Littérature étrangère des XVIIe et XVIIIe siècles. Littérature étrangère du XVIIe siècle. Caractéristiques générales du classicisme

Littérature du XVIIe siècle

Depuis le XVIIe siècle, il est d'usage de compter les Temps Nouveaux dans l'histoire de la civilisation humaine. Occupant une position frontière entre la Renaissance (XIVe-XVIe siècles) et le Siècle des Lumières (XVIIIe siècles), le XVIIe siècle a beaucoup emprunté à la Renaissance et a beaucoup laissé derrière lui.

Les principaux mouvements littéraires du XVIIe siècle sont le baroque et le classicisme.

Le baroque joue un rôle important dans la littérature du XVIIe siècle. Les signes d'un nouveau style ont commencé à apparaître à la fin du XVIe siècle, mais c'est le XVIIe siècle qui constitue son apogée. Le baroque est une réponse à l'instabilité sociale, politique et économique, à la crise idéologique, à la tension psychologique de l'ère frontalière, c'est un désir de repenser de manière créative l'issue tragique du programme humaniste de la Renaissance, c'est une recherche d'une issue à un état de crise spirituelle.

Le contenu tragiquement sublime a également déterminé les principales caractéristiques du baroque en tant que méthode artistique. Les œuvres baroques se caractérisent par la théâtralité, l'illusion (ce n'est pas un hasard si le drame de P. Calderon s'appelle « La vie est un rêve »), l'antinomie (le choc des principes personnels et du devoir public), le contraste de la nature sensuelle et spirituelle de l'homme. , l'opposition du fantastique et du réel, de l'exotique et de l'ordinaire, du tragique et du comique. Le baroque regorge de métaphores, d'allégories et de symbolisme complexes ; il se distingue par l'expressivité des mots, l'exaltation des sentiments, l'ambiguïté sémantique et un mélange de motifs de la mythologie antique avec le symbolisme chrétien. Les poètes baroques ont payé grande attention forme graphique du vers, ils créèrent des poèmes « figurés », dont les vers formaient l'image d'un cœur, d'une étoile, etc.

Une telle œuvre pouvait non seulement être lue, mais aussi considérée comme une œuvre de peinture. Les écrivains ont proclamé l'originalité de l'œuvre comme son avantage le plus important, ainsi que ses caractéristiques nécessaires - la difficulté de perception et la possibilité d'interprétations différentes. Le philosophe espagnol Gracian a écrit : « Plus la vérité est difficile à connaître, plus il est agréable de la comprendre. » Artistes de mots valorisant l'esprit et les jugements paradoxaux : « Au nom de la vie, ne vous précipitez pas pour naître. / Pressé de naître, pressé de mourir » (Gongora).

Les écrivains baroques les plus célèbres furent : en Espagne Luis de Gongora (1561-1627), Pedro Calderon (1600-1681), en Italie Torquato Tasso (1544-1595), Giambattista Marino (1569-1625), en Allemagne Hans Jakob von Grimmelshausen. ( vers 1621-1676), en Biélorussie et en Russie Siméon de Polotsk (1629-1680). Les chercheurs notent l'influence du style baroque sur le travail des écrivains anglais W. Shakespeare et J. Milton.

Le deuxième mouvement littéraire qui s'est répandu au XVIIe siècle est le classicisme. Sa patrie était l'Italie (XVIe siècle). Ici, le classicisme est né avec la renaissance du théâtre antique et a été initialement considéré comme une opposition directe au drame médiéval. Les humanistes de la Renaissance ont décidé de manière spéculative, sans tenir compte du caractère unique des époques historiques et des peuples spécifiques, de faire revivre la tragédie d'Euripide et de Sénèque, la comédie de Plaute et de Térence. Ils furent les premiers théoriciens du classicisme. Ainsi, le classicisme a d'abord agi comme une théorie et une pratique d'imitation de l'art ancien : rigueur rationaliste et logique de l'action scénique, abstraction de l'image artistique, pathétique de la parole, poses et gestes majestueux, vers sans rimes de onze syllabes. Tels sont les traits de la tragédie de Trissino (1478-1550) « Sophonisbe », écrite sur le modèle des tragédies de Sophocle et d'Euripide et qui ouvrit l'ère du classicisme européen.

Des exemples d'art classique ont été créés au XVIIe siècle en France. C’est là que sa théorie s’est cristallisée.

La base philosophique de la méthode classique était l'enseignement rationaliste de Descartes. Le philosophe croyait que la seule source de vérité était la raison. Prenant cette affirmation comme première, les classiques ont créé un système strict de règles qui harmonisaient l'art avec les exigences de la nécessité raisonnable au nom du respect des lois artistiques de l'Antiquité. Le rationalisme est devenu la qualité dominante de l'art classique.

L'orientation de la théorie classique vers l'Antiquité était principalement associée à l'idée de​​l'éternité et de l'absolu de l'idéal de beauté. Cet enseignement a confirmé le besoin d'imitation : si à un moment donné des exemples idéaux de beauté sont créés, alors la tâche des écrivains des époques ultérieures est de s'en rapprocher le plus possible. D’où le système strict de règles dont le respect obligatoire était considéré comme une garantie de la perfection d’une œuvre d’art et un indicateur de l’habileté de l’écrivain.

Les classiques ont également établi une hiérarchie clairement réglementée des genres littéraires : les limites exactes du genre et ses caractéristiques ont été déterminées. Les plus élevés comprenaient la tragédie, l'épopée et l'ode. Ils représentaient la sphère de la vie de l'État, des événements fatidiques et mettaient en vedette des héros dignes d'un genre élevé - monarques, chefs militaires, nobles. Particularité il y avait du style, des sentiments sublimes dans la tragédie - conflits dramatiques, passions désastreuses, souffrances inhumaines. La tâche des genres élevés est de choquer le spectateur.

Les genres bas (comédie, satire, épigramme, fable) reflétaient la sphère de la vie privée, son mode de vie et sa morale. Étaient des héros des gens ordinaires. Ces œuvres ont été écrites dans un langage familier simple.

Les dramaturges classiques devaient suivre les règles des « trois unités » : le temps (pas plus d'un jour), le lieu (un décor), l'action (pas d'intrigue secondaire). Les règles ont été établies pour créer l’illusion d’authenticité.

Un élément important de la théorie classique est le concept de types communs caractère humain. C'est de là que vient l'abstraction bien connue des images artistiques. Ils mettent l’accent sur des traits universels, « éternels » (Misanthrope, Avare). Les héros étaient divisés en positifs et négatifs.

Le caractère scénique des classiques est majoritairement unilatéral, statique, sans contradictions ni développement. C'est une idée-personnage : elle est aussi révélée que l'exige l'idée qu'on y met. Le parti pris de l’auteur se manifeste donc de manière tout à fait directe. Sans décrire l'individu, la personnalité et le caractère humain, il était difficile pour les classiques d'éviter les images schématiques et conventionnelles. Leur héros courageux est courageux en tout et jusqu'au bout ; une femme aimante aime jusqu'au tombeau ; un hypocrite est un hypocrite jusqu'au tombeau, mais un avare est avare. Une qualité distinctive du classicisme était la doctrine du rôle éducatif de l’art. En punissant le vice et en récompensant la vertu, les écrivains classiques cherchaient à améliorer la nature morale de l'homme. Les meilleures œuvres du classicisme sont remplies d'un pathos civique élevé.

Littérature espagnole

Au début du XVIIe siècle, l’Espagne était dans une profonde crise économique. La défaite de « l’Invincible Armada » (1588) au large des côtes anglaises, la politique coloniale déraisonnable, la faiblesse de l’absolutisme espagnol et sa myopie politique ont fait de l’Espagne un pays européen secondaire. Dans la culture espagnole, au contraire, de nouvelles tendances ont été clairement identifiées, ayant une signification non seulement nationale, mais aussi paneuropéenne.

L'œuvre du talentueux dramaturge espagnol est un écho puissant de la culture de la Renaissance. Lopé de Vega (1562-1635). Représentant du réalisme de la Renaissance, il oppose la tragédie du baroque à une énergie optimiste, une vision du monde lumineuse et une confiance dans l'inépuisabilité de la vitalité. Le dramaturge a également rejeté la normativité « scientifique » de la théorie classique. L'écrivain a affirmé des idéaux amoureux de la vie, s'est efforcé de se rapprocher du public et a plaidé pour la libre inspiration de l'artiste.

L'héritage dramatique vaste et varié de Lope de Vega - il a écrit, selon ses contemporains, plus de 2000 pièces de théâtre, dont environ 500 ont été publiées - est généralement divisé en trois groupes. Le premier d'entre eux est constitué de drames socio-politiques, le plus souvent basés sur des éléments historiques (« Fuente Ovejuna », « Le Grand-Duc de Moscou »).

Le deuxième groupe comprend comédies domestiques de nature amoureuse (« Professeur de danse », « Chien dans la crèche », « Fille à la cruche », « Paysanne de Getafe », « Étoile de Séville ») ; on les appelle parfois comédies « au manteau et à l'épée », car le rôle principal y appartient à la jeunesse noble, se produisant dans cette tenue caractéristique (en manteau et avec une épée).

Le troisième groupe comprend les pièces à caractère religieux.

Pour comprendre les fonctionnalités œuvres dramatiques Le traité de Lope de Vega « Le nouvel art de composer des comédies de nos jours » (1609) est d'une grande importance. Il a essentiellement formulé les principales dispositions du drame national espagnol avec une orientation vers les traditions du théâtre populaire, avec le désir de satisfaire les besoins du public, avec la plausibilité de ce qui est montré sur scène et la construction habile de l'intrigue, dont le nœud étroitement noué ne permettrait pas à la pièce de se diviser en épisodes séparés.

Adeptes du traité œuvres d'art est devenu une réalité principes esthétiquesécrivain. La meilleure de ces pièces est le drame Fuente Ovejuna (La Source des moutons, 1614). Le drame a Contexte historique. En 1476, dans la ville de Fuente Ovejuna, éclata un soulèvement paysan contre les excès de l'ordre chevaleresque de Calataura et de son commandant Fernán Gómez de Guzmán, qui commettait des outrages et toutes sortes de violences. Le soulèvement s'est terminé par l'assassinat du commandant. Dans le drame de Lope de Vega, le Commandant est un tyran et un violeur qui empiète sur l'honneur des paysannes, dont l'une, la fière Laurencia, appelle ses concitoyens à se venger. Il y a beaucoup d'images vives dans la pièce, et pourtant personnage principal voici un peuple uni dans son désir de rétablir la justice.

Les pièces de Lope de Vega se distinguent par un pathétique affirmant la vie, une attitude sympathique envers les gens ordinaires et une foi en leur force morale.

Après l'essor rapide qu'a connu l'Espagne pendant la Renaissance, à partir de la fin des années 30 du XVIIe siècle, des signes de déclin, dus principalement à des raisons sociopolitiques, sont devenus de plus en plus évidents. L'arrêt du flux d'or en provenance d'Amérique, l'effondrement complet de la vie économique interne du pays, une série d'échecs en matière de politique étrangère - tout cela a complètement miné la puissance économique et politique de l'Espagne.

Les troubles sociopolitiques, la crise de la conscience humaniste, la réaction féodale-catholique la plus sévère et la destruction du système féodal dans son ensemble ont provoqué une humeur décadente dans la société. Une tentative de comprendre ce qui se passe, de sortir d'un état de crise spirituelle, de trouver des fondements moraux dans de nouveaux conditions historiques est devenu baroque, le plus clairement représenté dans les œuvres Luis de Gongora (1561-1627) Et Pedro Calderona (1600-1681).

Góngora était le plus grand poète du baroque espagnol. Le style de Gongora se distingue par sa richesse métaphorique, l'utilisation de néologismes et d'archaïsmes. Le poète refuse la syntaxe traditionnelle. Le vocabulaire est plein mots polysémantiques: "Les rubis de tes lèvres sont encadrés de neige" - à propos de la blancheur du visage, "neige volante" - à propos d'un oiseau blanc, "neige qui coule" - à propos de Galatée fuyant Polyphème. Malgré sa richesse figurative, Gongora crée une « poésie pour l'esprit », exigeant un travail intellectuel actif de la part du lecteur. La maîtrise poétique de Gongora s'est manifestée le plus pleinement dans les poèmes « Le conte de Polyphème et Galatée » (1612) et « Solitude » (1614). Dans le poème « Solitude », l'idée de la Renaissance de la coexistence harmonieuse de l'homme et de la nature est étroitement liée au concept baroque de la solitude éternelle de l'homme dans le monde.

L'art de Calderón absorbe les meilleures traditions de la Renaissance, mais, étant généré par une autre époque, il donne une vision complètement différente du monde. Calderon a écrit 120 pièces au contenu varié, 80 « autos sacramentales » (ou « actes sacrés ») et 20 intermèdes. Par sa conscience artistique, Calderon est associé à la fois à la Renaissance espagnole et aux phénomènes de crise de son époque.

Poursuivant les traditions de son grand prédécesseur Lope de Vega, Calderon a écrit des comédies « manteau et épée ». La plus célèbre d'entre elles est la comédie pleine d'esprit et joyeuse « La Dame invisible » (1629), écrite dans un langage léger et élégant. Il exprime l’idée du jeu de hasard dominant dans la vie. L'accident, ici comme dans d'autres comédies, joue un rôle déterminant dans l'intrigue.

Cependant, ce ne sont pas les comédies de la Renaissance et les drames folk-réalistes qui ont valu à Calderon une renommée mondiale. L'amour de la vie et l'optimisme ne sont pas devenus le ton de son travail. Le vrai Calderon doit être recherché dans ses « autos sacramentales » et ses pièces philosophiques et symboliques, pleines d'ambiances eschatologiques, de problèmes existentiels accablants par leur insoluble, de contradictions qui assèchent la conscience. Déjà dans le drame de jeunesse de Calderon « L’Adoration de la Croix » (1620), l’humeur sceptique à l’égard de la religion, caractéristique des humanistes, est remplacée par une sombre frénésie religieuse. Le Dieu de Calderon est une force formidable et impitoyable face à laquelle une personne se sent insignifiante et perdue.

Dans le drame philosophique et allégorique « La vie est un rêve » (1634), la glorification de la sévère doctrine catholique se conjugue avec la prédication de la nécessité de l'humilité et de la soumission à la conduite divine. Le principal concept dramatique de Calderon est l'idée que le destin humain est prédéterminé par le destin, qu'il est temporaire. la vie terrestre illusoire, ce n’est qu’une préparation à une vie éternelle au-delà.

Le temps et l’environnement ont déterminé non seulement la nature de la vision du monde de Calderon et l’orientation générale de son travail, mais aussi son caractère unique en tant qu’artiste. La dramaturgie de Calderon se distingue par sa profondeur philosophique, la sophistication des conflits psychologiques et le lyrisme excité des monologues. L'intrigue dans les pièces de Calderon joue un rôle secondaire ; toute l'attention est portée à révéler le monde intérieur des personnages. Le développement de l'action est remplacé par un jeu d'idées. Le style de Calderon se caractérise par un pathos rhétorique et des images métaphoriques élevées, ce qui le rend similaire au Gongorisme, l'un des mouvements du baroque littéraire espagnol.

L'audace poétique de Calderon a été très appréciée par A. S. Pouchkine.

Littérature italienne

Au XVIIe siècle, l’Italie traverse une crise des idéaux humanistes.

Dans ce cadre, le baroque prend le dessus, s'exprimant le plus clairement dans le marinisme - un mouvement qui doit son nom au poète italien Giambattista Marino (1569-1625). Chez les peintres de marines, adeptes de Marin, la forme, avec ses délices verbales et son narcissisme, obscurcit le fond. Il n’y a pas ici de sujets socialement importants, pas de problèmes urgents de notre époque. L'écriture est caractérisée par des métaphores complexes, des images bizarres et des comparaisons inattendues. Marino était l'inventeur de ce qu'on appelle les « concetti » - des phrases magistrales, des paradoxes verbaux, des épithètes inhabituellement utilisées, des figures de style inhabituelles (« savant ignorant », « douleur joyeuse »).

La renommée de Marino en Italie était très répandue. Et pourtant, les contemporains du poète ont vu le danger du marinisme et l’ont comparé à une poésie politiquement actuelle, exprimant les besoins et les aspirations du peuple italien, racontant ses souffrances (Fulvio Testi, Vincenzo Filicaya, Alessandro Tassoni).

Alexandre Tassoni (1565-1635) a rejeté à la fois les poètes baroques (marinistes) et les défenseurs de l'imitation et de l'autoritarisme dans la poésie italienne (classiques). En tant que poète patriotique, il intervient activement dans la vie politique du pays, s'oppose à la fragmentation régionale de l'Italie et appelle à la lutte pour son indépendance (le poème « Le seau volé »).

La prose italienne du XVIIe siècle est représentée par des noms Galilée (1564-1642), qui a utilisé l'art polémique du journalisme pour diffuser ses idées scientifiques (« Dialogue sur deux grands systèmes paix"), Traiano Boccalini (1556-1613), protestant contre la domination des Espagnols en Italie, contre le snobisme aristocratique, contre les apologistes du classicisme qui ne reconnaissent que les canons esthétiques d'Aristote (la satire « Nouvelles du Parnasse »).

Littérature française

La politique de l'État absolutiste, visant à éliminer le régionalisme féodal et à transformer la France en une puissance puissante en Europe occidentale, correspondait à la tendance historiquement progressiste de l'époque, qui déterminait le caractère avancé du classicisme en tant que phénomène littéraire pour son époque. La principale méthode artistique, officiellement reconnue par le gouvernement de la France absolutiste, était le classicisme. La montée d’une conscience nationale des couches progressistes de la société française durant la période de transition entre fragmentation féodale vers l’unité nationale.

Sous le cardinal de Richelieu (1624-1642), la création d'un État monarchique puissant, commencée par le prédécesseur de Louis XIII, Henri IV, fut en grande partie achevée. Richelieu réglementait et soumettait au trône tous les aspects de la vie étatique, publique et culturelle. En 1634, il fonde l'Académie française. Richelieu fréquente la presse périodique qui émerge en France.

Sous son règne, Théophraste Renaudo fonde le premier journal français, la Gazette de France (1631). (Le prix Théophraste Renaudo est l'une des plus hautes récompenses littéraires de la France moderne.)

La progressivité historique du classicisme se manifeste dans son lien étroit avec les tendances avancées de l'époque, en particulier avec la philosophie rationaliste. René Descartes (1596-1650), ce qu'on appelle le cartésianisme. Descartes s'est courageusement battu contre l'idéologie féodale médiévale ; sa philosophie s'appuyait sur les données des sciences exactes. Le critère de vérité pour Descartes était la raison. « Je pense, donc j'existe », dit-il.

Le rationalisme est devenu la base philosophique du classicisme. Contemporains de Descartes, théoriciens du classicisme François Malherbe (1555-1628) Et Nicolas Boileau (1636-1711) croyait au pouvoir de la raison. Ils croyaient que les exigences élémentaires de la raison - le critère le plus élevé de la valeur objective d'une œuvre d'art - obligent l'art à la véracité, à la clarté, à la logique, à la clarté et à l'harmonie compositionnelle des parties et du tout. Ils l'ont exigé au nom du respect des lois de l'art ancien, qui les ont guidés dans la création d'un programme classique.

L’admiration des écrivains du XVIIe siècle pour la raison se reflétait également dans les règles notoires concernant les « trois unités » (temps, lieu et action) – l’un des principes fondamentaux du drame classique.

Le poème didactique de N. Boileau « L'Art poétique » (1674) devient le code du classicisme français.

Il a été noté plus haut que les classiques, comme les artistes de la Renaissance, s'appuyaient sur l'art ancien dans leur esthétique et leur créativité artistique. Cependant, contrairement aux écrivains de la Renaissance, les théoriciens du classicisme se sont principalement tournés non pas vers la littérature grecque ancienne, mais vers la littérature romaine de la période impériale. La monarchie de Louis XIV, le « Roi Soleil », comme il s'appelait lui-même, était assimilée à l'Empire romain, les héros des tragédies classiques étaient dotés de la valeur et de la grandeur romaines. D'où la convention bien connue de la littérature classique, son caractère pompeux et décoratif.

Et pourtant, les classiques français n’étaient pas de fous épigones des écrivains anciens. Leur œuvre avait un caractère profondément national ; elle était étroitement liée aux conditions sociales en France à l'apogée de l'absolutisme. Classicistes, ayant réussi à combiner l'expérience littérature ancienne avec les traditions de leur peuple, ils ont créé leur propre style artistique original. Corneille, Racine et Molière ont créé des exemples d'art classique dans le genre dramatique.

Le concept classique de l’art, malgré toute sa monumentalité, ne peut être imaginé comme quelque chose de figé et immuable. Au sein du camp classique, il n’y avait pas d’unité complète des points de vue sociopolitiques, philosophiques et éthiques. Même Corneille et Racine, les créateurs de la grande tragédie classique, étaient en désaccord à bien des égards.

Contrairement aux chartreux orthodoxes Boileau et Racine, Molière et La Fontaine étaient des étudiants de l'idéologie matérialiste. Gassendi (1592-1655), un scientifique français exceptionnel qui considérait l'expérience sensorielle comme la principale source de toutes connaissances. Son enseignement se reflétait à la fois dans l'esthétique de ces écrivains et dans l'orientation démocratique, optimiste et humaniste de leur œuvre.

Le genre principal du classicisme était la tragédie, qui représentait des héros sublimes et des passions idéalisées. Le créateur du théâtre tragique français était Pierre Corneille (1608-1684). Activité littéraire Corneille débute par la poésie et les comédies, qui n'ont pas eu beaucoup de succès.

La renommée revient à Corneille avec l'apparition sur scène de la tragédie « Le Cid » (1636). La pièce est basée sur conflit tragique entre passion et devoir, sur lequel se construit la tragédie.

Le jeune et vaillant chevalier Rodrigo, vengeant l'insulte infligée à son père, tue en duel le père de sa bien-aimée Jimena. Jimena justifie l'action de Rodrigo, qui a rempli le devoir d'honneur familial, et remplit le sien - elle exige du roi la mort de sa bien-aimée. En accomplissant leur devoir familial, Rodrigo et Ximena deviennent profondément mécontents. Après l'attaque de la Castille par les Maures, brillante victoire sur eux, Rodrigo devient un héros national. Corneille oppose la dette familiale au devoir envers la patrie. L'honneur féodal doit céder la place à l'honneur civil. Ils tentent de convaincre Jimena que ses revendications sont intenables : les intérêts de la famille doivent être sacrifiés au nom des nécessités sociales. Ximena accepte la nouvelle morale, d'autant qu'elle correspond à ses sentiments personnels. Corneille a prouvé de manière convaincante que la nouvelle morale étatique est plus humaine que la morale féodale. Il a montré l’émergence d’un nouvel idéal d’État à l’ère de l’absolutisme. Le roi de Castille, Don Fernando, est représenté dans la pièce comme un autocrate idéal, garant du bien-être général et du bonheur personnel de ses sujets, s'ils alignent leurs actions sur les intérêts de l'État.

Ainsi, le « Sid » affirme l’idée de la progressivité de la monarchie absolutiste, qui, dans des conditions historiques spécifiques, répondait aux exigences de l’époque.

Malgré son succès auprès du public, "Sid" a suscité de sérieuses controverses dans les cercles littéraires. Dans l’Avis de l’Académie française sur le Cid (1638), la pièce de Corneille est condamnée pour non-conformité aux canons du classicisme. Dans un état dépressif, Corneille part pour son pays natal. Cependant, quatre ans plus tard, Corneille rapporte de Rouen deux nouvelles tragédies, qui correspondent déjà pleinement aux canons classiques (« Horace », « Cinna »). En tant que tragédien, Corneille préfère la tragédie historique et politique. Les enjeux politiques des tragédies déterminent aussi la norme de comportement que Corneille veut enseigner au spectateur : c'est l'idée de conscience héroïque, de patriotisme.

Dans la tragédie « Horace » (1640), le dramaturge a utilisé une intrigue tirée de l'histoire de Titus Tite-Live. La base du conflit dramatique est le combat de deux villes - Rome et Alba Longa, qui devrait être résolu par le duel des frères Horace et Curiens, liés par des liens d'amitié et de parenté. Dans la pièce, le devoir est compris sans ambiguïté : c'est un devoir patriotique.

Incapable de pardonner à son frère Horace la mort de son fiancé, Camilla maudit Rome, ce qui détruit son bonheur. Horace, considérant sa sœur comme une traîtresse, la tue. La mort de Camilla provoque un nouveau conflit : selon le droit romain, le meurtrier doit être exécuté. Le père d'Horace prouve que son fils a été poussé au meurtre par une juste colère, un devoir civique et un sentiment patriotique. Horace, qui a sauvé Rome, est nécessaire à sa patrie : il accomplira bien d'autres exploits. Le roi Tullus donne la vie à Horace. La valeur civique a expié le crime. La tragédie d’« Horace » est devenue l’apothéose de l’héroïsme civique.

La tragédie « Cinna ou la Miséricorde d'Auguste » (1642) dépeint les premiers jours du règne de l'empereur Octavien-Auguste, qui apprend qu'une conspiration se prépare contre lui. Le but de la tragédie est de montrer quelle tactique le souverain choisira à l'égard des conspirateurs. Corneille est convaincu que les intérêts de l'État peuvent coïncider avec les aspirations privées du peuple si un monarque intelligent et juste est au pouvoir.

Les conspirateurs de la tragédie - Cinna, Maxim, Emilia - agissent pour deux motifs. La première raison est politique : ils veulent ramener Rome à une forme de gouvernement républicain, sans se rendre compte de leur myopie politique. Partisans libertés politiques, ils ne comprennent pas que la république a fait son temps et que Rome a besoin d’un pouvoir ferme. Le deuxième motif est personnel : Emilia veut venger son père, tué par Auguste ; Cinna et Maxim, amoureux d'Emilia, veulent créer un sentiment réciproque.

L'empereur, ayant réprimé son ambition, sa vindicte et sa cruauté, décide de pardonner aux conspirateurs. Ils traversent un processus de renaissance. La miséricorde a triomphé de leurs passions égoïstes. Ils virent en Auguste un monarque sage et devinrent ses partisans.

Selon Corneille, le plus haut sens politique se manifeste dans la miséricorde. Une politique publique sage doit combiner le raisonnable et l’humain. Un acte de miséricorde est donc un acte politique, commis non pas par le bon Octavien, mais par le sage empereur Auguste.

Durant la période de la « première manière » (jusqu'en 1645 environ), Corneille prônait le culte de l'État rationnel et croyait en la justice de l'absolutisme français (« Martyr Polyeuctus », 1643 ; « La Mort de Pompée », 1643 ; « Théodora - la Vierge et le martyr », 1645 ; comédie « Menteur », 1645).

Corneille de la « seconde manière » surestime bien des principes politiques de la monarchie française qui semblaient si forts (« Rodogunda - la princesse parthe », 1644 ; « Héraclius - Empereur d'Orient », 1646 ; « Nycomède », 1651, etc. .). Corneille continue d'écrire des tragédies historiques et politiques, mais l'accent change. Cela est dû aux changements dans vie politique La société française après l'accession de Louis XIV au trône, ce qui signifiait l'établissement d'une domination illimitée du régime absolutiste. Or Corneille, chantre de l'État rationnel, étouffait dans l'atmosphère de l'absolutisme victorieux. L'idée d'un service public sacrificiel, interprétée comme le devoir le plus élevé, n'était plus un stimulant pour le comportement des héros des pièces de Corneille. Le ressort de l’action dramatique réside dans les intérêts personnels étroits et les ambitions ambitieuses des personnages. L'amour d'un sentiment moralement sublime se transforme en un jeu de passions débridées. Le trône royal perd sa stabilité morale et politique. Ce n’est pas la raison, mais le hasard qui décide du sort des héros et de l’État. Le monde devient irrationnel et instable.

Les dernières tragédies de Corneille, proches du genre de la tragi-comédie baroque, témoignent d'une rupture avec les strictes normes classiques.

Le classicisme français a reçu son expression la plus complète et la plus complète dans les œuvres d'un autre grand poète national de France Jean Racine (1639-1690). Une nouvelle étape dans le développement de la tragédie classique est associée à son nom. Si Corneille a développé avant tout le genre de la tragédie historique et politique héroïque, alors Racine était le créateur d'une tragédie amoureuse-psychologique, saturée en même temps d'un grand contenu politique.

L'un des principes créatifs les plus importants de Racine était le désir de simplicité et de vraisemblance, par opposition à l'attirance de Corneille pour l'extraordinaire et l'exceptionnel. D'ailleurs, ce désir a été étendu par Racine non seulement à la construction de l'intrigue de la tragédie et des personnages de ses personnages, mais aussi au langage et au style de l'œuvre scénique.

S'appuyant sur l'autorité d'Aristote, Racine abandonne l'élément le plus important du théâtre de Corneille : le « héros parfait ». « Aristote est non seulement très loin d’exiger de nous des héros parfaits, mais il veut au contraire que les personnages tragiques, c’est-à-dire ceux dont les malheurs créent une catastrophe tragique, ne soient ni complètement bons ni complètement mauvais. »

Il était important pour Racine d’affirmer le droit de l’artiste à représenter la « personne moyenne » (non pas au sens social, mais au sens psychologique), à ​​dépeindre les faiblesses humaines. Les héros, selon Racine, doivent avoir des vertus moyennes, c'est-à-dire capables de faiblesse.

La première grande tragédie de Racine fut Andromaque (1667). Se tournant vers des thèmes mythologiques grecs, déjà développés dans l'Antiquité par Homère, Virgile et Euripide, Racine réinterprète cependant l'intrigue classique d'une manière nouvelle. Cédant à l'influence des passions, les héros de la tragédie - Pyrrhus, Hermione, Oreste - se sont révélés, dans leur égoïsme, être des gens cruels, capables de commettre des crimes.

En créant l'image de Pyrrhus, Racine résout un problème politique. Pyrrhus (le monarque) devrait être responsable du bien de l'État, mais, succombant à la passion, il lui sacrifie les intérêts de l'État.

Hermione, l'une des images les plus convaincantes de la tragédie, dont l'état interne est parfaitement motivé psychologiquement, devient également victime de la passion. Rejetée par Pyrrhus, la fière et rebelle Hermione devient égoïste et tyrannique dans ses aspirations et ses actions.

"Andromaque" fut suivi de "Britannicus" (1669) - la première tragédie de Racine consacrée à l'histoire de la Rome antique. Comme dans Andromaque, le monarque est ici représenté comme un tyran impitoyable. Le jeune Néron détruit perfidement son demi-frère Britannicus, dont il occupait illégalement le trône et que Junia, qui l'aimait bien, aime. Mais Racine ne se limite pas à condamner le despotisme de Néron. Cela montrait le pouvoir du peuple romain en tant que juge suprême de l’histoire.

« Chanteur des femmes et des rois amoureux » (Pouchkine), Racine a créé toute une galerie d'images d'héroïnes positives, combinant le sens de la dignité humaine, la force morale, la capacité de se sacrifier et la capacité de résister héroïquement à toute violence. et la tyrannie. Il s'agit d'Andromaque, Junia, Bérénice (« Bérénice », 1670), Monima (« Mithridate », 1673), Iphigénie (« Iphigénie en Aulis », 1674).

Le summum de la créativité poétique de Racine en termes de pouvoir artistique de représentation des passions humaines et de perfection des vers est « Phèdre », écrit en 1677, que Racine lui-même considérait comme sa meilleure création.

La reine Phèdre aime passionnément son beau-fils Hippolyte, amoureux de la princesse athénienne Arikia. Ayant reçu de fausses nouvelles sur la mort de son mari Thésée, Phèdre avoue ses sentiments à Hippolyte, mais celui-ci la rejette. Au retour de Thésée, Phèdre, dans un accès de désespoir, de peur et de jalousie, décide de calomnier Hippolyte. Puis, tourmenté par les affres du repentir et de l'amour, il prend du poison ; Après avoir tout avoué à son mari, elle meurt.

La principale innovation de Racine est associée au personnage de Phèdre. Dans Racine, Phèdre est une femme souffrante. Sa tragique culpabilité réside dans son incapacité à faire face à un sentiment que Phaedra elle-même qualifie de criminel. Racine comprend et incarne dans sa tragédie non seulement les conflits moraux et psychologiques de son époque, mais révèle également les lois générales de la psychologie humaine.

Le premier traducteur russe de Racine fut Sumarokov, surnommé « Racine russe ». Au XIXe siècle, A. S. Pouchkine a fait preuve d'une attitude réfléchie envers Racine. Il a attiré l'attention sur le fait que le dramaturge français était capable de donner un contenu profond à la forme galamment raffinée de ses tragédies, ce qui lui a permis de placer Racine à côté de Shakespeare. Dans un article inachevé de 1830 sur le développement de l’art dramatique, qui servait d’introduction à l’analyse du drame « Marfa Posadnitsa » de M. P. Pogodin, Pouchkine écrivait : « Qu’est-ce qui se développe dans la tragédie, quel est son but ? L'homme et les gens. Destin humain, destin des gens. C'est pourquoi Racine est grand malgré la forme étroite de sa tragédie. C'est pourquoi Shakespeare est grand, malgré l'inégalité, la négligence et la laideur de la décoration » (Pouchkine - critique - M., 1950, p. 279).

Si les meilleurs exemples de tragédie classique ont été créés par Corneille et Racine, alors la comédie classique était entièrement une création. Molière (1622-1673).

La biographie de l'écrivain de Molière (Jean Baptiste Poquelin) commence par la comédie poétique en cinq actes « Méchant ou tout n'est pas à sa place » (1655) - une comédie d'intrigue typique. En 1658, Molière deviendra célèbre. Ses représentations connaîtront un énorme succès, le roi lui-même le protégera, mais des envieux, des adversaires dangereux parmi ceux que Molière ridiculisait dans ses comédies, le poursuivirent jusqu'à la fin de sa vie.

Molière riait, dénonçait, accusait. Les flèches de sa satire n'ont épargné ni les simples représentants de la société ni les nobles de haut rang.

Dans la préface de la comédie Tartuffe, Molière écrivait : « Le théâtre a un grand pouvoir correcteur. » « Nous portons un coup dur aux vices en les exposant au ridicule du public. » « Le devoir de la comédie est de corriger les gens en les amusant. » Le dramaturge a parfaitement compris la signification sociale de la satire : « La meilleure chose que je puisse faire est d'exposer les vices de mon âge dans des images amusantes. »

Dans les comédies « Tartuffe », « L'Avare », « Le Misanthrope », « Don Juan » et « La Noblesse Bourgeoise », Molière soulève de profonds problèmes sociaux et moraux et propose le rire comme le remède le plus efficace.

Molière était le créateur de la « comédie de personnages », où le rôle important n'était pas l'action extérieure (bien que le dramaturge ait habilement construit l'intrigue comique), mais l'état moral et psychologique du héros. Le personnage de Molière est doté, conformément à la loi du classicisme, d'un trait de caractère dominant. Cela permet à l'écrivain de donner une image généralisée des vices humains - avarice, vanité, hypocrisie. Ce n’est pas sans raison que certains noms de personnages de Molière, par exemple Tartuffe, Harpagon, sont devenus des noms familiers ; Tartuffe est traité de fanatique et d'hypocrite, Harpagon est d'avare. Molière a observé les règles du classicisme dans ses pièces, mais n'a pas hésité à s'éloigner de la tradition populaire du théâtre farfelu, il a écrit non seulement « haute comédie», dans lequel il évoque de graves problèmes sociaux, mais aussi de drôles de « comédies-ballets ». L'une des célèbres comédies de Molière, « Le Bourgeois dans la noblesse », combine avec succès le sérieux et l'actualité du problème posé avec la gaieté et la grâce de la « comédie-ballet ». Molière y dresse un tableau lumineux image satirique le riche bourgeois Jourdain, qui admire la noblesse et rêve de rejoindre les rangs des aristocrates.

Le spectateur se moque des affirmations infondées d'une personne ignorante et grossière. Même si Molière se moque de son héros, il ne le méprise pas. Jourdain, confiant et borné, est plus attirant que les aristocrates qui vivent de son argent mais méprisent Jourdain.

Un exemple de comédie classique « sérieuse » est la comédie « Le Misanthrope », où le problème de l'humanisme est résolu dans les disputes entre Alceste et Philinte. Les paroles désespérées d’Alceste sur les vices et l’injustice régnant dans le monde humain contiennent une critique acerbe des relations sociales. Les révélations d'Alceste révèlent le contenu social de la comédie.

Molière a fait une découverte dans le domaine de la comédie. En utilisant la méthode de généralisation, le dramaturge a exprimé l'essence du vice social à travers une image individuelle, dépeint les caractéristiques sociales typiques de son époque, le niveau et la qualité de ses relations morales.

Le classicisme français s'est manifesté le plus clairement dans le théâtre, mais il s'est aussi clairement exprimé dans la prose.

Des exemples classiques du genre aphorisme ont été créés en France par La Rochefoucauld, Labruyère, Vauvenart et Chamfort. Un brillant maître de l'aphorisme était François de La Rochefoucauld (1613-1689). Dans le livre « Réflexions ou dictons moraux et maximes » (1665), l'écrivain a créé un modèle unique de « l'homme en général », esquissé une psychologie universelle, un portrait moral de l'humanité. Le tableau dressé était sinistre. L'écrivain ne croit ni à la vérité ni à la bonté. Même l’humanité et la noblesse, selon l’écrivain, ne sont qu’une pose spectaculaire, un masque couvrant l’intérêt personnel et la vanité. En généralisant ses observations, voyant une loi universelle dans un phénomène historique, La Rochefoucauld aboutit à l'idée de l'essence égoïste de la nature humaine. L’amour-propre en tant qu’instinct naturel, en tant que mécanisme puissant dont dépendent les actions d’une personne, sous-tend ses motivations morales. Il est naturel qu'une personne déteste la souffrance et aspire au plaisir, c'est pourquoi la moralité est un égoïsme raffiné, un « intérêt » rationnellement compris d'une personne. Afin de freiner l'égoïsme naturel, une personne recourt à l'aide de la raison. À la suite de Descartes, La Rochefoucauld appelle à un contrôle rationnel des passions. C'est l'organisation idéale du comportement humain.

Jean La Bruyère (1645-1696) connu comme l'auteur du livre unique, « Personnages ou manières de cet âge » (1688). Dans la dernière neuvième édition du livre, La Bruyère décrit 1120 personnages. S'appuyant sur l'œuvre de Théophraste comme modèle, La Bruyère complique considérablement la manière du Grec ancien : il ne découvre pas seulement les causes des vices et des faiblesses des hommes. L'écrivain établit la dépendance du caractère humain à l'égard de l'environnement social. De la diversité concrète et individuelle, La Bruyère tire des schémas typiques, les plus généraux. "Personnages" met en scène les différentes couches de la société parisienne et provinciale à l'époque de Louis XIV. Après avoir divisé le livre en chapitres « Cour », « Ville », « Souverain », « Nobles », etc., l'auteur construit sa composition selon la classification interne des portraits (fanatiques, avares, commérages, causeurs, flatteurs, courtisans , banquiers, moines, bourgeois, etc.). La Bruyère, dernier grand classique du XVIIe siècle, mêlant dans son livre divers genres (maximes, dialogues, portrait, nouvelle, satire, enseignement moral), suit une logique stricte, subordonne ses observations à une idée générale et crée des personnages typiques. .

En 1678 paraît le roman « La Princesse de Clèves », écrit par Marie de Lafayette (1634-1693). Le roman se distingue par son interprétation approfondie des images et sa représentation précise des circonstances réelles. Lafayette raconte l'amour de l'épouse du prince de Clèves pour le duc de Nemours, en mettant l'accent sur la lutte entre la passion et le devoir. Inquiétant amour Passion, la princesse de Clèves le surmonte grâce à la seule force de sa volonté. S'étant retirée dans une demeure paisible, elle réussit, avec l'aide de son esprit, à maintenir la paix et la pureté spirituelle.

Littérature allemande

Au XVIIe siècle, l'Allemagne porte l'empreinte tragique de la guerre de Trente Ans (1618-1648). La paix de Westphalie a officialisé sa division en plusieurs petites principautés. La fragmentation et le déclin du commerce et de la production artisanale ont entraîné le déclin de la culture.

Le poète a joué un rôle important dans la renaissance de la culture allemande à l’époque moderne Martin Opitz (1597-1639) et son traité théorique, Le Livre de la poésie allemande.

Insufflant le canon classique dans la littérature allemande, Opitz appelle à l'étude de l'expérience poétique de l'Antiquité, formule les tâches principales de la littérature et met l'accent sur la tâche de l'éducation morale. Opitz a introduit le système de versification syllabique-tonique, a tenté de réguler la littérature et a établi une hiérarchie des genres. Avant Opitz, les poètes allemands écrivaient principalement en latin. Opitz a cherché à prouver que Allemand vous pouvez créer des chefs-d'œuvre poétiques.

Opitz est devenu l'un des premiers chroniqueurs de la guerre de Trente Ans. Un des meilleures œuvres- poème « Un mot de consolation au milieu des désastres de la guerre » (1633). Le poète appelle ses compatriotes à s'élever au-dessus du chaos de la vie et à trouver un soutien dans leur propre âme. Le thème de la condamnation de la guerre est entendu dans les poèmes « Zlatna » (1623) et « Louange au dieu de la guerre » (1628). Le « classicisme scientifique » d’Opitz n’était pas largement développé, et déjà dans le travail de ses étudiants Fleming et Logau l’influence de la poétique baroque est clairement perceptible.

Un poète remarquable du baroque allemand fut Andréas Gryphius (1616-1664), qui a capturé la vision du monde de l'époque de la guerre de Trente Ans dans des tons perçants et tristes.

La poésie de Gryphius est sursaturée d'images, de symboles et d'emblèmes émotionnels et visuels. Les techniques préférées de Gryphius sont l’énumération, l’accumulation délibérée d’images, la comparaison contrastée. "Une forêt sombre et froide, une grotte, un crâne, un os - // Tout dit que je suis un invité du monde, // Que je n'échapperai ni à la faiblesse ni à la décadence."

Gryphius est également le fondateur du théâtre allemand, le créateur de la tragédie baroque allemande (« Le Lion arménien ou le régicide » (1646), « La Majesté assassinée ou Charles Stuart, roi de Grande-Bretagne » (1649), etc.).

Une figure marquante du baroque allemand fut le poète original Johann Gunther (1695-1723). Gunther développe la pensée de Gryphius sur les meilleurs sentiments pillés par la guerre, sur une patrie qui a oublié ses fils (« À la patrie »). Le poète s'oppose à la monotonie de la vie, à la misère, à la réalité allemande, à son retard et à son inertie. De nombreux motifs de sa poésie seront plus tard adoptés et développés par des représentants du mouvement Sturm et Drang.

Le plus grand représentant de la prose baroque est Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen (1622-1676). Sa meilleure œuvre est le roman Simplicissimus (1669). L'auteur décrit le voyage insolite d'un héros dont le nom – Simplicius Simplicissimus – se traduit par « le plus simple des plus simples ». Un jeune paysan naïf et altruiste, marchant sur le chemin de la vie, rencontre des représentants de divers couches sociales La société allemande. Le héros fait face à la tyrannie, à la cruauté qui règne dans le monde, au manque d'honnêteté, de justice et de gentillesse.

Dans le palais du souverain de Hanau, ils veulent faire de Simplicius un bouffon : ils lui mettent une peau de veau, le conduisent sur une corde, font des grimaces et se moquent de lui. Tout le monde perçoit la naïveté et la sincérité du héros comme de la folie. Par l’allégorie, Grimmelshausen veut raconter au lecteur la chose la plus importante : un monde terrible dans lequel le malheur d’une personne sert de divertissement. La guerre a rendu les gens aigris. Simplicissimus recherche la bonté dans le cœur humain et appelle chacun à la paix. Cependant, le héros trouve la tranquillité d'esprit sur une île déserte, loin d'une civilisation vicieuse.

Grimmelshausen fut le premier dans la littérature allemande à montrer l'effet destructeur de la guerre sur âmes humaines. Dans son héros, l'écrivain incarnait le rêve d'une personne naturelle et intégrale vivant selon les lois de la morale populaire. C'est pourquoi le roman est aujourd'hui perçu comme une brillante œuvre anti-guerre.

Littérature d'Angleterre

En développement littérature anglaise Le XVIIe siècle, indissociable des événements politiques, se distingue traditionnellement en trois périodes :

1. Période pré-révolutionnaire (1620-1630).

2. La période de révolution, de guerre civile et de république (1640-1650).

3. Période Restauration (1660-1680).

Dans la première période (années 20-30 du XVIIe siècle), la littérature anglaise a connu un déclin du théâtre et du théâtre. L'idéologie de la réaction absolutiste triomphante trouve son expression dans les activités de ce qu'on appelle « l'école métaphysique », qui crée une littérature spéculative abstraite des problèmes de la réalité, ainsi que dans « l'école carolinienne », qui comprenait des poètes royalistes. Dans les travaux de D. Donne, D. Webster,

T. Dekker peut entendre les motifs de la solitude, de la prédestination fatale et du désespoir.

C'était le jeune contemporain de Shakespeare Ben Jonson (1573-1637), auteur des comédies réalistes et vivifiantes « Volpone » (1607), « Episin ou la femme silencieuse » (1609), « L'Alchimiste » (1610), « La Foire de Barthélemy » (1610).

Dans les années 1640-1650, le journalisme (traités, pamphlets, sermons) acquiert une grande importance. Les œuvres journalistiques et artistiques des écrivains puritains avaient souvent une connotation religieuse et étaient en même temps remplies de protestation et de l'esprit d'une lutte de classe acharnée. Ils reflétaient non seulement les aspirations de la bourgeoisie dirigée par Cromwell, mais aussi les humeurs et les attentes des larges masses, exprimées dans l'idéologie des Levellers (« niveleurs »), et en particulier des « vrais Levellers » ou « Diggers » (« diggers »). »), qui comptait sur les ruraux pauvres.

L'opposition démocratique des années 1640-1650 mettait en avant un talentueux publiciste niveleur, John Lilburne (1618-1657). Le célèbre pamphlet de Lilburne « Les nouvelles chaînes de l'Angleterre » était dirigé contre les ordres de Cromwell, qui était passé d'un commandant révolutionnaire à un Lord Protecteur aux intentions despotiques. Les tendances démocratiques sont claires dans les travaux de Gerald Winstanley (1609 - vers 1652). Ses traités et pamphlets accusateurs (« La bannière levée par les vrais niveleurs », 1649 ; « Déclaration du peuple pauvre et opprimé d'Angleterre », 1649) étaient dirigés contre la bourgeoisie et la nouvelle noblesse.

Le représentant le plus éminent du camp révolutionnaire dans la littérature anglaise des années 40-50 du XVIIe siècle était John Milton (1608-1674).

Au cours de la première période de son œuvre (années 1630), Milton a écrit un certain nombre de poèmes lyriques et deux poèmes, « Le Joyeux » et « Le Pensif », qui soulignent les principales contradictions de son œuvre ultérieure : la coexistence du puritanisme et de l'humanisme de la Renaissance. Dans les années 1640-1650, Milton participa activement à la lutte politique. Il ne se tourne presque pas vers la poésie (n'écrit que 20 sonnets) et se consacre entièrement au journalisme, créant finalement des exemples exceptionnels de prose journalistique du XVIIe siècle. La troisième période de l'œuvre de Milton (1660-1674) coïncide avec l'époque de la Restauration (1660-1680). Milton se retire de la politique. Le poète s'est tourné vers la créativité artistique et a écrit des poèmes épiques à grande échelle « Le paradis perdu » (1667), « Le paradis retrouvé » (1671) et la tragédie « Samson le combattant » (1671).

Écrites sur des sujets bibliques, ces œuvres sont empreintes d’un fougueux esprit révolutionnaire. Dans le poème Paradise Lost, Milton raconte l'histoire de la rébellion de Satan contre Dieu. L'œuvre contient de nombreuses caractéristiques de l'époque contemporaine de Milton. Même pendant la période de réaction la plus sévère, Milton reste fidèle à ses principes républicains de lutte contre les tyrans. Deuxième scénario lié à l’histoire de la chute d’Adam et Ève – il s’agit d’une compréhension du chemin ardu de l’humanité vers la renaissance morale.

Dans le poème « Paradise Regained », Milton continue de réfléchir sur la révolution. La glorification de la force spirituelle du Christ, rejetant toutes les tentations de Satan, a servi d'édification aux révolutionnaires récents qui avaient peur de la réaction et se sont précipités du côté des royalistes.

La dernière œuvre de Milton - la tragédie "Samson le combattant" - est également allégoriquement liée aux événements de la Révolution anglaise. Milton, persécuté par ses ennemis politiques, y appelle à la vengeance et à la poursuite de la lutte du peuple pour une existence décente.

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Bncz et examen : Histoire de la littérature étrangère. 17-18 siècles

Professeur: Ninel Ivanovna Vannikova

Lieu: 320 chambres

1. Phèdre - il y a les mots « commandes de passion », une discussion sur la noblesse d'Hippolyte.

2. Prince inébranlable - il y a les paroles de Don Fernando « ;J'ai souffert de tourments, mais je crois... » ;.

3. Steadfast Prince - sonnet sur les fleurs.

4. Sid - il y a les mots « ; renoncez à l'amour, défendez votre père » ;.

5. Boileau - une discussion sur la tragédie, il y a les mots « horreur et compassion ».

6. Fielding - description du tableau, la nature a envoyé quelque chose au héros.

7. Prince inébranlable - il y a les mots « tu n'as pas vaincu la foi, mais moi, malgré

que je suis en train de mourir.

8. Faust - les paroles de Méphistophélès « Je suis cela… » ;. Cette citation était déjà dans ce fil.

9. Swift - le héros se retrouve sur l'île des Lilliputiens.

10. Sid - les mots de Jimena, il y a les mots "pour venger le père", l'honneur est mentionné.

11. Voleurs - Les mots de Karl "ils m'ont forcé à tuer un ange".

12. Faust - une conversation entre Faust et Wagner sur la division de l'amour en terrestre et céleste.

13. Faust - les grues sont mentionnées dans la dernière ligne.

14. Lope de Vega - le Minotaure est mentionné. (Apparemment, cette pièce :

Mélanger le tragique et le drôle...

Terence avec Sénèque - mais à bien des égards,

Que dire, comme le Minotaure,

Mais un mélange de sublime et de ridicule

Il plaît à la foule par sa diversité.

Après tout, la nature est si belle pour nous,

Quels extrêmes apparaissent chaque jour.)

15. Nonne – mère est mentionnée.

16. Phèdre - Athènes est mentionnée.

17. Faust - Méphistophélès sur le mal et les vices.

18. Boileau - « un salaud en art » est mentionné.

19. Faust - refuse de maîtriser l'enseignement, le bonheur est évoqué.

20. La vie est un rêve - il y a les mots « si je dors, ne me réveille pas ».

21. Andromaque - Hector est mentionné.

22. Phèdre - le poison dans les veines est mentionné (Extrait :

Coule dans mes veines enflammées

Médée nous a apporté du poison).

23. Phèdre - il y a les mots « ;pour justifier les innocents » ;.

24. Horace - il y a les mots « ;O Rome… » ;.

25. Appel de Cthulhu - Il y a les mots « Pkh"nglui mglv"nafkh Cthulhu R"lieh vgah"nagl fhtagn."

26. Fielding - Si vous êtes en difficulté et que la citation commence ou se termine par « IL », dites Fielding.

27. Zadig - l'ermite avec lequel Zadig voyage jette un adolescent d'un pont fragile dans la rivière, il se noie.

28. Boileau - il y a les mots « belle sous le pinceau du maître ».

29. Sid - il y a quelque chose comme « ;je dois remplir mon devoir en retour » ;.

30. Emilia Galotti - on dit du portrait.

31. Fielding - un tableau de Hogarth est mentionné, avec lequel le personnage (l'épouse de Partridge) est comparé.

17ème siècle

1. Caractéristiques du XVIIe siècle comme époque particulière de l'histoire de la littérature occidentale (la relation entre baroque et classicisme)

D'après les conférences de Ninell Ivanna :

K con. 16e siècle l'art et la littérature ont atteint une crise créative. L'idée de la Renaissance sur la domination humaine dans le monde est morte en toute sécurité. À la Renaissance, on croyait que le monde était un endroit où une personne devait réaliser son « je », les humanistes croyaient que l'humanité se consacrerait au processus créatif. Mais en réalité, le monde s’est avéré être le théâtre de guerres sanglantes – religieuses, civiles, agressives (« la mort est notre métier »). Il existe une atmosphère de rigueur et de violence dans la société. Intensification de la persécution des hérétiques, création d'index des livres interdits, renforcement de la censure => l'harmonie humaine avec le monde est inaccessible, un vrai hommeétait imparfait dans ses actions (agissant selon le principe « tout est permis », il s'est avéré imparfait + l'aspect scientifique et psychologique de la crise : ils pensaient que sans l'idéologie médiévale on pouvait tout comprendre, mais on ne pouvait pas faire rien). Découvertes géographiques, découvertes en physique (la théorie de Copernic et plus encore), etc. a montré que Cthulhu détruit tout le monde et que le monde est plus complexe qu'il n'y paraît, le secret de l'univers n'est pas accessible à l'homme, le monde est impossible à comprendre. Nouvel Univers : l’homme n’est plus le centre de l’univers, mais un grain de sable dans le chaos du monde, une vision du monde aux fortes connotations tragiques. Laissez une personne repenser à elle-même et comparer son existence avec tout ce qui existe. L'époque témoigne de l'infinité de l'espace, de la fugacité du temps, l'homme n'est pas tout-puissant => la Renaissance est remplacée baroque.

Au lieu d’une perspective linéaire de la Renaissance, il y avait une « étrange perspective baroque » : un double espace, un miroir, qui symbolisait le caractère illusoire des idées sur le monde.

Le monde est divisé. Mais pas seulement cela, il bouge aussi, mais on ne sait pas où. D’où le thème de la fugacité de la vie humaine et du temps en général, de la nature à court terme de l’existence humaine.

L'utilisation de réminiscences historiques et mythologiques, qui sont données sous forme d'allusions et qu'il faut décrypter.

Les poètes baroques aimaient beaucoup la métaphore. Cela a créé une atmosphère de jeu intellectuel. Et le jeu est une propriété de tous les genres baroques (dans les métaphores, dans la combinaison d'idées et d'images inattendues).

La dramaturgie se distinguait par son spectacle exceptionnel, le passage du réel au fantastique. En dramaturgie, le jeu donne naissance à une théâtralité particulière grâce à la technique de la « scène sur scène » + la métaphore du « théâtre-vie ». Le théâtre est également utilisé pour révéler le caractère insaisissable du monde et la nature illusoire des idées qui le concernent.

Chez Calderón : « le grand théâtre du monde », où des vies se jouent sur scène sous le rideau du chaos. Il existe une division claire : la sphère divine et la sphère terrestre, et le créateur de la pièce, conçue pour exprimer toute la nature illusoire de l'existence humaine, est assis sur le trône.

L'art baroque cherchait à relier l'homme à la nature, au cosmos ; il est imprégné de l'expérience de la finitude ; existence humaine devant l'infini de l'univers. C’est la contradiction interne la plus grave.

baroque allemand se produit dans des conditions La guerre de 30 ans, la tragédie de la vie sociale. L'éternité est une continuation de l'intemporalité. Créer une nouvelle harmonie baroque, une unité, glorifiant la force morale esprit humain(large diffusion des idées du stoïcisme). Et dans de telles conditions, quand tout va mal, un certain début commence à émerger, sur la base duquel le chaos naturel est surmonté - la résilience de l'esprit humain.

On pense que l’homme possède une indépendance d’esprit intérieure (plus proche du concept catholique de libre arbitre). Dans la religion chrétienne, il existe une opposition entre les idées de prédestination et de libre arbitre (2 types de conscience). Luther adhérait à l'idée de prédestination (il croyait qu'après la Chute, la corruption était passée dans la nature humaine => l'homme est pécheur). Réforme - le chemin de chaque personne est prédéterminé dès la naissance.

La doctrine du libre arbitre est apparue au XVIe siècle. Ses partisans affirmaient que tous les hommes recevaient la grâce dès la naissance et que chacun choisissait son propre chemin.

En même temps surgit classicisme. Ces deux systèmes naissent d’une prise de conscience de la crise des idéaux de la Renaissance.

Le classicisme semble ressusciter le style de la Haute Renaissance. La modération et le bon goût doivent être observés en tout. Un système de règles strict => restreindre la folie de l'imagination. Les règles sont inhérentes à toute créativité et l'art est une forme activité ludique humain => il n'y a pas de jeu sans règles. La tâche du classicisme est de rendre les règles obligatoires. Ils sont créés par l’esprit humain pour soumettre le chaos des choses. Les règles sont des lois non écrites ; elles sont conventionnelles et concernent l'organisation formelle d'un travail.

Selon Plavskin :

17ème siècle – le siècle de l'absolutisme (la forme dominante de l'État est l'absolutisme).

17ème siècle - une ère de guerres continues en Europe. Les anciennes puissances coloniales - Espagne, Portugal - sont progressivement repoussées au second plan par les jeunes États bourgeois - Hollande, Angleterre ; L'ère du capitalisme commence.

Histoire de l'Europe au XVIIe siècle. Caractérisé par la transition et la crise.

17ème siècle – les changements dans le domaine scientifique ; des revues scientifiques sont publiées ; scolastique du Moyen Âge => méthode expérimentale ; la domination des mathématiques et la façon de penser métaphysique.

Les frontières du monde environnant s’étendent jusqu’à atteindre des proportions cosmiques, les concepts de temps et d’espace sont repensés comme des catégories abstraites et universelles. Pour le 17ème siècle. caractérisé par une forte aggravation de la philosophie, de la politique, de l'idéologie. bagarre, chat Cela s'est reflété dans la formation et la confrontation des deux systèmes artistiques dominants de ce siècle - classicisme et baroque.

Ils surgissent comme une prise de conscience de la crise des idéaux de la Renaissance. Les artistes du baroque et du classicisme rejettent l'idée d'harmonie ; ils révèlent une interaction complexe entre la personnalité et la politique sociale. environnement; avancer l’idée de subordonner les passions aux diktats de la raison ; L'intelligence et la raison sont mises au premier plan. Le rôle d'une œuvre comme moyen d'éducation du lecteur ou du spectateur => « journalisme » de la littérature.

2. Caractéristiques du baroque.

italien baroque - fantaisiste

L'émergence du baroque. Après la Renaissance, il y a eu une crise des idées. Le principe de l'humanisme est associé aux idées d'harmonie ; au centre de l'univers, à la place de Dieu, il y a l'homme. Tout convient à une personne si elle est courageuse et talentueuse. Au Moyen Âge, l’homme s’opposait à la nature, et à l’époque moderne, la nature était poétisée. L'art de la Renaissance se caractérise par l'harmonie de la composition et des images. Mais bientôt l’humanisme se heurte à la dure réalité. Le monde n’est pas devenu un royaume de liberté et de raison, mais un monde de guerres sanglantes. « Nous sommes pauvres d’esprit et nos sentiments sont pauvres. » L'atmosphère de fanatisme, de cruauté et de violence s'est établie au XVIe siècle, après le concile de Trente, qui s'est ouvert en 1545 à Trente à l'initiative du pape Paul III, principalement en réponse à la Réforme, et s'y est terminé en 1563. la persécution des hérétiques s'intensifie, un index des livres interdits est créé. Le sort des humanistes fut dramatique. L'harmonie est inaccessible, la paix s'oppose aux idéaux de l'individu. Les idées de l'humanisme ont révélé leur incohérence. Les qualités humaines ont commencé à se transformer en qualités négatives : la réalisation de soi équivaut à l'immoralité et au crime. Un autre aspect important crise- psychologique. Les gens croyaient qu'ils pouvaient tout découvrir, seuls les préjugés de l'Église et du Moyen Âge faisaient obstacle. Découvertes géographiques et physiques, la théorie de Copernic disait que le monde est plus complexe. Après avoir résolu une énigme, une personne tombe sur 10 nouvelles. "L'abîme s'est ouvert et est plein d'étoiles." L'infini est un attribut de l'univers et l'homme est un grain de sable dans un vaste monde. Les illusions de la Renaissance sont supplantées par une nouvelle vision du monde. La Renaissance est remplacée baroque, qui « jette entre les doutes et les contradictions ». Formes bizarres et expressives, importantes pour l'art baroque dynamique, disharmonie, expression. La perspective linéaire est remplacée par « étrange perspective baroque" : angles doubles, images miroir, échelles décalées. Conçu pour exprimer le caractère insaisissable du monde et la nature illusoire de nos idées à son sujet. « L'homme n'est plus le centre du monde, mais la quintessence de la poussière » (Hamlet). Contrasté : noble et science, terrestre et céleste, spirituel et physique, réalité et illusion. Il n’y a aucune clarté ni intégrité dans quoi que ce soit. Le monde est divisé, dans un mouvement et un temps sans fin. Cette course rend la vie humaine terriblement éphémère, d'où le thème de la nature éphémère de l'homme, de la fragilité de tout ce qui existe.

poésie espagnole. Les contemporains considéraient la poésie Gongora(1561-1627) difficile. Alluchias, descriptions métaphoriques. Romance "À propos d'Angélique et Medora". (Si vous voulez lire : /~lib/gongora.html#0019). Incompréhensibilité. Les roses fanées font rougir les joues de Medora. Diamant chinois - Princesse Angelica, qui n'a pas encore connu l'amour. Description littéraire compliquée - le caractère fermé de la poésie de Gongora, l'atmosphère du jeu. Métaphoricité sophistiquée, rapprochement conceptuel d'images lointaines - jeu baroque(caractéristique de Gongora, Grassian, Calderon, Fhtagn).

De la corne:

Les poètes baroques aimaient beaucoup la métaphore. Cela a créé une atmosphère de jeu intellectuel. Et le jeu est une propriété de tous les genres baroques (dans les métaphores, dans la combinaison d'idées et d'images inattendues). En dramaturgie, le jeu a donné lieu à une théâtralité particulière grâce à la technique de la « scène sur scène » + la métaphore du « théâtre de la vie » (l'autographe de Calderon « Le Grand Théâtre du Monde » est l'apothéose de cette métaphore). Le théâtre est également utilisé pour révéler le caractère insaisissable du monde et la nature illusoire des idées qui le concernent.

Et dans de telles conditions, quand tout va mal, un certain début commence à émerger, sur la base duquel le chaos naturel peut être surmonté - la résilience de l’esprit humain.

Dans le même temps, le classicisme émerge. Ces deux systèmes naissent d’une prise de conscience de la crise des idéaux de la Renaissance.

Les artistes du baroque et du classicisme ont rejeté l'idée d'harmonie qui sous-tend le concept humaniste de la Renaissance. Mais en même temps, baroque et classicisme s’opposent clairement.

Conférence. En dramaturgie, le jeu baroque se manifeste d'abord dans divertissement, illusionnisme, transition de la réalité au fantastique. Théâtre de la métaphore - comparant la vie humaine au théâtre (As You Like It de Shakespeare). Les idées sur le théâtre ont déterminé les idées sur le monde, d'où thème du théâtre de vie. Surtout Calderon – « Le Grand Théâtre du Monde ». Dieu joue le théâtre de la vie, levant le rideau du chaos. La nature illusoire de l'existence humaine. Le baroque a donné une idée plus dramatique du monde et de l'homme. L'illusoire est davantage corrélé par l'homme non seulement avec la nature, mais aussi avec la société (une expression étrange). Le comique de l'existence humaine. Dissonance tragique : la recherche du bonheur est un processus historique cruel. On en parle beaucoup dans la poésie du baroque allemand (ils ont écrit pendant la guerre de 30 ans).

Gryphius, "Les Larmes de la Patrie", 1636 d. Face au désastre, il ne restait plus aucun espoir. Le trésor de l’âme a été pillé dans l’intemporalité. Face à des expériences intenses et à des contradictions tragiques, le principe organisateur, fondement inébranlable de l’existence humaine : force morale intérieure de l'esprit humain. La philosophie du stoïcisme est l'indépendance de l'esprit humain, la capacité de résister à toutes les circonstances.

Concept catholique du libre arbitre. La prédestination (Aurèle Augustin) et la doctrine du libre arbitre sont contrastées. La Réforme, représentée par Luther, a développé les idées de prédestination. Une personne est heureuse et pécheresse si elle a besoin de l'aide d'en haut sous la forme de la grâce divine. Autre idée (chez les catholiques) : chacun fait son choix, en faveur de la grâce ou du mal. Ces idées sont devenues base philosophique drame Calderon. Dans The Steadfast Prince, par exemple, les mondes chrétien et maure sont contrastés

En dramaturgie : il n'y a pas de normes strictes, pas d'unité de lieu et de temps, mélanger le tragique et le comique dans une seule œuvre est le genre principal tragi-comédie, théâtre baroque - théâtre d'action. Lope de Vega écrit sur tout cela dans « Un nouveau guide pour écrire des comédies ».

3. Caractéristiques des tragédies philosophiques de Calderon (« La vie est un rêve », etc.) Le XVIIe siècle en Espagne est l'âge d'or du théâtre. Il a été ouvert par Lope de Vega et fermé par Calderon

Biographie : Calderon est né à Madrid, dans la famille de Don Diego Calderon, secrétaire du trésor, noble bourgeois. La mère du futur dramaturge, Anna Maria de Henao, était la fille d'un armurier. Son père a préparé Calderon à une carrière spirituelle : il a fait ses études au Collège des Jésuites de Madrid et a également étudié aux universités de Salamanque et d'Alcala de Henares. Cependant, en 1620, Calderon abandonne ses études pour le service militaire.

En tant que dramaturge, Calderón a fait ses débuts avec la pièce « Amour, honneur et pouvoir », pour laquelle il a reçu les éloges de son professeur, Lope de Vega, et au moment de sa mort, il était déjà considéré comme le premier dramaturge d'Espagne. De plus, il a été reconnu au tribunal. Philippe IV fit chevalier Calderon dans l'Ordre de Saint-Jacques (Santiago) et lui commanda de jouer des pièces pour le théâtre de cour installé dans le nouveau palais du Buen Retiro. Calderon a bénéficié des services des meilleurs musiciens et scénographes de l'époque. Dans les pièces écrites lorsque Calderon était dramaturge de cour, l'utilisation d'effets scéniques complexes est perceptible. Par exemple, la pièce « La bête, la foudre et la pierre » a été jouée sur une île au milieu d'un lac dans le parc du palais, et le public l'a regardée assis dans des bateaux.

En 1640-1642, tout en exerçant ses fonctions militaires, Calderón participa à la répression de la « Révolte des Faucheurs » (mouvement séparatiste national) en Catalogne. En 1642, pour des raisons de santé, il quitte le service militaire et trois ans plus tard reçoit une pension. Il devint plus tard tertiaire de l'Ordre de Saint-Pierre. François (c'est-à-dire qu'il prit les vœux monastiques de l'ordre, mais resta dans le monde), et en 1651 Calderon fut ordonné prêtre ; Cela a probablement été causé par des événements de sa vie personnelle (la mort de son frère, la naissance d'un fils illégitime), sur lesquels peu d'informations fiables ont été conservées, ainsi que par la persécution du théâtre qui a commencé. Après son ordination, Calderon abandonna la composition de pièces profanes et se tourna vers des pièces allégoriques basées sur des intrigues empruntées principalement à la Bible et à la Tradition sacrée, les soi-disant autos, représentations données lors des fêtes religieuses. Cependant, en abordant des thèmes religieux, il traita de nombreux problèmes dans l'esprit du christianisme primitif, avec sa démocratie et son ascèse, et ne suivit jamais les principes de l'Église orthodoxe. En 1663, il fut nommé confesseur personnel de Philippe IV (aumônier royal) ; Cette position honorifique fut conservée par Calderon et le successeur du roi, Charles II. Malgré la popularité des pièces de théâtre et la faveur de la cour royale, les dernières années de Calderon se passèrent dans une pauvreté notable. Calderon décède le 25 mai 1681. C'est tout un contraste, n'est-ce pas ?

Héritage des traditions de la littérature espagnole de la Renaissance, Calderon. en même temps, il exprime sa déception face à l'humanisme de la Renaissance. Calleron voit dans la nature même de l'homme la source du mal et de la cruauté, et le seul moyen de se réconcilier avec la vie est la foi chrétienne avec ses l'exigence de freiner la fierté. Le travail de l'écrivain est contradictoire combine des motifs Renaissance et baroques.

Les drames de Calderon (dont 51 pièces) sont généralement divisés en plusieurs catégories : les drames historiques, philosophiques, religieux, bibliques, mythologiques et « drames d’honneur » . Mais l'esprit du baroque espagnol et le génie de Calderon se sont manifestés le plus pleinement dans les drames philosophiques produits en Espagne au XVIIe siècle. a pris la forme d'un drame religieux-philosophique ou historico-philosophique.

Les pièces de ce type abordent des questions fondamentales de l'existence, tout d'abord : destin humain, libre arbitre, causes de la souffrance humaine. L'action se déroule le plus souvent dans des pays « exotiques » pour l'Espagne (par exemple l'Irlande, la Pologne, la Moscovie) ; la saveur historique et locale est résolument conventionnelle et vise à souligner leurs problèmes intemporels. Les sentiments et les actions spécifiques sont plus importants pour lui dans les « comédies du manteau et de l'épée », mais dans les comédies philosophiques, ce n'était pas si important. Il y combine les caractéristiques du drame historique, de l'allégorie religieuse, philosophique et théologique du type automobile (représentations les jours fériés). Au centre du problème le sens de la vie, le libre arbitre, la liberté de l'existence humaine, l'éducation d'un dirigeant humain et sage. Ici, il poursuit les idées de la Renaissance avec son humanisme et en général, mais commence les idées du baroque, dont je parlerai un peu plus loin. Exemples : « La vie est un rêve », « Le Magicien », « Purgatoire de Saint-Patrick ».

Calderon avait une merveilleuse capacité dans ses œuvres à combiner une image réelle du monde avec sa généralisation abstraite et philosophique. Les parallèles sont faciles à deviner, particulièrement faciles à deviner à l’époque, car j’ai écrit, sinon sur le sujet du jour, du moins. au minimum, sur les problèmes qui préoccupaient la société, décrivant les contradictions tragiques et d'autres problèmes de la société.

Attitude de style baroque : pessimisme(la vie est pleine de troubles, c'est généralement un rêve, d'ailleurs, ces troubles se contredisent aussi), mais avec des particularités néostoïcisme(tout le monde s'est vite souvenu de la philosophie !). Leur vie est chaotique, illusoire, imparfaite. ("Qu'est-ce que la vie ? La folie, une erreur. Qu'est-ce que la vie ? La tromperie du voile. Et le meilleur moment est l'erreur, Puisque la vie n'est qu'un rêve, Et les rêves ne sont que des rêves"). La vie est une comédie, la vie est un rêve. Cependant, la formule n’est pas absolue pour le poète et ne s’applique pas à l’amour.

Doute sur les valeurs terrestres Et envie de suprasensible dans le drame de Calderón s'expliquent par le dogmatisme théologique, répandu en Espagne au XVIIe siècle. perte de confiance dans la perspective historique et sentiment de chaos dans le monde. désordre tragique de la vie, qui parcourt les pièces, montre dès les premiers vers la persistance avec laquelle l'idée « la vie est un rêve » est poursuivie. Le même sentiment tragique explique la conscience accrue de la « culpabilité de la naissance » - du péché de l'homme. Parallèlement, la philosophie baroque de Calderon, qui a suscité être prêt à affronter courageusement un destin difficile, n’impliquait pas nécessairement la soumission à la providence. Dès le début du drame, à côté du thème du désordre du monde, de la culpabilité de la naissance, surgit également le thème de la rébellion, exprimé avec énergie dans le monologue de Segismundo, emprisonné par son père dans la tour («... Et avec un esprit plus expansif, / Ai-je besoin de moins de liberté ? »)

Cela dépend uniquement de la manière dont la personne jouera son rôle dans ce théâtre de la vie. Ce n'est pas la providence divine qui aidera une personne à bien ou mal jouer son rôle, mais un esprit qui affronte le chaos de la vie, en route vers la vérité. Il voit dans l'esprit un pouvoir qui peut aider une personne freiner les passions. Dans les drames, il se montre douloureux le mouvement et la rotation de cet esprit, qui est épuisé de mettre de l'ordre dans ce chaos. La vie est mouvement, un choc aigu de contrastes. Malgré son clergé et ses études de théologien, il n'appelle pas à l'humilité, puisque, je le répète, le conformisme lui est étranger, mais il appelle à la persévérance, loue la volonté, en général, il est proche des premières vues théologiques. Même dans Le Prince inébranlable (1629), où les sentiments religieux et absolutistes peuvent sembler poussés jusqu'au fanatisme, Calderon pense en termes plus universels que le catholicisme. Personnes différentes confessions peuvent agir ensemble.

Les plans des héros sont violés par quelque chose à première vue inexplicable, mais en fait assez matériel (comme dans La vie est un rêve).

Comparé au classicisme, le drame « La vie est un rêve » donne plus d'espace pour les émotions et l'imagination. Sa forme est libre et l’espace scénique n’est pas moins ouvert à l’infini que dans The Steadfast Prince. Ce n'est pas pour rien que les romantiques étaient si fascinés par de tels exemples de représentation d'une personne face à l'infini. L'idéologie de la violence spirituelle de la contre-réforme s'opposait non pas à l'évidence de l'exactitude de personnes nobles, harmonieusement développées, pleines de vitalité, de beauté physique et mentale, comme chez Shakespeare ou Lope, mais du courage dans la défaite, un intellect confus et chercheur.

Le drame philosophique de Calderon montre la profondeur de la vie spirituelle et intellectuelle d'un homme du XVIIe siècle, son le désir de percer la mer des troubles, trouvez une issue au terrible labyrinthe du destin.

4. Les drames d'honneur de Calderon

Le problème de l'honneur était commun à de nombreux drames des XVIe et XVIIe siècles (en Espagne, cette question était très aiguë, car à l'occasion de la reconquista, elle était annoncée un grand nombre de les « caballeros » (« cavaliers »), chevaliers partis reconquérir les terres espagnoles aux Maures ; au retour des hostilités, ces personnes apportaient à la fois un désir constant et une volonté de se battre jusqu'à la mort, ainsi que de hautes idées sur l'honneur qu'ils auraient gagné au combat - ce qui a donné lieu à la pratique de fréquents duels dans la haute société espagnole), et l'esprit de Calderon. manuel « Histoire de la littérature étrangère » XVIIe siècle" aux côtés des comédies sur l'amour (La Dame invisible) et des drames philosophiques (La vie est un rêve), se distinguent les drames d'honneur : "Le Docteur de son honneur" (une question d'honneur conjugal) , "Le Prince inébranlable" (l'honneur comme respect de soi, fidélité à une idée (préservation de la forteresse de Ceuta pour l'Espagne)), "L'Alcalde Salaméen" (l'honneur comme dignité de tous, né de la vertu, inhérent non seulement aux nobles), etc. Parmi ceux énumérés, seuls les deux premiers drames devraient nous être familiers.

Dans « Le Docteur de Son Honneur », l'honneur est pratiquement un être vivant (Gutierre dit : « Nous deux, honneur, nous sommes restés »), un totem dont la conservation est placée comme le devoir le plus élevé (déshonoré, comme il l'a dit). croit, Don Gutierre va sans aucun doute tuer sa femme prétendument coupable par les mains d'un autre), des actions dans le cadre de sa protection - voire un meurtre ! - sont reconnus légaux (le roi, averti du meurtre par le barbier, ne punit pas Don Gutierre, d'ailleurs, il épouse Dona Leonor pour lui, et à la fin du drame a lieu le dialogue suivant entre les époux mariés : ( Don Gutierre) Mais souviens-toi, Léonor, / Ma main est lavée de sang.(Dona Léonor) Je ne suis ni surpris ni effrayé. (Don Gutierre) Mais j'ai été médecin à mon honneur, / Et je n'ai pas oublié la guérison.(Dona Léonor) N'oubliez pas si vous en avez besoin.(Don Gutierre) J'accepte cette condition. Apparemment, personne n'est gêné par ce qui s'est passé - tuer au nom de la préservation de l'honneur est considéré comme allant de soi, et les « jeunes » sont persuadés d'adhérer à cette règle à l'avenir). De plus, c'est l'apparence qui est importante (devant le roi, Don Gutierre, déjà tourmenté par une terrible jalousie, parle de son épouse comme d'un modèle d'innocence et d'absence de tout soupçon dans sa relation), et d'entreprendre des actions pour protéger honneur, ce n'est même pas le crime lui-même qui suffit, mais le soupçon, le moindre regard : Dona Mencia, mariée non par amour, mais fidèle à son mari Don Gutierre, écarte par tous les moyens les avances de son bien-aimé Don Enrique en le passé; cependant, les soupçons de Gutierre, le poignard de Don Enrique découvert dans sa maison et le discours entendu de Gutierre, confondu avec Don Enrique Mencia, par sa femme adressé à l'infante, lui demandant d'arrêter ses « attaques » - tout cela, plus la lettre de Mencia découverte par Gutierre à l'infante en lui demandant de ne pas fuir le pays, afin de ne pas donner lieu à des rumeurs susceptibles de ternir l'honneur de Mencia et de son mari - assez pour que le don condamne à mort sa femme bien-aimée et vénérée - car, comme il l'écrit à sa femme, ayant déjà décidé de la tuer, Gutierre : « L'amour t'adore, l'honneur te hait, et c'est pour cela que l'un te tue et que l'autre t'informe. » Mais même Mencia elle-même, mourante, alors que Ludovico, qui lui a ouvert les veines, transmet ses paroles, ne blâme pas son mari pour ce qui s'est passé.

L'honneur dans ce drame apparaît comme un tyran terrifiant, dont le pouvoir est reconnu par tous, et qui sanctionne également toute action visant à le préserver et à le protéger.

Il est important de noter qu'en réalité de telles pratiques, le meurtre des épouses en toute impunité, n'étaient pas un phénomène constant (les chroniques le prouvent), c'est-à-dire le drame n’est pas le reflet du typique. Il sert plutôt à refléter l’état critique de rigidité et d’intransigeance dans la compréhension de l’honneur noble.

Le « prince inébranlable » Don Fernando et le commandant musulman Muley connaissent également et comprennent le mot honneur - et cela rapproche deux héros appartenant à des mondes opposés - le monde catholique strict et clair et ensoleillé de l'Espagne, dont les missionnaires sont les l'arrivée des troupes dirigées par Don Fernando, plus tard - avec le roi Alfonso, et le mystérieux et beau monde musulman « nocturne ». Et dès leur première rencontre - Don Fernando remporte un duel sur le champ de bataille de Muley, mais le libère selon les règles de l'honneur, ce qui évoque le véritable respect du Maure - et plus tard - lorsque Muley se voit confier Don Fernando, qui a été en fait condamné à mort, - des héros comme Ils rivaliseraient pour voir qui montrerait le plus de respect pour l'honneur, qui le mérite le plus. Dans la dispute entre le Maure et l'infant, où d'un côté Muley propose à l'infant de s'évader de prison pour que lui, Muley, réponde de sa tête au roi de Fetz de l'évasion du prisonnier, et de l'autre D'autre part, l'enfant dit à Muley de ne pas tenter de le libérer et de vivre heureux le reste de sa vie avec son bien-aimé Phénix - c'est Fernando qui gagne la dispute, et il n'y a pas d'échappatoire, donc le prince espagnol sacrifie sa liberté et la vie pour le bonheur de son ami. De plus, après la mort, le fantôme du prince contribue à la réalisation du but de ce sacrifice - il unit néanmoins Muley et Phoenix dans le mariage.

Mais l'engagement pour le plus grand honneur ne se reflète pas seulement dans cela - Don Fernando sacrifie sa vie, refusant de devenir une rançon pour Ceuta, qui appartient aux chrétiens (il déchire une lettre du roi Alphonse au roi Fetz, proposant un « marché » similaire », et refuse d'échanger davantage sa vie contre Ceuta, pour laquelle il est jeté en prison dans des conditions insupportables), car l'enfant donne sa vie au nom de l'idée, du triomphe du monde chrétien « ensoleillé », et donc il vit dans les conditions les plus difficiles et meurt sans regretter son sort amer.

Dans « L'Alcade de Salamey », écrit avec des transformations significatives basées sur l'œuvre de Lope de Vega, l'honneur apparaît comme la capacité de vertu, de pureté morale et d'innocence, qui manque à certains nobles (contrairement à la croyance selon laquelle « l'honneur » se transmet uniquement par héritage dans une famille noble), mais qui possèdent et des gens simples, par exemple, le paysan Pedro (alcalde - quelque chose comme un chef-juge), dont l'honneur de la fille est volé par un capitaine de l'armée de passage. L'honneur, au sens de Calderon dans "Alcalde", apparaît comme le bien le plus élevé, dans le but de la rendre à sa fille, et pour cela le capitaine est obligé de l'épouser, le paysan Pedro, percevant l'honneur comme un grand trésor moral. , est prêt à donner tous ses biens au capitaine, et si cela ne suffit pas , alors se livrer ainsi que son fils en esclavage. Ainsi, au nom de l'honneur, dont la présence parmi les paysans est contestée par certains personnages négatifs du drame, Pedro est prêt à sacrifier tous les biens matériels et même la liberté.

histoire de France littérature/ AL. Stein, M.N. Chernevich, M.A. Iakhontova. - M., 1988. Lecteurs 1. Artamonov, S.D. Étrangerlittérature17 -18 bb.: lecteur ; éducatif...

Programme annoté de la discipline/module « histoire des littératures étrangères »

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Histoireétrangerlittérature17 -18 bb Histoireétrangerlittérature XVII-XVIII bb

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Destruction du modèle optimiste. Spécificités de l'échange Histoireétrangerlittérature17 -18 bb. (10 heures) Thème 1. Poétique baroque à... l'Université d'État de Moscou. Ser. 9. 1995. N° 1. Melikhov O.V. Histoireétrangerlittérature XVII-XVIII bb. Consignes méthodiques. M., 1968. Mering...

Caractéristiques du XVIIe siècle comme époque particulière de l'histoire de la littérature occidentale

Le XVIIe siècle est un siècle de guerres, de conflits politiques et religieux, un siècle où les idées utopiques de la Renaissance sur la domination appartiennent au passé, laissant derrière elles un sentiment de chaos mondial absolu. Une personne dans ce chaos cesse d'être la mesure la plus élevée de toutes choses, elle est obligée de se soumettre à de nouvelles lois et règles. Et la persécution accrue des hérétiques et la censure renforcée ne font qu'intensifier les humeurs tragiques qui se reflètent dans la littérature. Deux concepts de vision du monde émergent : le concept catholique de libre arbitre et le concept protestant de prédestination. Le premier concept se caractérise par la perception d'une personne comme libre, libre de choisir entre le bien et le mal, prédéterminant ainsi son avenir. Le concept protestant suppose que le salut d’une personne ne dépend pas de la façon dont elle vit et que tout est déjà prédéterminé d’en haut. Mais cela ne dispense pas une personne de l’obligation d’être vertueuse. Malgré les inconvénients du concept catholique de libre arbitre, qui implique une sorte d'échange entre Dieu et l'homme (de bonnes actions avec l'attente d'une récompense divine), ce concept a le plus influencé la littérature du XVIIe siècle.

D'autres idées populaires reflétées dans la littérature du XVIIe siècle étaient les idées du stoïcisme et du néo-stoïcisme. Le principe principal et la devise des adeptes de ces idées étaient le maintien de la paix intérieure. Le néo-stoïcisme se caractérise également par un sentiment religieux très fort, parallèle aux croyances et prémonitions évangéliques.

Au XVIIe siècle, deux s'opposent systèmes artistiques: Baroque et classicisme.

Caractéristiques générales du baroque.

Le baroque est traduit de l'italien par « bizarre », et ce mot caractérise le mieux ce mouvement littéraire. Il remplace la Renaissance et introduit des formes, des dynamiques, des disharmonies et des expressions bizarres et expressives dans la littérature. La perspective linéaire est remplacée par une étrange perspective baroque : doubles angles, images miroir, échelles décalées. Tout cela vise à exprimer le caractère insaisissable du monde et la nature illusoire de nos idées à son sujet. Dans le baroque, le sublime et la science, le terrestre et le céleste, le spirituel et le physique, la réalité et l'illusion s'opposent. Il n’y a aucune clarté ni intégrité dans quoi que ce soit. Le monde est divisé, dans un mouvement et un temps sans fin. Cette course rend la vie humaine terriblement éphémère, d'où le thème de la nature éphémère de l'homme, de la fragilité de tout ce qui existe.

En dramaturgie, le jeu baroque se manifeste d'abord dans le spectacle, l'illusionnisme et le passage de la réalité au fantastique. La vie humaine est assimilée au théâtre. Dieu joue le théâtre de la vie, levant le rideau du chaos. Cette idée dramatique du monde et de l’homme en général est caractéristique du baroque. Il révèle le caractère comique de l’existence humaine, alors que la recherche du bonheur n’est qu’un processus historique cruel.

Caractéristiques générales du classicisme.

Habituellement, la caractéristique la plus importante du classicisme est son caractère normatif, à savoir un ensemble de lois et de règles obligatoires pour tous les artistes. Cependant, de nombreux partisans du classicisme n'ont pas toujours respecté strictement ces règles.

Littérature étrangère des XVIIe et XVIIIe siècles.
17e siècle dans le développement littéraire mondial.

Le processus littéraire en Europe au XVIIe siècle était très complexe et contradictoire. Le XVIIe siècle est l'époque qui a marqué la transition de la Renaissance aux Lumières, et cela a déterminé les caractéristiques du développement historique et culturel des pays européens ; les positions de la réaction féodale-catholique se sont renforcées, ce qui a provoqué une crise de l'humanisme de la Renaissance. , exprimé avec le plus de force dans l’art baroque.

Le baroque en tant que style se forme non seulement dans la littérature, mais aussi dans la peinture et la musique. En tant que mouvement littéraire, le baroque partage un certain nombre de principes idéologiques et artistiques communs.

Le baroque repose sur une conception de l'homme polémique par rapport aux traditions de la Renaissance. Créature faible et fragile, l’homme, comme le croyaient les écrivains baroques, est voué à errer dans le chaos tragique de la vie. Une conception profondément pessimiste de l’existence conduit la littérature baroque à des idéaux religieux ascétiques.

Le baroque crée une théorie élitiste de l’art et affirme un style ornemental métaphorique particulier. Partant de l'idée de disharmonie dans le monde, les écrivains baroques, essayant d'exprimer l'idée de disharmonie dans le système très figuratif de l'œuvre, se laissent emporter par les contrastes sémantiques et picturaux. L'incarnation la plus frappante des principes du baroque se trouve dans l'œuvre du grand dramaturge espagnol P. Calderon.

Dans le baroque européen, deux mouvements émergent : le baroque haut et bas, ou baroque démocratique. Aux idées de l'élite, la rhétorique sublime du haut baroque, représentée par le théâtre de P. Calderon, la poésie de L. de Gongora, D. Donne, le roman pastoral et galant-héroïque, le bas baroque oppose le style du comique burlesque, qui parodie consciemment à bien des égards l'imagerie sublime (ces tendances s'expriment le plus clairement dans un roman picaresque du XVIIe siècle).

Un autre mouvement littéraire du XVIIe siècle est le classicisme, qui fleurit en France. Il faut rappeler que les origines du classicisme remontent à l’esthétique de la Renaissance, qui a créé le culte de l’Antiquité comme centre de l’idéal artistique. Le classicisme reflète la montée de la conscience nationale de la société française. Dans le premier tiers du XVIIe siècle, la formation d'une monarchie absolue a eu lieu en France, ce qui a conduit à l'élimination des conflits civils féodaux et à la formation d'un État unique. État centralisé. Ce processus historiquement progressif crée des conditions objectives pour le développement du classicisme. Les idées de R. Descartes, créateur de l'école philosophique rationaliste, ont eu un profond impact sur l'esthétique du classicisme.

Dans son développement, le classicisme du XVIIe siècle passe par deux étapes principales. Dans la première moitié du XVIIe siècle, il revendique de hautes idées de citoyenneté et d'héroïsme, qui se reflètent dans les tragédies politiques de P. Corneille.

Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, après les événements tragiques de la Fronde, les motifs tragiques s'approfondissent dans le classicisme. Le classicisme a créé une théorie esthétique cohérente, pleinement incarnée dans le traité « Art poétique » de N. Boileau. Les classiques ont développé une théorie normative de l’art, comprenant une différenciation claire entre « haut » et « bas », des canons stricts de genre et de style. L'attitude rationaliste a déterminé le concept de l'homme et les caractéristiques du conflit dans les œuvres classiques. Parallèlement, les classiques défendaient le principe de « l'imitation de la nature », de la « vraisemblance raisonnable », qui leur permettait de recréer dans leurs œuvres les traits typiques de la vie sociale du XVIIe siècle.
^ 17e siècle dans le développement littéraire mondial

La Renaissance est difficile à séparer de l’histoire et de la culture du XVIIe siècle. Au début du XVIIe siècle, les sommités de la Renaissance continuent de créer. La transition entre les époques est très douce et dure plusieurs générations. La même chose se produit aux limites supérieures de la période. Les XVIIe et XVIIIe siècles constituent une époque fondamentale pour le développement de la culture européenne moderne. À cette époque, des États modernes ont été créés. En France, sous l'influence de la culture du classicisme, se créent des normes littéraires et linguistiques qui s'enracinent jusqu'au XXe siècle. Le mouvement éducatif et la littérature rationaliste ont eu une fonction régulatrice similaire en Angleterre.

La Renaissance est une époque d'optimisme social, de découverte de l'univers et des capacités humaines. Le système social devient plus dynamique, les possibilités de la personnalité humaine et du destin s'ouvrent. Il existe une conviction selon laquelle il faut surmonter les obstacles sociaux dans divers domaines. L'idéal de l'homme de la Renaissance est typologiquement similaire à différentes cultures. L’idéal universel incarnait la trinité de la beauté, de la bonté et de la vérité. Mais déjà à la fin de la Renaissance, au XVIe siècle, cet idéal commença à s’affaiblir. Au XVIe siècle, des guerres de religion, des luttes d'États pour les colonies et des compétitions sur la scène européenne ont eu lieu. La culture européenne unie est ébranlée. L'influence généralisatrice de l'origine latine se perd. Une culture nationale apparaît et différents types d'États se créent : bourgeois (révolution en Hollande et en Angleterre), issus du processus de reféodalisation, retour aux anciens rapports sociaux (Espagne, Allemagne, Italie). L'« absolutisme nain » régnait en Allemagne et l'État se trouvait dans un état de fragmentation. La situation fut aggravée par la guerre de Trente Ans qui éclata au XVIe siècle. En France, il y a eu un mouvement progressif vers le capitalisme. La France de cette époque était l’une des principales puissances européennes. Il est considéré comme un classique de la littérature de l’époque. Les tendances à la centralisation s'y manifestent le plus clairement : les différences régionales disparaissent, le centre se renforce, un système juridique et culturel unifié est créé - et l'absolutisme (le rôle exclusif du pouvoir royal).

Au XVIIe siècle, la notion de pouvoir apparaît. Le pouvoir devient une force transpersonnelle qui ne peut être contrôlée. Le philosophe anglais Hobbes a imaginé l’État sous la forme du monstre Léviathan, qui contrôle tout, exige l’obéissance et agit avec des méthodes dures. Il y a une unification complète de la vie, une soumission au roi. La catégorie leader à l’époque est la catégorie de contrôlabilité. En Europe, des rituels émergent qui contrôlent la culture et vie sociale, l'étiquette est introduite. À l’époque de Louis XIV, l’étiquette était hypertrophiée. Un contrôle gouvernemental strict devient une force contraignante. Des révolutions se produisent, laissant la place à la dictature et à la restauration ultérieure de la monarchie.

Au XVIIe siècle, un nouvel idéal religieux se forme. Il y a une recherche d'un Dieu « personnel », son approche de Vie courante. La bourgeoisie présuppose l'initiative personnelle. L'incarnation de cette recherche est la Réforme dans ses manifestations extrêmes (puritanisme, calvinisme). Le côté rituel est écarté et la foi nue demeure. Le principe principal du protestantisme est la preuve individuelle que vous êtes digne du salut divin. Le contenu de l'époque est également devenu le mouvement de contre-réforme, qui s'est particulièrement développé en Espagne et en Italie. Selon les contre-réformateurs, Dieu est relégué à l’empyrée, il agit comme une force aveugle et irrationnelle. Le porteur de cette foi devient l’Église, qui est elle aussi poussée dans l’empyrée. Cette stratégie est mise en œuvre par l’Ordre des Jésuites, dont le slogan est « La fin justifie les moyens ».

Le XVIIe siècle est un tournant où les valeurs humaines évoluent de manière catastrophique. Les symboles de l’époque sont les recherches sans fin, la confiance dans les catégories irrationnelles et la rébellion, l’émeute de sa propre volonté. L'homme de l'époque cherche des appuis dans sa recherche. Ce soutien devient soit raison, soit sentiment. La vérité, la bonté et la beauté commencent à exister séparément les unes des autres. En conséquence, deux tendances opposées apparaissent respectivement : le rationalisme et l’irrationalisme.

Le symptôme le plus distinctif du rationalisme est l’émergence de la science. Dans les études empiriques se pose le problème de la méthode, rapprochant la science de la littérature (René Descartes, Spinoza, Hobbes). Ces recherches scientifiques se poursuivent jusqu'au XXe siècle.

Le revers de ces recherches est l’irrationalisme. L'irrationalisme doute des possibilités de la connaissance humaine. Il s'efforce de mettre en lumière des zones d'inconnu, de montrer la diversité et le jeu des phénomènes. Dans l'irrationalisme, la catégorie du concept est mise en évidence - la convergence de catégories différentes, mais mystiquement liées. À partir du concept, une métaphore se développe. La littérature de cette époque est métaphorique. Le choix entre des vérités privées dépend de la propre volonté de chacun.

L'un des universaux de l'époque est le sentiment de crise, de tournant, de revalorisation des idéaux de la Renaissance. La littérature de l'époque est polémique et de propagande. Soit ils tentent de restaurer l’idéal de la Renaissance, soit ils le nient. Il y a aussi un rejet du principe d’harmonie. Au XVIIe siècle, il y a une orientation vers les catégories dominantes. La dialectique est déterminée par l'unité et la lutte des contraires : l'interaction de la raison et des sentiments, de la personnalité et de la société. L'époque baroque s'intéresse aux processus personnels. L’humanisme change – il devient « l’humanisme malgré ». La valeur d’une personne ne se donne pas initialement, elle s’acquiert. Une autre caractéristique de l'époque est l'analyse et l'approche de recherche. Une méthode est en cours de développement pour diviser la réalité en détails et la combiner de manière inattendue. L’époque aspire à de larges panoramas épiques. Les écrivains se concentrent sur la centralisation de l'idée. Grâce à la découverte d'une idée, une interaction se produit entre la créativité journalistique et artistique. L'idée elle-même dans un texte littéraire se révèle à travers le pathétique et la logique. La logique organise la composition, la connexion des parties. L’un des principaux enjeux de notre époque est celui de la vérité et de la crédibilité. Il y a une recherche de critères de vérité.
^ Littérature baroque (caractéristiques générales).

Les écrivains et poètes de l’époque baroque percevaient le monde réel comme une illusion et un rêve. Les descriptions réalistes étaient souvent combinées à leur représentation allégorique. Les symboles, les métaphores, les techniques théâtrales, les images graphiques (les lignes de poésie forment une image), la richesse des figures rhétoriques, les antithèses, les parallélismes, les gradations et les oxymores sont largement utilisés. Il y a une attitude burlesque-satirique envers la réalité. La littérature baroque se caractérise par un désir de diversité, une synthèse des connaissances sur le monde, l'inclusivité, un encyclopédisme qui se transforme parfois en chaos et en collection de curiosités, un désir d'étudier l'être dans ses contrastes (esprit et chair, ténèbres et lumière, temps et éternité). L'éthique baroque est marquée par une soif de symbolisme de la nuit, le thème de la fragilité et de l'impermanence, la vie comme un rêve (F. de Quevedo, P. Calderon). La pièce de Calderon « La vie est un rêve » est célèbre. Des genres tels que le roman galant-héroïque (J. de Scudéry, M. de Scudery), le réel et roman satirique(Furetière, C. Sorel, P. Scarron). Dans le cadre du style baroque, naissent ses variétés et ses orientations : le marinisme, le gongorisme (cultéranisme), le conceptisme (Italie, Espagne), l'école métaphysique et l'euphuisme (Angleterre) (voir Littérature précise).

L'action des romans est souvent transférée dans le monde fictif de l'Antiquité, en Grèce, les messieurs et les dames de la cour sont représentés comme des bergères et des bergères, ce qu'on appelle pastorale (Honoré d'Urfé, « Astraea »). La prétention et l'utilisation de métaphores complexes fleurissent dans la poésie. Les formes courantes incluent le sonnet, le rondo, les concetti (un court poème exprimant une pensée pleine d'esprit) et les madrigaux.

En Occident, un représentant exceptionnel dans le domaine du roman est G. Grimmelshausen (le roman « Simplicissimus »), dans le domaine du théâtre - P. Calderon (Espagne). En poésie, V. Voiture (France), D. Marino (Italie), Don Luis de Gongora y Argote (Espagne), D. Donne (Angleterre) sont devenus célèbres. En Russie, la littérature baroque comprend S. Polotsky et F. Prokopovich. En France à cette époque fleurit la « littérature précieuse ». Il était alors cultivé principalement dans le salon de Madame de Rambouillet, l'un des salons aristocratiques de Paris, les plus en vogue et les plus célèbres. En Espagne, le mouvement littéraire baroque était appelé « Gongorisme », du nom de son représentant le plus éminent (voir ci-dessus).
Littérature baroque (caractéristiques générales).

les universaux de l'époque apparaissent dans le baroque et le classicisme. Dans la littérature européenne, le classicisme apparaît comme une version simplifiée du baroque ; dans la littérature russe, le baroque et le classicisme sont considérés comme différents. directions artistiques. Mais dans l’œuvre d’un même écrivain, ces deux directions peuvent converger. En Espagne, le baroque occupe une position dominante. Son esthétique et sa poétique ont été développées par des représentants de l'école Lope de Vega. Le classicisme ne s'y développe que théoriquement. En Angleterre, aucune des méthodes n'était dominante, car les traditions de la Renaissance y étaient fortes. Ce n'est qu'au milieu du siècle que les traits classiques se sont développés dans l'art anglais (la théorie de Ben Jonson), mais ils n'ont pas pris racine dans ce pays. En Allemagne se développe un baroque de bas niveau dont les genres privilégiés sont le drame sanglant et la romance picaresque. Le classicisme devient la méthode fondamentale en France, mais des tendances baroques apparaissent également ici. A côté du classicisme, il y a aussi la littérature de salon et la poésie libertine.

Le baroque ne se réalise pas seulement dans la littérature. Dans un premier temps, elle a été mise en valeur dans l'architecture (les œuvres du Bernin, les fontaines de Versailles). En musique, le baroque était représenté par les œuvres de Bach et Haendel, en peinture - par Titien et Caravage, en littérature - par Jean-Baptiste Marino et Calderon. Le baroque est étroitement lié à la Renaissance. Yu.B. Whipper parle de maniérisme – l'humanisme tragique de la fin de la Renaissance. C'est une sortie vers des espaces allégoriques avec des conflits philosophiques qui démontrent la foi en l'homme et la tragédie de l'existence humaine.

Le mot « baroque » lui-même n’a pas d’explication précise. Ce terme désigne un large éventail de phénomènes. En baroque, par définition, il n’y a pas de canons. Le canon est individuel, la diversité règne ici.
Visions du monde du baroque :
1. Le sentiment de la nature contradictoire du monde, de l'absence de formes établies, d'une lutte sans fin. La tâche de l’auteur est de capturer la réalité dans sa variabilité.

2. Ton émotionnel pessimiste. Cela vient de la fragmentation, de la dualité du monde. Dans la littérature de ce sens, on retrouve souvent le motif du double.

3. Les motifs principaux sont la lutte de la chair et de l'esprit, visible et essentielle. Un thème favori est la lutte entre la vie et la mort. Les auteurs baroques représentent souvent un être humain dans ses états limites (sommeil, maladie, folie, festin pendant la peste).

4. Théâtre, jeu, expériences de héros avec la vie, attitude respectueuse envers les joies terrestres, admiratif des petites choses de la vie quotidienne. Les œuvres baroques présentent un kaléidoscope de la vie.

5. Le héros baroque est un individualiste complet. Il s’agit soit d’une créature brillante, mais initialement vicieuse, qui a besoin d’expier ses péchés, soit d’une personne initialement gentille, mais défigurée par les circonstances de la vie. Le deuxième type de héros s’efforce de s’échapper du monde soit par la créativité, soit en créant des utopies de vie.
L’esthétique baroque est exposée dans les traités « L’esprit ou l’art de l’esprit vif » (Balthazar Grassian) et « La longue-vue d’Aristote » (Emmanuel Tesauro). L'art du point de vue baroque est une créativité subjective. Il n'exprime pas la vérité, mais crée une illusion, obéissant à la volonté de l'auteur. La tâche de l'écrivain est de transformer la réalité. La fuite de la pensée doit être exagérée. Les auteurs baroques s'intéressent à tout ce qui est inhabituel. En se familiarisant avec l'inédit, le lecteur peut être surpris. Le principal moyen artistique est la métaphore. La métaphore croise l’amplification – l’exagération. Le même objet subit une rotation de différents côtés.
^ Caractéristiques de la littérature anglaise du XVIIe siècle.

La première moitié du XVIIe siècle est marquée en Angleterre par l'épanouissement de la poésie baroque, représentée principalement par l'école des poètes métaphysiques. L'un des poètes les plus talentueux de ce mouvement, qui a ouvert de nouveaux horizons à la poésie européenne des temps modernes, était John Donne (1572 - 1631), dont il est recommandé aux étudiants de se familiariser avec l'œuvre. La révolution bourgeoise anglaise (1640-1650) a eu une influence décisive sur le développement de la littérature anglaise au XVIIe siècle. Elle s'est déroulée sous des slogans religieux puritains, qui ont déterminé les spécificités de la pensée artistique de l'époque.

Lors de l'étude de la littérature anglaise du XVIIe siècle, l'attention principale doit être portée aux travaux de D. Milton (1608 - 1674). Publiciste révolutionnaire exceptionnel, Milton reflète dans ses poèmes les conflits politiques les plus urgents de notre époque. Son poème « Paradis perdu » est une tentative de compréhension socio-philosophique du développement du monde et de l'humanité dans son ensemble. DANS monde de l'art Le poème combine organiquement les tendances baroques et classiques, qui doivent être prises en compte lors de son analyse.