Culture du 19ème siècle est une culture relations bourgeoises existantes. Vers la fin du XVIIIe siècle. le capitalisme en tant que système est pleinement formé. Il couvrait toutes les branches de la production matérielle, ce qui impliquait des transformations correspondantes dans la sphère non productive (politique, science, philosophie, art, éducation, vie quotidienne, conscience sociale).
La culture de cette période se caractérise par le reflet des contradictions internes de la société bourgeoise. Le choc des tendances opposées, la lutte des classes principales - la bourgeoisie et le prolétariat, la polarisation de la société, la montée rapide de la culture matérielle et le début de l'aliénation de l'individu ont déterminé la nature de la culture spirituelle de cette époque.
Dans le 19ème siècle une révolution radicale est en train de se produire t, associé à l'apparition d'une machine, qui éloigne l'homme de la nature, brisant les idées habituelles sur son rôle dominant, et transforme l'homme en une créature dépendante de la machine. Dans des conditions d'intensification de la mécanisation, une personne se dirige vers la périphérie de la vie spirituelle, s'éloigne de ses fondements spirituels. La place du travail artisanal associé à la personnalité et à la créativité du maître a été prise par un travail monotone.
Culture spirituelle du 19ème siècle. s'est développé et a fonctionné sous l'influence de deux facteurs importants : les succès dans le domaine de la philosophie et des sciences naturelles. La principale culture dominante du XIXe siècle. il y avait la science.
Diverses orientations de valeurs reposaient sur deux positions de départ : l'établissement et l'affirmation des valeurs du mode de vie bourgeois, d'une part, et le rejet critique de la société bourgeoise, d'autre part. D'où l'émergence de phénomènes aussi dissemblables dans la culture du XIXe siècle : le romantisme, réalisme critique, symbolisme, naturalisme, positivisme, etc.
Particularités de la vision du monde Culture européenne du 19ème siècle. est le reflet de ces principes contradictoires que représente une société bourgeoise développée, mais, néanmoins, elle n'a pas d'égal en termes de profondeur de pénétration dans l'existence et le monde spirituel de l'homme et de tension créatrice dans la science, la littérature, la philosophie et l'art.
Dans la première moitié du XIXe siècle russe art se développe au sein de l’école académique peinture. Les genres historiques et de combat se généralisent, associés à la victoire de la guerre patriotique de 1812 et à la montée de identité nationale. Depuis le milieu des années 60 du XIXe siècle, les Russes artistes Ils se tournent vers des thèmes de la vie populaire et un genre social et quotidien apparaît dans les arts visuels. DANS dernières décennies siècle, il est partiellement remplacé par un paysage de style impressionniste, en peintures d'artistes russes des traits du néoclassicisme et du modernisme apparaissent.
École académique peinture au début du XIXe siècle, elle occupait une position forte en tant que législatrice styles artistiques et les directions. La méthode principale était le classicisme, les genres principaux étaient le portrait, le paysage décoratif et l'histoire. peinture. Jeune artistesétaient mécontents du conservatisme implacable de l'Académie et, pour ne pas écrire peintures sur des sujets bibliques et mythologiques, tourné vers le genre du portrait et du paysage. Des traits de romantisme et de réalisme y apparaissent de plus en plus.
En portrait peinture O. A. Kiprensky, il existe de nombreuses images romantiques : un portrait d'un garçon A. A. Chelishchev (1810-1811), les époux F. V. et E. P. Rostopchin (1809), les époux V. S. et D. N. Khvostov ( 1814), E. S. Avdulina (1822)
Portraits de V. A. Tropininécrit de manière réaliste. La personne représentée est l'image centrale en eux, toute l'attention est concentrée sur elle. Les personnages et les traits du visage sont dessinés avec une clarté et une authenticité anatomiques (portraits des comtes Morkov, 1813-1815 ; « Boulakhov », 1823 ; « K. G. Ravich », 1823).
Pinceaux de V. A. Tropinin appartient à l'un des portraits les plus célèbres d'A.S. Pouchkine - celui où le poète posait la main sur une pile de papier et semblait écouter sa voix intérieure.
DANS image"Le Dernier Jour de Pompéi" de K. P. Bryullov, écrit selon tous les canons de l'école académique peinture, reflétait le développement de la pensée sociale russe, l'attente de changement, associée à la montée de la conscience nationale. Peinture symbolisait le courage des personnes confrontées à une terrible catastrophe. Parmi d'autres peintures célèbres de K. P. Bryullov, on peut citer « Matin italien », « Midi italien », « Cavalière », « Bethsabée ». Dans ceux-ci et bien d’autres peintures à l'artiste Tout aussi talentueux, il a réussi à capturer la beauté du corps humain et la beauté de la nature.
Idées d’éveil spirituel les gens se reflétaient dans le travail de A. A. Ivanov. Au-dessus des plus célèbres peinture, « L'Apparition du Christ au peuple », il a travaillé pendant une vingtaine d'années. Jésus sur image est représenté au loin et Jean-Baptiste est mis au premier plan, montrant au peuple le Sauveur qui s'approche. Les visages de ceux qui attendent Jésus s'éclairent à mesure qu'il s'approche, leurs âmes sont remplies de joie.
Artistes A.G. Venetsianov et P.A. Fedotov ont jeté les bases de la politique sociale dans la première moitié du XIXe siècle. genre de tous les jours V peinture. A. G. Venetsianov dans son peintures idéalisé la vie des paysans, mettant l'accent sur la beauté et la noblesse des gens, indépendamment de statut social(« L'aire de battage », « À la moisson. L'été », « Sur les terres arables. Printemps », « Paysanne aux bleuets »
Depuis les années 50 du 19ème siècle, la direction principale Beaux-arts russes le réalisme devient et le thème principal est la représentation de la vie des gens ordinaires. L'approbation de la nouvelle direction a eu lieu dans une lutte acharnée avec les adeptes de l'école académique peinture. Ils ont fait valoir que l'art devrait être supérieur à la vie, qu'il n'y a pas de place pour la nature russe et les thèmes sociaux et quotidiens. Cependant, les académiciens furent contraints de faire des concessions. En 1862 tous genres arts visuelsétaient égaux en droits, ce qui signifiait que seuls les mérites artistiques étaient évalués peintures, quel que soit le sujet.
17. Art russe de la première moitié - milieu du XIXe siècle. Romantisme, sentimentalisme - directions de l'art classique.
Après la guerre patriotique de 1812. : intérêt croissant pour la vie populaire ; à l'individualité humaine a conduit à la formation d'un nouvel idéal, basé sur l'idée d'une personne spirituellement indépendante, ressentant profondément et exprimant avec passion ses sentiments. Cet idéal se reflétait dans le travail des représentants d'un nouveau concept créatif - le romantisme, dont l'établissement s'est produit simultanément avec le dépérissement du classicisme.
En peinture, on a observé le dépérissement du classicisme et l'établissement du romantisme et du réalisme
le romantisme- une tendance dans l'art de la première moitié du XIXe siècle, qui mettait en valeur l'individualité et la dotait d'aspirations idéales.
Mais les véritables succès de la peinture résident, cependant, dans une direction différente : le romantisme. Les meilleures aspirations de l'âme humaine, les hauts et les bas de l'esprit étaient exprimés par la peinture romantique de cette époque, et surtout par le portrait. Dans le genre du portrait place de premier plan devrait être confié à Orest Kiprensky (1782-1836).
Kiprensky a étudié à partir de l'école pédagogique, à l'Académie des Arts, où il étudie dans la classe de peinture historique. L'artiste utilise des effets de couleurs audacieux qui influencent le modelé de la forme ; la peinture empâtée favorise l’expression de l’énergie et améliore l’émotivité de l’image. C'est juste de dire D.V. Sarabyanova, le romantisme russe n’a jamais été un mouvement artistique aussi puissant qu’en France ou en Allemagne. Il n’y a ni excitation extrême ni désespoir tragique. Dans le romantisme de Kiprensky, il y a encore beaucoup de l’harmonie du classicisme, de l’analyse subtile des « rebondissements » de l’âme humaine, si caractéristiques du sentimentalisme. « Le siècle présent et le siècle passé », qui se heurtent dans l'œuvre du premier Kiprensky, qui a émergé comme une personnalité créatrice dans les meilleures années de victoires militaires et de brillants espoirs de la société russe, constituent l'originalité et le charme inexprimable de ses premiers portraits romantiques. .
À la fin de la période italienne en raison de nombreuses circonstances de son destin personnel, l'artiste a rarement réussi à créer quelque chose d'égal premières œuvres. Mais même ici, nous pouvons citer ces chefs-d'œuvre comme l'un des meilleurs portraits de toute une vie. Pouchkine(1827, Galerie Tretiakov), peint par l'artiste pendant la dernière période de son séjour dans son pays natal, ou un portrait d'Avdulina (vers 1822, Musée national russe), plein de tristesse élégiaque.
Une partie inestimable de l'œuvre de Kiprensky- des portraits graphiques, réalisés principalement au crayon doux italien avec des colorations aux pastels, aquarelles et crayons de couleur. L'apparition de portraits-croquis rapides au crayon est en soi significatif, caractéristique des temps nouveaux : ils enregistrent facilement tout changement fugace du visage, tout mouvement émotionnel. Mais dans les graphismes de Kiprensky, il y a aussi une certaine évolution : dans ses œuvres ultérieures, il n'y a ni spontanéité ni chaleur, mais leur exécution est plus magistrale et plus raffinée (portrait de S.S. Shcherbatova, art italien, Galerie Tretiakov).
Un romantique cohérent peut être appelé le Polonais A.O. Orlovski(1777-1832), qui a vécu 30 ans en Russie et a introduit dans la culture russe des thèmes caractéristiques des romantiques occidentaux (bivouacs, cavaliers, naufrages. « Prends ton crayon rapide, dessine, Orlovsky, l'épée et le massacre », écrit Pouchkine). Il s'est rapidement assimilé sur le sol russe, ce qui est particulièrement visible dans ses portraits graphiques. En eux, à travers tous les attributs extérieurs du romantisme européen avec sa rébellion et sa tension, quelque chose de profondément personnel, caché, intime est visible (Autoportrait, 1809, Galerie Tretiakov). Orlovsky a également joué un certain rôle en « ouvrant » la voie au réalisme grâce à ses croquis de genre, ses dessins et ses lithographies représentant des scènes et des types de rues de Saint-Pétersbourg, qui ont donné vie au célèbre quatrain.
Enfin, le romantisme trouve son expression dans le paysage. Sylvester Shchedrin (1791-1830) a commencé sa carrière créative en tant qu'élève de son oncle Semyon Shchedrin avec des compositions classiques : une division claire en trois plans (le troisième plan est toujours l'architecture), sur les côtés des scènes. Mais en Italie, où il a quitté l'Académie de Saint-Pétersbourg, ces caractéristiques ne se sont pas renforcées et ne sont pas devenues un modèle. C'est en Italie, où Shchedrin vécut plus de 10 ans et mourut dans la fleur de l'âge, qu'il émergea comme artiste romantique et devint l'un des meilleurs peintres d'Europe avec Constable et Corot. Il fut le premier à découvrir la peinture en plein air en Russie. Certes, comme les Barbizoniens, Shchedrin n'a peint que des croquis en plein air et a complété le tableau (« décoré », selon sa définition) en atelier. Cependant, le motif lui-même change d’importance. Ainsi, Rome dans ses toiles n'est pas les ruines majestueuses des temps anciens, mais une ville moderne et vivante de gens ordinaires - pêcheurs, commerçants, marins. Mais cette vie ordinaire sous le pinceau de Shchedrin a acquis un son sublime.
Ports de Sorrente, quais de Naples, Tibre près du château de St. Angela, les gens qui pêchent, discutent sur la terrasse ou se détendent à l'ombre des arbres - tout est transmis dans l'interaction complexe de l'environnement lumière-air, dans une délicieuse fusion de tons gris argentés, généralement unis par une touche de rouge - en vêtements et en coiffure, dans le feuillage rouillé des arbres, où une branche rouge s'est perdue. Dans les dernières œuvres de Shchedrin, l'intérêt pour les effets de lumière et d'ombre était de plus en plus évident, préfigurant la vague du nouveau romantisme de Maxim Vorobyov et de ses élèves (par exemple, « Vue de Naples par une nuit au clair de lune »). Comme le portraitiste Kiprensky et le peintre de batailles Orlovsky, le paysagiste Shchedrin peint souvent des scènes de genre.
O.A. Kiprenski(1782-1836), portraitiste, incarna le plus vivement l'idéal romantique. Son style absorbait des traits d’harmonie classique et de sentimentalisme. Les portraits révèlent tout ce qu'il y a de meilleur et de significatif chez une personne : sa nature active et romantique ; la prévenance et l'ardeur d'un jeune homme encore en train d'apprendre à connaître le monde. Au cours de la dernière période, le meilleur portrait de toute une vie d'A.S. Pouchkine - le portrait du grand poète est historiquement spécifique et il existe en même temps un désir de donner une image collective d'une personnalité créatrice idéale.
S.F. Chtchedrine(1791-1830), peintre paysagiste. Il fut le premier à découvrir la « peinture en plein air », la « Nouvelle Rome » ; "Vue de Sorrente près de Naples."
V.A. Tropinine, introduit des éléments de romantisme dans les portraits de genre. Élevé dans les traditions sentimentales de la fin du XVIIIe siècle. A connu l'influence romantique du début du 19e siècle. (portraits de son fils ; A.S. Pouchkine ; autoportrait). Il incarnait dans les images des paysans non seulement la pureté spirituelle, mais aussi la noblesse. Détails du ménage et activité de travail se rapprochent de la peinture de genre (« La Dentellière », « L'Orfèvre »).
Peinture historique des années 30-40 : au croisement du classicisme et du romantisme.
Peinture historique russe des années 30-40 développé sous le signe du romantisme. Un chercheur (M.M. Allenov) a qualifié Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) de « génie du compromis » entre les idéaux du classicisme et les innovations du romantisme. La renommée de Bryullov est venue alors qu'il était encore à l'Académie : déjà à cette époque, Bryullov transformait des croquis ordinaires en peintures achevées, comme ce fut le cas, par exemple, de son « Narcisse » (1819, Musée russe). Après avoir terminé le cours avec une médaille d'or, l'artiste part pour l'Italie. Dans ses œuvres pré-italiennes, Bryullov se tourne vers des sujets bibliques (« L'apparition de trois anges à Abraham au chêne de Mamré », 1821, Musée russe) et anciens (« Œdipe et Antigone », 1821, Musée régional des traditions locales de Tioumen ), se consacre à la lithographie, à la sculpture, écrit des décors de théâtre et dessine des costumes pour des productions. Les tableaux « Matin italien » (1823, lieu inconnu) et « Après-midi italien » (1827, Musée russe), surtout le premier, montrent à quel point le peintre était proche des problèmes du plein air. Bryullov lui-même a défini sa tâche comme suit : « J'ai éclairé le modèle au soleil, en supposant un éclairage par derrière, de sorte que le visage et la poitrine soient dans l'ombre et soient réfléchis par la fontaine éclairée par le soleil, ce qui rend toutes les ombres beaucoup plus. agréable en comparaison avec un simple éclairage par la fenêtre.
Les tâches de la peinture en plein air intéressaient donc Bryullov, mais le chemin de l’artiste allait cependant dans une autre direction. Depuis 1828, après un voyage à Pompéi, Bryullov travaille sur son œuvre égale - «Le dernier jour de Pompéi» (1830-1833). Événement réel histoire ancienne- la mort de la ville lors de l'éruption du Vésuve en 79 après JC. e. - a donné à l'artiste l'occasion de montrer la grandeur et la dignité de l'homme face à la mort. La lave ardente s'approche de la ville, les bâtiments et les statues s'effondrent, mais les enfants ne quittent pas leurs parents ; la mère couvre l'enfant, le jeune homme sauve sa bien-aimée ; l'artiste (dans lequel Bryullov s'est représenté) emporte les couleurs, mais, quittant la ville, il regarde largement avec les yeux ouverts, essayant de capturer le spectacle terrible.
Même dans la mort, une personne reste belle comme la femme jetée du char par des chevaux affolés est belle au centre de la composition. La peinture de Bryullov a clairement révélé l'une des caractéristiques essentielles de sa peinture : le lien entre le style classique de ses œuvres et les traits du romantisme, auquel le classicisme de Bryullov est uni par une croyance en la noblesse et la beauté. nature humaine. D'où l'étonnante « habitabilité » de la forme plastique qui conserve sa clarté, le dessin du plus haut professionnalisme, qui prévaut sur les autres moyens d'expression, avec les effets romantiques d'un éclairage pittoresque. Et le thème même de la mort inévitable, du destin inexorable est si caractéristique du romantisme.
Comme une certaine norme, établi diagramme artistique, le classicisme limitait à bien des égards l'artiste romantique. Les conventions du langage académique, le langage de « l’École », comme on appelait les Académies en Europe, se manifestaient pleinement chez Pompée : poses théâtrales, gestes, expressions faciales, effets de lumière. Mais nous devons admettre que Briullov s'est efforcé d'obtenir vérité historique, essayant de reproduire le plus fidèlement possible des monuments spécifiques découverts par les archéologues et étonnés le monde entier, pour compléter visuellement les scènes décrites par Pline le Jeune dans une lettre à Tacite. Exposé d'abord à Milan, puis à Paris, le tableau fut importé en Russie en 1834 et connut un succès retentissant. Gogol a parlé d'elle avec enthousiasme. L’importance de l’œuvre de Briullov pour la peinture russe est déterminée par les paroles bien connues du poète : « Et le « dernier jour de Pompéi » fut le premier jour du pinceau russe.
K.P. Brioullov- un représentant de la peinture historique, dont l'œuvre mêlait des éléments du classicisme et du romantisme. "Le dernier jour de Pompéi"
«Cavalière», Autoportrait.
P.A. Fedotov- peintre de genre Il a une profonde compréhension de la vie et de son essence dramatique. Son talent s'est révélé le plus pleinement dans la peinture de genre, où il a progressé de sujets caricaturaux (« Fresh Cavalier » ; « The Picky Bride »), à des images tragiques et laconiques (« La Veuve »), jusqu'à la nature métaphorique du système figuratif. Son art a servi de modèle à plusieurs générations d'artistes : les Itinérants ont adopté et développé le pathos critique de son œuvre, artistes du tournant des XIXe et XXe siècles. attiré le drame et la métaphore;
A.A.Ivanov- "L'Apparition du Christ au peuple" - le tableau à partir duquel toutes les générations suivantes d'artistes russes ont étudié, reflétait le sens le plus intime de l'Évangile et l'essence des aspirations spirituelles du peuple.
A.E. Martynov, peintre paysagiste et graveur, a réalisé l'une des premières séries lithographiées, « Collection de vues de Saint-Pétersbourg et de ses environs ».
Du début du 19ème siècle. dans les beaux-arts russes une telle direction se développe comme sentimentalisme(de l'anglais sentimental - sensible) - un mouvement dans l'art du XVIIIe siècle. Elle a été préparée par la crise du rationalisme éducatif. Cependant, les éléments de sentimentalisme dans le travail des maîtres russes étaient généralement combinés avec des éléments de classicisme ou de romantisme. Les traits du sentimentalisme ont été pleinement incarnés dans les œuvres du remarquable artiste A.G. Venetsianova, qui a écrit avec amour la Russie centrale paysages de villages, portraits de paysans.
Caractéristiques caractéristiques du sentimentalisme russe:
Attention à personnalité humaine;
Culte du sentiment et de l'imagination ;
Développement d'intrigues psychologiques familiales ;
Image de la nature.
Le véritable fondateur du genre quotidien était Alexey Gavrilovich Venetsianov(1780-1847). Géomètre de formation, Venetsianov a quitté son service pour se consacrer à la peinture, a déménagé de Moscou à Saint-Pétersbourg et est devenu l'élève de Borovikovsky. Il fait ses premiers pas dans les « arts » dans le genre du portrait, créant des images étonnamment poétiques, lyriques, parfois romantiques au pastel, au crayon et à l'huile (portrait de B.S. Putyatina, Galerie Tretiakov). Mais bientôt l'artiste abandonna le portrait pour les caricatures, et pour une caricature pleine d'action, « Le Noble », le tout premier numéro de la « Revue des caricatures de 1808 en Personnes », qu'il avait conçue, fut fermé. La gravure de Venetsianov était en fait une illustration de l’ode de Derjavin et représentait des pétitionnaires se pressant dans la salle de réception, tandis que dans le miroir un noble était visible dans les bras d’une belle (on suppose qu’il s’agit d’une caricature du comte Bezborodko).
Au tournant des années 10-20, Venetsianov quitte Saint-Pétersbourg pour la province de Tver, où il a acheté un petit domaine. Ici, il trouve son thème principal, se consacrant à la représentation de la vie paysanne. Dans le tableau « La grange à battre » (1821-1822, Musée russe), il montre une scène de travail à l'intérieur. Afin de reproduire fidèlement non seulement les poses des ouvriers, mais également l'éclairage, il fit même découper un mur de l'aire de battage. La vie, telle qu'elle est, est ce que Venetsianov voulait représenter lorsqu'il peignit des paysans épluchant des betteraves ; un propriétaire foncier confiant une tâche à une fille de jardin ; bergère endormie; une fille avec un petit écureuil à la main ; des enfants de paysans admirant le papillon ; scènes de récolte, de fenaison, etc. Bien entendu, Venetsianov n'a pas révélé les conflits les plus aigus de la vie du paysan russe, n'a pas soulevé les « questions épineuses » de notre époque. C'est une vie patriarcale et idyllique.
Mais l'artiste n'y a pas apporté de poésie de l'extérieur, ne l’a pas inventé, mais il l’a tiré de la vie même des gens, qu’il a représentée avec tant d’amour. Dans les peintures de Venetsianov, il n’y a pas d’intrigues dramatiques ou d’intrigues dynamiques ; au contraire, elles sont statiques, « rien ne s’y passe ». Mais l’homme est toujours en unité avec la nature, dans un travail éternel, ce qui rend les images de Venetsianov véritablement monumentales. Est-il réaliste ? Dans la compréhension de ce mot par les artistes de la seconde moitié du XIXe siècle, c'est peu probable. Son concept a beaucoup d'idées classiques (il convient de rappeler son «Printemps. Sur le champ labouré», Galerie Tretiakov), et surtout sentimentales («À la récolte. L'été», Galerie Tretiakov), et dans sa compréhension de l'espace il y en a aussi des romantiques. Et néanmoins, l’œuvre de Venetsianov constitue une certaine étape sur le chemin de la formation du réalisme critique russe du XIXe siècle, et c’est aussi la signification durable de sa peinture. Cela détermine sa place dans l'art russe dans son ensemble.
Venetsianov était un excellent professeur. L'école de Venetsianov, les Venetsianovites, c'est toute une galaxie d'artistes des années 20-40 qui ont travaillé avec lui aussi bien à Saint-Pétersbourg que dans son domaine de Safonkovo . C'est A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.A. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N.-É. Krylov et bien d'autres. Parmi les étudiants de Venetsianov, beaucoup venaient de milieux paysans. Sous le pinceau des artistes vénitiens sont nées non seulement des scènes de la vie paysanne, mais aussi des scènes urbaines : rues de Saint-Pétersbourg, types folkloriques, paysages. UN V. Tyranov a peint des scènes d'intérieur, des portraits, des paysages et des natures mortes. Les Vénitiens aimaient particulièrement les « portraits de famille à l'intérieur » - combinant le caractère concret des images avec les détails du récit, véhiculant l'atmosphère de l'environnement (par exemple, le tableau de Tyranov « L'atelier d'artistes des frères Tchernetsov », 1828, qui combine un portrait, un genre et une nature morte).
18. Le problème de l'académisme dans la peinture russe du deuxième tiers du XIXe siècle.
Académisme- orientation de la peinture européenne des XVIIe-XIXe siècles. La peinture académique est née à l’époque du développement des académies d’art en Europe. La base stylistique de la peinture académique au début du XIXe siècle était le classicisme et dans la seconde moitié du XIXe siècle l'éclectisme. L'académisme s'est développé en suivant les formes extérieures de l'art classique. Les adeptes ont caractérisé ce style comme une réflexion sur la forme d’art du monde antique et de la Renaissance. L'académisme a contribué à l'agencement des objets dans l'éducation artistique, a complété les traditions de l'art ancien, dans lesquelles l'image de la nature était idéalisée, tout en compensant la norme de beauté.
Pour l'académisme russe de la première moitié du XIXe siècle les siècles sont caractérisés par des thèmes sublimes, un style métaphorique élevé, une polyvalence, des figures multiples et une pompe. Étaient populaires histoires bibliques, paysages de salon et portraits de cérémonie. Malgré le sujet limité des peintures, les œuvres des académiciens se distinguaient par une haute compétence technique. Représentant - K. Bryullov («Cavalière»).
Au milieu du 19ème siècle. le réalisme a commencé à s'imposer dans une lutte acharnée contre l'académisme, représenté par la direction de l'Académie des Arts. Les dirigeants de l'académie ont inculqué aux étudiants que l'art était supérieur à la vie et n'ont proposé que des thèmes bibliques et mythologiques pour la créativité. Quatorze étudiants de la classe d'histoire n'ont pas voulu peindre sur le thème proposé de la mythologie scandinave et ont déposé une pétition pour quitter l'académie. Les rebelles se sont regroupés en une kamunna, dirigée par Kramskoy.
Et en 70, la Société des Itinérants est créée. Les Peredvizhniki étaient unis dans leur rejet de « l'académisme » avec sa mythologie, ses paysages décoratifs et sa théâtralité pompeuse. Ils voulaient représenter vivre la vie. Les scènes de genre (quotidiennes) occupent une place prépondérante dans leur œuvre. La paysannerie jouissait d'une sympathie particulière pour les « Itinérants ». Perov (« Troïka », « Vieux parents sur la tombe de leur fils », « Tea Party à Mytishchi »). S. A. Korovina « Sur le monde » Myasoedov « Tondeuses ». Kramskoy - portraits de Nekrasov, Tolstoï, "Le Christ dans le désert", ainsi que Myasoedov, Savrasov, Ge.
19. Association des expositions itinérantes
Dans les années 70, la peinture démocratique progressiste gagne la reconnaissance du public. Elle a ses propres critiques - I.N. Kramskoy et V.V. Stasov et son collectionneur - P.M. Tretiakov. Le moment est venu pour le réalisme démocratique russe de s’épanouir dans la seconde moitié du XIXe siècle.
En ce moment au centre de l'école officielle- Académie des Arts de Saint-Pétersbourg - une lutte se prépare également pour le droit de l'art à se tourner vers la vraie vie, ce qui a abouti à la soi-disant « révolte des 14 » en 1863. Un certain nombre de diplômés de l'Académie ont refusé de dresser un tableau programmatique sur un thème de l'épopée scandinave, alors qu'il y avait tant de problèmes modernes passionnants, et, sans avoir reçu la permission de choisir librement un sujet, ont quitté l'Académie et ont fondé l'Académie de Saint-Pétersbourg. Artel des artistes » (F. Zhuravlev, A. Korzukhin, K. . Makovsky, A. Morozov, A. Litovchenko, etc.). "Artel" n'a pas existé longtemps. Et bientôt Moscou et Saint-Pétersbourg avancèrent forces artistiques réunis au sein de l'Association des expositions d'art itinérantes (1870). Ces expositions étaient dites itinérantes car elles étaient organisées non seulement à Saint-Pétersbourg et à Moscou, mais aussi en province (parfois dans 20 villes au cours de l'année). C’était comme « aller vers le peuple » des artistes. Le partenariat a existé pendant plus de 50 ans (jusqu'en 1923). Chaque exposition était un événement majeur dans la vie de la ville de province. Contrairement à l'Artel, les Peredvizhniki avaient un programme idéologique clair : refléter la vie avec tous ses problèmes sociaux aigus, dans toute sa pertinence.
Myasoedov a affirmé que le succès de la première représentation devrait prédéterminer à bien des égards le sort futur du Partenariat - et il s'est avéré avoir raison. D'abord Assemblée générale L'Association, qui eut lieu le 6 décembre 1870, programma le vernissage de l'exposition « le 15 septembre du futur 1871 et au plus tard le 1er octobre ». Mais ce délai ne put être respecté : la première exposition n'ouvrit que le 29 novembre 1871 et se termina le 2 janvier 1872. Ainsi, il est resté consultable pendant un peu plus d’un mois. Mais ce mois a été crucial pour évaluer la nouvelle organisation. L'exposition a immédiatement été reconnue, même si seuls 16 artistes y ont présenté 47 œuvres à Saint-Pétersbourg. Cela seul la distinguait des expositions académiques qui étaient plus nombreuses en termes de nombre d'expositions.
«Le partenariat a un but», dit le § 1 de la Charte, - l'organisation, avec l'autorisation appropriée, d'expositions d'art itinérantes des manières suivantes : a) offrir la possibilité aux résidents intéressés de la province de se familiariser avec l'art russe et de suivre ses succès, b) développer l'amour pour l'art dans la société, c ) permettant aux artistes de vendre plus facilement leurs œuvres."
L'art des Peredvizhniki était une expression idées démocratiques révolutionnaires dans la culture artistique nationale de la seconde moitié du XIXe siècle. L'orientation sociale et la haute citoyenneté de l'idée la distinguent dans la peinture de genre européenne du XIXe siècle.
Le partenariat a été créé à l'initiative de Myasoedov, soutenus par Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin, les frères Makovsky et un certain nombre d'autres « membres fondateurs » qui ont signé la première charte du Partenariat. Dans les années 70 et 80, ils ont été rejoints par des artistes plus jeunes, dont Repin, Sourikov, Vasnetsov, Yaroshenko, Savitsky, Kasatkin et d'autres. Depuis le milieu des années 80, Serov, Levitan et Polenov ont participé à des expositions. La génération des Peredvizhniki « plus âgés » appartenait pour la plupart à des rangs sociaux différents. Sa vision du monde s'est développée dans l'atmosphère des années 60. Le leader et théoricien du mouvement errant était Ivan Nikolaïevitch Kramskoï(1837-1887), qui dirigea en 1863 la « révolte des 14 », remarquable organisateur et critique d’art hors pair. Il se caractérisait par une foi inébranlable, avant tout, dans le pouvoir éducatif de l'art, conçu pour former les idéaux civiques de l'individu et l'améliorer moralement. Les thèmes de l'œuvre de Kramskoy n'étaient cependant pas typiques des Vagabonds.
Il peint rarement des tableaux de genre, s'est tourné vers les histoires évangéliques. Mais lui " Christ dans le désert" - la pensée d'une personne profondément seule assise sur fond de paysage rocheux désert Christ, sa volonté de se sacrifier au nom du but le plus élevé - tout cela était compréhensible pour l'intelligentsia populiste des années 70. Dans le genre du portrait, il est également occupé par une personnalité exaltée et hautement spirituelle. Kramskoy a créé toute une galerie d'images des plus grandes figures de la culture russe - portraits de Saltykov-Shchedrin, Nekrasov, L. Tolstoï. Le style artistique de Kramskoy se caractérise par une certaine sécheresse protocolaire et la monotonie des schémas de composition. Le meilleur en termes de caractéristiques de luminosité est le portrait de L.N. Tolstoï, écrit sur ordre de Tretiakov, dans lequel le spectateur est frappé par le regard perspicace, omniscient et omnivoyant des yeux gris-bleu calmes. Le portrait d'A. G. Litovchenko se distingue par sa richesse pittoresque. Kramskoy était un artiste-penseur. Il est conservateur dans sa créativité.
Outre Kramskoy, parmi ceux qui ont signé la Charte du Partenariat, il y avait un autre artiste qui s'intéressait aux sujets chrétiens - Nikolaï Nikolaïevitch Ge(1831-1894). Diplômé de l'Académie, recevant une majeure médaille d'or pour le tableau « Saul chez la sorcière d'Endor ». En 1863, il interprète son premier grand un travail indépendant"Le dernier souper". Lumière et ombre, bien et mal, la collision de deux principes différents est au cœur de l’œuvre de Ge. Ceci est souligné par les contrastes de lumière et d’ombre et la dynamique des poses expressives. « La Cène » exprime le désir de l’artiste d’une forme artistique, à sa monumentalisation, au grand art basé sur les traditions des grands maîtres du passé. Ce n'est pas un hasard s'il a reçu le titre de professeur pour ce tableau.
Ge a fait beaucoup de portraits. Ses portraits se distinguent des œuvres de Kramskoy par leur émotivité, parfois leur dramatisme, comme le portrait d'Herzen : l'amertume du doute, le tourment des pensées, allant jusqu'à la douleur, se lisent sur le visage du modèle. Le portrait de l'historien N.I. Kostomarov est inhabituellement capricieux, frais et librement écrit. Ge, comme Kramskoy, est l'un des organisateurs du Partenariat. Lors de la première exposition en 1871, il montra le tableau historique « Pierre Ier interrogeant le tsarévitch Alexeï Petrovitch à Peterhof ». L'artiste s'est efforcé de transmettre le plus grand caractère concret de la situation. Toutes les œuvres de Ge de ces dernières années sont imprégnées de l’idée morale et religieuse derestructuration du monde. Il résout également les problèmes formels d'une manière unique et nouvelle : la recherche de couleur, de lumière, de texture. Il viole avec audace les canons académiques, utilise souvent des compositions fragmentaires, des contrastes de lumière et de couleurs nets et écrit avec émotion et expressivité. (« Calvaire », « Qu'est-ce que la vérité ? Le Christ et Pilate »)
Organisateurs des Peredvizhniki de Kramskoy et Ge dans leur travail suivent un chemin différent de celui de leurs camarades de l'association, artistes de genre. Ils se tournent vers des sujets chrétiens, ils ont une structure figurative et picturale-plastique différente, plus susceptibles de graviter vers les traditions artistiques de la première moitié du XIXe siècle : en Ge - au romantique, à Kramskoy - au rationnel-classique .
Vassili Maksimovitch Maksimov(1844-1911) déjà dans la première composition à plusieurs figures - "L'arrivée d'un sorcier à un mariage paysan" - il arrive à son thème principal - la représentation de la vie paysanne, que lui-même, originaire de paysans, connaissait parfaitement Bien. Les peintures ultérieures manquent de sentiment festif. En eux, dans toute sa nudité, émerge l'image de la Russie appauvrie d'après la réforme (« Division familiale », « Belle-mère fringante », « Tout est dans le passé »).
Les Vagabonds des années 70 dans le cadre genre ont pu élever le plus important, le plus problèmes aigus la vie publique, comme elle l'a fait Grigori Grigoriévitch Myasoedov(1834-1911) dans le film « Le Zemstvo déjeune ». La sincérité de la foi des paysans russes a été démontrée par Konstantin Apollonovitch Savitsky (1844-1905) dans le grand tableau « La rencontre de l'icône ». Maître des compositions à plusieurs figures. «Travaux de réparation sur le chemin de fer», «À la guerre».
Nikolaï Alexandrovitch Iarochenko(1846-1898) : « Chauffeur » et « Prisonnier », dont « Chauffeur » est la première image d'un ouvrier dans la peinture russe, et « Prisonnier » est l'image la plus pertinente au cours des années du mouvement révolutionnaire populiste turbulent. « Étudiant » est un portrait type.
Vladimir Egorovitch Makovsky- "Dans la salle d'attente du médecin", "Visiter les pauvres", "En attente", "Condamné", "Effondrement de la banque", "Rendez-vous", "Sur le boulevard". Makovsky a réussi à répondre à de nombreux sujets. Ses peintures révèlent le destin dramatique non seulement de personnes individuelles, mais aussi de couches et de générations entières. Makovsky n'a pas toujours évité les situations sentimentales et mélodramatiques (par exemple, son « Je ne te laisserai pas entrer ! »), mais dans ses meilleures œuvres, il est resté fidèle à la vérité de la vie et émerveillé par l'exhaustivité de l'histoire picturale, le l'intégralité de l'image, née de scènes quotidiennes de tous les jours remarquées par son œil vif.
20. Genre de tous les jours
Scènes de genre dans l'art médiéval, des observations spécifiques de la vie quotidienne sont nées, en règle générale, avec le développement de tendances humanistes laïques dans le cadre de la vision religieuse dominante du monde et ont souvent été intégrées dans des compositions religieuses et allégoriques. Ils sont courants dans les peintures, reliefs et miniatures - peintures russes du XVIIe siècle.
En Russie, le développement du genre quotidien dans la 2e moitié du XVIIIe siècle. connecté (à l'exception de la "home stage" de I. Firsov Jeune peintre") avec intérêt pour le paysan ; et ici à l'idyllicité des scènes rurales idéalisées (I. M. Tankov) s'opposaient la représentation aimante et précise de la vie paysanne traditionnelle dans les peintures de M. Shibanov, la véracité dure et sans compromis de l'affichage du paysan pauvreté dans les aquarelles de I. A. Ermenev.
Dans le 19ème siècle artistes démocrates adressés au genre quotidien en tant qu'art programmatique qui permettait d'évaluer et d'exposer de manière critique relations sociales et les normes morales qui prévalaient dans la société bourgeoise-noble, et leurs manifestations dans la vie quotidienne, pour défendre les droits des travailleurs opprimés, pour faire du spectateur un témoin oculaire direct des contradictions et des conflits sociaux qui remplissaient la vie quotidienne. Dans la 1ère moitié du XIXe siècle, une représentation véridique, mais unilatérale, captivante d'innocence poétique et de sincérité touchante des aspects lumineux et sans nuages de la vie de la paysannerie et des couches démocratiques urbaines (A.G. Venetsianov et l'école vénitsienne en Russie ) a joué un rôle important dans l’affirmation esthétique de la vie quotidienne.
Dans le genre quotidien du réalisme critique russe l'exposition satirique du servage et la sympathie pour les défavorisés ont été complétées par une pénétration profonde et précise dans le monde spirituel des personnages, un récit détaillé et un développement dramatique détaillé de l'intrigue et des relations des personnages. Ces caractéristiques sont clairement apparues au milieu du XIXe siècle. dans les peintures de P. A. Fedotov, pleines de moquerie et de douleur brûlantes, dans les dessins de A. A. Agin et de l'artiste ukrainien T. G. Shevchenko, qui combinaient un journalisme direct et pointu avec une profonde expérience lyrique des tragédies de la vie de la paysannerie et des pauvres des villes.
Sur cette base a grandi avoir compilé nouvelle étape, le genre quotidien des Itinérants, qui a joué un rôle de premier plan dans leur art, qui reflétait exclusivement et fidèlement la vie populaire de la seconde moitié du XIXe siècle, en comprenant intensément ses schémas fondamentaux. Une image détaillée et typée de la vie de toutes les couches de la société russe a été donnée par G. G. Myasoedov, V. M. Maksimov, K. A. Savitsky, V. E. Makovsky et - avec une profondeur et une portée particulières - I. E. Repin, qui ont montré non seulement l'oppression barbare du peuple, mais aussi aussi les puissantes forces vitales qui s'y cachent et l'héroïsme des combattants pour sa libération. Une telle étendue de tâches pour une peinture de genre la rapprochait souvent d'une composition historique. Dans les peintures de N. A. Yaroshenko, N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov, A. E. Arkhipov à la fin du 19e et au début du 20e siècle. reflétait les contradictions du capitalisme, la stratification des campagnes, la vie et la lutte de la classe ouvrière et des ruraux pauvres.
Genre domestique des années 1860-70. un nouveau type a également été approuvé peinture de genre, associée à bien des égards à l'impressionnisme et développée en France par E. Manet, E. Degas, O. Renoir, A. Toulouse-Lautrec. Ce qui ressort, c'est la beauté de la vie quotidienne transformée par l'art, l'expressivité d'un aspect apparemment aléatoire, fragmentaire et inattendu de la vie, des situations instantanément capturées, des humeurs et des états changeants, la spécificité aiguë de l'apparence et des mouvements habituels des personnages, et l'intérêt pour les personnes qui se situent en dehors des normes sociales. Un certain nombre de caractéristiques stylistiques de ce type de peinture de genre ont été adoptées dans de nombreux pays par les maîtres du genre quotidien, qui cherchaient à combiner l'étendue de la perception de la vie populaire avec de la fraîcheur et des aspects inattendus (V. A. Serov, F. A. Malyavin, K. F. Yuon en Russie ).
Dans l'art soviétique, le genre quotidien a acquis de nouvelles fonctionnalités, conditionné par la formation et le développement d'une société socialiste - l'optimisme historique, l'affirmation d'un travail libre et désintéressé et un nouveau mode de vie, basé sur l'unité des principes sociaux et personnels. Dès les premières années du pouvoir soviétique, les artistes (B. M. Kustodiev, I. A. Vladimirov) ont cherché à capturer les changements apportés par la révolution dans la vie du pays. Dans le travail de A. A. Deineka et Yu. I. Pimenov, qui faisaient partie de l'association OST, ont commencé à déterminer la structure caractéristique et plus tard joyeuse et énergique des peintures dédiées à la construction, au travail industriel et au sport. La quête des maîtres de l’AHRR et de l’OST s’est organiquement inscrite dans l’art joyeux et vivifiant des années 1930. Les peintres S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Krichevsky, le sculpteur I. M. Chaikov ont capturé les côtés légers et colorés de la vie urbaine et collective.
Dans le genre soviétique de tous les jours. la vie difficile au front et à l'arrière des années de guerre avec ses peines et ses joies se reflète également (peintures de Yu. M. Neprintsev, B. M. Nemensky, A. I. Laktionov, V. N. Kostetsky ; graphiques de A. F. Pakhomov, L. V. Soyfertis) et l'aspiration spirituelle , enthousiasme pour le travail collectif et la vie sociale, traits typiques de la vie quotidienne en années d'après-guerre(peintures de T. N. Yablonskaya, S. A. Chuikov, F. P. Reshetnikov, S. A. Grigoriev, U. M. Japaridze, E. F. Kalnyn, gravures de L. A. Ilyina). De la 2ème moitié des années 1950. Maîtres soviétiques. B.f. Ils s'efforcent d'élargir le cercle des observations de la vie moderne, de montrer le courage et la volonté du peuple soviétique, de plus en plus fort dans le travail créatif, pour surmonter les difficultés. Dans les peintures de G. M. Korzhev, V. I. Ivanov, E. E. Moiseenko, Yu. P. Kugach, T. T. Salakhov, G. S. Khandzhyan, E. K. Iltner, I. A. Zarin, I. N. Klychev, dans les gravures de G. F. Zakharov, V. M. Yurkunas, V. V. Tolly, la vie quotidienne du peuple apparaît riche et complexe, plein de grandes pensées et expériences.
La culture artistique russe a connu un grand succès dans la première moitié du XIXe siècle. C'est à cette époque que créaient Pouchkine, Gogol, Lermontov, Griboïedov, Joukovski, Krylov. Cette floraison rapide de la culture artistique est associée à la montée de la conscience nationale dans les cercles avancés de la société russe pendant la guerre patriotique de 1812. La lutte pour la libération de la patrie de l'intervention étrangère, qui a provoqué une vague de sentiments patriotiques élevés, ne pouvait qu'affecter les phénomènes de l'art russe.
L'idéologie russe avancée de l'époque a pris forme sous l'influence directe de la guerre patriotique de 1812 et du noble mouvement révolutionnaire qui a pris forme dans le programme décembriste.
La guerre patriotique a élevé la conscience de soi, le sentiment de patriotisme et la fierté nationale des gens à un niveau inhabituellement élevé. Caractère folklorique les guerres et les exploits patriotiques du peuple russe ordinaire ont longtemps attiré l'attention du public progressiste de Russie et provoqué une sorte de réévaluation des valeurs esthétiques : les images populaires et les sujets nationaux occupaient une place extrêmement importante dans l'art russe, sans commune mesure avec le rôle épisodique ils ont joué dans l'œuvre de la plupart des maîtres du XVIIIe siècle. L’appel au peuple a insufflé une nouvelle force à la culture artistique russe. Les tendances créatives avancées reposaient sur la gamme d’idées avancées par la noble pensée révolutionnaire.
Les critiques de l’époque mettaient en avant « l’orientation puissante du génie moderne vers le peuple » dans tous les domaines de l’art. Le « nationalisme » est devenu le problème central de la culture russe avancée dans les années vingt et trente du siècle dernier. Même des publicistes réactionnaires ont tenté d’utiliser le concept de nationalité, en l’incluant dans la formule officielle de la politique gouvernementale (« Orthodoxie, autocratie, nationalité »). Contrairement à l'interprétation officielle de la nationalité dans les cercles artistiques avancés, une compréhension complètement différente s'est développée, formulée par l'un des théoriciens de l'art progressistes au début des années trente : « Par nationalité, j'entends cette animation patriotique des beaux-arts, qui, nourrissant sur les impressions et les souvenirs indigènes, reflète dans ses œuvres le ciel béni natal, la terre sainte natale, les précieuses traditions indigènes, les coutumes et la morale indigènes, la vie indigène, la gloire indigène, la grandeur indigène.
La première moitié du XIXe siècle constitue une page brillante de la culture russe. Toutes les directions - littérature, architecture, peinture de cette époque sont marquées par toute une constellation de noms qui ont fait la renommée mondiale de l'art russe. Au XVIIIe siècle, le style classique dominait la peinture russe. Le classicisme joue un rôle important au tout début du XIXe siècle. Cependant, dans les années 1830 cette direction perd progressivement sa signification sociale et se transforme de plus en plus en un système de canons et de traditions formels. Cette peinture traditionnelle devient un art froid et officiel, soutenu et contrôlé par l’Académie des Arts de Saint-Pétersbourg. Ensuite concept d'"académisme" a commencé à être utilisé pour désigner un art inerte, séparé de la vie.
Il a apporté de nouvelles perspectives à l'art russe le romantisme- un mouvement européen qui s'est développé au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. L'un des principaux postulats du romantisme, à l'opposé du classicisme, est affirmation de la personnalité d’une personne, de ses pensées et de sa vision du monde comme valeur principale de l’art. Garantir le droit d’une personne à l’indépendance personnelle suscite un intérêt particulier pour son monde intérieur et présuppose en même temps la liberté de créativité de l’artiste. En Russie, le romantisme a acquis sa particularité : au début du siècle, il avait coloration héroïque, et pendant les années de la réaction de Nikolaev - tragique. Dans le même temps, le romantisme en Russie a toujours été une forme de pensée artistique, proche dans son esprit des sentiments révolutionnaires et épris de liberté.
Ayant pour particularité la connaissance d'une personne spécifique, le romantisme est devenu la base de l'émergence ultérieure et la formation d'une direction réaliste, implanté dans l'art dans la seconde moitié du XIXe siècle. Un trait caractéristique du réalisme était son appel au thème de la vie populaire moderne, l'établissement d'un nouveau thème dans l'art - la vie des paysans. Ici, il faut tout d'abord noter le nom de l'artiste A.G. Venetsianova. Les découvertes les plus réalistes de la première moitié du XIXe siècle se reflètent dans les années 1840 dans les travaux de P.A. Fedotova.
Culturel global la vie pendant cette période était ambiguë et diversifiée: certaines tendances dominantes de l'art ont été remplacées par d'autres. Par conséquent, les chercheurs, lorsqu'ils examinent plus en détail l'art de la première moitié du XIXe siècle, le divisent généralement en deux périodes - le premier et le deuxième quart du siècle. Il convient toutefois de noter que cette division est conditionnelle. De plus, il n'est pas nécessaire de parler du classicisme, du romantisme et du réalisme dans leur forme pure durant cette période : leur différenciation, tant chronologiquement que par caractéristiques, n'est pas absolue.
Dans la première moitié du XIXe siècle, la peinture a acquis une importance bien plus grande dans la vie sociale qu’au XVIIIe siècle. Le développement de la conscience nationale, provoqué par la victoire dans la guerre patriotique de 1812, a soulevé l'intérêt des gens pour culture nationale et l'histoire, aux talents nationaux. En conséquence, au cours du premier quart du siècle, sont apparues pour la première fois des organisations publiques dont la tâche principale était le développement des arts. Parmi ces organisations figuraient telles que Société Libre des Amoureux des Lettres, des Sciences et des Arts, Société d'Encouragement des Artistes. Des magazines spéciaux parurent et les premières tentatives furent faites pour collectionner et exposer l'art russe. Ainsi, le petit « Musée russe » privé de P. Svinin est devenu célèbre dans les cercles instruits, et la Galerie russe a été créée à l'Ermitage impérial en 1825. Depuis le début du siècle, la pratique de l'Académie des Arts comprend des expositions périodiques, qui attirent de nombreux visiteurs. Dans le même temps, l'admission des gens ordinaires à ces expositions certains jours a été une grande réussite, ce qui a néanmoins suscité les objections de certains critiques de magazines.
Les réalisations exceptionnelles de l'art russe du début du XIXe siècle se caractérisent par peinture de portraits. Tout au long du siècle, le portrait russe sera le genre de peinture qui liera le plus directement les artistes à la société, avec des contemporains marquants. Après tout, comme vous le savez, les artistes ont reçu un grand nombre de commandes de particuliers spécifiquement pour des portraits.
OREST KIPRENSKI (1782-1836)
Orest Kiprensky, l'un des plus grands peintres de la première moitié du XIXe siècle - Autoportrait (1). L'art de cet artiste, comme de tout grand maître, est hétérogène. Dans ses aspirations créatives, Kiprensky est soumis à influencé à la fois par le romantisme et le classicisme. Les œuvres d'un artiste, même de la même période, sont souvent différentes. Les meilleures peintures de Kiprensky mettent en valeur une compréhension romantique de la personnalité humaine. Dans ses œuvres, l'artiste confère à une personne des qualités spirituelles- intelligence, noblesse, caractère, capacité de penser et de ressentir. C'est pourquoi, dans ses portraits, Kiprensky principalement contemporains représentés ou éminents– parmi ses œuvres figurent des portraits de Pouchkine, Batyushkov, Joukovski, héros de la guerre patriotique de 1812, ou vos amis proches. La galerie de portraits qu'il a créée est la fierté des beaux-arts russes. Immédiatement après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Arts Kiprensky entièrement consacré au portrait. L'une des meilleures œuvres du jeune artiste de l'époque était portrait de Davydov (2). Kiprensky a créé l'image d'un officier russe caractéristique de l'époque - un participant à la lutte pour l'indépendance de sa patrie. La grande compétence artistique de Kiprensky s'est révélée dans l'exaltation émotionnelle du portrait et la richesse de ses couleurs. Dans d'autres portraits et dans toute une série de dessins au crayon, l'artiste a capturé des images de participants à la guerre, d'officiers et de milices qu'il connaissait personnellement bien. Dans tous les portraits de Kiprensky, à côté des traits d’exaltation romantique, on peut clairement voir le désir d'une divulgation réaliste de la psychologie humaine. D'un intérêt exceptionnel est portrait de A. S. Pouchkine (3), capturant fidèlement l’image du grand poète pour les générations futures. L'importance de Kiprensky, dessinateur et coloriste subtil, dans l'art russe de la première moitié du XIXe siècle est énorme.
Les contemporains comparaient ses œuvres aux genres de la poésie lyrique, de la dédicace poétique aux amis, très courants à l’époque de Pouchkine. Les portraits de Kiprensky sont toujours dotés d'une profonde réflexion ; ils semblent scruter le monde. Kiprensky a découvert à bien des égards de nouvelles possibilités dans la peinture. Chacun de ses portraits se distingue par une nouvelle structure picturale, une lumière et une ombre bien choisies, un contraste varié - « Fille napolitaine aux fruits » (4), « Gitane avec une branche de myrte » (5), « Fille à la couronne de coquelicots avec un œillet à la main (Mariuccia) » (6), « Jeune jardinier » (7), "Portrait d'E.P. Rostopchina" (8). Transmettant fidèlement les caractéristiques individuelles de ses modèles, K. a réussi à incarner un grand contenu social dans ses meilleurs portraits, à montrer la dignité humaine et la profondeur de la culture spirituelle des personnes représentées : derrière leur calme extérieur, des sentiments humains vivants se font toujours sentir.
La réaction de Nikolaev qui suit la défaite des décembristes contraint l'artiste à repartir en 1828 pour l'Italie, où il meurt.
VASILY TROPININE (1776-1857) –(9)
Un phénomène important dans l'histoire de la peinture russe fut l'œuvre de V. Tropinin, un remarquable artiste réaliste, une partie importante de ma vie ancien serf.
Vasily Andreevich Tropinin était même un peu plus âgé que Kiprensky, mais des circonstances défavorables ont longtemps retardé le développement de son talent.
Dans les années où Kiprensky créa le portrait de Davydov, marquant l'apogée de la peinture romantique russe, Tropinine était encore un artiste serf inconnu dans la propriété ukrainienne du comte Morkov et combinait les fonctions de pâtissier et de valet de pied principal avec la peinture. En raison du caprice du propriétaire foncier, il n'a pas pu terminer ses études à l'Académie des Arts. La jeunesse de Tropinin s'est déroulée en autodidacte, malgré les obstacles, maîtrisant les compétences techniques et atteignant l'excellence professionnelle. Dans ses études, il a choisi la voie que suivaient habituellement les artistes autodidactes de son temps : il travaillait dur et beaucoup d'après nature et copiait des peintures dans des collections d'art privées, auxquelles il avait accès grâce aux relations de son propriétaire foncier. Il a étudié les techniques de peinture non pas dans un atelier académique, mais à partir de sa propre expérience et des œuvres de maîtres anciens, et la vie en Ukraine, comme l'artiste lui-même l'a dit plus tard, a remplacé son voyage en Italie.
Ce système d'auto-éducation, malgré toutes ses lacunes, pourrait encore avoir quelques aspects positifs pour un artiste au talent grand et original. L'absence d'enseignement académique routinier a en partie aidé Tropinin à maintenir intacte la pureté et l'originalité de ses perceptions artistiques. Une communication vivante avec la nature et la connaissance de la vie populaire, soutenues par un travail constant sur le vif, ont contribué au développement des tendances réalistes inhérentes au talent de Tropinin. Mais dans ses jeunes années, séparé de force du milieu artistique, il n’était pas encore au niveau des tâches avancées de l’art de son temps. L'œuvre de Tropinin, même à la fin des années 1810, était plus proche par son style non pas des œuvres de ses pairs, mais de l'art du XVIIIe siècle.
La libération tant attendue du servage n'est arrivée qu'en 1823, alors que Tropinin avait déjà quarante-sept ans ; L'épanouissement de son talent remonte à cette époque. C'est au cours de cette période qu'est né son propre système artistique indépendant, qui a retravaillé de manière unique l'héritage du classicisme et des techniques de peinture du XVIIIe siècle, et celui créé par Tropinin a finalement pris forme. genre de portrait intime du quotidien. Les experts appellent les portraits de Tropinine « l’antipode » des portraits de Kiprensky, puisque ses peintures montrent une personne libre, décomplexée et « simple ».
« Le portrait d'une personne est peint à la mémoire de ses proches, de ses proches, de ceux qui l'aiment », disait Tropinin lui-même ; Cette affirmation quelque peu naïve contient, en substance, tout un programme qui caractérise les tâches de Tropinin et son attitude face à la réalité. Dans les portraits de Tropinin, il est véhiculé aspect intime et « simple » des gens de son époque; Les personnages de Tropinin ne « posent » pas devant l’artiste et le spectateur, mais sont capturés tels qu’ils l’étaient dans la vie privée, autour du foyer familial.
Tropinin s'est tourné vers des motifs de genre, consacrant représentation d'une simple personne qui travaille un certain nombre d'ouvrages. Dans ses œuvres, il accorde une grande attention à l'étude de la nature - tous ses portraits reproduisent fidèlement la vie autour de l'artiste, il n'y a rien de délibéré ou d'artificiel en eux - « Fille à la poupée » (10), « Vieux cocher appuyé sur un fouet » (11), « Dentellière » (12).
Ses portraits doucement peints se distinguent par leurs hautes qualités picturales et leur facilité de perception, les images humaines sont perçues comme caractéristiques. vérité et calme sans grande excitation intérieure .
Certaines de ces œuvres, malgré leur caractère réaliste assez évident, présentent des traits de sentimentalisme - « Fille au pot de roses » (13), « Femme à la fenêtre. (Trésorier) » (14).
À la fin de 1826, S. A. Sobolevsky, un ami proche de Pouchkine, s'adressa à Tropinine avec une proposition de peindre un portrait du poète. Les attributs de la « convivialité » - une robe, un col de chemise déboutonné, des cheveux ébouriffés - sont perçus non comme une preuve de l'aisance intime du poseur, mais plutôt comme un signe de ce « désordre poétique » auquel l'art romantique associe si souvent le idée d'inspiration «Portrait de Pouchkine» (15). Dans sa structure figurative, le portrait de Pouchkine fait écho aux œuvres de la peinture romantique contemporaine de Tropinin, mais en même temps Tropinin a réussi à créer une image romantique sans sacrifier l'exactitude réaliste et la véracité de l'image. Pouchkine est représenté assis, dans une pose naturelle et détendue. Le visage, ombré par la blancheur du revers de la chemise, est la tache colorée la plus intense de l'image et en est également le centre de composition. L’artiste n’a pas cherché à « embellir » le visage de Pouchkine et à adoucir l’irrégularité de ses traits ; mais, suivant consciencieusement la nature, il a réussi à la recréer et à la capturer haute spiritualité. Les contemporains ont unanimement reconnu la ressemblance impeccable avec Pouchkine dans le portrait de Tropinine. En comparaison avec le célèbre portrait de Pouchkine par Kiprensky, le portrait de Tropinin semble plus modeste et, peut-être, intime, mais ne lui est inférieur ni en expressivité ni en puissance picturale.
Dans le premier quart du XIXe siècle, d'importants processus ont eu lieu dans la région PEINTURE DE PAYSAGE. Si les paysages des artistes des temps passés étaient en grande partie conventionnels et délibérément construits et, en règle générale, ils étaient peints en atelier, sans nature ou n'avaient que très peu à voir avec elle, les peintres paysagistes apportent désormais beaucoup plus à leur travail. vérité de la vie, une observation attentive et début émotionnel. La place la plus importante ici appartient bien entendu à Sylvester Shchedrin.
SYLVESTRE CHCHEDRIN (1791- 1830)
Maître du romantisme paysager russe et de l'interprétation lyrique de la nature. L'œuvre de Sylvester Feodosievich Shchedrin a marqué la frontière entre l'ancien et le nouveau dans l'histoire du paysage russe. L'artiste a perfectionné ce que ses prédécesseurs recherchaient et a jeté les bases d'un nouveau développement réaliste de la peinture de paysage russe. Ses œuvres montrent clairement une persistance travail de la vie. Il fut le premier peintre russe à se tourner vers le travail en plein air. Tous ses paysages transmettre avec précision le caractère de la nature. Shchedrin introduit également des humains dans ses paysages, mais non plus sous la forme de figures sans visage à l'échelle, comme c'était le cas auparavant, mais des personnes vivantes qui sont véritablement connectées à la nature. Dans ses meilleures œuvres, il a réussi à surmonter le goût conventionnel du « musée » et, à vrai dire, a transmis l'état naturel de la nature- nuances de soleil, brume bleu clair au loin, douces teintes de ciel bleu. Il avait un subtil sens lyrique de la nature.
Après avoir été diplômé de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, en 1818 arrivé en Italie et a vécu plus de 10 ans. Il méritait quelque chose d’incroyable pour cette époque. popularité parmi les Italiens Ceux qui voulaient acheter ses tableaux devaient parfois écrire de nombreux exemplaires de leurs œuvres les plus réussies, qui se vendaient rapidement. Ses œuvres célèbres sont « Nouvelle Rome « Château du Saint-Ange » (17), Promenade Mergellina à Naples (18), Grand Port sur l'île de Capri (19) Après avoir surmonté la tradition du « paysage héroïque » et la compréhension de la nature développée à l'Académie des Arts comme motif de souvenirs historiques, en se tournant vers la réalité vivante et contemporaine et la nature réelle, Shchedrin a en même temps surmonté l'universitaire conventionnel. schéma pour la solution artistique du thème du paysage.
Ayant vécu une vie courte mais créative, Shchedrin n'a jamais pu retourner en Russie. Les magnifiques paysages italiens reflétaient toute la beauté unique de la nature de cette région, que de nombreux artistes russes imaginaient comme un paradis - une terre promise - « Grotte de Florence » (20), « Paysage italien. Capri" (21), "Nuit au clair de lune à Naples" (22), "Vue du lac de Nemi aux environs de Rome".
Dans cette petite toile appartenant à les meilleures créatures Dans la peinture de paysage russe, les principales caractéristiques du nouveau système artistique de Shchedrin apparaissent avec toute la clarté. « Vue sur le lac Nemi » est étrangère à ces effets délibérés qui constituent l'essence même du paysage universitaire. Dans le paysage de Shchedrin, il n'y a pas de bosquets classiques, pas de cascades, pas de ruines majestueuses ; l'idéalisation est remplacée par une recréation vivante et véridique de l'image de la nature. La base de la nouvelle méthode n'est pas la « composition » d'un paysage, mais observation directe et précise de la nature.
Un chemin étroit, bordé de vieux arbres, serpente le long du rivage et entraîne le regard du spectateur dans les profondeurs du tableau. Au premier plan se trouvent plusieurs personnages : deux paysannes parlent sur le rivage, un moine marche et un jeune conducteur conduit un âne derrière lui. Plus loin, on aperçoit les eaux calmes et légères du lac ; dans les profondeurs, couvrant l'horizon, une haute montagne couverte de forêt devient bleue. Une douce lumière diffuse inonde l'image, l'éblouissement du soleil tombe à travers les branches des arbres sur le chemin sablonneux, l'eau scintille d'argent au soleil et un voile aéré transparent enveloppe les objets proches et lointains.
La maîtrise réaliste de l’espace est l’une des principales réalisations de Shchedrin dans ce film. Il n’y a pas de scènes de coulisses, pas de marqueurs d’objets marquant la profondeur. La perspective linéaire a cédé la place à la perspective aérienne. Certes, les trois plans traditionnels sont toujours conservés dans l'image, mais la route plus profonde les relie entre eux et rend l'espace continu. L'artiste ne se contente plus de la reproduction fidèle de détails individuels ; il atteint l'intégrité de l'impression globale et l'unité organique de tous les éléments qui composent le paysage. Transmission de la lumière et de l'air, unité d'éclairage, reliant les objets et les plans spatiaux, est le principal moyen par lequel l'image acquiert cette intégrité.
Le système de peinture développé par Shchedrin basé sur l'étude de la nature en plein air (dite peinture en plein air) ouvre une nouvelle page dans l'histoire du paysage. Il n’est pas surprenant que l’innovation du maître russe n’ait pas été immédiatement appréciée et ait provoqué les protestations de la critique d’art conservatrice. Il semblait aux idéologues de l'art académique que Shchedrin «adhère à une imitation servile de la nature, ne permettant pas de déviations, même en faveur des élégants». En effet, l’artiste abandonne consciemment les effets conventionnels et fictifs, jugés « élégants » dans les milieux proches de l’Académie des Arts. Mais, bien entendu, il était très loin de copier passivement la nature. Sa peinture capture non seulement l'apparence réelle des rives du lac Nemi, mais révèle également avec une pénétration profonde et authentique la poésie de la nature italienne, sa tranquillité ensoleillée et son harmonie lumineuse et paisible.
L'artiste s'est intéressé à un autre motif - une terrasse couverte de raisins surplombant la mer - « Véranda entrelacée de raisins » (24).
ALEXEY VENETSIANOV (1780-1847) – (25)
Venetsianov s'appelle fondateur de la peinture de genre russe (quotidienne). Ce n'est pas tout à fait vrai : il a eu des prédécesseurs au XVIIIe siècle. Mais ça commence avec Venetsianov montée de tendances réalistes dans l'art russe, accompagné d'un appel au monde des images nationales et populaires et d'un intérêt accru pour la vie moderne.
La créativité de Venetsianov est empreinte de patriotisme et d'authenticité attitude démocratique. L’ère de l’essor social associée à la Guerre patriotique a ouvert les yeux de l’artiste sur les profondes qualités morales d’un simple Russe issu du peuple, sur son héroïsme et sa dignité humaine. DANS Paysannerie serf russe Venetsianov, artiste-humaniste, était capable de discerner les traits non pas d'un esclave, mais au contraire d'un type humain supérieur.
Merveilleux russe peintre de genre et portraitiste Alexey Gavrilovich Venetsianov pour la première fois dans la peinture russe images combinées de paysans et de nature nationale. Venetsianov - le créateur d'une galerie entière portraits de paysans - «Le berger endormi» (26).
Le tableau « Le berger endormi » occupe une place prépondérante dans ce cycle. Elle est l'une des créations les plus poétiques de Venetsianov. L'artiste a représenté les enfants des paysans avec une chaleur particulière et une exaltation lyrique. La pureté et la clarté harmonieuse de sa pensée artistique convenaient parfaitement aux tâches de recréation du monde d'un enfant. Aucun des maîtres russes de son époque n'a atteint une telle perspicacité, une véracité aussi aiguë et, en même temps, une telle force de sentiment poétique dans la représentation des images et des expériences de l'enfance. Cependant, cela n’épuise pas le contenu de « Le Berger endormi ». Ici apparaissent clairement et clairement toutes les caractéristiques principales du langage artistique de Venetsianov, toute la structure de sa pensée imaginative, tous les aspects progressistes de son art, mais en même temps les limites historiquement explicables de son réalisme. Il n’y a aucune action dans La Bergère endormie. Un garçon paysan est représenté s'endormant dans un champ ; il est assis au bord d'une rivière étroite, appuyé contre le tronc d'un grand vieux bouleau, et derrière lui, en arrière-plan du tableau, s'ouvre un paysage russe typique avec une hutte branlante, des sapins rares et des champs sans fin qui s'étendent jusqu'au horizon. Mais un contenu émotionnel profond est intégré dans cette intrigue simple. La peinture de Venetsianov est imprégnée d’un sentiment de paix et de tranquillité, d’un amour lyrique pour la nature et l’homme.
Le thème principal du tableau est la fusion harmonieuse de l'homme avec la nature, et Venetsianov fait sans aucun doute écho ici au sentimentalisme de la fin du XVIIIe siècle. Dans « La Bergère », il n'y a aucune trace de pose délibérée ; au contraire, toute l'apparence du garçon endormi est marquée par des traits de naturel vif et détendu. Venetsianov souligne avec un soin particulier le type national russe en lui et donne à son visage une expression d'une pureté spirituelle véritablement touchante. Les critiques ont parfois reproché à Venetsianov la pose un peu maniérée de la bergère, mais ce reproche est injuste - c'est la pose du garçon endormi, avec son engourdissement particulier, qui traduit bien l'état de sommeil, qui témoigne de l'observation fine de l'artiste et de la proximité de ses images avec la nature vivante. Le paysage joue un rôle particulièrement important dans le tableau. Il ne devient plus un « fond » pour l'image d'une personne, mais un moyen indépendant et essentiel pour transmettre des sentiments et construire une image. C'est dans le paysage que Venetsianov a été le fondateur d'une nouvelle direction, qui a ensuite été largement développée par l'art russe du XIXe siècle. Venetsianov s'est tourné vers la nature simple et « sans fioritures » de son pays natal et l'a recréé non seulement avec une précision minutieuse, mais aussi avec un profond sentiment lyrique.
L’image de la nature, tout comme l’image de l’homme, dans l’art de Venetsianov devient porteuse d’une vision du monde idyllique.
« La bonne aventure par cartes » (27), « Faucheurs » (28), « Paysanne avec une faux et un râteau (Pelageya » (29), « Baigneurs » (30), « Sur les terres arables. Printemps » (31) . Dans ses œuvres d'art, le peintre exprime sa position idéologique et esthétique. Venetsianov a montré l'attractivité spirituelle des paysans, a affirmé sa personnalité, défendant ainsi ses droits humains. Dans ses œuvres représentant des paysans, l'artiste a cherché à révéler beauté spirituelle et physique d'une simple personne russe. Le peintre sympathisait profondément avec le sort des paysans, déployait beaucoup d'efforts pour améliorer la situation des artistes serfs, mais en même temps il était loin de la critique sociale. L’œuvre de Venetsianov est fortement influencée par l’héritage classique : il n’a pas peur d’utiliser les moyens de la peinture ancienne dans ses œuvres. En même temps, étant réaliste dans ses aspirations, parallèlement à l'harmonie sublime des classiques, il était proche du respect de l'individualité caractéristique du romantisme. Le large appel du « père du genre russe » au thème paysan fut une véritable révélation artistique pour l’époque et fut chaleureusement accueilli par la partie dirigeante de la société russe.
L'innovation de Venetsianov s'est manifestée non seulement dans le fait qu'il s'est tourné vers une gamme d'images nouvelles dans la peinture russe, mais aussi dans le fait que pour les mettre en œuvre, il a développé de nouveaux moyens visuels réalistes. Venetsianov rompit ouvertement avec le vieil art conventionnel de l'Académie et appelé à apprendre de la vie, de la nature, à l'étudier et à l'imiter.
Grande importance de Venetsianov comme un enseignant. Sur son domaine de Safonkovo , il a créé une école d'art dans laquelle ont été formés toute une galaxie de peintres, les soi-disant Vénitiens. Ces artistes, suivant les préceptes de leur professeur, travaillent principalement dans le domaine du genre, représentant la vie domestique, les scènes de rue, le travail des paysans et artisans et les paysages ruraux.
Les dépenses exorbitantes liées à la nécessité d'entretenir l'école et de subvenir aux besoins de ses élèves imposent une lourde charge au domaine. Finalement, il fut contraint d'hypothéquer la succession au Conseil des Tuteurs. Essayant d'améliorer d'une manière ou d'une autre sa situation financière, Venetsianov a entrepris des travaux sur commande. Il s'agissait pour la plupart de portraits et d'icônes d'églises. Le 4 décembre 1847, après avoir réalisé des croquis d'icônes pour l'une des églises de Tver, il voulut les emmener personnellement à Tver. En descendant la montagne escarpée, les chevaux ont commencé à déraper, Venetsianov a été éjecté du traîneau et s'est pris dans les rênes. La troïka a traîné le corps déjà sans vie jusqu'au village de Poddubye.
KARL BRIOULLOV (1799-1852) - (32)
Karl Petrovich Bryullov - un peintre historique russe exceptionnel, portraitiste, paysagiste, auteur de peintures monumentales ; lauréat de prix honorifiques : grandes médailles d'or pour les tableaux « L'apparition de trois anges à Abraham au chêne de Mamré » (1821) et « Le dernier jour de Pompéi » (1834), Ordre d'Anne, degré III ; Membre des Académies des Arts de Milan et de Parme, de l'Académie Saint-Luc de Rome, professeur des Académies des Arts de Saint-Pétersbourg et de Florence, associé libre honoraire de l'Académie des Arts de Paris.
Dans la famille de l'académicien de sculpture ornementale P.I. Brullo, les sept enfants avaient des talents artistiques. Cinq fils : Fedor, Alexander, Karl, Pavel et Ivan sont devenus artistes. Mais la gloire qui revient à Karl a éclipsé les succès des autres frères. Entre-temps, il grandit comme un enfant faible et frêle, ne se leva pratiquement pas pendant sept ans et fut tellement épuisé par la scrofule qu'il « devint un objet de dégoût pour ses parents ».
Karl Pavlovitch Briullov était l'un des plus brillants, et en même temps artiste controversé dans la peinture russe du XIXe siècle. Bryullov avait un talent brillant et façon de penser indépendante. Malgré les tendances de l'époque (influence du romantisme), l'artiste ne parvient pas à se débarrasser complètement des canons classiques. C'est peut-être pour cette raison que son travail était très apprécié par l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, loin d'être avancée : dans sa jeunesse, il en fut l'élève, puis devint professeur émérite. Cependant, à l'exception de Fedotov, l'artiste n'avait pas d'élèves talentueux. Ses disciples sont pour la plupart devenus des peintres de salon superficiels, n’ayant adopté que certaines des techniques extérieures de Bryullov. Néanmoins, de son vivant, Bryullov, ou « le grand Karl », comme le surnommait l’élite, était vénéré non seulement en Russie, mais aussi par de nombreuses personnalités en Europe. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, à l'apogée du réalisme, artistes et critiques ne voyaient en Bryullov qu'un représentant d'un courant « académique » qui leur était inacceptable. De nombreuses années se sont écoulées avant que l'artiste prenne la place qui lui revient dans l'histoire de l'art russe.
Bryullov était un homme doté d'un énorme talent, dont il a fait preuve dans une grande variété de genres artistiques. Développement Peinture historique russe, portrait, dessin, peinture décorative doit beaucoup à son travail. Dans chacun de ces genres, le talent virtuose de cet artiste remarquable a laissé une profonde marque.
Ayant reçu sa formation initiale auprès de son père, professeur à l'Académie des Arts, puis à l'Académie elle-même, Bryullov a découvert dès sa jeunesse des capacités artistiques exceptionnelles.
Alors qu'il était retraité à Rome et qu'il avait étudié le patrimoine classique, il réalisa des œuvres qui révélèrent immédiatement non seulement la maturité de son talent, mais aussi la fécondité de sa recherche d'une expressivité réaliste de l'image artistique. Des peintures de Bryullov telles que "Matin italien" (33), "Noon" et quelques autres, consacrés à la vie du peuple italien, ont suscité le reproche des défenseurs du classicisme de Saint-Pétersbourg pour l'engagement excessif du jeune artiste dans la vie réelle. Cela n'a pas dérangé Bryullov du tout et il a continué à travailler sur sa plus grande toile avec beaucoup d'enthousiasme. "Le dernier jour de Pompéi" (34), ce qui lui valut la renommée du meilleur peintre de l'époque. Après avoir effectué un énorme travail préliminaire, il a créé une épopée véritablement dramatique, dont l'exaltation romantique des images a fait une impression colossale sur ses contemporains. Ce tableau fut un triomphe des beaux-arts russes, une preuve convaincante de sa maturité.
La compréhension du thème historique exprimé dans « Le Dernier Jour de Pompéi » fait directement écho à l’ensemble des idées historiques développées par la littérature russe avancée et la pensée sociale des années 1820-1830.
Contrairement à la peinture historique précédente avec son culte des héros et son attention portée à l'individu, par opposition à la foule impersonnelle, Bryullov a conçu « Le dernier jour de Pompéi » comme Scène de foule, dans lequel le seul et véritable héros serait le peuple. Tous les personnages principaux du film sont des représentants presque égaux de son thème ; Le sens de l'image ne s'incarne pas dans la représentation d'un seul acte héroïque, mais dans une transmission minutieuse et précise de la psychologie des masses. Les travaux sur « Le dernier jour de Pompéi » ont duré près de six ans.
Le thème du tableau est tiré de l’histoire romaine antique.
Pompéi (ou plutôt Pompéi) - une ancienne ville romaine située au pied du Vésuve - le 24 août 79 après JC, à la suite d'une puissante éruption volcanique, elle fut remplie de lave et recouverte de pierres et de cendres. Deux mille habitants (dont environ 30 000 au total) sont morts dans les rues de la ville lors d'une bousculade.
Pendant plus de mille cinq cents ans, la ville est restée enfouie sous terre et oubliée. Ce n'est qu'à la fin du XVIe siècle, lors de travaux de fouilles, que l'on découvrit accidentellement un endroit où se trouvait autrefois une colonie romaine perdue. Depuis 1748, les fouilles archéologiques commencèrent, s'intensifiant particulièrement dans les premières décennies du XIXe siècle.
Au centre de l’image se trouve la figure prostrée d’une jeune femme qui est morte d’une chute d’un char. On peut supposer que dans cette figure, Bryullov voulait symboliser tout le monde antique mourant ; une allusion à une telle interprétation se retrouve également dans les critiques des contemporains. Ce n'est pas un hasard si, à côté de la figure centrale de la femme assassinée, l'artiste a représenté un beau bébé, symbole du pouvoir inépuisable de la vie. Dans l'image, il y a à la fois un prêtre païen et un prêtre chrétien, comme s'il personnifiait le monde antique en voie de disparition et la civilisation chrétienne émergeant sur ses ruines.
En tant que peintre de grand talent, Bryullov a détruit avec ses œuvres le cadre étroit des canons académiques. Ses œuvres se distinguaient invariablement par l'étendue de leur concept.
Dans son travail, l'artiste principalement prêté attention à la personne, révélant la puissance de son esprit et affirmant la noblesse de ses aspirations. Dans chaque œuvre de Bryullov, dans chacune de ses toiles et dans chacun de ses dessins, l'amour et le respect de l'homme sont invariablement incarnés - « Le génie de l'art » (35), « Narcisse regardant dans l'eau » (36), « Junon endormie » (37).
Les réalisations de l’artiste dans le domaine du portrait ne sont pas fortuites. Bryullov a imprimé toute une série d'images de ses contemporains. Outre les portraits commandés par les autorités, il nous a laissé un certain nombre d'images profondément réalistes d'artistes, de personnes de son entourage - écrivains, artistes, acteurs - "Cavalière" (38), "La bonne aventure de Svetlana" (39), "Portrait de la princesse Volkonskaya" (40), "Femme turque" (41), "Rêve d'une nonne" (42), "Profil de la tête de Glinka" (43).
ALEXANDRE IVANOV (1806-1858)
Une page nouvelle et encore plus significative de l'histoire de la peinture russe fut l'œuvre d'Alexandre Ivanov. Avoir reçu éducation artistiqueà Saint-Pétersbourg, Ivanov, en tant que retraité de la Société pour l'encouragement des arts, fut envoyé en Italie pour améliorer et étudier l'art classique.
Élevé par son père, professeur de peinture historique à l'Académie des Arts, dans les traditions du classicisme russe, Ivanov a ressenti avec acuité le déclin de ce style dans les nouvelles conditions historiques et l'effondrement des idéaux et des idées esthétiques qui dominaient récemment. Il s'est fixé pour objectif de toute sa vie de redonner à l'art sa signification sociale. Selon lui, les réalisations créatives des grands artistes classiques auraient dû être liées aux nouvelles idées avancées de la société russe. "Combiner la technique de Raphaël", écrit-il, "avec les idées d'une nouvelle civilisation - telle est la tâche de l'art à l'heure actuelle".
« L'apparition du Christ à Marie-Madeleine » (44), - appartient à la première période de l'œuvre d'Ivanov et présente toutes les caractéristiques inhérentes au classicisme : composition équilibrée, répartition des figures et des objets selon les plans, motif lisse et couleur locale, expressivité émotionnelle dans l'interprétation des thèmes mythologiques et évangéliques traditionnels.
Valeur leader car Ivanov sont des images de l’art de la Renaissance italienne. Termine période au début peinture d'artiste créatif « Apollon, Hyacinthe et Cyprès, engagés dans la musique et le chant » (44a), créé par Ivanov déjà à Rome, qui se distingue par son harmonie compositionnelle et coloristique inhabituellement subtile et la sublimité poétique de son interprétation des images du mythe antique. C'est l'Antiquité perçue à travers la Renaissance. L'artiste semble révéler le sens divin caché de la nature.
Le grand artiste russe Alexandre Andreïevitch Ivanov a enrichi en profondeur la peinture russe et européenne du XIXe siècle pensée philosophique. Dans son œuvre, Ivanov soulève de nombreux problèmes de la vie contemporaine : l'artiste fut le premier de la peinture russe à évoquer question sur l'inégalité sociale des personnes. Sa vision du monde s'est formée sous l'influence de N.V. Gogol, avec qui l'artiste était ami au cours de ces années. Gogol a largement influencé les idées d’Ivanov sur les tâches éducatives de l’art. Ivanov a réalisé rôle éducatif et prophétique de l'artiste, il croyait que l'art devait servir à la transformation et à l'amélioration morale de l'humanité. L'artiste a cherché à comprendre
La crise du servage ralentit le développement du système capitaliste. Des idées épris de liberté émergent dans les cercles laïques, la guerre patriotique de 1812 se poursuit, ainsi que la participation des troupes russes à la libération des États européens de Napoléon, le soulèvement des décembristes de 1825 contre le tsarisme, tout cela a un impact sur la peinture.
Quelle est la différence entre peindre à l'époque du génie A.S. Pouchkine ?
Probablement l'incarnation des idéaux brillants et humains d'un peuple épris de liberté...
Parallèlement au classicisme, le mouvement romantique se développe et le réalisme se forme.
La direction romantique de la peinture russe est devenue le début du développement du réalisme au cours des décennies suivantes. C'est ainsi que se déroule le rapprochement Artistes russes, romantiques avec la vraie vie, ce qui était l'essence du mouvement artistique de cette époque. La large diffusion des expositions témoigne en même temps du rapprochement du peuple russe avec le monde de l'art ; les gens de toutes classes s'efforcent de visiter les expositions. On pense que le tableau de K.P. Le dernier jour de Pompéi de Bryulov constitue un tel rapprochement. Les Saint-Pétersbourg de toutes les classes sociales essayaient de la voir.
La peinture russe devient multinationale, les peintures acquièrent des nuances nationales, des étudiants de différentes nationalités sont acceptés à l'Académie. Les autochtones d'Ukraine, de Biélorussie, des États baltes, de Transcaucasie et d'Asie centrale étudient ici.
Dans la première moitié du XIXe siècle, la peinture est représentée dans tous les genres : portrait, paysage, nature morte, peinture historique.
Artistes russes célèbres de la première moitié du XIXe siècle :
Chefs-d'œuvre de la peinture russe
- Peinture de Bryullov K.P. "Le dernier jour de Pompéi"
- Peinture d'Aivazovsky I.K. "La neuvième vague"
- Peinture de Bruni F.A. "Serpent de cuivre"
- Peinture de Venetsianov A.G. "Le sol de la grange"
- Peinture de Tropinin V.A. "La Dentellière"
Peinture de la première moitié du XIXe siècle
Le début du XIXe siècle est traditionnellement appelé l'âge d'or de la culture russe. C'est l'époque où brillait le génie de A. Pouchkine, A. Griboïedov et N. Gogol, et où l'école de peinture russe, en la personne de K. Bryullov, recevait une reconnaissance européenne. Les maîtres de cette période historique, malgré les circonstances dramatiques de la vie, recherchaient dans l'art une harmonie sereine et un rêve brillant, évitant la représentation des passions terrestres. Cela était dû en grande partie à l'ambiance générale de déception face à la lutte active qui régnait en Europe occidentale et en Russie après l'effondrement des idées de la Grande Révolution française. Les gens commencent à se « replier sur eux-mêmes » et à se livrer à des rêves solitaires. L'ère du romantisme approche, qui a coïncidé en Russie avec le début du règne du nouvel empereur Alexandre Ier et la guerre avec Napoléon.
L’art du portrait du début du XIXe siècle reflète le monde caché des expériences émotionnelles, de la mélancolie et de la déception. Le principal représentant du courant romantique dans l’art du portrait russe était Orest Adamovitch Kiprensky (1782-1836). Diplômé de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, Kiprensky a vécu une vie orageuse, dans laquelle il y avait de tout : des pulsions romantiques folles, un amour passionné, la montée de la gloire et la mort dans la pauvreté dans un pays étranger. De la première période de sa vie, celle de Saint-Pétersbourg, il reste un héritage précieux - des œuvres brillantes dans le genre du portrait (« Portrait d'A.K. Shvalbe », « Portrait d'E.V. Davydov », « Portrait de la comtesse E.P. Rostopchina », « Portrait de D. N. Khvostova ", etc.). Les héros des portraits de Kiprensky sont catégoriquement retenus, ne montrent pas leurs émotions, mais sur le visage de chacun d'eux se trouve le cachet de la « préparation » aux épreuves du destin, l'importance de la personnalité humaine, caractéristique du romantisme, quelle que soit la classe. , le sexe et l'âge.
Dans les premières années du XIXe siècle, le style Empire est arrivé en Russie depuis la France napoléonienne – un nouveau retour du classicisme. Clarté rationnelle, équilibre harmonieux, sévérité majestueuse, dépassement des passions terrestres au nom des idéaux de valeur patriotique - toutes ces caractéristiques du style classique étaient recherchées pendant la guerre patriotique avec Napoléon. Le représentant le plus marquant du classicisme dans la peinture russe était Fiodor Petrovitch Tolstoï (1783-1873), un merveilleux sculpteur, peintre et dessinateur. Dans ses natures mortes captivantes, les fruits et les fleurs apparaissent comme des « perles de la création », comme l’ancien idéal d’une perfection harmonieuse, purifiée de tout ce qui est « terrestre » et aléatoire.
L'incendie de Moscou, le mouvement partisan, la fin victorieuse de la guerre avec Napoléon - tout cela obligea pour la première fois la noblesse à porter un nouveau regard sur le peuple, à prendre conscience de sa position et à reconnaître sa dignité humaine. Dans les œuvres d'Alexeï Gavrilovitch Venetsianov (1780-1847), le monde de la paysannerie serf apparaît pour la première fois. Cet artiste est allé à l'encontre de la routine académique établie - il a commencé à peindre non pas selon des schémas académiques, mais « à la nature », ce qui était un grand courage à l'époque. Ses serfs, habitants du village de Safonkovo, dans la province de Tver, ont posé pour Venetsianov. Le monde paysan dans les peintures de Venetsianov est vu comme depuis la fenêtre d’un domaine noble romantique : il n’y a pas de place pour la critique de l’injustice sociale ou du surmenage. Le monde de Venetsianov est plein de perfection harmonieuse, de paix calme et claire, d’unité des hommes et de la nature. Pour la première fois, le genre paysan poétiquement conventionnel de Venetsianov est pénétré par le charme modeste et tranquille de la nature tranquille du nord de la Russie, qui constitue le charme particulier de ses peintures. Avec ses propres fonds, Venetsianov a créé sur son domaine une école d'artistes, qu'il a recrutés principalement dans la classe des serfs. Certains de ses élèves ont dignement poursuivi sa carrière artistique. Ainsi, les intérieurs poétiques de Kapiton Alekseevich Zelentsov (1790-1845), les paysages de Grigory Vasilyevich Soroka (1823-1864) et Evgraf Fedorovich Krendovsky (1810 - après 1853) méritent l'attention. Selon A. Benois, «Venetsianov à lui seul a suscité toute une école, toute une théorie et a semé les premières graines de la peinture populaire russe».
Les meilleurs diplômés de l'Académie des Arts ont reçu le droit à un stage en Italie - le pays de l'antiquité « vivante » et des beaux chefs-d'œuvre de la Renaissance. De nombreux artistes, partis pour l'Italie, sont restés dans ce pays pendant de longues années, ne voulant pas retourner en Russie, où régnait l'esprit de régulation gouvernementale de l'art, les peintres dépendaient des ordres de la cour impériale.
Le talentueux artiste Mikhaïl Ivanovitch Lebedev (1811-1837), décédé prématurément, a peint ses plus beaux paysages romantiques en Italie. La nature italienne captivante et le généreux soleil du sud ont inspiré le peintre paysagiste le plus doué de cette génération, Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791-1830). Shchedrin partit en voyage de retraite en Italie en 1818 et y vécut pour cause de maladie jusqu'à sa mort en 1837. Il a répété à plusieurs reprises les mêmes motifs : des panoramas majestueux sur Rome, des vues sereines sur les rochers et la mer sur la côte sud de l'Italie, à proximité de Naples et de Sorrente. Shchedrin fut le premier à commencer à peindre des paysages en plein air (open air), le libérant des conventions académiques traditionnelles des couleurs. On ne rencontrera pas d'orages romantiques ni de mauvais temps pluvieux dans ses paysages ; soleil brillant et une paix sereine, les gens vivent une vie unie avec la nature environnante, et la nature donne aux gens bonheur, détente et « aide » dans le travail quotidien.
Karl Pavlovich Briullov (1799-1852) était le peintre le plus célèbre parmi tous les maîtres russes du début du XIXe siècle. Son tableau grandiose « Le dernier jour de Pompéi », réalisé en Italie, a connu un succès retentissant en Europe et en Russie. Dans son pays natal, Briullov a été accueilli comme un héros national. Dessinateur virtuose, amoureux de la beauté extérieure du monde, Bryullov a réussi à « verser du sang neuf » dans l'académisme mourant, le remplissant d'expériences romantiques lumineuses. Tant dans les peintures narratives que dans les portraits, Bryullov représente la vie sous les formes du théâtre. Ses grands portraits d'apparat, où un personnage est représenté comme pris au moment d'une action de « jeu de rôle » (« Cavalière », « Portrait de N.V. Marionnettiste », etc.), connurent un grand succès auprès des clients. L'artiste ne s'est pas donné pour tâche de transmettre l'individualité unique de l'individu ; il s'est principalement préoccupé de la beauté extérieure captivante des femmes, de la splendeur des vêtements coûteux et du luxe de la décoration intérieure. Au cours des dernières années de son œuvre, Bryullov s'est éloigné de l'idéal de splendeur extérieure « sereine », ses portraits sont devenus plus intimes et psychologiquement plus profonds (« Portrait de A. N. Strugovshchikov », « Autoportrait » de 1848.)
La figure du brillant maître Alexandre Andreïevitch Ivanov (1806-1858) se situe au-dessus de tous les artistes de la première moitié du XIXe siècle. Selon A. Benoit, « vivait en lui une âme enfantine, angélique, curieuse, une véritable âme de prophète, assoiffée de vérité et ne craignant pas le martyre ». En Italie, où Ivanov a été envoyé en voyage de retraite après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Arts, il a travaillé pendant une vingtaine d'années sur la grandiose toile « L'apparition du Christ au peuple » et n'est retourné dans son pays natal que peu de temps avant sa mort. Le public russe n'a pas apprécié le tableau et son auteur est rapidement décédé subitement du choléra à Saint-Pétersbourg, n'ayant pas le temps de recevoir de l'argent pour le tableau principal de sa vie, acquis par l'empereur.
Les esquisses paysagères préparatoires d’Ivanov pour « L’Apparition du Christ au peuple » sont devenues de véritables chefs-d’œuvre. Travaillant en plein air dans les environs de Rome, l'artiste, à la recherche de la vérité de la couleur, fait d'étonnantes découvertes coloristiques, anticipant les réalisations des impressionnistes français. Ivanov était un véritable artiste-sage du sentiment religieux, qui a réussi dans le cycle d'aquarelles « Esquisses bibliques » à dire un mot nouveau dans l'histoire de la peinture religieuse, à présenter les plus grandioses et les plus incompréhensibles avec « une véritable solennité pascale » (A. Benois ).
Vasily Andreevich Tropinin (1776 (?) - 1857) est devenu le premier portraitiste professionnel de Moscou, fondateur de l'école de peinture de Moscou. Pour un artiste serf, il eut un destin heureux : son maître, le comte Morkov, paya ses études à l'Académie des Arts, encouragea sa créativité et lui donna en 1823 sa liberté. Immédiatement après, Tropinine, déjà populaire parmi les Moscovites, reçut le titre d'« académicien nommé ». L'artiste nous a laissé toute une galerie de visages de Moscou après l'incendie, dans laquelle régnait une atmosphère particulière de liberté, l'hospitalité des habitants et la capacité de s'adonner aux joies de la vie. Les portraits de Tropinin étonnent par leur vitalité et en même temps leur regard affectueux et bienveillant sur une personne.
Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) était officier de la garde dans le régiment finlandais, mais à l'âge de 29 ans en 1844, il quitta le service militaire et se consacra entièrement à l'art. Le destin lui a permis de créer environ huit ans - Fedotov est décédé à l'âge de 37 ans dans un hôpital psychiatrique, après avoir réussi à peindre peu de tableaux, mais chacun d'eux est une perle précieuse qui est entrée dans le trésor de l'art russe. L'artiste a travaillé dans le domaine du genre quotidien, lui donnant une nouvelle hauteur et une nouvelle netteté. Il remplit les scènes de la vie des marchands et de la noblesse avec un humour doux, se moquant des mœurs modernes (« The Major's Matchmaking », « The Picky Bride », etc.). Fedotov dépeint le monde des gens et leur environnement objectif avec une étonnante perfection picturale, une pénétration amoureuse, une tendresse et une véracité. Le dernier tableau d'un artiste gravement malade, « Ancre, encore une ancre ! », est désespérément calme et sombre, rappelant les rêves boueux d'une fièvre. Dans celui-ci, l'admiration du monde et la sérénité rayonnante disparaissent - une nouvelle image sobre et profondément critique de la réalité - le réalisme - entre sur la scène historique.
SYLVESTRE CHCHEDRIN. Nouvelle Rome. Château de Saint-Ange.1824. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Dans le paysage de Shchedrin, l'image Ville Eternelleà la fois majestueux et intimiste. La lourde masse de pierre du Château Saint-Ange est contrebalancée par des bâtiments et des bateaux sur la rive gauche du Tibre. Le débit majestueux et fluide de la rivière « conduit » le regard du spectateur vers l’ancien pont en arc et la silhouette de la cathédrale Saint-Pierre, symbole de la grandeur de Rome. Au premier plan, la vie quotidienne des citadins se déroule paisiblement et lentement : ils tirent le bateau à terre, se préparent à partir en navigation, vaquent à leurs occupations... Tous les détails du paysage sont vivants, vus dans la nature, dénués de conventions académiques. . Le tableau lui-même est très beau : tout est enveloppé d’air, imprégné de la lumière douce et diffuse du matin.
SYLVESTRE CHCHEDRIN. Grotte Matromanio sur l'île de Capri.
De la grotte ombragée de la grotte, on a une vue captivante sur les eaux et les rochers de la baie maritime, qui semblent se prélasser sous les rayons éblouissants du soleil. L’arche de la grotte forme une sorte de coulisses qui sépare efficacement l’espace lointain de la baie maritime du monde de la vie quotidienne proche du spectateur.
SYLVESTRE CHCHEDRIN. Petit port de Sorrente surplombant les îles d'Ischia et Procido.1826. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
De toutes les nombreuses vues de Sorrente réalisées par Shchedrin, ce paysage est le plus hellénique dans son esprit. Les rayons du soleil descendent « tangiblement » du ciel, se reflétant dans la surface calme et argentée de la baie, illuminant doucement les cabanes et les bateaux côtiers, soulignant les mouvements tranquilles et mesurés des petites figures de pêcheurs occupés à leurs tâches quotidiennes. Les couleurs du paysage sont lumineuses, les ombres sont transparentes, tout est rempli d'air.
SYLVESTRE CHCHEDRIN. Véranda entrelacée de raisins.
L’un des meilleurs paysages de l’artiste, peint dans les environs de Naples, est imprégné de l’esprit hellénique de paix claire et d’harmonie lumineuse. La nature apparaît chez Shchedrin comme une image du paradis sur terre. Il souffle le souffle frais et humide de la mer, l'arôme des feuilles de vigne chauffées. Réfugiés sur la véranda contre le soleil brûlant, les gens s'adonnent à une détente bienheureuse. Les rayons dorés du soleil pénètrent à travers les branches entrelacées des raisins, tombent comme des reflets sur les supports en pierre de la véranda et se reflètent dans des reflets lumineux sur l'herbe brûlée... Shchedrin transmet magistralement l'effet d'éclairage le plus complexe, réalisant une unité de lumière, de couleur et d’élément aérien inédit dans le paysage.
MAXIM VOROBYEV. Nuit d'automne à Saint-Pétersbourg (Pier avec des sphinx égyptiens sur la Neva la nuit).1835. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Dans l'une de ses plus belles vues de Saint-Pétersbourg, Vorobyov exprime la plénitude du délice romantique devant cette ville merveilleuse et son architecture. La lueur de la pleine lune transforme un véritable coin de Saint-Pétersbourg en une vision merveilleuse. Les célèbres sphinx de pierre encadrent la digue de granit de silhouettes sombres ; le chemin lunaire sur la Neva entraîne le regard au loin et invite à admirer les proportions impeccables des palais de la rive opposée. Les contemporains des paysages de Vorobyov admiraient la « transparence des couleurs », leur saturation de lumière et de chaleur, « la fraîcheur et le caractère progressif des ombres ».
MAXIM VOROBYEV. Un chêne brisé par la foudre.1842. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Ce paysage a été créé comme une allégorie à mort inattendue l'épouse de l'artiste, Cléopâtre Loginovna Vorobyova, née Shustova. Un éclair aveuglant fendit le tronc d’un arbre puissant. Dans le crépuscule bleu qui s'épaissit, la terre se confond avec le ciel, au pied du chêne s'élèvent des vagues de mer en colère, dans lesquelles s'engouffre une silhouette solitaire, presque invisible dans le tourbillon des éléments. L'artiste incarne ici un motif favori du romantisme : l'impuissance tragique de l'homme devant le coup d'un élément majestueux mais impitoyable.
MIKHAÏL LEBEDEV. Dans le parc Chiji.1837. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Arts, Lebedev partit en voyage de retraite en Italie pour poursuivre ses études, d'où il écrivit : « Il me semble que c'est un péché en Italie (et partout) de travailler sans vie. Dans l'une de ses meilleures œuvres, l'artiste s'écarte audacieusement des canons du paysage classique traditionnel de cette époque. La composition est construite en diagonale et pleine de mouvement. L'atmosphère d'une journée étouffante et la force luxuriante de la végétation du sud sont transmises avec enthousiasme et vivacité ; Le sol rocheux de la large route, peint à traits libres, semblait avoir absorbé la chaleur du soleil.
Avec Silva. Shchedrin, Lebedev, décédé prématurément, est devenu le pionnier de la peinture russe d'un sens vivant et direct de la nature.
Grigori Tchernetsov. Défilé à l'occasion de l'inauguration du monument à Alexandre Ier à Saint-Pétersbourg le 30 août 1834.1834. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
Tchernetsov était un peintre de la cour de l'empereur Nicolas Ier, qui se considérait comme un grand connaisseur d'art. Les œuvres de Tchernetsov reflètent fidèlement les goûts de l'empereur - ayant un penchant pour les affaires militaires, Nicolas Ier a exigé des artistes un enregistrement « protocolaire » de la nature dans la représentation des défilés, des uniformes, des armes, etc. Le panorama de la place du Palais semble être dessiné le long d'une règle, l'immense ciel du nord avec des nuages de pluie « éclipse » de manière spectaculaire le défilé des troupes devant la colonne Alexandre, construite selon le projet de l'architecte français Montferrand.
OREST KIPRENSKI. Portrait de A. K. Schwalbe.1804. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
Le portrait représente le père de l’artiste Adam Karlovich Schwalbe, serf du propriétaire foncier A. S. Dyakonov. Kiprensky aimait raconter comment ce portrait, présenté lors d'expositions à Naples et à Rome, avait été confondu avec l'œuvre de Rembrandt ou de Rubens. L'artiste a réussi à transmettre le caractère de la personne représentée - énergique et ferme. Le visage est superbement sculpté avec des rides profondes et un menton fort, et la lumière met en valeur la main qui tient avec assurance une canne. Cette première œuvre fait partie des chefs-d’œuvre incontestés du pinceau de Kiprensky, témoignant de sa profonde assimilation des techniques picturales des maîtres anciens.
OREST KIPRENSKI. Portrait du comte F.V. Rostopchin.
Le maire de Moscou Fiodor Vasilyevich Rostopchin (1765-1826) avait un sens de l'humour rare et était engagé dans des activités littéraires. Toute l'élite de Moscou de l'époque se réunissait dans le célèbre salon Rostopchin. Lors de l'invasion de Napoléon, la rumeur attribuait à Rostopchin l'ordre d'incendier Moscou.
Dans cette œuvre, excellente en dessin et en couleur, on ne verra pas de caractéristiques particulières du caractère du modèle : le portrait est simple et même modeste. Par rapport aux maîtres de l'époque précédente, Kiprensky accorde moins d'attention aux accessoires et aux détails vestimentaires. La redingote noire et les mains jointes sont perçues presque comme un seul et même point. C'est ainsi que Rostopchin lui-même parlait de ce travail : « Je suis assis les mains jointes, oisif et ennuyé. »
OREST KIPRENSKI. Portrait de la comtesse E. P. Rostopchina.1809. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Le portrait a été exécuté par Kiprensky en paire avec le portrait du mari de la comtesse F.V. Rostopchin. Ekaterina Petrovna Rostopchina (1775-1859) était une demoiselle d'honneur de Catherine II. Elle s'est secrètement convertie au catholicisme et a vécu une vie très isolée ces dernières années. Kiprensky crée une image douce, bienveillante et sincère de la personne représentée. Toute son apparence respire le silence et l’égocentrisme. La palette de couleurs est riche en transitions subtiles et douces de tons argentés et olive, qui correspondent à l'ambiance du portrait.
OREST KIPRENSKI. Portrait du colonel hussard à vie E.V. Davydov.1809. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
Le portrait montre un cousin poète célèbre et le héros de la guerre de 1812 Denis Davydov - Evgraf Vladimirovich Davydov (1775-1823). Au moment de peindre le portrait, il était colonel du régiment de hussards des sauveteurs et participa à la bataille avec Napoléon à Austerlitz. La figure est entourée d'un mystérieux crépuscule romantique, dans lequel on peut voir un feuillage d'olivier sur fond de ciel noir-bleu. Kiprensky trouve une merveilleuse consonance de couleur : la couleur rouge de l'uniforme, les tresses dorées, les leggings blancs... Dans le visage de Davydov, il y a plus de charme extérieur que de profond psychologisme. Le héros courageux et intrépide démontre son allure courageuse et les prouesses joyeuses de sa jeunesse.
OREST KIPRENSKI. Portrait de A. A. Chelishchev.1808 – début 1809. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Alexandre Alexandrovitch Chelishchev (1797-1881) a été élevé dans le Corps des Pages à partir de 1808, puis a participé à la guerre de 1812, c'est-à-dire qu'il appartenait à la génération qui a déterminé le sort de la Russie au début du XIXe siècle. Sous l'apparence d'un garçon de 11 ans, Kiprensky remarque une expression particulière et peu enfantine sur son visage. Les yeux sombres et perçants regardent pensivement et attentivement le spectateur, ils montrent du sérieux et de la « préparation » aux épreuves difficiles de la vie. La palette de couleurs du portrait est basée sur la combinaison contrastée préférée de Kiprensky : noir, blanc, rouge et or brillant.
OREST KIPRENSKI. Portrait de D. N. Khvostova.1814. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
L’une des images féminines les plus captivantes de Kiprensky est remplie d’une ambiance de contemplation calme et réfléchie. Daria Nikolaevna Khvostova (1783–?) était la nièce de la grand-mère de M. Lermontov.
Contrairement aux portraitistes de l’époque précédente, l’artiste n’arrête pas l’attention du spectateur sur les accessoires de ses vêtements : ils sont présentés avec délicatesse, avec de grandes taches en général. Les yeux vivent dans le portrait - des yeux sombres étonnants, qui semblent recouverts d'un brouillard de déception, tristes souvenirs et de timides espoirs.
OREST KIPRENSKI. Portrait d'E.S. Avdulina.1822 (1823 ?). Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
Ekaterina Sergeevna Avdulina (1788-1832) - épouse du général de division A. N. Avdulin, grand connaisseur des arts et participant actif de la Société pour l'encouragement des artistes, propriétaire d'un manoir sur les quais du palais et d'un cinéma maison au Datcha Kamennoostrovskaya. Elle est vêtue d'une casquette à la mode qui lui va sur la tête et tient un éventail dans ses mains - un attribut indispensable d'une dame de cette époque en dehors de la maison. Ses mains jointes sont une citation de La Joconde de Léonard de Vinci, que Kiprensky a sans doute vu au Louvre. Un de ses contemporains affirmait que dans ce portrait « la rondeur du corps et la lumière étaient réalisées de main de maître. Et quelle symbolique est l'herbe du lion qui perd ses pétales, debout dans un verre d'eau !.. » Devant nous se trouve une nature romantique et contemplative, immergée dans ses pensées cachées. Une branche de délicates fleurs blanches dans un verre fragile sur la fenêtre semble ressembler à l'apparence de la femme représentée.
OREST KIPRENSKI. Autoportrait.1828. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Cet autoportrait a été peint avant le départ de l'artiste pour l'Italie. Devant nous se trouve un maître célèbre qui a reçu des critiques élogieuses de la part de ses contemporains, et en même temps un homme fatigué et déçu. Selon les mémoires de ses contemporains, « Kiprensky était beau, avec de beaux yeux expressifs et des boucles naturellement ondulées ». En plissant légèrement les yeux, il regarde le spectateur d'un air scrutateur, comme s'il lui posait des questions. Le portrait est conçu dans une couleur chaude et riche. Les couleurs du visage font écho aux couleurs de la robe. L'arrière-plan, comme dans d'autres œuvres du maître, semble être une obscurité épaisse, à partir de laquelle la figure de la personne représentée est doucement mise en valeur.
OREST KIPRENSKI. Portrait d'A.S. Pouchkine.1827. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Le portrait a été peint à Saint-Pétersbourg sur ordre d’A. Delvig immédiatement après le retour du poète de l’exil de Mikhaïlovski. Les contemporains qui connaissaient Pouchkine de près affirmaient qu'il n'existait pas de portrait plus similaire du poète. L'image de Pouchkine est dépourvue de vie quotidienne, les traits caractéristiques « Arap » de son apparence sont adoucis. Son regard glisse au-delà du spectateur - le poète semble avoir été captivé par l'artiste au moment de la perspicacité créatrice. L'arrière-plan mis en évidence autour de la tête ressemble à une sorte de halo - signe d'être choisi. Avec un manteau à carreaux anglais jeté sur l'épaule, Pouchkine est comparé au grand poète romantique anglais Byron. Il a exprimé son attitude envers le portrait dans un message poétique à Kiprensky "Le favori de la mode aux ailes claires..." - "Je me vois comme dans un miroir, / Mais ce miroir me flatte."
VASILY TROPININE. Portrait d’A.V. Tropinin, le fils de l’artiste.D'ACCORD. 1818. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Le portrait représente Arsène Tropinine (1809-1885), le fils unique de l’artiste. Ce portrait se distingue des autres œuvres du maître par sa chaleur intérieure et sa cordialité particulières. Tropinin résout le problème le plus difficile : il trouve des moyens picturaux qui expriment le monde particulier de l'âme d'un enfant. Le portrait est dépourvu de pose statique : le garçon est représenté légèrement tourné, ses cheveux dorés sont étalés, un sourire joue sur son visage, son col de chemise est nonchalamment ouvert. L'artiste sculpte la forme avec de longs traits mouvants, et ce dynamisme du trait s'avère en phase avec le tempérament enfantin et l'attente romantique de découverte.
VASILY TROPININE. Portrait de P.A. Boulakhov.
Le charme de ce personnage réside dans sa vivacité et son équilibre mental, dans l'harmonie de rapports simples et clairs avec le monde. Son visage vermeil et brillant est sculpté de traits mobiles, son gilet de fourrure argenté, la manche d'une chemise bleue sont largement et librement peintes, son foulard est « noué » en quelques coups de pinceau... Cette manière de peindre correspond parfaitement à l'image complaisante et joyeuse, très moscovite, de Boulakhov, qui, selon A. Benoit, dans le portrait, nous rappelle « le chat qui léchait la crème sure ».
VASILY TROPININE. Portrait de K.G. Ravich.1823. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Le portrait d'un responsable du bureau des frontières de Moscou, Konstantin Georgievich Ravich, est très moscovite, loin de la sévérité officielle et de l'isolement égocentrique. Ravich semble avoir été surpris par l'artiste : il est en robe de chambre, ses cheveux sont en désordre, sa cravate est lâche. Les reflets d'une robe rouge vif « s'enflamment » avec un rougissement sur son visage élégant et bon enfant. Ravich exprime un type commun de noblesse moscovite : il aimait faire la fête et jouer aux cartes. Il a ensuite été accusé de la mort de l'un des joueurs, victime d'un accident vasculaire cérébral après une lourde perte, qui a passé sept ans en prison et a été exilé en Sibérie « pour suspicion ».
VASILY TROPININE. Portrait d'A.S. Pouchkine.1827. Musée panrusse de A. S. Pouchkine, Saint-Pétersbourg
Le portrait a été peint dans les premiers mois de 1827, peu de temps après le retour du poète de l'exil de Mikhaïlovski. L'ami de Pouchkine, S. Sobolevsky, a rappelé que "Pouchkine lui-même a secrètement commandé le portrait à Tropinine et me l'a présenté comme une surprise avec diverses farces (cela lui a coûté 350 roubles)." Selon une autre version, le portrait aurait été commandé par Sobolevsky lui-même, qui souhaitait voir le poète non pas « lissé » et « pommade », mais « échevelé, avec un anneau mystique précieux sur le visage ». pouce une main." Ainsi, dans le portrait, l'intimité de l'image cohabite avec une « exaltation » romantique, parfaitement véhiculée par la vie de l'esprit du grand poète.
VASILY TROPININE. Portrait de K.P. Bryullov.
Tropinine a rencontré Karl Briullov en 1836 à Moscou, où l'auteur du « Dernier jour de Pompéi » s'est arrêté alors qu'il se rendait d'Italie à Saint-Pétersbourg. Le maestro est représenté avec un crayon et un album sur fond du Vésuve en éruption. "Oui, c'est le vrai Vésuve lui-même !" - ils ont parlé de Bryullov, admirant la puissance élémentaire de son talent. Le portrait exprime le pathétique public de la perception de Bryullov en tant que maître brillant, dont l'apparence ressemblait à Apollon « aux cheveux d'or ». Brioullov appréciait beaucoup Tropinine et avoua dans une de ses lettres à l'artiste : « J'embrasse ton âme, qui dans sa pureté est plus capable que quiconque de comprendre pleinement le délice et la joie qui remplissent mon cœur... »
VASILY TROPININE. Dentellière.1823. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Ce que nous voyons ici n’est pas le portrait d’une jeune fille en particulier, mais l’image poétique collective d’une artisane, comme Tropinine pouvait en rencontrer dans les maisons des nobles Moscovites. L'artiste ne dépeint pas la dureté de son travail complexe et minutieux ; il admire et admire le charme et la beauté de la jeunesse. P. Svinin a écrit à propos de ce tableau qu'il « révèle l'âme pure et innocente de la belle et ce regard de curiosité qu'elle jetait sur quelqu'un qui entrait à ce moment-là : ses bras, nus jusqu'au coude, s'arrêtaient avec son regard, un un soupir s'échappa du sein vierge, recouvert d'un mouchoir de mousseline.
On a souvent reproché à l'artiste le sourire constant de ses personnages. "Mais je n'invente pas, je ne compose pas ces sourires, je les peins d'après nature", répond Tropinin.
VASILY TROPININE. Autoportrait sur fond de fenêtre donnant sur le Kremlin.1846. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Dans l'autoportrait, Tropinin se présente comme un artiste travailleur qui a réussi à « se faire connaître du public » grâce à son artisanat, son travail acharné et son talent. Il est vêtu d'une blouse de travail, s'appuie sur une canne et tient une palette et des pinceaux dans sa main gauche. Le large panorama du Kremlin derrière lui incarne les pensées de l’artiste sur sa ville natale. « Le calme qui respirait du vieux visage complaisant de Tropinin ne lui est pas venu facilement. Aux prises avec les obstacles et l'oppression, il a acquis ce calme à l'ombre de la foi et de l'art», écrit N. Ramazanov, qui a connu l'artiste. Cet autoportrait, conservé dans sa maison après la mort de Tropinine, a été acheté par souscription par les Moscovites au fils de l'artiste et offert en cadeau au musée Rumyantsev en signe de respect particulier et de reconnaissance des services rendus par le maître à l'ancienne capitale.
KARL BRIOULLOV. Après-midi italien (femme italienne cueillant des raisins).1827. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
Ce tableau a été réalisé en duo pour « Italian Morning » (1823, Kunsthalle, Kiel) et a été envoyé en Russie comme reportage lors du séjour de l’artiste en Italie. Bryullov a profité de l'occasion en Italie pour étudier des modèles féminins (à l'Académie de Saint-Pétersbourg, les femmes ne posaient pas pour les artistes). Il souhaitait rendre la figure féminine dans différents effets de lumière - tôt le matin ou dans la lumière vive de l'après-midi italien. La scène de genre est remplie d’un esprit de douce sensualité. La beauté mûre de l'Italien fait écho à la maturité des raisins remplis de jus sucré, pétillant au soleil.
KARL BRIOULLOV. Date interrompue (« L'eau coule déjà... »).Aquarelle. 1827-1830. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
En Italie, Bryullov fut l'un des fondateurs du genre « italien », qui connut un grand succès auprès des collectionneurs et des voyageurs. Les peintures de l’artiste sur la vie quotidienne des Italiens allient beauté classique et vision romantique de la réalité. Dans l’une des meilleures aquarelles du genre « italien », une charmante scène de genre, remplie d’humour bon enfant, se déroule sur fond de douce et belle nature italienne. Bryullov maîtrisait magistralement la technique classique de l'aquarelle, transmettant magistralement sur une feuille de papier l'air lumineux d'une chaude journée italienne, les chemises blanches étincelantes des héros, chaudes du soleil mur de pierre Maisons.
KARL BRIOULLOV. Bethsabée.
L'intrigue est basée sur la légende d'une jeune beauté se baignant, qui a été vue par le roi David alors qu'elle se promenait sur le toit de son palais.
Brioullov loue avec enthousiasme la beauté féminine, qui « ne pouvait que couronner l’univers ». La tendresse du beau corps « antique » de Bethsabée, éclairé par les rayons obliques du soleil couchant, est mise en valeur par les plis luxuriants des draperies, que l’artiste a transformés en piédestal pour la beauté. Un jet d’eau transparent qui coule dans la piscine scintille de soleil. La toile entière est imprégnée de charme sensuel et de joie d’être.
KARL BRIOULLOV. Cavalier.1832. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Ce portrait de cérémonie des Italiennes Giovannina (cavalière) et Amatsilia Paccini a été commandé à Bryullov par la comtesse Yulia Samoilova, amie de l'artiste, qui a accueilli ces orphelines. L'artiste combine un portrait équestre traditionnel avec une intrigue. A la veille d'un orage, une belle cavalière se dépêche de revenir d'une balade. La charmante Amazilia a couru à la rencontre de sa sœur sur la loggia. Le visage de Giovannina, malgré le rythme rapide, reste calmement beau. Nous avons devant nous une technique favorite de l'ère du romantisme : la collision d'éléments naturels puissants et la résilience. esprit humain. L'artiste admire la beauté épanouie de la jeunesse, admire la gentillesse d'un enfant, la grâce d'un cheval pur-sang, l'éclat de la soie et l'éclat des boucles de cheveux... Le portrait se transforme en un élégant spectacle enchanteur, un hymne à la beauté de la vie.
KARL BRIOULLOV. Le dernier jour de Pompéi.1833. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
L'intrigue du tableau a été imaginée par Bryullov après avoir visité les fouilles de Pompéi, une ancienne ville romaine près de Naples, décédée au 1er siècle à cause de l'éruption du Vésuve. En travaillant sur le tableau, l'artiste a utilisé les descriptions de l'historien Pline le Jeune, témoin de la mort de la ville. Le thème principal du tableau est « un peuple saisi par la peur » du pouvoir du destin conquérant de tout. Le mouvement des personnes est dirigé des profondeurs de l'image vers le spectateur en diagonale.
La lumière froide des éclairs met en évidence des groupes distincts de personnes unies par une seule impulsion spirituelle. A gauche, dans la foule, l'artiste se représente avec une boîte de peinture sur la tête. N. Gogol a écrit que les belles figures de Briullov noient l’horreur de leur situation sous la beauté. L'artiste a combiné l'ardeur de la vision romantique du monde avec les techniques traditionnelles du classicisme. Le tableau connut un succès retentissant en Europe et en Russie, Bryullov fut accueilli en triomphant : « Tu as apporté les trophées de la paix / Avec toi sous le dais de ton père. – / Et ce fut le dernier jour de Pompéi / Pour le pinceau russe, le premier jour » (E. Baratynsky).
KARL BRIOULLOV. Portrait de I.A. Krylov.1839. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Le portrait d'Ivan Andreevich Krylov (1768/1769-1844) a été peint par l'artiste en une seule séance et n'a pas été achevé. La main de Krylov a été réalisée par l'étudiant F. Goretsky à partir d'un moulage en plâtre du fabuliste aujourd'hui décédé. Krylov dans le portrait a environ 70 ans, son apparence est marquée par une noblesse stricte et une énergie vive et active. La maestria pittoresque du portrait, la combinaison romantique et sonore préférée de Bryullov de couleurs noires, rouges ardentes et jaune d'or, est captivante.
KARL BRIOULLOV. Portrait de N.V. Kukolnik.1836. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
À Saint-Pétersbourg, Briullov participait régulièrement aux soirées où se réunissait la bohème littéraire de l'époque. Leur participant indispensable était Nestor Vasilyevich Kukolnik (1809-1868), célèbre dramaturge, journaliste et rédacteur en chef du magazine Khudozhestvennaya Gazeta. Selon les contemporains, le Marionnettiste avait une apparence maladroite - des épaules très grandes et étroites, un visage long aux traits irréguliers, des oreilles énormes, de petits yeux. Dans le portrait, Bryullov esthétise son apparence, lui conférant le mystère d'un vagabond romantique. Les oreilles sont cachées sous un bonnet de cheveux longs et un sourire narquois joue sur le visage pâle. L'atmosphère romantique est complétée par l'obscurité croissante du jour qui passe, un mur délabré rappelant le passage inexorable du temps et l'étendue de la mer au loin.
KARL BRIOULLOV. Portrait de A. N. Strugovshchikov.1840. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Alexandre Nikolaïevitch Strugovshchikov (1808-1878) était un ami de Bryullov, traducteur de l'allemand et éditeur de la Khudozhestvennaya Gazeta. Le portrait a été peint à Saint-Pétersbourg, dans l’atelier de Bryullov sur la place du Palais. Strugovshchikov pose sur une chaise recouverte de cuir rouge (dans la même chaise, nous voyons Bryullov dans le célèbre « Autoportrait » de 1848). Dans l'apparition de Strugovshchikov, légèrement fatigué, l'artiste a souligné une certaine nervosité et un certain détachement. Le nihilisme et la mélancolie étaient le masque préféré de la génération de cette époque, lorsque, selon Strugovshchikov, « le pogrom du 14 décembre a emporté... le désir des gens progressistes de la société de s'immiscer dans la politique intérieure de notre vie, et le Même les chemins pour y parvenir étaient bloqués.
KARL BRIOULLOV. Portrait de la comtesse Yu. P. Samoilova sortant du bal avec sa fille adoptive Amazilia Pacini.Au plus tard en 1842. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
Le portrait a été peint à Saint-Pétersbourg, où la comtesse excentrique et indépendante est venue recevoir un énorme héritage. Sur la photo, elle est représentée avec sa fille adoptive qui, par sa fragilité, met en valeur et complète la beauté luxueuse et mature de Samoilova. Le mouvement de la silhouette de la comtesse est équilibré par l'étalement puissant du lourd rideau de velours, qui semble se poursuivre dans sa robe d'un luxe éblouissant. Dans ce meilleur portrait de cérémonie du maître, un feu enthousiaste extraordinaire se fait sentir - conséquence de l'attitude particulière de l'artiste envers le modèle.
KARL BRIOULLOV. Autoportrait.1848. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
D’après les souvenirs de l’élève de Bryullov, cet autoportrait a été peint par le maître alors qu’il était gravement malade, en seulement deux heures. L'œuvre étonne par la virtuosité ingénieuse de son exécution : les cheveux sont « peignés » en quelques mouvements de pinceau, un visage épuisé, pâle, émacié aux ombres transparentes, une main mollement pendante est dessinée avec inspiration, à petits traits. En même temps, l'image n'est pas dénuée de narcissisme et d'art élégant. La condition physique difficile du maître ne fait que souligner le feu créateur qui, malgré une grave maladie, ne s'est éteint chez Bryullov qu'à la fin de sa vie.
KARL BRIOULLOV. Portrait de l'archéologue M. Lanci.1851. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Ce portrait du vieil ami de Bryullov, l’archéologue italien Michelangelo Lanci (1779-1867), étonne par sa représentation vivante de l’individualité de l’individu, préfigurant la méthode réaliste de l’art du portrait. L'archéologue semblait pris au milieu d'une conversation animée : il ôta son pince-nez et posa un regard attentif et intelligent sur son interlocuteur. La coloration lumineuse et sonore, basée sur la combinaison d’une robe écarlate brillante et d’une fourrure argentée, souligne l’amour de la vie du modèle.
Cette sonorité « énergique » du portrait est d’autant plus remarquable que les forces physiques de Briullov s’épuisaient déjà. Le portrait est devenu la dernière œuvre significative de l'artiste gravement malade.
ALEXANDRE BRIOULLOV. Portrait de N. N. Pouchkine.1831-1832. Papier, aquarelle. Musée panrusse de A. S. Pouchkine, Saint-Pétersbourg
Les portraits à l'aquarelle d'Alexandre Bryullov, le frère de Karl Bryullov, étaient extrêmement populaires parmi ses contemporains. Parmi les meilleurs et les plus précieux pour la postérité figure le portrait de Natalya Nikolaevna Pushkina, l'épouse du grand poète. L’artiste ne se contente pas de capturer ses traits individuels, il élève la beauté représentée au-dessus de la « prose de la vie », affirmant l’idéal féminin de « pure beauté » que l’on retrouve dans les poèmes de Pouchkine : « Mes désirs se sont réalisés. Le Créateur / t’a envoyé vers moi, toi, ma Madone, / l’exemple le plus pur de la beauté la plus pure.
ALEXANDRE BRIOULLOV. Portrait d'E.P. Bakounine.Au plus tard en 1832. Cartonnage, aquarelle. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Ekaterina Pavlovna Bakunina (1795-1869) était la sœur d'Alexandre Bakounine, l'ami du lycée de Pouchkine. Le poète pouvait rencontrer la jeune Bakunina lors des bals du lycée, auxquels assistaient des parents invités d'étudiants du lycée et des connaissances. « Comme elle était douce ! Comme la robe noire a collé à la chère Bakunina ! Mais je ne l'ai pas vue depuis dix-huit heures... ah ! Quelle situation et quel tourment... Mais j'ai été heureux pendant 5 minutes » (extrait du journal de Pouchkine de 1815). Dans le portrait intime et miniature, nous voyons Bakounine déjà à l'âge adulte, mais la musicalité des lignes et les délicates couleurs transparentes de l'aquarelle sont en harmonie avec le sentiment enthousiaste du jeune poète.
PIERRE SOKOLOV. Portrait d'A.S. Pouchkine.1836. Papier, aquarelle. Musée panrusse de A. S. Pouchkine, Saint-Pétersbourg
Sokolov était un excellent maître des portraits intimes à l'aquarelle de l'époque Pouchkine. Les pinceaux de l'artiste comprennent trois portraits de Pouchkine, des portraits de ses contemporains, amis et ennemis. Ce portrait représente le poète à la fin de sa vie – légèrement fatigué, ayant connu bien des déceptions et des angoisses. Son fils, l’académicien aquarelliste A. Sokolov, a parlé de la méthode de travail de Sokolov :
« Avec une audace remarquable, le ton véridique d'un visage, d'une robe, d'un accessoire de dentelle ou d'un fond s'imposait immédiatement, presque dans toute sa force et était détaillé dans des tons mélangés, principalement grisâtres, avec un charme et un goût remarquables, de sorte que le coup de pinceau, ses traits, la descente de la peinture jusqu'au néant, sont restés visibles, sans interférer avec l'achèvement complet de toutes les pièces. Pour cette raison, aucune torture ni aucun travail n'ont jamais été perceptibles dans son travail ; tout est ressorti frais, facile et en même temps audacieux et impressionnant en couleurs.
ALEXÉI VENETSIANOV. Autoportrait.1811. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Dans l'autoportrait, Venetsianov a 31 ans, mais il ressemble à un homme fatigué et sage. A cette époque, il était déjà un maître portraitiste réputé, ayant réussi grâce à son propre travail et sa persévérance. L'autoportrait surprend par son sérieux, sa véracité et sa simplicité. L'artiste, tenant une palette et un pinceau dans ses mains, examine attentivement l'œuvre. Une lumière vive et chaude modèle doucement la forme. Venetsianov a présenté ce portrait à l'Académie des Arts et a reçu pour cela le titre d'« académicien nommé ».
ALEXÉI VENETSIANOV. Bergère endormie.Entre 1823 et 1826. Musée national russe, Saint-Pétersbourg
Le paysage du village russe, étonnant par son charme émouvant, est rempli d'une paix calme et rayonnante : la surface lisse de la rivière, les jardins verts, les terres arables lointaines et les collines boisées... Les couleurs du paysage sont lumineux, corsé, comme imprégné de lumière. "Le Berger endormi" est l'une des meilleures peintures de Venetsianov en termes d'ambiance lyrique et sincère, dans la manière de transmettre le lien intime entre l'homme et la nature. Venetsianov apparaît ici comme un pionnier du charme subtil de la modeste nature russe.
ALEXÉI VENETSIANOV. Sur les terres arables. Printemps.Première moitié des années 1820. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Le tableau présente une allégorie du printemps. Une paysanne vêtue d’une élégante robe d’été, comparée à la déesse de la floraison et du printemps, Flora, traverse majestueusement les terres arables. A gauche au fond, une autre paysanne avec des chevaux semble poursuivre un mouvement circulaire personnage principal, qui se ferme à droite sur la ligne d'horizon avec une autre figure féminine, évoquant un fantôme translucide. À côté de la beauté mature de Flora, nous voyons une allégorie du début de la vie – le bébé Cupidon entouré de couronnes de bleuets. Sur le côté droit de l'image, à côté d'une souche sèche, de jeunes arbres minces s'étendent vers le soleil.
L'image montre le cycle éternel de la vie : le changement des saisons, la naissance et le dépérissement... Les chercheurs ont noté que ce tableau de Venetsianov, avec son ambiance idyllique et son illumination allégorique, combinés à des motifs russes, répondait aux goûts de l'empereur Alexandre Ier.
ALEXÉI VENETSIANOV. A la récolte. Été.Milieu des années 1820. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Ce tableau a été conçu par Venetsianov en complément de l'œuvre « Sur les terres arables. Printemps" et faisait partie d'une sorte de cycle sur les saisons. Le monde de la vie paysanne ici est dépourvu des difficultés prosaïques du travail rural. C'est une idylle vue par l'artiste depuis les fenêtres d'un domaine noble « romantique ». Mais au cœur de cette idylle se trouve la pensée intelligente et honnête de l’artiste sur la beauté et la signification sublime des soucis quotidiens des paysans, sur le charme particulier de la nature russe. "Qui dans toute la peinture russe a réussi à transmettre une ambiance aussi véritablement estivale que celle mise dans son tableau "Été", où derrière une femme un peu anguleuse, au profil légèrement redressé, de nature purement russe, ne se redressant plus du tout, s’étend : au loin, un champ jaune qui mûrit dans l’air chaud et saturé de soleil ! - s'est exclamé A. Benois.
ALEXÉI VENETSIANOV. Fille avec un foulard.
La belle jeune paysanne a été peinte par Venetsianov avec une chaleur et une sincérité extraordinaires. Elle fixait ses grands yeux sur le spectateur avec un regard vif, un léger sourire jouant sur ses lèvres charnues. Un foulard à rayures bleues et des cheveux foncés, brillants et bien peignés soulignent la tendresse de son visage de jeune fille. L'espace de l'image est rempli d'une lumière douce, la couleur est basée sur une noble combinaison de tons vert tendre, bleu et beige clair.
ALEXÉI VENETSIANOV. Faucheurs.Fin des années 1820. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
Sur cette photo, nous voyons le paysan Zakharka, le héros de plusieurs tableaux de Venetsianov, et sa mère Anna Stepanova. Le garçon, rougi par le travail acharné et la chaleur de midi, s’appuya contre l’épaule de sa mère, fasciné par les papillons brillants perchés sur sa main. La forme est sculptée d’une couleur épaisse et pleine de voix. Des lignes douces et arrondies remplissent la composition d’équilibre et de paix. Venetsianov transforme une histoire quotidienne sans prétention de la vie des paysans en un récit poétique sur la beauté envoûtante du monde et la joie de l'unité avec la nature.
ALEXÉI VENETSIANOV. Paysanne aux bleuets.années 1830 Galerie nationale Tretiakov, Moscou
La jeune paysanne est dépourvue d’exaltation romantique ; son image est simple et remplie de poésie calme et sincère. Perdue dans ses pensées, elle trie tristement et avec détachement les bleuets bleu vif. La coloration de l’image est basée sur de subtiles harmonies de tons blanc fumé froid, argent et ocre clair, reflétant l’humeur mineure et pensive de la jeune fille.
GRÉGOIRE SOROKA. Vue du domaine Spasskoye, province de Tambov.années 1840 Galerie d'art régionale, Tver
Serf P.I. Milyukova, Grigory Soroka a étudié par intermittence avec Venetsianov dans son domaine de Safonkovo . L'artiste A. Mokritsky a écrit que Venetsianov a enseigné à ses élèves : « Tous ces objets, dont le peintre doit ressentir et transmettre de manière tangible la différence matérielle... Pour cela... il faut une vigilance extraordinaire de l'œil, de la concentration, de l'analyse, une attention complète. la confiance dans la nature et la poursuite constante de ses changements à différents degrés et positions de lumière ; nous avons besoin de clarté de compréhension et d’amour pour le travail.
Soroka a donné vie avec talent aux ordres de son mentor. Il résout parfaitement des problèmes picturaux complexes, remplissant le paysage d'une paix classique et d'une sincérité éclatante. À la suite de Venetsianov, il découvre la beauté des motifs tranquilles de la nature indigène.
années 1840 Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
La surface de l'eau calme du lac Moldinskoye règne sur l'image, définissant son ambiance idyllique et lumineuse. Il y a une impression de lenteur et de silence dans tout : un garçon pêche sur le rivage, son ami glisse tranquillement dans un bateau le long du rivage. Les bâtiments du domaine de la rive opposée sont enfouis dans les majestueux bosquets d'une nature « éternellement belle ». La transmission de la beauté poétique particulière de la nature russe et l'ambiance d'une paix étonnante et éclairée remplie de grâce rendent ce paysage semblable à meilleures œuvres A. Venetsianova.
GRÉGOIRE SOROKA. Pêcheurs. Vue du domaine Spasskoye, province de Tambov.Fragment
KAPITON ZELENTSOV. Dans les chambres.Fin des années 1820. Galerie nationale Tretiakov, Moscou
À la fin des années 1920, le genre de la décoration intérieure est devenu populaire parmi les artistes, ce qui reflétait l'intérêt des clients de la noblesse pour la « poésie de la vie domestique ». La peinture de Zelentsov est proche dans son esprit des meilleures œuvres de son mentor A. Venetsianov. Une suite de trois pièces spacieuses, décorées avec goût et inondées de lumière, se dévoile devant le spectateur. Il y a des peintures et des médaillons de F. Tolstoï sur les murs, une statue de Vénus dans le coin près de la fenêtre, d'élégants meubles en acajou sont placés le long des murs. Les pièces sont animées par deux jeunes hommes dressant un chien. En regardant cet intérieur, vous êtes envahi par un sentiment de paix claire et d'harmonie lumineuse, qui correspondait aux idées sur l'idéal de la vie privée.
FÉDOR SLAVIANSKI. Bureau d'A. G. Venetsianov.1839-1840. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg
Slavyansky a poursuivi la lignée de son professeur A. Venetsianov tant dans le portrait que dans le genre d'intérieur. Il sera empreint d'une ambiance lumineuse et harmonieuse meilleur intérieur, représentant les pièces de la maison du mentor. L'ensemble des pièces superbement écrit rappelle les brillantes avancées de l'étude de la perspective. Au fond de la pièce, dans la douce lumière diffuse, un jeune homme était allongé sur le canapé – peut-être l'artiste lui-même ou l'un des étudiants du propriétaire de la maison. Tout dans cet espace rappelle le service de l'art et des intérêts artistiques : des copies de statues antiques, un mannequin de paysanne en kokochnik près de la fenêtre, comme animé par les rayons lumineux du soleil, des peintures sur les murs, un revêtement de poêle réalisé dans le style « antique ».
Peinture de la seconde moitié du XIXe siècle * * *Dans la seconde moitié du XIXe siècle, les beaux-arts russes se trouvaient à la merci des idées socio-politiques. Pas en aucun cas pays européen il n'y a pas eu d'existence aussi longue dans la peinture du réalisme critique - historique
Lyagina Yana
Cet ouvrage nous fait découvrir l'art du XIXe siècle. L’art de chaque époque, comme une éponge, absorbe les principaux problèmes, idées et points de vue de son époque. Pour l'art russe, cette circonstance est la plus significative, puisqu'elle a toujours été, sinon politisée, du moins étroitement liée à l'idéologie de la partie dirigeante de la société, de ses cercles réactionnaires ou des radicaux à l'esprit révolutionnaire.
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Concours municipal de rédactions d'étudiants
Établissement d'enseignement municipal d'État
école secondaire avec. Ma chérie.
Adresse complète : région de Saratov, district d'Ekaterinovsky, village. Ma chérie,
St. Rabotchaïa 1
Travail abstrait :
"L'art russe au XIXe siècle"
10 e année
Superviseur : Sazonova Ioulia Andreevna,
Professeur d'art.
Année académique 2013-2014
Introduction…………………………………………………………………………………...………3
1.Culture Russie XIXème siècle : caractéristiques générales……………………….….4
2. L'art russe au XIXe siècle…………………………………………………………….6
2.1 L'art russe dans la première moitié du XIXe siècle - « L'âge d'or de la culture »……………………………………………………………………………….… ………6
2.2 L'art russe dans la seconde moitié du XIXe siècle………………………....11
Conclusion………………………………………………………………………………….15
Liste des références………………………………………………………...……16
Introduction
L’art de chaque époque, comme une éponge, absorbe les principaux problèmes, idées et points de vue de son époque. Pour l'art russe, cette circonstance est la plus significative, puisqu'elle a toujours été, sinon politisée, du moins étroitement liée à l'idéologie de la partie dirigeante de la société, de ses cercles réactionnaires ou des radicaux à l'esprit révolutionnaire.
But du travail - analyser l'art russe du XIXe siècle.
Tâches:
1.Donner caractéristiques générales de cette époque;
2. Décrivez brièvement l'art russe du XIXe siècle dans ses types.
- Culture de la Russie au XIXe siècle : caractéristiques générales
histoire russe art du 19ème siècle les siècles sont généralement divisés en étapes.
La première moitié est appelée l’âge d’or de la culture russe. Son début a coïncidé avec l'ère du classicisme dans la littérature et l'art russes. Après la défaite des décembristes, une nouvelle montée du mouvement social a commencé. Cela laissait espérer que la Russie surmonterait progressivement ses difficultés. Le pays a obtenu les succès les plus impressionnants au cours de ces années dans le domaine de la science et surtout de la culture. La première moitié du siècle a donné à la Russie et au monde Pouchkine et Lermontov, Griboïedov et Gogol, Belinsky et Herzen, Glinka et Dargomyzhsky, Bryullov, Ivanov et Fedotov.
Les beaux-arts de la première moitié du XIXe siècle ont une communauté et une unité internes, un charme unique d'idéaux lumineux et humains. Le classicisme s'enrichit de nouveautés ; ses atouts se manifestent le plus clairement dans l'architecture, la peinture historique et en partie dans la sculpture. La perception de la culture du monde antique est devenue plus historique qu’au XVIIIe siècle et plus démocratique. Parallèlement au classicisme, la direction romantique a connu un développement intensif et une nouvelle méthode réaliste a commencé à prendre forme.
La direction romantique de l'art russe fut la première tiers du XIX Le siècle a été préparé par le développement du réalisme dans les décennies suivantes, car il a, dans une certaine mesure, rapproché les artistes romantiques de la réalité, de la simple vie réelle. C’était l’essence même du mouvement artistique complexe de toute la première moitié du XIXe siècle. En général, l'art de cette étape - architecture, peinture, graphisme, sculpture, arts appliqués et art folklorique- un phénomène marquant et plein d'originalité dans l'histoire de la culture artistique russe. Développant les traditions progressistes du siècle précédent, elle a créé de nombreuses œuvres magnifiques d'une grande valeur esthétique et sociale, apportant une contribution au patrimoine mondial.
La seconde moitié est la période de l’approbation finale et de la consolidation des formes et traditions nationales de l’art russe. DANS milieu du 19ème siècle siècle, la Russie connaît de graves bouleversements : la guerre de Crimée de 1853-1856 se solde par une défaite. L'empereur Nicolas Ier est décédé, Alexandre II, qui est monté sur le trône, a procédé à l'abolition tant attendue du servage et à d'autres réformes. Le « thème russe » est devenu populaire dans l’art. La culture russe n’était pas confinée à un cadre national et n’était pas séparée de la culture du reste du monde.
- L'art russe au XIXe siècle
Le début du XIXe siècle fut une période d’essor culturel et spirituel en Russie. Le développement de la culture russe au XIXe siècle s’appuie sur les transformations de l’époque précédente. La pénétration d’éléments des relations capitalistes dans l’économie a accru le besoin de personnes alphabétisées et instruites.Les bibliothèques publiques et les musées ont joué un rôle positif dans la vie culturelle du pays (la première bibliothèque publique a été ouverte à Saint-Pétersbourg en 1814). La culture russe s'est développée dans le contexte de la conscience nationale toujours croissante des Russes. personnes et, à cet égard, avait un caractère national prononcé.
2.1 L'art russe dans la première moitié du XIXe siècle - « L'âge d'or de la culture »
Le premier tiers du XIXe siècle est appelé « l’âge d’or » de la culture russe. L'intérêt pour l'histoire russe est devenu la raison de l'apparition de nombreux romans, nouvelles, ballades, histoires sur différents sujets historiques. Les romans les plus célèbres étaient M.N. Zagoskina (1789--1852) « Youri Miloslavski, ou les Russes en 1612 », « Roslavlev, ou les Russes en 1812 », « Kuzma Roshchin », I.I. Lajechnikova (1792-- 1869) « La Glacière », « Le dernier nouveau venu », « Basurman ». Même à partir des titres, il est clair que ces ouvrages et d'autres en prose historique examinaient les périodes de crise de l'histoire russe : la lutte intestine des princes russes, les guerres de libération russes, les intrigues et événements politiques qui, du point de vue de leurs auteurs, étaient d'une importance capitale. importance significative. Dans le même temps, les préférences politiques des auteurs ont toujours été mises en avant. Par exemple, M. N. Zagoskin était un partisan évident de la monarchie, et ses opinions ne se manifestent pas dans les déclarations politiques de l'auteur, mais dans ses personnages, dans les descriptions d'éléments de la vie quotidienne et dans la dépendance des relations personnelles des personnages. sur l'issue de nombreux événements historiques. Et pourtant, au centre de toutes les histoires se trouvait une idée générale, qui a pris forme le plus fortement après la guerre de 1812 et a été brièvement exprimée par I.I. Lazhechnikov dans la préface du roman « Le Dernier Novik » : « Le sentiment qui domine. mon roman, c'est l'amour de la patrie.
L'histoire dans ses moments extrêmes constitue le contenu des brillants « Taras Bulba » de Gogol, « La Fille du Capitaine » et « Arap Pierre le Grand » de Pouchkine, de son drame « Boris Godounov », du poème « Poltava » et de tant d'œuvres qui il est impossible de les énumérer. COMME. Pouchkine est devenu un symbole de son époque, où le développement culturel de la Russie a connu un essor rapide. Pouchkine est le créateur de la langue littéraire russe. Son œuvre est devenue une valeur durable dans le développement non seulement de la culture russe, mais aussi mondiale. Il était un chanteur de liberté et un patriote convaincu. Le poète a légué à ses descendants : « Il est non seulement possible, mais aussi nécessaire d'être fier de la gloire de ses ancêtres... Le respect du passé est le trait qui distingue l'éducation de la sauvagerie... »
Les idéaux humanistes de la société russe se reflétaient dans les exemples hautement civilisés de l'architecture de cette époque et dans la sculpture monumentale et décorative, dans la synthèse desquelles il agit peinture décorative et les arts appliqués, qui finissent souvent entre les mains des architectes eux-mêmes. Dans l'architecture du 19ème siècle. Le classicisme régnait. Les bâtiments construits dans ce style se distinguent par un rythme clair et calme et des proportions correctes. Il existe des différences significatives dans l'architecture de Saint-Pétersbourg et de Moscou. Retour au milieu du XVIIIe siècle. Saint-Pétersbourg était une ville de chefs-d’œuvre architecturaux, entourée de domaines verdoyants et ressemblait à bien des égards à Moscou. Puis commença le développement régulier de la ville le long des avenues qui la traversaient, rayons rayonnants depuis l'Amirauté. Le classicisme de Saint-Pétersbourg n'est pas l'architecture de bâtiments individuels, mais d'ensembles entiers, frappant par leur unité et leur harmonie. . Le bâtiment de l'Amirauté, érigé selon le projet, joue un rôle important dans la formation de l'apparence architecturale de Saint-Pétersbourg. A.D. Zakharova (1761-1811). Façade de l'Amirautés'étend sur 406 m. En son centre se trouve un arc de triomphe avec une haute flèche dorée, qui est devenue l'un des symboles de la ville.
Le plus grand architecte de cette époqueAndreï Nikiforovitch Voronikhine(1759-1814). La principale création de Voronikhine est la cathédrale de Kazan, dont la majestueuse colonnade formait une place au centre de la perspective Nevski, transformant la cathédrale et les bâtiments environnants en le centre d'urbanisme le plus important du centre de Saint-Pétersbourg. En 1813, M.I. Kutuzov fut enterré dans la cathédrale et la cathédrale devint une sorte de monument aux victoires des armes russes lors de la guerre de 1812. Plus tard, des statues de Kutuzov et Barclay de Tolly, réalisées par le sculpteur, furent installées sur la place. devant la cathédrale B.I. Orlovski. Sculpture russe des années 30-40 du XIXe siècle. devient de plus en plus démocratique. Dans la sculpture du milieu du siècle, il y a deux directions principales : l’une, issue des classiques, mais aboutissant à un académisme sec ; l'autre révèle le désir d'un reflet plus direct et multiforme de la réalité, il se généralise dans la seconde moitié du siècle, mais il ne fait également aucun doute que les deux directions perdent progressivement les traits du style monumental.
Le sculpteur qui, au cours des années de déclin des formes monumentales, réussit à obtenir des succès significatifs dans ce domaine ainsi que dans les « petites formes », futPiotr Karlovitch Klodt(1805-1867), auteur des chevaux pour la porte triomphale de Narva à Saint-Pétersbourg (architecte V. Stasov), des « Dompteurs de chevaux » pour le pont Anitchkov (1833-1850), du monument à Nicolas Ier sur la place Saint-Isaac ( 1850-1859), I.A. Krylov dans le jardin d'été (1848-1855), ainsi qu'un grand nombre de sculptures d'animaux. La direction dominante de l'architecture et de la sculpture dans le premier tiers du XIXe siècle était le classicisme. En peinture, il a été développé principalement par des artistes académiques du genre historique (A.E. Egorov – « Le tourment du Sauveur », 1814, Musée russe de Russie ; V.K. Shebuev – « L'exploit du marchand Igolkin », 1839, Musée russe de Russie ; F.A. Bruni – « La mort de Camilla, la sœur d'Horace », 1824, Musée russe ; « Le Serpent de cuivre », 1826-1841, Musée russe). Mais les véritables succès de la peinture résident cependant dans une direction différente : le romantisme. Les meilleures aspirations de l'âme humaine, les hauts et les bas de l'esprit étaient exprimés par la peinture romantique de cette époque, et surtout par le portrait. Dans le genre du portrait, la place principale doit être accordée à Orest Kiprensky (1782-1836). Les portraits graphiques, réalisés principalement au crayon italien doux avec des couleurs au pastel, à l'aquarelle et aux crayons de couleur, constituent une partie inestimable de l'œuvre de Kiprensky. Il incarne le général E.I. Chaplitsa (Galerie Tretiakov), A.R. Tomilova (GRM), P.A. Chevreuil (GTG). L'apparition de portraits-croquis rapides au crayon est en soi significative, caractéristique des temps nouveaux : ils enregistrent facilement tout changement fugace du visage, tout mouvement émotionnel. Mais dans les graphismes de Kiprensky, il y a aussi une certaine évolution : dans ses œuvres ultérieures, il n'y a ni spontanéité ni chaleur, mais leur exécution est plus magistrale et plus raffinée (portrait de S.S. Shcherbatova, art italien, Galerie Tretiakov).
Un Polonais peut être qualifié de romantique cohérent A.O. Orlovski (1777-1832), il s'assimile rapidement sur le sol russe, ce qui se remarque particulièrement dans ses portraits graphiques. En eux, à travers tous les attributs extérieurs du romantisme européen avec sa rébellion et sa tension, quelque chose de profondément personnel, caché, intime est visible (Autoportrait, 1809, Galerie Tretiakov). Orlovsky a également joué un certain rôle en « ouvrant » la voie au réalisme grâce à ses croquis de genre, ses dessins et ses lithographies représentant des scènes et des types de rues de Saint-Pétersbourg, qui ont donné vie au célèbre quatrain de P.A. Vyazemsky :
Ancienne Rus', éloignée
Vous le transmettrez à votre progéniture
Tu l'as attrapée vivante
Sous le crayon du peuple.
Aussi, la première moitié du 19e siècle. marqué par l'épanouissement de la musique russe, associée principalement au nomMikhaïl Ivanovitch Glinka(1804-1857), qui est entré dans l’histoire comme le premier compositeur russe d’importance mondiale. M.I.Glinka est considéré comme le fondateur de la Russie musique classique. Ses opéras « Une vie pour le tsar » et « Rouslan et Lyudmila » ont largement déterminé le développement de la musique lyrique russe pendant de nombreuses décennies. Particularité L'approche créative du compositeur consistait à utiliser des motifs du folklore et de la musique folklorique russes. Glinka a également écrit des romans. Les contemporains de Glinka ont apporté une contribution significative au développement de la culture musicale russeA.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gourilev, connus aujourd'hui principalement comme auteurs de romans.
A.A Alyabyev. A.L.Gurilev A.E.Varlamov
2.2 L'art russe dans la seconde moitié du XIXe siècle
Conditions du développement de la culture dans la seconde moitié du XIXe siècle.
Deuxième moitié du 19ème siècle. - l'époque de l'approbation finale et de la consolidation des formes et traditions nationales de l'art russe. Au milieu du 19ème siècle. La Russie a connu de graves bouleversements : la guerre de Crimée de 1853-1856 s'est soldée par une défaite, l'empereur Nicolas Ier est mort, Alexandre II, qui est monté sur le trône, a procédé à l'abolition tant attendue du servage et à d'autres réformes. Le « thème russe » est devenu populaire dans l’art. La culture russe n’était pas confinée à un cadre national et n’était pas séparée de la culture du reste du monde. Réalisations art étranger a trouvé une réponse en Russie. À son tour, la culture russe a acquis une reconnaissance mondiale. La culture russe a pris une place honorable dans la famille des cultures européennes.
Les beaux-arts ne pouvaient rester à l’écart des processus qui se déroulaient dans la conscience publique. La Galerie nationale Tretiakov de Moscou est l'une des plus grandes collections d'art russe et un centre culturel national de renommée mondiale. Le musée porte le nom de son fondateur, le marchand moscovite P.M. Tretiakov (1832-1898), qui fit don de sa galerie d'art à la ville en 1892, ainsi que d'une petite collection de son frère et d'une maison ouverte aux visiteurs en 1881.
À cette époque, les artistes russes atteignaient un niveau de compétence qui mettait leurs œuvres au même niveau que les meilleurs exemples de l’art européen. Un mouvement s’est formé, basé sur les idées du réalisme critique. L'un des premiers maîtres de cette direction fut Vasily Grigorievich Perov (1833-1882). Ses œuvres de genre (« Procession religieuse rurale à Pâques » 1861, « Voir le mort » 1865, « Troïka » 1868) sont des histoires tristes de la vie des gens ordinaires exprimées dans le langage de la peinture.
Le paysage a atteint une prospérité sans précédent. La peinture de paysage est devenue l'un des principaux domaines de développement artistique ; ce genre a atteint de nouveaux sommets. Les moyens d'expression ont été améliorés et la technologie développée. Le paysage de la seconde moitié du XIXe siècle n'est plus seulement une image de « types de paysages », mais une peinture qui traduit les mouvements les plus subtils de l'âme humaine à travers des images de la nature. Les plus grands maîtres du paysage en Russie étaient A.K. Savrasov (« Les tours sont arrivées » 1871), I.I. Shishkin (« Forêt de pins » 1873, « Rye » 1878), A.I. Bosquet de bouleaux"1879, "Nuit au clair de lune sur le Dniepr" 1880), V.D. Polenov ("Cour de Moscou" 1878), I.I. Levitan (" appel du soir, cloche du soir"1892, "Printemps. Grande Eau" 1897), K.A. Korovine ("En hiver" 1894, "Paris. Boulevard des Capucins" 1906).
Apogées de l'art réaliste de la seconde moitié du XIXe siècle. réalisé dans la créativitéI.E. Repin et V.I. Sourikov. La peinture historique trouve sa plus haute expression dans l’œuvre de Vassili Ivanovitch Sourikov (1848-1916). Dans l’histoire, l’artiste s’intéressait surtout aux gens : aux masses et aux personnalités fortes et brillantes.
La première œuvre qui a fait la renommée de V.I. Sourikov était « Le matin de l'exécution de Streltsy » (1881). La composition est construite sur le contraste : le chagrin, la haine, la souffrance, incarnés dans les figures des archers allant vers la mort et de leurs proches, contrastent avec Pierre assis sur un cheval, figé dans la pierre au loin.
Outre V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov a également écrit des peintures sur des thèmes historiques. L'image de l'histoire dans ses œuvres a une connotation épique et féerique tangible : « Après le massacre d'Igor Sviatoslavich avec les Polovtsiens » (1880), « Alyonushka » (1881), la combinaison de l'épopée et de l'histoire s'est particulièrement clairement manifestée dans la toile grandiose « Bogatyrs » (1898 G.).
En 1898, une nouvelle association artistique est fondée à Saint-Pétersbourg, appelée"Monde de l'Art" . Le cercle résultant était dirigé par un artisteA.N. Benois et le philanthrope S.P. Diaghilev.Le noyau principal de l'association étaitL.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov.. "World of Art" organise des expositions et publie un magazine du même nom. L'association comprenait de nombreux artistes :M.A.Vrubel, V.A.Serov, I.I.Levitan, M.V.Nesterov, A.P.Ryabushkin, N.K.Roerich, B.M.Kustodiev, Z.E.Serebryakova, K.S. Petrov-Vodkin.Miriskusniki a défendu la liberté de créativité individuelle. La beauté était reconnue comme la principale source d’inspiration. Le monde moderne, à leur avis, est dépourvu de beauté et donc indigne d’attention. En quête de beauté, les artistes du Monde de l’Art se tournent souvent dans leurs œuvres vers les monuments du passé.
Egalement la seconde moitié du 19ème siècle. - C'est une période de réalisations exceptionnelles dans le domaine de la science et de la technologie. La chimie, la physique, la géographie, la biologie se développent...
Le développement des sciences naturelles et les liens étendus entre les scientifiques russes et occidentaux témoignent de la place suffisante de la Russie dans la communauté mondiale.
Conclusion.
art russe votre peinture architecture
L'art du XIXe siècle peut être comparé à une mosaïque multicolore, où chaque pierre a sa place et sa signification. Il est donc impossible d’en supprimer un seul, même le plus petit, sans perturber l’harmonie de l’ensemble. Cependant, dans cette mosaïque se trouvent les pierres les plus précieuses, émettant une lumière particulièrement forte.
Au cours des siècles d'histoire, l'art russe a connu des changements importants, parfois radicaux : il s'est enrichi, compliqué, amélioré, mais est toujours resté original.
L'architecture russe, les beaux-arts, les arts populaires et appliqués témoignent de la contribution inestimable que notre peuple a apporté au trésor de la culture artistique nationale et mondiale.
Le XIXe siècle est peut-être la période la plus complexe et la plus intéressante de l’histoire de l’art russe. Cette époque a donné naissance à la brillante créativité d'A.S. Pouchkine, populaire et universelle, pleine de rêves de liberté. C'est l'apogée de la culture spirituelle : littérature, philosophie, musique, théâtre et beaux-arts.
Bibliographie.
1. Ilyina T.V. Histoire de l'art : l'art russe. Manuel / T.V. Ilyina. - M. : Ecole Supérieure, 2007. – 407 p.
2. Le dernier ouvrage de référence complet pour les écoliers de la 5e à la 11e année (volume 2). E.V. Simonova.