Introduction................................................. ....... ........................2
Peinture russe de la première moitié du XIXe siècle.............3
Peinture russe de la seconde moitié du XIXe siècle.............10
Conclusion................................................. ......................25
Bibliographie................................................................ . ......26
INTRODUCTION
Le début du XIXe siècle fut une période d’essor culturel et spirituel en Russie. Dans le même temps, les transformations de l'époque précédente sont devenues le principal support du développement de la culture russe dans la première moitié du XIXe siècle. La pénétration d’éléments du capitalisme dans l’économie n’a fait qu’accroître le besoin de personnes alphabétisées et instruites. Les villes sont devenues de grands centres culturels. Au fil des décennies, de plus en plus de couches sociales ont été entraînées dans les processus sociaux. La culture artistique s'est développée dans le contexte d'une conscience nationale croissante du peuple russe et avait donc un caractère national prononcé. La guerre patriotique de 1812 a eu une influence colossale sur tous les types d'art, ce qui a considérablement accéléré la croissance de la conscience nationale du peuple russe et sa consolidation. Dans le même temps, l'internationalisation a eu lieu, le rapprochement avec le peuple russe des autres peuples de Russie. Mais les tendances conservatrices de la politique des empereurs Alexandre Ier et Nicolas Ier ont freiné le développement de la culture. Le gouvernement a lutté activement contre les manifestations d’une pensée sociale avancée. De plus, le maintien du servage n'a pas permis à l'ensemble de la population de bénéficier de grandes réalisations culturelles, ralentissant ainsi encore une fois le processus de développement de la culture russe.
Glorifier les actes héroïques du peuple, l'idée de son éveil spirituel, dénoncer les maux de la Russie féodale, tels sont les thèmes principaux des beaux-arts du XIXe siècle.
Peinture russe de la première moitiéXIXèmesiècle.
Les beaux-arts russes se caractérisent par le romantisme et le réalisme. Mais en même temps, le classicisme était la méthode officiellement reconnue. L'Académie des Arts s'est transformée en une institution conservatrice et inerte qui a entravé toute tentative des artistes de faire preuve de liberté de créativité. Elle exigeait le strict respect des canons du classicisme, encourageait la peinture d'œuvres bibliques et histoires mythologiques. Les jeunes artistes russes talentueux n’étaient pas du tout satisfaits du cadre de l’académisme. Par conséquent, ils se sont plus souvent tournés vers le genre du portrait. Commençons par parler des portraitistes avec Vasily Andreevich Tropinin.
Vassili Andreïevitch Tropinine né le 19 mars 1776 dans le village de Korpovo, province de Novgorod (aujourd'hui village de Korpovo, district de Chudovsky, région de Novgorod) dans la famille d'un serf qui appartenait au comte A. S. Minich. Par la suite, il fut donné en dot au comte Morkov. Vers 1798, il fut envoyé à Saint-Pétersbourg pour étudier auprès d'un chef pâtissier. Cependant, ayant un talent naturel et un penchant pour le dessin, il commença secrètement à étudier à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg avec S. S. Chtchoukine. En 1804, il fut rappelé par son propriétaire foncier - il reçut l'ordre de se rendre en Ukraine, en Podolie, dans le nouveau domaine du comte Morkov. Jusqu'en 1821, il vécut principalement en Ukraine, où il peignit beaucoup d'après nature, puis s'installa à Moscou avec la famille Morkov. En 1823, à l’âge de 47 ans, l’artiste accède enfin à la liberté. En septembre 1823, il présente les tableaux « La Dentellière », « Le Vieux Mendiant » et « Portrait de l'artiste E. O. Skotnikov » au Conseil de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg et reçoit le titre d'artiste désigné. En 1824, pour le « Portrait de K. A. Leberecht », il reçut le titre d'académicien. Depuis 1833, Tropinin enseigne bénévolement aux étudiants d'une classe d'art public ouverte à Moscou (plus tard l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou). En 1843, il fut élu membre honoraire Société d'art de Moscou. Au total, Tropinin a réalisé plus de trois mille portraits. Les premiers portraits de Tropinine, peints dans des couleurs sobres (portraits de famille des comtes Morkov, 1813 et 1815, tous deux conservés à la galerie Tretiakov), appartiennent encore entièrement à la tradition du siècle des Lumières : le modèle est le centre inconditionnel et stable de l'image dans eux. Plus tard, la couleur de la peinture de Tropinin devient plus intense, les volumes sont généralement sculptés de manière plus claire et sculpturale, mais surtout, le sentiment romantique de l'élément mobile de la vie grandit de manière insinuante, dont le héros du portrait ne semble être qu'une partie. , un fragment (« Boulakhov », 1823 ; « K. G. Ravich », 1823 ; autoportrait, vers 1824 ; tous les trois - au même endroit). Tel est A. S. Pouchkine dans le célèbre portrait de 1827 (Musée panrusse de A. S. Pouchkine, Pouchkine) : le poète, posant sa main sur une pile de papier, comme s'il « écoutait la muse », écoute le rêve créatif qui l'entoure. l'image avec un halo invisible. Le spectateur apparaît devant lui, sage avec une expérience de vie, pas très Homme heureux. Avant Vasily Tropinin était en esclavage jusqu'à l'âge de 47 ans. C'est probablement pour cela que les visages sur ses toiles sont si frais et inspirés. des gens ordinaires. Et la jeunesse et le charme de sa « Dentellière » sont infinis. Le plus souvent, V.A. Tropinin s'est tourné vers la représentation de personnes du peuple (« La Dentellière », « Portrait d'un fils », etc.).
Orest Adamovitch Kiprensky né le 13 mars 1782 dans le manoir Nezhinskaya, connu comme un maître exceptionnel des beaux-arts russes du romantisme, un merveilleux portraitiste. Avec le tableau « Dmitri Donskoï sur le champ de Koulikovo » (1805), il démontre une connaissance sûre des canons de la peinture historique académique. Mais très tôt, le portrait devient le domaine où son talent se révèle le plus naturellement et sans effort. Son premier portrait pictural (« A.K. Schwalbe », 1804), peint à la manière de « Rembrandt », se distingue par sa structure en clair-obscur expressive et dramatique. Au fil des années, son savoir-faire se renforce et se manifeste dans la création d'images uniques et caractéristiques. Des peintures telles que le portrait d'un garçon A. A. Chelishchev (vers 1810-11), les images jumelées des époux F. V. et E. P. Rostopchin (1809) et V. S. et D. N. Khvostov (1814) sont pleines d'une vitalité impressionnante, toutes - Galerie Tretiakov). L'artiste joue de plus en plus avec les possibilités de contrastes de couleurs et d'ombres et de lumières, les arrière-plans de paysages et les détails symboliques (« E. S. Avdulina », vers 1822, ibid.). L'artiste sait réaliser même de grands portraits de cérémonie de manière lyrique, presque intimement décontractée (« Portrait de la vie du colonel hussard Evgraf Davydov », 1809, Musée russe). Son portrait du jeune A.S., couvert de gloire poétique. Pouchkine est l'un des meilleurs pour créer une image romantique. Dans Kiprensky, Pouchkine apparaît solennel et romantique, dans une aura de gloire poétique. "Tu me flattes, Oreste", soupira Pouchkine en regardant la toile finie. Kiprensky était également un dessinateur virtuose qui créait (principalement en utilisant la technique italienne du crayon et du pastel) des exemples de compétences graphiques, surpassant souvent ses portraits peints par leur émotivité ouverte et passionnante. Il s'agit de types quotidiens (« Le musicien aveugle », 1809, Musée russe ; « Kalmychka Bayausta », 1813, Galerie Tretiakov) et de la célèbre série de portraits au crayon de participants à la guerre patriotique de 1812 (dessins représentant E.I. Chaplits, A.R. Tomilova , P. A. Olenina, le même dessin avec le poète Batyushkov et autres ; 1813-15, Galerie Tretiakov et autres collections) ; le début héroïque acquiert ici une connotation sincère. Un grand nombre de croquis et de preuves textuelles montrent que l'artiste, tout au long de sa période de maturité, s'est tourné vers la création d'une grande peinture (selon ses propres mots tirés d'une lettre à A.N. Olenin en 1834), « spectaculaire ou, en russe, frappante et magique ». où les résultats de l'histoire européenne, ainsi que le destin de la Russie, seraient représentés sous forme allégorique. "Les lecteurs de journaux à Naples" (1831, Galerie Tretiakov) - en apparence n'est qu'un portrait de groupe - est en fait une réponse secrètement symbolique aux événements révolutionnaires en Europe.
Cependant, les plus ambitieuses des allégories picturales de Kiprensky restèrent inachevées ou disparurent (comme le « Tombeau d'Anacréon », achevé en 1821). Si nous revenons à la biographie de l'artiste, nous devons dire que ce n'est qu'au début de 1836 qu'il réussit enfin à gagner une telle somme qui lui permit de rembourser ses créanciers et de mettre en œuvre sa décision de longue date: épouser Anna Maria Falkucci. Pour ce faire, il dut se convertir au catholicisme en juin 1836 et, en juillet, il se maria sans publicité. On ne sait pas s'il a trouvé la paix qu'il désirait. Certains contemporains ont rappelé qu'il s'était disputé avec sa jeune femme et avait bu violemment, d'autres ont gardé le silence à ce sujet. Sa vie prend néanmoins fin : il attrape un rhume, contracte une pneumonie et meurt quatre mois après le mariage. Quelques mois plus tard, sa fille, Clotilde Kiprenskaya, est née, mais sa trace est désespérément perdue. Après la mort du peintre, les recherches romantiques dans la peinture russe se sont poursuivies à grande échelle dans les œuvres de K. P. Bryullov et A. A. Ivanov.
Karl Pavlovitch Brioullov né le 12 (23) décembre 1799 à Saint-Pétersbourg, dans la famille de l'académicien, sculpteur sur bois et graveur Pavel Ivanovitch Brulleau (Brulleau, 1760-1833). De 1809 à 1821, il étudie la peinture à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg et est l'élève d'Andrei Ivanovich Ivanov. Élève brillant, il reçoit une médaille d'or en classe de peinture historique. Sa première œuvre connue, Narcisse, remonte à 1820. À l'avenir, la quête artistique et idéologique de la pensée sociale russe et l'attente de changement se reflètent dans les peintures de K.P. Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » et A.A. Ivanov "L'apparition du Christ au peuple".
Le contexte du tableau « Le dernier jour de Pompéi » est le suivant : Karl Bryullov a visité les fouilles de l'ancienne ville de Pompéi en 1830. Il marcha sur les trottoirs anciens, admira les fresques et, dans son imagination, surgit cette tragique nuit d'août 79 après JC. e., quand la ville était recouverte de cendres chaudes et de pierre ponce du Vésuve éveillé. Trois ans plus tard, le tableau « Le dernier jour de Pompéi » fait un voyage triomphal de l'Italie à la Russie. L’artiste a trouvé des couleurs étonnantes pour représenter la tragédie de la ville antique, mourant sous la lave et les cendres du Vésuve en éruption. L'image est imprégnée de hauts idéaux humanistes. Cela montre le courage des gens, leur dévouement manifesté pendant terrible désastre. Bryullov était en Italie pour un voyage d'affaires à l'Académie des Arts. Cet établissement d'enseignement offrait une bonne formation aux techniques de peinture et de dessin. Cependant, l'Académie s'est clairement concentrée sur l'héritage antique et les thèmes héroïques. La peinture académique se caractérise par un paysage décoratif et la théâtralité de la composition globale. Les scènes de la vie moderne et les paysages russes ordinaires étaient considérés comme indignes du pinceau de l’artiste. Le classicisme en peinture s’appelait l’académisme. Bryullov était associé à l'Académie avec toute sa créativité.
Karl Petrovich Bryullov avait une imagination puissante, un œil vif et une main fidèle - et il a donné naissance à des créations vivantes conformes aux canons de l'académisme. En vérité, avec la grâce de Pouchkine, il a su capturer sur toile à la fois la beauté d'un corps humain nu et le tremblement d'un rayon de soleil sur une feuille verte. En plus des peintures énumérées ci-dessus, ses toiles « Cavalière », « Bathsheba », « Matin italien », « Après-midi italien » et de nombreux portraits cérémoniaux et intimes resteront à jamais des chefs-d'œuvre de la peinture russe. Cependant, l’artiste s’est toujours tourné vers de grands thèmes historiques, vers la représentation d’événements significatifs de l’histoire humaine. Beaucoup de ses projets à cet égard n’ont pas été réalisés. Bryullov n'a jamais abandonné l'idée de créer une toile épique basée sur une intrigue de l'histoire russe. Il commence le tableau « Le siège de Pskov par les troupes du roi Stefan Batory ». Il représente Climax le siège de 1581, lorsque les guerriers de Pskov et. Les citadins se précipitent pour attaquer les Polonais qui ont fait irruption dans la ville et les jettent derrière les murs. Mais le tableau est resté inachevé et la tâche de créer des peintures historiques véritablement nationales n'a pas été réalisée par Bryullov, mais par la prochaine génération d'artistes russes. Né le même jour qu'A.S. Pouchkine, Bryullov lui a survécu 15 ans. Il a été malade ces dernières années. D'après un autoportrait peint à cette époque, un homme roux aux traits délicats et au regard calme et pensif nous regarde. Bryullov, contrairement à Pouchkine et à son ami Glinka, n'a pas eu une influence aussi significative sur la peinture russe que sur la littérature et la musique, respectivement. Cependant, la tendance psychologique des portraits de Briullov se retrouve chez tous les maîtres russes de ce genre : de Kramskoï et Perov à Serov et Vroubel.
Alexandre Andreïevitch Ivanov - peintre historique, paysagiste, portraitiste. Né le 16 juillet 1806 à Saint-Pétersbourg. Le père de A. A. Ivanov, Andreï Ivanovitch, était professeur à l’Académie des Arts. Il a donné à son fils une formation initiale en dessin et en peinture et a eu une grande influence sur son développement ultérieur. À l'âge de onze ans, Alexandre entre à l'Académie en tant qu'étudiant bénévole. Dès son plus jeune âge, il a connu des succès étonnants et ses œuvres laissaient supposer qu'il les avait accomplies avec l'aide de son père. En 1824, pour le tableau « Priam demandant à Achille le corps d'Hector », Ivanov reçut une petite médaille d'or. À la fin du cursus académique, il reçut le programme « Joseph interprétant les rêves du boulanger et de l'échanson emprisonnés avec lui » (1827, Musée russe de Russie), qui lui valut une Grande Médaille d'Or. Cependant, dans l’interprétation du sujet, les autorités universitaires ont vu de manière inattendue des allusions politiques. L'histoire biblique du cruel pharaon égyptien exécutant des gens semblait être un rappel du massacre des décembristes, puisque l'artiste représentait Joseph comme s'il montrait de la main les bas-reliefs sculpturaux représentant la scène de l'exécution égyptienne. "Cette affaire m'a presque coûté l'exil", se souvient plus tard Ivanov. Faute de preuves, l'épisode fut étouffé, mais l'artiste dut réaliser une nouvelle œuvre : le tableau « Bellérophon part en campagne contre la Chimère » (1829, Musée russe). En 1830, Ivanov se rend en Italie en tant que retraité de la Société pour l'encouragement des artistes. L'étude des monuments antiques et des peintures de grands maîtres se reflète dans son tableau « Apollon, Hyacinthe et Cyprès » (1831-1834). Dès le début de son séjour à l'étranger, Ivanov a cherché un sujet important. L'idée d'une incarnation artistique de la légende évangélique racontant la venue du Messie est née en lui dès le début des années 1830. Mais il ne se considéra pas immédiatement prêt à mettre en œuvre ce plan et, comme approche du thème, commença la composition à deux figures « L'apparition du Christ à Marie-Madeleine » (1835, Musée russe). Malgré les conventions classiques, l'artiste a réussi à créer une image réaliste de Madeleine, véhiculant la complexité et la sincérité de ses sentiments. Le tableau fut envoyé à Saint-Pétersbourg, connut un grand succès et donna à l'artiste le titre d'académicien. En 1837, Ivanov commença son immense toile « L’apparition du Christ au peuple ». Les travaux sur celui-ci au cours des années suivantes ont été étroitement liés au travail sur d'innombrables croquis. Il convient de garder à l'esprit que la période totale de création d'un tableau - vingt ans - ne détermine que le laps de temps entre le début et la fin de l'incarnation de l'idée directement sur la toile. Effectuer d'autres travaux en cours de route, voyager à travers l'Italie et souffrir de maladies oculaires ont parfois éloigné Ivanov de son activité principale pendant longtemps. Ainsi, au milieu des années 1840, il élabora une esquisse d'une composition pour la peinture monumentale de la cathédrale du Christ-Sauveur, en construction à Moscou, et à partir de la fin des années 1840, il consacra beaucoup d'énergie à la vaste série « Esquisses bibliques ». Cette dernière constitue une nouvelle réalisation marquante dans son œuvre. Captivé par la beauté poétique et la sagesse philosophique des légendes anciennes, Ivanov y voyait le reflet des pensées, des sentiments et des actes de personnes d'un passé lointain et incarnait avec émotion, avec une grande puissance artistique, ses idées dans des aquarelles. Malgré son attachement au « grand style » en art, Ivanov a créé plusieurs excellentes aquarelles sur des thèmes quotidiens (« Le marié choisissant une bague pour la mariée », vers 1839, Musée russe ; « Vacances d'octobre », 1842, etc.) . Au cours de son long travail sur son grand tableau, Ivanov n’a cessé d’approfondir et de repenser son concept. Un profond intérêt pour l’histoire, la philosophie et les enseignements religieux était une caractéristique distinctive de l’artiste. Ce n'est pas un hasard si son amitié étroite avec N.V. Gogol, sa connaissance en 1848 d'A.I. Herzen et N.P. Ogarev, ses relations amicales avec D.M. Shchepkin, I.M. Sechenov. Ces personnes exceptionnelles ont satisfait sa soif de connaissances. Tout au long des années 40, sur fond d’événements de la vie publique européenne, l’attitude d’Ivanov à l’égard de son travail change. "Mon travail - le tableau d'ensemble - se dégrade de plus en plus à mes yeux. Nous, qui vivons en 1855, sommes allés loin dans notre réflexion - l'idée principale de mon tableau est presque complètement perdue, et donc J’ai à peine le courage d’en faire davantage pour améliorer son exécution », a écrit Ivanov dans l’une de ses lettres. Au printemps 1858, il retourna en Russie, où il rencontra bientôt Tchernychevski, qui le félicita hautement. Le tableau «L'Apparition du Christ au peuple» et ses croquis ont été accueillis avec retenue dans les cercles officiels. L'artiste ne vécut à Saint-Pétersbourg que six semaines et mourut du choléra le 3 juillet 1858.
Dans la première moitié du XIXe siècle. La peinture russe comprend des sujets du quotidien.
Alexeï Gavrilovitch Venetsianov(1780-1847), artiste russe, représentant du romantisme, qui fut l'un des premiers artistes russes à aborder des sujets quotidiens dans ses peintures. Né à Moscou le 7 (18) février 1780 dans une famille de marchands. Dans sa jeunesse, il a servi comme fonctionnaire. Il étudia l'art en grande partie par lui-même, copiant les peintures de l'Ermitage. En 1807-1811, il suivit des cours de peinture auprès de V.L. Borovikovsky. Il peint des portraits, généralement de petit format, marqués par une inspiration lyrique subtile (M.A. Venetsianova, épouse de l'artiste, fin des années 1820, Musée russe, Saint-Pétersbourg ; Autoportrait, 1811, Galerie Tretiakov, Moscou). En 1819, il quitte la capitale et vit depuis lors dans le village de Safonkovo (province de Tver), qu'il achète, inspiré par le paysage et la vie rurale environnants. Déjà dans le tableau phare Gumno (1821-1823, Musée russe), la vie rurale apparaît comme une base immuable pour l’étude artistique de la nature. Les meilleures peintures de Venetsianov combinaient d'une manière inhabituelle les qualités d'une peinture dans le style du classicisme, révélant cette nature dans un état d'harmonie idéalisée et éclairée ; d'autre part, l'élément romantique y prévaut évidemment, le charme non pas d'idéaux, mais de simples sentiments naturels sur fond de nature indigène et de vie quotidienne. Parmi les œuvres les plus célèbres illustrant la vie des paysans figurent « Sur le champ labouré », « Le printemps » (première moitié des années 1820), « À la moisson ». Été" (années 1820), "Matin du propriétaire foncier" (1823), "Berger endormi" (1823-1824). Ses portraits paysans « Zakharka » de 1825 et « Paysanne aux bleuets » de 1839 apparaissent comme des fragments de la même idylle éclairée-naturelle, classique-romantique. D’autres facettes du talent de Venetsianov se révèlent dans ses compositions religieuses, écrites pour les églises locales, ainsi que dans ses peintures ultérieures, où il s’efforce d’obtenir une imagerie plus dramatique (« Communion à une femme mourante », 1839). De nouvelles recherches créatives ont été interrompues par la mort de l'artiste : Venetsianov est décédé dans un accident dans le village de Poddubye à Tver le 4 (16 décembre 1847) des suites de ses blessures - il a été éjecté d'un chariot lorsque les chevaux ont dérapé sur une route d'hiver glissante. .
Ses traditions se sont poursuivies Pavel Andreïevitch Fedotov(1815-1852). Ses toiles sont réalistes, remplies de contenu satirique, exposant la moralité marchande, la vie et les coutumes de l'élite de la société dans des films tels que « Major's Matchmaking », « Fresh Cavalier » et d'autres. Il a commencé son parcours d'artiste satirique en tant qu'officier de garde. Puis il réalise des croquis drôles et espiègles de la vie militaire. En 1848, son tableau « Fresh Cavalier » est présenté lors d'une exposition académique. C’était une parodie audacieuse non seulement de la bureaucratie stupide et complaisante, mais aussi des traditions académiques. Bryullov est resté longtemps devant la toile, puis a dit à l'auteur en plaisantant à moitié: "Félicitations, vous m'avez vaincu." D'autres films de Fedotov (« Petit-déjeuner d'un aristocrate », « Major's Matchmaking ») sont également de nature comique et satirique. Ses derniers tableaux sont très tristes (« Ancre, plus d'ancre ! », « Veuve »). Les contemporains comparèrent à juste titre P.A. Fedotov en peinture avec N.V. Gogol en littérature. Exposer les maux de la Russie féodale est le thème principal de l'œuvre de Pavel Andreevich Fedotov.
2 Peinture russe de la seconde moitiéXIXèmesiècle.
La seconde moitié du XIXe siècle est marquée par l'épanouissement des beaux-arts russes. Il est devenu un véritable grand art, imprégné du pathos de la lutte de libération populaire, répondant aux exigences de la vie et envahissant activement la vie. Dans les beaux-arts, le réalisme s'est finalement établi - un reflet véridique et complet de la vie du peuple, le désir de reconstruire cette vie sur les principes d'égalité et de justice. Le thème central de l'art est devenu le peuple, non seulement les opprimés et les souffrants, mais aussi le peuple - le créateur de l'histoire, le combattant du peuple, le créateur de tout ce qu'il y a de meilleur dans la vie.
L'établissement du réalisme dans l'art s'est déroulé dans une lutte acharnée avec la direction officielle, dont le représentant était la direction de l'Académie des Arts. Les dirigeants de l’académie ont inculqué à leurs étudiants l’idée que l’art était supérieur à la vie et n’ont proposé que des thèmes bibliques et mythologiques pour la créativité des artistes.
Le 9 novembre 1863, un groupe important de diplômés de l'Académie des Arts refusa d'écrire des ouvrages de concours sur le sujet proposé de la mythologie scandinave et quitta l'Académie. Les rebelles étaient dirigés par Ivan Nikolaïevitch Kramskoï (1837-1887). Ils se sont unis en un artel et ont commencé à vivre en commune. Sept ans plus tard, elle se désintègre, mais à cette époque est née « l’Association des expositions d’art itinérantes », une association professionnelle et commerciale d’artistes partageant des positions idéologiques similaires.
Les Peredvizhniki étaient unis dans leur rejet de « l’académisme » avec sa mythologie, ses paysages décoratifs et sa théâtralité pompeuse. Ils voulaient représenter la vie. Place de premier plan Les scènes de genre (quotidiennes) prennent le relais. La paysannerie jouissait d'une sympathie particulière pour les « Itinérants ». Ils montraient son besoin, sa souffrance, sa position opprimée. A cette époque - années 60-70. XIXème siècle - le côté idéologique de l'art était plus valorisé que l'esthétique. C'est peut-être V.G. Perov qui a rendu le plus grand hommage à l'idéologie, et nous en reparlerons plus loin.
Vasily Grigorievich Perov né en 1834 à Tobolsk dans la famille de l'avocat G.K. Kridener. Perov était considéré comme illégitime, puisque ses parents se sont mariés après sa naissance. Il a passé une partie de son enfance à Arzamas, où il a étudié à l'école d'A.V. Stupin. En 1853, il entre à l’École de peinture et de sculpture de Moscou. Ayant un besoin matériel, j'ai rencontré le soutien du professeur E.Ya Vasiliev. Les professeurs de Perov étaient M.I. Scotti, A.N. Mokritsky, S.K. Zaryanko, camarade de classe et ami - I.M. Pryanishnikov. Déjà là premiers travaux Perov a agi comme un artiste socialement critique. En 1858, son tableau « L'arrivée du Stavoy pour enquête » (1857) reçut la Grande Médaille d'Argent, puis il reçut la Petite Médaille d'Or pour le tableau « Le Fils d'un Sexton, promu registraire collégial » ( 1860, lieu inconnu). Les premières œuvres de Perov ont connu un grand succès lors des expositions. Pour le concours de fin d'études, Perov voulait écrire « Procession religieuse rurale à Pâques », mais le croquis n'a pas été approuvé. Continuant à travailler sur cette intrigue, Perov prépare simultanément le tableau «Sermon dans un village» (1861). Son contenu critique n'a pas été exprimé aussi directement et l'auteur a reçu une Grande Médaille d'Or, ainsi que le droit de voyager à l'étranger. En 1862, il expose « Procession rurale à Pâques » (1861) à la Société pour l'encouragement des artistes de Saint-Pétersbourg, mais la toile est retirée de l'exposition avec interdiction de la faire connaître. Le manque de spiritualité des pasteurs d'église, l'obscurité, l'ignorance et l'incrédulité du peuple - le contenu de cette œuvre, qui en termes de pouvoir d'exposition n'a pas d'égal dans la peinture russe précédente. À cette époque, le langage artistique de Perov était libéré des chaînes des étudiants et on peut parler de la nouveauté de ses moyens d’expression. Les différents éléments du tableau étaient subordonnés à la tâche de refléter de manière réaliste une situation de vie observée et profondément significative. En 1862, la « Tea Party à Mytishchi près de Moscou » fut achevée - un autre exemple frappant de réalisme critique. Parti à l'étranger, l'artiste s'installe à Paris. "Les chiffonniers de Paris" (1864), "Le broyeur d'orgues" (1863), "Le Savoyard" (1864) et "Le vendeur de livres de chansons" ont été écrits ici. Cependant, « ne connaissant ni les gens, ni leur mode de vie, ni leur caractère », Perov n'a pas vu l'avantage de travailler en France et a demandé l'autorisation de rentrer chez lui plus tôt que prévu. Il reçut l'autorisation de poursuivre sa retraite en Russie et vint à Moscou en 1864. La créativité de Perov dans la seconde moitié des années 1860 était variée dans ses sujets. Tout en contenant toujours un contenu socialement accusateur, il a également acquis des notes lyriques claires. Au cours de cette période, de nombreuses œuvres marquantes de l'artiste ont été écrites : « Voir le mort » (« Funérailles d'un paysan », 1865), « L'arrivée d'une gouvernante chez un marchand », « Troïka » (toutes deux en 1866) , « La noyée » (1867), « La dernière taverne de l'avant-poste » (1868). Maître mature du genre quotidien et psychologue profond, Perov agit dans de nombreux cas à la fois comme un peintre paysagiste subtil et comme l'auteur de portraits exceptionnels - A.N. Ostrovsky (1871), F.M. Dostoïevski (1872), etc. Au tournant des années 1860-1870, Perov devient l'un des initiateurs et des figures actives de l'Association des expositions d'art itinérantes. De 1871 jusqu'à la fin de sa vie, il enseigne à l'École de peinture et de sculpture de Moscou. Dans les années 1870, le genre quotidien de Perov prend une nouvelle direction. Désormais, l'artiste était particulièrement attiré par les activités sociales et types psychologiques les gens ("The Wanderer", 1870; "Birder", 1870; "Hunters at Rest", 1871). En 1876, le tableau « Le repas monastique », commencé dans les années 1860, est également achevé. Pendant plusieurs années, l'artiste a travaillé sur le tableau historique « La Cour de Pougatchev » (1879). La contribution de Perov à l'art du milieu du XIXe siècle est extrêmement significative. Ses œuvres démontrent clairement les caractéristiques du réalisme critique russe de l’époque.
Certaines peintures des « Itinérants », peintes d’après nature ou inspirées de scènes réelles, ont enrichi nos idées sur la vie paysanne. Le film « Sur le monde » de S. A. Korovine montre un affrontement entre un homme riche et un homme pauvre lors d’une réunion de village. V. M. Maksimov a capturé la rage, les larmes et le chagrin de la division familiale. La fête solennelle du travail paysan se reflète dans le tableau « Tondeuses » de G. G. Myasoedov.
Le leader idéologique de l'Association des expositions itinérantes était Ivan Nikolaïevitch Kramskoï (1837-1887) - un merveilleux artiste et théoricien de l'art. Il est né dans la ville d'Ostrogozhsk, dans la province de Voronej, dans la famille d'un fonctionnaire mineur. Depuis mon enfance, je m'intéresse à l'art et à la littérature. Après avoir été diplômé de l'école du district (1850), il sert comme scribe, puis comme retoucheur chez un photographe, avec qui il parcourt la Russie. En 1857, il se retrouve à Saint-Pétersbourg, travaillant dans le studio photo de A. I. Denier. À l'automne de la même année, il entre à l'Académie des Arts et est l'élève de A. T. Markov. Il a reçu une petite médaille d'or pour son tableau « Moïse faisant sortir l'eau d'un rocher » (1863). Au cours de ses années d'études, il a rallié autour de lui des jeunes universitaires avancés. Il a mené la protestation des diplômés de l'Académie qui refusaient de peindre des tableaux (« programmes ») basés sur un sujet fixé par le Conseil, loin de la vie. Les artistes qui ont quitté l'Académie se sont regroupés dans l'artel de Saint-Pétersbourg. Ils doivent beaucoup à Kramskoï pour l'atmosphère d'assistance mutuelle, de coopération et d'intérêts spirituels profonds qui régnait ici. . A cette époque, la vocation de Kramskoï en tant que portraitiste était complètement déterminée. Il recourt alors le plus souvent à sa technique graphique favorite (à la sauce, au blanc, au crayon italien). C'est ainsi qu'ont été réalisés les célèbres portraits des artistes A.I. Morozova (1868), I.I. Chichkina (1869), G.G. Myasoedova (1861), P.P. Chistyakova (1861), N.A. Kocheleva (1866). Certains ouvrages similaires sont reproduits dans cette publication. La nature d'un portrait pictural - dépourvu de circonstances, méticuleux dans le dessin et le modelage de la lumière et des ombres, mais sobre dans la couleur - s'est également développée à Kramskoy au cours de ces années. Le langage artistique correspondait à l’image d’un roturier démocrate, sujet fréquent des portraits du maître. Il s'agit de l'« Autoportrait » de l'artiste (1867) et du « Portrait de l'agronome Vyunnikov » (1868). En 1863-1868, Kramskoy enseigna à l'école de dessin de la Société pour l'encouragement des artistes. À la fin de la décennie, l'artel avait perdu son unité et sa signification sociale. Kramskoy quitta ses rangs (1870) et devint l'un des fondateurs de l'Association des expositions d'art itinérantes. Lors de la première exposition du Partenariat, « Portrait de F.A. Vasiliev » et « Portrait de M.M. Antokolsky ». Un an plus tard, le tableau «Le Christ dans le désert» est exposé, dont l'idée est en gestation depuis plusieurs années. Selon Kramskoy, « même chez les artistes précédents, la Bible, l’Évangile et la mythologie n’ont servi que de prétexte pour exprimer des passions et des pensées tout à fait contemporaines ». Lui-même, comme Ge et Polenov, à l'image du Christ, a exprimé l'idéal d'une personne remplie de hautes pensées spirituelles, se préparant au sacrifice de soi. L'artiste revient à plusieurs reprises sur le thème du Christ. Le grand tableau « Rire » (GRM) qui lui est lié reste cependant inachevé. Tout en rassemblant du matériel pour lui, Kramskoy visita l'Italie (1876). Il voyage en Europe les années suivantes. Le domaine prédominant de réalisation artistique de Kramskoy restait le portrait. Dans les années 1870 et au début des années 1880, plusieurs de ses meilleures œuvres furent achevées, notamment une série de portraits de personnalités marquantes de l'époque : L.N. Tolstoï (1873, Galerie Tretiakov), N.A. Nekrasova (1877 et 1877-1878, Galerie Tretiakov), P.M. Tretiakov (1876, Galerie Tretiakov), I.I. Chichkine (1880, Musée d'État russe) et autres. Des portraits collectifs de paysans ont également été réalisés : « Forestier » (1874, Galerie Tretiakov), « Mina Moiseev » (1882, Musée russe), « Paysan à la bride » (1883, KMRI). Kramskoy s'est tourné à plusieurs reprises vers une forme de peinture dans laquelle deux genres semblaient entrer en contact : le portrait et la vie quotidienne. Il s'agit de « Inconnu » (« Étranger », 1883), « Inconsolable Grief » (1884, Galerie Tretiakov ; versions - Musée d'État russe et Musée de la RSS de Lettonie). Tout au long de sa vie, l'artiste a également dû remplir de nombreuses commandes d'églises et de portraits, qui lui ont servi de source de revenus. Kramskoï est une figure marquante de la vie culturelle de la Russie des années 1860-1880. Organisateur de l'artel de Saint-Pétersbourg, l'un des fondateurs de l'association Wanderers, critique d'art subtil, passionné par le sort de l'art russe, il fut l'idéologue de toute une génération d'artistes réalistes. Kramskoï s'est battu contre le soi-disant « art pur ». Il a appelé l'artiste à être un homme et un citoyen, à lutter pour de hauts idéaux sociaux par sa créativité.
Le groupe Peredvizhniki a fait de véritables découvertes dans la peinture de paysage.
Alexeï Kondratiévitch Savrassov (1830-1897) a réussi à montrer la beauté et le lyrisme subtil d'un simple paysage russe. Dans sa prime jeunesse, le futur artiste a montré des capacités extraordinaires pour la peinture. Contrairement aux souhaits de son père, qui rêvait d'adapter son fils aux « affaires commerciales », le garçon entra en 1844 à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, où il étudia dans la classe du peintre paysagiste K. I. Rabus et obtint son diplôme en 1854. . Au cours de l'été 1854, Savrasov travailla près du golfe de Finlande, près de Saint-Pétersbourg, et lors de l'exposition d'automne à l'Académie des arts, il montra deux tableaux : « Vue à proximité d'Oranienbaum » et « Bord de mer à proximité d'Oranienbaum, » pour lequel il a reçu le titre d'académicien.
En 1857, il épousa S.K. Hertz et, en 1871, le maître créa plusieurs de ses meilleures œuvres (« Monastère Pechersky près de Nijni Novgorod », Musée d'art de Nijni Novgorod ; « Le déluge de la Volga près de Yaroslavl », Musée russe), dont le célèbre tableau « Les tours sont arrivées » (Galerie Tretiakov), devenu le paysage russe le plus populaire, une sorte de symbole pictural de la Russie. Le travail d'esquisse sur « Les Tours » a eu lieu en mars, dans le village. Molvitino (aujourd'hui Susanino) district de Buisky, province de Kostroma. La neige fondue, les freux printaniers sur les bouleaux, un ciel gris-bleu fané, des cabanes sombres et une ancienne église sur fond de prairies lointaines gelées - tout a fusionné en une image au charme poétique étonnant. Le tableau se caractérise par un effet de reconnaissance véritablement magique, « déjà vu » (deja-vue, dans le langage de la psychologie) - et pas seulement quelque part près de la Volga, où les « Tours » ont été peints, mais presque dans tous les coins de la pays. Ici, « l'ambiance » - en tant qu'espace contemplatif spécial qui unit l'image au spectateur - se transforme finalement en un élément tout à fait spécial de l'image ; C'est ce que raconte avec justesse I. N. Kramskoy lorsqu'il écrit (dans une lettre à F. A. Vasiliev, 1871) à propos d'autres paysages de l'exposition : « Ce sont tous des arbres, de l'eau et même de l'air, mais l'âme n'est que dans les « Tours ». "L'âme" invisiblement visible, l'ambiance donne vie aux œuvres ultérieures de Savrasov : de merveilleux paysages de Moscou, combinant organiquement la simplicité quotidienne du premier plan avec les distances majestueuses (« Tour Sukharev », 1872, Musée historique de Moscou ; « Vue de Moscou Kremlin, Printemps », 1873, Musée Russe), virtuose dans la transmission de l'humidité, de la lumière et de l'ombre « Route de campagne » (1873, Galerie Tretiakov), sentimental « Tombeau sur la Volga » (1874, Musée régional des beaux-arts de l'Altaï, Barnaoul), lumineux « Arc-en-ciel » (1875, Musée russe), tableau mélancolique « Paysage d'hiver. Frost" (1876-77, Musée des Beaux-Arts de Voronej). Plus tard, les compétences de Savrasov se sont fortement affaiblies. Tombé en ruine au cours de sa vie, souffrant d'alcoolisme, il vit de copies de ses meilleures œuvres, principalement « The Rooks ». L'artiste passe ses dernières années dans la pauvreté et meurt seul le 26 septembre (8 octobre 1897) à Moscou, dans un hôpital pour pauvres.
Fiodor Alexandrovitch Vassiliev (1850-1873) vécu une vie courte. Son œuvre, interrompue au tout début, a enrichi la peinture russe de nombreux paysages dynamiques et passionnants. L'artiste était particulièrement doué pour les états de transition dans la nature : du soleil à la pluie, du calme à la tempête. Issu d'une famille de postier, il étudie à l'École de dessin de la Société pour l'Encouragement des Arts, puis en 1871 à l'Académie des Arts ; en 1866-67, il travailla sous la direction de I. I. Shishkin. Le talent exceptionnel de Vasiliev s’est développé très tôt et puissamment dans des films qui impressionnent le spectateur par leur drame psychologique. Le tableau « Avant la pluie » (1869, Galerie Tretiakov) est déjà imprégné d'une remarquable « poésie avec une impression naturelle » (selon les mots d'I. N. Kramskoy, un ami proche de Vasiliev, à propos de la propriété fondamentale de son œuvre dans son ensemble) . En 1870, il voyagea le long de la Volga avec I.E. Repin, à la suite de quoi le tableau « Vue sur la Volga » est apparu. Barges" (1870, Musée Russe) et d'autres œuvres, remarquables pour la subtilité des effets lumière-air et l'habileté à transmettre l'humidité fluviale et atmosphérique. Mais les effets externes ne sont pas la question ici. Dans les œuvres de Vasiliev, la nature, comme si elle répondait aux mouvements de l’âme humaine, exprime une gamme complexe de sentiments entre désespoir, espoir et tristesse tranquille. Les tableaux les plus célèbres sont « Le dégel » (1871) et « Prairie humide » (1872 ; tous deux dans la galerie Tretiakov), où l'intérêt constant de l'artiste pour les états transitoires et incertains de la nature se traduit par des images de perspicacité à travers l'obscurité mélancolique. . Ce sont des sortes de rêves naturels sur la Russie qui peuvent résister à la comparaison avec les motifs paysagers de I. S. Tourgueniev ou de A. A. Fet. L’artiste (à en juger par sa correspondance avec Kramskoï) rêve de créer des œuvres inédites, des paysages-révélations symboliques qui pourraient guérir l’humanité, chargée d’« intentions criminelles ». Mais ses jours sont déjà comptés. Tombé malade de tuberculose, il s'installe à Yalta en 1871. La maladie mortelle, mêlée aux impressions de la nature méridionale, qui lui apparaît non pas comme festive, mais comme aliénée et alarmante, donne à sa peinture une tension dramatique encore plus grande. Anxieux et sombre est son tableau le plus significatif de cette période - «Dans les montagnes de Crimée» (1873, Galerie Tretiakov). La route de montagne, noyée dans la brume, peinte dans des tons sombres gris brunâtre, prend ici une teinte surnaturelle, comme une route désespérée qui ne mène nulle part. L'influence de l'art de Vasiliev, renforcée par la tragédie de sa mort prématurée, fut très significative. La tradition romantique, abandonnant finalement l'idée du paysage comme spectacle décoratif, atteint dans ses œuvres un contenu spirituel particulier, préfigurant l'art du symbolisme et du modernisme, le paysage de l'ère Tchekhov-Lévitan.
L'œuvre de Viktor Mikhaïlovitch Vasnetsov (1848-1926) est étroitement liée aux contes et épopées populaires russes, dont il a pris les intrigues comme base de ses peintures. Ceci sera discuté plus loin.
Viktor Mikhaïlovitch Vasnetsov né le 15 mai 1848 dans le village russe de Lopyal, district d'Urzhum, province de Viatka (aujourd'hui région de Kirov), dans la famille d'un prêtre orthodoxe issu de l'ancienne famille Viatka des Vasnetsov. L'artiste se considérait comme un Scythe. Il étudie à l'école théologique (1858-1862), puis au séminaire théologique de Viatka. Il a suivi des cours de dessin auprès du professeur d'art du gymnase N. G. Chernyshev. Avec la bénédiction de son père, il quitte le séminaire l'avant-dernière année et se rend à Saint-Pétersbourg pour entrer à l'Académie des Arts. Il étudie la peinture à Saint-Pétersbourg - d'abord avec I. N. Kramskoy à l'École de dessin de la Société pour l'encouragement des arts (1867-1868), puis à l'Académie des Arts (1868-1873). Au cours de ses études, il vient à Viatka et rencontre l'artiste polonais en exil Elviro Andriolli, à qui il demande de peindre avec son jeune frère Apollinaire. Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie, il voyage à l'étranger. Il commence à exposer ses œuvres dès 1869, participant d'abord aux expositions de l'Académie, puis aux expositions des Itinérants. Membre du cercle Mamontov à Abramtsevo. En 1893, Vasnetsov devient membre à part entière de l'Académie des Arts. Après 1905, il est proche de l'Union du peuple russe, bien qu'il n'en soit pas membre, et participe au financement et à la conception de publications monarchistes, dont le Livre des douleurs russes. En 1915, il participe à la création de la Société pour la renaissance de la Russie artistique, avec de nombreux autres artistes de son temps. Dans l'œuvre de Vasnetsov, divers genres sont clairement représentés, qui sont devenus les étapes d'une évolution très intéressante : de la description de la vie quotidienne au conte de fées, de la peinture de chevalet à la peinture monumentale, de la terreur des Vagabonds au prototype de l'Art. Style nouveau. Au début, les œuvres de Vasnetsov étaient dominées par des sujets quotidiens, par exemple dans les peintures « D'appartement en appartement » (1876), « Télégramme militaire » (1878), « Librairie » (1876), « Expositions de stands à Paris » (1877).
Plus tard, la direction principale est devenue l'épopée-historique - "Le chevalier à la croisée des chemins" (1882), "Après la bataille d'Igor Sviatoslavich avec les Polovtsiens" (1880), "Alyonushka" (1881), "Ivan Tsarevich sur le gris Loup » (1889), « Le tsar Ivan Vassilievitch le Terrible » (1897). À la fin des années 1890, un thème religieux occupe une place de plus en plus importante dans son œuvre (œuvres de la cathédrale Vladimir de Kiev et de l'église de la Résurrection de Saint-Pétersbourg, dessins à l'aquarelle et, en général, originaux préparatoires de peintures murales pour la cathédrale de Saint-Pétersbourg). .Vladimir). Son meilleur travail est « Trois héros ». Devant le spectateur se trouvent les héros préférés de l'épopée russe - des héros, des défenseurs de la terre russe et des autochtones contre de nombreux ennemis. Après 1917, Vasnetsov continua à travailler sur le folk thèmes de contes de fées, créant les toiles « Le combat de Dobrynya Nikitich avec le Serpent Gorynych à sept têtes » (1918) ; "Koschei l'Immortel" (1917-1926). Viktor Vasnetsov est décédé le 23 juillet 1926 à Moscou et a été enterré au cimetière de Vvedenskoye.
Il est devenu le chanteur de la forêt russe, de l'étendue épique de la nature russe Ivan Ivanovitch Chichkine (1832-1898). Ivan Shishkin est né le 13 janvier 1832 dans la ville d'Elabuga, province de Viatka. Il venait de l'ancienne famille Viatka des Shishkin et était le fils du marchand Ivan Vasilyevich Shishkin. À l'âge de douze ans, il fut affecté au 1er gymnase de Kazan, mais, ayant atteint la 5e année, il le quitta et entra à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou (1852-1856). Après avoir terminé ses études dans cette institution, il poursuit à partir de 1857 ses études à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg (1856-1865), où il est inscrit comme élève du professeur S. M. Vorobyov. Non content d'étudier dans l'enceinte de l'académie, il dessine et écrit avec diligence des croquis d'après nature dans les environs de Saint-Pétersbourg et sur l'île de Valaam, grâce auxquels il acquiert de plus en plus de familiarité avec ses formes et la capacité de dessiner avec précision. transmettez-le avec un crayon et un pinceau. Dès la première année de son séjour à l'académie, il reçut deux petites médailles d'argent pour un dessin de classe et pour une vue des environs de Saint-Pétersbourg. En 1858, il reçut une grande médaille d'argent pour une vue de Valaam, en 1859 - une petite médaille d'or pour un paysage de la périphérie de Saint-Pétersbourg et enfin, en 1860 - une grande médaille d'or pour deux vues de la région de Cucco, sur Valaam.
Ayant reçu, avec cette dernière récompense, le droit de voyager à l'étranger en tant que retraité de l'académie, il se rend à Munich en 1861, visitant les ateliers d'artistes célèbres, les ateliers de Benno et Franz Adam, qui étaient des peintres animaliers très appréciés. . Puis, en 1863, il s'installe à Zurich, où, sous la direction du professeur Koller, alors considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers, il dessine et peint des animaux d'après nature. À Zurich, j’ai essayé pour la première fois de graver avec de la « vodka regia ». De là, il fit une excursion à Genève afin de se familiariser avec les œuvres de Dide et Kalam, puis s'installa à Düsseldorf et y peignit, à la demande de N. Bykov, « Vue dans les environs de Düsseldorf » - un tableau qui , envoyé à Saint-Pétersbourg, donna à l'artiste le titre d'académicien. À l'étranger, en plus de peindre, il réalise beaucoup de dessins à la plume ; ses œuvres de ce genre surprirent les étrangers, et certaines furent placées au musée de Düsseldorf à côté des dessins de maîtres européens de premier ordre.
Ayant le mal du pays pour sa patrie, il retourna à Saint-Pétersbourg en 1866 avant l'expiration de sa pension. Depuis lors, il voyageait souvent à des fins artistiques dans toute la Russie et exposait presque chaque année ses œuvres, d'abord à l'académie. Après la création de l’Association des expositions itinérantes, il réalise des dessins à la plume lors de ces expositions. En 1870, après avoir rejoint le cercle des aquafortistes formé à Saint-Pétersbourg, il recommence à graver à la « vodka royale », qu'il ne quittera qu'à la fin de sa vie, y consacrant presque autant de temps qu'à la peinture. Toutes ces œuvres accroissent chaque année sa réputation d'un des meilleurs peintres paysagistes russes et d'un aquafortiste incomparable, à sa manière. L'artiste possédait un domaine dans le village de Vyra (aujourd'hui le district de Gatchina de la région de Léningrad). En 1873, l’Académie l’élève au rang de professeur pour le magistral tableau « Wilderness » qu’elle acquiert. Après l'entrée en vigueur de la nouvelle charte de l'académie, en 1892, il fut invité à diriger son atelier pédagogique du paysage, mais, en raison de diverses circonstances, il n'occupa pas ce poste longtemps.
Parmi les peintres paysagistes russes, Shishkin peut à juste titre être considéré comme l'un des artistes les plus puissants. Dans toutes ses œuvres, il est un étonnant connaisseur des formes végétales, les reproduisant avec une compréhension subtile du caractère général et des moindres particularités de toutes les espèces d'arbres, d'arbustes et de graminées. Qu'il ait pris l'image d'une forêt de pins ou d'épicéas, les pins et les épicéas individuels, tout comme leur totalité, ont reçu de lui leur véritable physionomie, sans aucune fioriture ni sous-estimation - cette apparence et avec ces détails qui expliquent et déterminent pleinement le sol. et le climat où l'artiste les a fait grandir. Qu'il représente des chênes ou des bouleaux, ils prennent des formes tout à fait vraies dans son feuillage, ses branches, ses troncs, ses racines et dans tous les détails. La zone même sous les arbres - pierres, sable ou argile, sol inégal envahi par les fougères et autres herbes forestières, feuilles sèches, broussailles, bois mort, etc. - a reçu l'apparence d'une parfaite réalité dans les peintures et dessins de Shishkin.
Mais ce réalisme a souvent nui à ses paysages : dans beaucoup d'entre eux, il a obscurci l'ambiance générale, leur donnant le caractère non pas de peintures conçues non dans le but de susciter tel ou tel sentiment chez le spectateur, mais de croquis aléatoires, quoique excellents. Il convient également de noter que chez Chichkine, ce qui arrive à presque tous les dessinateurs particulièrement forts s'est répété : la science des formes lui a été donnée au détriment de la couleur, qui, bien qu'elle ne soit pas faible et inharmonieuse pour lui, ne tient toujours pas sur le devant de la scène. même niveau avec un dessin magistral. Par conséquent, le talent de Chichkine se manifeste parfois beaucoup plus clairement dans les dessins et les gravures monochromes que dans les œuvres dans lesquelles il a utilisé plusieurs couleurs.
Si l'on reparle de la biographie d'Ivan Shishkin en tant qu'artiste, il faut absolument mentionner celle des années 1870. le maître entre dans une époque de maturité créative inconditionnelle, comme en témoignent les tableaux « Pine Forest. Forêt de mâts dans la province de Viatka" (1872) et "Rye" (1878 ; tous deux - Galerie Tretiakov). Évitant généralement les états instables et transitoires de la nature, l'artiste capture sa plus haute floraison estivale, obtenant une unité tonale impressionnante précisément grâce à la lumière vive de midi de l'été qui détermine toute l'échelle de couleurs. L’image romantique monumentale de la Nature avec un « N » majuscule est invariablement présente dans les peintures. De nouvelles tendances réalistes apparaissent dans l'attention émouvante avec laquelle sont écrits les signes d'un terrain spécifique, d'un coin de forêt ou de champ, ou d'un arbre spécifique. Avec un désir particulier, l'artiste peint les essences les plus puissantes et les plus fortes, comme les chênes et les pins - aux stades de maturité, de vieillesse et, enfin, de mort dans l'aubaine. Les œuvres classiques de Chichkine - telles que « Seigle » ou « Parmi la vallée plate... » (le tableau porte le nom de la chanson d'A.F. Merzlyakov ; 1883, Musée d'art russe de Kiev), « Distances forestières » (1884, Galerie Tretiakov) - sont perçus comme des images épiques et généralisées de la Russie. L'artiste réussit également bien dans les vues lointaines que dans les « intérieurs » forestiers (« Pins illuminés par le soleil », 1886 ; « Matin dans forêt de pins"Où les ours sont peints par K. A. Savitsky, 1889 ; les deux sont au même endroit). Ses dessins et croquis, qui représentent un journal détaillé de la vie naturelle, ont une valeur indépendante. Il a également travaillé fructueusement dans le domaine de la gravure. En imprimant ses gravures de paysages finement nuancées dans différents états et en les publiant sous forme d'albums, Chichkine a puissamment intensifié son intérêt pour ce type d'art. Il mourut subitement à Saint-Pétersbourg le 8 (20) mars 1898, assis devant un chevalet, travaillant sur un nouveau tableau. La maison-musée de l’artiste a été inaugurée à Yelabuga.
A. I. Kuindzhi (1841 -1910) était attiré par les jeux pittoresques de la lumière et de l'air. La lumière mystérieuse de la lune dans des nuages rares, les reflets rouges de l'aube sur les murs blancs des huttes ukrainiennes, les rayons obliques du matin traversant le brouillard et jouant dans les flaques d'eau sur une route boueuse - ces découvertes pittoresques et bien d'autres sont capturées sur son toiles.
Arkhip Ivanovitch Kouindji né à Marioupol, dans la famille d'un pauvre cordonnier grec. Il perdit ses parents très tôt et vécut dans une grande pauvreté, s'occupant des oies, servant comme entrepreneur pour la construction d'une église, puis comme marchand de grains ; a appris à lire et à écrire en grec auprès d'un professeur de grec, puis a fréquenté l'école de la ville pendant un certain temps.
Dès son plus jeune âge, Kuindzhi aimait peindre, dessinant sur tout matériau approprié - sur les murs, les clôtures et les bouts de papier. A travaillé comme retoucheur pour des photographes à Marioupol, Odessa et Saint-Pétersbourg. Pendant cinq ans, de 1860 à 1865, Arkhip Kuindzhi a travaillé comme retoucheur dans le studio photographique d'Isakovich à Taganrog. Kuindzhi a essayé d'ouvrir son propre studio, mais en vain. Il était l'élève d'Aivazovsky, mais il n'a jamais été autorisé à peindre sur toile - seulement une touche de peinture. Après cela, Arkhip Ivanovitch quitte Taganrog et se rend à Saint-Pétersbourg. Finalement, il réalise un grand tableau « Tatar Saklya en Crimée », qu'il expose lors d'une exposition académique en 1868. En conséquence, Kouindji devient étudiant volontaire à l'académie à la troisième tentative. En 1872, pour le tableau « Grive d'automne », il reçut le titre d'artiste de classe. En 1873, Kuindzhi expose le tableau « Neige » à la Society for the Encouragement of Arts, pour lequel en 1874 il reçoit une médaille de bronze lors d'une exposition internationale à Londres. Dans la même année 1873, il expose son tableau « Vue de l'île de Valaam » à Vienne et « Lac Ladoga » à Saint-Pétersbourg. En 1874, lors de l'exposition de l'Association des expositions d'art itinérantes, Kuindzhi expose « Le village oublié », en 1875 - « Steppes » et « Chumatsky Tract », en 1876 - la célèbre « Nuit ukrainienne ». En 1877, Kuindzhi devient membre de l'Association des Itinérants ; en 1878, il expose « Forêt » et « Soirée dans la Petite Russie », qui suscitent de nombreuses polémiques et créent de nombreux imitateurs. En 1879, il expose « North », « Birch Grove », « After the Storm » ; la même année, Kuindzhi quitte les expositions du partenariat. En 1880, il organise une exposition d'un de ses tableaux à la Société pour l'Encouragement des Arts : « Nuit sur le Dniepr » ; Cette exposition a connu un énorme succès. En 1881, également en mode « solo », Kuindzhi expose « Birch Grove », qui connaît un succès tout aussi retentissant, et en 1882 il présente « Dniepr le matin », ainsi que « Birch Grove » et « Night on the Dniepr ». Après cette exposition, jusqu'à sa mort, Kuindzhi n'a exposé ses peintures nulle part ailleurs et jusqu'aux années 1900, il ne les a montrées à personne. De 1894 à 1897, Kuindzhi fut professeur principal de l'École supérieure d'art de l'Académie des arts. En 1904, il fit don de 100 000 roubles à l'Académie pour décerner 24 prix annuels ; en 1909, il fit don de 150 000 roubles et de ses biens en Crimée à la société d'art qui porte son nom, et de 11 700 roubles à la société pour la promotion des arts pour un prix de peinture de paysage.
Arkhip Ivanovich Kuindzhi est décédé le 11 (24) juillet 1910 à Saint-Pétersbourg. Il a été enterré au cimetière Tikhvine de la Laure Alexandre Nevski.
Vers la fin du 19ème siècle. L'influence des Wanderers tomba. De nouvelles orientations sont apparues dans les arts visuels. Portraits de V.A. Serov et paysages de I.I. Levitan était en phase avec l'école française de l'impressionnisme. Certains artistes ont combiné les traditions artistiques russes avec de nouvelles formes visuelles (M.A. Vrubel, B.M. Kustodiev, I.L. Bilibin, etc.).
La peinture paysagère russe du XIXe siècle a atteint son apogée. réalisé dans la créativité de l'élève Savrassov Isaac Ilitch Lévitan (1860-1900). Levitan est un maître des paysages calmes et tranquilles. Homme très timide, timide et vulnérable, il savait se détendre uniquement seul avec la nature, imprégné de l'ambiance de son paysage préféré.
Un jour, il vint sur la Volga pour peindre les étendues du soleil, de l'air et des rivières. Mais il n'y avait pas de soleil, des nuages sans fin rampaient dans le ciel et les pluies sourdes ne s'arrêtaient pas. L'artiste était nerveux jusqu'à ce qu'il s'implique dans ce temps et découvre le charme particulier des couleurs bleu-lilas du mauvais temps russe. Depuis lors, la Haute Volga et la ville provinciale de Ples sont fermement ancrées dans son œuvre. Dans ces régions, il a créé ses œuvres « pluvieuses » : « After the Rain », « Gloomy Day », « Above Eternal Peace ». Des paysages nocturnes paisibles y ont également été peints : « Soirée sur la Volga », « Soirée. Golden Reach", "Les cloches du soir", "Demeure tranquille".
Dans les dernières années de sa vie, Levitan attire l'attention sur le travail des artistes impressionnistes français (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Il se rend compte qu'il a beaucoup de points communs avec eux, que leurs recherches créatives vont dans la même direction. Comme eux, il préfère travailler non pas en atelier, mais en plein air (en plein air, comme disent les artistes). Comme eux, il allège la palette, bannissant les couleurs sombres et terreuses. Comme eux, il cherche à capturer la nature éphémère de l’existence, à transmettre les mouvements de la lumière et de l’air. En cela, ils allèrent plus loin que lui, mais se dissolvèrent presque dans les courants d'air léger. formes volumétriques(maisons, arbres). Il l'a évité.
« Les peintures de Levitan nécessitent une visualisation lente », écrit K. G. Paustovsky, grand connaisseur de son œuvre. « Elles n’étourdissent pas l’œil. Ils sont modestes et précis, comme les récits de Tchekhov, mais plus on les regarde, plus le silence des villes de province, des rivières familières et des routes de campagne devient doux.»
Dans la seconde moitié du XIXe siècle. marque l'épanouissement créatif des artistes I. E. Repin, V. I. Surikov et V. A. Serov.
Ilya Efimovitch Repin (1844-1930) né à Chuguev, dans la famille d'un militaire colon. Il a réussi à entrer à l'Académie des Arts, où son professeur était P. P. Chistyakov, qui a formé toute une galaxie d'artistes célèbres (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin a également beaucoup appris de Kramskoï. En 1870, le jeune artiste voyage le long de la Volga. Il a utilisé de nombreux croquis rapportés de ses voyages pour le tableau « Transporteurs de barges sur la Volga » (1872). Elle a fait forte impression sur le public. L’auteur s’est immédiatement hissé au rang des maîtres les plus célèbres. Critiquant les partisans de « l'art pur », il écrit : « La vie qui m'entoure m'excite trop, ne me donne pas la paix, elle-même demande à être mise sur toile ; la réalité est trop scandaleuse pour broder des motifs en toute bonne conscience - laissons cela aux jeunes filles bien élevées. Repin est devenu la bannière des Itinérants, leur fierté et leur gloire.
Repin était un artiste très polyvalent. I. E. Repin était un merveilleux maître dans tous les genres de peinture et prononçait son propre mot nouveau dans chacun. Le thème central de son œuvre est la vie du peuple dans toutes ses manifestations. Il montrait le peuple en travail, en lutte, glorifiait les combattants pour la liberté du peuple. De nombreuses peintures de genre monumentales appartiennent à son pinceau. La meilleure œuvre de Repin dans les années 70 était le tableau « Transporteurs de barges sur la Volga ». La peinture était perçue comme un événement dans la vie artistique de la Russie ; elle est devenue le symbole d'une nouvelle direction dans les beaux-arts. Repin a écrit que « le juge est désormais un homme et il est donc nécessaire de reproduire ses intérêts ». La « Procession religieuse dans la province de Koursk » n'est peut-être pas moins impressionnante que les « Transporteurs de barges ». Le ciel bleu vif, les nuages de poussière de route transpercés par le soleil, la lueur dorée des croix et des vêtements, la police, les gens ordinaires et les infirmes - tout tient sur cette toile : la grandeur, la force, la faiblesse et la douleur de la Russie.
De nombreux films de Repin traitaient de thèmes révolutionnaires (« Refus de confession », « Ils ne s’y attendaient pas », « L’arrestation du propagandiste »). Les révolutionnaires dans ses peintures se comportent simplement et naturellement, évitant les poses et les gestes théâtraux. Dans le tableau « Refus d’avouer », le condamné à mort semble avoir délibérément caché ses mains dans ses manches. L'artiste sympathisait clairement avec les héros de ses tableaux.
Un certain nombre de peintures de Repin ont été écrites sur des thèmes historiques (« Ivan le Terrible et son fils Ivan », « Les Cosaques composant une lettre au sultan turc », etc.). Repin a créé toute une galerie de portraits de scientifiques (Pirogov, Sechenov), d'écrivains (Tolstoï, Tourgueniev, Garshin), de compositeurs (Glinka, Moussorgski), d'artistes (Kramsky, Surikov). Au début du 20ème siècle. il a reçu une commande pour le tableau « La séance cérémonielle du Conseil d'État ». L'artiste a réussi non seulement à placer de manière compositionnelle un si grand nombre de personnes présentes sur la toile, mais également à donner des caractéristiques psychologiques à nombre d'entre elles. Parmi eux se trouvaient des personnalités aussi célèbres que S. Yu Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov-Tyan-Shansky. Nicolas II est à peine perceptible sur la photo, mais il est représenté de manière très subtile.
Vassili Ivanovitch Sourikov (1848-1916) né à Krasnoïarsk le 12 (24) janvier 1848 dans la famille d'un employé de bureau, descendant d'une vieille famille cosaque. Il a reçu ses premiers cours de dessin auprès du professeur d'école N.V. Grebnev. En 1868, il se rend à Saint-Pétersbourg, où en 1869 il entre à l'Académie des Arts ; Diplômé de l'Académie en 1875, il vécut à Moscou à partir de 1877. Il voyageait constamment en Sibérie, visitait le Don, la Volga et la Crimée. Dans les années 1880-1890, il visita la France, l'Italie et plusieurs autres pays européens. Déjà dans ses années d'étudiant, il se montrait comme un maître des images historiques et associatives (« Vue du monument à Pierre Ier à Saint-Pétersbourg », 1870). En 1876-1877, il réalise des croquis sur le thème de quatre conciles œcuméniques pour décorer la cathédrale du Christ-Sauveur. En mouvement jeune artisteà Moscou, les impressions de l'architecture ancienne du « premier trône » ont joué un rôle important dans la formation de son premier chef-d'œuvre dans une série de peintures sur un thème historique, « Le matin de l'exécution de Streltsy », achevée en 1881 (Galerie Tretiakov ). En choisissant le thème de l'issue tragique de la première révolte des Streltsy de 1698 - l'exécution des rebelles sur la Place Rouge sous la direction personnelle de Pierre Ier, Sourikov montra essentiellement le grand conflit du Moyen Âge russe et de l'époque moderne russe, dont ni l'un ni l'autre le camp en sort victorieux. Surikov a confirmé son don de peintre historique exceptionnel dans les toiles « Menchikov à Berezovo » (1883) et « Boyarina Morozova » (1887 ; les deux tableaux sont au même endroit), également une sorte d'ensemble visuel complexe et en même temps incroyablement holistique. romans - sur le Sibérien, l'exil de l'ancien courtisan puissant de Pierre le Grand et la déportation d'un ascète vieux croyant en prison. L'expressivité colorée des détails se conjugue à la virtuosité de la direction générale. "La Prise de la ville enneigée" (1891, Musée russe), qui est entièrement consacré à la vie populaire moderne - le jeu de Maslenitsa, présenté comme un élément joyeux et pourtant terriblement menaçant, n'est pas inférieur à ces trois tableaux. Ses œuvres « Le matin de l'exécution de Streltsy », « Menchikov à Berezovo », « Boyaryna Morozova », « La conquête de la Sibérie par Ermak Timofeevich », « Stepan Razin », « La traversée des Alpes de Souvorov » sont le summum de la littérature russe et peinture historique mondiale. La grandeur du peuple russe, sa beauté, sa volonté inflexible, son destin difficile et complexe, voilà ce qui a inspiré l'artiste. Sourikov connaissait bien la vie et les coutumes des époques passées et était capable de donner des caractéristiques psychologiques frappantes. De plus, il était un excellent coloriste (color master). Il suffit de rappeler la neige éblouissante et fraîche et scintillante de « Boyaryna Morozova ». Si l’on s’approche de la toile, la neige semble « s’effondrer » en traits bleus, bleu clair et roses. Cette technique de peinture, où deux ou trois traits différents à distance se confondent et donnent la couleur désirée, a été largement utilisée par les impressionnistes français. Vassili Sourikov est décédé le 19 mars 1916.
Valentin Alexandrovitch Serov (1865-1911), fils d'un compositeur, peint des paysages, des toiles sur des thèmes historiques et travaille comme artiste de théâtre. Mais ce sont surtout ses portraits qui lui valent la gloire.
En 1887, Serov, 22 ans, était en vacances à Abramtsevo, la datcha du philanthrope S.I. Mamontov, près de Moscou. Parmi ses nombreux enfants, le jeune artiste était son propre homme, participant à leurs jeux bruyants. Un jour après le déjeuner, deux personnes se sont accidentellement attardées dans la salle à manger : Serov et Verusha Mamontova, 12 ans. Ils étaient assis à la table sur laquelle se trouvaient des pêches et, pendant la conversation, Verusha ne remarqua pas comment l'artiste commençait à dessiner son portrait. Le travail a duré un mois et Verusha était en colère qu'Anton (comme on appelait Serov à la maison) la fasse asseoir dans la salle à manger pendant des heures.
Début septembre, "Girl with Peaches" était terminé. Malgré sa petite taille, le tableau, peint dans des tons roses et dorés, semblait très « spacieux ». Il y avait beaucoup de lumière et d'air dedans. La jeune fille, qui s'est assise à table pendant ce qui a semblé une minute et a fixé son regard sur le spectateur, enchantée par sa clarté et sa spiritualité. Et toute la toile était recouverte d'une perception purement enfantine de la vie quotidienne, quand le bonheur n'est pas conscient de lui-même et que toute une vie nous attend.
Les habitants de la maison d'Abramtsevo ont bien sûr compris qu'un miracle s'était produit sous leurs yeux. Mais seul le temps donnera des évaluations définitives. Il a placé « La Fille aux pêches » parmi les meilleurs portraits de la peinture russe et mondiale.
L'année suivante, Serov réussit presque à répéter sa magie. Il a peint un portrait de sa sœur Maria Simonović (« Fille illuminée par le soleil »). Le nom est un peu inexact : la jeune fille est assise à l'ombre, et les rayons du soleil du matin illuminent la clairière en arrière-plan. Mais sur la photo, tout est si uni, si uni - le matin, le soleil, l'été, la jeunesse et la beauté - qu'il est difficile de trouver un meilleur nom.
Serov est devenu un portraitiste à la mode. Ils ont posé devant lui écrivains célèbres, artistes, artistes, entrepreneurs, aristocrates, voire rois. Apparemment, tous ceux qu’il a écrit n’y avaient pas à cœur. Certains portraits de la haute société, malgré leur technique en filigrane, se révèlent froids.
Serov a enseigné pendant plusieurs années à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. C'était un professeur exigeant. Opposant aux formes figées de la peinture, Serov estime en même temps que les recherches créatives doivent reposer sur une solide maîtrise des techniques du dessin et de l'écriture picturale. De nombreux maîtres exceptionnels se considéraient comme des étudiants de Serov : M. S. Saryan, K-F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin.
De nombreuses peintures de Repin, Sourikov, Levitan, Serov et les « Vagabonds » ont fini dans la collection Tretiakov. Pavel Mikhaïlovitch Tretiakov (1832-1898), représentant d'une vieille famille de marchands moscovites, était une personne inhabituelle. Mince et grand, avec une barbe épaisse et une voix calme, il ressemblait plus à un saint qu'à un marchand. Il a commencé à collectionner des peintures d'artistes russes en 1856. Son passe-temps est devenu l'activité principale de sa vie. Au début des années 90. la collection atteint le niveau d'un musée, absorbant la quasi-totalité de la fortune du collectionneur. Plus tard, il devint la propriété de Moscou. La Galerie Tretiakov est devenue un musée de renommée mondiale consacré à la peinture, au graphisme et à la sculpture russes.
En 1898, le Musée russe est ouvert à Saint-Pétersbourg, dans le palais Mikhaïlovski (création de K. Rossi). Il reçut des œuvres d'artistes russes provenant de l'Ermitage, de l'Académie des Arts et de certains palais impériaux. L'ouverture de ces deux musées semble couronner les acquis de la peinture russe du XIXe siècle.
CONCLUSION
Du début à la fin du XIXe siècle, les peintres russes voulaient avant tout transmettre leur pensée au spectateur ; pour les uns, il fallait s'affranchir des carcans du classicisme, soutenu par l'Académie des Arts ; au contraire, ils avaient besoin de sujets mythologiques. Quoi qu'il en soit, les artistes russes du XIXe siècle ont eu une influence considérable non seulement sur le public de leurs concitoyens, mais de nombreuses peintures sont devenues de grandes toiles qui ont une valeur et un poids incroyables dans la culture artistique mondiale. Le rôle des Peredvizhniki dans la vie de la peinture russe est grand ; ils ont apporté la liberté à ce genre d'art et l'ont libéré des stéréotypes.
Le XIXe siècle est une grande époque dans le développement de la peinture russe.
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Au début du XIXe siècle, le développement culturel de la Russie a connu un essor rapide. Pour les beaux-arts, le début XIXème siècle- c'est véritablement un âge d'or (comme l'appelaient ses contemporains et comme on le considère incontestablement encore aujourd'hui). C'est à cette époque que les artistes, sculpteurs et architectes russes atteignent le plus haut niveau de compétence, ce qui leur permet de se classer parmi les meilleurs maîtres de l'art européen.
À la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, le style dominant des beaux-arts russes était le classicisme. Le terme « classicisme » vient, comme on le sait, du mot latin « classicus », c'est-à-dire « exemplaire ». Le patrimoine des arts anciens – grecs et romains – était considéré comme un exemple idéal de classicisme. Le thème principal du classicisme est le triomphe des idéaux moraux, la primauté du public sur le personnel (« le devoir avant tout »).
Le bastion du classicisme en Russie était l'Académie des Arts, qui exigeait le respect obligatoire des canons stricts du classicisme et encourageait la peinture sur des sujets historiques, bibliques et mythologiques. Ce n’est pas un hasard si dans l’histoire de la peinture russe, le classicisme est souvent appelé « académisme ».
L'art en Russie a toujours été une affaire d'État. L'Académie distribuait les commandes du gouvernement, les subventions et approuvait les pensions. Par conséquent, ce sont toujours les artistes académiques qui ont reçu leur dû - leurs toiles étaient très appréciées et vantées au niveau officiel et, par conséquent, étaient bien payées, et le genre historique, dans lequel travaillaient principalement les académiciens, était considéré comme le « plus haut genre ». » genre à l’Académie des Arts.
Cependant, la plupart des artistes qui ont travaillé dans un genre « élevé » aussi respecté n’ont pas atteint des sommets particuliers. Cela s'explique principalement par le fait que les peintres historiques exécutaient généralement les commandes officielles du gouvernement et travaillaient dans le cadre du canon, de sorte que l'individualité des artistes passait souvent au second plan, voire disparaissait complètement.
Néanmoins, les vrais créateurs, même dans le cadre strict du classicisme, ont réussi non seulement à s'exprimer, mais aussi à mettre en œuvre des idéaux esthétiques nouveaux pour ces années-là (sans parler du reflet inspiré du pathétique patriotique de l'époque, né de la victoire dans la guerre patriotique de 1812).
L'un des peintres les plus talentueux de cette époque était Andrei Ivanovich Ivanov (1776-1848), le père du célèbre Alexandre Ivanov. Il a principalement dédié ses créations aux héros de l'histoire ancienne de la Russie. Ses peintures les plus réussies sont « L'exploit d'un jeune Kievien pendant le siège de Kiev par les Pechenegs en 968 » et « Le combat du prince Mstislav Vladimirovitch l'Udal avec le prince du Kosozh Rededey » (il est intéressant de noter que l'artiste l'a achevé à l'époque où Moscou fut prise par Napoléon).
Son homonyme, Dmitri Ivanovitch Ivanov (1782 - après 1810), a également écrit des œuvres typiques du classicisme : les personnages de ses tableaux ressemblent à des sculptures, la composition est géométriquement vérifiée. Il s'agit de la toile « Marthe la Posadnitsa » : l'ermite Théodose Boretsky tend une épée à Miroslav pour lutter pour l'indépendance de Novgorod. Il s'agit d'une œuvre lumineuse d'un grand classicisme.
Il est impossible de ne pas noter le tableau historique de Vasily Kondratievich Sazonov (1789-1870) « La première rencontre d'Igor avec Olga », qui connut un grand succès en son temps. Le film montre clairement un intérêt pour les détails du quotidien ; les personnages sont représentés de manière lyrique.
VASILY CHEBUEV. Divination. Autoportrait. 1805. Huile sur toile 91,5×73,5 cm. Galerie nationale Tretiakov.
VASILY CHEBUEV. L'exploit du marchand Igolkin. 1839. Huile sur toile. 283,5 x 213 cm. Musée d'État russe VASILY CHEBUEV. L'exploit du marchand Igolkin. 1839. Huile sur toile. 283,5 x 213 cm. Musée d'État russe.
Les représentants les plus éminents de l’art académique du début du XIXe siècle étaient A.E. Egorov et V.K. Shebuev, les plus magnifiques maîtres du dessin (encore une fois dans un style purement classique).
Vasily Kuzmich (Kozmich) Shebuev (1777-1855), pair d'Andrei Ivanov lors de ses études à l'Académie des Arts, a attiré l'attention même l'année de sa sortie de l'Académie avec le tableau "La Mort d'Hippolyte", l'intrigue de qu'il a emprunté à la tragédie « Phèdre » de Racine. Ses premières œuvres sont très dynamiques, mais très vite le dynamisme laisse place à un certain calme. Un exemple frappant de « tranquillité » dans la peinture de Shebouev est le « Retour du fils prodigue » sépia. Aussi V.K. Shebuev a interprété plusieurs compositions sur des thèmes de l'histoire russe : « L'élection de Mikhaïl Fedorovitch Romanov au royaume », « Le prince Pojarski », « Pierre Ier à la bataille de Poltava » ( dernière image, hélas, n'a pas été conservé, il n'en reste qu'une critique enthousiaste par un contemporain : "... le talent et la grande liberté du pinceau d'un artiste expérimenté...").
En 1811, V.K. Shebuev a créé un croquis sur le thème «L'exploit du marchand Igolkin», puis a commencé à travailler sur un tableau du même nom. Il est caractéristique que Shebuev ait cherché à transmettre en détail la saveur de l'époque, négligée par les artistes de la période précédente. Par exemple, les Suédois du film « L'exploit du marchand Igolkin » sont vêtus d'uniformes historiquement précis.
Alexeï Egorovitch Egorov (1776-1851) est devenu célèbre comme dessinateur de premier ordre alors qu'il était encore à l'Académie. Ses dessins sur des thèmes anciens se distinguent par leur douceur et leur lyrisme. À meilleurs dessins Les œuvres de l’artiste incluent « La Nativité de Jean » et « Susanna ». Parmi les derniers, « l’apôtre André le Premier Appelé » se démarque particulièrement. Le tableau le plus significatif d'A.E. Egorova - «Le tourment du Sauveur». Ce tableau était précédé d'un grand travail préparatoire: nombreux croquis et dessins.
Dans les portraits réalisés par le pinceau du maître, son désir d’une étude approfondie de la nature s’exprime le plus. Très expressif et poétique, par exemple, « Portrait d'un jeune homme », peint à l'huile.
Les mérites d’Egorov en tant que professeur à l’Académie des Arts sont également importants. Egorov était strict avec ses élèves, mais juste, affectueux et exigeant. L'objectif est le même : inculquer aux étudiants l'amour de l'art et leur apprendre cet art. Il n’est pas surprenant que de nombreux étudiants d’Egorov soient devenus par la suite d’éminents peintres russes. Il suffit de citer un seul nom: Karl Bryullov. Et bien que Brioullov ait emprunté un « chemin différent », il a honoré toute sa vie les préceptes de son professeur et n’a pas oublié ses leçons.
Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) en 1822, après avoir obtenu son diplôme de l'Académie (et il obtint une médaille d'or), se rendit en Italie avec son frère Alexandre. (D'ailleurs, le vrai nom de famille des frères est Brullo. Avant de partir pour l'Italie, ils ont changé le nom de leurs ancêtres, immigrants de France, en style russe.) Le frère aîné du « grand Charles », Alexandre, bien que il n'était pas si « grand », mais il laissa une marque notable dans les beaux-arts russes. L'apogée de sa créativité en tant qu'artiste (et en plus de cela, il était aussi un architecte de premier ordre) a coïncidé avec l'apogée du portrait russe à l'aquarelle, qui a remplacé le portrait au crayon et la miniature sur os. Le portrait de l’épouse de Pouchkine, Natalia Nikolaïevna, est tout à fait typique d’Alexandre Briullov. De nombreuses aquarelles de A. Bryullov sont exécutées de manière plus que magistrale, mais de couleur quelque peu froide.
ALEXANDRE BRIOULLOV. Portrait de M. O. Smirnova. Début des années 1830. Carton bristol, aquarelle, crayon, blanc, vernis
21,5 x 17 cm (transparent). Musée d'État d'A.S. Pouchkine, Moscou
ALEXANDRE BRIOULLOV. Portrait d'A.D. Baratynskaïa. années 1830. Papier, aquarelle. 19,2 x 16 cm. État de Nijni Novgorod.
Musée d'art
Revenant à l'œuvre de Karl Bryullov, notons ses plus caractéristique- coexistence harmonieuse des traits de l'école académique, des traits du romantisme et du désir de vérité historique. De nombreux contemporains (et descendants) ont reproché à Bryullov d'avoir prétendument fait une sorte de compromis. En fait, il ne s'agissait pas du tout d'un compromis, mais d'une vision artistique : Bryullov a compris son parcours artistique exactement de cette façon et pas autrement.
Karl Bryullov, pourrait-on dire, a eu une chance fantastique : il a connu une renommée à part entière de son vivant (et tous les artistes russes n'y sont pas parvenus et n'y parviennent pas). Le tableau historique «Le dernier jour de Pompéi» est devenu un véritable événement dans la vie artistique de ces années-là. Les évaluations de l'œuvre de Briullov, et surtout du même «Le dernier jour de Pompéi», ont changé plus d'une ou deux fois au fil du temps - d'un enthousiasme orageux à des sourires sceptiques, voire un déni complet. Mais ce sur quoi personne (ni ses contemporains ni ses descendants) n'a jamais émis de doute, c'est son talent de portraitiste. Qu’il suffise de rappeler « La Cavalière », le chef-d’œuvre incontestable du peintre.
KARL BRIOULLOV. Portrait de l'écrivain Nestor Vasilyevich Kukolnik. 1836. Huile sur toile 117×81,7 cm. Galerie nationale Tretiakov.
Karl Bryullov était également un aquarelliste virtuose. Mais contrairement aux œuvres des aquarellistes « professionnels » (par exemple P.F. Sokolov, évoqué ci-dessous), dans les aquarelles de Bryullov, la main d'un maître des grandes formes est toujours reconnaissable. Les portraits à l'aquarelle de Bryullov peuvent être divisés en deux groupes. Le premier est croquis à l'aquarelle futurs portraits à l'huile (l'un d'eux est un portrait à l'aquarelle du fabuliste I.A. Krylov). Et le deuxième groupe est celui des portraits à l'aquarelle en tant que tels.
En un mot, Brioullov était un artiste, comme on dit, « de Dieu ». Quoi qu'il ait entrepris, qu'il s'agisse de peintures historiques, de portraits ou d'aquarelles, toutes ses œuvres sont sans aucun doute devenues des œuvres d'art au sens littéral du terme.
Cependant, malgré tout le talent, la virtuosité et la chance de Bryullov, de nombreux projets de l’artiste sont restés inachevés. L’artiste a par exemple toujours été attiré par l’histoire russe. Pendant de nombreuses années, il a nourri l’idée d’un tableau épique intitulé « Le siège de Pskov par le roi polonais Stefan Batory en 1581 ». Si ce projet s'était réalisé, nous pourrions peut-être maintenant parler d'un chef-d'œuvre véritablement national dans le genre historique. Mais hélas, le tableau n’était pas peint…
Tout aussi paisiblement et fructueusement que dans l'œuvre de Karl Bryullov, classicisme et romantisme ont coexisté dans l'œuvre d'un autre artiste remarquable, ainsi que d'un sculpteur, médaillé, graveur tout aussi remarquable, auteur de dessins de silhouettes et de portraits miniatures en cire, Fiodor Petrovitch Tolstoï ( 1783-1873). Il s'est également inspiré des ruines de l'Hellade antique, des branches de lilas, des canaris et des nuits au clair de lune. (L'amour pour les nuits au clair de lune, d'ailleurs, était l'un des signes les plus courants du romantisme. Les artistes romantiques ont rendu un hommage indispensable à l'éclairage nocturne mystérieux - rappelons-nous M. N. Vorobyov et sa « Nuit d'automne ». Et quoi de plus romantique que une nuit au clair de lune ?)
Cependant, le « compromis » à l’intersection du classicisme et du romantisme dans les œuvres de K.P. Bryullova, F.P. Tolstoï n'a pas servi d'exemple aux autres artistes. Bien au contraire, de nombreux peintres talentueux n'ont accepté aucun compromis : directement accablés par les exigences de l'art classique élevé, ils se sont tout aussi directement tournés vers le romantisme.
Le romantisme (du romantisme français) est, comme vous le savez, un mouvement artistique de la culture européenne de la fin du XVIIIe et de la première moitié du XIXe siècle. Dans les beaux-arts, le romantisme s'est formé dans la lutte contre le classicisme académique officiel. Et les beaux-arts russes ne faisaient en aucun cas exception. On pense que c'est grâce au romantisme que la peinture paysagère russe s'est libérée des chaînes du classicisme.
Cependant, quelques éclaircissements s’imposent ici.
Dans l'art, et surtout dans les beaux-arts, tout n'est pas aussi simple et sans ambiguïté qu'il y paraît parfois à première vue. Les entraves sont des entraves, mais l'un des traits les plus caractéristiques du romantisme russe du début du XIXe siècle était son lien étroit avec le classicisme. Une autre chose est que le rôle de l'héritage classique dans le romantisme est très contradictoire. D'une part, nous voyons que le romantisme a absorbé l'éthique et l'esthétique du classicisme (en d'autres termes, la croyance en tout ce qui est beau et noble qui est inhérent à une personne) et a « emprunté » au classicisme un haut professionnalisme. D’un autre côté, le même classicisme, avec ses frontières rigides, entravait les possibilités des artistes romantiques.
FÉDOR TOLSTOY. Darling s'admire dans le miroir. 1821 Papier, aquarelle. Galerie nationale TretiakovFEDOR TOLSTOY. Darling s'admire dans le miroir. 1821 Papier, aquarelle. Galerie nationale Tretiakov
FÉDOR TOLSTOY. Bouquet de fleurs, papillon et oiseau. 1820. Papier brun, aquarelle, badigeon. 49,8 x 39,1 cm
Musée d'État russe
Dans la peinture de paysage russe, le romantisme était principalement de nature optimiste et lumineuse (contrairement, par exemple, au romantisme français). Le romantisme russe est élégiaque, mélancolique, contemplatif... En même temps, il n'ignore pas du tout l'image objective du monde. Au contraire, dans la peinture de paysage romantique, la dure réalité est inhabituellement visible. On peut faire « l’inverse » et dire que la peinture réaliste russe avait une connotation romantique prononcée.
Jusqu'au début du XIXe siècle, la peinture de paysage se limitait principalement à représenter des champs et des ruisseaux, ainsi que des bergers et des bergères surveillant des troupeaux de chèvres et de moutons (d'ailleurs, à l'Académie des Arts, de telles pastorales étaient appelées, sans aucune trace de humour, « paysages avec du bétail » - c'est pour cela que c'est l'Académie). Mais au début du XIXe siècle, la situation
commence progressivement à changer. Par exemple, la toile de F.M. La «Vue de la campagne romaine» de Matveev était encore écrite dans les traditions du classicisme académique, mais déjà dans son «Paysage italien», des ambiances complètement différentes sont clairement visibles. Aussi dans dans une plus grande mesure cela s'applique aux paysages des A.A. Ivanova. Il convient également de noter les paysages de N.G. Tchernetsova. Bien que les œuvres de Tchernetsov ne soient pas aussi libres et décomplexées que celles d’Ivanov, Tchernetsov peint précisément la nature russe, tandis qu’Ivanov préfère peindre la nature italienne.
Mais ce n'est ni Ivanov, ni Matveev, ni Tchernetsov ni d'autres artistes tout à fait dignes qui eurent l'honneur de découvrir de nouvelles façons de développer le paysage russe. Nous appelons à juste titre Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804) le fondateur de la peinture paysagère russe. Il fut le premier dans l'art russe à révéler la valeur intrinsèque des motifs ordinaires dans un paysage ordinaire, il fut le premier peintre paysagiste reconnu par l'Académie, il fut le premier professeur de peinture paysagère, le premier directeur d'une classe spéciale de paysage. En un mot, Shchedrin est un fondateur et un pionnier.
Le fondateur du genre du paysage urbain russe est considéré comme Fiodor Yakovlevich Alekseev (1753(4?) - 1824). À la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, il peint des vues de Saint-Pétersbourg et de Moscou. Dans les années 1810, l'artiste s'est à nouveau tourné dans son travail vers l'image de son bien-aimé Saint-Pétersbourg. Avec un amour respectueux et un lyrisme extraordinaire, l'artiste transmet la beauté de la Neva, des quais, des palais, des bâtiments historiques... La peinture tardive de Fiodor Alekseev est proche de la poésie de Pouchkine. Au cours de ces années, l’artiste s’éloigne du classicisme froid et introduit un élément de genre dans le paysage. "Dans la peinture d'Alekseev, on peut certainement sentir cette note douce et sincère qui, vingt ans plus tard, est devenue un signe typique des temps...", a écrit Igor Grabar.
Dans les œuvres d’Alekseev de cette époque, le bruit de la ville se fait entendre de plus en plus clairement. Tout le premier plan de ses toiles est désormais occupé par des personnages avec leurs affaires et leurs soucis quotidiens. Sous les yeux du spectateur se déroule la vie quotidienne ordinaire de la ville : les commerçants et les fonctionnaires se précipitent à leurs affaires... les pêcheurs pêchent... les transporteurs transportent... Rappelez-vous, comme dans les poèmes de Pouchkine : « Un marchand se lève, un colporteur s'en va. .. Un chauffeur de taxi arrive à la bourse... » C'est-à-dire que la vie la plus quotidienne se déroule. D'une manière ou d'une autre, « à la manière d'Alekseev », le soleil brille, « à la manière d'Alekseev » l'air est transparent... C'est la « Vue Promenade des Anglais du côté de l'île Vassilievski", "Vue de la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg", "Vue de la flèche de l'île Vassilievski depuis la forteresse Pierre et Paul".
Et ne vous laissez pas tromper par le mot « vue » dans les titres des tableaux. L'artiste n'écrit pas de « types » de bâtiments et d'ensembles - dans chaque tableau, comme dans une goutte d'eau, tout Saint-Pétersbourg se reflète.
Un jeune contemporain de G.R. Derzhavin et le contemporain senior A.S. Pouchkine, Alekseev a élevé l'image de la ville au rang d'art à part entière,
et une certaine idéalisation de l'apparence de la capitale russe était pour l'artiste un moyen d'exprimer son amour pour la beauté, dont l'incarnation pour Alekseev était le brillant Pétersbourg.
La plus grande étape du développement du paysage russe est représentée par l'œuvre de Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791-1830). Dans ses premières œuvres, Shchedrin a développé les mêmes thèmes du paysage urbain (et même de Saint-Pétersbourg) que F.Ya. Alekseev. Cependant, sa peinture de la période pétersbourgeoise est encore plus proche de celle de S.F. Shchedrin (qui était l'oncle de Sylvester Shchedrin). Sylvester Shchedrin a formulé clairement et clairement sa tâche : dresser un portrait de la région. Le désir de transmettre le caractère de la nature le plus profondément possible était ce qui lui tenait le plus à cœur. Ses nombreuses répétitions et variations du même thème témoignent de sa persévérance dans la réalisation de ses objectifs. Huit fois (!) l'artiste a répété son tableau « Nouvelle Rome. Château Sant'Angelo" et chacun nouvelle optionétait meilleur que le précédent, enrichi de nouvelles observations subtiles. Vous pouvez prendre n'importe quel tableau de Shchedrin au hasard, et la différence entre Shchedrin et tout autre peintre paysagiste sera immédiatement évidente. Tout d'abord, il s'agit bien sûr d'une image de personnes - dans les peintures de Shchedrin, ce ne sont pas des figurants ordinaires, pas « la population », mais des images tout à fait vivantes : visages bronzés, mouvements naturels...
L'œuvre de Sylvester Shchedrin a été précédée (et en partie accompagnée) par l'activité d'artistes dits de « second rang », dont la définition n'enlève cependant rien à l'importance de leur travail dans le processus artistique, et ne parle certainement pas de leur médiocrité. C'étaient des peintres très doués ; simplement, pour un certain nombre de raisons subjectives et objectives, les tendances des temps nouveaux ne se manifestaient pas aussi puissamment dans leur œuvre que dans celle de Sylvester Shchedrin. Néanmoins, ces artistes ont joué un rôle progressif dans le développement de la peinture de paysage russe, car avec leur créativité, ils ont préparé le terrain pour la naissance d'un « nouvel » art.
Ces maîtres étaient appelés artistes visuels. Bien qu'il serait plus correct de les appeler des artistes de voyage. Certains d'entre eux ont voyagé en Russie (A.E. Martynov, T.A. Vasiliev), d'autres - en Grèce et en Italie (N.F. Alferov, E.M. Korneev), d'autres ont participé à des circumnavigations (P.N. Mikhailov), quelqu'un a visité l'Amérique (P.P. Svinin). Mais ce n'est pas le point principal. Bien qu'ils se soient inspirés de leurs voyages différents pays et même à travers différents continents, tous ces artistes étaient unis par le fait que leurs créations étaient essentiellement des « écritures vidéo », c'est-à-dire comme des observations de voyage - et rien de plus.
Cependant, tous les artistes visuels n’ont pas créé leurs œuvres en voyage. Il y avait aussi ceux qui se contentaient de représenter uniquement Saint-Pétersbourg. (Au début des années 1920, des séries entières de vues de la capitale russe apparaissaient assez régulièrement.) En peignant leurs tableaux « Saint-Pétersbourg », les vidéastes ne se fixaient pas d'autre tâche que de décrire consciencieusement Saint-Pétersbourg. L'un des maîtres les plus éminents de ce type de beaux-arts était M.N. Vorobyov (1787-1855). Au début de son parcours créatif, il figurait déjà parmi les artistes « célèbres pour son talent ». Et à la fin de la vie de Vorobyov, il fut surnommé « le plus célèbre des peintres russes » et commença même à être vénéré comme « le père de la peinture de paysage russe ».
Cependant, tout coule et tout change, et la prochaine génération d'historiens de l'art n'a pas ressenti un tel respect pour Vorobyov, et son travail a été évalué beaucoup plus modestement, à savoir : « notre meilleur peintre vidéo ».
Comme la plupart des romantiques du début du XIXe siècle, M.N. Vorobiev avait un penchant pour les effets artistiques extérieurs, mais dans ses meilleurs paysages, il atteignit de grands sommets émotionnels. Cela s'applique particulièrement aux vues de Saint-Pétersbourg la nuit. Ici, Vorobiev a suivi les traces du même Sylvester Shchedrin, qui, dans les œuvres des années 1820, cultivait l'effet romantique de l'éclairage nocturne. Et de l'école F.Ya. Alekseeva Vorobiev a développé une passion pour le paysage urbain. Dans ses paysages de Saint-Pétersbourg, Vorobyov a réussi à transmettre le véritable romantisme de la ville.
L’importance de Vorobyov en tant que professeur n’est pas moins importante pour la peinture russe. À l’Académie des Arts, il dirige le « cours de peinture de paysage et de perspective ». Parmi ses élèves se trouvait l'un des peintres paysagistes les plus talentueux, M.M. Lebedev, qui au cours de sa, hélas, courte vie a créé un certain nombre d'excellentes œuvres. Les paysages de Lebedev, peints en Italie (où il est allé comme retraité de l'Académie), semblent poursuivre la quête de Sylvester Shchedrin. Lebedev aimait par-dessus tout peindre la périphérie de Rome, avec ses immenses parcs et ses arbres centenaires. Parfois l’architecture est présente dans les peintures de Lebedev, parfois des figures humaines apparaissent, mais elles n’acquièrent jamais la signification qu’elles avaient dans les paysages de Shchedrin. Lebedev n'était pas destiné à révéler pleinement son talent - en 1837, le choléra emmena le peintre de 26 ans dans un autre monde.
En plus des artistes mentionnés ci-dessus, il existait dans les beaux-arts russes un autre cercle de peintres romantiques qui, dans leur travail, se concentraient sur le thème de la province russe. Et si le fondateur de la peinture paysagère russe est S.F. Shchedrin et le fondateur du genre du paysage urbain russe sont considérés comme F.Ya. Alekseev, alors, sans aucun doute, Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) peut être considéré comme le « père » du genre russe quotidien. C'était A.G. Venetsianov a élevé le genre quotidien au rang de peinture à part entière. Les meilleures œuvres de l’artiste (« La grange à battre », « Sur le champ labouré. Printemps », « Paysanne aux bleuets » et autres) ont été créées dans les années 1820. Les sujets de ses toiles étaient extrêmement ordinaires : paysans épluchant des betteraves, labourant, moissonnant, fenaison... Et c'est là que s'exprimait le credo créatif de l'artiste. Il croyait que la tâche principale du peintre était de « ne représenter rien d’autre que la nature… », c’est-à-dire « … sans aucun mélange de la manière d’un quelconque artiste ».
ALEXÉI VENETSIANOV. Infirmière avec un enfant. Début des années 1830. Toile, huile. 66,7 x 53 cm. État Tretiakovskaya.
Galerie
Lorsqu'une exposition d'œuvres d'A.G. a eu lieu à Saint-Pétersbourg. Venetsianova, ce fut un succès retentissant. «Enfin, nous attendions un artiste qui mettait son merveilleux talent à l'image de l'un des nôtres, à la représentation des objets qui l'entouraient, qui lui tenaient à cœur et au nôtre...» écrivait P.P. Svinine.
Cependant, les aspirations créatives de Venetsianov ont trouvé soutien chaleureux exclusivement parmi la partie avancée de la société russe. Dans les cercles officiels, le travail de Venetsianov a été perçu « exactement à l’opposé » : il a été catégoriquement rejeté. L'Académie des Arts n'a pas caché son attitude négative envers l'artiste du fait qu'il ne représentait que des « gens ordinaires ».
Venetsianov était profondément bouleversé par cette attitude envers son travail, mais pas du tout parce qu'il n'avait pas la possibilité de devenir l'un des favoris de l'Académie. Le maître considérait qu'il était de son devoir de transmettre ses connaissances et son expérience aux jeunes artistes en herbe. "Cependant, on m'a complètement refusé à jamais de recevoir des fonctions à l'Académie des Arts elle-même...", écrit tristement Venetsianov.
Le désir de Venetsianov d'enseigner à « des milliers de personnes assoiffées » ne s'est réalisé que lorsqu'il a créé lui-même fonds propresécole d'art. Et ici, aucune Académie ne pouvait interférer avec lui. Dans son école, il instruisait ses élèves comme il le jugeait lui-même nécessaire et correct, rejetant résolument le système académique, selon
dans lequel l’artiste, avant de commencer à peindre d’après nature, devait passer de longues heures et de longues journées dans l’atelier de l’Académie et apprendre à peindre à partir d’« originaux ». À l’école de Venetsianov, dès les tout premiers stades de la formation, le maître obligeait ses élèves à écrire d’après nature. Ainsi, l’école de Venetsianov a été le premier établissement d’enseignement artistique en Russie à se fixer pour objectif d’étudier la vie réelle et non les modèles anciens. De nombreux étudiants de Venetsianov - et ils étaient environ soixante-dix - sont ensuite devenus de merveilleux artistes, justifiant pleinement leur professeur.
L’un des premiers étudiants et des plus appréciés de Venetsianov était A.V. Tyranov, qui commença, comme la plupart des « vénitiens », par peindre des intérieurs, des portraits d'intérieur et des peintures de genre « paysannes ». Dans sa jeunesse, Tyranov se consacrait à la peinture d'icônes. Venetsianov a accidentellement vu son travail et l'a emmené dans son école pour ses « capacités extraordinaires ». Dans l'esprit vénitien, « Deux paysannes derrière Krosny » (« Tisserandes »), « Autoportrait » ont été écrits, ainsi que le seul paysage de l'œuvre de Tyranov « Vue sur la rivière Tosna près du village de Nikolskoïe », étonnamment harmonieux. , imprégné lumière du soleil. De son vivant, Tyranov acquit une grande renommée. Selon un contemporain, lors des expositions de cet artiste « il y avait une telle foule de monde autour de ses tableaux qu’il était impossible de passer à côté ». Tyranov fut pendant plusieurs années le portraitiste le plus populaire de Saint-Pétersbourg.
Un autre élève de Venetsianov, S.K., a également beaucoup travaillé dans le domaine du portrait. Zaryanko, qui devint plus tard académicien et professeur à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. Comme Tyranov, au début de sa vie créative, Zaryanko accordait une grande attention aux portraits de groupe à l'intérieur. Un exemple est son tableau « Vue de la salle de la Faculté de droit avec des groupes d’enseignants et d’étudiants ». Et « Portrait de F.P. Tolstoï" est pour ainsi dire la prochaine étape de Zaryanko dans le développement des principes sur lesquels reposait l'école de Venetsianov, qui proclamait que l'art devait être aussi proche que possible de la vérité de la vie.
G.V. était également un élève de Venetsianov. Soroka (Soroka est le pseudonyme de l'artiste, son vrai nom est Vasilyev), un artiste serf qui s'est suicidé. C'était un talent brillant et original. Ses paysages sont simples, laconiques et clairs. Le développement de Soroka en tant qu’artiste a été presque rapide. Une lettre de Venetsianov a été conservée, dans laquelle il évalue les capacités créatrices de Soroka. Venetsianov le compare à son autre élève, Plakhov. Plakhov, diplômé de l'Académie des Arts et effectué un stage à Berlin, était déjà un maître confirmé. Et en seulement quelques mois de formation, et même dans des conditions rurales, Soroka, selon Venetsianov, a dépassé le maître établi Plakhov. Cette évaluation témoigne des énormes talents naturels de Soroka et de son travail acharné tout aussi énorme. La première grande toile de Soroka fut le tableau «La Grange» - dans son intrigue et sa composition, il fait clairement écho au tableau du même nom de Venetsianov. Mais il y avait aussi des différences, tout aussi évidentes. Venetsianov a poétisé le travail paysan ; son tableau a été écrit du point de vue d'un « observateur extérieur ». Soroka, contrairement à son professeur, a écrit la vie paysanne, ayant le rapport le plus direct avec elle, et cela se reflète dans la manière dont l'auteur représente la réalité (en particulier dans les tons sombres de la terre et des huttes paysannes). Le parcours créatif de Soroka n'a pas duré plus de dix ans. Seule une vingtaine de ses tableaux sont connus, et presque tous ont une date approximative. Soroka a obtenu son plus grand succès dans la peinture de paysage. Les meilleurs paysages de Soroka sont considérés comme : « Vue du domaine Spasskoye dans la province de Tambov », « Vue du barrage dans le domaine Spasskoye de la province de Tambov », « Vue sur le lac Moldino ». Toutes ces peintures se caractérisent par une portée épique dans la représentation de la nature. Et des paysages comme « Chapelle dans le parc » et « Vue sur les îles », au contraire, sont très intimes et résolument lyriques.
Un autre artiste serf talentueux, dans le destin duquel Venetsianov a joué un rôle important, était F.M. Slave. Venetsianov a attiré l'attention sur les capacités artistiques de Fiodor Mikhaïlov (c'est le vrai nom de l'artiste) et l'a racheté du servage. N'ayant pas de fils, Venetsianov souhaitait transmettre son nom de famille à l'un de ses élèves. Un autre essai il s'engagea également avec Fiodor Mikhaïlov, mais cette fois il ne put obtenir l'autorisation des autorités officielles. Par conséquent, Fiodor Mikhaïlov, ayant conquis la liberté, n'est pas devenu Venetsianov, mais slave. Mais Venetsianov a réussi à obtenir l'autorisation pour Slavyansky d'assister aux cours de l'Académie des Arts en tant qu'étudiant invité. Slavyansky a étudié avec le professeur Varnek et en même temps avec Venetsianov. Parmi les œuvres de Slavyansky, les plus intéressantes sont « Portrait d'A.G. Venetsianova", "La vieille femme au bâton". Dans la province de Tver, Slavyansky a écrit « Vue du domaine de Venetsianov » et a également peint des portraits de paysans et de paysannes. Mais (comme cela arrive malheureusement souvent dans l’art), malgré le haut niveau de compétence et le talent incontestable, l’œuvre de Slavyansky n’a toujours pas gagné en popularité.
L'étudiant de Venetsianov, N.S., a montré son talent dans le domaine du paysage. Krylov. "L'hiver russe" de Krylov est l'un des tout premiers "hivers" de la peinture russe : une rive de rivière recouverte de neige gris-bleuâtre, une bande de forêt sombre au loin, des arbres noirs et nus au premier plan (d'ailleurs, A.V. Tyranov a également peint cette même rivière).
D'ACCORD. Plakhov, l’un des élèves les plus talentueux de Venetsianov, a réussi dans son tableau « Atelier de menuiserie de l’Académie des Arts » à combiner toutes les caractéristiques typiques de l’école de Venetsianov : naturel, simplicité, précision dans les détails. Cependant, Plakhov n'était pas le seul à pratiquer cela. Ce type de peinture (combinant portraits et intérieurs) était très courant parmi les artistes de ce cercle. Des membres de la famille, des amis, ou les deux, sont assis, boivent du thé et discutent. C'est, par exemple, la photo de K.A. Zelentsov « Atelier de l'artiste P.V. Bassin" (parmi les autres œuvres de Zelentsov, les croquis peints à la peinture à l'huile sont très intéressants : "Garçon avec une cruche", "Vieil homme", "Jeune paysanne", dessin au crayon "Vente de lait et Sbitnya").
Un autre maître du cercle vénitien, E.F. Krendovsky a beaucoup travaillé en Ukraine. L'une de ses œuvres les plus célèbres est « La place d'une ville de province ». Les critiques ont noté « la minutie de la caractérisation de tous les personnages, semblable à la description de l’apparence d’une personne à travers les lèvres d’un provincial ».
Proche des peintures des « artistes vénitiens » (notamment d'intérieurs) d'I.T. Khroutski. Dans ses toiles, on retrouve la même attention aux détails de la vie quotidienne et à l'ameublement. Les travaux de P.E. Zabolotsky, dans lequel on retrouve le même mélange de genre quotidien et de portrait.
Ainsi, l'importance de Venetsianov, des « Vénitianovites », ainsi que des artistes qui leur sont proches en esprit, réside avant tout dans le fait qu'ils ont commencé à peindre la réalité qui les entoure telle qu'elle est, ce qui était fondamentalement en contradiction avec les canons esthétiques de l'époque. art académique. Ainsi, Venetsianov et les « Vénitiens » ont attiré l'attention du public et d'autres artistes sur ce qui était sous les yeux de tous dans la vie quotidienne, mais qui n'avait pas encore fait l'objet d'art - sur des thèmes quotidiens, sur la vie privée. Ainsi, la peinture de Venetsianov et de ses disciples est devenue une évidence, ayant acquis le droit de citoyenneté dans les beaux-arts russes.
Outre l’école de Venetsianov, il existait d’autres écoles d’art en Russie au début du XIXe siècle. Le plus grand d'entre eux était école d'art, fondée en 1802 par l'artiste A.V. Stupin dans la ville provinciale d'Arzamas. Il n’est pas nécessaire de parler de progrès ou de nouvelles voies dans l’art. Contrairement à l'école Venetsianov, le système pédagogique de l'école d'Arzamas coïncidait avec le système académique. Cependant, même ici, la vie a apporté ses propres modifications et ajustements. Les amateurs d'art provinciaux ont chargé les artistes principalement de peindre des portraits d'eux-mêmes ou de membres de leur famille. C'est pourquoi, dans la pratique de l'école d'Arzamas, ce sont surtout les portraits qui se sont développés, ce qui, à leur tour, a indirectement contribué au développement des portraits réalistes dans la peinture russe.
Au début du XIXe siècle, les formes de portraits de chambre, qui cultivent l'unicité et l'individualité, connaissent un grand succès. monde spirituel chaque personne. Et le créateur de ce concept de portrait fondamentalement nouveau était Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836).
Il existe même une opinion selon laquelle si toutes les images étaient mises à la même échelle que celle de l'histoire peintres historiques, et de l'autre - des portraits de Kiprensky, alors ces derniers l'emporteraient. Ne contestons pas cette affirmation. Notons seulement que si la brièveté est considérée comme la sœur du talent, l'extrême est la sœur de l'erreur. Quoi qu'il en soit, nous le répétons encore une fois : Kiprensky a été le créateur d'un concept de portrait fondamentalement nouveau.
A l'Académie des Arts O.A. Kiprensky a étudié dans un cours de peinture historique. Et dans le film «Dmitry Donskoy on the Kulikovo Field», il a montré avec confiance sa connaissance des canons de la peinture historique académique. Mais déjà dans ce premier tableau, le sens moralisateur de l'image s'éloigne quelque peu et son étonnante émotivité apparaît.
Mais pas le genre historique, mais le genre du portrait devient dès le début le genre phare de l’œuvre de Kiprensky. En tant que portraitiste, Kiprensky a commencé par travail romantique- portrait d'A.K. Schwalbe, son père adoptif. Le portrait a été peint dans un style un peu « Rembrandt » (clair-obscur dramatique, etc.). En regardant cette œuvre, il est impossible de déterminer avec précision à quel cercle social appartient la personne représentée sur la toile. Toute l’attention de l’artiste est concentrée sur le monde intérieur du personnage, dont le reflet est l’apparence de la personne représentée. En d’autres termes, c’est la personne elle-même qui prime, et non sa profession ou son appartenance à une classe ou à une autre.
Ayant une fois emprunté ce chemin - intérêt pour monde intérieur mec, Kiprensky ne l’a jamais abandonné. Pour lui, l'essentiel de la créativité est la création d'images caractéristiques individuellement. Il s’agit notamment du « Portrait des A.A. Chelishchev", images jumelées des époux F.V. et E.P. Rostopchinykh et d'autres Kiprensky réalisent même des portraits de cérémonie lyriques et détendus. Un exemple frappant en est le « Portrait de la vie du colonel hussard E.V. Davydov." Et par la suite, dans une série de portraits au crayon de participants à la guerre de 1812, bien que l’héroïque soit au premier plan, il a une « connotation émouvante ».
Les années qui s'écoulèrent entre l'obtention de son diplôme de l'Académie et son départ à l'étranger en 1816 furent très fructueuses pour Kiprensky. La nature des portraits peints à cette époque est romantique. L'attention principale est portée au monde des sentiments des personnes représentées. Le monde spirituel d’une personne dans les portraits de Kiprensky est clair et lumineux.
En 1810, l’apogée des portraits au crayon commence dans l’œuvre de Kiprensky. Parmi ses dessins, vous trouverez à la fois des esquisses rapides et des compositions finies. Dans ses dessins, l'artiste transmet les caractéristiques individuelles du modèle encore plus directement que dans les portraits à l'huile.
L'un des meilleurs portraits romantiques de Kiprensky est le portrait d'A.S. Pouchkine. L’artiste, traduisant fidèlement l’apparence du poète, refuse en même temps tout ce qui est ordinaire. Pouchkine est représenté les mains croisées sur la poitrine, il regarde pensivement au loin, devant le spectateur, une cape romantique recouvre son costume moderne. D'une part, il s'agit sans aucun doute de Pouchkine, et d'autre part, d'une image collective d'une personnalité créatrice.
Il existe deux critiques connues d'A.S. Pouchkine à propos de ce portrait - poétique et prosaïque. Cette revue poétique peut être considérée comme une épigraphe de l'ensemble de l'œuvre de Kiprensky, qui se caractérise par une combinaison de ressemblance de portrait et d'idéalisation romantique du personnage :
"Je me vois comme dans un miroir, mais ce miroir me flatte..."
La revue prosaïque était plus simple et plus courte (l’essence restait cependant la même). grand poète dit au grand artiste : « Tu me flattes, Oreste. »
Un éminent portraitiste, contemporain de Kiprensky, était Alexandre Grigoriévitch Varnek (1782-1843). Une particularité de son travail est le rendu fidèle de la nature. Cela attire immédiatement l’attention, par exemple dans les œuvres de l’artiste telles que « Portrait d’un homme inconnu sur une chaise » ou « Autoportrait dans la vieillesse ». Rendant hommage à l’art de l’artiste, les contemporains accordaient autant d’importance aux œuvres de Varnek qu’aux créations de Kiprensky. Cependant, plus tard, l'œuvre de Varnek a reçu une place plus modeste dans les beaux-arts russes que l'œuvre de Kiprensky.
Et c’est exact, puisque les œuvres de Varnek sont clairement inférieures aux chefs-d’œuvre de Kiprensky tant par la profondeur du contenu que par la richesse de la forme.
Au début du siècle, la lithographie (impression à plat sur pierre) apparaît en Russie et remplace assez rapidement la gravure au burin sur métal. A.E., mentionné précédemment, s’intéressait à la lithographie. Martynov (1768-1826). Il possédait même son propre atelier de lithographie. Martynov a créé une série lithographiée « Vues de Saint-Pétersbourg et de ses environs ». Les œuvres de cette série appartiennent aux plus hautes réalisations du maître.
Je voudrais dire quelque chose de spécial à propos d'Andrei Efimovich Martynov. Il était le représentant le plus célèbre d'une famille talentueuse (son fils et son jeune frère étaient artistes). Diplômé de l'Académie des Arts avec un diplôme en peinture de paysage. Son professeur était S.F. Chchedrine. Ensemble, ils ont travaillé à la création de peintures murales du palais de Pavlovsk. Au fil du temps, Martynov a commencé à privilégier le graphisme. Cela a été facilité par le fait que l'artiste a beaucoup voyagé et qu'au cours de ces voyages, il a trouvé de nouveaux thèmes pour ses œuvres. En 1804, Martynov « a étudié toute la région méridionale de la Russie et a pris des vues de toutes les villes ». Et en 1805, en tant qu'artiste en chef de l'ambassade de Russie, il voyagea de Moscou à Urga - un camp de nomades mongols dans la steppe de Gobi. Au cours de ce voyage, il a rassemblé une richesse de matériaux qui ont servi de base à ses cycles graphiques.
Fin chemin créatif s'est également avéré très productif pour l'artiste. Dans les années 1820, Martynov crée la meilleure série graphique, ce qui le place à l'une des places honorables de l'histoire de l'art russe. Je voudrais également souligner la primauté indéniable de Martynov dans la description de la faune russe. Au tout début du XIXe siècle, il réalise les magnifiques toiles « Vue sibérienne sur la rivière Selenge » et « Baïkal » (plus tard cette tradition fut poursuivie par I.I. Levitan).
L'un des plus grands portraitistes russes de l'époque « romantique » était Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857). Même la biographie de Tropinin obéissait aux lois de l'époque romantique. C'est la biographie d'un véritable talent qui, grâce à son travail acharné, sa persévérance et sa persévérance, a réussi à réussir malgré les circonstances défavorables de sa vie. Et des circonstances défavorables ont accompagné Tropinin dès sa naissance - il est né dans une famille de serfs. Et cette circonstance l'a suivi comme une triste trace presque toute sa vie.
Les serfs étaient autorisés à fréquenter l'Académie des Arts, mais uniquement en tant qu'« étrangers », c'est-à-dire étudiants libres. Tropinin réussit les cours de dessin et entre dans l'atelier de portrait. Selon l'un des biographes, jeune artiste"Grâce à la douceur de son caractère et à son amour constant pour l'art, il acquit bientôt l'attitude amicale et le respect des meilleurs étudiants de l'Académie qui étaient alors en vue : Kiprensky, Varnek, Skotnikov..." Tropinin étudia brillamment et bientôt a reçu des médailles d'argent et d'or.
Déjà dans ses premières œuvres, l'artiste s'efforce de créer des personnages folkloriques. Bien que les images de paysans soient connues dès le XVIIIe siècle, elles étaient de nature purement épisodique et, dans une plus large mesure, exotiques. Ce n'est qu'au début du XIXe siècle que les thèmes paysans sont devenus une direction à part entière des beaux-arts russes. Bien entendu, cela est principalement lié au travail de Venetsianov et de ses étudiants. Mais il convient de noter que les « paysans » de Tropinine ont précédé les « paysans » de Venetsianov. Et si le mérite de Venetsianov est d'avoir découvert la vie russe et le caractère national russe de l'art, alors le mérite de Tropinine peut être considéré comme d'avoir découvert pour le spectateur les habitants et la nature de la Petite Russie (« l'Italie russe », comme l'appelaient ses contemporains).
Les traces d’un travail actif sur des thèmes ukrainiens se retrouvent non seulement dans la peinture, mais aussi dans les graphismes de Tropinin. Dans ses aquarelles et dessins des années 1810 du XIXe siècle, on peut voir des femmes en vêtements ukrainiens, des bergers et des garçons. Ses meilleurs sketchs : « Faucheurs », « Chez le juge de paix » sont également liés à l'Ukraine.
On peut dire que Tropinin est le fondateur de tout un mouvement de l'art russe associé à l'analyse personnage folklorique. Tous ses « serviteurs », « vagabonds » et « vieux soldats » finissent, dans la seconde moitié du XIXe siècle, par « migrer » vers les œuvres des Itinérants.
Tout comme Venetsianov et les Venetsianovites, Tropinin pratiquait largement le « mélange des genres », ce qui était une innovation incontestable pour l'époque, c'est-à-dire qu'il créait un type particulier de peintures dans lesquelles le portrait se combinait organiquement avec l'environnement quotidien (dans ce style, il peint, par exemple, "La Dentellière" et "La Couturière d'or"). Toutes ces peintures, sans exception, respirent la paix, la tranquillité, le confort... Tropinin nous rappelle la valeur de chaque minute de notre existence éphémère. Tropinin a peint de nombreux tableaux similaires. Ils sont tous un peu semblables ; dans chacun d'eux, on voit des jeunes femmes faire des travaux d'aiguille : fileuses, brodeuses, orfèvres. Et leurs visages sont également très similaires, et ce n'est pas un hasard - l'artiste démontre son idéal féminin : un visage ovale doux, des yeux sombres, un sourire amical... Ainsi, dans les tableaux de Tropinin, il y a partout un type, combiné à un certain action, généralement simple et sans ambiguïté.
L'œuvre la plus populaire parmi les œuvres mentionnées ci-dessus était le tableau « La Dentellière » : une jeune fille, occupée à tisser de la dentelle, leva les yeux de son travail pendant une minute et regarda le spectateur, qui devint ainsi un participant involontaire à l'intrigue, mais à le même moment était « hors du champ du tableau ».
Les peintures de Tropinin se caractérisent par une extrême simplicité. L'artiste pensait qu'un portrait devait être naïf, simple et aussi proche que possible de l'apparence réelle d'une personne.
La nature du talent de Tropinin était telle que dans ses toiles, il reflétait la vie de manière poétique et non critique. Une attitude critique envers la réalité apparaîtra plus tard, et non pas chez Tropinin, mais dans les peintures d'autres artistes. Entre-temps, les goûts esthétiques de l’époque coïncident avec les goûts esthétiques de l’artiste. Même le travail sur les toiles de Tropinin n’est pas épuisant, mais agréable et facile. Tropinin était également attiré par les images lumineuses des enfants. Il a représenté des enfants avec des oiseaux, des jouets, instruments de musique. Toutes ces œuvres sont clairement teintées de sentimentalisme.
Pour ce qui est de portraits masculins, puis Tropinin a interprété la réalité de manière un peu plus réaliste que dans les portraits de femmes et d'enfants. Ce sont ses « Cocher appuyé sur un fouet », « Vieil homme taillant une béquille », etc.
Tropinin était à juste titre considéré (et est considéré) comme le meilleur portraitiste de son époque. Et l'un de ses meilleurs portraits est (et était) le célèbre portrait d'A.S. Pouchkine. Pouchkine a commandé un portrait à Tropinine comme cadeau à son ami Sobolevsky. Dans ce portrait, l'artiste a réussi à exprimer le plus fortement son idéal spirituel homme libre. Pouchkine est représenté en robe de chambre, le col de sa chemise est déboutonné et sa cravate et son écharpe sont noués de manière plutôt décontractée. Avec tout cela, le Pouchkine de Tropinine n’a rien de terre-à-terre ; au contraire, il est majestueux, voire monumental, comme en témoigne sa fière posture, et sa robe de chambre ressemble presque à une toge romaine antique. Ce portrait a tout à fait destin intéressant. Plusieurs copies en ont été faites, mais l'original lui-même a été perdu et n'a été retrouvé que de très nombreuses années plus tard. Tropinin a été invité à renouveler le portrait, car il était gravement endommagé. Mais l’artiste refuse catégoriquement, affirmant qu’il « n’ose pas toucher aux traits dessinés sur le vif et d’ailleurs par une main jeune ».
Il faut noter encore un trait caractéristique du talent de Tropinin : l’artiste est toujours très amical envers ses modèles. Les portraits de Tropinin sont facilement reconnaissables précisément aux expressions faciales amicales caractéristiques de ses personnages. Et Tropinin lui-même était amical et gentil avec tout le monde. C’était aussi sa vision de l’art : après tout, les portraits sont écrits pour durer éternellement, pourquoi leur montrer les défauts d’une personne quand on peut montrer ses mérites. Tropinin a dit ceci : « Qui aime regarder des visages en colère et sombres dans la vie ? Pourquoi transmettre sur la toile quelque chose de désagréable, qui restera inchangé, pourquoi faire une impression difficile, susciter des souvenirs difficiles chez ceux qui aiment cette personne ? Qu'ils le voient et se souviennent de lui dans une époque heureuse de la vie.
Dans son créativité tardive Tropinin s'efforçait de mieux comprendre la personnalité humaine. Et à la toute fin de sa vie, l'artiste se rapproche du réalisme critique de la seconde moitié du XIXe siècle. Mais cette partie de son œuvre sort du cadre de la période considérée.
D'abord décennies XIX siècle, un portrait à l'aquarelle apparaît. Et ici, il faut tout d’abord mentionner Piotr Fiodorovitch Sokolov (1791-1848), qui nous a laissé, encore une fois, l’un des meilleurs portraits de Pouchkine, ainsi qu’une vaste galerie d’images des contemporains de Pouchkine. Légèreté, envolée, légèreté - tels sont les traits caractéristiques des traits d'aquarelle de Sokolov.
Au début du 19ème siècle, une formation de genre telle que l'album a commencé à se développer. Bien entendu, il ne peut être mis sur le même plan que le grand art, mais il serait également injuste de l’ignorer. Après tout, cela fait partie intégrante de la culture russe de l’époque.
Les graphismes paysagers sont issus de la vie de la noblesse et appartiennent donc entièrement à la vie de la noblesse. Comme vous le savez, Pouchkine a beaucoup dessiné dans les albums de ses amis. Et la culture graphique des albums de cette époque était décrite par les contemporains de Pouchkine.
Il s’agit essentiellement d’art amateur ou, comme nous dirions maintenant, d’art amateur. Mais il ne faut pas oublier que les graphismes paysagers de cette époque se distinguaient par un très haut niveau de compétence. Un trait caractéristique de la culture de l'âge d'or est précisément le « flux » de la sphère professionnelle vers la sphère amateur de divers arts. Au début du XIXe siècle, la capacité d'utiliser un crayon et un pinceau (ainsi que la connaissance langues étrangères) était tout à fait naturel pour une personne instruite. Une passion répandue pour la peinture et le dessin remonte aux années vingt du XIXe siècle, mais au milieu du siècle, les graphismes paysagers s'affaiblissaient et finissaient par disparaître.
Au début du XIXe siècle, le portrait dit de famille était également très répandu. A cette époque, de nombreux portraits d'enfants et de familles apparaissent. Tous, à de rares exceptions près, avaient une signification purement appliquée. En fait, le portrait de famille remplissait en un certain sens (et anticipait) les fonctions de la photographie en son absence. Il s'agissait généralement de toiles simples et naïves peintes par des artistes provinciaux. Mais ces peintures ne nous valent pas pour leurs mérites artistiques, qui ne sont qu’un ou deux. On y trouve de précieux détails du quotidien, grâce auxquels nous pouvons sentir l'arôme de l'époque : des encriers, des rubans, des détails de costumes, des châteaux de cartes, des œufs de Pâques... Même si les portraits de famille étaient très répandus, très, très peu d'entre eux ont survécu jusqu'à ce jour. À l'heure actuelle, le phénomène des portraits de famille du début du siècle dernier est peu étudié ; il attend encore son chercheur réfléchi et minutieux.
Alors, résumons quelques résultats.
Le développement de la culture est continu. De siècle en siècle, un « fil conducteur » s'étend et chaque nouvelle génération de créateurs comprend et repense les réalisations de leurs prédécesseurs, s'appuie sur ce qui a déjà été réalisé et, en s'appuyant sur cela, passe à autre chose. C'est un progrès.
Le classicisme, né dans la peinture russe au XVIIIe siècle, a pris l'art ancien comme modèle et a commencé à l'imiter avec diligence. En Russie, le classicisme a reçu le statut officiel de « direction d'État » dans le domaine des beaux-arts. L’Académie russe des arts a placé les formes classiques sur un piédestal, en faisant une loi immuable et immuable.
Mais au début du XIXe siècle, au « beau début de l'époque Alexandrov », une nouvelle direction se développait dans les beaux-arts russes : le romantisme.
Le romantisme a vite tout embrassé pays européens, y ayant pris de profondes racines et donné des pousses abondantes, ce qui n'a cependant pas empêché le classicisme de continuer à développer ses tendances classiques, en partie parce que le romantisme, malgré toute son innovation, n'a pas rompu avec les traditions du classicisme.
Dans les beaux-arts de Russie tendances romantiques La première moitié du XIXe siècle a été réalisée avec succès dans tous les genres sans exception, mais surtout dans le genre du portrait et du paysage. Les artistes russes préféraient les images de la vraie nature avec ses champs et ses forêts, ses rivières et ses lacs, ses villes et ses villages aux ruines antiques... Le paysage s'affranchit progressivement des canons de la peinture classique. La nature a commencé à être comprise non pas comme quelque chose de décoratif, mais comme un espace de vie et une sphère où s’expriment les sentiments personnels d’une personne. Cela a marqué le début de la direction romantique de la peinture de paysage russe. En même temps, il faut surtout noter un trait très caractéristique du romantisme russe du début du XIXe siècle : la perception romantique de la nature ne contredit en rien l'étude approfondie de son apparence spécifique.
Dans l'art du portrait, on retrouve également le développement actif de diverses formes de transmission de la réalité. L’homme n’est plus représenté uniquement de manière ancienne, de classe ou professionnelle. Les personnes représentées apparaissent devant nous dans la singularité de leur constitution mentale, dans leur apparence quotidienne, dans leur environnement quotidien... Dans tout cela, le désir des artistes de se rapprocher de la nature, d'une représentation plus directe de la vie réelle, s'est manifesté manifesté. La vie n'est pas seulement moderne, mais aussi lointaine dans les profondeurs du temps.
Ainsi, les traits distinctifs de l'art pictural russe du premier tiers du XIXe siècle peuvent être considérés comme une combinaison des principes du classicisme et du romantisme (K.P. Bryullov et autres), la formation d'un genre quotidien (A.G. Venetsianov et autres), le développement d'un portrait de genre (V. A. Tropinin et autres), combinaison d'une perception romantique de la réalité avec des quêtes réalistes (O.A. Kiprensky et autres).
Et au milieu du XIXe siècle, une nouvelle direction émergeait dans les beaux-arts russes : le réalisme.
Dans l'une de ses œuvres, A. I. Herzen a écrit sur le peuple russe, « puissant et irrésolu », qui « a conservé des traits majestueux, un esprit vif et une large réjouissance d'une nature riche sous le joug du servage et a répondu à l'ordre de Pierre le Grand de se forment cent ans plus tard avec l'énorme apparition de Pouchkine". Bien entendu, Herzen ne pensait pas seulement à A.S. Pouchkine. Pouchkine est devenu un symbole de son époque, lorsque le développement culturel de la Russie a connu un essor rapide. Ce n’est pas pour rien que l’époque de Pouchkine, le premier tiers du XIXe siècle, est qualifiée d’« âge d’or » de la culture russe.
Le début du XIXe siècle fut une période d’essor culturel et spirituel en Russie. Si en matière de développement économique et sociopolitique, la Russie était à la traîne des pays avancés pays européens, puis dans les réalisations culturelles, non seulement elle les suivait, mais elle était souvent en avance. Le développement de la culture russe dans la première moitié du XIXe siècle s’appuie sur les transformations de l’époque précédente. La pénétration d’éléments des relations capitalistes dans l’économie a accru le besoin de personnes alphabétisées et instruites. Les villes sont devenues de grands centres culturels. De nouvelles couches sociales ont été attirées processus sociaux. La culture s'est développée dans le contexte d'une conscience nationale toujours croissante du peuple russe et, à cet égard, avait un caractère national prononcé. La guerre patriotique de 1812 a eu un impact significatif sur la littérature, le théâtre, la musique et les beaux-arts, ce qui a accéléré dans une mesure sans précédent la croissance de la conscience nationale du peuple russe et sa consolidation. Il y a eu un rapprochement avec le peuple russe des autres peuples de Russie. Cependant, les tendances conservatrices de la politique des empereurs Alexandre Ier et Nicolas Ier ont freiné le développement de la culture. Le gouvernement a lutté activement contre les manifestations d’une pensée sociale avancée. Le servage n'a pas donné à l'ensemble de la population la possibilité de jouir de grandes réalisations culturelles.
L’ère de la Libération a donné une forte impulsion au développement culturel de la Russie. Les changements survenus dans la vie économique et politique après la chute du servage ont créé de nouvelles conditions pour le développement de la culture. L'implication dans les relations marchandes de sections toujours plus larges de la paysannerie a soulevé la question de l'enseignement public primaire avec toute son urgence. Cela a provoqué une augmentation sans précédent du nombre d’écoles rurales et urbaines. L'industrie, les transports et le commerce ont montré une demande croissante de spécialistes ayant fait des études secondaires et supérieures. Les rangs de l’intelligentsia se sont considérablement élargis. Ses besoins spirituels ont provoqué la croissance de l’édition de livres et augmenté la diffusion des journaux et des magazines. Le développement du théâtre, de la peinture et d’autres arts s’est déroulé sur la même vague. La culture russe de la seconde moitié du XIXe et du début du XXe siècle a absorbé les traditions artistiques, les idéaux esthétiques et moraux de « l'âge d'or » de l'époque précédente. Au tournant des XIXe et XXe siècles, des tendances sont apparues dans la vie spirituelle de l'Europe et de la Russie, liées à la vision du monde d'une personne au XXe siècle. Ils ont exigé une nouvelle compréhension du social et problèmes moraux. Tout cela a conduit à la recherche de nouvelles méthodes et moyens artistiques. Une période historique et artistique unique s'est développée en Russie, que ses contemporains ont appelée « l'âge d'argent » de la culture russe.
Glorifier les actes héroïques du peuple, l'idée de son éveil spirituel, dénoncer les maux de la Russie féodale, tels sont les thèmes principaux des beaux-arts du XIXe siècle.
À PROPOS PARTIE PRINCIPALE
1 tableau russe de la première moitié XIXème siècle.
Les beaux-arts russes se caractérisent par le romantisme et le réalisme. Cependant, la méthode officiellement reconnue était le classicisme. L’Académie des Arts est devenue une institution conservatrice et inerte qui entravait toute tentative de liberté créative. Elle exigeait le strict respect des canons du classicisme et encourageait la peinture sur des sujets bibliques et mythologiques. Les jeunes artistes russes talentueux ne se contentaient pas du cadre de l’académisme. Par conséquent, ils se sont plus souvent tournés vers le genre du portrait.
Kiprensky Orest Adamovich, artiste russe. Un maître exceptionnel des beaux-arts russes du romantisme, connu comme un merveilleux portraitiste. Dans le tableau « Dmitri Donskoï sur le champ de Koulikovo » (1805, Musée russe), il démontre une connaissance sûre des canons de la peinture historique académique. Mais très tôt, le domaine dans lequel son talent s’est révélé le plus naturellement et sans effort a été le portrait. Son premier portrait pictural (« A.K. Schwalbe », 1804, ibid.), écrit à la manière de « Rembrandt », se distingue par sa structure en clair-obscur expressive et dramatique. Au fil des années, son talent - qui se manifeste dans la capacité de créer avant tout des images uniques et caractéristiques individuellement, en sélectionnant des moyens plastiques spéciaux pour mettre en valeur cette caractéristique - se renforce. Plein d'une vitalité impressionnante : un portrait d'un garçon A. A. Chelishchev (vers 1810-11), des images jumelées des époux F. V. et E. P. Rostopchin (1809) et V. S. et D. N. Khvostov (1814, tous - Galerie Tretiakov). L'artiste joue de plus en plus avec les possibilités de contrastes de couleurs et d'ombres et de lumières, les arrière-plans de paysages et les détails symboliques (« E. S. Avdulina », vers 1822, ibid.). L'artiste sait réaliser même de grands portraits de cérémonie de manière lyrique, presque intimement décontractée (« Portrait de la vie du colonel hussard Evgraf Davydov », 1809, Musée russe). Son portrait du jeune A.S., couvert de gloire poétique. Pouchkine est l'un des meilleurs pour créer une image romantique. Dans Kiprensky, Pouchkine apparaît solennel et romantique, dans une aura de gloire poétique. "Tu me flattes, Oreste", soupira Pouchkine en regardant la toile finie. Kiprensky était également un dessinateur virtuose qui créait (principalement en utilisant la technique italienne du crayon et du pastel) des exemples de compétences graphiques, surpassant souvent ses portraits peints par leur émotivité ouverte et passionnante. Ce sont des types quotidiens (« Le musicien aveugle », 1809, Musée russe ; « Kalmychka Bayausta », 1813, Galerie Tretiakov) et la célèbre série de portraits au crayon des participants Guerre patriotique 1812 (dessins représentant E.I. Chaplits, A.R. Tomilov, P.A. Olenin, le même dessin avec le poète Batyushkov et d'autres ; 1813-15, Galerie Tretiakov et autres collections) ; le début héroïque acquiert ici une connotation sincère. Un grand nombre de croquis et de preuves textuelles montrent que l'artiste, tout au long de sa période de maturité, s'est tourné vers la création d'une grande peinture (selon ses propres mots tirés d'une lettre à A.N. Olenin en 1834), « spectaculaire ou, en russe, frappante et magique ». où les résultats de l'histoire européenne, ainsi que le destin de la Russie, seraient représentés sous forme allégorique. "Les lecteurs de journaux à Naples" (1831, Galerie Tretiakov) - en apparence n'est qu'un portrait de groupe - est en fait une réponse secrètement symbolique aux événements révolutionnaires en Europe. Cependant, les plus ambitieuses des allégories picturales de Kiprensky restèrent inachevées ou disparurent (comme le « Tombeau d'Anacréon », achevé en 1821). Ces recherches romantiques ont cependant connu une continuation à grande échelle dans les travaux de K. P. Bryullov et A. A. Ivanov.
Le style réaliste se reflète dans les œuvres de V.A. Tropinine. Les premiers portraits de Tropinine, peints dans des couleurs sobres (portraits de famille des comtes Morkov, 1813 et 1815, tous deux conservés à la galerie Tretiakov), appartiennent encore entièrement à la tradition du siècle des Lumières : le modèle est le centre inconditionnel et stable de l'image dans eux. Plus tard, la couleur de la peinture de Tropinin devient plus intense, les volumes sont généralement sculptés de manière plus claire et sculpturale, mais surtout, le sentiment purement romantique de l'élément mobile de la vie grandit de manière insinuante, dont le héros du portrait ne semble être qu'un partie, un fragment (« Boulakhov », 1823 ; « K. G. Ravich », 1823 ; autoportrait, vers 1824 ; tous les trois - au même endroit). Tel est A. S. Pouchkine dans le célèbre portrait de 1827 (Musée panrusse de A. S. Pouchkine, Pouchkine) : le poète, posant sa main sur une pile de papier, comme s'il « écoutait la muse », écoute le rêve créatif qui l'entoure. l'image avec un halo invisible. Il a également peint un portrait d'A.S. Pouchkine. Le spectateur est présenté avec un homme sage de par son expérience de vie et pas très heureux. Dans le portrait de Tropinin, le poète est charmant et chaleureux. Une chaleur et un confort particuliers au vieux Moscou émanent des œuvres de Tropinin. Jusqu'à l'âge de 47 ans, il fut en captivité. C’est probablement pour cela que les visages des gens ordinaires sur ses toiles sont si frais, si inspirés. Et la jeunesse et le charme de sa « Dentellière » sont infinis. Le plus souvent, V.A. Tropinin s'est tourné vers la représentation de personnes du peuple (« La Dentellière », « Portrait d'un fils », etc.).
La quête artistique et idéologique de la pensée sociale russe et l'attente du changement se reflètent dans les peintures de K.P. Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » et A.A. Ivanov "L'apparition du Christ au peuple".
Une grande œuvre d'art est le tableau « Le dernier jour de Pompéi » de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). En 1830, l'artiste russe Karl Pavlovich Bryullov visita les fouilles de l'ancienne ville de Pompéi. Il parcourait les trottoirs anciens, admirait les fresques et, dans son imagination, nuit tragique Août 79 après JC e., quand la ville était recouverte de cendres chaudes et de pierre ponce du Vésuve éveillé. Trois ans plus tard, le tableau « Le dernier jour de Pompéi » fait un voyage triomphal de l'Italie à la Russie. L'artiste a trouvé des couleurs étonnantes pour représenter la tragédie ville antique, mourant sous la lave et les cendres du Vésuve en éruption. L'image est imprégnée de hauts idéaux humanistes. Cela montre le courage des gens, leur dévouement, manifestés lors d'une terrible catastrophe. Bryullov était en Italie pour un voyage d'affaires à l'Académie des Arts. Cet établissement d'enseignement offrait une bonne formation aux techniques de peinture et de dessin. Cependant, l'Académie s'est clairement concentrée sur l'héritage antique et les thèmes héroïques. La peinture académique se caractérise par un paysage décoratif et la théâtralité de la composition globale. Les scènes de la vie moderne et les paysages russes ordinaires étaient considérés comme indignes du pinceau de l’artiste. Le classicisme en peinture s’appelait l’académisme. Bryullov était associé à l'Académie avec toute sa créativité.
La première moitié du XIXe siècle constitue une page brillante de la culture russe. Toutes les directions - littérature, architecture, peinture de cette époque sont marquées par toute une constellation de noms qui ont fait la renommée mondiale de l'art russe.
La culture s'est développée dans le contexte d'une conscience nationale toujours croissante du peuple russe et, à cet égard, avait un caractère national prononcé. La guerre patriotique de 1812 a eu un impact significatif sur la littérature, le théâtre, la musique et les beaux-arts, ce qui a accéléré dans une mesure sans précédent la croissance de la conscience nationale du peuple russe et sa consolidation.
Classicisme
Au tout début du XIXe siècle, le classicisme joue un rôle important dans la peinture russe.
L'une des œuvres célèbres du début du siècle sur un thème historique est le tableau de Dmitri Ivanovitch Ivanov (1782 - après 1810) «Marthe Posadnitsa», peint en 1808. L'artiste se tourne vers l'histoire Rus antique, période de lutte Principauté de Novgorod avec la Principauté grandissante de Moscou.
Le tableau représente Miroslav, qui se prépare à diriger les Novgorodiens pour combattre Moscou, et reçoit l'épée de Ratmir de l'ermite Théodose Boretsky. Miroslav a été amené à l'ermite par la fille de Théodose, Marthe, qui dirige l'opposition de Novgorod. Tant la nature de l'intrigue que le langage artistique de l'image correspondent au style classique.
le romantisme
Le romantisme, mouvement européen apparu au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, a apporté de nouvelles perspectives à l’art russe. Le développement du romantisme dans la peinture russe est associé à la mode des ruines, des sacrements franc-maçonniques, des romans chevaleresques et des romances.
En Russie, le romantisme a acquis sa propre particularité : au début du siècle, il avait une connotation héroïque, et pendant les années de la réaction de Nicolas, il avait une connotation tragique. Dans le même temps, le romantisme en Russie a toujours été une forme de pensée artistique, proche dans son esprit des sentiments révolutionnaires et épris de liberté.
Portraits d'Orest Kiprensky
Le romantisme s'est manifesté le plus clairement dans l'art du portrait. Un portrait romantique affirme l’individualité unique du monde spirituel d’une personne ; il se distingue par la spontanéité de l’expression, l’exactitude et la netteté des caractéristiques physionomiques et une émotivité vive.
Le portraitiste le plus important du premier tiers du XIXe siècle. était Orest Adamovitch Kiprensky (1782-1836). Déjà en 1804, il créait l'une de ses œuvres les plus intéressantes : un portrait de son beau-père, Adam Schwalbe.
Dans l’œuvre de Kiprensky, un type unique de portrait de chambre s’est formé, révélant la vie spirituelle d’une personne avec une profondeur émouvante. La plupart des héros de Kiprensky sont porteurs de la plus haute gentillesse, de principes hautement moraux et humanistes.
Alexeï Gavrilovitch Venetsianov
Un peintre remarquable, créateur d’un mouvement national-romantique unique dans la peinture russe, était Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847), l’élève préféré de Borovikovsky. Venetsianov a créé un style unique, combinant dans ses œuvres les traditions de l'académisme capital et du romantisme russe du début du XIXe siècle. et l'idéalisation de la vie paysanne. Il est devenu le fondateur du genre russe quotidien.
Alexandre Osipovitch Orlovsky
Un autre représentant célèbre de la peinture russe du début du siècle est Alexandre Osipovitch Orlovsky (1777-1832). Dans les œuvres d'Orlovsky et de Kiprensky, les tendances romantiques étaient clairement exprimées. L'artiste s'intéressait à la gratuité des gens forts, caractéristiques nationales diverses nationalités. Dans ses peintures, Orlovsky représente parfois des scènes caractéristiques et poignantes. L’image romantique préférée de l’artiste est un homme à cheval. Les cavaliers et les scènes équestres entourées d'un paysage émotionnel sont présents dans nombre de ses œuvres artistiques.
Vassili Andreïevitch Tropinine
Le célèbre portraitiste russe Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857) poursuit son activité créative pendant plus d'un demi-siècle, tout en restant serf pendant la majeure partie de sa vie. Les meilleures années de l’œuvre de l’artiste ont coïncidé avec l’apogée du talent de Kiprensky. Les deux artistes étaient proches dans leur désir de simplicité et d'aisance à l'image d'une personne. Cependant, les personnages de Tropinin sont plus quotidiens et plus simples, ce qui indique que l’artiste a suivi les nouvelles tendances de démocratisation de l’art caractéristiques de cette époque.
Jusqu'à l'âge de 47 ans, il fut en captivité. C’est probablement pour cela que les visages des gens ordinaires sur ses toiles sont si frais, si inspirés. Et la jeunesse et le charme de sa « Dentellière » sont infinis.
L'un des portraits les plus célèbres et les plus réalistes d'A.S. Pouchkine est le portrait peint par V. Tropinine en 1827.
Le vêtement du poète est très symbolique : l'artiste l'a représenté dans une robe de chambre ample jetée sur une chemise blanche à col montant. Un foulard en soie noué avec désinvolture sur le col et des cheveux légèrement ébouriffés complètent le look. Le vrai Byron russe en robe ! Ce n'est pas pour rien que Tropinin a choisi cette tenue particulière pour représenter Pouchkine : comme aucune autre, elle transmet avec précision les principaux traits de caractère du poète, son amour de la liberté et de la libre pensée.
Le portrait ne représente pas Pouchkine le poète, mais Pouchkine l'homme. Toute sa posture parle de son énergie irrépressible ; il peut sembler que dans un instant il va se lever et partir.
L'artiste a su transmettre magistralement à travers le portrait la spiritualité et le riche monde intérieur d'Alexandre Sergueïevitch, grâce auxquels l'image résultante évoque le plaisir et l'amour du public.
Karl Pavlovitch Brioullov
Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) était l'un des artistes les plus brillants et en même temps controversés de Russie. peintures du 19ème siècle siècle. Bryullov avait un talent brillant et une façon de penser indépendante. Malgré les tendances de l'époque (influence du romantisme), l'artiste ne parvient pas à se débarrasser complètement des canons classiques. C'est peut-être pour cette raison que son travail était très apprécié par l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, loin d'être avancée : dans sa jeunesse, il en fut l'élève, puis devint professeur émérite.
La quête artistique et idéologique de la pensée sociale russe et l'attente de changement se reflètent dans le tableau de K.P. Bryullov "Le dernier jour de Pompéi".
En 1830, Bryullov visita les fouilles de l'ancienne ville de Pompéi. Il marcha sur les trottoirs anciens, admira les fresques et, dans son imagination, surgit cette tragique nuit d'août 79 après JC. e., quand la ville était recouverte de cendres chaudes et de pierre ponce du Vésuve éveillé. Trois ans plus tard, le tableau « Le dernier jour de Pompéi » fait un voyage triomphal de l'Italie à la Russie.
Alexandre Andreïevitch Ivanov
Dans la première moitié du XIXe siècle. L'artiste Alexandre Andreïevitch Ivanov (1806-1858) a vécu et travaillé. Il a consacré toute sa vie créative à l'idée de l'éveil spirituel du peuple, l'incarnant dans le film "L'Apparition du Christ au peuple". Il a travaillé sur ce film pendant plus de 20 ans, dans lequel il a investi toute la puissance et l'éclat de son talent. Au premier plan de sa toile grandiose, la figure courageuse de Jean-Baptiste, montrant au peuple le Christ qui s'approche, attire le regard. Sa silhouette est représentée au loin. Il n'est pas encore arrivé, il vient, il viendra certainement, dit l'artiste. Et les visages et les âmes de ceux qui attendent le Sauveur s’éclairent et deviennent clairs. Dans cette image, il montre, comme le dira plus tard I. E. Repin, « un peuple opprimé aspirant à la parole de liberté ».
Pavel Andreïevitch Fedotov
Une étape importante dans la formation de la peinture réaliste russe du XIXe siècle est associée au nom de Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). Fedotov avait un sens aigu de l'observation et était sensible aux lacunes du système social. Possédant le talent d'un satiriste, l'artiste, pour la première fois dans la peinture russe, donne au genre quotidien une expression sociale et critique. Dans ses peintures, le peintre montre la vie des citadins : parmi les personnages de ses œuvres se trouvent des marchands, des officiers, des fonctionnaires et des pauvres. Fedotov grande importance Il a attaché des observations à la vie qui l'entourait et a réalisé de nombreux croquis d'après nature. Souvent, les actions de ses peintures sont basées sur des conflits, où sont données les caractéristiques sociales des personnes.
Le scénario du film « Major's Matchmaking » est basé sur un mariage de convenance ordinaire entre la fille d'un riche marchand et un noble major en faillite. À cette époque, de telles transactions étaient monnaie courante : certains cherchaient à obtenir de l'argent, tandis que d'autres recherchaient un rang dans la société, et la famille avait simplement besoin de survivre pour survivre ;
En 1848, son tableau « Fresh Cavalier » est présenté lors d'une exposition académique. Le tableau représente un fonctionnaire qui, la veille, a reçu son premier prix - un ordre - et maintenant, dans ses rêves, il gravit déjà les échelons de sa carrière jusqu'au sommet, s'imaginant soit comme maire, soit comme gouverneur.
C’était une parodie audacieuse non seulement de la bureaucratie stupide et complaisante, mais aussi des traditions académiques. La robe sale que je portais personnage principal le tableau ressemblait beaucoup à une toge antique. Bryullov est resté longtemps devant la toile, puis a dit à l'auteur, mi-plaisantant, mi-sérieux : « Félicitations, vous m'avez vaincu.
Malgré la diversité des créateurs et les différences dans les tâches artistiques spécifiques, la tendance générale de la peinture russe de la première moitié du XIXe siècle était de rapprocher tous les genres artistiques de la vie. Cette tendance se reflète dans l'appel de la plupart des artistes aux sujets et problèmes modernes, à l'attention portée au monde intérieur de l'homme, aux expériences de l'artiste lui-même. C'est pourquoi la connaissance des œuvres des maîtres de la première moitié du XIXe siècle évoque chez le spectateur un sens vif de l'époque et donne une idée des pensées et des sentiments de la société russe.
Peinture russe de la première moitié du XIXe siècle.
Les beaux-arts russes se caractérisent par le romantisme et le réalisme. Cependant, la méthode officiellement reconnue était le classicisme. L’Académie des Arts est devenue une institution conservatrice et inerte qui entravait toute tentative de liberté créative. Elle exigeait le strict respect des canons du classicisme et encourageait la peinture sur des sujets bibliques et mythologiques. Les jeunes artistes russes talentueux ne se contentaient pas du cadre de l’académisme. Par conséquent, ils se sont plus souvent tournés vers le genre du portrait.
incarné dans la peinture idéaux romantiquesère d’essor national. Après avoir rejeté les principes stricts et non déviants du classicisme, les artistes découvrent la diversité et le caractère unique du monde qui les entoure. Cela s'est non seulement reflété dans les genres déjà familiers - portrait et paysage - mais a également donné une impulsion à la naissance de la peinture quotidienne, qui est devenue le centre d'attention des maîtres de la seconde moitié du siècle. Pour l’instant, la primauté revient au genre historique. C'était le dernier refuge du classicisme, mais même ici, derrière la « façade » formellement classique, se cachaient des idées et des thèmes romantiques.
Romantisme - (romantisme français), mouvement idéologique et artistique dans la culture spirituelle européenne et américaine de la fin du XVIIIe - 1ère moitié. 19ème siècles Reflétant la déception face aux résultats Révolution française la fin du XVIIIe siècle, dans l'idéologie des Lumières et du progrès social. Le romantisme opposait l’utilitarisme et le nivellement de l’individu aux aspirations à une liberté illimitée et à « l’infini », à une soif de perfection et de renouveau et au pathétique de l’indépendance personnelle et civile. La douloureuse discorde entre l’idéal et la réalité sociale est à la base de la vision romantique du monde et de l’art. Affirmation de la valeur intrinsèque de la vie spirituelle et créatrice de l'individu, représentation de passions fortes, représentation de passions fortes, nature spiritualisée et curative, pour de nombreux romantiques - l'héroïsme de la protestation ou de la lutte coexiste avec les motifs du « chagrin du monde » », « le mal du monde », le côté « nocturne » de l'âme, revêtu de formes d'ironie, de grotesque, de poétique de deux mondes. Intérêt pour le passé national (souvent son idéalisation), les traditions du folklore et de la culture de son propre peuple et de celles des autres, le désir de créer une image universelle du monde (principalement l'histoire et la littérature), l'idée d'une synthèse des arts trouvé son expression dans l'idéologie et la pratique du romantisme.
Dans les beaux-arts, le romantisme s'est manifesté plus clairement dans la peinture et le graphisme, moins clairement dans la sculpture et l'architecture (par exemple, le faux gothique). La plupart des écoles nationales du romantisme dans les beaux-arts ont vu le jour dans la lutte contre le classicisme académique officiel.
Dans les profondeurs de la culture officielle de l'État, il existe une couche notable de culture « d'élite », au service de la classe dirigeante (l'aristocratie et la cour royale) et ayant une réceptivité particulière aux innovations étrangères. Il suffit de rappeler la peinture romantique de O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov et d'autres artistes majeurs du XIXe siècle.
Kiprensky Orest Adamovich, artiste russe. Un maître exceptionnel des beaux-arts russes du romantisme, connu comme un merveilleux portraitiste. Dans le tableau « Dmitri Donskoï sur le champ de Koulikovo » (1805, Musée russe), il démontre une connaissance sûre des canons de la peinture historique académique. Mais très tôt, le domaine dans lequel son talent s’est révélé le plus naturellement et sans effort a été le portrait. Son premier portrait pictural (« A.K. Schwalbe », 1804, ibid.), écrit à la manière de « Rembrandt », se distingue par sa structure en clair-obscur expressive et dramatique. Au fil des années, son talent – qui se manifeste dans sa capacité à créer avant tout des images uniques, individuellement caractéristiques, en sélectionnant des moyens plastiques spéciaux pour mettre en valeur cette caractéristique – s'est renforcé. Plein d'une vitalité impressionnante : un portrait d'un garçon A. A. Chelishchev (vers 1810-11), des images jumelées des époux F. V. et E. P. Rostopchin (1809) et V. S. et D. N. Khvostov (1814, tous - Galerie Tretiakov). L'artiste joue de plus en plus avec les possibilités de contrastes de couleurs et d'ombres et de lumières, les arrière-plans de paysages et les détails symboliques (« E. S. Avdulina », vers 1822, ibid.). L'artiste sait réaliser même de grands portraits de cérémonie de manière lyrique, presque intimement décontractée (« Portrait de la vie du colonel hussard Evgraf Davydov », 1809, Musée russe). Son portrait du jeune A. S. Pouchkine, couvert de gloire poétique, est l'un des meilleurs pour créer une image romantique. Dans l'œuvre de Kiprensky, Pouchkine semble solennelle et romantique, dans une aura de gloire poétique. "Tu me flattes, Oreste", soupira Pouchkine en regardant la toile finie. Kiprensky était également un dessinateur virtuose qui créait (principalement en utilisant la technique italienne du crayon et du pastel) des exemples de compétences graphiques, surpassant souvent ses portraits peints par leur émotivité ouverte et passionnante. Il s'agit de types quotidiens (« Le musicien aveugle », 1809, Musée russe ; « Kalmychka Bayausta », 1813, Galerie Tretiakov) et de la célèbre série de portraits au crayon de participants à la guerre patriotique de 1812 (dessins représentant E.I. Chaplits, A.R. Tomilova , P. A. Olenina, le même dessin avec le poète Batyushkov et autres ; 1813-15, Galerie Tretiakov et autres collections) ; le début héroïque acquiert ici une connotation sincère. Un grand nombre de croquis et de preuves textuelles montrent que l'artiste, tout au long de sa période de maturité, s'est tourné vers la création d'une grande (selon ses propres mots tirés d'une lettre à A.N. Olenin en 1834), « une peinture spectaculaire ou, en russe, saisissante et magique », où les résultats de l'histoire européenne, ainsi que le destin de la Russie, seraient représentés sous forme allégorique. "Les lecteurs de journaux à Naples" (1831, Galerie Tretiakov) - en apparence n'est qu'un portrait de groupe - est en fait une réponse secrètement symbolique aux événements révolutionnaires en Europe.
Cependant, les plus ambitieuses des allégories picturales de Kiprensky restèrent inachevées ou disparurent (comme le « Tombeau d’Anacréon », achevé en 1821). Ces recherches romantiques ont cependant connu une continuation à grande échelle dans les travaux de K. P. Bryullov et A. A. Ivanov.
Le style réaliste se reflète dans les œuvres de V.A. Tropinine. Les premiers portraits de Tropinine, peints dans des couleurs sobres (portraits de famille des comtes Morkov, 1813 et 1815, tous deux conservés à la galerie Tretiakov), appartiennent encore entièrement à la tradition du siècle des Lumières : le modèle est le centre inconditionnel et stable de l'image dans eux. Plus tard, la couleur de la peinture de Tropinin devient plus intense, les volumes sont généralement sculptés de manière plus claire et sculpturale, mais surtout, le sentiment purement romantique de l'élément mobile de la vie grandit de manière insinuante, dont le héros du portrait ne semble être qu'un partie, un fragment (« Boulakhov », 1823 ; « K.G. Ravich », 1823 ; autoportrait, vers 1824 ; tous les trois – au même endroit). Tel est A. S. Pouchkine dans le célèbre portrait de 1827 (Musée panrusse de A. S. Pouchkine, Pouchkine) : le poète, posant sa main sur une pile de papier, comme s'il « écoutait la muse », écoute le rêve créatif qui entoure le imaginez un halo invisible. Il a également peint un portrait d'A.S. Pouchkine. Le spectateur est présenté avec un homme sage de par son expérience de vie et pas très heureux. Dans le portrait de Tropinin, le poète est charmant et chaleureux. Une chaleur et un confort particuliers au vieux Moscou émanent des œuvres de Tropinin. Jusqu'à l'âge de 47 ans, il fut en captivité. C’est probablement pour cela que les visages des gens ordinaires sur ses toiles sont si frais, si inspirés. Et la jeunesse et le charme de sa « Dentellière » sont infinis. Le plus souvent, V. A. Tropinin s'est tourné vers l'image de personnes du peuple (« La Dentellière », « Portrait d'un fils », etc.).
La quête artistique et idéologique de la pensée sociale russe et l'attente du changement se reflètent dans les peintures de K.P. Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » et A. A. Ivanov « L'apparition du Christ au peuple ».
Une grande œuvre d'art est le tableau « Le dernier jour de Pompéi » de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). En 1830, l'artiste russe Karl Pavlovich Bryullov visita les fouilles de l'ancienne ville de Pompéi. Il marcha sur les trottoirs anciens, admira les fresques et, dans son imagination, surgit cette tragique nuit d'août 79 après JC. e., quand la ville était recouverte de cendres chaudes et de pierre ponce du Vésuve éveillé. Trois ans plus tard, le tableau « Le dernier jour de Pompéi » fait un voyage triomphal de l'Italie à la Russie. L’artiste a trouvé des couleurs étonnantes pour représenter la tragédie de la ville antique, mourant sous la lave et les cendres du Vésuve en éruption. L'image est imprégnée de hauts idéaux humanistes. Cela montre le courage des gens, leur dévouement, manifestés lors d'une terrible catastrophe. Bryullov était en Italie pour un voyage d'affaires à l'Académie des Arts. Cet établissement d'enseignement offrait une bonne formation aux techniques de peinture et de dessin. Cependant, l'Académie s'est clairement concentrée sur l'héritage antique et les thèmes héroïques. La peinture académique se caractérise par un paysage décoratif et la théâtralité de la composition globale. Les scènes de la vie moderne et les paysages russes ordinaires étaient considérés comme indignes du pinceau de l’artiste. Le classicisme en peinture s’appelait l’académisme. Bryullov était associé à l'Académie avec toute sa créativité.
Il avait une imagination puissante, un œil vif et une main fidèle - et il a donné naissance à des créations vivantes conformes aux canons de l'académisme. En vérité, avec la grâce de Pouchkine, il a su capturer sur toile à la fois la beauté d'un corps humain nu et le tremblement d'un rayon de soleil sur une feuille verte. Ses toiles « La Cavalière », « Bethsabée », « Matin italien », « Après-midi italien » et de nombreux portraits cérémoniaux et intimes resteront à jamais des chefs-d'œuvre indémodables de la peinture russe. Cependant, l’artiste s’est toujours tourné vers de grands thèmes historiques, vers la représentation d’événements significatifs de l’histoire humaine. Beaucoup de ses projets à cet égard n’ont pas été réalisés. Bryullov n'a jamais abandonné l'idée de créer une toile épique basée sur une intrigue de l'histoire russe. Il commence le tableau « Le siège de Pskov par les troupes du roi Stefan Batory ». Il représente le point culminant du siège de 1581, lorsque les guerriers de Pskov et. Les citadins se précipitent pour attaquer les Polonais qui ont fait irruption dans la ville et les jettent derrière les murs. Mais le tableau est resté inachevé et la tâche de créer des peintures historiques véritablement nationales n'a pas été réalisée par Bryullov, mais par la prochaine génération d'artistes russes. Du même âge que Pouchkine, Bryullov lui a survécu 15 ans. Il a été malade ces dernières années. D'après un autoportrait peint à cette époque, un homme roux aux traits délicats et au regard calme et pensif nous regarde.
Dans la première moitié du XIXe siècle. L'artiste Alexandre Andreïevitch Ivanov (1806-1858) a vécu et travaillé. Il a consacré toute sa vie créative à l'idée de l'éveil spirituel du peuple, l'incarnant dans le film "L'Apparition du Christ au peuple". Pendant plus de 20 ans, il a travaillé sur le tableau « L'Apparition du Christ au peuple », dans lequel il a investi toute la puissance et l'éclat de son talent. Au premier plan de sa toile grandiose, la figure courageuse de Jean-Baptiste, montrant au peuple le Christ qui s'approche, attire le regard. Sa silhouette est représentée au loin. Il n'est pas encore arrivé, il vient, il viendra certainement, dit l'artiste. Et les visages et les âmes de ceux qui attendent le Sauveur s’éclairent et deviennent clairs. Dans cette image, il montre, comme le dira plus tard I. E. Repin, « un peuple opprimé aspirant à la parole de liberté ».
Dans la première moitié du XIXe siècle. La peinture russe comprend des sujets du quotidien.
L'un des premiers à se tourner vers lui fut Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Il a consacré son travail à décrire la vie des paysans. Il montre cette vie sous une forme idéalisée et embellie, rendant hommage au sentimentalisme alors à la mode. Cependant, les tableaux de Venetsianov « La grange à battre », « À la récolte. L'été", "Sur les terres arables. Printemps », « Paysanne aux bleuets », « Zakharka », « Matin du propriétaire foncier », reflétant la beauté et la noblesse du peuple russe ordinaire, ont servi à affirmer la dignité d'une personne, quel que soit son statut social.
Ses traditions furent poursuivies par Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). Ses toiles sont réalistes, remplies de contenu satirique, exposant la moralité marchande, la vie et les coutumes de l'élite de la société (« Major's Matchmaking », « Fresh Cavalier », etc.). Il a commencé son parcours d'artiste satirique en tant qu'officier de garde. Puis il réalise des croquis drôles et espiègles de la vie militaire. En 1848, son tableau « Fresh Cavalier » est présenté lors d'une exposition académique. C’était une parodie audacieuse non seulement de la bureaucratie stupide et complaisante, mais aussi des traditions académiques. La robe sale dans laquelle était vêtu le personnage principal du tableau rappelait beaucoup une toge antique. Bryullov est resté longtemps devant la toile, puis a dit à l'auteur, mi-plaisantant, mi-sérieux : « Félicitations, vous m'avez vaincu. D'autres films de Fedotov (« Petit-déjeuner d'un aristocrate », « Major's Matchmaking ») sont également de nature comique et satirique. Ses derniers tableaux sont très tristes (« Ancre, plus d'ancre ! », « Veuve »). Les contemporains ont comparé à juste titre P. A. Fedotov en peinture à N. V. Gogol en littérature. Exposer les maux de la Russie féodale est le thème principal de l'œuvre de Pavel Andreevich Fedotov.
Peinture russe de la seconde moitié du XIXe siècle.
Deuxième moitié du 19ème siècle. a été marquée par l'épanouissement des beaux-arts russes. Il est devenu un véritable grand art, imprégné du pathos de la lutte de libération populaire, répondant aux exigences de la vie et envahissant activement la vie. Dans les beaux-arts, le réalisme s'est finalement établi - un reflet véridique et complet de la vie du peuple, le désir de reconstruire cette vie sur les principes d'égalité et de justice.
Un tournant conscient de la nouvelle peinture russe vers le réalisme démocratique, la nationalité et la modernité a émergé à la fin des années 50, parallèlement à la situation révolutionnaire du pays, à la maturation sociale de l'intelligentsia des différentes classes, aux lumières révolutionnaires de Tchernychevski, Dobrolyubov. , Saltykov-Shchedrin, avec la poésie populaire de Nekrasov . Dans ses « Essais sur la période Gogol » (en 1856), Tchernychevski écrivait : « Si la peinture se trouve aujourd'hui généralement dans une position plutôt pitoyable, la raison principale en est probablement l'éloignement de cet art des aspirations modernes. » La même idée a été présentée dans de nombreux articles du magazine Sovremennik.
Le thème central de l'art est devenu le peuple, non seulement les opprimés et les souffrants, mais aussi le peuple - le créateur de l'histoire, le combattant du peuple, le créateur de tout ce qu'il y a de meilleur dans la vie.
L'établissement du réalisme dans l'art s'est déroulé dans une lutte acharnée avec la direction officielle, dont le représentant était la direction de l'Académie des Arts. Les dirigeants de l’académie ont inculqué à leurs étudiants l’idée que l’art était supérieur à la vie et n’ont proposé que des thèmes bibliques et mythologiques pour la créativité des artistes.
Mais la peinture commençait déjà à rejoindre les aspirations modernes – d’abord à Moscou. L'École de Moscou ne jouissait même pas d'un dixième des privilèges de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, mais elle dépendait moins de ses dogmes enracinés et l'atmosphère y était plus animée. Bien que les professeurs de l'École soient pour la plupart des académiciens, les académiciens sont secondaires et hésitants - ils n'ont pas autant réprimé avec leur autorité qu'à l'Académie F. Bruni, le pilier de la vieille école, qui rivalisait autrefois avec la peinture de Bryullov " Le Serpent de Cuivre ».
En 1862, le Conseil de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg décide d'égaliser les droits de tous les genres, abolissant la primauté de la peinture historique. Médaille d'or désormais, ils étaient attribués quel que soit le thème du tableau, en tenant compte uniquement de ses mérites. Cependant, les « libertés » dans l’enceinte de l’académie n’ont pas duré longtemps.
En 1863, de jeunes artistes participant à un concours académique soumettent une pétition « pour obtenir la permission de choisir librement les sujets qu’ils souhaitent, en plus du sujet donné ». Le Conseil de l'Académie a refusé. Ce qui s’est passé ensuite est appelé dans l’histoire de l’art russe la « révolte des quatorze ». Quatorze étudiants de la classe d'histoire n'ont pas voulu peindre de tableaux sur le thème proposé de la mythologie scandinave - « La fête du Valgaal » et ont ostensiblement soumis une pétition pour quitter l'académie. Se retrouvant sans ateliers et sans argent, les rebelles se sont regroupés en une sorte de commune - semblable au type de communes décrit par Tchernychevski dans le roman « Que faire ? » - l'Artel des Artistes, dirigé par le peintre Ivan Nikolaïevitch Kramskoï. . Les ouvriers de l'artel acceptaient des commandes pour l'exécution de diverses œuvres artistiques, vivaient dans la même maison et se réunissaient dans une salle commune pour converser, discuter de peintures et lire des livres.
Sept ans plus tard, Artel se dissout. À cette époque, dans les années 70, à l'initiative de l'artiste Grigori Grigorievich Myasoedov, une association est née - «l'Association des inserts artistiques mobiles», une association professionnelle et commerciale d'artistes partageant des positions idéologiques similaires.
L’Association des Itinérants, contrairement à de nombreuses associations ultérieures, s’est passée de toute déclaration ou manifeste. Sa charte stipulait seulement que les membres du Partenariat devaient gérer leurs propres affaires financières, sans dépendre de personne à cet égard, et également organiser eux-mêmes des expositions et les emmener dans différentes villes (« se déplacer » à travers la Russie) afin de familiariser le pays avec Art russe. Ces deux points étaient d'une importance significative, affirmant l'indépendance de l'art vis-à-vis des autorités et la volonté des artistes de communiquer largement avec les gens, pas seulement dans la capitale. Le rôle principal dans la création du Partenariat et l'élaboration de sa charte appartenait, outre Kramskoy, à Myasoedov, Ge - de Saint-Pétersbourg et des Moscovites - Perov, Pryanishnikov, Savrasov.
Les Peredvizhniki étaient unis dans leur rejet de « l’académisme » avec sa mythologie, ses paysages décoratifs et sa théâtralité pompeuse. Ils voulaient représenter la vie. Les scènes de genre (quotidiennes) occupent une place prépondérante dans leur œuvre. La paysannerie jouissait d'une sympathie particulière pour les « Itinérants ». Ils montraient son besoin, sa souffrance, sa position opprimée. A cette époque - dans les années 60-70. XIXème siècle - le côté idéologique de l'art était plus valorisé que l'esthétique. Ce n’est qu’au fil du temps que les artistes se sont rappelés de la valeur intrinsèque de la peinture.
Le plus grand hommage à l'idéologie a peut-être été rendu par Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Il suffit de rappeler ses tableaux tels que «L'arrivée du chef des enquêtes», «Tea Party à Mytishchi». Certaines œuvres de Perov sont empreintes d'une véritable tragédie (« Troïka », « Vieux parents sur la tombe de leur fils »). Perov a peint un certain nombre de portraits de ses contemporains célèbres (Ostrovsky, Tourgueniev, Dostoïevski).
Certaines peintures des « Itinérants », peintes d’après nature ou inspirées de scènes réelles, ont enrichi nos idées sur la vie paysanne. Le film « Sur le monde » de S. A. Korovine montre un affrontement lors d’un rassemblement rural entre un homme riche et un homme pauvre. V. M. Maksimov a capturé la rage, les larmes et le chagrin de la division familiale. La fête solennelle du travail paysan se reflète dans le tableau « Tondeuses » de G. G. Myasoedov.
Le portrait occupait la place principale dans l’œuvre de Kramskoy. Il a écrit Gontcharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Il possède l'un des plus beaux portraits de Léon Tolstoï. Le regard de l'écrivain ne quitte pas le spectateur, quel que soit l'endroit où il regarde la toile. L’une des œuvres les plus puissantes de Kramskoy est le tableau « Le Christ dans le désert ».
La première exposition des « Itinérants », ouverte en 1871, démontre de manière convaincante l'existence d'une nouvelle direction qui se dessine tout au long des années 60. Il n'y avait que 46 expositions (contrairement aux expositions encombrantes de l'Académie), mais soigneusement sélectionnées, et bien que l'exposition n'ait pas été délibérément programmatique, le programme global non écrit est apparu assez clairement. Tous les genres étaient représentés - historique, quotidien, portrait de paysage - et le public pouvait juger de la nouveauté que les « Wanderers » leur apportaient. Seule la sculpture n'a pas eu de chance (il y avait une, et même alors une sculpture un peu remarquable de F. Kamensky), mais ce type d'art a été « malchanceux » pendant longtemps, en fait, pendant toute la seconde moitié du siècle.
Au début des années 90, parmi les jeunes artistes de l'école de Moscou, il y avait cependant ceux qui poursuivaient dignement et sérieusement la tradition civile itinérante : S. Ivanov avec son cycle de peintures sur les immigrés, S. Korovin - l'auteur de le tableau « Sur le monde », où il est intéressant et où les conflits dramatiques (vraiment dramatiques !) du village d'avant la réforme sont révélés de manière réfléchie. Mais ils ne donnaient pas le ton : l'entrée sur le devant de la scène du « Monde de l'Art », aussi loin des Vagabonds que de l'Académie, approchait. À quoi ressemblait l’Académie à cette époque ? Ses anciennes attitudes rigoristes artistiques s'étaient estompées ; elle n'insistait plus sur les exigences strictes du néoclassicisme, sur la fameuse hiérarchie des genres ; elle était assez tolérante envers le genre quotidien, elle préférait seulement qu'il soit « beau » plutôt que « paysan ». (un exemple de « belles » œuvres non académiques - des scènes de la vie ancienne de S. Bakalovich, alors populaire). Pour l’essentiel, la production non académique, comme c’était le cas dans d’autres pays, était un salon bourgeois, sa « beauté » était une joliesse vulgaire. Mais on ne peut pas dire qu'elle n'ait pas mis en avant ses talents : G. Semiradsky, mentionné ci-dessus, était très talentueux, V. Smirnov, décédé prématurément (qui a réussi à créer un grand tableau impressionnant « La Mort de Néron ») ; On ne peut nier certains mérites artistiques des peintures de A. Svedomsky et V. Kotarbinsky. Il parlait avec approbation de ces artistes, les considérant comme porteurs de « l’esprit hellénique ». des années plus tard Repin, ils ont impressionné Vroubel, tout comme Aivazovsky - également un artiste « académique ». D'autre part, nul autre que Semiradsky, lors de la réorganisation de l'Académie, s'est prononcé de manière décisive en faveur du genre quotidien, citant Perov, Repin et V. Mayakovsky comme exemples positifs. Il y avait donc suffisamment de points de convergence entre les « Itinérants » et l'Académie, et cela a été compris par le vice-président de l'Académie de l'époque, I. I. Tolstoï, à l'initiative duquel les principaux « Itinérants » étaient appelés à enseigner.
Mais la principale chose qui ne nous permet pas d'ignorer complètement le rôle de l'Académie des Arts, principalement en tant qu'établissement d'enseignement, dans la seconde moitié du siècle, est le simple fait que de nombreux artistes exceptionnels ont émergé de ses murs. Ce sont Repin, Surikov, Polenov et Vasnetsov, et plus tard Serov et Vrubel. De plus, ils n’ont pas répété la « révolte des quatorze » et ont apparemment bénéficié de leur apprentissage.
Le respect du dessin, de la forme constructive construite, est enraciné dans l’art russe. L'orientation générale de la culture russe vers le réalisme est devenue la raison de la popularité de la méthode Chistyakov - d'une manière ou d'une autre, les peintres russes jusqu'à Serov, Nesterov et Vrubel inclus honoraient les « lois éternelles immuables de la forme » et se méfiaient de la « dématérialisation ». » ou la subordination de l’élément coloré amorphe, peu importe à quel point ils aimaient la couleur.
Parmi les Peredvizhniki invités à l'Académie se trouvaient deux peintres paysagistes - Shishkin et Kuindzhi. C'est précisément à cette époque que commence l'hégémonie du paysage dans l'art à la fois comme genre indépendant, où régnait Lévitan, et comme élément égal de la peinture quotidienne, historique et en partie du portrait. Contrairement aux prévisions de Stasov, qui estime que le rôle du paysage va diminuer, dans les années 90, il a augmenté plus que jamais. Le « paysage d’ambiance » lyrique a prévalu, faisant remonter ses ancêtres à Savrassov et Polenov.
Le groupe Peredvizhniki a fait de véritables découvertes dans la peinture de paysage. Alexey Kondratyevich Savrasov (1830-1897) a réussi à montrer la beauté et le lyrisme subtil d'un simple paysage russe. Son tableau « Les freux sont arrivés » (1871) a incité de nombreux contemporains à porter un nouveau regard sur leur nature natale.
Fiodor Alexandrovitch Vasiliev (1850-1873) a vécu une courte vie. Son œuvre, interrompue au tout début, a enrichi la peinture russe de nombreux paysages dynamiques et passionnants. L'artiste était particulièrement doué pour les états de transition dans la nature : du soleil à la pluie, du calme à la tempête.
Le chanteur de la forêt russe, l'étendue épique de la nature russe, était Ivan Ivanovitch Chichkine (1832-1898). Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) était attiré par les jeux pittoresques de la lumière et de l'air. La lumière mystérieuse de la lune dans des nuages rares, les reflets rouges de l'aube sur les murs blancs des huttes ukrainiennes, les rayons obliques du matin traversant le brouillard et jouant dans les flaques d'eau sur une route boueuse - ces découvertes pittoresques et bien d'autres sont capturées sur ses toiles.
La peinture paysagère russe du XIXe siècle a atteint son apogée dans l’œuvre d’Isaac Ilitch Levitan (1860-1900), élève de Savrassov. Levitan est un maître des paysages calmes et tranquilles. Homme très timide, timide et vulnérable, il ne savait se détendre que seul avec la nature, imprégné de l'ambiance de son paysage préféré.
Un jour, il vint sur la Volga pour peindre les étendues du soleil, de l'air et des rivières. Mais il n'y avait pas de soleil, des nuages interminables traversaient le ciel et les pluies sourdes cessèrent. L'artiste était nerveux jusqu'à ce qu'il s'implique dans ce temps et découvre le charme particulier des couleurs lilas du mauvais temps russe. Depuis lors, la Haute Volga et la ville provinciale de Ples sont fermement ancrées dans son œuvre. Dans ces régions, il a créé ses œuvres « pluvieuses » : « After the Rain », « Gloomy Day », « Above Eternal Peace ». Des paysages nocturnes paisibles y ont également été peints : « Soirée sur la Volga », « Soirée. Golden Reach", "Les cloches du soir", "Demeure tranquille".
Dans les dernières années de sa vie, Levitan attire l'attention sur le travail des artistes impressionnistes français (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Il se rend compte qu'il a beaucoup de points communs avec eux, que leurs recherches créatives vont dans la même direction. Comme eux, il préfère travailler non pas en atelier, mais en plein air (en plein air, comme disent les artistes). Comme eux, il allège la palette, bannissant les couleurs sombres et terreuses. Comme eux, il cherche à capturer la nature éphémère de l’existence, à transmettre les mouvements de la lumière et de l’air. En cela, ils sont allés plus loin que lui, mais ont presque dissous les formes volumétriques (maisons, arbres) dans les courants d'air léger. Il l'a évité.
« Les peintures de Levitan nécessitent une visualisation lente », écrit K. G. Paustovsky, grand connaisseur de son œuvre. « Elles n’étourdissent pas l’œil. Ils sont modestes et précis, comme les récits de Tchekhov, mais plus on les regarde, plus le silence des villes de province, des rivières familières et des routes de campagne devient doux.»
Dans la seconde moitié du XIXe siècle. marque l'épanouissement créatif de I. E. Repin, V. I. Surikov et V. A. Serov.
Ilya Efimovich Repin (1844-1930) est né dans la ville de Chuguev, dans la famille d'un colon militaire. Il a réussi à entrer à l'Académie des Arts, où son professeur était P. P. Chistyakov, qui a formé toute une galaxie d'artistes célèbres (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin a également beaucoup appris de Kramskoï. En 1870, le jeune artiste voyage le long de la Volga. Il a utilisé de nombreux croquis rapportés de ses voyages pour le tableau « Transporteurs de barges sur la Volga » (1872). Elle a fait forte impression sur le public. L’auteur s’est immédiatement hissé au rang des maîtres les plus célèbres.
Repin était un artiste très polyvalent. De nombreuses peintures de genre monumentales appartiennent à son pinceau. La « Procession religieuse dans la province de Koursk » n'est peut-être pas moins impressionnante que les « Transporteurs de barges ». Le ciel bleu vif, les nuages de poussière de route transpercés par le soleil, la lueur dorée des croix et des vêtements, la police, les gens ordinaires et les infirmes - tout tient sur cette toile : la grandeur, la force, la faiblesse et la douleur de la Russie.
De nombreux films de Repin traitaient de thèmes révolutionnaires (« Refus de confession », « Ils ne s’y attendaient pas », « L’arrestation du propagandiste »). Les révolutionnaires dans ses peintures se comportent simplement et naturellement, évitant les poses et les gestes théâtraux. Dans le tableau « Refus d’avouer », le condamné à mort semble avoir délibérément caché ses mains dans ses manches. L'artiste sympathisait clairement avec les héros de ses tableaux.
Un certain nombre de peintures de Repin ont été écrites sur des thèmes historiques (« Ivan le Terrible et son fils Ivan », « Les Cosaques composant une lettre au sultan turc », etc.). Repin a créé toute une galerie de portraits. Il a peint des portraits de scientifiques (Pirogov et Sechenov), des écrivains Tolstoï, Tourgueniev et Garshin, des compositeurs Glinka et Moussorgski, des artistes Kramskoy et Surikov. Au début du 20ème siècle. il a reçu une commande pour le tableau « La séance cérémonielle du Conseil d'État ». L'artiste a réussi non seulement à placer de manière compositionnelle un si grand nombre de personnes présentes sur la toile, mais également à donner des caractéristiques psychologiques à nombre d'entre elles. Parmi eux se trouvaient des personnalités aussi célèbres que S. Yu Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov Tian-Shansky. Nicolas II est à peine perceptible sur la photo, mais il est représenté de manière très subtile.
Vassili Ivanovitch Sourikov (1848-1916) est né à Krasnoïarsk, dans une famille cosaque. L'apogée de son œuvre se situe dans les années 80, lorsqu'il crée ses trois tableaux historiques les plus célèbres : « Le matin de l'exécution de Streltsy », « Menchikov à Berezovo » et « Boyaryna Morozova ».
Sourikov connaissait bien la vie et les coutumes des époques passées et était capable de donner des caractéristiques psychologiques frappantes. De plus, il était un excellent coloriste (color master). Il suffit de rappeler la neige éblouissante et scintillante du film « Boyaryna Morozova ». Si l’on s’approche de la toile, la neige semble « s’effondrer » en traits bleus, bleu clair et roses. Cette technique de peinture, où deux ou trois traits différents se confondent à distance et donnent la couleur désirée, a été largement utilisée par les impressionnistes français.
Valentin Alexandrovitch Serov (1865-1911), fils du compositeur, peint des paysages, des toiles sur des thèmes historiques et travaille comme artiste de théâtre. Mais ce sont surtout ses portraits qui lui valent la gloire.
En 1887, Serov, 22 ans, était en vacances à Abramtsevo, la datcha du philanthrope S.I. Mamontov, près de Moscou. Parmi ses nombreux enfants, le jeune artiste était son propre homme, participant à leurs jeux bruyants. Un jour après le déjeuner, deux personnes se sont accidentellement attardées dans la salle à manger : Serov et Verusha Mamontova, 12 ans. Ils étaient assis à la table sur laquelle se trouvaient des pêches et, pendant la conversation, Verusha ne remarqua pas comment l'artiste commençait à dessiner son portrait. Le travail a duré un mois et Verusha était en colère qu'Anton (comme on appelait Serov à la maison) la fasse asseoir dans la salle à manger pendant des heures.
Début septembre, "Girl with Peaches" était terminé. Malgré sa petite taille, le tableau, peint dans des tons rose doré, semblait très « spacieux ». Il y avait beaucoup de lumière et d'air dedans. La jeune fille, qui s'est assise à table pendant ce qui a semblé une minute et a fixé son regard sur le spectateur, enchantée par sa clarté et sa spiritualité. Et toute la toile était recouverte d'une perception purement enfantine de la vie quotidienne, quand le bonheur n'est pas conscient de lui-même et que toute une vie nous attend.
Les habitants de la maison d'Abramtsevo ont bien sûr compris qu'un miracle s'était produit sous leurs yeux. Mais seul le temps donnera des évaluations définitives. Il a placé « La Fille aux pêches » parmi les meilleurs portraits de la peinture russe et mondiale.
L'année suivante, Serov réussit presque à répéter sa magie. Il a peint un portrait de sa sœur Maria Simonović (« Fille illuminée par le soleil »). Le nom est un peu inexact : la jeune fille est assise à l'ombre, et les rayons du soleil du matin illuminent la clairière en arrière-plan. Mais sur la photo, tout est si uni, si uni - le matin, le soleil, l'été, la jeunesse et la beauté - qu'il est difficile de trouver un meilleur nom.
Serov est devenu un portraitiste à la mode. Des écrivains, acteurs, artistes, entrepreneurs, aristocrates et même rois célèbres ont posé devant lui. Apparemment, tous ceux qu’il a écrit n’y avaient pas à cœur. Certains portraits de la haute société, malgré leur technique en filigrane, se révèlent froids.
Serov a enseigné pendant plusieurs années à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. C'était un professeur exigeant. Opposant aux formes figées de la peinture, Serov estime en même temps que les recherches créatives doivent reposer sur une solide maîtrise des techniques du dessin et de l'écriture picturale. De nombreux maîtres exceptionnels se considéraient comme des étudiants de Serov. C'est M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin.
De nombreuses peintures de Repin, Sourikov, Levitan, Serov et les « Vagabonds » ont fini dans la collection Tretiakov. Pavel Mikhaïlovitch Tretiakov (1832-1898), représentant d'une vieille famille de marchands moscovites, était une personne inhabituelle. Mince et grand, avec une barbe épaisse et une voix calme, il ressemblait plus à un saint qu'à un marchand. Il a commencé à collectionner des peintures d'artistes russes en 1856. Son passe-temps est devenu l'activité principale de sa vie. Au début des années 90. la collection atteint le niveau d'un musée, absorbant la quasi-totalité de la fortune du collectionneur. Plus tard, il devint la propriété de Moscou. La Galerie Tretiakov est devenue un musée de renommée mondiale consacré à la peinture, au graphisme et à la sculpture russes.
En 1898, le Musée russe est ouvert à Saint-Pétersbourg, dans le palais Mikhaïlovski (création de K. Rossi). Il reçut des œuvres d'artistes russes provenant de l'Ermitage, de l'Académie des Arts et de certains palais impériaux. L'ouverture de ces deux musées semble couronner les acquis de la peinture russe du XIXe siècle.