Le concept de classicisme Premièrement, il ne fait pratiquement aucun doute que le classicisme est l'un des concepts réellement existants dans l'histoire de la littérature. méthodes artistiques(parfois il est aussi désigné par les termes « direction » et « style »), c'est-à-dire le concept de classicisme comme méthode créative présuppose dans son contenu une méthode historiquement déterminée de perception esthétique et de modélisation de la réalité dans des images artistiques : l'image du monde et le concept de personnalité, les plus courants pour la conscience esthétique de masse d'une époque historique donnée, s'incarnent dans des idées sur le l'essence de l'art verbal, son rapport avec la réalité, ses propres lois internes . Deuxièmement, la thèse selon laquelle le classicisme naît et se forme dans certaines conditions historiques et culturelles est également incontestable. La croyance de recherche la plus répandue relie le classicisme aux conditions historiques de la transition de la fragmentation féodale à un État national-territorial unifié, dans la formation duquel le rôle centralisateur appartient monarchie absolue. Il s'agit d'une étape historique nécessaire du développement social, c'est pourquoi la troisième thèse irréfutable des chercheurs en classicisme se résume au fait que le classicisme est une étape organique de développement de tout culture nationale non seulement les grands écrivains - Corneille, Racine, Molière, La Fontaine, Voltaire, mais aussi le grand théoricien de l'art classique - Nicolas Boileau-Depreau. Étant lui-même un écrivain en exercice qui s'est fait connaître de son vivant grâce à ses satires, Boileau est devenu principalement célèbre pour avoir créé le code esthétique du classicisme - le poème didactique " Art poétique" (1674), dans lequel il donne un concept théorique cohérent de la créativité littéraire, dérivé de la pratique littéraire de ses contemporains. Ainsi, le classicisme en France est devenu l’incarnation la plus consciente de la méthode. D'où sa valeur de référence.
Les concepts philosophiques les plus généraux présents dans tous les mouvements philosophiques de la seconde moitié du XVIIe - fin du XVIIIe siècle. et directement liés à l'esthétique et à la poétique du classicisme sont les concepts de « rationalisme » et de « métaphysique », pertinents pour les enseignements philosophiques idéalistes et matérialistes de cette époque. Le fondateur de la doctrine philosophique du rationalisme est le mathématicien et philosophe français René Descartes (1596-1650). La thèse fondamentale de sa doctrine : « Je pense, donc j'existe » - a été réalisée dans de nombreux mouvements philosophiques de cette époque, unis par le nom commun « Cartésianisme » (de la version latine du nom Descartes - Cartesius en substance,). c'est une thèse idéaliste, puisqu'elle fait ressortir l'existence matérielle d'une idée. Cependant, le rationalisme, en tant qu'interprétation de la raison comme la capacité spirituelle première et la plus élevée de l'homme, est également caractéristique des mouvements philosophiques matérialistes de l'époque - comme, par exemple, le matérialisme métaphysique de l'école philosophique anglaise de Bacon-Locke, qui reconnaissait l'expérience comme source de connaissance, mais la plaçait au-dessous de l'activité généralisatrice et analytique de l'esprit, extrayant de la multitude de faits obtenus par l'expérience l'idée la plus élevée, un moyen de modeler le cosmos - la réalité la plus élevée - du chaos de objets matériels individuels. Le concept de « métaphysique » s’applique également aux deux variétés de rationalisme – idéaliste et matérialiste. Génétiquement, il remonte à Aristote et, dans son enseignement philosophique, il désignait une branche de la connaissance qui explore les principes les plus élevés et immuables de toutes choses, inaccessibles aux sens et compris uniquement de manière rationnelle et spéculative. Descartes et Bacon ont utilisé le terme dans le sens aristotélicien. À l’époque moderne, le concept de « métaphysique » a acquis une signification supplémentaire et en est venu à désigner une manière de penser anti-dialectique qui perçoit les phénomènes et les objets sans leur relation et leur développement. Historiquement, cela caractérise très précisément les particularités de la pensée de l'ère analytique des XVIIe-XVIIIe siècles, la période de différenciation du savoir scientifique et de l'art, où chaque branche de la science, se démarquant du complexe syncrétique, acquiert son propre sujet distinct, mais en même temps il a perdu le lien avec d'autres branches du savoir. Comme nous le verrons plus loin, un processus similaire s’est produit dans l’art.
Après avoir établi le rapport entre l'accentologie du russe et les langues anciennes : « la longitude et la brièveté des syllabes dans la nouvelle versification russe ne sont pas les mêmes, bien entendu, que celles des Grecs et des Latins<...>, mais seulement tonique, c'est-à-dire constitué d'un seul accent de la voix » (368), Trediakovsky dans sa réforme a suivi la voie des analogies cohérentes. Les sons d'une langue varient en qualité : ce sont des voyelles et des consonnes. L'unité sémantique qui suit le son - la syllabe - est constituée de sons de différentes qualités, la voyelle étant celle qui forme la syllabe. Les syllabes sont combinées en une unité sémantique plus large - un mot, et au sein d'un mot, une syllabe - accentuée - est qualitativement différente des autres ; La syllabe formant un mot est une syllabe accentuée qui, dans tout mot, est toujours une et peut être combinée avec n'importe quel nombre de syllabes non accentuées, tout comme dans une syllabe, une voyelle peut être combinée avec une ou plusieurs consonnes. Ainsi, Trediakovsky se rapproche de l'idée d'une nouvelle unité rythmique de vers - un pied, qui est une combinaison d'une syllabe accentuée avec une ou plusieurs syllabes non accentuées. La plus petite unité rythmique du vers tonique est un son long, régulièrement répété dans le vers à intervalles réguliers, composé de sons courts. La plus petite unité rythmique d'un vers syllabique est une syllabe dont le nombre dans un vers détermine son rythme. En combinant des syllabes accentuées et non accentuées en groupes qui se répètent dans un vers pour la versification russe, Trediakovsky agrandit la plus petite unité rythmique d'un vers, en tenant compte à la fois du nombre de syllabes dans un vers (syllabique) et de la qualité différente des syllabes accentuées et non accentuées.. Ainsi, combinant les principes syllabiques et toniques de la versification dans le concept de pied, Trediakovsky parvient à la découverte et à la justification scientifique du système syllabique-tonique de la versification. Donnant la définition d'un pied : « Une mesure, ou une partie de vers, composée de deux syllabes » (367), Trediakovsky identifie les types de pieds suivants : spondée, pyrrhique, trochée (trocheus) et iambique, stipulant notamment la nécessité de une répétition régulière de pieds en vers. Ayant commencé par un pied trochaïque ou iambique, le vers doit continuer avec ces mêmes pieds. Cela crée un modèle sonore productif du vers rythmique russe, qui diffère de la prose, selon les mots de Trediakovsky, « par la mesure et la chute du vers chanté » (366) - c'est-à-dire par la répétition régulière de combinaisons identiques d'accents et d'accents. syllabes non accentuées dans un vers et se déplaçant de vers en vers dans l'ensemble du texte poétique. clauses et rimes. Et en tant qu'élément obligatoire du vers syllabique russe, ce pied trochaïque final avait une influence rythmique assez forte sur l'ensemble du vers : les mots du vers étaient souvent sélectionnés et disposés de telle manière qu'il y avait une tendance à organiser le rythme du vers. selon les lois de la trochaïque, ce qui entraînait une baisse de l'accent sur les syllabes impaires. Bien sûr, cela était complètement spontané, mais néanmoins, selon les chercheurs, ces vers trochaïques accidentels dans le programme russe représentaient jusqu'à 40 %. En conséquence, il s'est avéré que Trediakovsky, le découvreur du principe de versification syllabique-tonique, n'a créé qu'un seul type de vers syllabique-tonique. La syllabe de treize syllabes qu'il a réformée, d'un point de vue moderne, est quelque chose comme un trochée de sept pieds avec le quatrième pied tronqué à une syllabe accentuée.
Dans tous les vers corrects russes, longs et courts, il est nécessaire d'utiliser des jeux propres à notre langue, établis dans un certain nombre et dans un certain ordre. C'est ce qu'ils devraient être, la propriété des mots trouvés dans notre langue l'enseigne.<...>Dans le trésor de notre langue, nous avons une richesse inépuisable de paroles longues et courtes ; il n'est donc pas nécessaire d'introduire des pieds à deux et trois syllabes dans nos poèmes (467-468).
Dans une règle, Lomonossov supprime à la fois deux des restrictions de Trediakovsky : les poèmes courts, à son avis, sont tout aussi sujets à réforme que les longs, et l'ensemble de pieds à deux syllabes de Trediakovsky est complété par des pieds à trois syllabes. Au total, Lomonossov propose six types de pieds : iambique, anapest, iambo-anapaest, formés d'un pied iambique en combinaison avec un pied anapest, un trochée, un dactyle et un dactylochoreus, composés de pieds trochée et dactyle. Une conséquence naturelle de cette expansion de la gamme de rythmes fut l'hypothèse différents types
<...>rimes, ainsi qu'affirmer la possibilité d'alterner propositions et rimes : La poésie russe est rouge et caractéristique lettres masculines, féminines et à trois voyelles contenant<...>[dactyliques] rimes<...>peut finir; plus nous masculin, féminin et trivoyelles
Enfin, l'abolition cohérente de toutes les restrictions imposées par Trediakovsky sur l'utilisation du principe syllabique-tonique a conduit Lomonossov à l'idée dela nécessité d'introduire un autre déterminant rythmique du vers, absent de Trediakovsky. Puisque Trediakovsky ne travaillait qu'avec des vers longs, il n'avait pas besoin de la notion de mètre. Et Lomonossov, qui travaillait à la fois avec des poèmes courts et longs, était étroitement confronté à la nécessité de définir un vers non seulement par le type de rythme (iamb, trochée, etc.), mais aussi par sa longueur. Ainsi, dans sa "Lettre...", le concept de taille est formé, bien que Lomonossov n'utilise pas le terme "taille" lui-même, mais répertorie uniquement les tailles existantes, les désignant par les termes grecs hexamètre (hexamètre), pentamètre (pentamètre). , tétramètre (tétramètre), trimètre ( trimètre) et dimètre (deux pieds). Six types de pieds, dont chacun peut être utilisé dans cinq variantes de mètre, donnent la possibilité théorique de l'existence de « trente genres » de poésie (470). Comparées à un «genre» - le trochée de sept pieds de Trediakovsky, les trente variantes métriques et rythmiques des poèmes de Lomonossov constituent déjà tout un système poétique. Bien entendu, Lomonossov n’était pas exempt de préjugés subjectifs dans le domaine de la versification.
<...>Mais si la source de la prédilection subjective de Trediakovsky pour le trochée était le pouvoir irrésistible de la tradition syllabique, alors l’amour de Lomonossov pour l’iambique avait des fondements esthétiques plus profonds. L'intonation ascendante qui détermine le schéma rythmique du pied iambique correspondait au statut élevé du genre de l'ode solennelle, et la principale raison de la prédilection de Lomonossov pour l'iambique était cette harmonie de forme et de contenu :
Dans toute la réforme Lomonossov, il n'y a eu qu'un seul moment improductif: c'était l'exigence de pureté du rythme, la restriction de l'utilisation des pyrrhichs en mètres à deux syllabes (iambique et trochaïque). Toutefois, cela n’avait pas le caractère d’une interdiction ou d’un ordre strict. Et en pratique, Lomonosov a très vite abandonné cette disposition, puisque la non-utilisation de la pyrrhique en mètres à deux syllabes limitait lexicalement les poèmes. La longueur maximale d'un mot en vers iambique et trochaïque pur sans pyrrhique ne dépasse pas trois syllabes, et toute restriction était contraire à l'esprit même de la réforme Lomonossov, menée sous la devise : « Pourquoi devrions-nous négliger cela [la langue russe ] richesse, endurer une pauvreté arbitraire ?<...>? (471).
Ainsi, la mise en œuvre progressive de la réforme de la versification russe a finalement établi dans la poésie russe le principe syllabique-tonique de la versification, qui correspond au maximum à l'accentologie de la langue russe et reste le principe fondamental de la versification russe. Le prochain acte normatif du classicisme russe fut la réglementation du système des genres de la littérature russe, réalisée en 1748 par Alexandre Petrovich Sumarokov dans un message didactique poétique basé sur les traditions du message esthétique d'Horace « Aux Pisoes (Sur l'art de Poésie) » et le poème didactique de N. Boileau « Art poétique » " Imprimé en 1748 sous la forme d'une brochure séparée «Deux épîtres (la première concerne la langue russe et la seconde la poésie)» par Sumarokov, réunies plus tard par lui sous le titre «Instructions pour ceux qui veulent devenir écrivain», à condition que le développant le classicisme russe avec un code esthétique qui, malgré tout dans son orientation vers la tradition esthétique européenne, était complètement original tant dans sa description des genres littéraires (puisqu'il se concentrait sur le processus littéraire russe) que dans ses relations avec le vivant processus littéraire (puisque dans nombre de cas les descriptions théoriques des genres ont précédé leur apparition réelle dans la littérature russe). Ainsi, le nom de Sumarokov est lié au classicisme russe par un lien associatif particulièrement fort : il a agi à la fois comme théoricien de la méthode et comme son leader reconnu dans sa pratique littéraire.
Quant aux dispositions esthétiques générales des « Deux épîtres… », elles ne diffèrent pratiquement pas des principales thèses du classicisme européen : selon Sumarokov, la créativité littéraire est un processus rationnel :
En même temps, les « Deux épîtres... » de Sumarokov témoignent d'une certaine indépendance esthétique du classicisme russe, de sa dépendance à l'égard de la pratique vivante de la littérature russe du XVIIIe siècle. Outre les écrivains « exemplaires » d'Europe occidentale, le texte de l'épître sur la poésie mentionne Kantemir, Feofan Prokopovich et Lomonossov, et dans un contexte comparatif caractéristique : le satiriste Kantemir est assimilé au satiriste Boileau, l'odopiste Lomonossov - à l'odopiste Pindare et Malherbe, et Sumarokov lui-même, dans un endroit qui, selon lui, occupait une place dans la littérature russe, en le comparant à Voltaire.
Surtout, l’orientation de Sumarokov vers les tendances nationales du développement littéraire est perceptible dans la composition des genres qu’il caractérise dans ses épîtres. Ainsi, par exemple, il n'a consacré pratiquement aucun espace au genre le plus élevé du classicisme européen - le poème épique - et a brièvement évoqué le fait même de l'existence de l'épopée littéraire. Les genres qui dans la littérature russe ont pris en charge l'exposition satirique et la didactique sont caractérisés avec des détails exceptionnels et pleinement - la satire en tant que telle, le poème héroïque-comique (une parodie de l'épopée), la fable et la comédie, et la description de la comédie. lui-même est également très original. Si Boileau, décrivant une comédie, énumère couramment les types de personnages comiques et se concentre principalement sur l'intrigue, l'intrigue, le style spirituel et brillant, alors toute la description du genre par Sumarokov se résume à la caractérologie : la comédie russe, qui n'est pas encore apparue dans la littérature , diffère de la comédie d'Europe occidentale précisément sur cette base : la comédie française est principalement une comédie d'intrigues, la russe est une comédie de caractère : , Même dans cette esquisse superficielle, il est évident que les personnages comiques de la présentation de Sumarokov sont incomparablement plus brillants et plus spécifiques que l'universel « imbécile, avare et dépensier » de Boileau. Dans les cas où Sumarokov décrit des genres qui existent déjà dans la littérature russe, il s'appuie précisément sur des modèles de genre nationaux plutôt qu'européens. C'est le cas par exemple de la caractérisation d'une chanson (absente chez Boileau), très populaire depuis l'époque de Pierre le Grand.
Mais, peut-être, la preuve la plus importante de l'orientation spécifique de Sumarokov vers les problèmes esthétiques nationaux est le leitmotiv de la nécessité d'un langage poétique spécial, qui organise intérieurement toute la problématique des « Deux épîtres... », dont la première est symptomatiquement consacrée spécifiquement aux questions de norme littéraire stylistique : c'est son absence qui fut l'une des principales difficultés de la formation de la littérature russe au XVIIIe siècle. L'exigence transversale de « pureté du style », suivant l'« ordre dans le vers » déjà atteint grâce à la réforme de la versification, renforcée par la conviction de Sumarokov selon laquelle « notre belle langue est capable de tout », relie directement le problème émergent de la réforme stylistique du russe langue littéraire avec une pensée de genre hiérarchique enregistrée dans « Deux épîtres… ».
Après avoir disposé les genres le long de l'échelle hiérarchique du haut et du bas, Sumarokov a failli réaliser la relation esthétique nécessaire entre le genre et le style :
Et même l'orientation principale de la future réforme stylistique, à savoir l'établissement des proportions de la langue russe parlée et de la stylistique de l'écriture du livre slave, était déjà assez évidente pour Sumarokov en 1748 : outre la déclaration de la nécessité d'une littérature littéraire russe langue (« Nous avons besoin d'une langue comme celle des Grecs »), Sumarokov indique directement la voie par laquelle cette norme universelle pourrait être atteinte : C'est dans ce sens - après avoir établi les proportions de slavismes dans la langue littéraire et réglementé fermement les normes de leur compatibilité avec les russismes, Lomonossov a procédé à une réforme de la langue littéraire dans la « Préface sur les avantages des livres paroissiaux en langue russe. " - l'acte normatif le plus récent du classicisme russe (cette œuvre de Lomonosov remonterait à 1758), cimentant ainsi enfin des idées fermes et claires sur les lois de l'art verbal. Dans sa réforme stylistique, Lomonosov a été guidé par les tâches les plus importantes de la théorie littéraire du classicisme - la nécessité de distinguer les styles littéraires et d'établir de fortes correspondances entre les styles de genre - et la réalité linguistique objective de la première moitié du XVIIIe siècle. en Russie. Il s'agissait d'une situation d'une sorte de bilinguisme, puisque pendant tout ce temps en Russie deux variétés de langage écrit livresque existaient en parallèle. L'un d'eux est la tradition des livres russes anciens, la littérature liturgique en langue slave de l'Église (au XVIIIe siècle, elle était appelée « slave » par opposition à « russe » - russe), qui, bien qu'elle soit étroitement liée au russe, était encore une langue différente. La seconde est la tradition de l'écriture commerciale quotidienne, incomparablement plus proche de la langue russe parlée vivante, mais ayant un caractère clérical distinct - c'était la langue écrite des papiers, de la correspondance et des documents commerciaux officiels. Ni l’une ni l’autre tradition ne pouvaient répondre aux exigences imposées au langage des belles-lettres. Et, en procédant à une réforme stylistique, Lomonossov est parti de l'essentiel : le bilinguisme russe séculaire, le fonctionnement de la langue slave des livres anciens ainsi que la langue russe parlée vivante ont conduit à une assimilation très profonde et organique. grande quantité nouvelle écriture russe et, par conséquent, basée sur la réalité de la langue russe contemporaine vivante, il a fondé sa réforme précisément sur cette communauté linguistique « russe slave ». Il a divisé tous les mots de la langue russe en trois groupes. Au premier, il a inclus des mots « qui sont encore utilisés parmi les anciens Slaves et aujourd'hui parmi les Russes, par exemple : Dieu, gloire, main, maintenant, j'honore" (474), c'est-à-dire commun aux langues slaves de l'Église et russes, non différentes dans le contenu et la forme. Aux seconds - « qui, bien qu'ils soient peu utilisés en général, et surtout dans les conversations, sont néanmoins intelligibles à tous les lettrés, par exemple : J'ouvre, Seigneur, je plante, je pleure" (474) - c'est-à-dire des mots qui ont pratiquement disparu de l'usage familier, mais qui sont courants dans la tradition écrite slave de l'Église. Des archaïsmes délabrés et incompréhensibles(«obavayu, ryasny, ovogda, svene») Lomonossov a été exclu de ce groupe. Enfin, le troisième groupe comprenait des mots russes natifs, « qui ne figurent pas dans les vestiges de la langue slave, c'est-à-dire dans les livres paroissiaux, par exemple : Je dis, un flux, qui, pour l'instant, n'est que " (474). Et pour ce groupe, il y avait aussi une exception : « des mots méprisables qui ne sont pas décents à utiliser de manière calme » (474). Lomonossov ne donne pas d'exemples de tels mots, mais d'après le contexte de ses autres œuvres, il est clair qu'il ne s'agit pas ici de grossièretés mais plutôt de vulgarismes familiers et grossiers tels que « lâchez-vous » ou « bosse ». Sur la base de cette division de la composition lexicale de la langue russe en trois couches génétiques, Lomonossov propose sa théorie des styles : "élevé, médiocre Par ailleurs, il énumère également les genres auxquels tel ou tel style est le plus approprié. Le style élevé implique l'utilisation de mots slaves-russes et permet l'inclusion de slavonicismes d'Église qui n'ont pas perdu leur pertinence sémantique. C'est le style d'un poème héroïque, d'une ode, d'un oratoire. Le style moyen est formé sur la base du vocabulaire russe slave, mais permet l'inclusion de « dictons slaves, utilisés dans un style élevé, mais avec beaucoup de soin pour que la syllabe ne semble pas gonflée » et de « mots bas ; attention cependant à ne pas sombrer dans la méchanceté » (475). Le style moyen est le style de toutes les pièces de théâtre en prose, des épîtres poétiques, des satires, des églogues et des élégies, ainsi que de la prose scientifique et artistique. Le style bas est basé sur le vocabulaire russe natif, les slavonicismes d'Église en sont généralement exclus, mais l'utilisation de mots communs aux langues slaves d'Église et russes est autorisée ; L’utilisation de « mots communs et bas » est également autorisée (475). C'est le style de l'épigramme, de la chanson, de la comédie, de l'épistolaire et de la prose narrative de tous les jours.(1760-1780), et à la fin du siècle, c’est cette ligne de réforme stylistique de Lomonossov qui fut reprise par Karamzine, qui créa la norme de style classique pour la littérature russe du XIXe siècle. Mais avant que cela n'arrive, la littérature russe du XVIIIe siècle. a parcouru un chemin chronologiquement court, mais esthétiquement inhabituellement riche, de formation et de développement de son système de genres, dont les origines se trouvent dans le premier genre réglementé de la nouvelle littérature russe - le genre de la satire, qui a trouvé son incarnation dans l'œuvre de A. D. Kantemir. Likhachev D.S. Voir plus de détails : Vinokur G.O. Rapport sur Lomonossov II
Questions de littérature. 1997. Mai-juin. pp. 319-320.
Université russe de l'amitié des peuples
Faculté de Philologie
Département de littérature russe et étrangère
dans le cours "Histoire de la Russie littérature du 19ème siècle V. "
Sujet:
"Classicisme. Principes de base. L'originalité du classicisme russe"
Interprété par l'étudiante Ivanova I.A.
Groupe FZHB-11
Conseiller scientifique:
Professeur agrégé Pryakhin M.N.
Moscou
Le concept de classicisme
Enseignement philosophique
Programme éthique et esthétique
Système de genre
Représentants du classicisme
Le concept de classicisme
Le classicisme est l’une des tendances les plus importantes de la littérature du passé. S'étant imposé dans les œuvres et la créativité de nombreuses générations, ayant mis en avant une brillante galaxie de poètes et d'écrivains, le classicisme a laissé de telles jalons en cours de route. développement artistique l'humanité, comme les tragédies de Corneille, Racine, Milton, Voltaire, les comédies de Molière et bien d'autres œuvres littéraires. L'histoire elle-même confirme la viabilité des traditions du système artistique classique et la valeur des concepts sous-jacents du monde et de la personnalité humaine, principalement l'impératif moral caractéristique du classicisme.
Le classicisme n'est pas toujours resté identique à lui-même en tout, mais il s'est constamment développé et amélioré. Cela est particulièrement évident si l’on considère le classicisme dans la perspective de ses trois siècles d’existence et dans les différentes versions nationales dans lesquelles il nous apparaît en France, en Allemagne et en Russie. Faisant ses premiers pas au XVIe siècle, c'est-à-dire pendant la Renaissance mûre, le classicisme absorba et refléta l'atmosphère de cette époque révolutionnaire, et en même temps il porta de nouvelles tendances qui n'étaient destinées à se manifester énergiquement qu'au siècle suivant.
Le classicisme est l'un des plus étudiés et théoriquement pensés tendances littéraires. Mais malgré cela, il étude détaillée est toujours un sujet extrêmement pertinent pour les chercheurs modernes, en grande partie parce qu'il nécessite une flexibilité et une subtilité d'analyse particulières.
La formation du concept de classicisme nécessite un travail systématique et ciblé de la part du chercheur, basé sur des attitudes envers la perception artistique et le développement de jugements de valeur lors de l'analyse du texte.
Littérature classique russe
Donc dans science moderne Des contradictions surgissent souvent entre les nouvelles tâches de recherche littéraire et les anciennes approches de la formation de concepts théoriques et littéraires sur le classicisme.
Principes de base du classicisme
Le classicisme en tant que mouvement artistique tend à refléter la vie dans des images idéales qui gravitent vers le modèle de « norme » universelle. D'où le culte de l'antiquité du classicisme : l'antiquité classique y apparaît comme un exemple d'art parfait et harmonieux.
Les genres, hauts et bas, étaient obligés d'instruire le public, d'élever ses mœurs et d'éclairer ses sentiments.
Les normes les plus importantes du classicisme sont l'unité d'action, de lieu et de temps. Afin de transmettre plus précisément l'idée au spectateur et de l'inspirer à des sentiments altruistes, l'auteur n'aurait dû rien compliquer. L'intrigue principale doit être suffisamment simple pour ne pas dérouter le spectateur et ne pas priver l'image de son intégrité. L’exigence de l’unité du temps était étroitement liée à l’unité de l’action. L'unité du lieu s'exprimait de différentes manières. Cela pourrait être l’espace d’un palais, d’une pièce, d’une ville, et même la distance que le héros pourrait parcourir en vingt-quatre heures.
Le classicisme se forme, subissant l'influence d'autres courants artistiques paneuropéens qui sont directement en contact avec lui : il s'appuie sur l'esthétique de la Renaissance qui l'a précédé et s'oppose au baroque.
Base historique du classicisme
L'histoire du classicisme commence en Europe occidentale à la fin du XVIe siècle. Au 17ème siècle atteint son plus haut développement, associé à l'apogée de la monarchie absolue de Louis XIV en France et à la plus haute ascension arts théâtraux dans le pays. Le classicisme a continué à exister fructueusement au XVIIIe et au début du XIXe siècle, jusqu'à ce qu'il soit remplacé par le sentimentalisme et le romantisme.
Comment système artistique le classicisme a finalement pris forme au XVIIe siècle, même si le concept de classicisme lui-même est né plus tard, au XIXe siècle, lorsqu'une guerre irréconciliable lui a été déclarée par la romance.
Après avoir étudié la poétique d'Aristote et la pratique du théâtre grec, les classiques français proposent dans leurs œuvres des règles de construction, fondées sur les fondements de la pensée rationaliste du XVIIe siècle. Tout d'abord, il s'agit du strict respect des lois du genre, de la division en genres les plus élevés - ode (une chanson solennelle (lyrique) poème glorifiant la gloire, la louange, la grandeur, la victoire, etc.), la tragédie (une œuvre dramatique ou scénique qui dépeint un conflit irréconciliable entre l'individu et les forces qui s'y opposent), épique (dépeint des actions ou des événements sous une forme narrative objective, caractérisée par une attitude calmement contemplative envers l'objet représenté) et inférieure - comédie (une représentation dramatique ou une composition pour le théâtre , où la société est présentée sous une forme drôle et amusante), la satire (un type de bande dessinée, différant des autres types (humour, ironie) par la netteté de son exposition).
Les lois du classicisme s'expriment de la manière la plus caractéristique dans les règles de construction de la tragédie. L'auteur de la pièce devait tout d'abord exiger que l'intrigue de la tragédie, ainsi que les passions des personnages, soient crédibles. Mais les classiques ont leur propre compréhension de la vraisemblance : non seulement la similitude de ce qui est représenté sur scène avec la réalité, mais la cohérence de ce qui se passe avec les exigences de la raison, avec une certaine norme morale et éthique.
Enseignement philosophique
Contrairement au baroque irrationnel, le classicisme était rationnel et faisait appel non à la foi, mais à la raison. Il cherchait à équilibrer tous les mondes les uns avec les autres : divin, naturel, social et spirituel. Il a défendu Équilibre dynamique tous ces domaines, qui ne doivent pas entrer en conflit les uns avec les autres, mais coexister pacifiquement dans les limites et les impératifs fixés par la raison.
La place centrale dans le classicisme était occupée par l'idée d'ordre, dans l'établissement de laquelle le rôle principal appartient à la raison et à la connaissance. De l'idée de la priorité de l'ordre et de la raison découle une conception caractéristique de l'homme, qui pourrait se réduire à trois principes ou principes directeurs :
) le principe de la priorité de la raison sur les passions, la croyance que la plus haute vertu consiste à résoudre les contradictions entre la raison et les passions en faveur de la première, et que la plus haute valeur et la plus haute justice résident respectivement dans des actions prescrites non par les passions, mais par raison;
) le principe de moralité primordiale et de respect des lois de l'esprit humain, la croyance que c'est la raison qui est capable de conduire une personne à la vérité, au bien et à la justice par le chemin le plus court ;
) le principe du service social, qui affirmait que le devoir prescrit par la raison réside dans le service honnête et désintéressé d'une personne envers son souverain et l'État.
En termes socio-historiques, moraux et juridiques, le classicisme était associé au processus de centralisation du pouvoir et au renforcement de l'absolutisme dans un certain nombre d'États européens. Il assume le rôle d'idéologie, défendant les intérêts des maisons royales cherchant à unir les nations autour d'elles.
Programme éthique et esthétique
Le principe initial du code esthétique du classicisme est l’imitation de la belle nature. La beauté objective pour les théoriciens du classicisme (Boileau, André) est l'harmonie et la régularité de l'univers, qui a pour source un principe spirituel qui façonne la matière et la met en ordre. La beauté est donc, en tant que loi spirituelle éternelle, le contraire de tout ce qui est sensuel, matériel, changeant. Par conséquent, la beauté morale est supérieure à la beauté physique ; la création des mains humaines est plus belle que la beauté brute de la nature.
Les lois de la beauté ne dépendent pas de l'expérience de l'observation ; elles sont extraites de l'analyse de l'activité spirituelle interne.
L'idéal du langage artistique du classicisme est le langage de la logique - précision, clarté, cohérence. La poétique linguistique du classicisme évite, autant que possible, la figuration objective du mot. Son remède habituel est une épithète abstraite.
La relation entre les éléments individuels d'une œuvre d'art est construite sur les mêmes principes, c'est-à-dire une composition qui est généralement une structure géométriquement équilibrée basée sur une division symétrique stricte du matériau. Ainsi, les lois de l’art sont assimilées aux lois de la logique formelle.
L'idéal politique du classicisme
Dans leur lutte politique, les bourgeois et les plébéiens révolutionnaires en France, tant dans les décennies précédant la révolution que dans les années turbulentes de 1789-1794, ont largement utilisé les traditions anciennes, l'héritage idéologique et les formes extérieures de la démocratie romaine. Donc, au tournant des XVIII-XIX siècles. dans la littérature et l'art européens s'est développé nouveau genre le classicisme, nouveau dans son contenu idéologique et social par rapport au classicisme du XVIIe siècle, à la théorie et à la pratique esthétiques de Boileau, Corneille, Racine, Poussin.
L'art du classicisme de l'époque révolution bourgeoiseétait strictement rationaliste, c'est-à-dire exigeait une correspondance logique complète de tous les éléments de la forme artistique avec un plan extrêmement clairement exprimé.
Classicisme des XVIIIe-XIXe siècles. n’était pas un phénomène homogène. En France, période héroïque de la révolution bourgeoise de 1789-1794. a précédé et accompagné le développement du classicisme républicain révolutionnaire, incarné dans les drames de M.Zh. Chénier, dans le premier tableau de David, etc. En revanche, durant les années du Directoire et surtout du Consulat et de l'Empire napoléonien, le classicisme perdit son esprit révolutionnaire et se transforma en un mouvement académique conservateur.
Parfois sous l'influence directe art français et les événements de la Révolution française et, dans certains cas, indépendamment d'eux et même avant eux, un nouveau classicisme s'est développé en Italie, en Espagne, dans les pays scandinaves et aux États-Unis. En Russie, le classicisme atteint son apogée dans l'architecture du premier tiers du XIXe siècle.
L'une des réalisations idéologiques et artistiques les plus importantes de cette époque fut l'œuvre des grands poètes et penseurs allemands - Goethe et Schiller.
Avec toute la variété des variantes de l’art classique, il y avait beaucoup de points communs. Et le classicisme révolutionnaire des Jacobins, et le classicisme philosophico-humaniste de Goethe, Schiller, Wieland, et le classicisme conservateur de l'Empire napoléonien, et le classicisme très diversifié - tantôt progressiste-patriotique, tantôt réactionnaire de grande puissance - en Russie étaient des produits contradictoires de la même époque historique.
Système de genre
Le classicisme établit une hiérarchie stricte de genres, qui sont divisés en hauts (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable).
À PROPOS? Oui- une œuvre poétique, ainsi que musicale et poétique, distinguée par la solennité et la sublimité, dédiée à un événement ou à un héros.
Trague? diya- un genre de fiction basé sur le développement d'événements qui, en règle générale, sont inévitables et conduisent nécessairement à une issue catastrophique pour les personnages.
La tragédie est marquée par un sérieux sévère, dépeint la réalité de la manière la plus pointue, comme un tas de contradictions internes, révèle les conflits les plus profonds de la réalité sous une forme extrêmement intense et riche qui prend du sens. symbole artistique; Ce n’est pas un hasard si la plupart des tragédies sont écrites en vers.
Épique? je- désignation générique des œuvres épiques majeures et assimilées :
.Un récit détaillé en vers ou en prose sur des événements historiques nationaux marquants.
2.Une longue et complexe histoire de quelque chose, comprenant un certain nombre d’événements majeurs.
Coma? diya- un genre de fiction caractérisé par une approche humoristique ou satirique.
Satire- une manifestation du comique dans l'art, qui est une dénonciation poétique et humiliante de phénomènes à l'aide de divers des moyens comiques: sarcasme, ironie, hyperbole, grotesque, allégories, parodies, etc.
Ba? dormir- une œuvre littéraire poétique ou prosaïque à caractère moralisateur et satirique. À la fin de la fable, il y a une courte conclusion moralisatrice - la soi-disant moralité. Personnages Habituellement, des animaux, des plantes, des choses apparaissent. La fable ridiculise les vices des gens.
Représentants du classicisme
En littérature, le classicisme russe est représenté par les œuvres d'A.D. Kantemira, V.K. Trediakovski, M.V. Lomonosov, A.P. Sumarokova.
ENFER. Kantemir était le fondateur du classicisme russe, le fondateur de la direction satirique réelle la plus vitale - telles sont ses célèbres satires.
CV. Trediakovsky, avec ses travaux théoriques, a contribué à l'établissement du classicisme, mais dans ses œuvres poétiques, le nouveau contenu idéologique n'a pas trouvé de forme artistique correspondante.
Les traditions du classicisme russe se sont manifestées différemment dans les œuvres d'A.P. Sumarokov, qui défendait l'idée del'inséparabilité des intérêts de la noblesse et de la monarchie. Sumarokov a jeté les bases du système dramatique du classicisme. Dans ses tragédies, sous l'influence de la réalité de l'époque, il aborde souvent le thème du soulèvement contre le tsarisme. Dans son travail, Sumarokov poursuivait des objectifs sociaux et éducatifs, prêchant des sentiments civiques élevés et des actes nobles.
Le prochain représentant éminent du classicisme russe, dont le nom est connu de tous sans exception, est M.V. Lomonossov (1711-1765). Lomonossov, contrairement à Kantemir, ridiculise rarement les ennemis des Lumières. Il réussit à retravailler presque entièrement la grammaire basée sur les canons français, et apporta des modifications à la versification. En fait, c'est Mikhaïl Lomonossov qui fut le premier à pouvoir introduire les principes canoniques du classicisme dans la littérature russe. En fonction du mélange quantitatif de mots de trois sortes, l'un ou l'autre style est créé. C'est ainsi qu'ont émergé les « trois calmes » de la poésie russe : « élevé » - les mots slaves de l'Église et les mots russes.
Le summum du classicisme russe est l'œuvre de D.I. Fonvizine (Brigadier, Mineur), créateur d'une comédie nationale vraiment originale, qui a posé les bases de ce système réalisme critique.
Gabriel Romanovich Derzhavin était le dernier des plus grands représentants du classicisme russe. Derzhavin a réussi à combiner non seulement les thèmes de ces deux genres, mais aussi le vocabulaire : « Felitsa » combine organiquement les mots de « grand calme » et vernaculaire. Ainsi, Gabriel Derzhavin, qui a pleinement développé les possibilités du classicisme dans ses œuvres, est devenu simultanément le premier poète russe à surmonter les canons du classicisme.
Le classicisme russe, son originalité
L'attitude qualitativement différente de nos auteurs envers les traditions de la culture nationale des périodes précédentes, en particulier envers le folklore national, a joué un rôle important dans le changement du genre dominant dans le système artistique du classicisme russe. Le code théorique du classicisme français - « L'art poétique » Boileau démontre une attitude nettement hostile envers tout ce qui, d'une manière ou d'une autre, avait un lien avec l'art des masses. Dans son attaque contre le théâtre de Tabarin, Boileau nie les traditions de la farce populaire, retrouvant des traces de cette tradition chez Molière. La critique sévère de la poésie burlesque témoigne également du caractère antidémocratique bien connu de son programme esthétique. Il n’y avait aucune place dans le traité de Boileau pour caractériser un genre littéraire tel que la fable, qui est étroitement lié aux traditions de la culture démocratique des masses.
Le classicisme russe n'a pas hésité à s'intéresser au folklore national. Au contraire, dans la perception des traditions de la culture poétique populaire dans certains genres, il a trouvé des incitations à son enrichissement. Même aux origines de la nouvelle direction, en entreprenant une réforme de la versification russe, Trediakovsky se réfère directement aux chants du peuple comme modèle qu'il a suivi pour établir ses règles.
L'absence de rupture entre la littérature du classicisme russe et les traditions du folklore national explique ses autres caractéristiques. Ainsi, dans le système des genres poétiques de la littérature russe du XVIIIe siècle, notamment dans l'œuvre de Sumarokov, le genre de la chanson d'amour lyrique, dont Boileau ne parle pas du tout, connaît un épanouissement inattendu. Dans "Épistole 1 sur la poésie" de Sumarokov caractéristiques détaillées de ce genre est donnée avec les caractéristiques des genres reconnus du classicisme, tels que l'ode, la tragédie, l'idylle, etc. Dans son « Épistole », Sumarokov inclut également une description du genre fable, en s'appuyant sur l'expérience de La Fontaine. Et dans sa pratique poétique, tant dans les chansons que dans les fables, Sumarokov, comme nous le verrons, était souvent directement guidé par les traditions folkloriques.
L'originalité du processus littéraire de la fin du XVIIe - début du XVIIIe siècle. explique une autre caractéristique du classicisme russe : son lien avec le système artistique baroque dans sa version russe.
Bibliographie
1. Philosophie naturelle et juridique du classicisme du XVIIe siècle. #"justify">Livres :
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6.SUIS. Prokhorov. Grande Encyclopédie soviétique. Volume 12. "Publié "Encyclopédie soviétique" 1973
.S.V. Turaev "Littérature. Documents de référence". Éd. "Lumières" 1988
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CLASSICISME(du latin classicus - exemplaire) - une direction de la littérature et de l'art de la fin du XVIIe et du début du XIXe siècle. Le classicisme est né et s'est développé en tant que style et mouvement artistique en France au XVIIe siècle, reflétant la forme et le contenu de la culture de l'absolutisme français.
La théorie esthétique du classicisme a trouvé son expression la plus complète dans « l'Art poétique » de N. Boileau (1674), dans les « Règles élémentaires de l'art verbal » de C. Batteux (1747), dans les doctrines de l'Académie française, etc. Les traits caractéristiques de l'esthétique du classicisme sont sa normativité, sa volonté d'établir des règles strictes de créativité artistique, ainsi que la régulation de critères esthétiques d'évaluation d'une œuvre d'art. Les canons artistiques et esthétiques du classicisme sont clairement orientés vers des exemples de l'art ancien :
transférer les thèmes des intrigues, des personnages, des situations de l'arsenal des classiques anciens comme norme et idéal artistique et esthétique, en les remplissant d'un nouveau contenu.
La base philosophique de l'esthétique du classicisme était le rationalisme (en particulier Descartes), l'idée d'un modèle raisonnable du monde. De là découlent les principes idéologiques et esthétiques du classicisme : la logique de la forme, l'unité harmonieuse des images créées dans l'art, l'idéal d'une nature belle et anoblie, l'affirmation de l'idée d'État, héros idéal, résolvant le conflit entre le sentiment personnel et le devoir public en faveur du devoir. Le classicisme se caractérise par une hiérarchie des genres, leur division en supérieurs (tragédie, épopée) et inférieurs (comédie, fable, satire), l'établissement de trois unités - l'unité de lieu, de temps et d'action dans le drame. L'orientation de l'art du classicisme vers la clarté du contenu, un énoncé clair des problèmes sociaux, un pathos éthique, la hauteur de l'idéal civil l'ont rendu socialement significatif, ayant une grande valeur pédagogique. Le classicisme comme direction artistique ne meurt pas avec la crise de la monarchie absolue en France, mais se transforme en classicisme pédagogique Voltaire, puis dans le classicisme républicain de l'époque de la révolution bourgeoise française (J. David et autres).
Le classicisme se reflète dans tous les types et genres d'art : tragédie (Corneille, Racine), comédie (Molière), fable (La Fontaine), satire (Boileau), prose (La Bruyère, La Rochefoucauld) et théâtre (Talma). Les réalisations de l'art du classicisme en architecture (Hardouin-Mansart, Gabriel, etc.) sont particulièrement significatives et historiquement durables.
En Russie, l'esthétique et l'art du classicisme se sont répandus au XVIIIe siècle. L'esthétique du classicisme russe se reflète dans les œuvres de Feofan Prokopovich (« Piitika » - 1705), Antioche Cantemir (« Préface à la traduction des lettres d'Horace », etc.), V. K. Trediakovsky (« Un conte de sagesse, de prudence et de vertu », « Discours sur la comédie en général », etc.), M. V. Lomonosova (« Dédicace à la « Rhétorique » », « Sur l'état actuel des sciences verbales en Russie »), A. P. Sumarokova ( articles critiques dans le magazine « Hardworking Bee », la satire « De la noblesse », « Épître à Son Altesse Impériale le Souverain Grand-Duc Pavel Petrovitch pour son anniversaire, le 20 septembre 1761 », etc.).
Dans les odes de M. V. Lomonosov, G. R. Derzhavin, les tragédies de A. P. Sumarokov, Ya. , A. N. Voronikhin, la sculpture de M. I. Kozlovsky, I. P. Martos ont donné forme aux principes de l'esthétique classique, transformés sur le sol russe, remplis d'un nouveau contenu national. Une certaine transformation des principes du classicisme est le style Empire (voir).
Le classicisme est un mouvement artistique de l'ère de l'absolutisme. Le classicisme a pris forme en France au XVIIe siècle, à l'époque de Louis XIV, qui est entré dans l'histoire avec la célèbre phrase : « L'État, c'est moi ». Les plus grands représentants du classicisme dans la littérature française sont les tragédiens Corneille et Racine, le comédien Molière et le fabuliste La Fontaine. Le programme esthétique du classicisme a été esquissé dans le traité poétique de Nicolas Boileau « Art poétique ».
Le sujet de l'art, selon les classiques, ne peut être que le sublime et le beau. « Fuyez la bassesse, c'est toujours la laideur... » écrivait Boileau. DANS vrai vie Il n’y a pas grand-chose de haut ou de beau, c’est pourquoi les classiques se sont tournés vers l’art ancien comme source de beauté. L'emprunt d'intrigues et de personnages à la littérature ancienne est un trait caractéristique du classicisme.
Le pathétique du classicisme, formé à une époque où l'État sous la forme d'une monarchie absolue jouait un rôle progressiste, est l'affirmation de la primauté des intérêts de l'État sur les intérêts personnels. Ce pathos civique s’exprimait différemment selon les genres.
Les classiques ont créé un système de genre strict. Les genres étaient divisés en genres élevés (ceux-ci comprenaient la tragédie, le poème épique, l'ode) et bas (comédie, fable, satire). Tous les genres étaient clairement séparés les uns des autres, pour chacun il y avait des lois auxquelles les écrivains devaient se conformer. Ainsi, pour la tragédie du classicisme, le conflit du sentiment et du devoir, la loi des trois unités (« Que tout arrive le jour et en un seul lieu... », écrit Boileau), une composition en cinq actes et des vers alexandrins comme une forme de narration était obligatoire. Le caractère normatif de l'esthétique classique n'est pas devenu un obstacle pour les artistes, dont les meilleurs, dans le cadre des lois strictes du classicisme, ont pu créer des œuvres lumineuses et artistiquement convaincantes.
Caractéristiques des tragédies du classicisme. La tragédie de Corneille "Le Cid"
La tragédie était le genre phare de la littérature classique.
Dans l'esthétique du classicisme, la théorie de la tragédie a été soigneusement développée. Ses lois fondamentales sont les suivantes. 1. Au cœur de la tragédie se trouve le conflit interne entre sentiments et devoir. Ce conflit est fondamentalement insoluble et la tragédie se termine par la mort des héros. 2. L'intrigue de la tragédie est soumise à la loi des trois unités : unité de lieu (tous les événements se déroulent en un seul lieu), unité de temps (tous les événements se déroulent dans les 24 heures), unité d'action (dans la tragédie là-bas (il n’y a pas d’histoires secondaires qui ne contribuent pas au conflit principal). 3. La tragédie est écrite en vers. La taille est également déterminée : vers alexandrin.
L'une des premières grandes tragédies classiques est « Le Cid » de Pierre Corneille (1637). Le héros de la tragédie est le courageux et noble chevalier Rodrigo Diaz, glorifié en espagnol épopée héroïque« Chanson de mon Sid » et de nombreuses romances. L'action dans la tragédie de Corneille est motivée par un conflit de sentiments et de devoirs, qui se réalise à travers un système de conflits privés qui s'enchaînent les uns dans les autres. Il s'agit du conflit de sentiments et du devoir public (le scénario de l'Infante), du conflit des sentiments et du devoir familial (les scénarios de Rodrigo Díaz et Ximena) et du conflit du devoir familial et du devoir public (le scénario du roi Fernando). Tous les héros de la tragédie de Corneille, après une lutte douloureuse, choisissent le devoir. La tragédie se termine par l’approbation de l’idée de dette nationale.
Le "Cid" de Corneille a été accueilli avec enthousiasme par le public, mais est devenu l'objet de vives critiques dans la communauté littéraire. Le fait est que le dramaturge a violé les lois fondamentales du classicisme : la loi de l'unité du genre (dans « Sid », le conflit tragique est résolu avec succès), la loi des trois unités (dans « Sid », l'action se déroule sur 36 heures en trois lieux différents), la loi de l'unité du vers
(Les strophes de Rodrigue ne sont pas écrites en vers alexandrins). Au fil du temps, les écarts par rapport aux normes classiques commis par Corneille ont été oubliés, mais la tragédie elle-même continue de vivre dans la littérature et sur scène.
Nouvelle vision du monde de l'homme au XVIIe siècle. dans différentes régions d’Europe, elle a trouvé son expression dans des formes uniques de culture spirituelle. Dans certains pays, après la crise de la culture de la Renaissance, l'ère baroque commence (Italie, Flandre), dans d'autres un nouveau style se forme - le classicisme. Au début du XVIIe siècle, le baroque était déjà un style unifié dans tous les types d’art, tandis que le classicisme était tardif dans sa formation. Le système stylistique du classicisme ne peut être évalué qu'au XVIIe siècle, car sa diffusion sous des formes modifiées dans les pays européens s'est produite au XVIIIe et au début du XIXe siècle. Mais la théorie du classicisme, contrairement au baroque, était très développée et devançait même la pratique artistique. Le classicisme en tant que système artistique intégral est né en France. On l'appelle souvent la culture de l'absolutisme, car au 17ème siècle. en France se développeÉtat absolutiste. Mais l’art du classicisme ne peut se réduire à servir l’absolutisme. Le classicisme prend forme dans la première moitié du siècle, alors que la question de l'avenir de la France reste ouverte. Il y avait un processus de construction étatique et nationale dans lequel il y avait encore un équilibre entre les principales forces sociales du pays - le pouvoir royal, la noblesse et la bourgeoisie croissante. Ce n’est pas le pouvoir royal en lui-même, mais précisément cet équilibre qui a permis l’émergence de l’art classique, qui glorifiait non pas la soumission absolue au monarque, mais la citoyenneté idéologique. Cet art exigeait de chacun - dirigeants et subordonnés - des actions raisonnables, le souci de l'équilibre social, de l'ordre et de la mesure. Le classicisme est un art réfléchi et constructif. un héros actif et fort - une personne déterminée, énergique, assoiffée de bonheur et amoureuse de la vie. Mais contrairement à l'idéal de la Renaissance, un critère moral fort existant dans la société a agi sur le chemin du bonheur du héros du Nouvel Âge. La moralité publique, en tant que loi immuable de la dignité humaine, était censée inspirer une personne et guider ses actions. C'est précisément un tel héros qui apparaît dans les tragédies de Corneille, de Racine et les comédies de Molière. Ce n’est pas un hasard si la théorie esthétique du classicisme se développe principalement dans le théâtre et la littérature française. Les traités d'écrivains et de poètes français ont joué un rôle exceptionnel dans le développement des principales formes stylistiques du classicisme. Parallèlement à la formation de la théorie, les premières œuvres d'art entièrement classiques sont apparues. L'un des premiers théoriciens et poètes du classicisme fut Nicolas Boileau-Dépreaux (1636-1711). Dans son traité poétique « Art poétique », les principes théoriques du classicisme ont été réunis pour la première fois. Les normes et canons du classicisme sont présentés dans cet ouvrage sous une forme vivante et intelligible. Le système poétique doit être soumis à la discipline de la raison. Le développement rationnel du sujet est mis en avant. L'appel de Boileau à « l'amour pensé en vers » devient le grand principe de la poésie classique. La principale exigence pour un poète est de subordonner sa créativité à la discipline de la raison. La raison doit primer sur le sentiment et l’imagination. Mais pas seulement dans le contenu de l’œuvre, dans son sens, mais aussi dans sa forme. Pour refléter parfaitement le contenu, une méthode correcte et vérifiée, une haute compétence professionnelle et de la virtuosité sont nécessaires. L'unité de forme et de contenu est l'un des principes fondamentaux du classicisme. Le classicisme voyait l’idéal esthétique de beauté dans la culture ancienne. le classicisme est fondamentalement différent. Pour la Renaissance, l’art ancien était une école de maîtrise et une incitation à la recherche créative indépendante, et non un modèle canonique. Les maîtres baroques reconnaissaient théoriquement les canons de l'Antiquité, mais dans leur œuvre ils en étaient loin. Dans l'art du classicisme, les normes de l'Antiquité acquièrent le sens de vérité immuable. Suivre ces canons dans les conditions de la culture moderne condamne l'art du classicisme à la « nature secondaire » de la vérité. Le nom lui-même – classicisme, et non classicisme – souligne ce caractère secondaire. Le classicisme voyait dans la culture ancienne non seulement un idéal esthétique, mais aussi un idéal éthique. L’art de la Grèce antique et de Rome était un exemple d’art à grande résonance sociale, qui prêchait de hauts idéaux civils et moraux. Le noyau de l’utilisation des canons anciens dans l’art du classicisme était le principe rationnel. Cet élément occupait une place importante dans le processus créatif même à la Renaissance. Mais ensuite, le rationalisme a été mis en avant contre le sentiment irrationnel du Moyen Âge comme principal moyen de comprendre les lois de la nature et de l'art. Dans le classicisme, la raison apparaît non pas comme un élément naturel de l'activité humaine, mais comme un objet de culte. Le rationalisme est devenu la base et l'essence de la théorie du classicisme. La raison a été proclamée critère principal de la vérité et de la beauté artistiques. L'art du classicisme s'est fondamentalement séparé de la sphère des sentiments subjectifs dans la perception de la beauté. Le classicisme prétendait affirmer des vérités morales absolues et des formes artistiques inébranlables établies par la raison et exprimées dans des règles. La créativité doit obéir à des lois. Les classiques ont dérivé ces lois sur la base de leurs observations de l'art ancien. L’un des premiers théoriciens du classicisme, le grand dramaturge français Pierre Corneille (1606-1684), commentant la Poétique d’Aristote et se référant à expérience historique siècles, a essayé de dériver les lois formelles du drame. L'une des principales était la loi des trois unités : le temps, le lieu et l'action. et le pouvoir politique, qui est devenu la première puissance européenne et le pionnier du goût et de la mode pour toute l'Europe. L'instauration de l'absolutisme correspondait aux inclinations personnelles du roi. Avide de pouvoir, narcissique, gâté par les flatteries de ses courtisans, Louis aimait répéter la phrase « Je suis l’État ». Afin d'élever le prestige royal, une attention particulière était accordée à la vie de cour. Une étiquette stricte distribuait le temps royal avec des détails ponctuels, et l'acte le plus ordinaire de sa vie (par exemple, s'habiller) était organisé avec une extrême solennité. Louis XIV n'était pas satisfait de l'admiration pour lui-même qu'il voyait et entendait des courtisans, il commença à s'attirer à ses côtésécrivains exceptionnels , français et étrangers, leur accordant des récompenses monétaires et des pensions pour qu'ils se glorifient lui-même et son règne. La littérature française prend peu à peu un caractère courtois. En 1635, l'Académie des Lettres est créée à Paris. À partir de cette époque, le classicisme devient officiellement le courant dominant de la littérature. Jean de La Fontaine (1621-1695) se tenait relativement loin de la cour. Il occupe une place unique dans la littérature du classicisme. Lafontaine ne craint pas l’intérêt pour les genres « inférieurs », il s’appuie sur la sagesse populaire , folklore, qui détermine le caractère profondément national de son œuvre. Son héritage créatif est multiforme, mais la gloire de l'un des les plus grands poètes Il doit ses fables à la France. (Les traditions de La Fontaine ont été utilisées par IA Krylov.) Dans leur moralité édifiante, nous voyons une manifestation de l'un des principes les plus importants du classicisme : l'art doit éduquer et convaincre. Système d'images s'est avéré improductif pour l'art de la poésie lyrique, de la peinture et de la musique. La sphère instable et changeante des émotions était étrangère au classicisme. Les principes du nouveau style - « l'équilibre harmonieux des formes et des proportions idéales - étaient essentiellement les principes de l'architecture. C'est dans le domaine de cet art que résident les principales réalisations du classicisme, qui ont déterminé sa diffusion sur deux siècles de culture européenne. Les principes de base du style ont trouvé leur incarnation organique dans l'architecture du classicisme. L'architecture classique développée en France, en Angleterre et en Hollande est idéalement à l'opposé du baroque. Elle se caractérise par une géométrie claire des formes, des lignes strictes et claires. volumes et conception de composition harmonieuse. Le classicisme s'est tourné vers les formes de l'architecture ancienne ; il a utilisé non seulement ses motifs et ses éléments individuels, mais aussi les lois de la construction. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre des formes plus proches de l'antiquité. Au lieu du baroque irrationnel spontané, l'image architecturale du classicisme s'efforce d'exprimer des idées sur la logique, l'ordre et la mesure. Mais au XVIIe siècle, l'architecture n'était pas encore parvenue à une incarnation cohérente et claire de ces idées. Ils posent les bases de l'art du jardin à la française régulier avec ses enfilades d'allées redressées, garnies d'herbes et d'arbustes, auxquelles on donne la forme géométrique de cônes et de boules. Le jardinier est devenu architecte et sculpteur, a commencé à penser en catégories spatiales et à subordonner le matériau vivant à une conception rationnelle. Le besoin croissant de logements a modifié le développement de la ville. Au début du siècle, se développe à Paris un type d'hôtellerie qui domine pendant deux siècles. Ce sont des maisons de noblesse avec cour et jardin. Ils combinent des plans simples et pratiques avec des façades richement décorées de sculptures, de reliefs et d'ordre. Le nouveau look des maisons de ville Style classique grande importance avait des toits dont la conception et la forme changeaient. Dans les années 30 du 17ème siècle. l'architecte Mansar a proposé une forme de toit brisé utilisant le grenier comme logement. Ce système, appelé le grenier du nom de l'auteur, s'est répandu dans toute l'Europe. Du début du XVIIe siècle. L'architecture du classicisme anglais est en train d'émerger.) et Lindsay House à Londres. Il fut l'architecte de Quans House (la résidence de la Reine) à Greenwich. Il s’agit d’un brillant exemple de classicisme dans l’histoire de la construction de logements. Dans les formes les plus strictes du classicisme, l'ensemble des bâtiments du Palais Royal de Whitehall et l'ensemble du Greenwich Hospital de Londres ont été créés (architectes Jones, Christopher Wren, etc.). Le classicisme a développé de nouvelles formes dans divers domaines - la création de places urbaines de différents types (Covent Garden Square à Londres, Place Vendôme à Paris), la construction de complexes de palais (Versailles, Whitehall), de temples (Cathédrale Saint-Paul à Londres - architecte K. Wren, Cathédrale des Invalides - architecte Hardouin-Mansart), bâtiments publics - mairies, hôpitaux, immeubles d'habitation privés, hôtels particuliers de la noblesse, bâtiments de sociétés commerciales (l'ensemble des Invalides - architecte Bruan, Bibliothèque du Trinity College à Cambridge", le bâtiment des douanes de Londres - l'architecte K. Rehn ; le bâtiment de la mairie d'Augsbourg - l'architecte Elias Holl, la mairie d'Amsterdam - l'architecte J. van Kampen, le bâtiment à grande échelle de Gouda, etc.) Le classicisme a développé des formes de langage architectural qui correspondait aux goûts de la monarchie absolue et de la structure sociale bourgeoise. Architecture française palais, parc et ville. Trois avenues partent de l'immense place devant le palais, l'axe central* s'étend sur 16 kilomètres à travers la ville, la place, le palais et le parc. De nombreux architectes ont participé à la création de l'ensemble de Versailles sur plusieurs périodes de construction - Levo, Orbe, Mansart, Le Brun, Le Nôtre, Gabriel. Cet ensemble incarnait systématiquement les principes du classicisme - régularité, symétrie stricte, clarté de la composition, subordination claire des pièces, rythme calme de l'alternance des fenêtres, des pilastres et des colonnes. Dans le même temps, la finition décorative luxuriante, notamment à l'intérieur, rappelle le baroque. Les salles du palais sont disposées en enfilades, richement décorées de décors sculpturaux, de marbres colorés, de reliefs en bronze doré, de fresques et de miroirs. Le parc devient un élément important de l’ensemble, indissociable de son expressivité architecturale. Il peut être considéré comme une œuvre programmatique d'un nouveau type d'art : le jardinage paysager. André Linotre (1613-1700) perfectionne sa créativité en combinant des éléments d'architecture, de sculpture, de jardinage et d'hydraulique sur la base d'un ensemble. Pour la première fois dans l’histoire, des paysages organisés par des artistes se sont transformés en œuvres d’art. Le parc était décoré de sculptures des célèbres maîtres François Girandon (1628-1715) et Antoine Coisevox (1640-1720). Cette sculpture avait un caractère programmatique – glorifiant le règne du grand monarque. Les sculpteurs ont utilisé les motifs baroques de manière classique : ils ont recherché l'isolement de chaque figure et leur placement symétrique. Un exemple typique de l'architecture classique était la façade orientale du Louvre (parfois appelée « Colonnade du Louvre ») de l'architecte Claude Perrault (1613-1688). Il a été jugé obligatoire d'avoir une division claire des étages par arrêté et de mettre en évidence l'axe central du bâtiment, qui doit nécessairement correspondre à un rebord, un balcon ou un fronton du bâtiment. Les ailes de la façade devaient être fermées par des pavillons. Les exigences du classicisme officiel se font également sentir dans les beaux-arts. occupe Versailles - la nouvelle résidence de Louis XIV. Versailles est devenu le diapason esthétique du style de l’époque. C’est sans précédent en termes de grandeur et d’intégrité.étudie et travaille à Rome (deux années passées à l'invitation de Louis XIII à Paris à la cour royale ne furent pas fructueuses pour son travail). Poussin était à la fois un théoricien et un praticien hors pair. Dans son atelier romain, où se réunissaient peintres et théoriciens, la pensée de l’artiste trouva un terrain fertile pour se diffuser. Poussin n'a pas écrit de traités scientifiques particuliers ; les réflexions de l'artiste sur les buts et les possibilités de la peinture nous sont parvenues dans sa correspondance et dans la transmission d'autres auteurs. Il croyait que l'art du « style majestueux » se compose de 4 éléments : le contenu, son interprétation, sa construction et son style. L'essentiel est que le contenu et l'intrigue soient majestueux et beaux. Pour ce faire, l'artiste doit écarter tout ce qui est petit afin de ne pas contredire le sens sublime de l'histoire. Le sujet de l'image doit être « préparé » à l'idée de beauté, l'essentiel dans cette préparation est l'ordre, la mesure et la forme. Ordre et forme - Poussin en parle constamment, et Descartes, le fondateur de la philosophie du rationalisme, en parle également : « les choses que nous percevons très clairement et distinctement sont vraies ». Seule une « préparation » intelligente peut spiritualiser la matière pour qu’elle devienne vraiment belle. La nature dans l'art doit apparaître sous une forme ennoblie par la raison, privée de ce qui ne correspond pas à l'opinion du cours rationnel des choses, aux règles de la « décence » et bonnes manières. Le paysage doit représenter la puissance épique et l’harmonie de la nature, c’est un paysage composé. Comme expression de cette beauté, surgit le monde de l’Arcadie de Poussin, habité par des célestes, des héros, des satyres, des nymphes et de belles personnes (« Royaume de Flore », « Bergers arcadiens », « Paysage avec Polyphènes »). Il puisait des thèmes dans la mythologie, les livres de l'Écriture, légendes historiques. Poussin était attiré par les caractères forts, les actions majestueuses et le triomphe de la raison et de la justice. Il choisissait des sujets qui donnaient matière à réflexion et promouvaient la vertu. Il voyait en cela la finalité sociale de l’art. Poussin met en avant les thèmes du devoir public et de la nécessité morale, présentés sous la forme d'une intrigue dramatique : les soldats prêtent allégeance à Germanicus, empoisonné sur ordre de Tibère, Erminia coupe ses cheveux luxueux pour panser le héros blessé. et le sauve, le roi Salomon agit en porteur de justice morale dans une dispute entre deux mères au sujet d'un enfant (« La Mort de Germanicus », « Tancrède et Erminia », « La Prise de Jérusalem », « Le Viol des Sabines ». »). La base de la peinture classique réside dans les lois exactes et immuables de l’organisation artistique de l’œuvre. Les compositions de Poussin sont ordonnées, un schéma constructif clair y est visible, l'action principale se déroule toujours au premier plan. Signification principale dans langage artistique forme, motif, ligne donnés. La fétichisation de l’esprit était une menace pour le véritable art. Atteindre un équilibre entre calcul et inspiration, entre le rationnel et l’émotionnel, l’intuitif est une tâche créative très difficile. Poussin fut le seul peintre du XVIIe siècle dans l'œuvre duquel le concept de classicisme s'incarnait de manière véritablement productive. Pour d’autres maîtres, la tâche s’est avérée impossible. Le principe rationnel abstrait a pris le dessus et le système classique s’est transformé en un système académique. Elle était dominée par une approche dogmatique, s’appuyant sur des canons établis. L'Académie française des Arts est créée en 1648 et est dirigée par le premier ministre du roi. En peinture, comme dans toutes les autres formes d'art, il y avait un processus de réglementation stricte et de subordination de la créativité artistique aux tâches de l'absolutisme. L'Académie fut appelée à élaborer des règles formelles pour l'art virtuose. Certains artistes de l’époque affirmaient que seuls les scientifiques pouvaient être des connaisseurs d’art. L’idée d’améliorer la peinture par la raison était très forte. Il y avait même des tableaux mathématiques des réalisations de chaque peintre. L'Académie se réunissait lors de réunions régulières, au cours desquelles d'éminents artistes, en présence de leurs étudiants, examinaient des tableaux de la collection royale du Louvre. Les analyses des peintures étaient basées sur la classification. Tout a été réparti selon les catégories de design, proportion, couleur, composition. Le plus, œuvres littéraires célèbres. Seul le parfait est digne d'être représenté ; tout ce qui est bas, comme dans la poésie des classiques, a été rejeté comme un détail accidentel et inutile qui détourne l'attention de l'essentiel. Les portraits, les paysages, les natures mortes et les scènes du quotidien étaient considérés comme des « genres mineurs ». Les académiciens ont développé tout un système de règles basées sur la correspondance des mouvements et des gestes à certainsÉtats mentaux - peur, colère, joie, surprise, etc. Les traités classiques donnaient des instructions précises sur la façon de transmettre certains états émotionnels et incluaient des dessins et des diagrammes. Les proportions du corps humain ont été construites selon les canons anciens. Avec la primauté du dessin sur la peinture, les figures des toiles des classiques ressemblaient à des sculptures antiques. Mais l’Antiquité n’est pas devenue une forme naturelle d’expression de l’idéal, mais un support obligatoire pour les œuvres de « grand style ». Une normativité rationnelle et aride a conduit à la dégénérescence du classicisme en académisme. Il a expulsé de l’art l’imagination, la fantaisie et la vision individuelle. L'ensemble des règles régissant le processus créatif a contribué à la régulation de l'art, à sa subordination au contrôle de l'absolutisme. Le rôle historiquement nécessaire du classicisme était de développer le principe conscient inhérent à toute créativité. Mais en raison des conditions historiques, cette tendance a pris un ton trop sec et rationnel. La conscience de la créativité artistique s'est transformée en opportunité mécanique. L'idée de la primauté de la pensée s'est transformée en son contraire : un formalisme sans vie. Les formules de style casting ont joué un rôle à la fois positif et négatif. Nous devons pouvoir voir l’art classique dans toute la richesse et la diversité de son contenu. La pratique artistique est toujours plus riche que la théorie et, en règle générale, survit à son époque. Les drames de Corneille et Racine, les comédies de Molière et les fables de La Fontaine, les paysages de Poussin et Lorrain sont encore vivants aujourd'hui, confirmant leur immortalité dans l'histoire de la culture mondiale. Questions 1. Quelles sont les caractéristiques générales du style classicisme ? 2. Quel est le lien entre les idéaux culturels de l'Antiquité, de la Renaissance et du classicisme ? 3. Quel rôle la rationalité a-t-elle joué dans l'art du classicisme ? 4. Quels principes du classicisme se sont formés dans le drame français ? 5. Comment les théoriciens du classicisme ont compris