autres, parmi lesquels les plus éminents sont Pieter Sanredan († 1666), Dirk c. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 ou 1617-92), ont peint des vues intérieures d'églises et de palais. La mer avait une telle importance dans la vie de la Hollande que son art ne pouvait la traiter qu'avec la plus grande attention. Beaucoup de ses artistes qui traitaient de paysages, de genres et même de portraits, s'éloignant un temps de leurs sujets habituels, devinrent peintres de marine, et si l'on décidait de lister tous les peintres hollandais. des écoles représentant une mer calme ou déchaînée, des navires qui se balancent dessus, des ports encombrés de navires, des batailles navales, etc., nous obtiendrions alors une très longue liste qui inclurait les noms de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. et J. Ruisdael, A. Cuyp et d'autres déjà mentionnés dans les lignes précédentes. En nous limitant à signaler ceux pour qui la peinture d'espèces marines était une spécialité, il faut citer Willem v. de Velde l'Ancien (1611 ou 1612-93), son célèbre fils V. v. de Velde le Jeune (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) et Julius Parcellis († plus tard 1634). Enfin, l'orientation réaliste de l'école hollandaise a été la raison pour laquelle s'est formé et développé un type de peinture qui, dans d'autres écoles jusqu'alors, n'avait pas été cultivé comme une branche spéciale et indépendante, à savoir la peinture de fleurs, de fruits, de légumes, les êtres vivants, les ustensiles de cuisine, la vaisselle, etc., en un mot ce qu'on appelle communément aujourd'hui la « nature morte » (nature morte, Stilleben). Dans cette zone entre le Les artistes les plus célèbres de cette époque florissante étaient Jan-Davids de Gem (1606-83), son fils Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630 -93) , Willem V. Alost (1626-83), Willem Geda (1594 - plus tard 1678), Willem Kalf (1621 ou 1622-93) et Jan Waenix (1640-1719).

La période brillante de la peinture hollandaise n'a pas duré longtemps : un siècle seulement. Depuis le début du XVIIIe siècle. son déclin approche, non pas parce que les côtes du Zuiderzee cessent de produire des talents innés, mais parce que Dans la société, la conscience nationale s'affaiblit de plus en plus, l'esprit national s'évapore et les goûts et vues français de l'époque pompeuse de Louis XIV s'imposent. Dans l'art, ce tournant culturel s'exprime par l'oubli de la part des artistes des principes fondamentaux dont dépendait l'originalité des peintres des générations précédentes, et par un appel aux principes esthétiques apportés d'un pays voisin. Au lieu d'un rapport direct à la nature, de l'amour de l'indigène et de la sincérité, de la domination des théories préconçues, des conventions et de l'imitation de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain et d'autres sommités de l'école française. Le principal propagateur de cette tendance regrettable fut le Flamand Gérard de Leresse (1641-1711), installé à Amsterdam, un artiste très compétent et instruit à son époque, qui eut une énorme influence sur ses contemporains et sa postérité immédiate tant par son pseudo maniéré -des peintures historiques et des œuvres de sa propre plume, parmi lesquelles l'une - "Le Grand Livre du Peintre" ("t groot schilderboec") - a servi de code aux jeunes artistes pendant cinquante ans. Le déclin de l'école a également été marqué. contribué par le célèbre Adrian V. de Werff (1659-1722), dont la peinture élégante avec des figures froides, comme découpées en ivoire, avec une coloration terne et impuissante, semblait autrefois le summum de la perfection parmi les disciples de cet artiste, Henrik V. Limborg (1680-1758) et Philip V.-Dyck (1669-1729), surnommés « Petit V. », étaient célèbres comme peintres historiques. -Dyck". Parmi les autres peintres de l'époque en question, dotés de talent incontestable, mais infecté par l'air du temps, il faut noter Willem et France c. Miris le Jeune (1662-1747, 1689-1763), Nicolas Vercollier (1673-1746), Constantin Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) et Carel de Maur (1656-1738). Un certain éclat a été donné à l'école mourante par Cornelis Trost (1697-1750), avant tout dessinateur, surnommé Dutch. Gogarth, le portraitiste Jan Quincgard (1688-1772), le peintre décoratif et historique Jacob de Wit (1695-1754) et les peintres de la nature morte Jan V. Geysum (1682-1749) et Rachel Reisch (1664-1750).

L'influence étrangère a pesé sur la peinture hollandaise jusque dans les années vingt du XIXe siècle, ayant réussi à y refléter plus ou moins les changements que l'art a subis en France, en commençant par la perruque du temps du Roi Soleil et en terminant par le pseudo-classicisme de David. Lorsque le style de ces derniers devint obsolète et que partout en Europe occidentale, au lieu de la fascination pour les anciens Grecs et Romains, un désir romantique s'éveilla, maîtrisant à la fois la poésie et les arts figuratifs, les Néerlandais, comme les autres peuples, tournèrent leur regard vers leur antiquité, et donc à leur glorieux passé pictural. Le désir de lui redonner l'éclat avec lequel il brillait au XVIIe siècle commença à inspirer les artistes les plus récents et à les ramener aux principes des anciens maîtres nationaux - à une observation stricte de la nature et à une attitude naïve et sincère envers les tâches à accomplir. main. En même temps, ils n'ont pas essayé de s'exclure complètement de l'influence étrangère, mais lorsqu'ils sont allés étudier à Paris ou à Düsseldorf et dans d'autres centres artistiques en Allemagne, ils n'ont ramené chez eux qu'une connaissance des succès de la technologie moderne. Grâce à tout cela, l'école hollandaise ressuscitée a retrouvé une physionomie originale et attrayante et avance aujourd'hui sur la voie qui mène à de nouveaux progrès. Elle peut facilement comparer nombre de ses personnages les plus récents avec les meilleurs peintres du XIXe siècle d'autres pays. La peinture historique au sens strict du terme y est cultivée, comme autrefois, très modérément et n'a pas de représentants marquants ; Mais en termes de genre historique, la Hollande peut être fière de plusieurs maîtres récents importants, tels que : Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (né en 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (né en 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) et le très talentueux Lawrence Alma-Tadema (né en 1836), qui déserta pour l'Angleterre. En ce qui concerne le genre quotidien, qui faisait également partie du cercle d'activité de ces artistes (à l'exception d'Alma-Tadema), on peut citer un certain nombre d'excellents peintres, dirigés par Joseph Israels (né en 1824) et Christoffel Bisschop (né en 1828) ; à côté d'eux, Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (née en 1826), Teresa Schwarze (née en 1852) et Valli Mus (née en 1857) méritent d'être nommées. Le nouvel objectif est particulièrement riche. peinture de peintres paysagistes qui ont travaillé et travaillent de diverses manières, parfois avec une finition soignée, parfois avec la vaste technique des impressionnistes, mais des interprètes fidèles et poétiques de leur nature natale. Il s'agit notamment d'Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (b. 1822), Hendrich c. de Sande-Bockhuisen (né en 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (né en 1837), Lodewijk Apol (né en 1850) et bien d'autres. etc. Héritiers directs de Ya. D. Heyden et E. de Witte, peintres aux vues prometteuses, sont apparus, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Parmi les peintres de marine les plus récents de Hollande, le le palmier appartient à Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (né en 1809), Hermann Koekkoek (1815-1882) et Henrik Mesdag (né en 1831). Enfin, Wouters Verschoor (1812-74) et Johann Gas (né en 1832) font preuve d'une grande habileté dans la peinture animalière.

Près de deux cents ans plus tard, en 1820, le Palais Royal était situé dans ce bâtiment. galerie d'art- l'une des meilleures collections de peinture hollandaise des XVe-XVIIe siècles au monde.

XVIIe siècle est appelé « l'âge d'or » de la peinture hollandaise (à ne pas confondre avec « l'âge d'or » flamand, qui fait référence au travail des artistes flamands du XVe siècle - les soi-disant « primitivistes flamands »).

Tous les genres de cette époque des beaux-arts néerlandais sont représentés de manière complète et variée dans la galerie : de magnifiques exemples de portraits, de paysages, de natures mortes, de peintures historiques et enfin, la principale découverte des maîtres hollandais - des scènes de genre ou des scènes de la vie quotidienne. .

Il semble qu’il n’existe pas un seul artiste néerlandais important dont les œuvres ne seraient pas représentées au Musée de La Haye. Voici les portraitistes Anton van Dyck et Jacob van Kampen, ainsi que les maîtres de natures mortes Willem van Elst et Balthasar van der Ast, célèbres peintres paysagistes : Hendrik Averkamp avec son célèbre « Paysage d'hiver », Jan van Goyen et Salomon van Ruisdel, et bien sûr , brillants maîtres de la scène de genre Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou et d'autres.

Parmi les nombreux noms célèbres, quatre des plus importants de l'art néerlandais se démarquent. Il s'agit de Jan Steen, Frans Hals et de deux des plus grands génies néerlandais, Rembrandt van Rijn et Johannes Vermeer.
À cette époque, l’artiste néerlandais consacrait souvent son art à un genre qu’il préférait. Tels sont Sten et Hals. Toute leur vie, ces artistes ont travaillé chacun dans leur domaine : Sten a développé la scène de genre, Hals a atteint la plus haute maîtrise du portrait.

De nos jours, le travail de ces maîtres est considéré comme un classique en son genre. Dans le musée, vous pouvez voir "The Laughing Boy" de Frans Hals et "The Old Man Sings - The Young People Sing Along" de Jan Steen.
Ni Rembrandt ni Vermeer n’associent leur œuvre à un genre particulier. Tous deux, bien qu'avec une intensité différente, ont travaillé dans des domaines variés, du portrait au paysage, et partout ils ont atteint des sommets inaccessibles, arrachant de manière décisive la peinture hollandaise du cadre étroit du genre.

Rembrandt est généreusement représenté dans les musées de son pays natal. La diversité de son héritage se reflète également dans l'exposition de La Haye. Le musée expose trois tableaux de l'artiste : « Siméon louant le Christ », « La leçon d'anatomie du docteur Tulpa » et l'un des derniers autoportraits du grand maître.
Vermeer, au contraire, a laissé extrêmement peu de tableaux. Le nombre de musées possédant un ou deux tableaux de ce peintre énigmatique se compte sur une main.

Seuls six de ses chefs-d’œuvre subsistent dans le pays natal de l’artiste. Quatre d'entre eux - la plus grande collection de Vermeer au monde - sont conservés au Riksmuseum d'Amsterdam. La Haye est à juste titre fière des deux autres. Il s'agit de la célèbre «Vue de Delft» - la ville natale de Vermeer et, peut-être, son tableau le plus célèbre, qui est devenu la «carte de visite» du musée - «Fille au soufre perlé».
La collection de peintures des Pays-Bas du XVIIe siècle constitue la principale richesse du musée. Mais l'exposition ne se limite pas à cela : la galerie de La Haye est fière des créations d'artistes d'un autre « âge d'or » : celui flamand. Il abrite des œuvres de maîtres du XVe siècle : « Lamentation du Christ » de Rogier van der Weyden et « Portrait d'homme » de Hans Memling.
La collection Moritzhaus est complétée par la galerie de photos Prince Willem V. C'est chronologiquement la première. Musée d'art Hollande. Son exposition, autrefois collectionnée par le prince lui-même et reflétant son goût, est consacrée à la peinture du XVIIIe siècle.

Moritzhaus est ouvert du mardi au samedi de 10h à 17h. Le dimanche et le week-end - de 11 à 17 heures. Fermé le lundi. Prix du billet 12,50 NLG. Enfants de 7 à 18 ans - 6,50 NLG.

La galerie Willem V est ouverte tous les jours de 11h à 16h. Fermé le lundi. Le prix du billet est de 2,50 NLG. Enfants de 7 à 18 ans - 1,50 NLG. L’entrée à la galerie Willem V est gratuite sur présentation d’un billet Moritzhaus.

Nous savons tous que des œuvres d'art uniques ont été créées en Hollande au fil des siècles. Mais que se passe-t-il aujourd’hui sur la scène de l’art contemporain ? Quel jeune artiste peut prendre sa place dans l’histoire ? Amsterdam, comme beaucoup d'autres grandes villes néerlandaises, possède de nombreuses galeries intéressantes qui accueillent de grandes expositions d'artistes créatifs talentueux de tout le pays. Puisqu'il existe un grand nombre d'artistes néerlandais contemporains, célèbres tant dans le pays qu'à l'étranger, leurs œuvres peuvent être trouvées aussi bien au grands musées niveau du Stedelijk, ainsi que dans les petites galeries KochxBos Gallery ou Nederlands Fotomuseum.

Vous trouverez ci-dessous cinq artistes néerlandais émergents qui ont attiré l’attention internationale et qui contribueront sans aucun doute à l’histoire de l’art néerlandais.

Daan Roosegaard

«Le but de mon travail est d'amener les gens à réfléchir à l'avenir», explique Roosegaard. Cet artiste et innovateur est lauréat de plusieurs prix. Il s'est fait connaître dans le monde de l'art contemporain avec son installation Dune en 2006. Des panneaux lumineux interactifs installés le long de la Meuse à Rotterdam ont ouvert la porte à un artiste obsédé par la technologie, le design et l'architecture. Dans ses œuvres, Roosegaard crée un monde futuriste dans lequel les hommes et la technologie interagissent harmonieusement. De février au 5 mai, le « Lotus Dome » sera exposé dans la salle Beuning du Rijksmuseum. Ce dôme de deux mètres réagit à l'approche des gens : des centaines de fleurs en aluminium s'épanouissent, ressentant la chaleur des visiteurs.

Levi van Veluw

Pour van Veluwu, un artiste de Heuwelaken, les méthodes traditionnelles de création d'œuvres d'art ne suffisent clairement pas. Son portfolio comprend des photographies, des sculptures, des dessins et des installations, et l'utilisation de lui-même comme matériau est la marque de son travail. Ce n'est pas un hasard si sa première exposition à la galerie Ron Mandos à Amsterdam présentait une série de six photographies représentant des dessins au stylo à bille magnifiquement détaillés. Au lieu d'une toile, l'artiste a peint son propre visage. Le lien entre le corps et la surface a été découvert par les artistes d’après-guerre, qui ont développé l’art de la performance à un niveau jamais vu auparavant. Mais l'utilisation d'objets du quotidien, comme un stylo, pour créer une œuvre d'art a joué un rôle important dans le succès de van Veluwe. En développant l'idée dans son style personnel, Levi van Veluw a pu exposer son travail dans les meilleurs musées du monde et amener l'art contemporain néerlandais sur la scène internationale.

Tony Van Til

Tony Van Til est diplômé en Beaux-Arts de St. Just, un établissement d'enseignement situé dans la petite ville du sud de Breda, en 2007. Après l'obtention de son diplôme, le jeune artiste étudie projets intéressants. L'un d'eux est "Twitter Sculptures". Depuis 2012, il gère un compte Twitter où il décrit des idées de sculptures en 140 caractères. Par exemple, l'une des idées est « un portrait d'une beauté botoxée, agrandie à la taille d'un mur de 4 étages », d'autres sont plus abstraites : la création d'« ombres avec une douleur croissante ». Parmi les autres œuvres de l'artiste figurent une. série de dessins contenant plus d'idées de sculptures. Écrit sur Twitter processus créatif? Pour Van Til, la réponse est oui.

Anouk Kruythof

Cet artiste basé à Dordrecht utilise des photographies comme matériau source pour créer des sculptures, des installations, des livres et des brochures à distribuer. Elle crée parfois des objets anonymes (comme des cartes et des affiches) que les visiteurs peuvent emporter chez eux. Le Stedelijk Museum accueille actuellement une exposition d'elle et de sa collègue artiste néerlandaise Pauline Olseten. L'installation au rez-de-chaussée présente leur interprétation de la photographie de rue. Caractéristiqueœuvres est une admiration accentuée pour les gens et les étrangers. Un autre aspect de la vie qui attire son attention est la couleur. Selon l’artiste, elle « crée de l’ordre dans le chaos » en utilisant la méthode des dégradés de couleurs.

Harma Heikens

Il est difficile de ne pas évoquer Harma Heikens lorsqu’on parle d’art contemporain néerlandais. Ses premières expositions remontent au début des années 1990. Les sculptures grandeur nature allient style manga et street art contemporain. Le travail de Harma Heikens n’est pas facile à percevoir, surtout au début. Beaucoup les qualifiaient même de « kitsch décalé ». Cela est dû au fait que l'artiste a choisi un sujet très douloureux : l'exploitation des enfants dans une société de consommation où les valeurs sont déformées. Ses sculptures dépeignent le monde perturbé des enfants pauvres et exploités, agissant comme un signal d’alarme pour le spectateur afin qu’il s’attaque à des problèmes sociaux profondément enracinés.

Aujourd’hui, les Pays-Bas protestants ont suivi leur propre voie. Et la Flandre catholique (la Belgique actuelle) sous l’aile de l’Espagne est la sienne.

Jamais auparavant la réalité environnante n’a été autant représentée. Des gens ordinaires, des chambres ordinaires et le petit-déjeuner le plus ordinaire d'un citadin.

Le réalisme a prospéré. Jusqu'au XXe siècle, elle sera une digne concurrente de l'académisme avec ses nymphes et déesses grecques.

Mais j'aime mieux l'autre version. Aux Pays-Bas, au XVIIe siècle, vivait et travaillait un grand maître, le « grand » Hollandais. Et tout le monde était « petit » en comparaison avec lui.

Nous parlons bien sûr de Rembrandt. Commençons par lui.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrait à 63 ans. 1669 Galerie nationale de Londres

Le voici jeune et insouciant dans le tableau « Le fils prodigue à la taverne ». À genoux se trouve son épouse bien-aimée, Saskia. C'est un artiste populaire. Les commandes affluent.

Rembrandt. Le fils prodigue dans une taverne. 1635 Galerie des Maîtres Anciens, Dresde

Mais le même Rembrandt apparaîtra et restera pendant des siècles. Les sentiments bruts des héros. Leurs pensées les plus profondes.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrait. 1650 Musée d'art métropolitain de New York

Frans Hals est l'un des plus grands portraitistes de tous les temps. C’est pourquoi je le classerais également parmi les « grands » Néerlandais.

Regardez son portrait de groupe « Flèches de la Guilde de St. George."

Frans Hals. Flèches de la Guilde de St. George. 1627 Musée Frans Hals, Haarlem, Pays-Bas

Et ses personnages sont aussi très émotifs : ils sourient, rient et gesticulent. Comme par exemple ce « Gypsy » au look rusé.

Frans Hals. Gitan. 1625-1630

3. Gérard Terborch (1617-1681)

Gérard Terborch. Autoportrait. 1668 Galerie Royale Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas

C'est ce maître qui a développé les canons du genre quotidien. Qui sera ensuite empruntée par Jan Vermeer, Pieter de Hooch et bien d’autres « petits » Néerlandais.

Gérard Terborch. Un verre de limonade. années 1660. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

"Un verre de limonade" est l'une des œuvres célèbres de Terborch. Cela montre un autre avantage de l’artiste. Image incroyablement réaliste du tissu de la robe.

Terborch possède également des œuvres insolites. Ce qui en dit long sur sa volonté d’aller au-delà des exigences des clients.

Gérard Terborch. Broyeur. 1653-1655 Musées d'État de Berlin

Comme vous le comprenez, un tel travail n’était pas demandé. Et ils sont rares, même chez les Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Atelier d'artiste. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienne

On ne sait pas avec certitude à quoi ressemblait Jan Vermeer. Il est évident que dans le tableau « L’atelier de l’artiste », il s’est représenté lui-même. La vérité de dos.

Il est donc surprenant qu’un fait nouveau dans la vie du maître soit récemment devenu connu. Il est lié à son chef-d'œuvre « Delft Street ».

Jan Vermeer. Rue de Delft. 1657 Rijksmuseum à Amsterdam

Jan Vermeer. Femme avec des écailles. 1662-1663 Galerie nationale d'art, Washington

Pourquoi Vermeer se démarque-t-il parmi des milliers d’autres « petits » Néerlandais ?

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Autoportrait. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Pieter de Hooch. Une femme de chambre avec une fille dans la cour. 1658 Galerie nationale de Londres

Jusqu'au 20ème siècle, Hoch était très apprécié. Mais peu de gens remarquèrent les petites œuvres de son concurrent Vermeer.

Pieter de Hooch. Joueurs de cartes dans une salle ensoleillée. 1658 Collection royale d'art, Londres

Veuillez noter que dans une modeste maison, sur la toile «Joueurs de cartes», il y a un tableau accroché dans un cadre coûteux.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoportrait au luth. années 1670 Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen est peut-être le « petit » Néerlandais le plus joyeux. Mais j'aime l'enseignement moral. Il représentait souvent des tavernes ou des maisons pauvres dans lesquelles régnait le vice.

Ses personnages principaux sont des fêtards et des dames de petite vertu. Il voulait divertir le spectateur, mais le mettre en garde de manière latente contre une vie vicieuse.

Jan Steen. C'est le bordel. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vienne

Jan Steen. Toilettes du matin. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Mais malgré toute la frivolité, les couleurs de Sten sont très professionnelles. En cela, il était supérieur à de nombreux « petits Hollandais ». Regardez comme le bas rouge se marie parfaitement avec la veste bleue et le tapis beige vif.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portrait de Ruisdael. Lithographie tirée d'un livre du XIXe siècle.

L’âge d’or de la peinture hollandaise est l’une des époques les plus marquantes de l’histoire de la peinture mondiale. L'âge d'or de la peinture hollandaise est considéré 17ème siècle. C'est à cette époque que les artistes et peintres les plus talentueux créent leurs œuvres immortelles. Leurs peintures sont toujours considérées comme des chefs-d'œuvre inégalés, conservés dans des musées célèbres du monde entier et considérés comme un patrimoine inestimable de l'humanité.

D'abord 17ème siècle En Hollande, un art plutôt primitif était encore florissant, justifié par les goûts et préférences banals des personnes riches et puissantes. À la suite de changements politiques, géopolitiques et religieux, l’art néerlandais a radicalement changé. Si auparavant les artistes essayaient de plaire aux bourgeois hollandais, décrivant leur vie et leur mode de vie, dépourvus de tout langage noble et poétique, et travaillaient également pour l'église, qui commandait aux artistes de travailler dans un genre plutôt primitif avec des sujets anciens , puis le début du XVIIe siècle constitue une véritable avancée. En Hollande, régnait la domination des protestants, qui cessèrent pratiquement de commander des peintures sur des thèmes religieux aux artistes. La Hollande devient indépendante de l'Espagne et s'affirme sur le podium historique. Les artistes sont passés de thèmes auparavant familiers à la représentation de scènes de tous les jours, de portraits, de paysages, de natures mortes, etc. Ici, dans un domaine nouveau, les artistes de l'âge d'or semblaient avoir un nouveau souffle et de véritables génies de l'art commençaient à apparaître dans le monde.

Peintures de peintres hollandais

Cornelis de Man - Manufacture d'huile de baleine

Cornelis Trost - S'amuser dans le parc

Ludolf Backhuizen - Quai de campagne des Indes orientales à Amsterdam

Pieter Bruegel l'Ancien - La catastrophe de l'alchimiste

Rembrandt - Andries de Graef

Aujourd’hui, les Pays-Bas protestants ont suivi leur propre voie. Et la Flandre catholique (la Belgique actuelle) sous l’aile de l’Espagne est la sienne.

Jamais auparavant la réalité environnante n’a été autant représentée. Des gens ordinaires, des chambres ordinaires et le petit-déjeuner le plus ordinaire d'un citadin.

Le réalisme a prospéré. Jusqu'au XXe siècle, elle sera une digne concurrente de l'académisme avec ses nymphes et déesses grecques.

Mais j'aime mieux l'autre version. Aux Pays-Bas, au XVIIe siècle, vivait et travaillait un grand maître, le « grand » Hollandais. Et tout le monde était « petit » en comparaison avec lui.

Nous parlons bien sûr de Rembrandt. Commençons par lui.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrait à 63 ans. 1669 Galerie nationale de Londres

Le voici jeune et insouciant dans le tableau « Le fils prodigue à la taverne ». À genoux se trouve son épouse bien-aimée, Saskia. C'est un artiste populaire. Les commandes affluent.

Rembrandt. Le fils prodigue dans une taverne. 1635 Galerie des Maîtres Anciens, Dresde

Mais le même Rembrandt apparaîtra et restera pendant des siècles. Les sentiments bruts des héros. Leurs pensées les plus profondes.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrait. 1650 Musée d'art métropolitain de New York

Frans Hals est l'un des plus grands portraitistes de tous les temps. C’est pourquoi je le classerais également parmi les « grands » Néerlandais.

Regardez son portrait de groupe « Flèches de la Guilde de St. George."

Frans Hals. Flèches de la Guilde de St. George. 1627 Musée Frans Hals, Haarlem, Pays-Bas

Et ses personnages sont aussi très émotifs : ils sourient, rient et gesticulent. Comme par exemple ce « Gypsy » au look rusé.

Frans Hals. Gitan. 1625-1630

3. Gérard Terborch (1617-1681)

Gérard Terborch. Autoportrait. 1668 Galerie Royale Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas

C'est ce maître qui a développé les canons du genre quotidien. Qui sera ensuite empruntée par Jan Vermeer, Pieter de Hooch et bien d’autres « petits » Néerlandais.

Gérard Terborch. Un verre de limonade. années 1660. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

"Un verre de limonade" est l'une des œuvres célèbres de Terborch. Cela montre un autre avantage de l’artiste. Image incroyablement réaliste du tissu de la robe.

Terborch possède également des œuvres insolites. Ce qui en dit long sur sa volonté d’aller au-delà des exigences des clients.

Gérard Terborch. Broyeur. 1653-1655 Musées d'État de Berlin

Comme vous le comprenez, un tel travail n’était pas demandé. Et ils sont rares, même chez les Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Atelier d'artiste. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienne

On ne sait pas avec certitude à quoi ressemblait Jan Vermeer. Il est évident que dans le tableau « L’atelier de l’artiste », il s’est représenté lui-même. La vérité de dos.

Il est donc surprenant qu’un fait nouveau dans la vie du maître soit récemment devenu connu. Il est lié à son chef-d'œuvre « Delft Street ».

Jan Vermeer. Rue de Delft. 1657 Rijksmuseum à Amsterdam

Jan Vermeer. Femme avec des écailles. 1662-1663 Galerie nationale d'art, Washington

Pourquoi Vermeer se démarque-t-il parmi des milliers d’autres « petits » Néerlandais ?

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Autoportrait. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Pieter de Hooch. Une femme de chambre avec une fille dans la cour. 1658 Galerie nationale de Londres

Jusqu'au 20ème siècle, Hoch était très apprécié. Mais peu de gens remarquèrent les petites œuvres de son concurrent Vermeer.

Pieter de Hooch. Joueurs de cartes dans une salle ensoleillée. 1658 Collection royale d'art, Londres

Veuillez noter que dans une modeste maison, sur la toile «Joueurs de cartes», il y a un tableau accroché dans un cadre coûteux.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoportrait au luth. années 1670 Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen est peut-être le « petit » Néerlandais le plus joyeux. Mais j'aime l'enseignement moral. Il représentait souvent des tavernes ou des maisons pauvres dans lesquelles régnait le vice.

Ses personnages principaux sont des fêtards et des dames de petite vertu. Il voulait divertir le spectateur, mais le mettre en garde de manière latente contre une vie vicieuse.

Jan Steen. C'est le bordel. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vienne

Jan Steen. Toilettes du matin. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portrait de Ruisdael. Lithographie tirée d'un livre du XIXe siècle.

"Burgher" baroque dans la peinture hollandaiseXVIIIe V. – représentation de la vie quotidienne (P. de Hooch, Vermeer). Natures mortes "luxueuses" de Kalf. Portrait de groupe et ses traits par Hals et Rembrandt. Interprétation de scènes mythologiques et bibliques par Rembrandt.

Art hollandais du XVIIe siècle

Au 17ème siècle La Hollande est devenue un pays capitaliste modèle. Elle menait un important commerce colonial, possédait une flotte puissante et la construction navale était l'une des principales industries. Le protestantisme (le calvinisme comme sa forme la plus sévère), qui a complètement supplanté l'influence de l'Église catholique, a conduit au fait que le clergé en Hollande n'a pas eu la même influence sur l'art qu'en Flandre, et surtout en Espagne ou en Italie. En Hollande, l'église ne joue pas le rôle de cliente d'œuvres d'art : les églises ne sont pas décorées d'images d'autel, car le calvinisme rejette toute allusion au luxe ; Églises protestantesétaient d'architecture simple et pas du tout décorés à l'intérieur.

La principale réalisation de l'art hollandais du XVIIIe siècle. - en peinture de chevalet. L'homme et la nature étaient les objets d'observation et de représentation des artistes néerlandais. La peinture domestique devient l'un des genres phares, dont les créateurs ont reçu dans l'histoire le nom de « Petits Hollandais ». Les peintures basées sur des sujets évangéliques et bibliques sont également représentées, mais pas dans la même mesure que dans d'autres pays. En Hollande, il n'y a jamais eu de liens avec l'Italie et l'art classique n'a pas joué un rôle aussi important qu'en Flandre.

La maîtrise des courants réalistes, le développement d'une certaine gamme de thèmes, la différenciation des genres en un seul processus s'achèvent dans les années 20 du XVIIe siècle. Histoire de la peinture hollandaise du XVIIe siècle. démontre parfaitement l'évolution de l'œuvre de l'un des plus grands portraitistes de Hollande, Frans Hals (vers 1580-1666). Dans les années 10-30, Hals a beaucoup travaillé dans le genre des portraits de groupe. Sur les toiles de ces années, des gens joyeux, énergiques et entreprenants regardent, confiants en leurs capacités et en l'avenir (« La Guilde de tir de Saint-Adrien », 1627 et 1633 ;

"Guilde des Fusiliers de St. Georges", 1627).

Les chercheurs appellent parfois les portraits individuels de Hals des portraits de genre en raison de la spécificité particulière de l'image. Le style sommaire de Hulse, son écriture audacieuse, où le coup de pinceau sculpte à la fois la forme et le volume et transmet la couleur.

Dans les portraits de Hals de la fin de la période (années 1950-1960), l'insouciance, l'énergie et l'intensité des personnages représentés disparaissent. Mais c’est à la fin de la période de créativité que Hals atteint le sommet de la maîtrise et crée les œuvres les plus profondes. La coloration de ses tableaux devient presque monochrome. Deux ans avant sa mort, en 1664, Hals revient au portrait de groupe. Il peint deux portraits des régents et régentes d'une maison de retraite, dans l'un desquels il trouva lui-même refuge à la fin de sa vie. Dans le portrait des régents, il n'y a pas d'esprit de camaraderie des compositions précédentes, les modèles sont désunis, impuissants, ils ont des regards ternes, la dévastation est inscrite sur leurs visages.

L'art de Hals était d'une grande importance pour son époque ; il a influencé le développement non seulement des portraits, mais aussi des genres quotidiens, des paysages et des natures mortes.

Le genre paysager de la Hollande du XVIIe siècle est particulièrement intéressant. La Hollande est représentée par Jan van Goyen (1596-1656) et Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

L'apogée de la peinture de paysage dans l'école hollandaise remonte au milieu du XVIIe siècle. Le plus grand maître du paysage réaliste était Jacob van Ruisdael (1628/29-1682). Ses œuvres sont généralement pleines de drames profonds, qu'il représente des bosquets forestiers (« Forest Swamp »),

des paysages avec des cascades (« Cascade ») ou un paysage romantique avec un cimetière (« Cimetière juif »).

La nature de Ruisdael apparaît en dynamique, en éternel renouveau.

Le genre animalier est étroitement lié au paysage néerlandais. Le motif préféré d'Albert Cuyp est celui des vaches à un point d'eau (« Coucher de soleil sur la rivière », « Vaches au bord d'un ruisseau »).

La nature morte connaît un brillant développement. La nature morte hollandaise, contrairement à la nature morte flamande, est une peinture à caractère intimiste, modeste par ses dimensions et ses motifs. Pieter Claes (vers 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) représentaient le plus souvent ce qu'on appelle des petits-déjeuners : des plats avec du jambon ou de la tarte sur une table relativement modestement servie. Les « petits-déjeuners » de Kheda sont remplacés par les luxueux « desserts » de Kalf. Les ustensiles simples sont remplacés par des tables en marbre, des nappes en moquette, des gobelets en argent, des récipients en coquillages de nacre et des verres en cristal. Kalf atteint une virtuosité étonnante en transmettant la texture des pêches, des raisins et des surfaces cristallines.

Dans les années 20-30 du 17ème siècle. Les Néerlandais ont créé un type particulier de peinture à petits personnages. Les années 40-60 ont été l'apogée de la peinture, glorifiant la vie calme et bourgeoise des Pays-Bas, la vie quotidienne mesurée.

Adrian van Ostade (1610-1685) dépeint dans un premier temps les côtés obscurs de la vie paysanne (« Le Combat »).

Depuis les années 40, les notes satiriques de son œuvre sont de plus en plus remplacées par des notes humoristiques (« Dans une taverne de village », 1660).

Parfois, ces petits tableaux sont colorés d'un grand sentiment lyrique. Le « Peintre dans l’atelier » d’Ostade (1663), dans lequel l’artiste glorifie le travail créatif, est à juste titre considéré comme un chef-d’œuvre de la peinture d’Ostade.

Mais le thème principal du « petit Hollandais » n’est toujours pas la vie paysanne, mais la vie bourgeoise. Ce sont généralement des images sans intrigue fascinante. Le narrateur le plus divertissant des films de ce genre fut Jan Stan (1626-1679) (« Revelers », « Game of Backgammon »). Gérard Terborch (1617-1681) y parvint encore davantage.

L'intérieur du « petit Hollandais » devient particulièrement poétique. Le véritable chanteur de ce thème fut Pieter de Hooch (1629-1689). Ses chambres avec une fenêtre entrouverte, des chaussures jetées accidentellement ou un balai laissé derrière elles sont souvent représentées sans figure humaine.

Une nouvelle étape de la peinture de genre commence dans les années 50 et est associée à ce qu'on appelle l'école de Delft, avec les noms d'artistes tels que Carel Fabricius, Emmanuel de Witte et Jan Wermeer, connu dans l'histoire de l'art sous le nom de Wermeer de Delft (1632-1675). ). Les peintures de Vermeer ne semblent en aucun cas originales. Ce sont les mêmes images de la vie bourgeoise figée : lire une lettre, un monsieur et une dame discutant, des servantes effectuant de simples tâches ménagères, des vues d'Amsterdam ou de Delft. Ces tableaux sont simples en action : « Fille lisant une lettre »,

"Le monsieur et la dame à l'épinette"

"L'officier et la fille qui rit", etc. - sont pleins de clarté spirituelle, de silence et de paix.

Les principaux avantages de Vermeer en tant qu'artiste résident dans la transmission de la lumière et de l'air. La dissolution des objets dans un environnement léger et aérien, la capacité de créer cette illusion, ont principalement déterminé la reconnaissance et la gloire de Vermeer précisément au 19ème siècle.

Vermeer a fait quelque chose que personne n'a fait au XVIIe siècle : il a peint des paysages d'après nature (« Rue », « Vue de Delft »).

Ils peuvent être considérés comme les premiers exemples de peinture en plein air.

Le summum du réalisme hollandais, résultat des réalisations picturales de la culture hollandaise au XVIIe siècle, est l'œuvre de Rembrandt. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) est né à Leyde. En 1632, Rembrandt part pour Amsterdam, centre de la culture artistique en Hollande, ce qui attire naturellement le jeune artiste. Les années 30 furent l'époque de sa plus grande gloire, dont la voie fut ouverte au peintre par un grand tableau commandé en 1632 - un portrait de groupe, également connu sous le nom de « L'anatomie du docteur Tulp » ou « Leçon d'anatomie ».

En 1634, Rembrandt épousa une fille issue d'une famille aisée, Saskia van Uylenborch. La période la plus heureuse de sa vie commence. Il devient un artiste célèbre et à la mode.

Toute cette période est entourée de romance. La vision du monde de Rembrandt de ces années est véhiculée le plus clairement par le célèbre « Autoportrait avec Saskia à genoux » (vers 1636). Toute la toile est imprégnée d’une franche joie de vivre et de jubilation.

La langue baroque est la plus proche de l’expression de la bonne humeur. Et Rembrandt durant cette période a été largement influencé par le baroque italien.

Les personnages du tableau « Le Sacrifice d’Abraham » de 1635 apparaissent devant nous sous des angles complexes. La composition est très dynamique, construite selon toutes les règles du baroque.

Dans les mêmes années 30, Rembrandt a commencé à s'engager sérieusement dans le graphisme, principalement la gravure. Les gravures de Rembrandt sont principalement des sujets bibliques et évangéliques, mais dans ses dessins, en véritable artiste hollandais, il se tourne souvent vers ce genre. Au tournant de la première période de l'œuvre de l'artiste et de sa maturité créative, apparaît devant nous l'un de ses tableaux les plus célèbres, connu sous le nom de « La Ronde de nuit » (1642) - un portrait de groupe de la compagnie de fusiliers du capitaine Banning Cock.

Il élargit le champ du genre en présentant plutôt un tableau historique : sur un signal d'alarme, le détachement de Banning Cock se lance en campagne. Certains sont calmes et confiants, d’autres sont excités en prévision de ce qui va arriver, mais tous portent l’expression d’une énergie générale, d’un enthousiasme patriotique et du triomphe de l’esprit civique.

Le portrait de groupe peint par Rembrandt est devenu une image héroïque de l'époque et de la société.

Le tableau était déjà devenu si sombre qu’il était considéré comme une représentation d’une scène nocturne, d’où son nom incorrect. L'ombre projetée par la silhouette du capitaine sur les vêtements clairs du lieutenant prouve qu'il ne fait pas nuit, mais le jour.

Avec la mort de Saskia dans le même 1642, Rembrandt rompit naturellement avec les cercles patriciens qui lui étaient étrangers.

Les années 40 et 50 sont une période de maturité créative. Durant cette période, il se tourne souvent vers des œuvres antérieures afin de les refaire d'une manière nouvelle. Ce fut par exemple le cas de « Danaé », qu'il peint dès 1636. En se tournant vers la peinture dans les années 40, l'artiste intensifia son état émotionnel.

Il a réécrit la partie centrale avec l'héroïne et la servante. En faisant à Danaé un nouveau geste de main levée, il lui a transmis une grande excitation, une expression de joie, d'espoir et d'appel.

Dans les années 40-50, la maîtrise de Rembrandt ne cesse de croître. Il choisit pour interprétation les aspects les plus lyriques et poétiques de l'existence humaine, de cette humanité éternelle, toute humaine : l'amour maternel, la compassion. Les Saintes Écritures lui fournissent le plus de matériel, et à partir d'elles, des scènes de la vie de la Sainte Famille. Rembrandt représente la vie simple, des gens ordinaires, comme dans le tableau « La Sainte Famille ».

Les 16 dernières années sont les années les plus tragiques de la vie de Rembrandt ; il est ruiné et n'a aucun ordre. Mais ces années ont été pleines d'une activité créatrice étonnante, à la suite de laquelle ont été créées des images pittoresques, exceptionnelles par leur caractère monumental et leur spiritualité, des œuvres profondément philosophiques. Même les œuvres de petite taille de Rembrandt de ces années créent une impression de grandeur extraordinaire et de véritable monumentalité. La couleur acquiert de la sonorité et de l'intensité. Ses couleurs semblent rayonner de lumière. Les portraits de feu Rembrandt sont très différents des portraits des années 30 et même 40. Il s’agit d’images extrêmement simples (mi-longueur ou générationnelles) de personnes proches de l’artiste dans leur structure intérieure. Rembrandt a atteint la plus grande subtilité de caractérisation dans ses autoportraits, dont une centaine nous sont parvenus. La dernière pièce de l'histoire des portraits de groupe fut la représentation par Rembrandt des anciens de l'atelier du drapier - les soi-disant « Sindics » (1662), où, avec de maigres moyens, Rembrandt créa des types humains à la fois vivants et différents, mais surtout, il était capable de transmettre le sentiment d'union spirituelle, de compréhension mutuelle et d'interconnexions entre les gens.

Au cours de ses années de maturité (principalement dans les années 50), Rembrandt a créé ses meilleures gravures. En tant que graveur, il n'a pas d'égal dans l'art mondial. Dans chacune d’elles, les images ont une profonde signification philosophique ; ils racontent les mystères de l'existence, la tragédie de la vie humaine.

Il fait beaucoup de dessin. Rembrandt a laissé derrière lui 2000 dessins. Il s'agit notamment de croquis d'après nature, d'esquisses de peintures et de préparations pour des gravures.

Dans le dernier quart du XVIIe siècle. Le déclin de l'école de peinture hollandaise commence, la perte de son identité nationale et, à partir du début du XVIIIe siècle, commence la fin de la grande époque du réalisme hollandais.

Introduction

1. Petits Hollandais

Ecole hollandaise de peinture

Peinture de genre

4. Symbolisme. Nature morte

Rembrandt van Rijn

Vermeer de Delft janvier

Conclusion

Introduction

Le but des travaux de contrôle est :

· Dans le développement du potentiel créatif ;

· Formation d'intérêt pour l'art ;

· Consolidation et reconstitution des connaissances.

L'art hollandais est né au XVIIe siècle. Cet art est considéré comme indépendant et indépendant ; il présente certaines formes et caractéristiques.

Jusqu'au XVIIe siècle, la Hollande ne disposait pas d'artistes artistiques importants, car appartenait à l'État de Flandre. Cependant, peu d’artistes sont célébrés à cette époque. Il s'agit de l'artiste et graveur Luca Leydensky (1494-1533), peintre Dirk Bouts (1415-1475), artiste Skorele (1495-1562).

Peu à peu, différentes écoles se sont mélangées et les maîtres ont perdu les traits distinctifs de leurs écoles, et les artistes restants de Hollande ont cessé d'avoir l'esprit de créativité nationale. De nombreux styles différents et nouveaux émergent. Les artistes tentent de peindre dans tous les genres, à la recherche style individuel. Les méthodes de genre ont été effacées : l’historicité n’est plus aussi nécessaire qu’avant. Un nouveau genre est en train d'être créé : les porteurs de groupe.

Au début du XVIIe siècle, alors que se décidait le sort de la Hollande, Philippe III conclut une trêve entre l'Espagne et les Pays-Bas. Ce qu’il fallait, c’était une révolution, une situation politique ou militaire. La lutte pour l’indépendance a uni le peuple. La guerre a renforcé l'esprit national. Les traités signés avec l'Espagne ont donné la liberté à la Hollande. Cela a incité la création de leur propre art spécial, exprimant l’essence des Néerlandais.

La particularité des artistes néerlandais était de créer une image réelle dans les moindres détails - une manifestation de sentiments et de pensées. C'est la base de l'école hollandaise. Il devient un art réaliste et, au milieu du XVIIe siècle, il atteint des sommets dans tous les domaines.

Pour les Pays-Bas, il est courant de diviser non seulement en genres, mais également en de nombreux sous-types. Certains maîtres peignent des scènes de la vie des bourgeois et des officiers - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), d'autres - de la vie paysanne - Adrian van Ostade (1610-1685). ), troisième - scènes de la vie de scientifiques et de médecins - Gerrit Dou (1613-1675) ; peintres paysagistes - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), peintres de coins de forêt - Meindert Hobbema (1638-1609), maîtres d'intérieur - Pieter Janssens (1623-1682). De temps en temps, un certain genre devient traditionnel dans les écoles d’art. Par exemple, les peintres de natures mortes de Harlem des soi-disant « petits déjeuners » - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).

Les artistes montrent les mœurs et les coutumes, les normes éthiques et morales du comportement humain. Les événements familiaux sont souvent représentés. Les peintres paysagistes et les peintres de natures mortes transmettent la lumière en plein air et représentent magistralement la texture des objets dans les espaces fermés. La peinture domestique est au sommet grâce à Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Pieter de Hooch (1629-1624).

1. Petits Hollandais

Les Little Dutch sont un groupe d'artistes du XVIIe siècle, qui « réunit » les peintres de paysages de petite taille et les peintures de genre quotidiennes (d'où son nom). De telles peintures étaient destinées à l'intérieur modeste des immeubles résidentiels. Ils ont été achetés par les citadins et les paysans. De telles peintures se caractérisent par une sensation de confort dans l'image, la subtilité des détails, la proximité entre la personne et l'intérieur.

P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. et S. van Ruisdael (1628-1682) et (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691), etc. Chacun s'est spécialisé, en règle générale , dans un genre particulier. "Little Dutch" a continué la tradition Maîtres hollandais la Renaissance, qui affirmait que l'art devait non seulement apporter du plaisir, mais aussi nous rappeler des valeurs.

La créativité des artistes peut être divisée en 3 groupes :

années 1630 - l'établissement du réalisme dans la peinture nationale (le principal centre artistique était Haarlem, l'influence de F. Hals était un facteur important) ;

1640-1660 - l'épanouissement de l'école d'art (le centre d'art déménage à Amsterdam, attirant des artistes d'autres villes, l'influence de Rembrandt devient pertinente 2. École de peinture hollandaise

Pendant trois quarts de siècle, l'essor de l'art se poursuit dans le nord des Pays-Bas, dans la république des Provinces-Unies, appelée Hollande. En 1609, cette république reçut le statut d'État. Un État bourgeois a émergé ici.

L'italien a joué un rôle important dans la peinture de la Renaissance. artiste Caravage(1571-1610). Il peignait ses peintures de manière très réaliste, et les objets et les personnages avaient une technique de clair-obscur élevée.

Les artistes étaient nombreux et vivaient dans de petites villes : Haarlem, Delft, Leiden. Chacune de ces villes a développé sa propre école avec ses propres thèmes de genre, mais Amsterdam a joué le rôle le plus important dans le développement de l'art néerlandais.

3. Peinture de genre

En Hollande, parallèlement à la popularité du genre paysager, de nouveaux apparaissent : marina - paysage marin, paysage urbain - veduta, images d'animaux - peinture animalière. Les œuvres de Pieter Bruegel ont eu une influence significative sur le paysage (1525-1529). Les Néerlandais ont peint leur propre beauté unique de la nature pays natal. Au XVIIe siècle, l’école de peinture hollandaise devient l’une des principales d’Europe. L'environnement des gens est devenu une source d'inspiration pour les artistes. Dans l'art de cette époque, la formation d'un système de genres, amorcé à la Renaissance, s'achève. Dans des portraits, des peintures du quotidien, des paysages et des natures mortes, les artistes ont transmis leurs impressions sur la nature et la vie quotidienne. Le genre de la peinture quotidienne - la peinture de genre - a commencé à avoir un nouveau concept. Le genre quotidien s'est développé en deux variétés : le genre paysan et bourgeois (urbain). Les peintures de genre représentaient la vie d'un particulier : fêtes de fêtards, activités économiques, musique. Les artistes prêtaient attention à l'apparence, aux poses et aux costumes. Les objets font partie du confort : une table en acajou, une armoire, un fauteuil recouvert de cuir, une carafe en verre foncé et un verre, des fruits. Ce genre reflétait le comportement et la communication de personnes appartenant à différentes classes.

Les œuvres de Garard Dow étaient très populaires à cette époque. Il peint des scènes modestes de la vie de la petite bourgeoisie. Représente souvent des femmes âgées assises devant un rouet ou en train de lire. La tendance évidente de Dow est de représenter la surface des objets dans ses petites images – motifs de tissus, rides sur de vieux visages, écailles de poisson, etc. (annexe ; fig.

Mais la peinture de genre a évolué. Au cours de sa nouvelle formation, des histoires ont été diffusées sur les thèmes des loisirs, du divertissement et des scènes de la vie des officiers. De telles images étaient appelées « petits déjeuners », « banquets », « sociétés », « concerts ». Ce tableau se distinguait par sa diversité de couleurs et ses tons joyeux. Le genre original était celui des « petits déjeuners ». Il s'agit d'un type de nature morte dans laquelle le caractère de leurs propriétaires était véhiculé à travers la représentation de plats et de plats divers.

Le genre quotidien est le phénomène le plus distinctif et le plus original de l’école hollandaise, qui a ouvert la vie quotidienne d’un particulier à l’art mondial.

Jan Steen a également écrit sur le thème du genre de l'art. Il note avec humour les détails de la vie quotidienne et les relations entre les gens. Dans le tableau «Fêtards», l'artiste lui-même regarde le spectateur avec gaieté et sournoiserie, assis à côté de sa femme qui s'est endormie après un joyeux festin. Et dans le film, à travers les expressions faciales et les gestes des personnages, Jan Steen révèle habilement l'intrigue d'une maladie imaginaire.

Au début des années 30, la formation de la peinture de genre néerlandaise était achevée. La peinture de genre était divisée selon des critères sociaux : sujets sur des thèmes de la vie de la bourgeoisie et scènes de la vie des paysans et des pauvres des villes.

L'un des artistes célèbres qui ont peint dans le « genre paysan » était Adrian van Ostad. DANS période au début créativité, la représentation des paysans était comique. Ainsi, sur la photo, les combattants, éclairés par une lumière crue, ne semblent pas être des personnes vivantes, mais des marionnettes. La juxtaposition de couleurs froides et chaudes, les contrastes de lumière vifs créent des masques aux émotions colériques sur leurs visages.

Plus tard, l'artiste peint des tableaux aux sujets plus calmes, représentant une personne lors de ses activités habituelles, le plus souvent dans des moments de repos. Par exemple, la peinture intérieure « Musiciens du village ». Ostade traduit la concentration des « musiciens », représentant des enfants les regardant à travers la fenêtre avec un humour subtil. Le frère d'Adrian, Isaac van Ostade, décédé prématurément, a également travaillé dans le « genre paysan ». Il a dépeint la vie rurale en Hollande. Le tableau « Winter View » présente un paysage typique avec un ciel gris suspendu au sol, une rivière gelée, au bord de laquelle se trouve un village.

Dans les années 50-60 du XVIIe siècle, les thèmes des peintures de genre se rétrécissent et leur structure change. Ils deviennent plus calmes, plus lyriques, plus réfléchis. Cette étape est représentée par le travail d'artistes tels que : Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Leurs œuvres se caractérisent par une image idéalisée de la vie de la bourgeoisie néerlandaise. Ainsi, dans le tableau intérieur « Chambre dans une maison hollandaise » de Pieter Janssens, une pièce confortable remplie de soleil est représentée avec des rayons de soleil jouant sur le sol et les murs. Le choix de la composition met l'accent sur l'unité de l'homme et de son environnement.

Les peintres de genre néerlandais ont essayé de refléter le monde intérieur de l'homme dans leurs œuvres. Dans des situations qui se produisent régulièrement, ils ont pu montrer tout un monde d'expériences. Ainsi, Gérard Terborch dans le film « Un verre de limonade » a dépeint un langage subtil de gestes, de touchers de mains, de contacts visuels, qui révèle toute une gamme de sentiments et de relations entre les personnages.

La subtilité et la véracité dans la recréation de la réalité sont combinées par les maîtres hollandais avec une beauté discrète et quotidienne. Ce trait se manifeste plus clairement dans la nature morte. Les Néerlandais l'appelaient « immobile ». Dans cette compréhension, les maîtres voyaient dans les objets inanimés une vie cachée associée à la vie d'une personne, à son mode de vie, ses habitudes et ses goûts. Les peintres hollandais ont créé l'impression d'un « désordre » naturel dans l'agencement des choses : ils ont montré une tarte coupée, un citron pelé dont la peau pendait en spirale, un verre de vin inachevé, une bougie allumée, un livre ouvert - cela semble toujours que quelqu'un ait touché ces objets, seulement qu'ils aient été utilisés, la présence invisible d'une personne se fait sentir.

Les principaux maîtres de la nature morte hollandaise de la première moitié du XVIIe siècle étaient Pieter Claes. 1et Willem Hed. Un thème favori de leurs natures mortes est celui des « petits déjeuners ». Dans « Petit-déjeuner au homard » de V. Kheda (annexe ; fig. 16) des objets de formes et de matériaux les plus variés - une cafetière, un verre, un citron, une assiette en argent. Les objets sont disposés de manière à montrer l’attractivité et la particularité de chacun. Grâce à diverses techniques, Heda restitue parfaitement la matière et la spécificité de sa texture ; Ainsi, l’éblouissement de la lumière joue différemment sur la surface du verre et du métal. Tous les éléments de la composition sont unis par la lumière et la couleur. Dans « Nature morte à la bougie » de P. Klass, non seulement la précision de la reproduction des qualités matérielles des objets est remarquable, mais la composition et l'éclairage leur confèrent une grande expressivité émotionnelle. Les natures mortes de Klass et Kheda se ressemblent - elles représentent une ambiance d'intimité et de confort, de tranquillité dans la vie d'une maison bourgeoise, où règne la prospérité. La nature morte peut être considérée comme l'un des thèmes importants de l'art néerlandais - le thème de la vie d'un particulier. Elle a obtenu sa décision principale dans un film de genre.

Symbolisme. Nature morte

Tous les objets d’une nature morte hollandaise sont symboliques. Collections publiées au XVIIIe siècle les pétales émiettés près du vase sont des signes de fragilité ;

o une fleur fanée est un signe de la disparition des sentiments ;

o les iris sont un signe de la Vierge Marie ;

o les fleurs rouges sont un symbole du sacrifice expiatoire du Christ ;

o Le lys blanc n'est pas seulement une belle fleur, mais aussi un symbole de la pureté de la Vierge Marie ;

o œillet - un symbole du sang versé du Christ;

o tulipe blanche - faux amour.

o grenade - symbole de résurrection, symbole de chasteté;

o les pommes, les pêches, les oranges rappelaient l'automne ;

o le vin dans un verre ou une cruche représentait le sang sacrificiel du Christ ;

o olive - un symbole de paix;

o les fruits pourris sont un symbole du vieillissement ;

o les épis de blé et de lierre sont un symbole de renaissance et du cycle de la vie.

o le verre est un symbole de fragilité ;

o porcelaine - propreté ;

o la bouteille est un symbole de péché et d'ivresse ;

o la vaisselle cassée est un symbole de mort ;

o un verre renversé ou vide signifie le vide ;

o couteau - un symbole de trahison;

o les vases en argent sont la personnification de la richesse.

o sablier - un rappel du caractère éphémère de la vie ;

o crâne - un rappel de l'inévitabilité de la mort ;

o épis de blé - symboles de la renaissance et du cycle de la vie ;

o le pain est un symbole du corps du Seigneur ;

o les armes et les armures sont un symbole de pouvoir et de puissance, une désignation de ce qui ne peut pas être emporté avec vous dans la tombe ;

o clés - symbolisent le pouvoir ;

o une pipe fumante est un symbole de plaisirs terrestres éphémères et insaisissables ;

o masque de carnaval - est un signe de l'absence d'une personne ; plaisir irresponsable;

o miroirs, boules de verre sont des symboles de vanité, signe de réflexion, d'irréalité.

Les fondements du paysage réaliste hollandais se sont formés au début du XVIIe siècle. Les artistes ont représenté leur nature préférée avec des dunes et des canaux, des maisons et des villages. Ils ont essayé de représenter la nationalité du paysage, l'atmosphère de l'air et les caractéristiques de la saison. Les maîtres subordonnaient de plus en plus tous les composants de l’image à un seul ton. Ils avaient un sens aigu de la couleur et transmettaient habilement les transitions de la lumière à l'ombre, du ton au ton.

Le plus grand représentant du paysage réaliste néerlandais était Jan van Goyen (1596-1656). Il a travaillé à Leiden et à La Haye. L'artiste aimait représenter les vallées et la surface de l'eau des rivières sur des toiles de petit format. Goyen a laissé beaucoup d'espace au ciel avec des nuages. Il s’agit du tableau « Vue de la rivière Waal près de Nimègue », conçu dans une subtile gamme de couleurs brun-gris.

Plus tard, l’essence caractéristique des paysages change. Elle devient un peu plus large, plus émotive. La spécificité reste la même - sobre, mais les tons acquièrent de la profondeur.

Toutes les nouveautés du style paysager ont été incarnées dans ses peintures de Jacob van Ruisdael (1629-1682). En représentant les arbres et les buissons comme étant volumineux, cela créait le sentiment qu'ils se déplaçaient au premier plan et devenaient plus puissants. Doté d'un excellent sens de la perspective, Ruisdael a habilement restitué les vastes plaines et les environs de la Hollande. Le choix du ton et de l’éclairage évoque la concentration. Ruisdael aimait aussi les ruines en tant que détails décoratifs qui parlent de destruction et de fragilité de l'existence terrestre. Le « cimetière juif » représente une zone négligée. Ruisdael n’a pas réussi à son époque. Le réalisme de ses peintures ne correspondait pas aux goûts de la société. L'artiste, qui jouit désormais à juste titre d'une renommée mondiale, est mort pauvre dans un hospice de Harlem.

Peinture de portraits. Frans Hals

L'un des grands artistes néerlandais était Frans Hals (vers 1580-1666). Il est né au XVIIe siècle à Anvers. Très jeune artiste, il est venu à Haarlem, où il a grandi et s'est formé dans le style de l'école de Karel Van Mander. Haarlem était fier de son artiste et ils ont amené des invités éminents dans son atelier - Rubens et Van Dyck.

Hals était presque exclusivement un portraitiste, mais son art signifiait beaucoup non seulement pour le portrait néerlandais, mais aussi pour la formation d'autres genres. Dans l’œuvre de Hals, on peut distinguer trois types de compositions de portraits : un portrait de groupe, un portrait individuel commandé et un type particulier d’images de portraits, de nature similaire à la peinture de genre.

En 1616, Hals peint « Le Banquet des officiers de la compagnie du St. George's Rifle Regiment », dans lequel il rompt complètement avec le modèle traditionnel d'un porteur de groupe. En créant une œuvre très vivante, réunissant les personnages en groupes et leur donnant des poses variées, il semble fusionner le portrait avec la peinture de genre. L'œuvre fut un succès et l'artiste fut inondé de commandes.

Ses personnages se tiennent naturellement et librement dans le portrait, leur posture et leurs gestes semblent instables et l'expression de leurs visages est sur le point de changer. Caractéristique la plus remarquable manière créative Khalsa est la capacité de transmettre le caractère à travers des expressions faciales et des gestes individuels, comme s'il était pris au vol - « Joyeux compagnon de boisson », « Mulâtre », « Officier souriant ». L'artiste aimait les états émotionnels pleins de dynamique. Mais dans cet instant que Hals a capturé, le plus essentiel, le cœur de l'image du « Gypsy », « Malle Baba » est toujours capturé.

Cependant, dans les images de Hals de la toute fin des années 30 et 40, apparaissent une réflexion et une tristesse étrangères à ses personnages dans le portrait de Willem Heythuisen, et parfois une légère ironie se glisse dans l'attitude de l'artiste à leur égard. L'acceptation jubilatoire de la vie et de l'homme disparaît progressivement de l'art Khalsa.

Des tournants sont survenus dans la peinture de Khalsa. Dans les portraits de Hals, peints dans les années 50 et 60, une maîtrise approfondie de la caractérisation se conjugue avec une nouvelle signification intérieure. L'une des œuvres les plus puissantes de feu Hals est le portrait d'un homme du Metropolitan Museum of Art de New York (1650-1652). La composition du portrait est une image générationnelle de la figure, sa mise en scène claire, le regard dirigé directement vers le spectateur, la signification de la personnalité se fait sentir. La posture de l’homme révèle une autorité froide et un mépris arrogant envers tout le monde. L'estime de soi se conjugue en lui avec une immense ambition. En même temps, une teinte de déception apparaît de manière inattendue dans le regard, comme si chez cette personne se cachaient des regrets à propos du passé - à propos de sa jeunesse et de la jeunesse de sa génération, dont les idéaux sont oubliés et les motivations de la vie se sont estompées.

Les portraits de Hals dans les années 50 et 60 en disent long sur la réalité néerlandaise de ces années-là. L'artiste a vécu une longue vie et a eu l'occasion d'être témoin de la dégénérescence de la société néerlandaise et de la disparition de son esprit démocratique. Ce n’est pas un hasard si l’art Khalsa est désormais démodé. Les dernières œuvres de Hals reflètent avec sensibilité l'esprit du temps, si étranger au maître, mais on y entend aussi sa propre déception face à la réalité environnante. Dans certaines œuvres de ces années, un écho des sentiments personnels du vieil artiste, qui perdait son ancienne gloire et avait déjà vu la fin du voyage de sa vie, est capturé.

Deux ans avant sa mort, en 1664, Hals peignit des portraits des régents et régents (administrateurs) de la maison de retraite de Haarlem.

Dans "Portrait des Régents", tout le monde est uni par un sentiment de déception et de malheur. Il n'y a aucune vitalité chez les régents, comme dans les premiers portraits de groupe de Hals. Tout le monde est seul, chacun existe par lui-même. Les tons noirs avec des taches rose rougeâtre créent une atmosphère tragique.

« Portrait des Régents » est décidé dans une tonalité émotionnelle différente. Dans les poses presque immobiles des vieilles femmes insensibles, qui ne connaissent pas la compassion, on peut sentir l’autorité du maître et en même temps, une profonde dépression les habite toutes, un sentiment d’impuissance et de désespoir face à la mort imminente.

Jusqu'à la fin de ses jours, Hals conserva l'infaillibilité de son savoir-faire et l'art du peintre de quatre-vingts ans gagna en perspicacité et en force.

6. Rembrandt van Rijn

Rembrandt (1606-1669) est le plus grand représentant de l'âge d'or de la peinture hollandaise. Né à Leyde en 1606. Pour recevoir une éducation artistique, l'artiste s'installe à Amsterdam et entre dans l'atelier de Pieter Lastman, puis retourne à Leiden, où en 1625 il commence sa carrière indépendante. vie créative. En 1631, Rembrandt s'installe finalement à Amsterdam et le reste de la vie du maître est lié à cette ville.

L'œuvre de Rembrandt est imprégnée d'une compréhension philosophique de la vie et du monde intérieur de l'homme. C'est l'apogée du développement de l'art hollandais du XVIIe siècle. L'héritage artistique de Rembrandt se distingue par une variété de genres. Il peint des portraits, des natures mortes, des paysages, des scènes de genre, des peintures sur des thèmes historiques, bibliques et mythologiques. Mais plus grande profondeur Les œuvres de l'artiste atteignent les dernières années de sa vie. Les Offices conservent trois œuvres du grand maître. Il s'agit d'un autoportrait dans la jeunesse, d'un autoportrait dans la vieillesse, d'un portrait d'un vieil homme (rabbin). Dans plusieurs de ses œuvres ultérieures, l'artiste plonge toute la surface de la toile dans l'obscurité, focalisant l'attention du spectateur. sur le visage.

C'est ainsi que Rembrandt se présentait à l'âge de 23 ans.

La période de déménagement à Amsterdam a été marquée par biographie créative Rembrandt en créant de nombreuses études masculines et féminines. Il y explore le caractère unique de chaque modèle, ses expressions faciales. Ces petites œuvres devinrent plus tard une véritable école de Rembrandt en tant que portraitiste. C'est la peinture de portraits qui permet à l'époque à l'artiste d'attirer les commandes des riches bourgeois d'Amsterdam et ainsi de connaître un succès commercial.

En 1653, confronté à des difficultés financières, l'artiste transfère la quasi-totalité de ses biens à son fils Titus, après quoi il déclare faillite en 1656. Après avoir vendu sa maison et ses biens, l'artiste s'installe dans la banlieue d'Amsterdam, dans le quartier juif, où il passe le reste de sa vie. La personne la plus proche de lui à cette époque était apparemment Titus, car ses images sont les plus nombreuses. La mort de Titus en 1668 fut l'un des derniers coups du sort pour l'artiste ; il est lui-même décédé un an plus tard. "Matthieu et l'Ange" (1661). Peut-être que Titus était le modèle de l’ange.

Les deux dernières décennies de la vie de Rembrandt sont devenues l'apogée de son talent de portraitiste. Les modèles sont les camarades de l'artiste (Nicholas Breuning, 1652 ; Gérard de Leresse, 1665 ; Jeremias de Dekker, 1666), des soldats, des vieillards et des femmes, tous ceux qui, comme l'auteur, ont traversé des années de douloureuses épreuves. Leurs visages et leurs mains sont illuminés par une lumière spirituelle intérieure. L’évolution intérieure de l’artiste est véhiculée par une série d’autoportraits, révélant au spectateur le monde de ses expériences les plus intimes. La série d'autoportraits est accompagnée d'images d'apôtres sages. Face à l’apôtre, on distingue les traits de l’artiste lui-même.

7. Vermeer de Delft janvier

Peinture d'art hollandais nature morte

Vermeer Jan de Delft (1632-1675) - Peintre hollandais, le plus grand maître de la peinture de genre et de paysage hollandais. Vermeer travaillait à Delft. En tant qu'artiste, il s'est développé sous l'influence de Karel Fabritius, décédé tragiquement dans l'explosion d'un entrepôt de poudre à canon.

Les premières peintures de Vermeer ont des images sublimes ( Le Christ avec Marthe et Marie ). L'œuvre de Vermeer a été fortement influencée par l'œuvre du maître de la peinture de genre Pieter de Hooch. Le style de ce peintre s'est développé davantage dans les peintures de Vermeer.

À partir de la seconde moitié des années 50, Vermeer peint de petits tableaux représentant un ou plusieurs personnages dans la lumière argentée d'un intérieur de maison ( Fille avec une lettre Femme de ménage avec un pot de lait ). À la fin des années 50, Vermeer a créé deux chefs-d'œuvre de la peinture de paysage : une peinture émouvante rue avec des couleurs et des peintures brillantes, fraîches, propres Vue de la ville de Delft . Dans les années 60, le travail de Vermeer s'affine et sa peinture devient plus froide. ( Une fille avec une boucle d'oreille).

À la fin des années 60, l'artiste représentait souvent des pièces richement meublées où dames et messieurs jouaient de la musique et avaient des conversations galantes.

Au cours des dernières années de la vie de Vermeer, sa situation financière se détériore considérablement. La demande de tableaux a fortement chuté, le peintre a été contraint de contracter des emprunts pour nourrir onze enfants et d'autres membres de la famille. Cela a probablement accéléré l’approche de la mort. On ne sait pas ce qui s'est passé - une maladie aiguë ou une dépression due aux finances, mais Vermeer a été enterré en 1675 dans la crypte familiale à Delft.

L'art individuel de Vermeer après sa mort n'a pas été apprécié par ses contemporains. L'intérêt pour lui ne fut ravivé qu'au XIXe siècle, grâce aux travaux du critique d'art et historien de l'art Etienne Théophile Thoré, qui « découvrit » Vermeer pour le grand public.

Conclusion

L'appel à la réalité a contribué à élargir les possibilités artistiques de l'art néerlandais et à enrichir son thème de genre. Si, jusqu'au XVIIe siècle, les thèmes bibliques et mythologiques étaient d'une grande importance dans les beaux-arts européens et que les autres genres étaient peu développés, alors dans l'art néerlandais, la relation entre les genres change radicalement. Il y a une montée en puissance de genres tels que : la vie quotidienne, le portrait, le paysage, la nature morte. Les sujets bibliques et mythologiques eux-mêmes dans l’art néerlandais perdent en grande partie leurs anciennes formes d’incarnation et sont désormais interprétés comme des peintures du quotidien.

Malgré toutes ses réalisations, l'art hollandais présentait également certaines caractéristiques spécifiques de limitation : une gamme étroite de sujets et de motifs. Autre inconvénient : seuls quelques maîtres cherchaient à trouver leur fondement profond dans les phénomènes.

Mais dans de nombreuses peintures et portraits de composition, les images sont de la nature la plus profonde et les paysages montrent la nature vraie et réelle. C'est devenu une caractéristique distinctive de l'art néerlandais. Ainsi, les peintres ont fait de grandes percées dans l'art en maîtrisant l'habileté difficile et complexe de peindre des images du monde intérieur et des expériences d'une personne.

Test m'a donné l'opportunité de tester mes capacités créatives, de reconstituer mes connaissances théoriques et d'en apprendre davantage sur les artistes néerlandais et leurs œuvres.

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La peinture hollandaise, aux beaux-arts

Tout peintre local qui satisfaisait aux exigences des qualifications morales était admis dans la guilde après confirmation préalable de ses capacités et de ses connaissances ou sur la base de la renommée qu'il avait déjà acquise ; les artistes invités étaient admis dans la guilde en tant que membres temporaires pour la durée de leur séjour dans une ville donnée. Les membres de la guilde se réunissaient pour discuter, sous la présidence des doyens, de leurs affaires communes ou pour un échange mutuel de pensées ; mais dans ces réunions il n'y avait rien qui ressemblait à la prédication d'une certaine direction artistique et qui tendrait à restreindre l'originalité de chacun des membres.

En plus de ces maîtres remarquables, méritent d'être mentionnés pour la première époque de l'art hollandais : Hieronymus van Aken, surnommé Hieronymus de Bosch (vers 1462-1516), qui a jeté les bases de la peinture satirique quotidienne avec ses peintures complexes et complexes. et des compositions parfois extrêmement étranges ; Jan Mundain († 1520), célèbre à Harlem pour ses représentations de diableries et de bouffonneries ; Peter Aertsen († 1516), surnommé « Long Peter » (Lange Pier) en raison de sa grande taille, David Ioris (1501-56), peintre sur verre habile, emporté par les délires anabaptistes et s'imaginant être le prophète David et le fils de Dieu, Jacob Swarts (1469 ? - 1535 ?), Jacob Cornelisen (1480 ? - plus tard 1533) et son fils Dirk Jacobs (deux tableaux de ce dernier, représentant des sociétés de tirailleurs, se trouvent à l'Ermitage).

Cependant, la fascination pour les Italiens, qui s'est souvent étendue à l'extrême à l'époque de transition de la peinture hollandaise, a apporté une sorte d'avantage, car elle a apporté à cette peinture un dessin meilleur et plus savant et la capacité de gérer la composition plus librement et avec plus d'audace. Avec la tradition des Pays-Bas anciens et l'amour sans limites pour la nature, l'italianisme est devenu l'un des éléments à partir desquels s'est formé l'art original et très développé de cette époque florissante. Le début de cette époque, comme nous l'avons déjà dit, devrait être daté du début du XVIIe siècle, lorsque la Hollande, ayant conquis son indépendance, commença à vivre une nouvelle vie. Hier encore, la transformation spectaculaire d’un pays opprimé et pauvre en une union d’États politiquement importante, confortable et riche s’est accompagnée d’une révolution tout aussi dramatique dans son art.

Dans sa personnalité artistique caractéristique, toutes les meilleures qualités de la peinture hollandaise sont concentrées, comme au point, et son influence se reflète dans tous ses types - dans les portraits, les peintures historiques, les scènes quotidiennes et les paysages. Les plus célèbres parmi les étudiants et disciples de Rembrandt étaient : Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ou 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (vers 1620-54), Salomon et Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († plus tard 1645), Gerard Dou (1613-75) et Samuel van Googstraten (1626-78). Outre ces artistes, pour compléter la liste des meilleurs portraitistes et peintres historiques de la période considérée, il faut citer Jan Lievens (1607-30), camarade de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72 ) et Pieter Nazon (1612-91), travaillant apparemment sous l'influence de V. d. Gelsta, imitateur de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan et Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) et Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). La peinture domestique, dont les premières expériences sont apparues dans la vieille école hollandaise, se retrouve au XVIIe siècle. sol particulièrement fertile dans la Hollande protestante, libre, bourgeoise et satisfaite d'elle-même.

Les petits tableaux, représentant naïvement les coutumes et la vie des différentes classes de la société locale, semblaient à suffisamment de gens plus amusants que les grandes œuvres de peinture sérieuse et, avec les paysages, plus pratiques pour décorer de confortables maisons privées. Toute une horde d'artistes satisfait la demande de telles images, sans réfléchir longtemps au choix des thèmes, mais reproduisant consciencieusement tout ce qui se rencontre dans la réalité, montrant à la fois l'amour pour leur famille, puis l'humour bon enfant, avec précision caractérisant les positions et les visages représentés et affinés dans la maîtrise de la technologie. Tandis que certains s'occupent de la vie des gens ordinaires, des scènes de bonheur et de tristesse des paysans, des beuveries dans les tavernes et les tavernes, des rassemblements devant les auberges au bord des routes, des vacances rurales, des jeux et du patinage sur la glace des rivières et des canaux gelés, etc., d'autres s'occupent le contenu de leurs œuvres provient d'un cercle plus élégant - ils peignent des dames gracieuses dans leur environnement intime, la cour des dandys messieurs, les ménagères donnant des ordres à leurs servantes, les exercices de musique et de chant dans les salons, les réjouissances de la jeunesse dorée dans les maisons de plaisance, etc. Dans la longue série d'artistes de la première catégorie, ils surpassent Adrian et Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ou 1606-38), Jan Stan (environ 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, surnommé Bambocchio en Italie (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, surnommé Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anciennement 1630-76), Jan Minse-Molenar (vers 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) et quelques-uns. etc. Parmi le nombre tout aussi important de peintres qui ont reproduit la vie de la classe moyenne et supérieure, généralement suffisante, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh ( 1630-66), Caspar Netscher (1639-84), France c. Miris l'Ancien (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668 ). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony et Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La catégorie des peintres de genre comprend les artistes qui ont peint des scènes de la vie militaire, de l'oisiveté des soldats dans les corps de garde. , campings, escarmouches de cavalerie et batailles entières, dressage de chevaux, ainsi que scènes de fauconnerie et de chasse à courre s'apparentant à des scènes de bataille. Le principal représentant de cette branche de la peinture est le célèbre et extraordinairement prolifique Philips Wouwerman (1619-68). Outre lui, son frère de ce maître, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), que l'on rencontrera bientôt parmi les paysagistes, ledit Palamède, Jacob Leduc (1600 - plus tard 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Pour beaucoup de ces artistes, le paysage joue un rôle aussi important que les figures humaines ; mais parallèlement à eux, une masse de peintres travaillent, en faisant leur tâche principale ou exclusive.

En général, les Néerlandais ont le droit inaliénable d'être fiers du fait que leur patrie est le berceau non seulement du genre le plus récent, mais aussi du paysage au sens où on l'entend aujourd'hui. En fait, dans d'autres pays, par ex. en Italie et en France, l'art s'intéressait peu à la nature inanimée, n'y trouvait ni une vie unique ni une beauté particulière : le peintre n'introduisait le paysage dans ses tableaux que comme élément secondaire, comme décor, parmi lesquels des épisodes de drame humain ou la comédie se joue, et donc la soumet aux conditions de la scène, en inventant des lignes pittoresques et des lieux qui lui sont bénéfiques, mais sans copier la nature, sans s'imprégner de l'impression qu'elle inspire.

Parmi les peintres paysagistes de la période de floraison, les Hollandais. les écoles qui étaient des interprètes de leur nature domestique sont particulièrement respectées : Jan V. Goyen (1595-1656), qui, avec Esaias van de Velde (c. 1590-1630) et Pieter Moleyn l'Ancien. (1595-1661), considéré comme le fondateur du Goll. paysage; puis cet étudiant à la maîtrise, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (vers 1600 - plus tard 1679), amoureux des effets d'un meilleur éclairage Art. d. Nair (1603-77), poétique Jacob v. Ruisdael (1628 ou 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) et Cornelis Dekker († 1678).

m peuples, ont tourné leur regard vers leur antiquité, et donc vers le passé glorieux de leur peinture.

Le désir de lui redonner l'éclat avec lequel il brillait au XVIIe siècle commença à inspirer les artistes les plus récents et à les ramener aux principes des anciens maîtres nationaux - à une observation stricte de la nature et à une attitude naïve et sincère envers les tâches à accomplir. main. En même temps, ils n'ont pas essayé de s'exclure complètement de l'influence étrangère, mais lorsqu'ils sont allés étudier à Paris ou à Düsseldorf et dans d'autres centres artistiques en Allemagne, ils n'ont ramené chez eux qu'une connaissance des succès de la technologie moderne.