Classicisme(de lat. classique– exemplaire), comme le baroque, s’avère être un phénomène à l’échelle paneuropéenne. La poétique du classicisme a commencé à prendre forme à la fin de la Renaissance en Italie. Au seuil du classicisme se trouve la tragédie du dramaturge italien G. Trissino « Sofonisba » (1515), écrite à l'imitation des tragédiens antiques. Il présente des caractéristiques qui deviendront plus tard caractéristiques du drame classique : une intrigue logiquement structurée, le recours au mot plutôt qu'à l'action scénique, la rationalité et le caractère supra-individuel des personnages. Influence significative sur la formation du classicisme dans pays européens a été fournie par la « Poétique » (1561) de l'Italien J. Ts Scaliger, qui a anticipé avec succès le goût du siècle prochain, le siècle de la logique et de la raison. Et pourtant, la formation du classicisme a duré tout un siècle et, en tant que système artistique intégral, le classicisme s'est d'abord développé en France pour milieu du XVIIe siècle siècle.
Le développement du classicisme en France est étroitement lié à l'établissement et à l'épanouissement du pouvoir royal centralisé (monarchie absolue). L'État à pouvoir unique limitait les droits de l'aristocratie féodale volontaire, cherchait à définir et à réglementer par la loi les relations entre l'individu et l'État et à distinguer clairement les sphères de la vie privée et personnelle. L'esprit de réglementation et de discipline s'étend à la sphère de la littérature et de l'art, déterminant leur contenu et leurs caractéristiques formelles. Afin de contrôler la vie littéraire, l'Académie française est créée à l'initiative du premier ministre, le cardinal Richelieu, et le cardinal lui-même intervient à plusieurs reprises dans les conflits littéraires dans les années 1630.
Les canons du classicisme ont pris forme dans des polémiques acerbes avec la littérature de précision, ainsi qu'avec les dramaturges espagnols (Lope de Vega, Tirso de Molina). Ce dernier ridiculise notamment l’exigence de l’unité du temps. (« Quant à vos 24 heures, quoi de plus absurde, que l'amour, commençant en pleine journée, se termine le soir par un mariage ! ») Poursuivant certaines traditions de la Renaissance (admiration pour l'Antiquité, foi en la raison , idéal d'harmonie et de modération), le classicisme était la Renaissance et une sorte d'antithèse, qui le rendait semblable, malgré toutes ses profondes différences, au baroque.
Les humanistes de la Renaissance accordaient la plus grande valeur à la libre expression de la nature humaine. Leur héros est une personnalité harmonieuse, affranchie du pouvoir de la corporation immobilière et sans retenue dans son individualisme. Les humanistes du XVIIe siècle - les fondateurs du classicisme -, en raison de l'expérience historique européenne, les passions semblaient être une force destructrice et anarchique, générée par l'égoïsme. Lors de l'évaluation d'une personne, les normes morales (vertus) sont désormais prioritaires. Le contenu principal de la créativité dans le classicisme réside dans les contradictions entre la nature naturelle de l'homme et le devoir civique, entre ses passions et la raison, qui ont donné lieu à des conflits tragiques.
Les classiques voyaient le but de l'art dans la connaissance de la vérité, qui constitue pour eux l'idéal de beauté. Les classiques proposent une méthode pour y parvenir, basée sur trois catégories centrales de leur esthétique : la raison, le modèle et le goût (ces mêmes concepts deviennent aussi des critères objectifs de l'art). Pour créer une grande œuvre, selon les classiques, il faut suivre les préceptes de la raison, en s'appuyant sur des œuvres « exemplaires », c'est-à-dire classiques, de l'Antiquité (antiquité) et guidé par les règles du bon goût (« le bon goût » est le juge suprême du « beau »). Ainsi, les classiques introduisent créativité artistiqueéléments activité scientifique.
Les principes de la poétique et de l'esthétique classiques sont déterminés par le système de vues philosophiques de l'époque, basé sur le rationalisme de Descartes. Pour lui, la raison est le critère le plus élevé de vérité. En utilisant une méthode analytique rationnelle, on peut pénétrer dans l'essence et le but idéaux de tout objet ou phénomène, comprendre les lois éternelles et immuables qui sous-tendent l'ordre mondial, et donc la base de la créativité artistique.
Le rationalisme a contribué à surmonter les préjugés religieux et la scolastique médiévale, mais il avait aussi ses propres faiblesses. Le monde dans ce système philosophique était considéré d'un point de vue métaphysique - comme immuable et immobile.
Ce concept a convaincu les classiques que l'idéal esthétique est éternel et inchangé à tout moment, mais il a été incarné avec la plus grande complétude et perfection dans l'art de l'Antiquité. Pour reproduire cet idéal, il faut se tourner vers l’art ancien et étudier minutieusement ses règles et lois. Dans le même temps, conformément aux idéaux politiques du XVIIe siècle, une attention particulière a été portée à l'art de la Rome impériale (l'ère de la concentration du pouvoir entre les mains d'une seule personne - l'empereur) et à la poésie du " âge d'or" - l'œuvre de Virgile, Ovide, Horace. Outre la « Poétique » d'Aristote, N. Boileau s'appuie sur « l'Épître à Piso » d'Horace dans son traité poétique « L'Art poétique » (1674), rassemblant et généralisant les principes théoriques du classicisme, résumant la pratique artistique de ses prédécesseurs. et contemporains.
En essayant de recréer le monde de l'Antiquité (« anobli » et « corrigé »), les classiques n'en empruntent que des « vêtements ». Quoique Boileau, s'adressant aux écrivains contemporains, écrive :
Et vous devez étudier les coutumes des pays et des années.
Après tout, le climat ne peut qu’influencer les gens.
Mais attention à ne pas être saturé de mauvais goût vulgaire
Avec l’esprit français de Rome... –
ce n'est rien de plus qu'une déclaration. Dans la pratique littéraire du classicisme, les personnages des XVIIe et XVIIIe siècles se cachent sous les noms de héros antiques, et les intrigues anciennes révèlent avant tout la formulation des problèmes les plus urgents de notre temps. Le classicisme est fondamentalement anhistorique, puisqu’il est guidé par les lois « éternelles et immuables » de la raison.
Les classiques proclament le principe de l'imitation de la nature, mais en même temps ils ne s'efforcent pas du tout de reproduire la réalité dans son intégralité. Ils ne s’intéressent pas à ce qui est, mais à ce qui devrait être selon les idées de leur esprit. Tout ce qui ne correspond pas au modèle et au « bon goût » est exclu de l’art et déclaré « indécent ». Dans les cas où il faut reproduire le laid, celui-ci est esthétiquement transformé :
Incarné dans l'art, à la fois monstre et reptile
Nous sommes toujours satisfaits du regard méfiant :
Le pinceau de l'artiste nous montre la transformation
Des objets abominables en objets d'admiration...
Un autre problème clé de la poétique classique est celui de la vérité et de la vraisemblance. Un écrivain doit-il décrire des phénomènes exceptionnels, incroyables, hors du commun, mais inscrits dans l'histoire (« vérité »), ou créer des images et des situations fictives, mais conformes à la logique des choses et aux exigences de la raison (c'est-à-dire « plausibles ») ? ") ? Boileau privilégie le deuxième groupe de phénomènes :
Ne nous tourmentez pas avec l’incroyable et dérangeant l’esprit :
Et parfois, la vérité ne ressemble pas à la vérité.
Je ne me réjouirai pas de merveilleuses bêtises :
L’esprit ne se soucie pas de ce qu’il ne croit pas.
La notion de vraisemblance sous-tend également le personnage classique : le héros tragique ne peut être « mesquin et insignifiant »,
Mais pourtant, sans faiblesses, son caractère est faux.
Achille nous captive par son ardeur,
Mais s'il pleure, je l'aime davantage.
Après tout, dans ces petites choses, la nature prend vie,
Et véritablement, l’image nous étonne.
(N. Boileau, "L'Art Poétique")
Boileau est proche de la position de J. Racine qui, s'appuyant sur la « Poétique » d'Aristote, dans la préface de la tragédie « Andromaque », écrivait à propos de ses héros qu'« ils devraient être des gens moyens dans leurs qualités spirituelles, c'est-à-dire : avoir de la vertu, mais être sujet à des faiblesses, et le malheur doit leur arriver à la suite d'une erreur capable de susciter pour eux de la pitié et non du dégoût.
Tous les classiques ne partageaient pas ce concept. Le fondateur de la tragédie classique française, P. Corneille, s'est tourné vers la création de personnages exceptionnels. Ses héros ne font pas monter les larmes aux yeux du public, mais suscitent une admiration indéniable pour leur résilience et leur héroïsme. Dans la préface de sa tragédie « Nicomède », Corneille déclarait : « La tendresse et les passions, qui devraient être l'âme de la tragédie, n'ont pas leur place ici : seule règne ici la grandeur héroïque, jetant sur ses douleurs un regard rempli d'un tel mépris qu'il n'en a pas. ne permet pas qu'on les arrache du cœur. personne, sauf par sa valeur et son amour... » Corneille motive le pouvoir de persuasion de ceux qui ont créé ces images avec le concept de vérité vitale et d'authenticité historique : « L'Histoire, qui m'a donné l'occasion de révéler. plus haut degré cette grandeur, je l'ai prise de Justin.
Le culte de la raison chez les classiques détermine également les principes de création de personnages - l'une des catégories esthétiques centrales du classicisme. Pour les classiques, le caractère n'implique pas un ensemble de traits individuels d'une personne particulière, mais incarne une certaine structure générale et en même temps éternelle de la nature humaine et de la psychologie. Ce n'est que sous l'aspect de l'éternel, de l'immuable et de l'universel que le personnage est devenu l'objet d'une étude artistique de l'art classique.
À la suite des théoriciens de l'Antiquité - Aristote et Horace - Boileau estime que « l'art » doit préserver « à chacun ses sentiments particuliers ». Ces « sentiments particuliers » déterminent la constitution psychologique d'une personne, faisant de l'un un dandy vulgaire, d'un autre un avare, d'un troisième un dépensier, etc. Le caractère était ainsi réduit à un trait dominant. Pouchkine a également noté que dans Molière, l'hypocrite Tartuffe « demande même un verre d'eau, l'hypocrite », et que l'avare Harpagon « est avare et rien de plus ». Il ne sert à rien d’y rechercher un contenu psychologique plus important. Quand Harpagon s'explique à sa bien-aimée, il se comporte en avare, et avec ses enfants il se comporte en avare. "Il n'y a qu'une seule peinture, mais elle est appliquée de plus en plus épaisse et, finalement, amène l'image à une invraisemblance psychologique quotidienne." Ce principe de typification a conduit à une division nette des héros en positifs, vertueux et négatifs, vicieux.
Les personnages des tragédies sont également déterminés par un trait dominant. L'unilinéarité des héros de Corneille souligne leur intégrité, qui justifie le « cœur » de leur caractère. C'est plus difficile pour Racine : la passion qui définit le caractère de ses personnages est elle-même contradictoire (il s'agit généralement de l'amour). L’épuisement de toute la gamme des nuances psychologiques de la passion est la méthode de caractérisation de Racine – une méthode, comme celle de Corneille, profondément rationaliste.
Incarnant des traits génériques et « éternels » dans son personnage, l'artiste classique lui-même cherchait à parler non pas à partir de son « je » spécial et unique, mais à partir de la position d'un homme d'État. C'est pourquoi les genres « objectifs » prédominent dans le classicisme - principalement les genres dramatiques, et parmi les genres lyriques, ceux où prédomine une orientation vers l'impersonnel, universellement significatif (ode, satire, fable).
La normativité et la rationalité de l’esthétique classique se manifestent également dans la stricte hiérarchie des genres. Il existe des genres « élevés » – tragédie, épopée, ode. Leur sphère est vie publique, événements historiques, mythologie; leurs héros sont des monarques, des généraux, des historiques et personnages mythologiques. Ce choix de héros tragiques était déterminé non pas tant par les goûts et l'influence de la cour, mais par la mesure de la responsabilité morale des personnes chargées du sort de l'État.
Les genres « élevés » s'opposent aux genres « bas » - comédie, satire, fable - adressés à la sphère de la vie quotidienne privée des nobles et des citadins. Une place intermédiaire est donnée aux genres « intermédiaires » - élégie, idylle, épître, sonnet, chanson. Représentant le monde intérieur d'un individu, ces genres n'occupaient aucune place notable dans le processus littéraire à l'apogée de la littérature classique, imprégnée de hauts idéaux civiques. Le temps de ces genres viendra plus tard : ils auront un impact significatif sur le développement de la littérature à l'ère de la crise du classicisme.
La prose, en particulier la fiction, est bien moins valorisée par les classiques que la poésie. « L'amour pensé en vers », s'exclame Boileau au début de son traité et « n'élève au Parnasse » que les genres poétiques. Ceux qui reçoivent la distribution genres de prose, qui sont avant tout de nature informative - sermons, mémoires, lettres. Dans le même temps, la prose scientifique, philosophique et épistolaire, devenue publique à l'ère du culte de la science, acquiert les traits d'une véritable Travail littéraire et a déjà une valeur non seulement scientifique ou historique, mais aussi esthétique (« Lettres d'un provincial » et « Pensées » de B. Pascal, « Maximes ou Réflexions morales » de F. de La Rochefoucauld, « Personnages » de J. de La Bruyère, etc.).
Chaque genre du classicisme a des limites strictes et des caractéristiques formelles claires. Aucun mélange du sublime et du vil, du tragique et du comique, de l'héroïque et de l'ordinaire n'est permis : ce qui est permis dans la satire est exclu dans la tragédie, ce qui est bon dans la comédie est inacceptable dans l'épopée. Une « loi particulière de l'unité de style » règne ici (G. Gukovsky) - chaque unité de genre a son propre canon de style formel strict. Les genres mixtes, par exemple la tragi-comédie, très populaire dans la première moitié du XVIIe siècle, sont repoussés hors des frontières de la « vraie littérature ». « Désormais, seul l’ensemble du système des genres est capable d’exprimer la diversité de la vie. »
L'approche rationaliste a également déterminé l'attitude envers la forme poétique :
Vous apprenez à penser, puis à écrire.
La parole suit la pensée ; plus clair ou plus foncé
Et la phrase est calquée sur l’idée ;
Ce qui est clairement compris sera clairement entendu,
Et le mot exact viendra immédiatement.
(N. Boileau, "L'Art Poétique")
Chaque œuvre doit être strictement pensée, la composition doit être logiquement structurée, les parties individuelles doivent être proportionnées et indissolubles, le style doit être clair jusqu'à la transparence, le langage doit être laconique et précis. Le concept de mesure, de proportion et de symétrie est inhérent non seulement à la littérature, mais aussi à toute la culture artistique du classicisme - architecture, peinture, art du paysage. La pensée scientifique et artistique de l’époque a un caractère mathématique prononcé.
En architecture, les bâtiments publics qui expriment l’idée d’État commencent à donner le ton. Les schémas de planification reposent sur des formes géométriques régulières (carré, triangle, cercle). Les architectes classiques maîtrisaient la construction d'un immense complexe composé d'un palais et d'un parc. Ils deviennent capables de compositions détaillées et mathématiquement vérifiées. En France, les nouvelles tendances s'incarnent d'abord pleinement dans l'ensemble grandiose de Versailles (1661-1689, architectes L. Levo, A. Le Nôtre, J. Hardouin-Mansart, etc.).
Ils se distinguent par leur clarté, leur logique et leur harmonie compositionnelle. peintures classicistes. N. Poussin, créateur et chef du classicisme français en peinture, a choisi des sujets qui donnaient matière à réflexion à l'esprit, cultivaient la vertu chez une personne et lui enseignaient la sagesse. Il a trouvé ces histoires principalement dans la mythologie ancienne et histoire légendaire Rome. Ses tableaux « La Mort de Germanicus » (1627), « La Prise de Jérusalem » (1628) et « Le Viol des Sabines » (1633) sont consacrés à la représentation d’« actions héroïques et inhabituelles ». La composition de ces peintures est strictement ordonnée ; elle ressemble à la composition des bas-reliefs antiques (les personnages sont situés dans un espace peu profond, divisé en plusieurs plans). Poussin, de manière presque sculpturale, dessine clairement les volumes des personnages, vérifie soigneusement leur structure anatomique et dispose leurs vêtements selon des plis classiques. La répartition des couleurs dans le tableau est également soumise à la même stricte harmonie.
Des lois strictes régnaient également dans l'art verbal. Ces lois ont été établies particulièrement strictement pour les genres élevés, exprimés sous la forme poétique obligatoire. Ainsi, la tragédie, comme l’épopée, devait être présentée dans des vers alexandrins majestueux. L'intrigue de la tragédie, historique ou mythologique, était tirée des temps anciens et était généralement connue du spectateur (plus tard, les classiques ont commencé à tirer le matériel de leurs tragédies de l'histoire orientale, et les classiques russes ont préféré les intrigues de leur propre histoire nationale). La familiarité de l'intrigue a amené le spectateur à ne pas percevoir une intrigue complexe et complexe, mais à analyser les expériences émotionnelles et les aspirations opposées des personnages. Selon la définition de G. A. Gukovsky, « la tragédie classique n'est pas un drame d'action, mais un drame de conversation ; le poète classique ne s'intéresse pas aux faits, mais à l'analyse directement formée dans le mot ».
Les lois de la logique formelle déterminaient la structure des genres dramatiques, principalement la tragédie, censée se composer de cinq actes. Les comédies pouvaient aussi être en trois actes (les comédies en un acte apparaîtraient au XVIIIe siècle), mais en aucun cas en quatre ou deux actes. Les classiques ont élevé le principe des trois unités - lieu, action et temps, formulé dans les traités de G. Trissino et Y. Scaliger, basés sur la Poétique d'Aristote, en une loi incontestable pour les genres dramatiques. Selon la règle de l'unité de lieu, toute l'action de la pièce doit se dérouler en un seul lieu : un palais, une maison ou même une pièce. L'unité de temps exigeait que toute l'action de la pièce ne s'étende pas sur plus d'une journée, et plus elle correspondait à la durée de la représentation - trois heures - mieux c'était. Enfin, l'unité d'action impliquait que les événements décrits dans la pièce aient leur propre début, développement et fin. De plus, la pièce ne doit pas contenir d'épisodes ou de personnages « supplémentaires » qui ne sont pas directement liés au développement de l'intrigue principale. Sinon, croyaient les théoriciens du classicisme, la diversité des impressions empêchait le spectateur de percevoir le « fondement raisonnable » de la vie.
L'exigence de trois unités a radicalement changé la structure du drame, car elle a obligé les dramaturges à décrire non pas l'ensemble du système d'événements (comme c'était le cas, par exemple, dans la pièce de mystère médiévale), mais seulement l'épisode qui complète tel ou tel événement. . Les événements eux-mêmes étaient « retirés de la scène » et pouvaient couvrir une longue période de temps, mais ils étaient de nature rétrospective et le spectateur les apprenait grâce aux monologues et aux dialogues des personnages.
Au début, les trois unités n'étaient pas formelles. Le principe sous-jacent de la vraisemblance, principe fondamental du classicisme, s'est formé dans la lutte avec les traditions du théâtre médiéval, avec ses pièces dont l'action s'étendait parfois sur plusieurs jours, impliquant des centaines d'interprètes, et l'intrigue était remplie de tous sortes de miracles et d'effets naturalistes naïfs. Mais, élevant le principe des trois unités en règle inébranlable, les classiques n'ont pas pris en compte les particularités de la perception subjective de l'art, qui permet l'illusion artistique, la non-identité de l'image artistique avec l'objet reproduit. Les romantiques, qui ont découvert la « subjectivité » du spectateur, commenceront à l'assaut du théâtre classique en renversant la règle des trois unités.
Le genre a suscité un intérêt particulier de la part des écrivains et des théoriciens du classicisme. des épopées, ou poème héroïque, que Boileau plaçait même au-dessus de la tragédie. Ce n’est que dans l’épopée, selon Boileau, que le poète « a gagné de l’espace/pour captiver notre esprit et notre regard avec une invention noble ». Les poètes classiques sont attirés vers l'épopée par un thème héroïque particulier basé sur les événements les plus importants du passé, et par des héros exceptionnels par leurs qualités, et par la manière de raconter les événements, que Boileau formule ainsi :
Laissez votre histoire être dynamique, claire, concise,
Et dans les descriptions c'est à la fois magnifique et riche.
Comme dans la tragédie, une attitude morale et didactique est importante dans l'épopée. Représentant des temps héroïques, l'épopée, selon V. Trediakovsky, donne « une instruction ferme à la race humaine, lui apprenant à aimer la vertu » (« Prédiction du poème héroïque », 1766).
Dans la structure artistique de l'épopée, Boileau attribue un rôle déterminant à la fiction (« En mettant le mythe pour fondement, il vit de fiction... »). L'attitude de Boileau envers la mythologie antique et chrétienne est systématiquement rationaliste - le mythe antique l'attire par la transparence de l'allégorie, qui ne contredit pas la raison. Les miracles chrétiens ne peuvent faire l’objet d’une incarnation esthétique ; de plus, selon Boileau, leur utilisation en poésie peut compromettre les dogmes religieux (« les sacrements du Christ ne sont pas utilisés pour le plaisir »). Pour caractériser l'épopée, Boileau s'appuie sur l'épopée ancienne, principalement l'Énéide de Virgile.
Critiquant « l'épopée chrétienne » de T. Tasso (« Jérusalem libérée »), Boileau s'oppose également à l'épopée héroïque nationale basée sur des matériaux du haut Moyen Âge (« Alaric » de J. Scuderi, « La Vierge » de J. Chaplin) . Le classique Boileau n'accepte pas le Moyen Âge comme une époque de « barbarie », ce qui signifie que les sujets tirés de cette époque ne peuvent avoir pour lui une valeur esthétique et didactique.
Les principes de l'épopée formulés par Boileau, orientés vers Homère et Virgile, n'ont pas été mis en œuvre pleinement et globalement dans littérature XVII siècle. Ce genre a déjà dépassé son utilité, et I. G. Herder, le théoricien du mouvement littéraire en Allemagne « Tempête et Drang » (années 70 du XVIIIe siècle), du point de vue de l'historicisme, a expliqué l'impossibilité de sa résurrection (il parle du épopée ancienne) : "L'épopée appartient à l'enfance de l'humanité." Au XVIIIe siècle, les tentatives de création d'une épopée héroïque basée sur le matériel national dans le cadre du système artistique classique furent d'autant plus infructueuses (« Henriada » de Voltaire, 1728 ; « Rossiyada » de M. Kheraskov, 1779).
L'ode, l'un des genres principaux du classicisme, a également une forme stricte. Son trait obligatoire est le « désordre lyrique », qui présuppose le libre développement de la pensée poétique :
Laissez le style orageux d'Odes se précipiter au hasard :
Sa tenue est magnifique avec ses belles rides.
Loin des rimeurs timides, dont l'esprit est flegmatique
L'ordre dogmatique est maintenu dans les passions elles-mêmes...
(N. Boileau, "L'Art Poétique")
Et pourtant, cet « ordre dogmatique » a été strictement respecté. L'ode, comme un discours oratoire, se composait de trois parties : une « attaque », c'est-à-dire une introduction au sujet, une discussion où ce sujet était développé et une conclusion énergique et émotionnelle. Le « désordre lyrique » est de nature purement extérieure : passer d'une pensée à une autre, introduire digressions lyriques, le poète a subordonné la construction de l'ode au développement de l'idée principale. Le lyrisme de l'ode n'est pas individuel, mais, pour ainsi dire, collectif ; il exprime « les aspirations et les aspirations de tout l'organisme étatique » (G. Gukovsky).
Contrairement à la "haute" tragédie et à l'épopée, le classicisme " genres faibles" – comédie et satire – devenues modernes la vie quotidienne. Le but de la comédie est d'éduquer, de ridiculiser les défauts, de « gouverner l'humeur par la moquerie ;/de faire rire les gens et d'utiliser ses règles directes » (A. Sumarokov). Le classicisme a rejeté la comédie satirique pamphlet (c'est-à-dire dirigée contre des individus spécifiques) d'Aristophane. Le comédien s'intéresse aux vices humains universels dans leurs manifestations quotidiennes - paresse, gaspillage, avarice, etc. Mais cela ne veut pas dire que la comédie classique est dépourvue de contenu social. Le classicisme se caractérise par une orientation idéologique et morale-didactique claire, et donc l'appel à des questions socialement significatives a donné à de nombreuses comédies classiques un son social et même d'actualité ("Tartuffe", "Don Juan", "Le Misanthrope" de Molière ; "Le Brigadier", "Le Mineur" de D. Fonvizin ; "Sneak" de V. Kapnist).
Dans ses jugements sur la comédie, Boileau se concentre sur la comédie morale « sérieuse », présentée dans l'Antiquité par Ménandre et Térence, et dans les temps modernes par Molière. Boileau considère « Le Misanthrope » et « Tartuffe » comme les plus hautes réalisations de Molière, mais reproche au comédien d'utiliser les traditions de la farce populaire, les jugeant grossières et vulgaires (la comédie « Les Astuces de Scapin »). Boileau prône la création d'une comédie de personnages par opposition à une comédie d'intrigues. Plus tard, ce type de comédie classique, abordant des problèmes d'importance sociale ou socio-politique, se verra attribuer la définition de « haute » comédie.
La satire a beaucoup de points communs avec la comédie et la fable. Tous ces genres ont un sujet de représentation commun - les défauts et les vices humains, une évaluation émotionnelle et artistique commune - le ridicule. La structure compositionnelle de la satire et de la fable est basée sur la combinaison des principes de l'auteur et du récit. L'auteur de satire et de fable utilise souvent le dialogue. Cependant, contrairement à la comédie, dans la satire, le dialogue n'est pas lié à l'action, à un système d'événements, et la représentation des phénomènes de la vie, contrairement à une fable, dans la satire est basée sur une image directe plutôt qu'allégorique.
Poète satirique par son talent, Boileau s'écarte en théorie de l'esthétique antique, qui classait la satire comme un genre « bas ». Il considère la satire comme un genre socialement actif. Donnant une description détaillée de la satire, Boileau rappelle les satiristes romains Lucilius, Horace et Persius Flaccus, qui dénonçaient avec audace les vices des puissants. Mais il met Juvénal au dessus de tout. Et bien que le théoricien français note les origines « régionales » de la satire du poète romain, son autorité sur Boileau est incontestable :
Ses poèmes vivent de la terrible vérité,
Et pourtant, leur beauté scintille ici et là.
Le tempérament de satiriste a prévalu sur les postulats théoriques chez Boileau et dans sa défense du droit à la satire personnelle dirigée contre des personnes précises et connues (« Discours sur la satire » ; il est caractéristique que Boileau ne reconnaisse pas la satire sur les visages dans la comédie) . Cette technique a apporté une couleur journalistique d’actualité à la satire classique. Le classique-satiriste russe A. Kantemir a également largement utilisé la technique de la satire sur les visages, donnant à ses personnages « supra-individualistes », personnifiant une sorte de vice humain, un portrait ressemblant à ses ennemis.
Une contribution importante du classicisme au développement ultérieur de la littérature a été le développement d'un langage clair et harmonieux des œuvres artistiques (« Ce qui est clairement compris sonnera clairement »), libéré du vocabulaire étranger, capable d'exprimer divers sentiments et expériences (« Colère est fier, il a besoin de paroles arrogantes, / Mais les chagrins de la plainte ne sont pas si intenses »), corrélés aux personnages et à l'âge des personnages (« Alors choisissez bien votre langue : / Un vieil homme ne peut pas parler comme un jeune homme » ).
La formation du classicisme en France et en Russie commence par des réformes linguistiques et poétiques. En France, ce travail a été lancé par F. Malherbe, qui fut le premier à proposer la notion de bon goût comme critère de compétence artistique. Malherbe a beaucoup fait pour nettoyer la langue française de nombreux provincialismes, archaïsmes et dominance de mots latins et grecs empruntés introduits dans la circulation littéraire par les poètes des Pléiades au XVIe siècle. Malherbe a procédé à une codification de la langue littéraire française, en éliminant tout ce qui y est aléatoire, en se concentrant sur l'orthophonie des gens éclairés de la capitale, à condition que la langue littéraire soit compréhensible par toutes les couches de la population. La contribution de Malherbe au domaine de la versification française fut également significative. Les règles de mesure qu'il formule (lieu fixe de césure, interdiction des transferts d'une ligne poétique à une autre, etc.) entrent non seulement dans la poétique du classicisme français, mais sont également adoptées par la théorie et la pratique poétiques d'autres pays européens.
En Russie, un travail similaire fut réalisé un siècle plus tard par M. Lomonossov. La théorie des « trois calmes » de Lomonossov a éliminé la diversité et le désordre des formes littéraires de communication caractéristiques de la littérature russe de la fin du XVIIe au premier tiers du XVIIIe siècle, rationalisé l'usage des mots littéraires au sein d'un genre particulier, déterminant le développement discours littéraire jusqu'à Pouchkine. Non moins importante est la réforme poétique de Trediakovsky-Lomonossov. En réformant la versification sur la base du système syllabique-tonique, inhérent à la langue russe, Trediakovsky et Lomonosov ont ainsi jeté les bases d'une culture poétique nationale.
Au XVIIIe siècle, le classicisme connaît sa deuxième apogée. L'influence déterminante sur celle-ci, ainsi que sur d'autres tendances stylistiques, est éclaircissement- un mouvement idéologique né dans des conditions de crise aiguë d'absolutisme et dirigé contre le système féodal-absolutiste et l'Église qui le soutient. Les idées des Lumières sont basées sur le concept philosophique de l'Anglais J. Locke, qui a proposé un nouveau modèle du processus de cognition, basé sur le sentiment, la sensation, comme seule source de connaissance humaine sur le monde (« An Essay on l'esprit humain", 1690). Locke a rejeté de manière décisive la doctrine des « idées innées » de R. Descartes, comparant l'âme d'une personne née à une ardoise vierge (tabula rasa), où l'expérience écrit « ses propres écrits » tout au long de la vie.
Cette vision de la nature humaine a conduit à l'idée de l'influence déterminante sur la formation de la personnalité de l'environnement social et naturel, qui rend une personne bonne ou mauvaise. L'ignorance, la superstition et les préjugés générés par l'ordre social féodal déterminent, de l'avis des éducateurs, le désordre social et déforment la nature initialement morale de l'homme. Et seule l'éducation générale peut éliminer le décalage entre les relations sociales existantes et les exigences de la raison et de la nature humaine. La littérature et l’art ont commencé à être considérés comme l’un des principaux outils de transformation et de rééducation de la société.
Tout cela a déterminé des caractéristiques fondamentalement nouvelles du classicisme du XVIIIe siècle. Tout en préservant les principes de base de l'esthétique classique dans l'art et la littérature du classicisme pédagogique, la compréhension du but et des objectifs d'un certain nombre de genres change considérablement. La transformation du classicisme dans l'esprit des principes des Lumières est particulièrement visible dans les tragédies de Voltaire. Restant fidèle aux principes esthétiques fondamentaux du classicisme, Voltaire s'efforce d'influencer non seulement l'esprit du public, mais aussi ses sentiments. Il recherche de nouveaux sujets et de nouveaux des moyens d'expression. Continuant à développer le thème antique familier au classicisme, Voltaire se tourne également dans ses tragédies vers des sujets médiévaux ("Tancred", 1760), orientaux ("Mahomet", 1742), associés à la conquête du Nouveau Monde ("Alzira", 1736). ). Il donne une nouvelle justification à la tragédie : « La tragédie est une peinture en mouvement, un tableau animé, et les gens qui y sont représentés doivent agir » (c'est-à-dire que Voltaire considère la dramaturgie non seulement comme l'art des mots, mais aussi comme l'art). du mouvement, du geste, des expressions faciales).
Voltaire remplit la tragédie classique d'un contenu philosophique et socio-politique aigu associé à problèmes actuels la modernité. Le dramaturge se concentre sur la lutte contre le fanatisme religieux, la tyrannie politique et le despotisme. Ainsi, dans l’une de ses tragédies les plus célèbres, « Mahomet », Voltaire prouve que toute déification d’une personnalité individuelle conduit finalement à un pouvoir incontrôlé sur les autres. L'intolérance religieuse conduit les héros de la tragédie « Zaïre » (1732) à un dénouement tragique, et des dieux impitoyables et des prêtres perfides poussent les mortels faibles aux crimes (« Œdipe », 1718). Dans l'esprit des grands enjeux de société, Voltaire repense et transforme l'épopée et l'ode héroïques.
Durant la période de la Grande Révolution française (1789-1794), le mouvement classiciste en vie littéraire a une signification particulière. Le classicisme de cette époque non seulement généralise et assimile les traits novateurs de la tragédie de Voltaire, mais restructure aussi radicalement les genres élevés. M. J. Chénier refuse de dénoncer le despotisme en général et c'est pourquoi il prend pour sujet de ses images non seulement l'Antiquité, mais aussi l'Europe des temps modernes (« Charles IX », « Jean Calas »). Le héros des tragédies de Chénier promeut les idées de droit naturel, de liberté et de droit, il est proche du peuple, et dans la tragédie, le peuple non seulement monte sur scène, mais agit également aux côtés du personnage principal ("Cai Gracchus", 1792 ). Le concept de l'État comme catégorie positive, opposée au personnel, individualiste, est remplacé dans l'esprit du dramaturge par la catégorie « nation ». Ce n'est pas un hasard si Chénier a qualifié sa pièce « Charles IX » de « tragédie nationale ».
Dans le cadre du classicisme de l'époque de la Révolution française, le nouveau genre odes. En préservant le principe classique de la priorité de la raison sur la réalité, l'ode révolutionnaire inclut dans son monde des personnes partageant les mêmes idées que le héros lyrique. L'auteur lui-même ne parle plus en son nom propre, mais au nom de ses concitoyens, en utilisant le pronom « nous ». Rouget de Lisle dans « La Marseillaise » prononce des slogans révolutionnaires comme s'il était avec ses auditeurs, les encourageant ainsi et lui-même à des changements révolutionnaires.
Le créateur d'un nouveau type de classicisme, correspondant à l'air du temps, en peinture fut J. David. Avec son tableau "Le Serment des Horaces" (1784) en français art un nouveau thème arrive - civil, journalistique dans son expression directe, un nouveau héros - un républicain romain, moralement intégral, mettant avant tout le devoir envers la patrie, une nouvelle manière - sévère et ascétique, contrastant avec le style de chambre exquis de la peinture française de la seconde moitié du XVIIIe siècle.
Sous l'influence de la littérature française au XVIIIe siècle, des modèles nationaux de classicisme se dessinent dans d'autres pays européens : en Angleterre (A. Pope, J. Addison), en Italie (V. Alfieri), en Allemagne (I. K. Gottsched). Dans les années 1770-1780, un phénomène artistique aussi original que le « classicisme de Weimar » (J. W. Goethe, F. Schiller) est apparu en Allemagne. Se tournant vers les formes artistiques et les traditions de l'Antiquité, Goethe et Schiller se sont donné pour tâche de créer nouvelle littérature le style élevé comme principal moyen d'éducation esthétique d'une personne harmonieuse.
La formation et l’épanouissement du classicisme russe se situent dans les années 1730-1750 et se déroulent dans des conditions assez similaires à celles de la formation française d’un État absolutiste. Mais, malgré un certain nombre de points communs dans l'esthétique du classicisme russe et français (rationalisme, normativité et régulation des genres, abstraction et convention comme traits dominants de l'image artistique, reconnaissance du rôle du monarque éclairé dans l'établissement d'un ordre social juste fondé sur la loi), le classicisme russe a ses propres caractéristiques nationales uniques.
Les idées des Lumières ont alimenté le classicisme russe dès le début. L'affirmation de l'égalité naturelle des personnes conduit les écrivains russes à l'idée de la valeur extra-classe de l'homme. Cantemir déjà, dans sa deuxième satire « Filaret et Eugène » (1730), déclare que « le même sang coule chez les libres et chez les esclaves », et que les « nobles » « se manifestent par une seule vertu ». Quarante ans plus tard, A. Sumarokov, dans sa satire « De la noblesse », poursuivra : « Quelle est la différence entre un gentleman et un paysan ? Tous deux sont un morceau de terre animé. » Fonvizinsky Starodum ("Mineur", 1782) déterminera la noblesse d'une personne par le nombre d'actes accomplis pour la patrie ("sans actes nobles, un État noble n'est rien"), et l'illumination d'une personne dépendra directement de la culture de la vertu en lui (« Le but principal de toute connaissance humaine est un bon comportement »).
Voyant dans l'éducation « la garantie du bien-être de l'État » (D. Fonvizine) et croyant à l'utilité d'une monarchie éclairée, les classiques russes entament le long processus d'éducation des autocrates, en leur rappelant leurs responsabilités envers leurs sujets :
Les dieux ne l'ont pas fait roi pour son bénéfice ;
Il est roi, afin qu'il soit un homme pour tous les peuples :
Il doit tout donner aux gens tout le temps,
Tous vos soins, tout votre zèle pour les gens...
(V. Trediakovsky, "Tilemakhida")
Si le roi ne remplit pas ses devoirs, s'il est un tyran, il doit être renversé du trône. Cela peut également se produire par le biais d'un soulèvement populaire (« Dmitri le prétendant » de A. Sumarokov).
Le matériau principal des classiques russes n'est pas l'Antiquité, mais leur propre histoire nationale, à partir de laquelle ils ont préféré tirer des sujets pour des genres élevés. Et au lieu d'un dirigeant idéal abstrait, un « philosophe sur le trône », caractéristique du classicisme européen, les écrivains russes ont reconnu un personnage historique très spécifique - Pierre Ier - comme un souverain exemplaire, un « ouvrier sur le trône ».
Le théoricien du classicisme russe Sumarokov, s'appuyant dans son « Épistole sur la poésie » (1748) sur « l'art poétique » de Boileau, introduit un certain nombre de nouvelles dispositions dans son traité théorique, rend hommage à la reconnaissance non seulement des maîtres du classicisme, mais aussi aux représentants d'autres mouvements. Ainsi, il élève au rang d'Hélicon, aux côtés de Malherbe et Racine, Camoes, Lope de Vega, Milton, Pope, le Shakespeare « non éclairé », ainsi que les écrivains contemporains - Détouches et Voltaire. Sumarokov parle de manière suffisamment détaillée du poème et de l'épistole héroïque-comique, non mentionnés par Boileau, explique en détail les caractéristiques de la fable « entrepôt » en utilisant l'exemple des fables de Boileau Lafontaine contournée, et s'attarde sur le genre de la chanson, que le théoricien français mentionne en passant. Tout cela témoigne non seulement des préférences esthétiques personnelles de Sumarokov, mais aussi des changements qui mûrissent dans le classicisme européen du XVIIIe siècle.
Ces changements sont principalement associés à l’intérêt croissant de la littérature sur vie intérieure personnalité individuelle, ce qui a finalement conduit à une restructuration significative des structures de genre du classicisme. Un exemple typique ici est le travail de G. Derzhavin. Restant « avant tout un classique » (V. Belinsky), Derzhavin introduit un fort élément personnel dans sa poésie, détruisant ainsi la loi de l'unité de style. Dans sa poésie apparaissent des formations complexes en termes de genre - ode-satire ("Felitsa", 1782), poèmes anacréontiques écrits sur une intrigue odique ("Poèmes pour la naissance d'un jeune porphyre dans le Nord", 1779 ), une élégie aux traits d'un message et d'une ode (« À la mort du prince Meshchersky », 1779), etc.
Cédant la place à de nouveaux courants littéraires, le classicisme ne laisse pas la littérature sans trace. Le tournant vers le sentimentalisme s'effectue dans le cadre des genres classiques « moyens » - élégie, message, idylle. Les poètes du début du XIXe siècle K. Batyushkov et N. Gnedich, tout en restant fondamentalement fidèles à l'idéal classique (en partie au canon du classicisme), ont chacun suivi leur propre chemin vers le romantisme. Batyushkov – de la « poésie légère » à l'élégie psychologique et historique, Gnedich – à la traduction de « l'Iliade » et aux genres associés à l'art populaire. Les formes strictes de la tragédie classique de Racine ont été choisies par P. Katenin pour son Andromaque (1809), bien qu'en tant que romantique il s'intéresse à l'esprit même de la culture antique. La haute tradition civique du classicisme s'est poursuivie dans les paroles épris de liberté des poètes radichtcheviens, des décembristes et de Pouchkine.
Les Propylées de l'architecte bavarois Leo von Klenze (1784-1864) sont basées sur le Parthénon d'Athènes. Il s'agit de la porte d'entrée de la place Königsplatz, conçue selon le modèle ancien. Königsplatz, Munich, Bavière.
Le classicisme commence sa chronologie au XVIe siècle pendant la Renaissance, revient partiellement au XVIIe siècle, se développe activement et gagne des positions dans l'architecture au XVIIIe et au début du XIXe siècle. Entre le classicisme ancien et tardif, les positions dominantes étaient occupées par les styles baroque et rococo. Le retour aux traditions anciennes, en tant que modèle idéal, s'est produit dans le contexte d'un changement dans la philosophie de la société, ainsi que dans les capacités techniques. Malgré le fait que l'émergence du classicisme est associée à des découvertes archéologiques faites en Italie et que les monuments de l'Antiquité se trouvaient principalement à Rome, les principaux processus politiques du XVIIIe siècle se sont déroulés principalement en France et en Angleterre. Ici, l'influence de la bourgeoisie s'est accrue, dont la base idéologique était la philosophie des Lumières, qui a conduit à la recherche d'un style reflétant les idéaux de la nouvelle classe. Les formes antiques et l'organisation de l'espace correspondaient aux idées de la bourgeoisie sur l'ordre et la structure correcte du monde, ce qui contribuait à l'émergence de traits du classicisme en architecture. Le mentor idéologique du nouveau style était Winckelmann, qui écrivait dans les années 1750 et 1760. ouvrages « Réflexions sur l’imitation de l’art grec » et « Histoire des arts de l’Antiquité ». Il y parlait de art grec, rempli de noble simplicité, de majesté calme, et sa vision formait la base de l'admiration pour la beauté ancienne. L'éclaireur européen Gotthold Ephraim Lessing (Lessing. 1729 -1781) a renforcé l'attitude envers le classicisme en écrivant l'ouvrage « Laocoon » (1766). Les éclaireurs du XVIIIe siècle, représentants de la pensée progressiste en France, sont revenus aux classiques, dans le sens d'une direction dirigée. contre l'art décadent de l'aristocratie, qu'ils considéraient comme baroque et rococo. Ils s’opposent également au classicisme académique qui règne à la Renaissance. Selon eux, l'architecture de l'ère du classicisme, fidèle à l'esprit de l'Antiquité, ne doit pas signifier une simple répétition de modèles anciens, mais être remplie de nouveaux contenus, reflétant l'air du temps. Ainsi, les traits du classicisme dans l'architecture des XVIIIe et XIXe siècles. consistait en l'utilisation d'anciens systèmes de formation en architecture, comme moyen d'exprimer la vision du monde de la nouvelle classe bourgeoise et, en même temps, de soutenir l'absolutisme de la monarchie. En conséquence, la France pendant la période napoléonienne était à l’avant-garde du développement de l’architecture classique. Puis - l'Allemagne et l'Angleterre, ainsi que la Russie. Rome est devenue l'un des principaux centres théoriques du classicisme.
Résidence des rois à Munich. Résidence Munich. L'architecte Leo von Klenze.
La philosophie de l'architecture de l'ère du classicisme était soutenue par des recherches archéologiques, des découvertes dans le domaine du développement et de la culture des civilisations anciennes. Les résultats des fouilles, présentés dans travaux scientifiques, albums d'images, ont jeté les bases d'un style dont les adeptes considéraient l'Antiquité comme le summum de la perfection, un modèle de beauté.
Caractéristiques du classicisme en architecture
Dans l'histoire de l'art, le terme « classique » désigne la culture des Grecs anciens des IVe-VIe siècles. AVANT JC. Dans un sens plus large, il est utilisé pour désigner l’art de la Grèce antique et de la Rome antique. Les traits du classicisme en architecture tirent leurs motifs des traditions de l'Antiquité, personnifiées par la façade d'un temple grec ou d'un édifice romain avec un portique, des colonnades, un fronton triangulaire, une division des murs avec des pilastres, des corniches - éléments du système d'ordre. Les façades sont décorées de guirlandes, d'urnes, de rosaces, de palmettes et méandres, de perles et d'ioniques. Les plans et façades sont symétriques par rapport à l'entrée principale. La coloration des façades est dominée par une palette claire, tandis que la couleur blanche sert à attirer l'attention sur les éléments architecturaux : colonnes, portiques, etc., qui soulignent la tectonique du bâtiment.
Palais Tauride. Saint-Pétersbourg. Architecte I. Starov. années 1780
Traits caractéristiques du classicisme en architecture : harmonie, ordre et simplicité des formes, volumes géométriquement corrects ; rythme; agencement équilibré, proportions claires et calmes ; l'utilisation d'éléments de l'ordre de l'architecture antique : portiques, colonnades, statues et reliefs à la surface des murs. Une caractéristique du classicisme dans l'architecture de différents pays était la combinaison de traditions anciennes et nationales.
L'Osterley Mansion de Londres est un parc de style classique. Il combine le système d'ordre traditionnel de l'Antiquité et des échos du gothique, que les Britanniques considéraient comme un style national. L'architecte Robert Adam. Début de la construction - 1761
L'architecture de l'ère du classicisme reposait sur des normes introduites dans un système strict, qui permettaient de construire selon les dessins et les descriptions d'architectes célèbres non seulement au centre, mais aussi en province, où les artisans locaux acquéraient des copies gravées. de dessins exemplaires créés par de grands maîtres et construits des maisons selon eux. Marina Kalaboukhova
1. Introduction.Le classicisme comme méthode artistique...................................2
2. Esthétique du classicisme.
2.1. Principes de base du classicisme................................…………….….......5
2.2. Image du monde, notion de personnalité dans l'art du classicisme......5
2.3. La nature esthétique du classicisme............................................................ ....... ........9
2.4. Le classicisme en peinture............................................................ .......................................15
2.5. Le classicisme en sculpture............................................................ ........ .......................16
2.6. Le classicisme en architecture............................................................ ...................... ....................18
2.7. Le classicisme en littérature............................................................ ...................... .......................20
2.8. Le classicisme en musique............................................................ .......................................................22
2.9. Le classicisme au théâtre.............................................................. ....................................................... ..22
2.10. L'originalité du classicisme russe.................................................. ....... ....22
3. Conclusion……………………………………...…………………………...26
Bibliographie..............................…….………………………………….28
Applications ........................................................................................................29
1. Le classicisme comme méthode artistique
Le classicisme est l’une des méthodes artistiques qui ont réellement existé dans l’histoire de l’art. Parfois, il est désigné par les termes « direction » et « style ». Classicisme (français) classicisme, de lat. classique- exemplaire) - style artistique et l'orientation esthétique de l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.
Le classicisme est basé sur les idées du rationalisme, qui se sont formées simultanément avec les mêmes idées dans la philosophie de Descartes. Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).
Le classicisme établit une hiérarchie stricte de genres, qui sont divisés en hauts (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable). Chaque genre a des caractéristiques strictement définies dont le mélange n'est pas autorisé.
Le concept de classicisme en tant que méthode créative présuppose dans son contenu une méthode historiquement déterminée de perception esthétique et de modélisation de la réalité dans des images artistiques : l'image du monde et le concept de personnalité, les plus courants pour la conscience esthétique de masse d'un historique donné. époque, s'incarnent dans des idées sur l'essence de l'art verbal, sa relation avec la réalité, ses propres lois internes.
Le classicisme naît et se forme dans certaines conditions historiques et culturelles. La croyance de recherche la plus répandue relie le classicisme aux conditions historiques de la transition de la fragmentation féodale à un État national-territorial unifié, dans la formation duquel le rôle centralisateur appartient à la monarchie absolue.
Le classicisme est une étape organique dans le développement de toute culture nationale, malgré le fait que différentes cultures nationales passent par l'étape classiciste à des moments différents, en raison de l'individualité de la version nationale de la formation d'un modèle social général d'un État centralisé.
Le cadre chronologique de l'existence du classicisme dans différentes cultures européennes est défini comme la seconde moitié du XVIIe - les trente premières années du XVIIIe siècle, malgré le fait que les premières tendances classicistes étaient perceptibles à la fin de la Renaissance, au tournant des XVIe-XVIIe siècles. Dans ces limites chronologiques, le classicisme français est considéré comme l'incarnation standard de la méthode. Étroitement liée à l'apogée de l'absolutisme français dans la seconde moitié du XVIIe siècle, elle a donné à la culture européenne non seulement de grands écrivains - Corneille, Racine, Molière, La Fontaine, Voltaire, mais aussi un grand théoricien de l'art classique - Nicolas Boileau-Dépreau . Étant lui-même un écrivain pratiquant devenu célèbre de son vivant grâce à ses satires, Boileau est devenu principalement célèbre pour la création du code esthétique du classicisme - le poème didactique « Art poétique » (1674), dans lequel il a donné un concept théorique cohérent de la littérature. créativité, issue de la pratique littéraire de ses contemporains. Ainsi, le classicisme en France est devenu l’incarnation la plus consciente de la méthode. D'où sa valeur de référence.
Les conditions historiques de l'émergence du classicisme relient les problèmes esthétiques de la méthode à l'ère d'aggravation des relations entre l'individu et la société dans le processus de formation d'un État autocratique, qui, remplaçant la permissivité sociale de la féodalité, cherche à réguler par la loi et délimitent clairement les sphères de la vie publique et privée ainsi que les relations entre l'individu et l'État. Cela détermine l’aspect significatif de l’art. Ses principes fondamentaux sont motivés par le système de vues philosophiques de l'époque. Ils forment une image du monde et un concept de personnalité, et ces catégories s'incarnent ensemble. techniques artistiques créativité littéraire.
Les concepts philosophiques les plus généraux présents dans tous les mouvements philosophiques de la seconde moitié du XVIIe - fin du XVIIIe siècle. et directement liés à l'esthétique et à la poétique du classicisme sont les concepts de « rationalisme » et de « métaphysique », pertinents pour les enseignements philosophiques idéalistes et matérialistes de cette époque. Le fondateur de la doctrine philosophique du rationalisme est le mathématicien et philosophe français René Descartes (1596-1650). La thèse fondamentale de sa doctrine : « Je pense, donc j'existe » - a été réalisée dans de nombreux mouvements philosophiques de l'époque, unis Nom commun«Cartésianisme» (de la version latine du nom Descartes - Cartesius), il s'agit essentiellement d'une thèse idéaliste, puisqu'elle fait dériver l'existence matérielle de l'idée. Cependant, le rationalisme, en tant qu'interprétation de la raison comme la capacité spirituelle première et la plus élevée de l'homme, est également caractéristique des mouvements philosophiques matérialistes de l'époque - comme, par exemple, le matérialisme métaphysique de l'école philosophique anglaise de Bacon-Locke, qui reconnaissait l'expérience comme source de connaissance, mais la plaçait au-dessous de l'activité généralisatrice et analytique de l'esprit, extrayant de la multitude de faits obtenus par l'expérience l'idée la plus élevée, un moyen de modéliser le cosmos - réalité suprême- du chaos d'objets matériels individuels.
Le concept de « métaphysique » s’applique également aux deux variétés de rationalisme – idéaliste et matérialiste. Génétiquement, il remonte à Aristote et, dans son enseignement philosophique, il désignait une branche de la connaissance qui explore les principes les plus élevés et immuables de toutes choses, inaccessibles aux sens et compris uniquement de manière rationnelle et spéculative. Descartes et Bacon ont utilisé le terme dans le sens aristotélicien. À l’époque moderne, le concept de « métaphysique » a acquis une signification supplémentaire et en est venu à désigner une manière de penser anti-dialectique qui perçoit les phénomènes et les objets sans leur relation et leur développement. Historiquement, cela caractérise très précisément les particularités de la pensée de l'ère analytique des XVIIe-XVIIIe siècles, la période de différenciation du savoir scientifique et de l'art, où chaque branche de la science, se démarquant du complexe syncrétique, acquiert son propre sujet distinct, mais en même temps il a perdu le lien avec d'autres branches du savoir.
2. Esthétique du classicisme
2.1. Principes de base du classicisme
1. Culte de la raison 2. Culte du devoir civique 3. Appel aux sujets médiévaux 4. Abstraction de la représentation de la vie quotidienne, de l'identité nationale historique 5. Imitation de modèles anciens 6. Harmonie compositionnelle, symétrie, unité d'une œuvre d'art 7. Les héros sont porteurs d'une caractéristique principale, donnée sans développement 8. L'antithèse comme technique principale de création d'une œuvre d'art
2.2. Image du monde, concept de personnalité
dans l'art du classicisme
L'image du monde générée par le type de conscience rationaliste divise clairement la réalité en deux niveaux : empirique et idéologique. Le monde empirique matériel externe, visible et tangible se compose de nombreux objets et phénomènes matériels distincts qui ne sont en aucun cas liés les uns aux autres - c'est un chaos d'entités privées individuelles. Cependant, au-dessus de cette multitude chaotique d'objets individuels, il y a leur hypostase idéale - un tout harmonieux et harmonieux, une idée universelle de l'univers, qui comprend l'image idéale de tout objet matériel dans sa forme la plus élevée, purifiée des particuliers, éternelle et immuable : telle qu'elle devrait être selon le plan originel du Créateur. Cette idée universelle ne peut être comprise de manière rationnelle et analytique qu'en purifiant progressivement un objet ou un phénomène de ses formes et de son apparence spécifiques et en pénétrant dans son essence et son but idéaux.
Et puisque la conception précède la création et que la pensée est une condition et une source indispensables à l'existence, cette réalité idéale a le caractère primaire le plus élevé. Il est facile de remarquer que les principaux modèles d'une telle image à deux niveaux de la réalité sont très facilement projetés sur le principal problème sociologique de la période de transition de la fragmentation féodale à l'État autocratique - le problème de la relation entre l'individu et l'État. . Le monde des gens est un monde d'êtres humains privés, chaotique et désordonné, l'État est une idée globale et harmonieuse qui crée à partir du chaos un ordre mondial idéal harmonieux et harmonieux. C'est cette image philosophique du monde des XVIIe-XVIIIe siècles. a déterminé des aspects substantiels de l'esthétique du classicisme comme le concept de personnalité et la typologie du conflit, universellement caractéristiques (avec les variations historiques et culturelles nécessaires) du classicisme dans toute littérature européenne.
Dans le domaine des relations humaines avec le monde extérieur, le classicisme voit deux types de connexions et de positions - les deux mêmes niveaux à partir desquels se forme l'image philosophique du monde. Le premier niveau est ce qu’on appelle « l’homme naturel », un être biologique qui se tient aux côtés de tous les objets du monde matériel. Il s'agit d'une entité privée, obsédée par des passions égoïstes, désordonnée et sans restriction dans son désir d'assurer son existence personnelle. À ce niveau des liens humains avec le monde, la catégorie principale qui détermine l'apparence spirituelle d'une personne est la passion - aveugle et effrénée dans son désir de réalisation au nom de la réalisation du bien individuel.
Le deuxième niveau du concept de personnalité est celui que l'on appelle la « personne sociale », harmonieusement incluse dans la société dans son image idéale la plus élevée, consciente que son bien fait partie intégrante du bien du général. Un « homme social » est guidé dans sa vision du monde et ses actions non par les passions, mais par la raison, puisque la raison est la plus haute capacité spirituelle d'une personne, lui donnant la possibilité d'une autodétermination positive dans les conditions de la communauté humaine, basée sur la normes éthiques d’une vie communautaire cohérente. Ainsi, le concept de personnalité humaine dans l'idéologie du classicisme s'avère complexe et contradictoire : une personne naturelle (passionnée) et sociale (raisonnable) est un seul et même personnage, déchiré par des contradictions internes et en situation de choix .
D'où le conflit typologique de l'art du classicisme, qui découle directement d'une telle conception de la personnalité. Il est bien évident que la source d'une situation de conflit est précisément le caractère d'une personne. Le personnage est l'une des catégories esthétiques centrales du classicisme, et son interprétation diffère considérablement du sens que la conscience moderne et la critique littéraire donnent au terme « personnage ». Dans la compréhension de l'esthétique du classicisme, le caractère est précisément l'hypostase idéale d'une personne - c'est-à-dire non pas la composition individuelle d'une personnalité humaine spécifique, mais une certaine vision universelle de la nature humaine et de la psychologie, intemporelle dans son essence. Ce n'est que sous cette forme d'attribut éternel, immuable et universel que le caractère pourrait être un objet de l'art classique, attribué sans ambiguïté au niveau idéal le plus élevé de la réalité.
Les principales composantes du caractère sont les passions : l'amour, l'hypocrisie, le courage, l'avarice, le sens du devoir, l'envie, le patriotisme, etc. C'est par la prédominance d'une passion que se détermine un caractère : « amoureux », « avare », « envieux », « patriote ». Toutes ces définitions sont précisément des « personnages » dans la compréhension de la conscience esthétique classique.
Cependant, ces passions sont inégales les unes aux autres, bien que selon les conceptions philosophiques des XVIIe-XVIIIe siècles. toutes les passions sont égales, puisqu'elles sont toutes issues de la nature humaine, elles sont toutes naturelles, et aucune passion à elle seule ne peut décider quelle passion est conforme à la dignité éthique d'une personne et laquelle ne l'est pas. Ces décisions sont prises uniquement par la raison. Malgré le fait que toutes les passions sont également des catégories de vie spirituelle émotionnelle, certaines d'entre elles (comme l'amour, l'avarice, l'envie, l'hypocrisie, etc.) sont de moins en plus difficiles à accepter les diktats de la raison et sont davantage associées au concept du bien égoïste. D'autres (courage, sens du devoir, honneur, patriotisme) sont davantage soumis à un contrôle rationnel et ne contredisent pas l'idée du bien commun, l'éthique des relations sociales.
Il s’avère donc que les passions rationnelles et déraisonnables, altruistes et égoïstes, personnelles et sociales, entrent en conflit. Et la raison est la plus haute capacité spirituelle d'une personne, un outil logique et analytique qui permet de contrôler les passions et de distinguer le bien du mal, la vérité du mensonge. Le type de conflit classique le plus courant est une situation de conflit entre une inclination personnelle (amour) et un sentiment de devoir envers la société et l'État, qui, pour une raison quelconque, exclut la possibilité de réaliser une passion amoureuse. Il est bien évident que, par nature, ce conflit est psychologique, même si une condition nécessaire à sa mise en œuvre est une situation dans laquelle les intérêts de l'homme et de la société se heurtent. Ces aspects idéologiques les plus importants de la pensée esthétique de l'époque ont trouvé leur expression dans le système d'idées sur les lois de la créativité artistique.
2.3. La nature esthétique du classicisme
Les principes esthétiques du classicisme ont subi des changements importants au cours de son existence. Un trait caractéristique de cette tendance est l’admiration pour l’Antiquité. L'art de la Grèce antique et de la Rome antique était considéré par les classiques comme un modèle idéal de créativité artistique. La « Poétique » d'Aristote et « L'Art de la poésie » d'Horace ont eu une énorme influence sur la formation des principes esthétiques du classicisme. Nous trouvons ici une tendance à créer des images sublimement héroïques, idéales, rationnellement claires et plastiquement complétées. En règle générale, dans l'art du classicisme, les idéaux politiques, moraux et esthétiques modernes s'incarnent dans des personnages, des conflits, des situations empruntés à l'arsenal histoire ancienne, la mythologie ou directement de l'art ancien.
L'esthétique du classicisme a guidé les poètes, les artistes et les compositeurs dans la création d'œuvres d'art caractérisées par la clarté, la logique, l'équilibre et l'harmonie stricts. Tout cela, selon les classiques, se reflétait pleinement dans la culture artistique ancienne. Pour eux, raison et antiquité sont synonymes. La nature rationaliste de l'esthétique du classicisme s'est manifestée dans la typification abstraite des images, la réglementation stricte des genres, des formes, dans l'interprétation du patrimoine artistique ancien, dans l'appel de l'art à l'esprit plutôt qu'aux sentiments, dans le désir de subordonner le processus créatif à des normes, règles et canons inébranlables (norme - du latin. norma – principe directeur, règle, modèle ; règle généralement acceptée, modèle de comportement ou d'action).
Tout comme les principes esthétiques de la Renaissance trouvèrent en Italie leur expression la plus typique, de même, dans France XVII V. – principes esthétiques du classicisme. Au 17ème siècle La culture artistique italienne a largement perdu son influence d'antan. Mais l’esprit novateur de l’art français apparaît clairement. A cette époque, un État absolutiste se forme en France, qui unit la société et centralise le pouvoir.
Le renforcement de l'absolutisme signifiait la victoire du principe de régulation universelle dans toutes les sphères de la vie, de l'économie à la vie spirituelle. La dette est le principal régulateur du comportement humain. L’État personnifie ce devoir et agit comme une sorte d’entité aliénée de l’individu. La soumission à l'État, l'accomplissement du devoir public sont la plus haute vertu d'un individu. L’homme n’est plus considéré comme libre, comme c’était le cas dans la vision du monde de la Renaissance, mais comme soumis à des normes et à des règles qui lui sont étrangères, limité par des forces échappant à son contrôle. La force régulatrice et limitante apparaît sous la forme de l’esprit impersonnel, auquel l’individu doit se soumettre et agir selon ses commandements et instructions.
La forte augmentation de la production a contribué au développement des sciences exactes : mathématiques, astronomie, physique, et cela, à son tour, a conduit à la victoire du rationalisme (du latin ratio - raison) - un courant philosophique qui reconnaît la raison comme base de la cognition et du comportement humain.
Les idées sur les lois de la créativité et la structure d'une œuvre d'art sont déterminées dans la même mesure par le type de vision du monde d'époque que l'image du monde et le concept de personnalité. La raison, en tant que capacité spirituelle la plus élevée de l’homme, est conçue non seulement comme un instrument de connaissance, mais aussi comme un organe de créativité et une source de plaisir esthétique. L’un des leitmotivs les plus marquants de « l’Art poétique » de Boileau est le caractère rationnel de l’activité esthétique :
Le classicisme français affirmait la personnalité de l'homme comme la valeur la plus élevée de l'existence, le libérant de l'influence religieuse et ecclésiale.
L'intérêt pour l'art de la Grèce antique et de Rome est apparu dès la Renaissance, qui, après des siècles du Moyen Âge, s'est tournée vers les formes, les motifs et les sujets de l'Antiquité. Le plus grand théoricien de la Renaissance, Léon Batista Alberti, au XVe siècle. exprime des idées qui préfigurent certains principes du classicisme et se manifestent pleinement dans la fresque de Raphaël « L’École d’Athènes » (1511).
La systématisation et la consolidation des réalisations des grands artistes de la Renaissance, notamment florentins dirigés par Raphaël et son élève Giulio Romano, formèrent le programme de l'école bolognaise de la fin du XVIe siècle, dont les représentants les plus typiques étaient les Carracci. frères. Dans leur influente Académie des Arts, les Bolonais prêchaient que le chemin vers les sommets de l'art passait par une étude scrupuleuse de l'héritage de Raphaël et de Michel-Ange, l'imitation de leur maîtrise de la ligne et de la composition.
À la suite d’Aristote, le classicisme considérait l’art comme une imitation de la nature :
Cependant, la nature n'était en aucun cas comprise comme une image visuelle du monde physique et moral, apparaissant aux sens, mais plutôt comme l'essence intelligible la plus élevée du monde et de l'homme : non pas un caractère spécifique, mais son idée, non un véritable historique. ou une intrigue moderne, mais une situation de conflit humain universelle, non pas un paysage donné, mais l'idée d'une combinaison harmonieuse de réalités naturelles dans une unité idéalement belle. Le classicisme a trouvé une unité si idéalement belle dans la littérature ancienne - c'est précisément cela qui était perçu par le classicisme comme le summum déjà atteint de l'activité esthétique, la norme éternelle et immuable de l'art, qui recréait dans ses modèles de genre cette nature idéale la plus élevée, physique et morale, que l'art doit imiter. Il se trouve que la thèse sur l'imitation de la nature s'est transformée en une prescription pour imiter l'art ancien, d'où vient le terme « classicisme » lui-même (du latin classicus - exemplaire, étudié en classe) :
Ainsi, la nature dans l'art classique apparaît moins reproduite que calquée sur un modèle élevé - « décorée » par l'activité analytique généralisatrice de l'esprit. Par analogie, on peut rappeler le parc dit « régulier » (c'est-à-dire « correct »), où les arbres sont taillés en forme de formes géométriques et plantés symétriquement, les allées ont la forme correcte, parsemées de galets multicolores. , et l'eau est enfermée dans des bassins et des fontaines en marbre. Ce style d'art du jardinage a atteint son apogée précisément à l'ère du classicisme. Du désir de présenter la nature comme « décorée » découle aussi la prédominance absolue dans la littérature du classicisme de la poésie sur la prose : si la prose est identique à la simple nature matérielle, alors la poésie, en tant que forme littéraire, est certainement une nature « décorée » idéale. »
Dans toutes ces idées sur l'art, à savoir en tant qu'activité spirituelle rationnelle, ordonnée, standardisée, le principe hiérarchique de la pensée des XVIIe-XVIIIe siècles a été réalisé. En elle-même, la littérature s'est également révélée divisée en deux séries hiérarchiques, basse et haute, dont chacune était thématiquement et stylistiquement associée à un niveau de réalité - matériel ou idéal. Les genres faibles comprenaient la satire, la comédie et la fable ; au plus haut - ode, tragédie, épopée. Dans les genres bas, la réalité matérielle quotidienne est représentée et une personne privée apparaît dans les liens sociaux (alors que, bien sûr, la personne et la réalité sont toujours les mêmes catégories conceptuelles idéales). DANS genres élevés l'homme est présenté comme un être spirituel et social, dans l'aspect existentiel de son existence, seul et aux côtés des éternels fondamentaux des questions de l'existence. Par conséquent, pour les genres hauts et bas, non seulement la différenciation thématique, mais aussi la différenciation de classe, en fonction de l’appartenance du personnage à l’une ou l’autre couche sociale, se sont révélées pertinentes. Le héros des genres bas est un bourgeois ; grand héros - un personnage historique, un héros mythologique ou un personnage fictif de haut rang - généralement un dirigeant.
Dans les genres bas, les personnages humains sont formés par de basses passions quotidiennes (avarice, hypocrisie, hypocrisie, envie, etc.) ; dans les genres élevés, les passions acquièrent un caractère spirituel (amour, ambition, vindicte, sens du devoir, patriotisme, etc.). Et si les passions quotidiennes sont clairement déraisonnables et vicieuses, alors les passions existentielles sont divisées en raisonnables - sociales et déraisonnables - personnelles, et le statut éthique du héros dépend de son choix. Il est sans ambiguïté positif s'il préfère une passion raisonnable, et sans ambiguïté négatif s'il en choisit une déraisonnable. Le classicisme n'autorisait pas les demi-teintes dans l'évaluation éthique - et cela reflétait également le caractère rationaliste de la méthode, qui excluait toute confusion entre le haut et le bas, le tragique et le comique.
Étant donné que la théorie des genres du classicisme a légitimé comme principaux les genres qui ont atteint le plus grand épanouissement dans la littérature ancienne et que la créativité littéraire a été considérée comme une imitation raisonnable de hauts modèles, le code esthétique du classicisme a acquis un caractère normatif. Cela signifie que le modèle de chaque genre a été établi une fois pour toutes dans un ensemble clair de règles, dont il était inacceptable de s'écarter, et que chaque texte spécifique a été évalué esthétiquement en fonction du degré de conformité à ce modèle de genre idéal.
La source des règles étaient des exemples anciens : l'épopée d'Homère et de Virgile, la tragédie d'Eschyle, Sophocle, Euripide et Sénèque, la comédie d'Aristophane, Ménandre, Térence et Plaute, l'ode de Pindare, la fable d'Ésope et Phèdre, la satire d'Horace et de Juvénal. Le cas le plus typique et le plus illustratif d’une telle régulation des genres est, bien entendu, les règles du genre classique phare, la tragédie, tirées à la fois des textes des tragédiens anciens et de la Poétique d’Aristote.
Pour la tragédie, une forme poétique a été canonisée (« vers alexandrin » - hexamètre iambique avec rime appariée), une structure obligatoire en cinq actes, trois unités - temps, lieu et action, un style élevé, une intrigue historique ou mythologique et un conflit, suggérant une situation obligatoire de choix entre passion raisonnable et déraisonnable, et le processus de choix lui-même était censé constituer l'action de la tragédie. C'est dans la section dramatique de l'esthétique du classicisme que le rationalisme, la hiérarchie et la normativité de la méthode s'expriment avec la plus grande complétude et la plus grande évidence :
Tout ce qui a été dit ci-dessus sur l'esthétique du classicisme et la poétique de la littérature classique en France s'applique également à presque toutes les variétés européennes de la méthode, puisque le classicisme français était historiquement l'incarnation la plus ancienne et esthétiquement la plus autoritaire de la méthode. Mais pour le classicisme russe, ces principes théoriques généraux ont trouvé une réfraction unique dans la pratique artistique, puisqu'ils étaient déterminés par les caractéristiques historiques et nationales de la formation de la nouvelle culture russe du XVIIIe siècle.
2.4. Le classicisme en peinture
Au début du XVIIe siècle, les jeunes étrangers affluaient à Rome pour se familiariser avec le patrimoine de l'Antiquité et de la Renaissance. La place la plus importante parmi eux était occupée par le Français Nicolas Poussin, dans ses peintures, principalement sur les thèmes de l'Antiquité et de la mythologie anciennes, qui ont fourni des exemples inégalés de composition géométriquement précise et de relations réfléchies entre les groupes de couleurs. Un autre Français, Claude Lorrain, dans ses paysages antiques des environs de la « ville éternelle », organisait les tableaux de la nature en les harmonisant avec la lumière du soleil couchant et en introduisant des scènes architecturales particulières.
Le normativisme froidement rationnel de Poussin a gagné l'approbation de la cour de Versailles et a été poursuivi par des artistes de la cour comme Le Brun, qui a vu dans la peinture classique le langage artistique idéal pour louer l'état absolutiste du « roi soleil ». Bien que les clients privés privilégient diverses variantes du baroque et du rococo, la monarchie française maintient le classicisme à flot en finançant des institutions académiques telles que l'École des Beaux-Arts. Le Prix de Rome a offert aux étudiants les plus talentueux la possibilité de visiter Rome et de se familiariser directement avec les grandes œuvres de l'Antiquité.
La découverte de la peinture ancienne « authentique » lors des fouilles de Pompéi, la déification de l'Antiquité par le critique d'art allemand Winckelmann et le culte de Raphaël, prêché par l'artiste Mengs, qui lui fut proche dans les vues, dans la seconde moitié du XIXe siècle. Le XVIIIe siècle a insufflé un nouveau souffle au classicisme (dans la littérature occidentale, cette étape est appelée néoclassicisme). Le plus grand représentant du « nouveau classicisme » était Jacques-Louis David ; son langage artistique extrêmement laconique et dramatique servit avec un égal succès à promouvoir les idéaux de la Révolution française (« La Mort de Marat ») et du Premier Empire (« La Dédicace de l’Empereur Napoléon Ier »).
Au XIXe siècle, la peinture classique entre dans une période de crise et devient un frein développement de l'art, et pas seulement en France, mais aussi dans d'autres pays. La ligne artistique de David a été poursuivie avec succès par Ingres, qui, tout en conservant le langage du classicisme dans ses œuvres, s'est souvent tourné vers des sujets romantiques à saveur orientale (« Bains turcs ») ; ses œuvres de portraits sont marquées par une subtile idéalisation du modèle. Des artistes d'autres pays (comme par exemple Karl Bryullov) ont également imprégné des œuvres de forme classique de l'esprit du romantisme ; cette combinaison s'appelait académisme. De nombreuses académies d’art lui servent de vivier. Au milieu du XIXe siècle, la jeune génération tournée vers le réalisme, représentée en France par le cercle Courbet et en Russie par les Itinérants, s'insurge contre le conservatisme de l'establishment académique.
2.5. Le classicisme en sculpture
L'impulsion pour le développement de la sculpture classique au milieu du XVIIIe siècle a été les écrits de Winckelmann et les fouilles archéologiques des villes anciennes, qui ont élargi les connaissances des contemporains sur la sculpture ancienne. En France, des sculpteurs comme Pigalle et Houdon oscillaient à la limite du baroque et du classicisme. Le classicisme atteint sa plus haute incarnation dans le domaine de l'art plastique dans les œuvres héroïques et idylliques d'Antonio Canova, qui s'inspire principalement des statues de l'époque hellénistique (Praxitèle). En Russie, Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky et Ivan Martos se sont tournés vers l'esthétique du classicisme.
Les monuments publics, qui se sont répandus à l'époque du classicisme, ont donné aux sculpteurs l'occasion d'idéaliser la valeur militaire et la sagesse des hommes d'État. La fidélité au modèle ancien obligeait les sculpteurs à représenter des modèles nus, ce qui était en contradiction avec les normes morales acceptées. Pour résoudre cette contradiction, les figures modernes ont été initialement représentées par les sculpteurs classiques comme des dieux antiques nus : Souvorov en Mars et Polina Borghèse en Vénus. Sous Napoléon, le problème a été résolu en passant à la représentation de personnages modernes en toges anciennes (il s'agit des figures de Koutouzov et Barclay de Tolly devant la cathédrale de Kazan).
Les clients privés de l’époque classique préféraient immortaliser leur nom sur des pierres tombales. La popularité de cette forme sculpturale a été facilitée par l'aménagement de cimetières publics dans les principales villes d'Europe. Conformément à l'idéal classique de la figure sur pierres tombales, en règle générale, sont dans un état de repos profond. La sculpture du classicisme est généralement étrangère aux mouvements brusques et aux manifestations extérieures d'émotions comme la colère.
Le classicisme de l'Empire tardif, représenté principalement par le prolifique sculpteur danois Thorvaldsen, est imprégné d'un pathétique aride. La pureté des lignes, la retenue des gestes et les expressions impartiales sont particulièrement appréciées. Dans le choix des modèles, l’accent se déplace de l’hellénisme vers la période archaïque. Les images religieuses deviennent à la mode et, selon l’interprétation de Thorvaldsen, produisent une impression quelque peu effrayante sur le spectateur. La sculpture sur pierre tombale du classicisme tardif porte souvent une légère touche de sentimentalité.
2.6. Le classicisme en architecture
La principale caractéristique de l'architecture du classicisme était l'appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité du tracé et la clarté des formes volumétriques. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système d'urbanisme régulier.
Le langage architectural du classicisme a été formulé à la fin de la Renaissance par le grand maître vénitien Palladio et son disciple Scamozzi. Les Vénitiens ont absolutisé les principes de l'architecture des temples antiques à tel point qu'ils les ont même appliqués à la construction d'hôtels particuliers tels que la Villa Capra. Inigo Jones a amené le palladianisme au nord de l'Angleterre, où les architectes palladiens locaux ont suivi les principes palladiens avec plus ou moins de fidélité jusqu'au milieu du XVIIIe siècle.
À cette époque, la satiété de la « crème fouettée » du baroque tardif et du rococo commençait à s’accumuler parmi les intellectuels de l’Europe continentale. Né des architectes romains Bernini et Borromini, le baroque s'est éclairci pour devenir le rococo, un style à prédominance de chambre mettant l'accent sur la décoration intérieure et les arts décoratifs. Cette esthétique était peu utile pour résoudre de grands problèmes d’urbanisme. Déjà sous Louis XV (1715-74), des ensembles urbains étaient construits à Paris dans le style « roman antique », comme la place de la Concorde (architecte Jacques-Ange Gabriel) et l'église Saint-Sulpice, et sous Louis XVI (1774-92), un « noble laconisme » similaire est déjà en train de devenir la principale direction architecturale.
Les intérieurs les plus importants du style classique ont été conçus par l'Écossais Robert Adam, qui est revenu de Rome dans son pays natal en 1758. Il fut très impressionné à la fois par les recherches archéologiques des scientifiques italiens et par les fantaisies architecturales de Piranèse. Selon l’interprétation d’Adam, le classicisme était un style à peine inférieur au rococo dans la sophistication de ses intérieurs, ce qui lui a valu une popularité non seulement parmi les cercles démocratiques de la société, mais aussi parmi l’aristocratie. Comme ses collègues français, Adam prêchait un rejet total des détails dépourvus de fonction constructive.
Le Français Jacques-Germain Soufflot, lors de la construction de l'église Sainte-Geneviève à Paris, a démontré la capacité du classicisme à organiser de vastes espaces urbains. La grandeur massive de ses créations préfigurait la mégalomanie du style Empire napoléonien et du classicisme tardif. En Russie, Bajenov va dans la même direction que Soufflot. Les Français Claude-Nicolas Ledoux et Etienne-Louis Boullé sont allés encore plus loin dans le développement d'un style visionnaire radical en mettant l'accent sur la géométrisation abstraite des formes. Dans la France révolutionnaire, le pathétique civique ascétique de leurs projets était peu demandé ; L'innovation de Ledoux n'a été pleinement appréciée que par les modernistes du XXe siècle.
Les architectes de la France napoléonienne se sont inspirés d'images majestueuses gloire militaire laissés par la Rome impériale, comme l'arc de triomphe de Septime Sévère et la colonne Trajane. Sur ordre de Napoléon, ces images furent transférées à Paris sous la forme de l'arc de triomphe du Carrousel et de la colonne Vendôme. En ce qui concerne les monuments de grandeur militaire de l'époque des guerres napoléoniennes, le terme « style impérial » est utilisé - style Empire. En Russie, Carl Rossi, Andrei Voronikhin et Andreyan Zakharov se sont révélés être des maîtres exceptionnels du style Empire. En Grande-Bretagne, le style empire correspond à ce qu'on appelle. « Style Régence » (le plus grand représentant est John Nash).
L’esthétique du classicisme a favorisé les projets d’urbanisme à grande échelle et a conduit à la rationalisation du développement urbain à l’échelle de villes entières. En Russie, presque toutes les villes de province et de nombreuses villes de district ont été replanifiées conformément aux principes du rationalisme classique. Des villes comme Saint-Pétersbourg, Helsinki, Varsovie, Dublin, Édimbourg et bien d'autres sont devenues de véritables musées en plein air du classicisme. Un langage architectural unique, remontant à Palladio, dominait tout l'espace, de Minusinsk à Philadelphie. Le développement ordinaire a été réalisé conformément aux albums de projets standards.
Dans la période qui suit les guerres napoléoniennes, le classicisme doit cohabiter avec un éclectisme teinté de romantisme, notamment avec le retour de l'intérêt pour le Moyen Âge et la mode du néo-gothique architectural. En lien avec les découvertes de Champollion, les motifs égyptiens gagnent en popularité. L'intérêt pour l'architecture romaine antique est remplacé par le respect pour tout ce qui est grec ancien (« néo-grec »), particulièrement prononcé en Allemagne et aux États-Unis. Les architectes allemands Leo von Klenze et Karl Friedrich Schinkel ont respectivement construit Munich et Berlin avec de grandioses musées et autres bâtiments publics dans l'esprit du Parthénon. En France, la pureté du classicisme se dilue avec de libres emprunts au répertoire architectural de la Renaissance et du baroque (voir Beaux Arts).
2.7. Le classicisme en littérature
Le fondateur de la poétique du classicisme est le Français François Malherbe (1555-1628), qui procéda à une réforme de la langue et du vers français et développa des canons poétiques. Les principaux représentants du classicisme dans le théâtre étaient les tragédiens Corneille et Racine (1639-1699), dont le principal sujet de créativité était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles. Les genres « bas » connaissent également un fort développement : fable (J. Lafontaine), satire (Boileau), comédie (Molière 1622-1673).
Boileau est devenu célèbre dans toute l'Europe comme le « législateur du Parnasse », le plus grand théoricien du classicisme, qui a exprimé ses vues dans le traité poétique « L'art poétique ». Sous son influence en Grande-Bretagne se trouvaient les poètes John Dryden et Alexander Pope, qui ont fait des alexandrins la principale forme de poésie anglaise. La prose anglaise de l'époque classique (Addison, Swift) se caractérise également par une syntaxe latinisée.
Le classicisme du XVIIIe siècle s'est développé sous l'influence des idées des Lumières. L'œuvre de Voltaire (1694-1778) est dirigée contre le fanatisme religieux, l'oppression absolutiste et est remplie du pathos de la liberté. Le but de la créativité est de changer le monde meilleur côté, construction conforme aux lois du classicisme de la société elle-même. Du point de vue du classicisme, l'Anglais Samuel Johnson a passé en revue la littérature contemporaine, autour de laquelle s'est formé un brillant cercle de personnes partageant les mêmes idées, dont l'essayiste Boswell, l'historien Gibbon et l'acteur Garrick. Pour œuvres dramatiques trois unités sont caractéristiques : unité de temps (l'action se déroule sur un jour), unité de lieu (en un seul lieu) et unité d'action (un scénario).
En Russie, le classicisme est né au XVIIIe siècle, après les réformes de Pierre Ier. Lomonossov a procédé à une réforme du vers russe et développé la théorie des « trois calmes », qui était essentiellement une adaptation des règles classiques françaises à la langue russe. Les images du classicisme sont dépourvues de caractéristiques individuelles, car elles sont conçues principalement pour capturer des caractéristiques génériques stables qui ne se transmettent pas dans le temps, agissant comme l'incarnation de forces sociales ou spirituelles.
Le classicisme en Russie s'est développé sous la grande influence des Lumières - les idées d'égalité et de justice ont toujours été au centre de l'attention des écrivains classiques russes. Par conséquent, dans le classicisme russe, les genres qui nécessitent une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur ont connu un grand développement : comédie (D. I. Fonvizin), satire (A. D. Kantemir), fable (A. P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), ode (Lomonossov, G. R. Derzhavin).
En lien avec l’appel proclamé de Rousseau au rapprochement avec la nature et au naturel, les phénomènes de crise se multiplient dans le classicisme à la fin du XVIIIe siècle ; L'absolutisation de la raison est remplacée par le culte des sentiments tendres : le sentimentalisme. Le passage du classicisme au préromantisme s'est reflété le plus clairement dans la littérature allemande de l'époque de Sturm et Drang, représentée par les noms de J. W. Goethe (1749-1832) et F. Schiller (1759-1805), qui, à la suite de Rousseau, considérait l'art comme la principale force de l'éducation.
2.8. Le classicisme en musique
Le concept de classicisme en musique est régulièrement associé aux œuvres de Haydn, Mozart et Beethoven, appelées Classiques viennois et déterminé l'orientation du développement ultérieur de la composition musicale.
Le concept de « musique du classicisme » ne doit pas être confondu avec le concept de « musique classique », qui a un sens plus général en tant que musique du passé qui a résisté à l'épreuve du temps.
La musique de l’ère classique glorifie les actions et les actes de l’homme, les émotions et les sentiments qu’il éprouve, ainsi que l’esprit humain attentif et holistique.
|
L'art théâtral du classicisme se caractérise par une structure solennelle et statique de représentations et une lecture mesurée de la poésie. Le XVIIIe siècle est souvent appelé « l’âge d’or » du théâtre. Le fondateur de la comédie classique européenne est le comédien, acteur et personnage de théâtre français, réformateur des arts du spectacle Molière (nom : Jean-Baptiste Poquelin) (1622-1673). Molière voyage longtemps avec une troupe de théâtre à travers la province, où il se familiarise avec la technologie scénique et les goûts du public. En 1658, il reçut du roi l'autorisation de jouer avec sa troupe au théâtre de la cour de Paris. S'appuyant sur les traditions du théâtre populaire et les réalisations du classicisme, il a créé le genre de la comédie sociale, dans lequel l'humour burlesque et plébéien se conjugue avec grâce et talent artistique. Surmontant le schématisme des comédies italiennes dell'arte (commedia dell'arte italienne - comédie de masques ; les principaux masques sont Arlequin, Pulcinella, le vieux marchand Pantalone, etc.), Molière a créé des images réalistes. Il a ridiculisé les préjugés de classe. des aristocrates, l'étroitesse d'esprit de la bourgeoisie, l'hypocrisie des nobles ("Le commerçant de la noblesse", 1670). Avec une intransigeance particulière, Molière dénonce l'hypocrisie, se cachant derrière la piété et la vertu ostentatoire : « Tartuffe ou le Trompeur » (1664), « Don Juan » (1665), « Le Misanthrope » (1666). L'héritage artistique de Molière a eu une profonde influence sur le développement du drame et du théâtre mondial. L'incarnation la plus mature de la comédie des mœurs est reconnue comme " Barbier de Séville" (1775) et " Les Noces de Figaro " (1784) du grand dramaturge français Pierre Augustin Beaumarchais (1732-1799). Ils mettent en scène le conflit entre le tiers état et la noblesse. Les opéras de V.A. ont été écrits sur la base des intrigues des pièces de théâtre. Mozart (1786) et G. Rossini (1816). |
2.10. L'originalité du classicisme russe
Le classicisme russe est né dans des conditions historiques similaires - sa condition préalable était le renforcement de l'État autocratique et de l'autodétermination nationale de la Russie à partir de l'époque de Pierre Ier. L'européanisme de l'idéologie des réformes de Pierre visait à ce que la culture russe maîtrise les réalisations des cultures européennes. Mais en même temps, le classicisme russe est apparu presque un siècle plus tard que le français : au milieu du XVIIIe siècle, alors que le classicisme russe commençait tout juste à se renforcer, il avait atteint en France la deuxième étape de son existence. Le soi-disant « classicisme des Lumières » - une combinaison de principes créatifs classiques avec l'idéologie pré-révolutionnaire des Lumières - dans la littérature française a prospéré dans l'œuvre de Voltaire et a acquis un pathétique anticlérical et socialement critique : plusieurs décennies avant le Grand Révolution française, l’époque de l’apologie de l’absolutisme était déjà une histoire lointaine. Le classicisme russe, en raison de son lien étroit avec la réforme culturelle laïque, s'est d'abord fixé des tâches éducatives, essayant d'éduquer ses lecteurs et d'instruire les monarques sur la voie du bien public, et d'autre part, a acquis le statut de direction dominante de la littérature russe vers cette époque où Pierre Ier n'était plus en vie et où le sort de ses réformes culturelles était compromis dans la seconde moitié des années 1720-1730.
Par conséquent, le classicisme russe commence « non pas par le fruit du printemps - l'ode, mais par le fruit de l'automne - la satire », et le pathétique social-critique lui est inhérent dès le début.
Le classicisme russe reflétait également un type de conflit complètement différent de celui du classicisme d’Europe occidentale. Si dans le classicisme français le principe socio-politique n'est que le terrain sur lequel se développe le conflit psychologique des passions rationnelles et déraisonnables et où s'effectue le processus de choix libre et conscient entre leurs diktats, alors en Russie, avec sa conciliarité traditionnellement antidémocratique et le pouvoir absolu de la société sur l'individu, la situation était complètement différente. Pour Mentalité russe, qui commençait tout juste à comprendre l'idéologie du personnalisme, le besoin d'humilité de l'individu devant la société, l'individu devant le pouvoir n'était pas du tout une tragédie comme pour la vision du monde occidentale. Le choix, pertinent pour la conscience européenne en tant que possibilité de préférer une chose, s'est avéré imaginaire dans les conditions russes, son issue était prédéterminée en faveur de la société. Par conséquent, la situation de choix elle-même dans le classicisme russe a perdu sa fonction génératrice de conflits et a été remplacée par une autre.
Le problème central de la vie russe au XVIIIe siècle. Il y avait un problème de pouvoir et de succession : pas un seul empereur russe après la mort de Pierre Ier et avant l'avènement de Paul Ier en 1796 n'est arrivé au pouvoir par des moyens légaux. XVIIIe siècle - c'est une époque d'intrigues et de coups d'État de palais, qui ont trop souvent conduit à un pouvoir absolu et incontrôlé de personnes qui ne correspondaient pas du tout non seulement à l'idéal d'un monarque éclairé, mais aussi aux idées sur le rôle du monarque dans le État. Par conséquent, la littérature classique russe a immédiatement pris une direction politico-didactique et a reflété précisément ce problème comme le principal dilemme tragique de l'époque - l'incohérence du dirigeant avec les devoirs de l'autocrate, le conflit de l'expérience du pouvoir en tant que passion personnelle égoïste. avec l’idée d’un pouvoir exercé au profit de ses sujets.
Ainsi, le conflit classique russe, ayant conservé la situation de choix entre passion raisonnable et déraisonnable en tant que modèle d'intrigue externe, s'est entièrement réalisé comme étant de nature socio-politique. Héros positif Le classicisme russe n’abaisse pas sa passion individuelle au nom du bien commun, mais insiste sur ses droits naturels, défendant son personnalisme contre les attaques tyranniques. Et le plus important est que cette spécificité nationale de la méthode a été bien comprise par les écrivains eux-mêmes : si les intrigues des tragédies classiques françaises sont tirées principalement de la mythologie et de l'histoire anciennes, alors Sumarokov a écrit ses tragédies à partir d'intrigues de chroniques russes et même sur des parcelles d'une histoire russe pas si lointaine.
Enfin, une autre caractéristique spécifique du classicisme russe était qu’il ne s’appuyait pas sur une tradition de littérature nationale aussi riche et continue que n’importe quelle autre variété de méthode nationale européenne. Ce que toute littérature européenne possédait au moment de l'émergence de la théorie du classicisme - à savoir une langue littéraire avec un système stylistique ordonné, des principes de versification, un système défini de genres littéraires - tout cela devait être créé en russe. Par conséquent, dans le classicisme russe, la théorie littéraire était en avance sur la pratique littéraire. Les actes normatifs du classicisme russe - réforme de la versification, réforme du style et régulation du système des genres - ont été menés entre le milieu des années 1730 et la fin des années 1740. - c'est-à-dire principalement avant qu'un processus littéraire à part entière conforme à l'esthétique classique ne se soit déployé en Russie.
3. Conclusion
Pour les prémisses idéologiques du classicisme, il est essentiel que le désir de liberté de l’individu soit ici considéré comme aussi légitime que le besoin de la société d’encadrer cette liberté par des lois.
Le principe personnel continue de conserver cette signification sociale immédiate, cette valeur indépendante dont la Renaissance l'a d'abord doté. Cependant, en revanche, ce principe appartient désormais à l'individu, tout comme le rôle que la société reçoit désormais en tant qu'organisation sociale. Et cela implique que toute tentative d'un individu de défendre sa liberté malgré la société le menace de perdre la plénitude des liens de vie et de transformer la liberté en une subjectivité vide de tout support.
La catégorie de mesure est une catégorie fondamentale dans la poétique du classicisme. Son contenu est inhabituellement multiforme, a une nature à la fois spirituelle et plastique, est en contact, mais ne coïncide pas avec, un autre concept typique du classicisme - le concept de norme - et est étroitement lié à tous les aspects de l'idéal affirmé ici.
La raison classique, en tant que source et garante de l'équilibre de la nature et de la vie des hommes, porte le sceau de la foi poétique dans l'harmonie originelle de toutes choses, de la confiance dans le cours naturel des choses, de la confiance en la présence d'une correspondance globale. entre le mouvement du monde et la formation de la société, dans le caractère humaniste et humain de cette communication.
Je suis proche de la période du classicisme, de ses principes, de la poésie, de l'art, de la créativité en général. Les conclusions que le classicisme tire sur les gens, la société et le monde me semblent les seules vraies et rationnelles. Mesurer, comme ligne médiane entre les contraires, l'ordre des choses, des systèmes, et non le chaos ; une relation forte entre l'homme et la société contre leur rupture et leur inimitié, leur génie excessif et leur égoïsme ; l'harmonie contre les extrêmes - j'y vois les principes idéaux de l'existence, dont les fondements se reflètent dans les canons du classicisme.
Liste des sources
Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même.
Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).
| Couleurs prédominantes et à la mode | Couleurs riches ; vert, rose, violet avec accent doré, bleu ciel |
| Lignes de style classicisme | Lignes verticales et horizontales répétitives strictes ; bas-relief dans un médaillon rond ; dessin généralisé fluide; symétrie |
| Formulaire | Clarté et formes géométriques ; statues sur le toit, rotonde ; pour le style Empire - formes monumentales pompeuses et expressives |
| Éléments intérieurs caractéristiques | Décor discret ; colonnes rondes et nervurées, pilastres, statues, ornements antiques, voûte à caissons ; pour le style Empire, décor militaire (emblèmes) ; symboles de pouvoir |
| Constructions | Massif, stable, monumental, rectangulaire, voûté |
| Fenêtre | Rectangulaire, allongé vers le haut, avec un design modeste |
| Portes de style classique | Rectangulaire, à panneaux ; avec un portail pignon massif sur colonnes rondes et nervurées ; avec des lions, des sphinx et des statues |
Orientations du classicisme en architecture : palladianisme, style Empire, néo-grec, « style Régence ».
La principale caractéristique de l'architecture du classicisme était l'appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité du tracé et la clarté des formes volumétriques. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système d'urbanisme régulier.
L'émergence du style classicisme
En 1755, Johann Joachim Winckelmann écrivait à Dresde : « La seule façon pour nous de devenir grands, et si possible inimitables, est d'imiter les anciens. » Cet appel à renouveler l'art moderne, en tirant parti de la beauté de l'Antiquité, perçue comme un idéal, a trouvé un soutien actif dans la société européenne. Le public progressiste voyait dans le classicisme un contraste nécessaire avec le baroque de cour. Mais les seigneurs féodaux éclairés ne rejetaient pas l'imitation des formes anciennes. L’ère du classicisme a coïncidé avec l’ère des révolutions bourgeoises – celle anglaise en 1688, celle française 101 ans plus tard.
Le langage architectural du classicisme a été formulé à la fin de la Renaissance par le grand maître vénitien Palladio et son disciple Scamozzi.
Les Vénitiens ont absolutisé les principes de l'architecture des temples antiques à tel point qu'ils les ont même appliqués à la construction d'hôtels particuliers tels que la Villa Capra. Inigo Jones a amené le palladianisme au nord de l'Angleterre, où les architectes palladiens locaux ont suivi les principes palladiens avec plus ou moins de fidélité jusqu'au milieu du XVIIIe siècle.
Caractéristiques historiques du style classicisme
À cette époque, la satiété de la « crème fouettée » du baroque tardif et du rococo commençait à s’accumuler parmi les intellectuels de l’Europe continentale.
Né des architectes romains Bernini et Borromini, le baroque s'est éclairci pour devenir le rococo, un style à prédominance de chambre mettant l'accent sur la décoration intérieure et les arts décoratifs. Cette esthétique était peu utile pour résoudre de grands problèmes d’urbanisme. Déjà sous Louis XV (1715-74), des ensembles urbanistiques furent construits à Paris dans le style « roman antique », comme la place de la Concorde (architecte Jacques-Ange Gabriel) et l'église Saint-Sulpice, et sous Louis XVI (1774-92), un «noble laconisme» similaire est déjà en train de devenir la principale direction architecturale.
Des formes rococo, initialement marquées par l'influence romaine, après l'achèvement de la porte de Brandebourg à Berlin en 1791, un virage brutal s'est opéré vers les formes grecques. Après les guerres de libération contre Napoléon, cet « hellénisme » trouva ses maîtres en K.F. Schinkel et L. von Klenze. Façades, colonnes et frontons triangulaires deviennent l'alphabet architectural.
Le désir de se transformer en construction moderne la noble simplicité et la grandeur calme de l'art ancien ont conduit au désir de copier complètement l'ancien bâtiment. Ce que F. Gilly a laissé comme projet de monument à Frédéric II, sur ordre de Louis Ier de Bavière, fut réalisé sur les pentes du Danube à Ratisbonne et reçut le nom de Walhalla (Walhalla « Chambre des Morts »).
Les intérieurs les plus importants du style classique ont été conçus par l'Écossais Robert Adam, qui est revenu de Rome dans son pays natal en 1758. Il fut très impressionné à la fois par les recherches archéologiques des scientifiques italiens et par les fantaisies architecturales de Piranèse. Selon l’interprétation d’Adam, le classicisme était un style à peine inférieur au rococo dans la sophistication de ses intérieurs, ce qui lui a valu une popularité non seulement parmi les cercles démocratiques de la société, mais aussi parmi l’aristocratie. Comme ses collègues français, Adam prêchait un rejet total des détails dépourvus de fonction constructive.
Le Français Jacques-Germain Soufflot, lors de la construction de l'église Sainte-Geneviève à Paris, a démontré la capacité du classicisme à organiser de vastes espaces urbains. La grandeur massive de ses créations préfigurait la mégalomanie du style Empire napoléonien et du classicisme tardif. En Russie, Bajenov va dans la même direction que Soufflot. Les Français Claude-Nicolas Ledoux et Etienne-Louis Boullé sont allés encore plus loin dans le développement d'un style visionnaire radical en mettant l'accent sur la géométrisation abstraite des formes. Dans la France révolutionnaire, le pathétique civique ascétique de leurs projets était peu demandé ; L'innovation de Ledoux n'a été pleinement appréciée que par les modernistes du XXe siècle.
Architectes France napoléonienne s'est inspiré des images majestueuses de la gloire militaire laissées par la Rome impériale, comme l'arc de triomphe de Septime Sévère et la colonne Trajane. Sur ordre de Napoléon, ces images furent transférées à Paris sous la forme de l'arc de triomphe du Carrousel et de la colonne Vendôme. En ce qui concerne les monuments de grandeur militaire de l'époque des guerres napoléoniennes, le terme « style impérial » est utilisé - Empire. En Russie, Carl Rossi, Andrei Voronikhin et Andreyan Zakharov se sont révélés être des maîtres exceptionnels du style Empire.
En Grande-Bretagne, le style empire correspond à ce qu'on appelle. « Style Régence » (le plus grand représentant est John Nash).
L’esthétique du classicisme a favorisé les projets d’urbanisme à grande échelle et a conduit à la rationalisation du développement urbain à l’échelle de villes entières.
En Russie, presque toutes les villes de province et de nombreuses villes de district ont été replanifiées conformément aux principes du rationalisme classique. Des villes comme Saint-Pétersbourg, Helsinki, Varsovie, Dublin, Édimbourg et bien d'autres sont devenues de véritables musées en plein air du classicisme. Un langage architectural unique, remontant à Palladio, dominait tout l'espace, de Minusinsk à Philadelphie. Le développement ordinaire a été réalisé conformément aux albums de projets standards.
Dans la période qui suit les guerres napoléoniennes, le classicisme doit cohabiter avec un éclectisme teinté de romantisme, notamment avec le retour de l'intérêt pour le Moyen Âge et la mode du néo-gothique architectural. En lien avec les découvertes de Champollion, les motifs égyptiens gagnent en popularité. L'intérêt pour l'architecture romaine antique est remplacé par le respect pour tout ce qui est grec ancien (« néo-grec »), particulièrement prononcé en Allemagne et aux États-Unis. Les architectes allemands Leo von Klenze et Karl Friedrich Schinkel ont respectivement construit Munich et Berlin avec de grandioses musées et autres bâtiments publics dans l'esprit du Parthénon.
En France, la pureté du classicisme se dilue avec de libres emprunts au répertoire architectural de la Renaissance et du baroque (voir Beaux-Arts).
Les palais et résidences princières sont devenus des centres de construction de style classique ; la Marktplatz (place du marché) à Karlsruhe, la Maximilianstadt et la Ludwigstrasse à Munich, ainsi que la construction à Darmstadt, sont devenues particulièrement célèbres. Les rois prussiens de Berlin et de Potsdam construisirent principalement dans le style classique.
Mais les palais n'étaient plus l'objet principal de la construction. On ne pouvait plus en distinguer les villas et les bastides. La portée de la construction de l'État comprenait les bâtiments publics - théâtres, musées, universités et bibliothèques. A ceux-ci s'ajoutèrent des bâtiments à vocation sociale : hôpitaux, foyers pour aveugles et sourds-muets, ainsi que prisons et casernes. Le tableau était complété par les domaines ruraux de l'aristocratie et de la bourgeoisie, les mairies et les immeubles résidentiels des villes et des villages.
La construction d'églises ne jouait plus un rôle primordial, mais des bâtiments remarquables furent créés à Karlsruhe, Darmstadt et Potsdam, même s'il y eut un débat sur la question de savoir si les formes architecturales païennes étaient adaptées à un monastère chrétien.
Caractéristiques de construction du style classicisme
Après l’effondrement des grands styles historiques qui avaient traversé les siècles, au XIXème siècle. Il y a une nette accélération du processus de développement de l’architecture. Cela devient particulièrement évident si l’on compare le siècle dernier avec l’ensemble du développement millénaire précédent. Si l’architecture du haut Moyen Âge et le gothique ont duré environ cinq siècles, la Renaissance et le baroque ne couvraient ensemble que la moitié de cette période, alors le classicisme a mis moins d’un siècle pour conquérir l’Europe et pénétrer outre-mer.
Caractéristiques caractéristiques du style classicisme
Avec un changement de point de vue sur l'architecture, avec le développement de la technologie de la construction et l'émergence de nouveaux types de structures au XIXe siècle. Il y a eu également un changement significatif au centre du développement mondial de l’architecture. Au premier plan se trouvent les pays qui n’ont pas connu le stade le plus élevé du développement baroque. Le classicisme atteint son apogée en France, en Allemagne, en Angleterre et en Russie.
Le classicisme était une expression du rationalisme philosophique. Le concept de classicisme était l'utilisation d'anciens systèmes de formation de formes en architecture, qui étaient cependant remplis de nouveaux contenus. L’esthétique des formes anciennes simples et un ordre strict contrastaient avec le caractère aléatoire et le laxisme des manifestations architecturales et artistiques de la vision du monde.
Le classicisme a stimulé la recherche archéologique, qui a conduit à des découvertes sur des civilisations anciennes avancées. Les résultats des expéditions archéologiques, résumés dans des recherches scientifiques approfondies, ont jeté les bases théoriques du mouvement, dont les participants considéraient la culture antique comme le summum de la perfection dans l'art de la construction, un exemple de beauté absolue et éternelle. La vulgarisation des formes anciennes a été facilitée par de nombreux albums contenant des images de monuments architecturaux.
Types de bâtiments de style classicisme
Le caractère de l'architecture restait dans la plupart des cas dépendant de la tectonique du mur porteur et de la voûte, qui devenait plus plate. Le portique devient un élément plastique important, tandis que les murs extérieurs et intérieurs sont divisés par de petits pilastres et corniches. Dans la composition de l’ensemble et des détails, des volumes et des plans, la symétrie prévaut.
La palette de couleurs est caractérisée par des tons pastel clairs. couleur blanche, en règle générale, sert à identifier les éléments architecturaux qui sont un symbole de la tectonique active. L'intérieur devient plus léger, plus sobre, le mobilier est simple et léger, tandis que les designers utilisent des motifs égyptiens, grecs ou romains.
Les concepts d'urbanisme les plus significatifs et leur mise en œuvre dans la nature à la fin du XVIIIe et dans la première moitié du XIXe siècle sont associés au classicisme. Durant cette période, de nouvelles villes, parcs et centres de villégiature ont été fondés.
Classicisme est devenu le premier mouvement littéraire à part entière, et son influence n'a pratiquement pas affecté la prose : toutes les théories du classicisme étaient en partie consacrées à la poésie, mais principalement au théâtre. Cette tendance est apparue en France au XVIe siècle et a prospéré environ un siècle plus tard.
L'histoire du classicisme
L'émergence du classicisme est due à l'ère de l'absolutisme en Europe, où l'homme était considéré comme un simple serviteur de son État. L'idée principale du classicisme est la fonction publique ; le concept clé du classicisme est le concept de devoir. En conséquence, le conflit clé de toutes les œuvres classiques est le conflit de la passion et de la raison, des sentiments et du devoir : les héros négatifs vivent en obéissant à leurs émotions, et les positifs ne vivent que par la raison et s'avèrent donc toujours gagnants. Ce triomphe de la raison est dû à la théorie philosophique du rationalisme proposée par René Descartes : je pense, donc j'existe. Il écrit que non seulement l’homme est raisonnable, mais aussi tous les êtres vivants en général : la raison nous a été donnée par Dieu.
Caractéristiques du classicisme dans la littérature
Les fondateurs du classicisme ont soigneusement étudié l'histoire de la littérature mondiale et ont décidé eux-mêmes que le processus littéraire était organisé de la manière la plus intelligente dans la Grèce antique. Ce sont les règles anciennes qu’ils décidèrent d’imiter. Il a notamment été emprunté au théâtre antique règle de trois unités : unité de temps (plus d'un jour ne peut pas s'écouler du début à la fin de la pièce), unité de lieu (tout se passe au même endroit) et unité d'action (il ne doit y avoir qu'un seul scénario).
Une autre technique empruntée à la tradition ancienne était l'utilisation héros masqués- des rôles stables qui passent de jeu en jeu. Dans les comédies classiques typiques, on parle toujours de donner une fille, donc les masques sont les suivants : la maîtresse (la mariée elle-même), la soubrette (son amie de chambre, confidente), un père stupide, au moins trois prétendants (l'un d'eux est nécessairement positif, c'est-à-dire héros-amant) et héros-raisonneur (le personnage positif principal apparaît généralement à la fin). À la fin de la comédie, une sorte d'intrigue est nécessaire, à la suite de laquelle la jeune fille épousera un marié positif.
Composition d'une comédie du classicisme ça doit être très clair doit contenir cinq actes: exposition, intrigue, développement de l'intrigue, point culminant et résolution.
Il y a eu une réception fin inattendue(ou deus ex machina) - l'apparition d'un dieu de la machine qui remet tout à sa place. Dans la tradition russe, ces héros se révélaient souvent être l’État. Également utilisé prendre une catharsis- la purification par la compassion, quand, sympathisant avec des personnages négatifs qui se trouvaient dans une situation difficile, le lecteur devait se purifier spirituellement.
Le classicisme dans la littérature russe
Les principes du classicisme ont été introduits en Russie par A.P. Sumarokov. En 1747, il publie deux traités - Epistola sur la poésie et Epistola sur la langue russe, dans lesquels il expose ses vues sur la poésie. En fait, ces épîtres ont été traduites du français, préphrasant pour la Russie le traité d'art poétique de Nicolas Boileau. Sumarokov prédétermine que Thème principal Le classicisme russe deviendra un thème social dédié à l’interaction des personnes avec la société.
Plus tard, un cercle d'aspirants dramaturges est apparu, dirigé par I. Elagin et le théoricien du théâtre V. Lukin, qui ont proposé une nouvelle idée littéraire - la soi-disant. théorie de la déclinaison. Sa signification est qu'il suffit de traduire clairement une comédie occidentale en russe, en y remplaçant tous les noms. De nombreuses pièces similaires sont apparues, mais en général, l'idée n'a pas été très mise en œuvre. La signification principale du cercle d’Elagin était que c’est là que le talent dramatique de D.I. s’est manifesté pour la première fois. Fonvizin, qui a écrit la comédie