Qu'est-ce que l'aquarelle. Aquarelle technique mixte

23.06.2020

Notre première connaissance de l'aquarelle remonte à enfance. Les « chefs-d'œuvre » de la peinture pour enfants sont peints avec ces couleurs simples. Années scolaires je ne peux pas non plus m'en passer

C’est probablement pour cette raison que nous le traitons de manière puérile, frivole. Mais quand on voit des dessins à l'aquarelle réalisés par des artistes, on se fige en contemplant cette beauté. Et on se demande comment il est possible de créer une telle splendeur avec des aquarelles simples et familières de l’enfance.

Un peu d'histoire

L'aquarelle est connue des hommes depuis l'Antiquité. C'est la première peinture que l'homme a appris à fabriquer, avec l'ocre. Pharaons égyptiens peints à l'aquarelle sur papyrus. Étant donné que la technique de peinture avec de telles peintures elle-même demandait beaucoup de travail, elle a été oubliée pendant longtemps. On utilisait principalement des peintures à la détrempe ou à l'huile.

DANS Rome antique et en Grèce, l'aquarelle était utilisée pour le fond ou pour tracer les contours lors de la création de fresques. Et en Chine, il n'est devenu populaire qu'après l'invention du papier. Associés à de l'encre noire et colorée, les tissus en soie étaient peints au Japon. Et les artistes chinois ont appris à peindre des portraits.

En Europe, la peinture à l'aquarelle n'a pas pris racine depuis longtemps. Ce n’est qu’au XVIIIe siècle, lorsque les artistes ont commencé à utiliser l’adoucissement et l’ombrage, que ces techniques sont devenues fortes et efficaces. Un exemple frappantÀ cette fin, le « Lièvre » d’Albrecht Dürer est déjà devenu un exemple classique.

L'aquarelle en Russie

Le premier artiste la peinture à l'aquarelle en Russie, il y avait Sokolov Petr Fedorovich. C'est lui qui a largement utilisé l'aquarelle dans ses œuvres. Il peint des paysages, des portraits et des peintures de genre. Grâce à ses œuvres, vous pourrez découvrir à quoi ressemblaient la vie et les coutumes du passé lointain de nos ancêtres.

Au XIXe siècle et au début du XXe, alors qu’il n’existait pas encore de photographie, l’aquarelle connaissait un immense succès auprès du peuple russe. Des techniques d'application simples et une exécution rapide font des longues et fastidieuses heures de pose une chose du passé. Et la couleur transparente et aérienne a séduit la société russe.

Des portraits à l'aquarelle étaient commandés par tous les membres de la famille royale, la noblesse et la bourgeoisie, les ministres, les diplomates et les beautés mondaines. Avoir une collection d’aquarelles dans son arsenal domestique était prestigieux et à la mode. Ils ont ensuite peint leurs tableaux comme suit : artistes célèbres, comme K. Bryullov, M. Vrubel, V. Serov, I. Bilibin.

Artistes contemporains Ils ont amélioré la technique de travail de l'aquarelle au-delà de toute reconnaissance. Les dessins sont réalistes et précis. Les artistes modernes rejettent toutes les techniques classiques et toutes les manières de travailler avec ces peintures. Et ils obtiennent des dessins étonnants, remplis de lumière transparente, de tons délicats et aussi proches que possible de la réalité.

Composition aquarelle

Alors, qu’est-ce que l’aquarelle ? Ce sont des pigments finement broyés, adhésifs d'origine végétale, qui se dissolvent rapidement dans l'eau. Il s’agit généralement de gomme arabique et de dextrine. Pour retenir l'humidité, du miel, du sucre et de la glycérine sont ajoutés. Pour que l'aquarelle s'étale bien et ne s'accumule pas en gouttes, on y introduit de la bile de bœuf. Pour éviter que le matériau ne moisisse, du phénol est introduit.

Quels types de peintures à l'aquarelle existe-t-il ?

Il existe plusieurs types d'aquarelle. Chaque type est bon à sa manière, mais ils ont tous leurs inconvénients. Les aquarelles sont produites en plusieurs types :

Peintures liquides en tube.
Peintures douces dans les fossés.
Peintures solides en carrelage.

Chaque type d’aquarelle présente ses propres avantages et inconvénients. Les aquarelles liquides se diluent facilement avec de l'eau et ne se salissent pas lors de l'utilisation ou du stockage. L'inconvénient est qu'ils commencent rapidement à s'écailler et à se dessécher.

Les aquarelles douces et dures se salissent à l’usage et sont beaucoup moins solubles dans l’eau. Mais ils ne sont pas sujets au délaminage et ne sèchent pas pendant le stockage. Et pourtant, une telle peinture ne peut pas être appliquée au pinceau autant que nécessaire. On ne peut pas en dire autant des aquarelles liquides.

Qualité de la peinture

À quoi doit ressembler une aquarelle de qualité ? Ce sont des couches durables après séchage qui ne tachent pas vos mains, ne s'effacent pas et ne se fissurent pas. Ceux de haute qualité constituent une couche uniforme, sans toutes sortes de taches, rayures et caillots de peinture. Une bonne aquarelle est d’une couleur transparente et facile à laver le papier avec de l’eau.

Pour un artiste débutant

L'aquarelle la plus adaptée aux débutants est le miel scolaire. La peinture est ordinaire, bon marché, de bonne qualité. Contient du miel comme socle en plastique. Tout le reste est constitué de substances synthétiques qui se dissolvent bien dans l'eau.

Les professionnels conseillent de prendre matériaux coûteux pour le travail. Mais pour un débutant, c'est une entreprise financièrement coûteuse, compte tenu de la qualité des dessins. L'aquarelle au miel scolaire est idéale. Vous ne pouvez prendre que du papier et des pinceaux de meilleure qualité.

Tel peintures à l'aquarelle Vendu dans une barquette en plastique à alvéoles. La peinture est versée dans les cellules ; changer la cuvette utilisée, comme dans les kits professionnels, ne fonctionnera pas. La boîte entière doit être remplacée, sinon vous devrez en acheter une autre. C'est peu pratique, mais plus économique que l'achat d'un équipement professionnel coûteux. des peintures.

Parmi les peintures domestiques, "Sonnet" et "White Nights" ont fait leurs preuves - une solution idéale pour ceux qui prennent des cours d'aquarelle pour la première fois. Ces peintures s'adaptent parfaitement au papier et ont tendance à bien se mélanger les unes aux autres. La palette de couleurs est calme et riche. Les couleurs ne s'estompent pas longtemps et résistent à la lumière.

Ce sur quoi il ne faut pas lésiner, c'est le papier. Cela ne doit pas être lisse, mais rugueux. Sinon, les peintures couleront simplement et ne se déposeront pas en beaux traits.

DANS L'Egypte ancienne Ils peignaient avec un bâton aiguisé avec un morceau de poil de chameau au bout en utilisant des peintures à base de terre concassée. Il s’agit de la première technique de l’aquarelle, vieille d’environ quatre mille ans. Depuis, la peinture à l’aquarelle s’est solidement implantée en Europe.

Le mot « aquarelle » lui-même a la racine latine « aqua » – eau. C'est pourquoi principe principal Les techniques de peinture à l’aquarelle déterminent le degré d’humidification du papier. C'est l'eau qui donne la transparence des peintures, la pureté de la couleur et permet de voir la texture du papier.

L'artiste dispose d'un choix de techniques d'aquarelle existantes :

aquarelle sèche (aquarelle italienne);
aquarelle humide (aquarelle anglaise);
technique combinée (mixte);
aquarelle sur papier partiellement humidifié.

Aquarelle sèche (aquarelle italienne)

Acquarello - ce mot semble musical à l'oreille. Des couches de peinture sont appliquées (une s'il s'agit d'une aquarelle monocouche) ou plusieurs (s'il s'agit d'un glaçage) sur une feuille de papier sèche.

« L'aquarelle est la tendre promesse de l'huile », et cette technique directement à cela confirmation.

La tonalité de la peinture est plus épaisse, les couleurs sont plus vives, les traits sont visibles comme si le dessin était peint à l'huile. La principale difficulté est que si l'huile supporte tout, le travail peut être corrigé, mais à l'aquarelle, il est presque impossible de se tromper. Les Italiens ont même le terme « A la Prima », c'est-à-dire « d'un seul coup ». Le tableau est peint sans étapes. Avec des couleurs pures et non diluées, vous devez capturer avec audace l'essence, faire un croquis d'après nature.

Étapes d'un artiste utilisant la technique de l'aquarelle sur sec :

dessiner un dessin de contour, développer des ombres;
aquarelle en une seule couche, ou glaçage ;
les coups de pinceau sont opaques, mosaïques, précis ;
éviter les dépôts sales, grande vitesse travail.

De qui apprendre le style italien : un universitaire russe tableau XIXème siècle. Par exemple, « Paysage italien » de A.A. Ivanov, conservé dans l'État. Galerie Tretiakovà Moscou.

Aquarelle sur mouillé (aquarelle anglaise)

Les Français appellent cette technique « travailler sur l’eau ».

Une feuille de papier est généreusement humidifiée avec de l'eau. Dans cette technique caractéristique principale- imprévisibilité du résultat. Même si l'artiste a correctement calculé le ton et la couleur, le dessin peut encore changer plusieurs fois avant de prendre sa forme définitive et de sécher complètement. Les contours des objets dans cette technique sont flous, les lignes se fondent doucement les unes dans les autres et sont aérées. Un tableau réalisé selon cette technique est pensé et imaginé par le spectateur.

Dans son livre Comment comprendre l'aquarelle, l'écrivain Tom Hoffmann a déclaré : « La peinture à l'aquarelle est un dialogue entre l'artiste et le spectateur, chacun ayant son propre rôle. Si une seule personne parle, l’autre va s’ennuyer.

Étapes de l'artiste dans la technique de l'aquarelle mouillée :

ajouter de l'eau aux peintures;
mélanger la peinture, peu importe où, sur la palette ou sur la feuille ;
mouillez généreusement la feuille, puis lissez-la pour qu'il ne reste plus d'irrégularités ;
retirez l'excès d'eau du drap avec un morceau de coton pour qu'il cesse de briller ;
compléter le dessin avec des traits extrêmement précis ;
sécher le motif pendant 2 heures ;
développement d’éléments de premier plan (si nécessaire).

De qui apprendre le style anglais : le brillant peintre anglais William Turner. Selon ses contemporains, il aurait créé quatre dessins à la fois en utilisant cette technique « à une vitesse étonnante et monstrueuse ».

Depuis Artistes russes un exemple est le dessin de Maximilian Messmacher « Vue de la cathédrale de Cologne ».

Aquarelle technique mixte

De nombreux artistes combinent plusieurs techniques de dessin dans une seule œuvre.

Techniques techniques combinées (mixtes) :

mettre la première couche de peinture sur une feuille humide ;
élaboration de plans, création du degré de flou requis ;
sécher le dessin ;
disposez les prochaines couches de peinture par étapes ;
élaboration des plans médians et proches.

Règle de base de la technologie: le papier n'est pas mouillé partout, mais dans la zone souhaitée (réserve) ; le pigment est appliqué sur la surface de haut en bas.

Le papier peut devenir humide par endroits. L'artiste décide lui-même sur quel plan travailler, créant des taches d'aquarelle. À l’aide d’une éponge, vous devez éliminer l’excès d’eau afin que l’eau ne s’infiltre pas dans les zones qui doivent rester sèches selon le plan de l’artiste. Exemples de techniques combinées dans le travail de l'artiste Konstantin Kuzema.

L’enjeu suivant pour l’artiste est de créer des couches de peinture. Il existe des techniques monocouches et multicouches (glaçage).

Technique d'aquarelle monocouche

Pour paraphraser le célèbre satiriste, un geste imprudent et le meilleur cas de scenario Vous obtiendrez des graphiques au lieu d’aquarelles. La peinture est appliquée en une seule couche ; aucun réglage ne peut être effectué. La technique monocouche peut être appliquée sec sur sec ou mouillé sur sec.

Caractéristiques de l'aquarelle monocouche « sec sur sec » :

exécution littéralement en une ou deux touches ;
il est nécessaire de tracer au préalable les contours du dessin ;
sélectionnez les couleurs à utiliser pour la vitesse ;
pour la colorisation, utiliser les nuances uniquement sur couche humide ;
plus de clarté et de graphisme, moins de débordements.

Caractéristiques de l'aquarelle en une seule couche « mouillé sur sec » :

plus de reflets, moins de graphismes et de clarté ;
Appliquer les traits rapidement, jusqu'à ce qu'ils soient secs, les uns après les autres ;
Pour la colorisation, prévoyez le temps d'ajouter de la peinture lorsque la trace n'est pas encore sèche.

L'avantage de la technique monocouche est la création de teintes aquarelles pittoresques. Sur une feuille sèche, il est plus facile de contrôler la fluidité et le contour des traits. Les artistes contemporains organisent souvent des master classes et publient des vidéos sur Youtube. Vous pouvez voir la technique de l'aquarelle monocouche, par exemple, de l'aquarelliste Igor Yurchenko.

Ceux qui améliorent inlassablement leur technique de l'aquarelle doivent maîtriser la technique multicouche (glaçage), utilisée par des maîtres célèbres.

Technique d'aquarelle multicouche (glacis)

Cette technique d’aquarelle peut donner le feu vert à la création de peintures réalistes. glaçage- technique multicouche, application de l'aquarelle avec des traits transparents du plus clair au plus foncé, une couche sur l'autre.

Caractéristiques de la technique de l'aquarelle multicouche :

réalisme de l'image : l'image est aux couleurs vives et riches ;
la couche inférieure de traits légers et transparents doit avoir le temps de sécher avant la prochaine application ;
les limites des traits sont visibles ;
la peinture ne se mélange pas en différentes couches ;
les traits sont soignés, les plans sont aérés, la peinture est d'un style doux ;
Vous pouvez diviser le processus en plusieurs sessions et compléter une grande toile.

Les œuvres à l'aquarelle réalisées avec de la glaçure s'apparentent à la peinture à l'huile ou à la gouache. Pour que l'œuvre ne présente pas un tel inconvénient, il faut être capable de travailler la lumière, d'appliquer les émaux avec subtilité et précision.

Sergei Andriyaka est considéré comme un maître inégalé de l'aquarelle multicouche. En plus de la créativité, l'artiste s'implique activement activités d'enseignement, ses œuvres et celles de ses élèves sont constamment exposées.

"La peinture à l'huile, c'est comme conduire une limousine, et l'aquarelle, c'est comme conduire une Ferrari." Ce n’est pas la même respectabilité et la même sécurité, mais c’est vraiment cool », a fait remarquer avec humour l’aquarelliste croate Joseph Zbukvich. Ce qu'il faut pour écrire bonne aquarelle, ou « une balade amusante en Ferrari » selon l'artiste ? Il répond : « Suivez l’aquarelle, ou peignez simplement. »

Pour dessiner, il faut des pinceaux, de la peinture, la maîtrise de la technologie et des effets spéciaux. Vous pouvez peindre avec un pinceau sec (essoré), semi-sec et humide (pinceau kolinor ou écureuil).

Les techniques en technologie multicouche sont également variées :

Coups il faut le faire selon le principe « le travail du maître a peur », inventer sa propre technique, en réalisant des traits pointillés, linéaires, flous, bouclés, solides et intermittents.
Remplir couvre la majeure partie du motif avec une seule couleur, utilisée pour fournir des transitions de couleurs douces.
La lessive- appliquer pas plus de trois couches de peinture, l'une sur l'autre après séchage, pour rehausser les demi-teintes, ajouter des détails et des ombres. De cette façon, le ton général est obtenu.
Étirement du dégradé- les traits se mélangent en douceur, chacun suivant étant plus léger que le précédent. Cela se fait avec une transition de couleurs arc-en-ciel.
Tirer de la peinture- un pinceau propre et sec éclaircit le ton du trait, passe sur le papier en récupérant l'excès de pigment.
Réserve- la partie de la feuille qui reste blanche.

Types de réservation :

« contourne" - le nom parle de lui-même, il faut soigneusement faire le tour avec un pinceau les bons endroits. A l'aquarelle humide il faut la laisser en réserve plus d'espaceà cause de fuites de peinture.
impact mécanique: grattage, masquage. Évitez d'endommager le papier avec des objets pointus et des contrastes nets. Matériaux additionnels: rasoir, crayons de cire, etc.
peinture lessive avec un chiffon sec ou une brosse essorée. Vous pouvez utiliser un couteau à palette si la peinture est sèche.

Vous pouvez créer des aquarelles en utilisant les techniques de grisaille (monochrome), dichrome (avec ocre) et multicolore.

Vous pouvez également combiner des matières colorantes et créer des effets spéciaux :

Mélanger des aquarelles avec de la chaux, de la gouache, crayons aquarelle, encre, pastel. Il ne s’agit plus d’une technique pure, mais d’une technique mixte. Qu'est-ce que cela donne ? — clarté (crayons), dégradé (pastel), lavis (encre), illustrations de livres(stylo), réserve (blanc), traits linéaires (crayons aquarelle).
Effets spéciaux " dessiner sur du papier froissé"donne un effet étonnant de clair-obscur sur les plis du papier.
Effet spécial avec du sel: des cristaux de sel sont appliqués sur le dessin et, du fait du frottement avec le papier, des taches fantastiques apparaissent. Convient pour dessiner un ciel étoilé ou une prairie aquatique.
Effets spéciaux " éclaboussures« - cet effet est familier à tous les tout-petits de 1 à 2 ans. Il s’avère que la technique des éclaboussures existe en peinture, et vous ne serez pas grondé pour cela. À l'aide d'une brosse à dents, appliquez de petites gouttes de peinture. Convient pour écrire les éléments, les tempêtes, les tempêtes.
Aquarelle avec du thé: pour un effet papier « vieillissant », avec une texture rappelant le parchemin. La feuille est teintée de feuilles de thé.
Effet spécial avec film alimentaire: le film, humidifié avec de la peinture, se sépare nettement de la feuille de papier. Les taches obtenues sont utilisées comme arrière-plan.

Et encore sur le principe « l’œuvre du maître a peur » : chaque artiste peut créer ses propres techniques et techniques originales. Partager ou non avec les autres est son affaire, mais chaque artiste est responsable de l'originalité de son œuvre. Comme le disait l’aquarelliste Joseph Zbukvic déjà mentionné : « L’aquarelle est le patron. Je ne suis que sa jeune assistante.

Aquarelle (aquarelle française, de l'acquerello italien, du latin aqua - eau), peintures (généralement avec de la colle végétale) diluées avec de l'eau, ainsi que peinture avec ces peintures. La peinture opaque A. (avec un mélange de blanc, voir Gouache) était connue dans l'Egypte ancienne, ancien monde, l'Europe médiévale et l'Asie. Le blanc pur (sans aucun mélange de blanc) a commencé à être largement utilisé au début du XVe siècle. Ses principales qualités sont : la transparence des peintures, à travers lesquelles transparaissent le ton et la texture du support (principalement du papier, rarement de la soie ivoire), et la pureté de la couleur. L'art combine les caractéristiques de la peinture (richesse des tons, construction de la forme et de l'espace avec la couleur) et du graphisme (rôle actif du papier dans la construction d'une image). Les techniques spécifiques de A. sont les délavages et les stries, créant l'effet de mobilité et de tremblement de l'image. A. peut être monochrome : sépia ( peinture marron), bistre, « A noir. », encre. Dans la peinture réalisée au pinceau, un dessin à la plume ou au crayon est souvent introduit.

Aux XVe-XVIIe siècles. A. servait principalement à colorier des gravures, des dessins, des croquis de peintures et de fresques (la valeur appliquée de A. a été partiellement conservée à ce jour dans les dessins d'architecture, etc.). Certaines peintures indépendantes sont connues : paysages de A. Dürer, Hollandais et Artistes flamands 17ème siècle De la 2ème moitié du 18ème siècle. A. a commencé à être largement utilisé principalement dans peinture de paysage, parce que La rapidité du travail de A. permet d'enregistrer des observations directes, et la légèreté de sa couleur facilite la transmission des phénomènes atmosphériques. Des aquarellistes professionnels apparaissent (A. et J.R. Cozens, T. Gurtin et autres en Angleterre). Leurs paysages, aux couleurs tamisées (sur papier humidifié, rempli d'un ton général, auquel sont subordonnés tous les dégradés de couleurs, avec un dessin à la plume fine, avec des lavis) ont influencé peinture à l'huile de cette époque, aidant à éclaircir et à éclaircir la couleur. Au XVIIIe siècle A. est également distribué en France (O. Fragonard, Y. Robert), en Russie (paysages de F. A. Alekseev, M. M. Ivanov).

En lien avec le désir de transmettre la matérialité, la plasticité de la forme est apparue en Italie dans le 2e quart du 19e siècle. une manière de peinture dense et multicouche A. sur papier sec. Ce style est basé sur des contrastes sonores d'ombre et de lumière, de couleur et fond blanc papier; des réflexes et des ombres colorées apparaissent. K. P. Bryullov et A. A. Ivanov ont travaillé de cette manière. La technique du portrait à l’aquarelle de P. F. Sokolov est unique, avec une modélisation magistrale des formes à l’aide de petits traits et de points et de larges remplissages de couleurs. Dans le 19ème siècle les artistes se tournent vers A. différents pays et écoles : E. Delacroix, O. Daumier, P. Gavarni, A. Menzel, I. E. Repin, V. I. Surikov, M. A. Vrubel ; L'épanouissement de l'école anglaise d'A. se poursuit (W. Turner, J. S. Cotman, R. Bonington, W. Callow, etc.). Pour de nombreux artistes, A. ont plus de vivacité et de fraîcheur que les peintures à l'huile ; cette distinction a été sensiblement effacée à la fin du XIXe siècle. parmi les néo-impressionnistes - P. Signac et autres (A. qui se caractérisent par la légèreté et la luminosité, une combinaison de taches de couleur pures et lumineuses avec la blancheur du papier).

Fin XIXème – début XXème siècles. A. est de plus en plus utilisé en combinaison avec du blanc, de la gouache, de la détrempe, du pastel, du fusain, de la peinture bronze, etc. (par exemple, dans les œuvres de Val. A. Serov, artistes du « Monde de l'Art »). Au 20ème siècle A. attire de nombreux artistes qui recherchent l'émotivité impulsive de la couleur - représentants de l'expressionnisme, A. Matisse (dont A. se distinguent par des couleurs ensoleillées et gaies), etc.

L'art soviétique se caractérise par une variété de genres, de manières et techniques. La douceur des transitions tonales est inhérente aux œuvres (principalement noires A.) de V. V. Lebedev, N. N. Kupreyanov, N. A. Tyrsa, Kukryniksov. La liberté pittoresque des taches colorées lumineuses placées énergiquement est caractéristique des paysages de P. P. Konchalovsky, la richesse des nuances de couleurs sourdes, la transparence des traits liquides et légers - les portraits de A. V. Fonvizin. Les aquarelles paysagères de S. V. Gerasimov, qui se distinguent par la richesse des nuances tonales, recréent avec subtilité l'état de couleur et d'éclairage de la nature. La généralité du dessin, des couleurs et la clarté du rythme sont des caractéristiques des œuvres des artistes lettons des années 1960.

Lit. : Kiplik D.I., Technique de peinture, M. - L., 1950 ; Farmakovsky M.V., L'aquarelle, sa technique, sa restauration et sa conservation, Leningrad, 1950 ; Revyakin P. P., Technique de l'aquarelle, M., 1959.

Cette entrée a été publiée le mercredi 1er octobre 2008 à 22h06 et classée sous . Vous pouvez suivre les réponses à cette entrée via le fil. Les commentaires ainsi que les pings sont actuellement fermés.

AQUARELLE (aquarelle française, du latin aqua - eau), peintures (généralement avec de la colle) diluées dans l'eau et facilement lavées avec. Les principales qualités de la peinture à l'aquarelle sont la transparence des peintures, à travers lesquelles transparaissent le ton et la texture de la base (généralement du papier), et la pureté de la couleur. * * * Article "Aquarelle" de "" Dictionnaire encyclopédique Brockhaus et Efron "" (1890-07) : Aquarelle (aquarello ou aquatento italien, aquarelle française, peinture anglaise à l'aquarelle, allemand Wasserfarbengemalde, Aquarellmalerei) signifie peindre avec des peintures à l'eau. La peinture à l’aquarelle est entrée en vigueur plus tard que les autres types de peinture ; déjà en 1829, Montaber dans son « Traité complet de peinture » n’en parlait qu’en passant, comme un art qui ne méritait pas une attention sérieuse. Cependant, malgré son apparition tardive. elle dans un bref délais a fait de tels progrès qu'il peut rivaliser avec la peinture Peinture à l'huile. L'aquarelle n'est devenue une peinture forte et efficace que lorsqu'on a commencé à utiliser des peintures transparentes avec des retouches d'ombres. La peinture avec des peintures à l'eau, mais épaisses et opaques (peinture à la gouache) existait bien avant l'aquarelle transparente. Les peintures de Raphaël (1483-1520), Lebrun (1619-90), Lesueur (1617-55), Minard (1610-95) et d'autres ne sont pas des aquarelles, mais des colorations d'esquisses, en partie avec des peintures à la colle transparentes et en partie opaques. le long des contours, qui n'étaient pas recouverts de ces peintures. Ces peintures servaient de modèles pour les fresques sur le plâtre des bâtiments. Ce genre de coloriage - comme récréation ou comme croquis pour peintures de genre- des peintres hollandais et flamands étaient engagés : Rugendas, Paul Bril (1556-1626), Runedai (1670), Bot (1650), Winantes (1600-1670) ; Bien que Rubens dessine à la gouache, il préfère les peintures transparentes. Van Geysum (1682-1749), peintre célèbre des fleurs, des fruits et des insectes ont laissé des dessins de ce genre qui ont survécu jusqu'à nos jours. Ses imitateurs étaient Van Spendokam, Van Daelam, Bessa, Rinie et d'autres. Mais toutes ces œuvres ne peuvent être qualifiées que de dessins peints. Dès que les peintres ont osé noyer les traits nets des contours et des nuances réalisés avec un stylo ou un crayon avec de la peinture et ont commencé à utiliser un pinceau pour ombrer les ombres, les œuvres à l'aquarelle ont gagné en force, en effet et ce type d'art a commencé avec des étapes rapides en avant et a maintenant atteint une telle perfection qu'il satisfait les goûts des connaisseurs les plus exigeants. L'affaiblissement des contours et la méthode d'ombrage au pinceau ont été introduits à l'origine lors de la coloration de plans architecturaux et topographiques, où l'on utilisait d'abord l'encre de Chine, puis l'encre lovecarmin, la sépia, puis d'autres peintures à l'eau. Bientôt, l'Italien Baghetti et de nombreux autres peintres talentueux prouvèrent que l'aquarelle pouvait rivaliser avec succès avec la peinture à l'huile, précisément là où la force, la transparence et, surtout, la finition soignée des détails du dessin sont requises. Dans un premier temps, ce tableau se réfugie modestement dans les albums de souvenirs et de souvenirs, puis il est inclus dans les albums d'artistes et apparaît dans galeries d'art et sur expositions d'art, attirant et ravissant les amateurs d’art. Lors du renouveau de ce type de peinture, les artistes n'utilisaient modestement que l'encre, la gomme, le carmin et le bleu de Prusse. Plus tard, les paysagistes, puis les portraitistes, introduisirent plus grand nombre des peintures dont le choix, grâce aux progrès de la chimie, est devenu très étendu et satisfait aux exigences les plus capricieuses de l'artiste. Actuellement, un nouveau champ s'ouvre à l'artiste pour démontrer son talent, lorsque la gouache dure et sèche a cédé la place à l'aquarelle forte, légère et transparente. Les artistes qui ont le plus travaillé sur ce type de peinture et qui ont le plus contribué à son développement : Cozen (mort en 1794) - a travaillé avec de la peinture brune et grise, en utilisant du rouge et peinture bleue; Gartin (mort en 1802) - un bon coloriste ; son disciple Cotman est un peintre paysagiste de nature italienne et nordique ; Tourneur est un bon peintre italien ; Depuis 1805, ils ont été suivis par des aquarellistes qui ont introduit un plus grand nombre de couleurs dans leurs dessins : Fielding, peintre paysagiste ; S. Fraut (1852) - bâtiments architecturaux ; David Cox (1783-1859) a beaucoup peint sur l'air et la distance. Lewis (1805-76), Gunt (1790-1864), qui peignait également bien des fleurs et des fruits, était un peintre de figures remarquable ; écrivain de genre Toplan, bâtiments architecturaux : Nas, Robert Gage, Stanfield, vues marines - Cook, Duncan ; paysage : Fripp, Harding, Bodington, Davidson, Birkel, etc. Les aquarellistes français tels que : Delaroche, Houdin, Johannot se livraient davantage à la peinture miniature. Parmi les véritables aquarellistes travaillant pour la France, on note : Isabe le père, Hubert - le célèbre aquarelliste et paysagiste français. Des photos de ses dessins sont distribuées partout. Le principal fondateur, professeur et distributeur de ce type de peinture. J. Duvrier, également Huet, Faure, les portraitistes Olivier Gran ; le plus visible. en dessinant Vandael, Chazal, Redoute (1759-1840), Damen, Deporg et Martin Boucher. De l'anglais - Vaderyu (1819-79) Dikemps (peintre de genre) ; Remonter ( peinture de bataille), Geverni, Geirer. Parmi les aquarellistes allemands, on distingue K. Weckers à Leipzig, Hildebrand, Biermann à Berlin et Otto, portraitiste. A Vienne : Geyarach, Steckler, Zelleni, Agricola, Fendi, Gauerman ; à Munich - Neureuther, à Düsseldorf - Scheiren. Parmi les Russes, les plus éminents Dernièrement: Raulov est un excellent portraitiste et professeur, Premazzi est un peintre paysagiste avec une excellente maîtrise de sa spécialité. En outre, nous pouvons mentionner Tchernetsov et Borispolets - un merveilleux artiste amateur russe, il a écrit aussi bien des sujets historiques que spirituels, des vues de mer, des portraits, des perspectives, des scènes de famille à la peinture à l'huile, à l'aquarelle et à la gouache. En 1839, les artistes russes Ivanov, Richter, Moller, Kanevsky, Schuppe, Nikitin, Durnovo, Efimov, Scotti et Pimenov réalisent un album de dessins à l'aquarelle, présentés au défunt empereur Alexandre II lors de sa visite à Rome. Pour l'aquarelle, vous pouvez utiliser soit du carton Bristol, du papier Whatman ou encore des pinceaux torchon, écureuil, mustel, blaireau ou furet. Les dessins monochromes sont réalisés soit selon la méthode d'Hubert, en sépia, soit en neutre. Pour les aquarelles de couleurs, les peintures les plus courantes sont les suivantes : gomme, jaune indien, ocre jaune, terre de Sienne naturelle, même brûlée, cinabre, carmin garais, lac-garais, carmin brûlé, ocre rouge, rouge vénitien, rouge indien, cobalt, outremer, bleu de Prusse, indigo, teinte neutre et sépia. Pour obtenir une bonne aquarelle, il faut peindre juteusement, c'est-à-dire avec une abondance d'eau dans les peintures et sur le papier contenu, toujours humide lors de l'application des tons et des détails de finition. A cet effet, des cadres spéciaux (gommes) sont utilisés, qui permettent d'humidifier le papier par le bas pendant l'écriture, ou de placer le papier sur une flanelle humide. Ce n’est qu’ainsi qu’Hubert pourra obtenir douceur et force dans son dessin.

Aquarelle (aquarelle française, de l'acquerello italien, du latin aqua - eau), peintures (généralement avec de la colle végétale) diluées avec de l'eau, ainsi que peinture avec ces peintures. La peinture à l'aquarelle opaque (avec un mélange de blanc) était connue dans l'Égypte ancienne, le monde antique, l'Europe médiévale et l'Asie. L'aquarelle pure (sans aucun mélange de blanc) a commencé à être largement utilisée au début du XVe siècle. Ses principales qualités sont : la transparence des peintures, à travers lesquelles transparaissent le ton et la texture du support (principalement du papier, rarement de la soie ivoire), et la pureté de la couleur. L'aquarelle combine les caractéristiques de la peinture (richesse des tons, construction de la forme et de l'espace avec la couleur) et du graphisme (rôle actif du papier dans la construction d'une image). Les techniques spécifiques de l'aquarelle sont les lavis et les stries, créant l'effet de mobilité et de tremblement de l'image. L'aquarelle peut être monochrome : sépia (peinture brune), bistre, « aquarelle noire », encre. Dans les aquarelles réalisées au pinceau, un dessin à la plume ou au crayon est souvent introduit.

Aux XVe-XVIIe siècles. l'aquarelle servait principalement à colorier des gravures, des dessins, des esquisses de peintures et de fresques (la valeur appliquée de l'aquarelle a été partiellement conservée à ce jour dans les dessins d'architecture, etc.). Quelques aquarelles indépendantes sont connues - paysages d'A. Durer, artistes hollandais et flamands du XVIIe siècle. De la 2ème moitié du 18ème siècle. A. a commencé à être largement utilisé principalement dans la peinture de paysages, car La rapidité du travail à l'aquarelle permet d'enregistrer des observations directes, et la légèreté de sa couleur facilite la transmission des phénomènes atmosphériques. Des aquarellistes professionnels apparaissent (A. et J.R. Cozens, T. Gurtin et autres en Angleterre). Leurs paysages aux couleurs sombres (sur papier humidifié, rempli d'un ton général, auquel sont subordonnés tous les dégradés de couleurs, avec un dessin au stylo fin, avec des lavis) ont influencé la peinture à l'huile de cette époque, contribuant à éclaircir et à éclaircir la couleur . Au XVIIIe siècle l'aquarelle se diffuse également en France (O. Fragonard, Y. Robert), en Russie (paysages de F. A. Alekseev, M. M. Ivanov).

En lien avec le désir de transmettre la matérialité, la plasticité de la forme est apparue en Italie dans le 2e quart du 19e siècle. un style de peinture aquarelle dense et multicouche sur papier sec. Ce style s'appuie sur des contrastes sonores d'ombre et de lumière, de couleur et du fond blanc du papier ; des réflexes et des ombres colorées apparaissent. K. P. Bryullov et A. A. Ivanov ont travaillé de cette manière. La technique du portrait à l’aquarelle de P. F. Sokolov est unique, avec une modélisation magistrale des formes à l’aide de petits traits et de points et de larges remplissages de couleurs. Dans le 19ème siècle Des artistes de différents pays et écoles se tournent vers l'aquarelle : E. Delacroix, O. Daumier, P. Gavarni, A. Menzel, I. E. Repin, V. I. Surikov, M. A. Vrubel ; L'épanouissement de l'école anglaise d'A. se poursuit (W. Turner, J. S. Cotman, R. Bonington, W. Callow, etc.). Pour de nombreux artistes, les aquarelles ont plus de vivacité et de fraîcheur que les peintures à l’huile ; cette distinction a été sensiblement effacée à la fin du XIXe siècle. parmi les néo-impressionnistes - P. Signac et autres (A. qui se caractérisent par la légèreté et la luminosité, une combinaison de taches de couleur pures et lumineuses avec la blancheur du papier).

Fin XIXème – début XXème siècles. l'aquarelle est de plus en plus utilisée en combinaison avec le blanc, la gouache, la détrempe, le pastel, le fusain, la peinture bronze, etc. (par exemple, dans les œuvres de Val. A. Serov, artistes du « Monde de l'Art »). Au 20ème siècle l'aquarelle attire de nombreux artistes qui recherchent l'émotivité impulsive de la couleur - représentants de l'expressionnisme, A. Matisse (dont les artistes se distinguent par leurs couleurs ensoleillées et gaies), etc.

Les aquarelles soviétiques se caractérisent par une variété de genres, de manières et de techniques. La douceur des transitions tonales est inhérente aux œuvres (principalement noires A.) de V. V. Lebedev, N. N. Kupreyanov, N. A. Tyrsa, Kukryniksov. La liberté pittoresque des taches colorées lumineuses placées énergiquement est caractéristique des paysages de P. P. Konchalovsky, la richesse des nuances de couleurs sourdes, la transparence des traits liquides et légers - les portraits de A. V. Fonvizin. Les aquarelles paysagères de S. V. Gerasimov, qui se distinguent par la richesse des nuances tonales, recréent avec subtilité l'état de couleur et d'éclairage de la nature. Les aquarelles des artistes lettons des années 1960 se caractérisent par un dessin, des couleurs et une clarté de rythme généralisés.

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