DES COMPILATEURS
Ce livre est un manuel sur la littérature musicale de cette période historique, qui commence dans les dernières décennies du XIXe siècle. Ce Didacticiel paraît pour la première fois : le cinquième numéro se termine, comme on le sait, avec les travaux de K-Debussy et de M. Ravel.
Le livre comprend les caractéristiques de diverses écoles de musique nationales, qui ont déterminé sa structure globale. La première section caractérise les processus généraux qui se sont mis en œuvre à leur manière dans l'art musical de différents pays et dans le travail de compositeurs de différents individus. Chaque section suivante comprend un aperçu de la culture musicale d'un pays donné, ainsi qu'une section monographique consacrée à l'œuvre des compositeurs les plus importants de cette école. Seule la section consacrée à l'œuvre de I. Stravinsky diffère par sa structure : elle ne contient pas de présentation introductive. Et cela est compréhensible : après tout, ayant passé la majeure partie de sa vie hors de Russie en raison de circonstances particulières, Stravinsky est resté un maître russe et n’a appartenu à aucune des écoles étrangères. Son influence décisive principes créatifs sur presque tous les grands musiciens de notre siècle ne permet pas de sortir Stravinsky du tableau général de l'évolution de l'art musical du XXe siècle. L'inclusion de ce chapitre monographique dans le manuel de littérature musicale étrangère est également due aux particularités des programmes pédagogiques de l'école : au moment des études musique étrangère
L'attention des compilateurs et des auteurs du manuel se concentre à la fois sur la présentation des processus musicaux et historiques généraux de la période considérée et sur l'analyse des œuvres les plus marquantes qui sont devenues des classiques de notre siècle. En raison de la complexité exceptionnelle des événements de l'art musical du XXe siècle, de leur caractère contradictoire, de leurs intersections mutuelles et de leur évolution rapide, les chapitres de synthèse ont pris une place beaucoup plus grande dans ce livre que dans les éditions précédentes. Néanmoins, conformément aux principes méthodologiques du sujet, les compilateurs ont cherché à maintenir l'accent sur les analyses d'œuvres musicales, qui dans ce cas visent à révéler la diversité des méthodes créatives, des modes de pensée, des différentes solutions stylistiques et la multiplicité des techniques de composition des maîtres de notre siècle.
En raison du fait que le livre offre un large panorama de l'art musical et que l'analyse est dans de nombreux cas très complexe (qui est en grande partie prédéterminée par le matériel lui-même), les compilateurs considèrent qu'il est possible d'adresser ce manuel aux étudiants non seulement de l'interprétation , mais aussi des départements théoriques des écoles de musique. Le contenu du livre permet une approche sélective de celui-ci dans le processus éducatif ; la profondeur et le détail de l'étude des chapitres sont déterminés par les enseignants eux-mêmes, en fonction du niveau de préparation des étudiants, de l'équipement matériel du processus éducatif avec des notes et des enregistrements de musique et du nombre d'heures allouées par le programme pour cette partie du cours.
Une grande équipe d'auteurs a travaillé sur ce livre. D’où la fatalité différentes façons fourniture de matériel; en même temps, dans l'approche même, les compilateurs ont cherché à préserver des principes méthodologiques uniformes.
CONTENU
Des compilateurs
Voies de développement de l'art musical étranger du XXe siècle.
Culture musicale de l'Autriche
GUSTAV MAHLER
Créativité vocale. "Chansons de l'apprenti errant"
Créativité symphonique. Première Symphonie
ARNOLD SCHÔNBERG
Vital et chemin créatif
"Survivant de Varsovie"
ALBAN BERG
Vie et chemin créatif
Drame musical "Wozzeck"
Concerto pour violon et orchestre
ANTON WEBERN.
Vie et chemin créatif
Culture musicale de l'Allemagne
RICHARD STRAUSS
Vie et chemin créatif
Créativité symphonique. Poèmes symphoniques "Don Juan" et "Till Eulenspiegel"
PAUL HINDEMITH
Vie et chemin créatif
Créativité symphonique. Symphonie "L'Artiste Mathis".
CARL ORF
Vie et chemin créatif
Les principaux genres de l'œuvre de Carl Orff et leurs caractéristiques.
Opéra "Fille intelligente"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKI
Vie et chemin créatif
"Symphonie des Psaumes"
Opéra "Œdipe Rex"
Culture musicale de France.
ARTHUR HONEGGER
Vie et chemin créatif
Créativité théâtrale et oratorio. Oratorio « Jeanne d'Arc au bûcher »
Créativité symphonique. Troisième Symphonie (« Liturgique »)
DARIUS MILLO
Vie et chemin créatif
Vocal-instrumental, créativité. "Château de feu"
FRANCIS POULENC
Vie et chemin créatif
Opéra "La Voix Humaine"
Culture musicale de l'Espagne
MANUEL DE FALLA
Vie et chemin créatif
Ballet « Aime la sorcière »
Opéra "Une vie courte"
Bibliothèque musicale Nous sommes heureux que vous ayez trouvé et téléchargé le matériel qui vous intéresse dans notre bibliothèque musicale. La bibliothèque est constamment mise à jour avec de nouveaux ouvrages et matériaux, et la prochaine fois, vous trouverez certainement quelque chose de nouveau et d'intéressant pour vous. La bibliothèque de projets est constituée sur la base du programme d'études, ainsi que du matériel recommandé pour la formation et l'élargissement des horizons des étudiants. Les étudiants et les enseignants trouveront ici des informations utiles, car... La bibliothèque contient également de la littérature méthodologique. Nos favoris Compositeurs et interprètes Artistes contemporains Vous trouverez également ici les biographies d'artistes marquants, de compositeurs, de musiciens célèbres, ainsi que leurs œuvres. Dans la section œuvre, nous publions des enregistrements de performances qui vous aideront dans votre apprentissage ; vous entendrez comment cette œuvre sonne, les accents et les nuances de l'œuvre. Nous vous attendons sur classON.ru. V.N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 – 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 – 1791 Franz Schubert 1797 – 1828 www.classon.ru Joseph Haydn 1732 – 1809 Ludwig van Beethoven 1770 – 1827 Fryderyk Chopin 1810 – 1949 L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Information à ce sujet, elle devient de plus en plus abondante à partir du 10ème siècle environ avant JC. Les beaux-arts se développent et les artistes représentent des musiciens qui accompagnent les rituels religieux, les campagnes militaires, la chasse, les processions cérémonielles et les danses en chantant et en jouant d'instruments. De telles images ont été conservées notamment sur les murs des temples et sur les vases en céramique découverts lors des fouilles. L'écriture apparaît - et les auteurs de manuscrits ajoutent des paroles poétiques aux chansons et aux hymnes et fournissent des informations intéressantes sur la vie musicale. Au fil du temps, les écrivains accordent une grande attention aux discussions philosophiques sur la musique, à son rôle social important, notamment éducatif, ainsi qu'à l'étude théorique des éléments de son langage. La plupart de ces informations ont été conservées sur la musique dans certains pays du monde antique, par exemple dans La Chine ancienne, l'Inde ancienne, l'Égypte ancienne, en particulier dans les pays dits anciens - la Grèce antique et la Rome antique, où les bases de la culture européenne ont été posées2. Introduction Musique des temps anciens selon J. S. Bach Chers gars ! L’année dernière, vous aviez déjà suivi des cours de littérature musicale. Ils ont discuté des éléments de base du langage musical, de certaines formes et genres musicaux, des possibilités expressives et visuelles de la musique et de l'orchestre. Dans le même temps, la conversation était menée librement sur des époques diverses - tantôt sur l'Antiquité, tantôt sur la modernité, tantôt remontant à des siècles plus ou moins éloignés de nous. Et maintenant, le moment est venu de se familiariser avec la littérature musicale dans un ordre chronologiquement séquentiel - historique -1. À propos de la musique dans la Grèce antique De quelles manières les informations sur la musique du monde antique nous sont-elles parvenues ? Une preuve convaincante du grand rôle culturel et historique de l'Antiquité est que dans la Grèce antique, au 8ème siècle avant JC, sont nées les compétitions sportives publiques - jeux olympiques . Et deux siècles plus tard, des concours musicaux ont commencé à y être organisés - les Jeux Pythiens, qui peuvent être considérés comme les lointains ancêtres des compétitions modernes. Les jeux pythiques avaient lieu dans un temple construit en l'honneur du patron des arts, le dieu du soleil et de la lumière, Apollon. Selon les mythes, après avoir vaincu le monstrueux serpent Python, il aurait lui-même institué ces jeux. On sait que Sakkad d'Argos les a vaincus en jouant de l'aulos, un instrument à vent proche du hautbois, une pièce de programme sur la lutte entre Apollon et Python. La musique de la Grèce antique avait un lien caractéristique avec la poésie, la danse et le théâtre. . Les poèmes épiques héroïques « Iliade » et « Odyssée », attribués au légendaire poète Homère, ont été chantés. Les chanteurs étaient généralement, comme l'Orphée mythologique, les auteurs à la fois de textes poétiques et de musique, et ils s'accompagnaient eux-mêmes à la lyre. Lors des festivités, des chants de danse chorale avec des gestes pantomimiques ont été interprétés. Dans les tragédies et comédies grecques antiques, un rôle important appartenait au chœur : il commentait l'action, exprimait son attitude envers. En effectuant des fouilles, les archéologues ont trouvé les instruments de musique les plus simples (par exemple, des instruments à vent - des os d'animaux percés de trous). et déterminé qu'ils avaient été créés il y a environ quarante mille ans. Par conséquent, l’art de la musique existait déjà à cette époque. Après l'invention du phonographe, premier appareil mécanique d'enregistrement et de reproduction du son, en 1877, des musiciens-chercheurs commencèrent à voyager dans les coins du globe où certaines tribus conservaient encore leur mode de vie primitif. À partir de représentants de ces tribus, à l'aide d'un phonographe, ils ont enregistré des échantillons de chants et de mélodies instrumentales. Mais de tels enregistrements, bien entendu, ne donnent qu'une idée approximative de ce qu'était la musique dans ces temps anciens. Le mot « chronologie » (qui signifie « la séquence d'événements historiques dans le temps ») vient de deux mots grecs : « chronos » (« temps ») et « logos » (« enseignement »). 1 Le mot latin « antiguus » signifie « ancien ». La définition « antique » qui en dérive fait référence à l’histoire et à la culture de la Grèce antique et de la Rome antique. 2 2 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie jusqu'aux actions des héros. Les musicologues modernes possèdent certaines informations sur la musique du monde antique et pourtant envient les historiens des autres arts. Pour un grand nombre de magnifiques monuments de l'architecture ancienne, les beaux-arts anciens, en particulier la sculpture, ont été découverts ; de nombreux manuscrits avec les textes de tragédies et de comédies des grands dramaturges anciens ont été découverts. Mais les œuvres musicales créées aux mêmes époques et même bien plus tard nous restent pour l’essentiel inconnues. Pourquoi est-ce arrivé ainsi ? Le fait est qu'inventer un système de notation musicale (notation) suffisamment précis et pratique, celui que chacun d'entre vous maîtrisait au début de l'apprentissage de la musique, s'est avéré être une tâche très difficile. Il a fallu plusieurs siècles pour le résoudre. Il est vrai que les Grecs de l’Antiquité ont inventé la notation des lettres. Ils désignaient les degrés des modes musicaux avec certaines lettres de l'alphabet. Mais les symboles rythmiques (des tirets) n'étaient pas toujours ajoutés. Ce n’est qu’au milieu du XIXe siècle après JC que les scientifiques ont finalement percé les secrets de cette notation. Cependant, s'ils étaient capables de déchiffrer avec précision le rapport des sons en hauteur dans les manuscrits musicaux grecs anciens, alors le rapport en durée n'était qu'approximatif. Et très peu de manuscrits de ce type ont été trouvés, et ils contiennent des enregistrements de quelques œuvres à voix unique (par exemple des hymnes) et le plus souvent de leurs extraits. visibilité suffisante. Par conséquent, les musiciens utilisent depuis longtemps des icônes d’indices auxiliaires. Ces icônes étaient placées au-dessus des paroles des chants et désignaient soit des sons individuels, soit de petits groupes de ceux-ci. Ils n'indiquaient pas la relation exacte des sons ni en hauteur ni en durée. Mais par leur contour, ils rappelaient aux interprètes le sens de mouvement de la mélodie, qui la connaissaient par cœur et la transmettaient de génération en génération. Dans les pays d'Europe occidentale et centrale, dont la musique sera abordée plus loin dans ce manuel, ces icônes étaient appelées neumas. Les neumas étaient utilisés lors de l'enregistrement d'anciens chants liturgiques catholiques - le chant grégorien. Ce nom commun est dérivé du nom du pape Grégoire I3. Selon la légende, c'est à la fin du VIe siècle qu'il aurait constitué le recueil principal de ces chants monophoniques. Destinés à être chantés pendant les services religieux par des hommes et des garçons uniquement - solo et chœur à l'unisson, ils sont écrits sur des textes de prière en latin 4. Les premiers enregistrements non immuables du chant grégorien ne peuvent être déchiffrés. Mais au XIe siècle, le moine italien Guido d'Arezzo (« d'Arezzo ») a inventé une nouvelle méthode de notation. Il enseignait aux jeunes chanteurs du monastère et voulait qu'il leur soit plus facile de mémoriser les chants spirituels. Les neumas ont commencé à être placés sur une ligne horizontale, au-dessus et en dessous. Cette ligne correspondait à un son spécifique et établissait ainsi le niveau de hauteur approximatif de l'enregistrement. Et Guido a eu l'idée de tracer quatre lignes parallèles (). "règles") à la même distance les unes des autres et en plaçant des neumas sur elles et entre elles. C'est ainsi qu'est né l'ancêtre de la portée musicale moderne - comme un contour strictement dessiné, qui permettait d'indiquer avec précision la relation de hauteur des sons en tons et demi-tons. Et en même temps, la notation musicale est devenue plus visuelle - comme un dessin représentant le mouvement de la mélodie, ses virages. Guido désignait les sons correspondant aux règles par des lettres de l'alphabet latin. Leurs contours ont ensuite commencé à changer et se sont finalement transformés en signes appelés clés. Et les neumas, « assis » sur les règles et entre elles, se sont finalement transformés en notes individuelles, dont les têtes avaient d'abord la forme de carrés. Questions et tâches 1. Quand, selon les scientifiques, les instruments de musique les plus anciens ont-ils été fabriqués ? Qu'est-ce que cela signifie? 2. Qu'est-ce qu'un phonographe, quand a-t-il été inventé et comment les chercheurs ont-ils commencé à l'utiliser ? 3. Sur la musique de quels pays du monde antique le plus d'informations ont été conservées ? Déterminez à partir de la carte autour de quelle mer se trouvaient ces trois pays. 4. Quand et où ont commencé à avoir lieu les anciens concours musicaux - les Jeux Pythiques ? 5. À quels arts la musique était-elle étroitement associée dans la Grèce antique ? 6. Quelle notation a été inventée par les Grecs de l'Antiquité ? En quoi est-ce inexact ? Le titre de « Pape » est porté par le pasteur qui dirige l’Église catholique en tant qu’organisation spirituelle internationale. Le catholicisme est l'une des confessions chrétiennes avec l'orthodoxie et le protestantisme. 4 Les anciens Romains parlaient latin. Après la chute de l’Empire romain en 476, le latin cessa progressivement d’être parlé. De là sont nées les langues dites romanes - italien, français, espagnol, portugais. 3 Comment a été créée une notation pratique Au Moyen Âge (le début de cette période historique est considéré comme le 6ème siècle après JC), la notation des lettres était presque oubliée. Il ne contenait pas 3 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Des rumeurs sur une nouvelle méthode de notation - comme une sorte de miracle - sont parvenues au pape Jean XIX. Il a convoqué Guido et a chanté une mélodie qui lui était inconnue et issue d'un enregistrement inventé. Par la suite, le nombre de lignes parallèles a été modifié à plusieurs reprises, parfois même porté à dix-huit. Ce n’est que vers la fin du XVIIe siècle que l’actuel état-major à cinq lignes « a gagné ». Nous avons utilisé de nombreuses clés différentes. Ce n’est qu’au XIXe siècle que les clés de sol et de fa deviennent les plus utilisées. Après l'invention de Guido d'Arezzo, ils ont passé beaucoup de temps à résoudre un autre problème difficile : comment améliorer la notation afin qu'elle indique la relation exacte des sons non seulement en hauteur, mais aussi en durée. Après un certain temps, ils ont eu l'idée d'utiliser pour cela des symboles musicaux de différentes formes. Mais au début, de nombreuses règles conditionnelles y furent ajoutées, ce qui rendit son application difficile dans la pratique. Et au cours de plusieurs siècles, une notation plus pratique s'est progressivement développée - exactement celle que nous continuons à utiliser aujourd'hui. Après le début du XVIIe siècle, il n'a été amélioré que dans les détails. Et son principe rythmique, tant recherché, semble désormais le plus simple. Cela consiste dans le fait qu'une note entière en durée est toujours égale à deux moitiés - de style différent, une moitié - deux noires, une noire - deux croches, et ainsi de suite. Ajoutons que la barre de mesure a commencé à séparer les mesures au XVIe siècle, et que la signature rythmique au début de la notation musicale est devenue obligatoire à partir du XVIIe siècle. Cependant, à cette époque, il n’existait pas seulement des manuscrits musicaux, mais aussi de la musique imprimée. En effet, l'imprimerie musicale a commencé peu après l'invention de l'imprimerie, vers la fin du XVe siècle. Dans l’Antiquité et pendant longtemps au Moyen Âge, la musique était généralement monophonique. Il n’y avait que quelques exceptions simples. Par exemple, un chanteur a interprété une chanson et l'a dupliquée (c'est-à-dire l'a reproduite simultanément) tout en jouant d'un instrument. Dans ce cas, la voix et l’instrument pourraient parfois diverger un peu, s’écarter l’un de l’autre et bientôt converger à nouveau. Ainsi, dans un flux sonore monophonique, des « îlots » de deux voix apparaissaient et disparaissaient. Mais au tournant des premier et deuxième millénaires de notre ère, le style polyphonique a commencé à se développer de manière constante et est ensuite devenu dominant dans l'art musical professionnel. Cette formation complexe et longue s'est concentrée principalement dans le domaine de la musique religieuse catholique. L'affaire a commencé avec l'invention (par qui - inconnu) de la technique suivante. Un chanteur (ou plusieurs chanteurs) chantait la voix principale - une mélodie lente et fluide de chant grégorien. Et la deuxième voix se déplaçait strictement en parallèle - exactement dans le même rythme, mais toujours à une distance d'une octave, d'une quarte ou d'une quinte. Maintenant, à nos oreilles, cela semble très pauvre, « vide ». Mais il y a mille ans, un tel chant, résonnant sous les arches d'une église ou d'une cathédrale, émerveillait et ravissait, ouvrant de nouvelles possibilités d'expression à la musique. Après un certain temps, les musiciens d'église ont commencé à rechercher des méthodes plus flexibles et plus variées pour diriger la seconde voix. Et puis ils ont commencé à combiner de plus en plus habilement trois, quatre voix, et plus tard parfois encore plus de voix. Questions et tâches 1. Pourquoi la notation des lettres était-elle peu pratique dans la pratique ? 2. Que disaient les neumas aux chanteurs médiévaux ? 3. Qu'est-ce que le chant grégorien et pourquoi s'appelle-t-on ainsi ? 4. Expliquez l'essence de l'invention de Guido d'Arezzo 5. Quel était le prochain problème à résoudre après l'invention de Guido ? 6. Depuis quand la notation n'a-t-elle plus changé de manière significative ? clairement différents les uns des autres ont été créés en début XIII Perotyn, musicien d'église du siècle. Il était un représentant exceptionnel de l'art du chant - l'«École Notre-Dame» parisienne («École Notre-Dame»). Les chants de Pérotine résonnaient dans un bâtiment d'une beauté remarquable. Il s'agit d'un célèbre monument de l'architecture gothique médiévale, décrit par l'écrivain français du XIXe siècle Victor Hugo dans le célèbre roman Notre Dame de Paris. Comment la polyphonie a commencé à se développer en musique. Traduit du grec, ce mot signifie « polyphonie ». Mais la polyphonie n'est qu'un type de polyphonie dans lequel deux ou plusieurs voix égales sonnent simultanément, chacune d'elles ayant sa propre ligne mélodique indépendante. Si une voix dirige la mélodie principale et que les autres lui sont subordonnées (l'accompagnent, l'accompagnent), alors c'est l'homophonie - l'autre grâce à l'amélioration de la notation, progressivement, notamment à partir du XIIIe siècle, les manuscrits musicaux ont commencé à. être déchiffré de plus en plus précisément. Cela a permis de se familiariser non seulement avec des informations sur la culture musicale, mais aussi avec la musique des époques passées elle-même. Ce n'est pas un hasard si les succès de la notation ont coïncidé avec le début du développement de la polyphonie - une étape importante dans l'histoire de l'art musical. 4 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie, la messe est devenue un genre musical majeur. La messe régulière 5 comprend six chants principaux basés sur des textes de prière latins. Ce sont « Kyriyo eleizon » (« Seigneur, aie pitié »), « Gloria » (« Gloire »), « Credo » (« Je crois »), « Sanctus » (« Saint »), « Benedictus » (« Bienheureux »). ) et « Agnus Dei » (« Agneau de Dieu »). Initialement, le chant grégorien sonnait de manière monophonique en masses. Mais vers le XVe siècle, la messe se transforme en un cycle de parties polyphoniques complexes 6. Dans le même temps, les imitations commencent à être utilisées très habilement. Traduit du latin, « imitatio » signifie « imitation ». En musique, on peut parfois imiter des sons extra-musicaux, par exemple les trilles d'un rossignol, le coucou d'un coucou ou le bruit des vagues de la mer. C’est alors ce qu’on appelle l’onomatopée ou l’imagerie sonore. Et l'imitation en musique est une technique lorsque, après une mélodie qui se termine par une voix, une autre voix la répète avec précision (ou pas tout à fait exactement) à partir d'un autre son. D'autres voix peuvent alors entrer de la même manière. Dans la musique homophonique, des imitations peuvent apparaître brièvement. Et dans la musique polyphonique, c'est l'une des principales techniques de développement. Cela contribue à rendre le mouvement mélodique presque continu : les pauses et les cadences simultanées dans toutes les voix ne se retrouvent dans la musique polyphonique qu'à de rares exceptions7. Combinant les imitations avec d'autres techniques polyphoniques, les compositeurs ont composé de grandes œuvres chorales dans lesquelles quatre ou cinq voix s'entrelacent dans une texture sonore complexe. Dans celui-ci, la mélodie du chant grégorien est déjà difficile à discerner et il est tout aussi difficile d'entendre les paroles de la prière. Il y avait même des messes où les mélodies de chants populaires profanes étaient utilisées comme principales. Cette situation inquiète les plus hautes autorités ecclésiastiques catholiques. DANS milieu du 16ème siècle siècle, il allait interdire complètement le chant polyphonique pendant les offices religieux. Mais une telle interdiction n'a pas eu lieu grâce au merveilleux compositeur italien Palestrina, qui a passé presque toute sa vie à Rome et était proche de la cour papale (son nom et prénom- Giovanni Pierluigi da Palestrina, c'est-à-dire « de Palestrina » - une petite ville non loin de Rome). Palestrina, avec ses messes (et il en a écrit plus d'une centaine), parvient à réaliser une forme de polyphonie. Étant donné que l'accompagnement a une base d'accords-harmoniques, la structure homophonique de la présentation musicale est également appelée homophonique-harmonique. Questions et tâches 1. Depuis quand les manuscrits musicaux commencent-ils à être déchiffrés de plus en plus précisément ? 2. Avec quelle nouvelle étape importante de l'histoire de l'art musical les succès de la notation ont-ils coïncidé ? 3. Quand, dans quelle musique et sur la base de quelles mélodies la polyphonie a-t-elle commencé à se former de manière cohérente ? 4. Qu'est-ce qu'un double-voix parallèle ? Chantez ensemble plusieurs quartes, quintes et octaves parallèles. 5. Quelle est la différence entre la polyphonie et l'homophonie ? Comment la polyphonie a continué à se développer Alors que la polyphonie commençait à se développer dans le chant religieux, la monophonie continuait à dominer dans la musique profane. Par exemple, de nombreux enregistrements de chansons à une voix composées et interprétées par des poètes et des chanteurs médiévaux des XIIe et XIVe siècles ont été déchiffrés. Dans le sud de la France, en Provence, on les appelait troubadours, dans le nord de la France - trouvères, en Allemagne - minnesingers. Beaucoup d’entre eux étaient des chevaliers célèbres et dans leurs chants ils chantaient souvent la beauté et la vertu de la « belle dame » qu’ils adoraient. Les mélodies des chants de ces poètes-chanteurs étaient souvent proches des airs folkloriques, y compris des airs de danse, et le rythme était subordonné au rythme du texte poétique. Plus tard, aux XIVe et XVIe siècles, les poètes-chanteurs allemands parmi les artisans se sont regroupés en guildes, se faisant appeler Meistersingers (« maîtres chanteurs »). avec les voix qui s'ajoutent au chant grégorien dans les chants spirituels, l'influence des chants profanes devient perceptible (par exemple, les chants des troubadours et des trouvères). Parallèlement, à la fin du XIIIe siècle, apparaissent des œuvres polyphoniques purement profanes. La France, où les parties de toutes les voix étaient basées sur des mélodies de nature chantée et où les textes étaient composés non pas en latin, mais en français. Au fil du temps, dans la musique religieuse catholique, il y a aussi des messes spéciales dédiées aux fêtes religieuses. rappelons qu’un cycle est une œuvre à plusieurs. pièces détachées(ou pièces de théâtre) unis par un concept commun. 7 Cadence (cadence) est une tournure mélodique et harmonique qui complète l'ensemble de l'œuvre musicale ou sa section. 5 6 5 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie pour prouver que les compositions polyphoniques, tout en restant très habiles, peuvent paraître transparentes et que les textes liturgiques peuvent être clairement entendus. La musique de Palestrina est l'un des sommets de la polyphonie chorale ancienne du style dit strict. Il nous emmène dans le monde d'une contemplation éclairée et sublime, comme s'il émettait une lueur uniforme et paisible. poètes, musiciens, scientifiques et amateurs d'art. Ils ont été captivés par l'idée de créer un nouveau type de chant solo expressif avec accompagnement et de le combiner avec une action théâtrale. C'est ainsi que sont nés les premiers opéras dont les intrigues sont tirées de la mythologie antique. Le tout premier est « Daphné », composé par le compositeur Jacopo Peri (avec J. Korea) et le poète O. Rinuccini. Elle a été jouée en 1597 à Florence (l'œuvre dans son ensemble n'a pas survécu). Dans la mythologie grecque antique, Daphné est la fille de la divinité du fleuve Ladon et de la déesse de la terre Gaia. Fuyant la poursuite d'Apollon, elle a prié pour obtenir de l'aide auprès des dieux et a été transformée en laurier (en grec «daphné» - «laurier») - l'arbre sacré d'Apollon. Depuis qu'Apollon était considéré comme le dieu patron des arts, les gagnants des Jeux Pythiques, dont Apollon était considéré comme le fondateur, ont commencé à être couronnés d'une couronne de laurier. Une couronne de laurier et une branche de laurier séparée sont devenues des symboles de victoire, de gloire et de récompense. Deux autres opéras composés en 1600 (l'un de J. Peri, l'autre de G. Caccini) sont tous deux appelés « Euridice » car ils utilisent tous deux le même texte poétique, basé sur le mythe grec ancien du légendaire chanteur Orphée. Les premiers opéras italiens ont été joués dans des palais et des maisons de nobles. L'orchestre était composé de quelques instruments anciens. Il était dirigé par un musicien qui jouait de la cymbale (le nom italien du clavecin). Il n'y avait pas encore d'ouverture et le début de la représentation était annoncé par des fanfares de trompettes. Et dans les parties vocales, le récitatif prédominait, dans lequel le développement musical était subordonné au texte poétique. Bientôt, cependant, la musique commença à acquérir une signification de plus en plus indépendante et importante dans les opéras. Le grand mérite en est le premier compositeur d'opéra exceptionnel - Claudio Monteverdi. Son premier opéra, Orphée, fut créé en 1607 à Mantoue. Son héros est à nouveau le même chanteur légendaire qui, par son art, a apaisé Hadès, le dieu des enfers des morts, et a relâché Eurydice, l'épouse bien-aimée d'Orphée, sur terre. Mais la condition d'Hadès - ne pas regarder Eurydice ne serait-ce qu'une seule fois avant de quitter son royaume - Orphée l'a violée et l'a encore une fois, pour toujours, perdue. La musique de Monteverdi a donné à cette triste histoire une expressivité lyrique et dramatique sans précédent. Les parties vocales, les chœurs et les épisodes orchestraux sont devenus beaucoup plus diversifiés dans Orphée de Monteverdi. Dans cette œuvre, un style ariatique mélodique a commencé à prendre forme - la qualité distinctive la plus importante de la musique lyrique italienne. À l'instar de Florence, des opéras commencèrent à être composés et joués non seulement à Mantoue, mais aussi dans des villes italiennes comme Rome, Venise et Naples. L'intérêt pour le nouveau genre a commencé à surgir dans d'autres pays européens oh, et leurs questions et tâches 1. Qui sont les troubadours, les trouvères, les minnesingers et les meistersingers ? 2. Existe-t-il un lien entre la polyphonie des églises anciennes et les mélodies des chants profanes ? 3. Nommez les parties principales de la messe régulière. 4. Donnez des exemples d'onomatopées en musique. 5. Qu'appelle-t-on imitation en musique ? 6. Qu'est-ce que Palestrina a réalisé dans ses messes ? La naissance de l'opéra. Oratorio et Cantate Juste avant le début du XVIIe siècle – le premier siècle de la période historique appelée Âge Moderne – se produit un événement d'une extrême importance dans l'art musical : l'opéra est né en Italie. La musique est entendue dans diverses représentations théâtrales depuis l'Antiquité. En plus des numéros instrumentaux et choraux, des solos vocaux individuels, par exemple des chansons, pourraient y être interprétés. Et à l’opéra, chanteurs et chanteurs sont devenus acteurs et actrices. Leur chant, accompagné d'un orchestre, associé à une action scénique, a commencé à transmettre le contenu principal du spectacle. Il est complété par des décors, des costumes et souvent aussi des danses - du ballet. Ainsi, dans l’opéra, la musique a entraîné une étroite collaboration entre différents arts. Cela lui a ouvert de nouvelles grandes possibilités artistiques. Chanteurs d'opéra et les chanteurs ont commencé à transmettre avec une puissance sans précédent les expériences émotionnelles personnelles des gens - à la fois joyeuses et douloureuses. Dans le même temps, le moyen d'expression le plus important de l'opéra était la combinaison homophonique du solo une voix qui chante avec accompagnement orchestral. Et si jusqu'au XVIIe siècle, la musique professionnelle en Europe occidentale se développait principalement dans l'église et que le genre le plus important était la messe, alors le théâtre musical devenait le centre principal et le genre le plus important était l'opéra. À la fin du XVIe siècle, dans la ville italienne de Florence, un cercle réunit 6 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie, les dirigeants prirent l'habitude d'inviter des musiciens italiens à leur service judiciaire. Cela a contribué au fait que la musique italienne est devenue pendant longtemps la plus influente d’Europe. En France, au XVIIe siècle, émerge son propre opéra national, différent de celui italien. Son fondateur, Jean-Baptiste Lyulli, est italien de naissance. Néanmoins, il a correctement perçu les particularités de la culture française et a créé un style d'opéra français unique. Dans les opéras de Lully, une grande place était occupée, d'une part, par les récitatifs et les petits airs à caractère récitatif, et de l'autre, par les danses de ballet, les marches solennelles et les chœurs monumentaux. Avec des intrigues mythologiques, des costumes luxuriants et la représentation de miracles magiques à l'aide de machines théâtrales, tout cela correspondait à la splendeur et à la splendeur de la vie de cour sous le règne du roi de France Louis XIV. Le premier opéra en Allemagne, Daphné (1627), a été créé par le plus grand compositeur allemand de l'époque pré-Bach, Heinrich Schütz. Mais sa musique n'a pas été préservée. Mais les conditions pour le développement du genre lyrique dans le pays n'existaient pas encore : elles n'émergèrent véritablement qu'avec l'avènement du XIXe siècle. Et dans l’œuvre de Schutz, la place principale était occupée par des compositions vocales-instrumentales expressives basées sur des textes spirituels. En 1689, le premier opéra anglais « Didon et Enée » d’un compositeur au talent remarquable, Henry Purcell, est joué à Londres. La musique de cet opéra captive par ses paroles sincères, sa fantaisie poétique et ses images folkloriques colorées. Cependant, après la mort de Purcell, pendant près de deux siècles, il n'y eut aucun créateur musical exceptionnel parmi les compositeurs anglais. Au tournant des XVIe-XVIIe siècles, en même temps que l'opéra et aussi en Italie, naissance d'une cantate. Ils sont similaires à l'opéra dans la mesure où ils sont également interprétés par des solistes, un chœur et un orchestre, et comportent également des airs, des récitatifs, des ensembles vocaux, des chœurs et des épisodes orchestraux. Mais à l'opéra, nous apprenons le développement des événements (l'intrigue) non seulement par ce que chantent les solistes, mais aussi par ce qu'ils font et ce qui se passe généralement sur scène. Mais dans l’oratorio et la cantate, il n’y a pas d’action scénique. Ils sont interprétés dans un décor de concert, sans costumes ni décorations. Mais il existe également une différence entre oratorio et cantate, même si elle n’est pas toujours nette. Habituellement, un oratorio est une œuvre de plus grande taille et avec une intrigue religieuse plus développée. Il a souvent un caractère épique-dramatique. À cet égard, l’oratorio comprend souvent une partie récitative narrative du chanteur-conteur. Un type particulier d'oratorio spirituel est la « passion » ou « passif » (traduit du latin par « souffrance »). La Passion raconte les souffrances et la mort de Jésus-Christ crucifié sur la croix. 7 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Les cantates, selon le contenu du texte verbal, sont divisées en spirituelles et profanes. Au XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle, de nombreuses petites cantates de chambre sont apparues en Italie. Elles consistaient à alterner deux ou trois récitatifs avec deux ou trois airs. Par la suite, les cantates à caractère essentiellement cérémonial se sont généralisées. C'est en Allemagne que les cantates spirituelles et les « passions » de diverses constructions ont reçu le plus grand développement. airs, et il est fascinant de déployer un mouvement de passage virtuose. Dans l'héritage de Corelli et de Vivaldi, une grande place appartient au genre sonate en trio. Dans la plupart des sonates en trio, les deux parties principales sont interprétées par des violons et la troisième partie, la partie d'accompagnement, est interprétée par un clavecin ou un orgue, la voix de basse étant doublée par un violoncelle ou un basson. Après la sonate en trio, apparaît une sonate pour violon ou autre instrument accompagné d'un clavecin. ainsi que le concerto grosso - concerto pour orchestre (première corde). De nombreuses œuvres de ces genres se caractérisent par la forme d’une sonate ancienne. Il s'agit généralement d'un cycle de quatre parties avec un rapport de tempo « lent-rapide-lent-rapide ». Un peu plus tard, déjà au XVIIIe siècle, Vivaldi commença à composer des concerts solistes pour violon et quelques autres instruments avec accompagnement d'orchestre. Un cycle en trois temps y fut instauré : « vite-lent-vite ». Questions et tâches 1. Où et quand est né l’opéra ? Expliquez en quoi l'opéra diffère d'une représentation théâtrale avec de la musique. 2. Quel est le moyen d'expression le plus important dans la musique d'opéra ? 3. Quel est le nom du premier opéra de Claudio Monteverdi et quelles qualités étaient évidentes dans sa musique ? 4. Parlez-nous des caractéristiques des opéras français anciens. 5. Nommez le premier opéra écrit en Allemagne et le premier opéra écrit en Angleterre. 6. Quelle est la principale différence entre l'oratorio et la cantate de l'opéra ? 7. Que sont les « passions » (« passives ») ? L’histoire de l’orgue a commencé pendant des siècles dans l’Égypte ancienne. Au XVIIe siècle, il était devenu un instrument très complexe offrant de larges possibilités artistiques. De petits organes pouvaient alors être trouvés même dans les maisons privées. Ils étaient utilisés pour des activités éducatives et des variations sur les mélodies des chants et des danses folkloriques y étaient exécutées. Et de grands orgues aux rangées de tuyaux étincelants, aux corps en bois décorés de sculptures, sonnaient, comme c'est le cas aujourd'hui, dans les églises et les cathédrales. De nos jours, les orgues sont également disponibles dans de nombreuses salles de concert. Les orgues modernes comportent plusieurs milliers de tuyaux et jusqu'à sept claviers (manuels), situés les uns au-dessus des autres, comme les marches d'un escalier. Il y a tellement de tuyaux parce qu'ils sont divisés en groupes - des registres. Les registres sont activés et désactivés à l'aide de leviers spéciaux pour obtenir une couleur (timbre) de son différente. Les orgues sont également équipés d'un pédalier. Il s'agit d'un clavier à pied complet avec de nombreuses grandes touches. En les appuyant avec ses pieds, l'organiste peut produire et maintenir des sons de basse pendant une longue période (ces sons soutenus sont également appelés pédale ou pointe d'orgue). En termes de richesse des timbres, de capacité à comparer le pianissimo le plus léger à un fortissimo tonitruant, l'orgue n'a pas d'égal parmi les instruments de musique. Au XVIIe siècle, l’art de l’orgue atteint un sommet particulièrement élevé en Allemagne. Comme dans d’autres pays, les organistes d’église allemands étaient à la fois compositeurs et interprètes. Ils accompagnaient non seulement des chants spirituels, mais jouaient également des solos. Parmi eux se trouvaient de nombreux virtuoses et improvisateurs talentueux qui attiraient des foules entières par leur jeu. L’un des plus remarquables d’entre eux est Dietrich Buxtehude. Le jeune Jean-Sébastien Bach est venu à pied d'une autre ville pour l'écouter jouer. L'œuvre variée et vaste de Buxtehude représente les principaux types de musique d'orgue de l'époque. D'une part, il s'agit de préludes, de fantaisies et de musiques instrumentales du XVIIe siècle, de ses genres et de ses formes. Pendant longtemps, le jeu d'instruments dupliquait le plus souvent des parties vocales dans des œuvres vocales ou des danses accompagnées. Les transcriptions instrumentales de compositions vocales étaient également courantes. Développement personnel musique instrumentale ne s'est intensifié qu'au XVIIe siècle. Parallèlement, il continue de développer les techniques artistiques développées dans la polyphonie vocale. Ils étaient enrichis d'éléments homophoniques basés sur le chant et la danse. Dans le même temps, les compositions instrumentales commencent à être influencées par les réalisations expressives de la musique lyrique. Le violon, doté de brillantes capacités virtuoses, possède une voix très mélodieuse. Et c'est dans la patrie de l'opéra, l'Italie, que la musique pour violon a commencé à se développer avec un succès particulier. À la fin du XVIIe siècle, l'œuvre d'Arcangelo Corelli s'épanouit et l'activité créatrice d'Antonio Vivaldi commence. Ces compositeurs italiens exceptionnels ont créé de nombreuses œuvres instrumentales avec la participation et le rôle principal du violon. Dans ceux-ci, le violon peut chanter de manière aussi expressive que la voix humaine dans une toccata d'opéra. En eux, les épisodes polyphoniques alternent librement avec des épisodes d'improvisation - passages et accords. En revanche, ce sont des pièces plus strictement construites qui ont donné naissance à la fugue, la forme la plus complexe de polyphonie imitative. Buxtehude a également réalisé de nombreux arrangements pour orgue de chants protestants sous forme de préludes choraux. Contrairement au chant grégorien, c'est le nom général des chants spirituels non pas en latin, mais en Allemand . Ils sont apparus au XVIe siècle, lorsqu'un nouveau type de doctrine chrétienne, le protestantisme, s'est séparé du catholicisme. La base mélodique du choral protestant était constituée de chants folkloriques allemands. Au XVIIe siècle, le choral protestant commença à être interprété par tous les paroissiens en chœur avec le soutien d'un orgue. Pour de tels arrangements choraux, une structure d'accords à quatre voix avec une mélodie dans la voix supérieure est typique. Par la suite, une telle structure a commencé à être appelée choral, même si elle apparaît dans une œuvre instrumentale. Les organistes jouaient également des instruments à clavier à cordes et composaient pour eux. Le nom général des œuvres pour ces instruments est musique pour clavier8. Les premières informations sur les instruments à clavier à cordes remontent aux XIVe-XVe siècles. Au XVIIe siècle, le clavecin était le plus répandu. C'est ainsi qu'on l'appelle en France, en Italie on l'appelle clavecin, en Allemagne on l'appelle keelflugel, en Angleterre on l'appelle clavecin. Le nom des instruments plus petits en France est épinette, en Italie - épinettes d'Angleterre - virginel. Le clavecin est l’ancêtre du piano, dont l’usage a commencé au milieu du XVIIIe siècle. Lorsqu'on appuie sur les touches du clavecin, des plumes ou des languettes de cuir montées sur les tiges semblent pincer les cordes. Le résultat est un son brusque, sonore et en même temps légèrement bruissant. Sur un clavecin, la force du son ne dépend pas de la force de frappe sur les touches. Par conséquent, il est impossible d'y faire des crescendos et des diminuendos - contrairement au piano, sur lequel cela est possible grâce à une connexion plus flexible des touches avec des marteaux frappant les cordes. Le clavecin peut avoir deux ou trois claviers et un dispositif permettant de changer la couleur du son. Le son d'un autre petit instrument à clavier - le clavicorde - est plus faible que celui du clavecin. Mais sur le clavicorde, un jeu plus mélodieux est possible, car ses cordes ne sont pas pincées, mais des plaques métalliques sont pressées dessus. L’un des principaux genres de musique de clavecin ancienne est une suite de plusieurs mouvements complets écrits dans la même tonalité. Chaque partie utilise généralement une sorte de mouvement de danse. La base de la suite ancienne est constituée de quatre danses d’origines nationales différentes, pas toujours clairement identifiées. Il s'agit de l'allemande lente (peut-être originaire d'Allemagne), de la courante plus active (originaire de France), de la sarabande lente (originaire d'Espagne) et de la gigue rapide (originaire d'Irlande ou d'Angleterre). À partir de la fin du XVIIe siècle, à l'instar des clavecinistes parisiens, les suites commencent à être complétées par des danses françaises telles que le menuet, la gavotte, la bourrée et le passier. Elles étaient insérées entre les danses principales, formant des sections d'interlude (« integ » traduit du latin signifie « entre »). La musique de clavecin française ancienne se distingue par son élégance, sa grâce et une abondance de petits ornements mélodiques, tels que des mordants et des trilles. Le style français du clavecin s'épanouit dans l'œuvre de François Couperin (16 68 - 1733), surnommé le Grand. Il a créé environ deux cents pièces et les a combinées en vingt-sept suites. Les pièces portant des titres de programmes variés ont progressivement commencé à y prédominer. Le plus souvent, ce sont des clavecins miniatures. portraits féminins - des esquisses sonores précises de certains traits de caractère, apparence, comportement. Telles sont par exemple les pièces « Gloomy », « Touching », « Nimble », « Abstract », « Espiègle ». Son grand contemporain Jean-Sébastien Bach montra un grand intérêt pour la musique française pour clavecin, notamment pour les pièces de François Couperin. Questions et tâches 1. Quand le développement indépendant des genres instrumentaux s’est-il intensifié ? 2. Nommez l'instrument préféré d'Arcangelo Corelli et d'Antonio Vivaldi. 3. Parlez-nous de la structure de l'organe. 4. Dans quel pays l’art de l’orgue a-t-il atteint un sommet particulièrement élevé ? Qu'est-ce qu'un choral protestant ? 5. Parlez-nous de la structure du clavecin. Quels mouvements de danse sont utilisés dans les parties principales de la suite pour clavecin antique ? Ainsi, la section d'introduction du manuel a brièvement présenté quelques événements importants dans le monde de la musique depuis l'Antiquité. Il s'agissait d'une « excursion » historique dont le but était de nous familiariser davantage avec l'héritage des grands musiciens d'Europe occidentale qui ont travaillé aux XVIIIe et XIXe siècles. Pendant un certain temps, la musique pour clavier était le nom donné à la musique de tous les instruments à clavier, y compris l'instrument à clavier et à vent - l'orgue. 8 9 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Parcours de vie Johann Rod, famille, enfance. Jean-Sébastien Bach est né en 1685 en Thuringe, une des régions d'Allemagne centrale, dans la petite ville d'Eisenach, entourée de forêts. En Thuringe, les conséquences désastreuses de la guerre de Trente Ans (1618-1648), au cours de laquelle s'affrontèrent deux grands groupements de puissances européennes, se font encore sentir. Les ancêtres de Jean-Sébastien, étroitement liés au milieu artisanal et paysan allemand, ont dû survivre à cette guerre dévastatrice. Son arrière-arrière-grand-père, Veit, était boulanger, mais il aimait tellement la musique qu'il ne se séparait jamais d'une cithare, un instrument semblable à une mandoline, même en jouant pendant que la farine était moulue lors des déplacements au moulin. Et parmi ses descendants, installés dans toute la Thuringe et les régions voisines, il y avait tellement de musiciens que tous ceux qui exerçaient ce métier commençaient à être appelés « Bach ». C'étaient des organistes d'église, des violonistes, des flûtistes, des trompettistes, certains faisaient preuve de talent en tant que compositeurs. Ils étaient au service des municipalités urbaines et auprès des tribunaux des dirigeants des petites principautés et duchés dans lesquels l'Allemagne était fragmentée. Sebastian Bach 1685-1750 Le sort de la musique de ce grand compositeur allemand, plus de trois cents ans après sa naissance, est étonnant. Au cours de sa vie, il s'est fait connaître principalement en tant qu'organiste et connaisseur d'instruments de musique, et après sa mort, il a été presque oublié pendant plusieurs décennies. Mais ensuite, peu à peu, ils ont commencé à redécouvrir son œuvre et à l'admirer comme un trésor artistique précieux, d'une habileté inégalée, inépuisable dans la profondeur et l'humanité de son contenu. « Pas un ruisseau ! "La mer devrait être son nom." C'est ce qu'un autre génie musical a dit à propos de Bach : Beethoven9. Bach n’a réussi à publier lui-même qu’une très petite partie de ses œuvres. Aujourd’hui, il y en a plus d’un millier publiés (beaucoup d’autres sont perdus). Le premier recueil complet des œuvres de Bach a commencé à être imprimé en Allemagne cent ans après sa mort et occupait quarante-six volumes volumineux. Mais il est impossible de calculer, même approximativement, combien d’éditions individuelles de la musique de Bach ont été imprimées et combien continuent de l’être dans différents pays. La demande incessante est telle. Car il occupe une place étendue et honorable non seulement dans le répertoire mondial des concerts, mais aussi dans le répertoire éducatif. Johann Sebastian Bach continue d’être le professeur de pratiquement tous ceux qui s’intéressent à la musique. C'est un professeur sérieux et strict, nécessitant des capacités de concentration pour maîtriser l'art de l'interprétation des œuvres polyphoniques. Mais celui qui n'a pas peur des difficultés et est attentif à ses exigences sentira derrière sa sévérité la bienveillance sage et sincère qu'il enseigne avec ses belles créations immortelles. La maison à Eisenach où est né J. S. Bach 9 « Bach » signifie « ruisseau » en allemand. 10 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art russe Le père de Jean-Sébastien était violoniste, musicien de la ville et de la cour d'Eisenach. Il a commencé à enseigner la musique à son plus jeune fils et l'a envoyé dans une école paroissiale. Possédant une belle voix haute, le garçon chantait dans la chorale de l'école. Quand il avait dix ans, ses parents moururent. Le frère aîné, organiste d'église dans la ville voisine d'Ohrdruf, s'est occupé de l'orphelin. Il envoya son jeune frère au lycée local et lui donna lui-même des cours d'orgue. Plus tard, Johann Sebastian devint également claveciniste, violoniste et altiste. Et dès son enfance, il maîtrise seul la composition musicale, réécrivant les œuvres de divers auteurs. Il a dû recopier un cahier qui l'intéressait particulièrement les nuits de pleine lune, en secret de la part de son frère aîné. Mais une fois le long et difficile travail terminé, il le découvrit, se mit en colère contre Jean-Sébastien pour son acte non autorisé et lui prit impitoyablement le manuscrit. Le début de la vie indépendante. Lunebourg. À l'âge de quinze ans, Jean-Sébastien franchit une étape décisive : il s'installe dans la lointaine ville de Lunebourg, au nord de l'Allemagne, où il entre à l'école de l'église du monastère en tant que chanteur-érudit. Dans la bibliothèque de l'école, il a pu se familiariser avec un grand nombre de manuscrits d'œuvres de musiciens allemands. À Lunebourg et à Hambourg, où il se promenait sur les routes de campagne, on pouvait écouter jouer des organistes talentueux. Il est possible qu'à Hambourg, Johann Sebastian ait visité l'opéra - à l'époque le seul en Allemagne à donner des représentations non pas en italien, mais en allemand. Il termine ses études avec succès trois ans plus tard et commence à chercher un emploi plus proche de son pays natal. Weimar. Après avoir brièvement servi comme violoniste et organiste dans trois villes, Bach en 1708, déjà marié, s'installe à Weimar (Thuringe) pour neuf ans. Il y fut organiste à la cour du duc, puis vice-kapellmeister (assistant du chef de chapelle - un groupe de chanteurs et d'instrumentistes). Alors qu'il était encore adolescent, à Ohrdruf, Bach commença à composer de la musique, notamment en arrangeant un choral protestant pour orgue, son instrument de prédilection. Et à Weimar parurent un certain nombre de ses merveilleuses œuvres pour orgue de la maturité, comme la Toccata et la Fugue en ré mineur, la Passacaglia10 en do mineur et les préludes de choral. À cette époque, Bach était devenu un interprète et improvisateur inégalé à l’orgue et au clavecin. Cela a été confirmé de manière convaincante par le cas suivant. Un jour, Bach se rendit à Dresde, la capitale de la Saxe, où ils décidèrent d'organiser un concours entre lui et Louis Marchand, le célèbre organiste et claveciniste français. Mais lui, ayant entendu pour la première fois comment Bach improvisait au clavecin avec une ingéniosité créatrice étonnante, s'empressa de quitter secrètement Dresde. Le concours n'a pas eu lieu. A la cour de Weimar, c'était l'occasion de se familiariser avec les œuvres de compositeurs italiens et français. Bach a réagi à leurs réalisations avec beaucoup d'intérêt et d'initiative artistique. Il a par exemple réalisé de nombreux arrangements gratuits pour clavecin et orgue des concertos pour violon d’Antonio Vivaldi. Ainsi naissent les premiers concerts pour clavier de l’histoire de l’art musical. Pendant trois ans à Weimar, Bach devait composer une nouvelle cantate spirituelle tous les quatrièmes dimanches. Au total, plus d'une trentaine d'œuvres sont ainsi nées. Cependant, lorsque le vieux chef d'orchestre du tribunal, dont les fonctions étaient effectivement exercées par Bach, est décédé, le poste vacant n'a pas été confié à lui, mais au fils médiocre du défunt. Outré par une telle injustice, Bach présente sa démission. Pour sa « demande irrespectueuse », il a été assigné à résidence. Mais il a fait preuve d’une persévérance courageuse et fière, insistant sur sa propre détermination. Et un mois plus tard, le duc a dû, à contrecœur, donner « l'ordre impitoyable » de libérer le musicien rebelle. Köthen. Fin 1717, Bach et sa famille s'installent à Köthen. Le poste de chef d'orchestre de la cour lui fut offert par le prince Léopold d'Anhalt de Köthen, dirigeant d'un petit État voisin de la Thuringe. C'était un bon musicien - il chantait, jouait du clavecin et de la viole de gambe 11. Le prince apportait à son nouveau chef d'orchestre un bon soutien financier et le traitait avec un grand respect. Les tâches de Bach, qui lui prenaient relativement peu de temps, consistaient notamment à diriger une chapelle de dix-huit chanteurs et instrumentistes, à accompagner le prince et à jouer lui-même du clavecin. De nombreuses œuvres de Bach pour divers instruments sont originaires de Köthen. Parmi eux, la musique pour clavier est représentée de manière très diversifiée. D'une part, ce sont des pièces pour débutants - la passacaille est une danse lente à trois pattes d'origine espagnole. Sur cette base, des pièces instrumentales sont nées sous forme de variations avec une mélodie répétée plusieurs fois à la basse. 10 11 Viole de gambe – instrument ancien , semblable en apparence à un violoncelle. 11 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie petits préludes, inventions à deux et trois voix. Ils ont été écrits par Bach pour les leçons de son fils aîné, Wilhelm Friedemann. D'autre part, il s'agit du premier des deux volumes d'une œuvre monumentale - « Le Clavier bien tempéré », qui comprend au total 48 préludes et fugues, et une grande œuvre de concert - « Fantaisie chromatique et fugue ». La période Köthen comprend également la création de deux collections de suites pour clavier, dites « françaises » et « anglaises ». Le prince Léopold emmena Bach avec lui lors de voyages dans les États voisins. Lorsque Jean-Sébastien revint d'un tel voyage en 1720, il fut envahi par un profond chagrin : sa femme Maria Barbara venait de mourir, laissant quatre enfants (trois autres moururent prématurément). Un an et demi plus tard, Bach se remaria. Sa seconde épouse, Anna Magdalena, avait une bonne voix et était très musicale. Pendant ses études avec elle, Bach a compilé deux « carnets de notes » pour clavier à partir de ses propres pièces et en partie de celles d'autres auteurs. Anna Magdalena était une compagne de vie gentille et attentionnée de Johann Sebastian. Elle lui donna treize enfants, dont six vécurent jusqu'à l'âge adulte. Leipzig. En 1723, Bach s'installe à Leipzig, un centre commercial et culturel majeur de la Saxe, voisine de la Thuringe. Il entretenait de bonnes relations avec le prince Léopold. Mais à Köthen, les possibilités d'activité musicale étaient limitées : il n'y avait ni grand orgue ni chœur. En outre, Bach avait des fils aînés à qui il souhaitait donner une bonne éducation. À Leipzig, Bach occupe le poste de chantre - directeur du chœur de garçons et professeur de l'école de chant ; à l'église Saint-Thomas (Thomaskirche). Il dut accepter un certain nombre de conditions restrictives, par exemple « ne pas quitter la ville sans l’autorisation du bourgmestre ». Le chantre Bach avait bien d’autres responsabilités. Il dut diviser en parties une petite chorale d'école et un très petit orchestre (ou plutôt un ensemble) afin que la musique puisse être entendue lors des offices dans deux églises, ainsi que lors de mariages, de funérailles et de diverses célébrations. Et tous les enfants de chœur n’avaient pas de bonnes capacités musicales. L'école était sale, négligée, les élèves étaient mal nourris et mal habillés. Bach, qui était également considéré comme le « directeur musical » de Leipzig, a attiré à plusieurs reprises l'attention des autorités ecclésiastiques et du gouvernement de la ville (magistrat) sur tout cela. Mais en retour, il reçut peu d’aide matérielle, mais beaucoup de petites querelles et de réprimandes officielles. Il a enseigné à ses élèves non seulement le chant, mais aussi les instruments à jouer. De plus, il a embauché pour eux un professeur de latin à ses propres frais. Église et école Saint-Thomas (à gauche) à Leipzig. (D'après une gravure ancienne). Malgré des circonstances de vie difficiles, Bach était passionné par la créativité. Au cours des trois premières années de son service, il composa et pratiqua une nouvelle cantate spirituelle avec le chœur presque chaque semaine. Au total, environ deux cents œuvres de Bach dans ce genre ont survécu. Et plusieurs dizaines de ses cantates profanes sont également connues. Il s'agissait généralement de salutations et de félicitations adressées à diverses personnes nobles. Mais parmi eux, il y a une exception comme la bande dessinée «Cantate du café», écrite à Leipzig, semblable à une scène d'opéra-comique. Il raconte comment la jeune et pleine de vie Lizhen s'intéresse à la nouvelle mode du café, contre la volonté et les avertissements de son père, le vieux grincheux Shlendrian. À Leipzig, Bach a créé ses œuvres vocales et instrumentales monumentales les plus remarquables - «La Passion selon saint Jean», «La Passion selon saint Matthieu»12 et la Messe en si mineur, au contenu similaire, ainsi qu'un grand nombre d'œuvres diverses œuvres instrumentales, dont le deuxième volume « Clavier bien tempéré », un recueil de Jean et Matthieu (ainsi que Marc et Luc) - disciples des enseignements de Jésus-Christ qui a compilé les Évangiles - des histoires sur sa vie terrestre, ses souffrances ( « passion ») et la mort. « Évangile » traduit du grec signifie « bonne nouvelle ». 12 12 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie « L'art de la fugue ». Il voyage à Dresde, Hambourg, Berlin et dans d'autres villes allemandes, y joue de l'orgue et teste de nouveaux instruments. Pendant plus de dix ans, Bach a dirigé le « Music College » de Leipzig, une société composée d'étudiants universitaires et de mélomanes - instrumentistes et chanteurs. Sous la direction de Bach, ils donnent des concerts publics d'œuvres à caractère profane. Communiquant avec les musiciens, il était étranger à toute arrogance et parlait ainsi de son talent rare : « J'ai dû étudier dur, celui qui est tout aussi assidu obtiendra la même chose. Sa famille nombreuse apportait à Bach beaucoup de soucis, mais aussi beaucoup de joie. Dans son entourage, il pouvait organiser des concerts à domicile entiers. Quatre de ses fils sont devenus des compositeurs célèbres. Il s'agit de Wilhelm Friedemann et Carl Philipp Emanuel (enfants de Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich et Johann Christian (enfants d'Anna Magdalena). Au fil des années, la santé de Bach s'est dégradée. Sa vision s'est fortement détériorée. Au début de 1750, il subit deux opérations oculaires infructueuses, devint aveugle et mourut le 28 juillet. Johann Sebastian Bach a vécu une vie difficile et laborieuse, éclairée par une brillante inspiration créatrice. Il n'a pas laissé une fortune significative et Anna Magdalena est décédée dix ans plus tard dans une maison de charité pour les pauvres. Et la plus jeune fille de Bach, Regina Susanna, qui a vécu jusqu'au 19e siècle, a été sauvée de la pauvreté grâce à des dons privés, dans lesquels Beethoven a pris une grande part. La musique de Bach est liée à la culture de son pays natal. Il n'a jamais eu l'occasion de voyager à l'extérieur. d'Allemagne. Mais il a étudié avec enthousiasme les œuvres de compositeurs allemands et étrangers. Dans son œuvre, il a brillamment résumé et enrichi les réalisations de l'art musical européen, « La Passion selon Saint-Jean », « La Passion selon Saint-Matthieu ». », la Messe en si mineur et bien d’autres œuvres basées sur des textes spirituels n’ont pas été simplement écrites par Bach selon le devoir ou la coutume habituelle d’un musicien d’église, et chauffées par un sentiment religieux sincère, elles sont pleines de compassion pour les douleurs humaines. , imprégnés d'une compréhension des joies humaines, ils ont dépassé au fil du temps les frontières des églises et ne cessent d'impressionner profondément les auditeurs de différentes nationalités et religions par leur véritable humanité. Ensemble, ils forment un monde entier. d'images musicales. La maîtrise polyphonique inégalée de Bach s'enrichit de moyens homophoniques-harmoniques. Ses thèmes vocaux sont organiquement imprégnés de techniques de développement instrumental, et les thèmes instrumentaux sont souvent si riches en émotions, comme si quelque chose d'important était chanté et prononcé sans paroles. Toccata et Fugue en ré mineur pour orgue13 Cette œuvre, très populaire, débute par un cri de volonté alarmant mais courageux. Il retentit trois fois, descendant d'une octave à l'autre, et conduit à un boom d'accords tonitruant dans le registre inférieur. Ainsi, au début de la toccata, se dessine un espace sonore sombre et grandiose. 1 Adagio Questions et tâches 1 . Pourquoi le sort de la musique de Bach est-il inhabituel ? 2. Parlez-nous de la patrie de Bach, de ses ancêtres et de son enfance. 3. Quand et où Bach a-t-il commencé sa vie indépendante ? 4. Comment s’est déroulée et comment s’est terminée l’activité de Bach à Weimar ? 5. Parlez-nous de la vie de Bach à Köthen et de ses œuvres au cours de ces années. 6. De quels instruments Bach jouait-il et quel était son instrument préféré ? 7. Pourquoi Bach a-t-il décidé de s'installer à Leipzig et quelles difficultés y a-t-il rencontré ? 8. Parlez-nous des activités de Bach le compositeur et de Bach l'interprète à Leipzig. Nommez les œuvres qu’il y a créées. Toccata (en italien « toccata » - « toucher », « souffler » du verbe « toccare » « toucher », « toucher ») est une pièce virtuose pour instruments à clavier. 13 13 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Ensuite, de puissants passages virtuoses « tourbillonnants » et de larges « éclaboussures » d'accords se font entendre. Ils sont séparés plusieurs fois par des pauses et des arrêts sur des accords prolongés. Cette juxtaposition de mouvements rapides et lents n'est pas sans rappeler les répits prudents entre les combats avec les éléments violents. Et après la toccata librement construite de manière improvisée, une fugue retentit. Elle se concentre sur le développement imitatif d'un thème, dans lequel le principe volitionnel semble freiner les forces élémentaires : 2 Allegro moderato Après s'être largement développée, la fugue se développe en une coda - la section finale et finale. Ici, l’élément improvisé de la toccata éclate à nouveau. Mais elle est finalement apaisée par d'intenses remarques impératives. Et les dernières mesures de l'ensemble de l'œuvre sont perçues comme une victoire sévère et majestueuse de la volonté humaine inflexible. Un groupe spécial d'œuvres pour orgue de Bach est constitué de préludes de choral. Parmi eux, un certain nombre de pièces relativement petites à caractère lyrique se distinguent par une profonde expressivité. Le son de la mélodie du choral y est enrichi par des voix d'accompagnement librement développées. C'est ainsi qu'est présenté, par exemple, l'un des chefs-d'œuvre de Bach : le prélude de choral en fa mineur. Musique pour clavier de l'invention Bach a compilé plusieurs recueils de pièces simples parmi celles qu'il a composées alors qu'il enseignait à son fils aîné Wilhelm Friedemann. Dans l’un de ces recueils, il plaça quinze pièces polyphoniques à deux voix dans quinze tonalités et les appela « inventions ». Traduit du latin, le mot « invention » signifie « invention », « invention ». Les inventions à deux voix de Bach, qui peuvent être interprétées par des musiciens débutants, sont vraiment remarquables par leur inventivité polyphonique et en même temps par leur expressivité artistique. Ainsi, la première invention à deux voix en do majeur naît d'un thème court, doux et tranquille, d'une nature calme et judicieuse. La voix supérieure le chante et l'imite immédiatement _ le répète dans une autre octave - la voix inférieure : 14 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Et aux sons de la huitième invention à deux voix en fa majeur, on peut imaginer un jeu-compétition joyeux et fervent : il semble qu'ils sautent et que des balles élastiques roulent. Lors de la répétition (imitation), la voix supérieure poursuit le mouvement mélodique. Cela crée une contreposition au thème qui résonne dans la basse. De plus, cette contreposition - avec le même motif mélodique - retentit parfois lorsque le thème réapparaît dans une voix ou une autre (mesures 2-3, 7-8, 8-9). Dans de tels cas, la contre-addition est dite retenue (contrairement aux contre-additions non retenues, qui sont composées à nouveau à chaque exécution du sujet). Comme dans d'autres œuvres polyphoniques, dans cette invention, il y a des sections où le thème n'est pas entendu dans sa forme complète, mais seules certaines de ses tours sont utilisées. Ces sections sont placées entre les sujets et sont appelées intermèdes. L'intégrité globale de l'invention en do majeur est assurée par un développement basé sur un thème typique de la musique polyphonique. Au milieu de la pièce, on s'écarte de la tonalité principale et vers la fin elle revient. En écoutant cette introduction, on peut imaginer que deux élèves répètent assidûment la leçon, essayant de mieux se la raconter, avec plus d'expression. Dans cette pièce, dont la structure est similaire à celle de l'invention en ut majeur, une technique spéciale joue un rôle important. Après l'introduction initiale du thème à la voix supérieure, la voix inférieure l'imite non seulement, mais aussi sa suite (opposition). Ainsi, pendant un certain temps, une imitation canonique continue ou lycanon apparaît. Parallèlement aux inventions à deux voix, Bach composa quinze pièces polyphoniques à trois voix dans les mêmes tonalités. Il les a nommés ! « symphonies » (traduit du grec par « consonances »). Car autrefois, c’était souvent le nom donné aux œuvres instrumentales polyphoniques. Mais plus tard, il est devenu habituel d'appeler ces pièces des inventions en trois parties. Ils utilisent des techniques de développement polyphonique plus complexes. La plupart exemple brillant - invention en trois parties en fa mineur (neuvième). Il commence par présenter simultanément deux sujets contrastés. La base de l'un d'eux, résonnant dans la voix de basse, est une descente mesurée et intense à travers des demi-tons chromatiques. Des mouvements similaires sont courants dans les airs tragiques des opéras anciens. C’est comme la voix sombre du mauvais destin, le destin. Le deuxième thème au milieu, voix d'alto, est imprégné de motifs-soupirs lugubres : Par la suite, ces deux thèmes sont étroitement liés au troisième thème avec des exclamations suppliantes encore plus sincères. Jusqu'à la toute fin de la pièce, la voix du mauvais sort reste inexorable. Mais les voix de la tristesse humaine ne cessent pas. Ils contiennent une étincelle inextinguible d’espoir humain. Et pendant un instant, il semble s'enflammer dans l'accord final en fa majeur. La « symphonie » de Bach en si mineur Clavecin dans la maison de Bach à Eisenach 15 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie (invention en trois parties n° 15) se distingue également par son âme lyrique. Dans la préface du manuscrit de ses inventions et de ses « symphonies », Bach indiquait qu’elles devraient contribuer au développement d’une « manière de jouer chantée ». C'était difficile à réaliser au clavecin. Bach a donc préféré utiliser un autre instrument à clavier à cordes à la maison, y compris dans les cours avec les étudiants, le clavicorde. Son son faible ne convient pas aux concerts. Mais, comme déjà mentionné, contrairement au clavecin, les cordes du clavicorde ne sont pas pincées, mais sont doucement serrées avec des plaques métalliques. Cela contribue à la mélodie du son et permet des nuances dynamiques. Ainsi, Bach, pour ainsi dire, prévoyait les possibilités d'une interprétation vocale mélodieuse et cohérente au piano - un instrument dont la conception était encore imparfaite à son époque. Et ce souhait du grand musicien devrait être rappelé à tous les pianistes modernes. Le courant est une danse à trois temps d'origine française. Mais une certaine sophistication rythmique et un certain maniérisme étaient typiques des carillons de clavecin français. Le Courant de la Suite en do mineur de Bach s'apparente à la variété italienne de ce genre de danse, plus vif et plus mobile. Ceci est facilité par la combinaison flexible de deux voix qui semblent s’encourager mutuellement : « Suite française » en do mineur Trois recueils de suites pour clavier de Bach portent des noms différents. Il appelle lui-même les six suites incluses dans le troisième recueil « partitas » (le nom de la suite « partita » ne se retrouve pas que dans ses œuvres14). Et deux autres recueils – six pièces chacun – ont commencé à être appelés « Suites françaises » et « Suites anglaises » après la mort de Bach pour des raisons qui ne sont pas tout à fait claires. La deuxième des « Suites françaises » a été écrite dans la tonalité de do mineur. Selon la tradition établie dans les suites anciennes, il contient quatre parties principales - Allemande, Courante, Sarabande et Gigue, ainsi que deux autres parties intermèdes - Aria et Menuet, insérées entre Sarabande et Gigue. L'Allemande est une danse formée en XVIe-XVIIe siècles dans plusieurs pays européens - Angleterre, Pays-Bas, Allemagne, France et Italie. Par exemple, la vieille allemande allemande était une danse de groupe légèrement lourde. Mais, entrée dans les suites pour clavier, l'allemande perdit presque ses caractéristiques de danse au XVIIIe siècle. De ses « ancêtres », elle n'a conservé qu'une démarche tranquille et calme avec une taille quatre ou deux quarts. Finalement, cela s'est transformé en des préliminaires peu structurés. L'Allemande de la suite en do mineur de Bach est également similaire au prélude lyrique réfléchi. Trois voix mènent ici le plus souvent leur réplique. Mais parfois une quatrième voix se joint à eux. En même temps, la voix la plus mélodique est la plus haute : la Sarabande est une danse espagnole à trois temps. C'était autrefois rapide et capricieux, mais plus tard, il est devenu lent, solennel, souvent proche d'un cortège funèbre. La sarabande de la suite de Bach est mise en scène du début à la fin dans une structure en trois parties. Le mouvement des voix moyennes et graves est toujours strict et concentré (les quartes et les croches prédominent). Et le mouvement de la voix supérieure est beaucoup plus libre et mobile, très expressif. Les doubles croches prédominent ici ; on trouve souvent des mouvements sur de larges intervalles (quinte, sixième, septième). Cela crée deux couches contrastées de présentation musicale, créant un son lyriquement intense15 : « Divisé en parties » - le mot « partita » est traduit de l'italien (du verbe « partire » - « diviser »). Dans une sarabande, la voix supérieure principale ne contraste pas tant avec les autres qu'elle les complète. 14 15 16 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art de Russie Prélude et Fugue en do mineur du premier volume du « Clavier bien tempéré » Prélude et Fugue en do majeur, Prélude et Fugue en do mineur, Prélude et Fugue en do dièse majeur, Prélude et Fugue en do dièse mineur - et ainsi de suite sur les douze demi-tons inclus dans l'octave. Le résultat est un total de 24 cycles en deux parties de « prélude et fugue » dans toutes les tonalités majeures et mineures. C'est ainsi que sont structurés les deux volumes (au total - 48 préludes et fugues) du Clavier bien tempéré de Bach. Cette œuvre grandiose est reconnue comme l’une des plus grandes de l’art musical mondial. Les préludes et fugues de ces deux volumes font partie du répertoire pédagogique et de concert de tous les pianistes professionnels. À l'époque de Bach, le tempérament égal s'est progressivement établi dans l'accordage des instruments à clavier - la division de l'octave en douze demi-tons égaux. Auparavant, le système de configuration était plus complexe. Avec lui, dans des tonalités de plus de trois ou quatre signes, certains intervalles et accords sonnaient faux. Les compositeurs évitaient donc d’utiliser de telles tonalités. Bach fut le premier à prouver brillamment dans Le Clavier bien tempéré qu'à tempérament égal, les 24 touches peuvent être utilisées avec le même succès. Cela a ouvert de nouveaux horizons aux compositeurs, augmentant par exemple la capacité d'effectuer des modulations (transitions) d'une tonalité à une autre. Dans Le Clavier bien tempéré, Bach a établi le type de cycle en deux parties « prélude et fugue ». Le prélude est construit librement. Dans ce document, un rôle important peut appartenir à la nature homophonique-harmonique et à l'improvisation. Cela crée un contraste avec la fugue en tant qu'œuvre strictement polyphonique. Dans le même temps, les parties du cycle « Prélude et Fugue » ne sont pas seulement unies par une tonalité commune. Entre eux, dans chaque cas, de subtiles connexions internes se manifestent à leur manière. Ces traits typiques généraux se retrouvent dans le Prélude et Fugue en do mineur du premier volume du Clavier bien tempéré. Le prélude se compose de deux sections principales. Le premier, plus spacieux, est entièrement rempli de mouvements rapides et uniformes de doubles croches dans les deux mains. Il est intérieurement saturé d’éléments mélodiques et harmoniques expressifs. Il semble que, contraint par les berges, un ruisseau agité bouillonne : la Gigue est une danse rapide et ludique originaire d'Irlande et d'Angleterre16. Autrefois, les marins anglais aimaient danser la gigue. Dans les suites, la gigue est généralement le dernier mouvement final. Dans son Giguet en do mineur, Bach utilise souvent la technique de l'imitation canonique entre deux voix (comme dans l'Invention en fa majeur). La présentation de cette pièce est profondément imprégnée d'un rythme pointé « rebondissant » : comparé au contraste entre Allemande et Courant, celui entre Sarabande et Gigue est plus net. Mais il est adouci par deux pièces supplémentaires insérées entre elles. La pièce, intitulée « Aria », ressemble moins à un numéro vocal solo dans un opéra qu’à une chanson calme et simple. Le menuet suivant est une danse française qui allie mobilité et grâce. Ainsi, dans cette suite, d'une seule tonalité générale, toutes les parties sont comparées de différentes manières au sens figuré. Les tailles du gabarit sont principalement de trois longueurs. Au XVIIIe siècle, il s'agissait principalement de 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art russe à voix moyenne, un thème clair, proéminent et bien mémorisé avec un rythme de danse élastique : 11 Moderato La persévérance énergique se combine dans le thème avec grâce, une malice sournoise jette un coup d’œil à travers le sang-froid volontaire. Cela offre des opportunités pour un développement plus diversifié et dynamique. Au début du développement, le thème semble léger - la seule fois où il est exécuté est dans une tonalité majeure (mi bémol majeur). Dans la reprise, des trois présentations principales du thème en tonalité principale (ut mineur), la seconde, à la basse, acquiert une ampleur si puissante qu'elle nous rappelle la rage des forces naturelles du prélude. Et une dernière mise en œuvre finale du thème de la fugue se termine par un accord majeur éclairé. Cette similitude entre les fins du prélude et de la fugue révèle la parenté émotionnelle interne des parties contrastées du cycle. Ayant accumulé une énergie puissante, ce flux à la fin du premier tronçon semble déborder et au début du tronçon suivant devient encore plus rapide, menaçant de tout emporter sur son passage. Ce point culminant du prélude est marqué par un changement de tempo au plus rapide (Presto) et l'utilisation d'une technique polyphonique - un canon à deux voix. Mais les éléments déchaînés sont brusquement stoppés par les frappes impératives des accords et les phrases significatives du récitatif. Ici se produit le deuxième changement de tempo - au plus lent (Adagio). Et après le troisième changement de tempo vers un A11ego moyennement rapide dans les dernières mesures du prélude, la pointe d'orgue tonique de la basse ralentit progressivement le mouvement des doubles croches de la main droite. Il s'étale doucement et se fige sur un accord de do majeur. Le calme et la paix s'installent. Après un achèvement aussi libre et improvisé du prélude, l’attention se porte sur un plan différent et contrasté. Une fugue en trois parties commence. Ce mot en latin et en italien signifie « courir », « échapper », « flux rapide ». En musique, une fugue est une œuvre polyphonique complexe où les voix semblent se faire écho, se rattraper. La plupart des fugues sont basées sur un seul thème. Les fugues à deux thèmes sont moins courantes, et encore moins à trois et quatre thèmes. Et selon le nombre de voix, les fugues sont à deux, trois, quatre et cinq voix. Les fugues à thème unique commencent par la présentation d'un thème dans la tonalité principale d'une seule voix. Le thème est ensuite imité à son tour par d'autres voix. C'est ainsi que se forme la première section de la fugue - l'exposition. Dans la deuxième section - développement - le thème apparaît uniquement dans d'autres tonalités. Et dans le troisième, dernière section - reprise9 - elle est à nouveau réalisée dans la tonalité principale, mais n'est plus présentée de manière monophonique. L'exposition ici n'est certainement pas répétée. Les fugues font largement appel à des contrepositions soutenues et à des intermèdes. La fugue en do mineur de Bach en question commence, apparaissant dans la Fugue - la forme la plus élevée de musique polyphonique - qui a atteint sa pleine maturité et son épanouissement le plus brillant dans l'œuvre de Bach. Le célèbre compositeur et pianiste russe du XIXe siècle Anton Grigorievich Rubinstein, dans son livre « La musique et ses représentants », écrit, admiratif du « Clavier bien tempéré », qu'on y trouve « des fugues de l'atmosphère religieuse, héroïque, mélancolique ». , personnage majestueux, plaintif, humoristique, pastoral, dramatique ; ils se ressemblent tous en une seule chose : la beauté... » Le grand compositeur allemand Georg Friedrich Handel (1685-1759), du même âge que Johann Sebastian Bach, était un merveilleux maître de la polyphonie et un organiste virtuose. Son destin s’est avéré différent. Il a passé la majeure partie de sa vie hors d’Allemagne, se déplaçant d’un pays à l’autre (il a vécu plusieurs décennies en Angleterre). 18 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie Haendel est l'auteur de nombreux opéras, oratorios et diverses œuvres instrumentales. À propos de la formation du style classique en musique Questions et tâches 1. Quel est le point commun entre les œuvres spirituelles et profanes de Bach ? 2. Parlez-nous du caractère figuratif de la Toccata et Fugue en ré mineur pour orgue. 3. Chantez les thèmes des inventions de Bach que vous connaissez. Qu'est-ce qu'une contre-addition lorsqu'elle est appelée retenue ? 4. Qu'est-ce qu'un intermède dans une œuvre polyphonique ? Quelle imitation est dite canonique ou canon ? 5. Nommer et caractériser les principales parties de la « Suite française » en ut mineur. 6. Comment est construit le Clavier bien tempéré de Bach ? 7. Quelle est la principale différence entre un prélude et une fugue ? Illustrons cela avec l’exemple du Prélude et Fugue en do mineur du premier volume du Clavier bien tempéré. Y a-t-il des similitudes entre eux ? Le théâtre musical du XVIIIe siècle, en particulier au milieu et dans la seconde moitié, a été une époque de grands changements dans tous les domaines de l'art musical européen. Avec l'avènement de ce siècle, deux genres ont progressivement émergé dans l'opéra italien : l'opéra seria (sérieux) et l'opéra buffa (comique). L'opera seria a continué à être dominée par des intrigues mythologiques et historiques, mettant en vedette les héros dits « de haut niveau » - des divinités mythologiques, des rois d'États anciens et des généraux légendaires. Et dans les opéras bouffe, les intrigues sont devenues principalement modernes et quotidiennes. Les héros ici étaient des gens ordinaires qui agissaient avec énergie et réalisme. Le premier exemple frappant d'opéra bouffe fut La Pucelle et Madame de Giovanni Battista Pergolesi, qui parut devant le public en 1733 à Naples. L'héroïne, la servante entreprenante Serpina, épouse intelligemment son maître grincheux Uberto et devient elle-même maîtresse. Comme beaucoup d'opéras bouffe italiens, « La Servante-Maîtresse » était à l'origine joué comme un intermède scénique pendant les intervalles entre les actes de l'opéra seria de Pergolesi « Le fier captif » (rappelez-vous que le mot « intermède » est d'origine latine et signifie « interaction »). Bientôt, « La servante-maîtresse » acquit une grande popularité dans de nombreux pays en tant qu'œuvre indépendante. En France, l'opéra-comique est né dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Il est né des spectacles comiques et musicaux drôles et spirituels donnés dans les théâtres des foires parisiennes. Et l'exemple de l'opéra bouffe italien a aidé les comédies françaises à se transformer en un opéra-comique, où la principale caractéristique des personnages était des numéros vocaux. Les représentations à Paris de la troupe d’opéra italienne « Buffon » ont joué un rôle important à cet égard, alors que la capitale française était littéralement enchantée par « La Pucelle et la Maîtresse » de Pergolèse. Contrairement aux opéras bouffes italiens, dans les opéras-comiques français, les airs n'alternent pas avec des récitatifs, mais avec des dialogues parlés. Le Singspiel est également construit - un type d'opéra-comique allemand et autrichien, qui est apparu dans la seconde œuvre principale Œuvres vocales et instrumentales « Passion selon saint Jean », « Passion selon Matthieu » Messe en si mineur Cantates sacrées (environ 200 conservées) et Cantates profanes (conservées plus de 20) Œuvres orchestrales 4 suites (« ouvertures ») 6 « Concertos brandebourgeois » Concertos pour instruments solistes avec orchestre de chambre 7 concertos pour clavecin 3 concertos pour deux, 2 pour trois clavecins 2 concertos pour violon Concerto pour deux violons Œuvres pour archet instruments 3 sonates et 3 partitas pour violon seul 6 sonates pour violon et clavecin 6 suites (« sonates ») pour violoncelle seul Œuvres pour orgue 70 préludes de choral Préludes et fugues Toccata et fugue en ré mineur Passacaille en do mineur Œuvres pour clavier Collection « Petits Préludes et Fugues » 15 inventions à deux voix et 15 inventions à trois voix (« symphonies ») 48 préludes et fugues « Le Clavier bien tempéré » 6 suites « françaises » et 6 « anglaises » 6 suites (partitas) « Concerto italien » pour solo clavecin « Fantaisie chromatique et fugue » Fugues « artistiques » 19 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie dans la moitié du XVIIIe siècle17. Le langage musical de toutes les variétés d'opéra-comique se caractérise par un lien étroit avec les mélodies de chants et de danses folkloriques. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, de graves genres d'opéra radicalement réformé par le grand compositeur allemand Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Il écrivit son premier opéra réformateur, « Orphée et Eurydice » (1762), basé sur une intrigue sur le légendaire chanteur grec ancien, qui avait déjà été utilisée à plusieurs reprises dans les opéras dès les premiers (ceci a été discuté dans l'introduction). Le cheminement de Gluck vers la réforme de l'opéra n'a pas été facile. Il a eu l'occasion de visiter de nombreux pays européens - l'Allemagne, l'Autriche, le Danemark, ainsi que la République tchèque habitée par les Slaves, ainsi que l'Italie - l'Angleterre. Avant de s'installer solidement à Vienne, Gluck a mis en scène 17 de ses opéras seria sur les scènes des théâtres de Milan, Venise, Naples, Londres, Copenhague, Prague et d'autres villes. Des opéras de ce genre ont été joués dans les théâtres de cour de nombreux pays européens. L'exception était la France. Là, au milieu du XVIIIe siècle, ils continuèrent à composer et à mettre en scène des opéras sérieux uniquement dans le style français traditionnel. Mais Gluck a étudié attentivement les partitions d'opéra des célèbres compositeurs français Jean-Baptiste Lully et Jean-Philippe Rameau. En outre, Gluck a écrit et mis en scène avec succès huit œuvres à Vienne dans le nouveau genre de l'opéra-comique français. Il connaissait sans doute bien les opéras bouffe italiens et les Singspiel allemands et autrichiens. Toutes ces connaissances ont permis à Gluck d'actualiser de manière décisive les principes de composition déjà dépassés des opéras sérieux. Dans ses opéras réformateurs, mis en scène d'abord à Vienne puis à Paris, Gluck commença à transmettre les expériences émotionnelles des personnages avec beaucoup plus de véracité, de tension dramatique et d'efficacité. Il abandonne l'accumulation de passages virtuoses dans les airs et augmente l'expressivité des récitatifs. Ses opéras sont devenus plus ciblés dans le développement musical et scénique, plus harmonieux dans la composition. Ainsi, dans le langage musical et dans la construction de nouveaux opéras comiques et sérieux réformés, d'importantes caractéristiques distinctives du nouveau style classique sont apparues - l'efficacité active du développement, la simplicité et la clarté des moyens d'expression, l'harmonie de la composition, la noblesse générale et caractère sublime de la musique. Ce style s'est progressivement formé dans la musique européenne tout au long du XVIIIe siècle, a mûri vers 1770-1780 et a dominé jusqu'au milieu de la deuxième décennie du XIXe siècle. Il faut tenir compte du fait que la définition de « classique » peut avoir une autre définition, plus sens large. Les « classiques » (ou « classiques ») sont également appelées œuvres musicales et autres œuvres artistiques reconnues comme exemplaires, parfaites, inégalées - quelle que soit l'époque de leur création. En ce sens, les messes du compositeur italien Palestrina du XVIe siècle, les opéras de Prokofiev et les symphonies de Chostakovitch - compositeurs russes du XXe siècle - peuvent être qualifiés de classiques ou de classiques. Musique instrumentale Sur la même base internationale que la réforme de l'opéra de Gluck, le XVIIIe siècle a vu un développement intensif de la musique instrumentale. Il a été réalisé grâce aux efforts concertés de compositeurs de nombreux pays européens. S'appuyant sur le chant et la danse, développant la clarté classique et le dynamisme du langage musical, ils ont progressivement formé de nouveaux genres d'œuvres instrumentales cycliques - comme la symphonie classique, la sonate classique, le quatuor à cordes classique. La forme sonate y acquiert une grande importance. Par conséquent, les cycles instrumentaux sont appelés sonate ou sonate-symphonique. Forme sonate. Vous savez déjà que la forme la plus élevée de musique polyphonique est la fugue. Et la forme sonate est la forme la plus élevée de musique homophonique-harmonique, où les techniques polyphoniques ne peuvent être utilisées que parfois. Dans leur construction, ces deux formes se ressemblent. Comme dans la fugue, la forme sonate comporte trois sections principales : exposition, développement et reprise. Mais il existe également des différences significatives entre eux. La principale différence entre la forme sonate et la fugue apparaît immédiatement dans l'exposition 18. La grande majorité des fugues sont entièrement construites sur un thème qui, dans l'exposition, est réalisé alternativement dans chacun d'eux. mot allemand vient de "singen" ("chanter") et "Spiel" ("jouer"). 18 Le mot est d'origine latine et signifie « présentation », « montrer ». 20 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie voix. Et dans l'exposition de la forme sonate, en règle générale, deux thèmes principaux apparaissent, de nature plus ou moins différente. Le thème de la partie principale sonne en premier, puis le thème de la partie secondaire apparaît. En aucun cas, la définition de « côté » ne doit être comprise comme « mineure ». Car en effet, le thème de la partie secondaire ne joue pas un rôle moins important dans la forme sonate que le thème de la partie principale. Le mot «secondaire» est utilisé ici car, contrairement au premier, dans l'exposition, il ne sonne nécessairement pas dans la tonalité principale, mais dans une tonalité différente, c'est-à-dire comme dans une tonalité secondaire. Dans la musique de style classique, si la partie principale de l'exposition est majeure, alors la partie secondaire est énoncée dans la tonalité de la dominante (par exemple, si la tonalité de la partie principale est do majeur, alors la tonalité de la partie secondaire est sol majeur). Si la partie principale de l'exposition est mineure, alors la partie secondaire est présentée en majeur parallèle (par exemple, si la tonalité de la partie principale est en do mineur, alors la tonalité de la partie secondaire est en mi bémol majeur). Un petit paquet ou un lot contraignant est placé entre les lots principaux et secondaires. Un thème indépendant et mélodiquement important peut apparaître ici, mais les intonations du thème de la partie principale sont plus souvent utilisées. La partie de connexion agit comme une transition vers la partie latérale ; elle module dans la tonalité de la partie latérale. Ainsi, la stabilité tonale est violée. L’oreille commence à s’attendre à l’apparition d’un nouvel « événement musical ». Cela s'avère être l'apparition du thème du jeu parallèle. Parfois, l'exposé peut être précédé d'une introduction. Et après la partie latérale, il y a soit une courte conclusion, soit toute une partie finale, souvent avec un thème indépendant. C'est ainsi que se termine l'exposition, donnant le ton de la partie latérale. Sous la direction du compositeur, l'intégralité de l'exposition peut être répétée. Le développement est la deuxième section de la forme sonate. Des thèmes familiers de l'exposition y apparaissent dans de nouvelles versions, alternés et comparés de différentes manières. Une telle interaction n’implique souvent pas des thèmes entiers, mais plutôt des motifs et des phrases isolés d’eux. C'est-à-dire que les thèmes en développement semblent être divisés en éléments distincts, révélant l'énergie qu'ils contiennent. Dans ce cas, il y a un changement fréquent de clés (la clé principale est ici rarement affectée et pas pour longtemps). Apparaissant dans des tonalités différentes, les thèmes et leurs éléments semblent être éclairés d'une manière nouvelle, montrés sous de nouveaux points de vue. Une fois que le développement atteint une tension importante au point culminant, son cours change de direction. A la fin de cette section, un retour à la tonalité principale est préparé et un tour vers la reprise se produit. Reprise est la troisième section de la forme sonate. Cela commence par le retour de la partie principale dans la clé principale. La pièce de connexion ne mène pas à une nouvelle clé. Au contraire, il fixe la tonalité principale, dans laquelle les parties secondaire et finale sont désormais répétées. Ainsi, la reprise, par sa stabilité tonale, équilibre le caractère instable du développement et donne à l'ensemble une harmonie classique. La reprise peut parfois être complétée par une structure finale - une coda (dérivé du mot latin signifiant « queue »). Ainsi, lorsqu'une fugue retentit, notre attention se concentre sur l'écoute, la réflexion et le ressenti d'une pensée musicale, incarnée par un thème. Lorsqu'une œuvre sonne sous forme de sonate, notre audition suit la comparaison et l'interaction de deux thèmes principaux (et complémentaires) - comme s'il s'agissait du développement de divers événements musicaux, d'une action musicale. C'est la principale différence entre les possibilités artistiques de ces deux formes musicales. Cycle de sonate classique (sonate-symphonique). Vers le dernier tiers du XVIIIe siècle, le cycle de sonates classiques prend enfin forme en musique. Auparavant, les œuvres instrumentales étaient dominées par la forme d'une suite, où alternaient des mouvements lents et rapides, et par la forme étroitement liée d'une sonate ancienne. Or, dans le cycle de sonate classique, le nombre de parties a été déterminé avec précision (généralement trois ou quatre), mais leur contenu est devenu plus complexe. La première partie est généralement écrite sous forme de sonate, ce qui a été évoqué dans le paragraphe précédent. Il marche à un rythme rapide ou moyennement rapide. Il s'agit le plus souvent d'A11e§go. Par conséquent, un tel mouvement est généralement appelé sonate allegro. La musique qui y est présente a souvent un caractère énergique, efficace, souvent tendu et dramatique. La deuxième partie contraste toujours avec la première par le tempo et le caractère général. C'est souvent lent, le plus lyrique et le plus mélodieux. Mais cela peut aussi être différent, par exemple, semblable à un récit tranquille ou à une danse gracieuse. Dans un cycle en trois parties, la dernière, troisième partie, la finale est à nouveau rapide, généralement plus rapide, mais moins intense intérieurement dans son développement. comparaison avec le premier. Les finales des cycles de sonates classiques (en particulier les symphonies) dépeignent souvent des images de divertissements festifs bondés, et leurs thèmes sont proches des chants et des danses folkloriques. Dans ce cas, la forme rondo est souvent utilisée (du français « rond » - « cercle »). Comme vous le savez, la première section ici (refrain) est répétée plusieurs fois, en alternance avec de nouvelles sections (épisodes). 21 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie votre premier opéra ? 3. À quelle époque le style classique a-t-il dominé la musique et jusqu'à quelle époque a-t-il mûri ? Expliquez la différence entre les deux sens de « classique ». 4. Quelles sont les similitudes dans la construction générale entre la forme fugue et la forme sonate ? Quelle est la principale différence entre eux ? 5. Nommez les sections principales et supplémentaires de la forme sonate. Dessinez son schéma. 6. Comment les parties principales et secondaires de la forme sonate se rapportent-elles les unes aux autres dans son exposition et dans sa reprise ? 7. Quelle est la caractéristique du développement sous forme sonate ? 8. Décrivez les parties du cycle de sonate classique. 9. Nommez les principaux types de cycles de sonates classiques en fonction de la composition des interprètes. Tout cela distingue de nombreuses finales de cycles en quatre parties. Mais en eux, entre les parties extérieures (première et quatrième), deux parties médianes sont placées. L'un - lent - est généralement le deuxième d'une symphonie et le troisième d'un quatuor. Le troisième mouvement des symphonies classiques du XVIIIe siècle est le Menuet, qui occupe la deuxième place du quatuor. Ainsi, nous avons évoqué les mots « sonate », « quatuor », « symphonie ». La différence entre ces cycles dépend de la composition des interprètes. Une place particulière appartient à la symphonie - une œuvre pour orchestre, destinée à être jouée dans une grande salle devant de nombreux auditeurs. En ce sens, la symphonie est proche du concerto - une composition en trois parties pour instrument soliste avec accompagnement d'orchestre. Les cycles instrumentaux de chambre les plus courants sont la sonate (pour un ou deux instruments), le trio (pour trois instruments), le quatuor (pour quatre instruments), le quintette (pour cinq instruments)19. La forme sonate et le cycle sonate-symphonique, comme l'ensemble du style musical classique, ont été formés au XVIIIe siècle, appelé le « Siècle des Lumières » (ou le « Siècle des Lumières »), ainsi que le « Siècle des Lumières ». de la Raison ». Au cours de ce siècle, et en particulier dans sa seconde moitié, des représentants de ce qu’on appelle le « tiers état » ont émergé dans de nombreux pays européens. C'étaient des gens qui n'avaient ni titres nobles ni titres spirituels. Ils doivent leur succès à leur propre travail et à leur initiative. Ils ont proclamé l'idéal d'un « homme naturel », que la nature elle-même a doté d'une énergie créatrice, d'un esprit brillant et de sentiments profonds. Cet idéal démocratique optimiste se reflétait à sa manière dans la musique, d’autres formes d’art et de littérature. Par exemple, la victoire de l’esprit humain et des mains infatigables au début du siècle des Lumières a été glorifiée par le célèbre roman de l’écrivain anglais Daniel Defoe, « La vie et les aventures étonnantes de Robinson Crusoé », publié en 1719. Joseph Haydn 1732-1809 Le style musical classique a atteint sa maturité et son apogée dans les œuvres de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven. La vie et l'œuvre de chacun d'eux ont duré longtemps dans la capitale de l'Autriche, Vienne. C'est pourquoi Haydn, Mozart et Beethoven sont appelés des classiques viennois. L'Autriche était un empire multinational. Aux côtés des Autrichiens, dont la langue maternelle est l'allemand, vivaient des Hongrois et divers peuples slaves, dont des Tchèques, des Serbes et des Croates. Leurs chansons et questions et tâches 1. Nommez les variétés nationales d'opéras-comiques du XVIIIe siècle. En quoi la construction d’un opéra bouffe italien diffère-t-elle de la construction d’un opéra-comique français ? 2. Avec quels pays et quelles villes l'activité du grand réformateur de l'opéra Christoph Willibald Gluck était-elle liée ? Sur quel sujet a-t-il écrit ? Les noms des autres cycles instrumentaux d'ensemble de chambre sont sextet (6), septuor (7), octet (8), nonet (9), décimet (10). La définition de « musique de chambre » vient du mot italien « caméra » – « pièce ». En effet, jusqu’au XIXe siècle, les œuvres pour plusieurs instruments étaient souvent jouées à la maison, c’est-à-dire qu’elles étaient considérées comme de la « musique d’ambiance ». 19 22 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie Les mélodies de danse pouvaient être entendues dans les villages et les villes. À Vienne, la musique folklorique résonnait partout - au centre et à la périphérie, aux carrefours des rues, dans les jardins et parcs publics, dans les restaurants et les tavernes, dans les maisons privées riches et pauvres. Vienne était également un centre majeur de culture musicale professionnelle, centré autour de la cour impériale, des chapelles de la noblesse 1 et des salons aristocratiques, des cathédrales et des églises. L'opéra seria italien est cultivé depuis longtemps dans la capitale autrichienne ; ici, comme déjà mentionné, Gluck a commencé sa réforme de l'opéra. La musique accompagnait abondamment les festivités de la cour. Mais les Viennois assistaient aussi volontiers aux spectacles de farces joyeuses avec de la musique, dont sont nés les Singspiel, et ils aimaient danser. Des trois grands classiques de la musique viennoise, Haydn est le plus ancien. Il avait 24 ans à la naissance de Mozart et 38 ans à la naissance de Beethoven. Haydn a vécu une longue vie. Il a survécu à Mozart, décédé prématurément, de près de deux décennies et était encore en vie lorsque Beethoven avait déjà créé la plupart de ses œuvres de maturité. Pour le théâtre princier privé, il a écrit plus de deux douzaines d'opéras dans les genres seria, buffa, ainsi que plusieurs opéras « de marionnettes » pour des représentations interprétées par des marionnettes. Mais le domaine de ses principaux intérêts créatifs et réalisations est la musique instrumentale symphonique et de chambre. Au total, cela représente plus de 800 essais3. Parmi eux, plus de 100 symphonies, plus de 80 quatuors à cordes et plus de 60 sonates pour clavier sont particulièrement significatifs. Dans leurs exemples matures, l'attitude optimiste du grand compositeur autrichien s'est révélée avec la plus grande complétude, luminosité et originalité. Parfois seulement, cette vision du monde lumineuse est assombrie par une humeur plus sombre. Ils sont toujours submergés par l'amour inépuisable de Haydn pour la vie, sa vive observation, son humour joyeux, sa perception simple, saine et en même temps poétique de la réalité environnante. Parcours de vie Petite enfance. Rohrau et Hainbourg. Franz Joseph Haydn est né en 1732 dans le village de Rohrau, situé à l'est de l'Autriche, près de la frontière hongroise et non loin de Vienne. Le père de Haydn était un carrossier qualifié, sa mère était cuisinière dans la propriété du comte, propriétaire de Rohrau. Ses parents ont commencé très tôt à apprendre à leur fils aîné Joseph, que la famille appelait affectueusement Zepperlem, à être travailleur, soigné et propre. Le père de Haydn ne connaissait pas du tout la musique, mais il aimait chanter, s'accompagnant de la harpe, surtout lorsqu'il jouait de la sienne. les invités se rassemblaient dans une petite maison. Zepperl chantait d'une voix claire et argentée, révélant une oreille musicale remarquable. Et alors que le garçon n'avait que cinq ans, il fut envoyé dans la ville voisine de Hainburg pour vivre chez un parent éloigné qui dirigeait une école paroissiale et une chorale. À Hainburg, Sepperl a appris à lire, écrire, compter, chanter dans la chorale et a également commencé à maîtriser les compétences du clavicorde et du violon. Mais la vie n’était pas facile pour lui dans la famille de quelqu’un d’autre. De nombreuses années plus tard, il se souvient avoir reçu « plus de coups que de nourriture ». Dès son arrivée à Hainburg, Sepperl reçut l'ordre d'apprendre à battre les timbales afin de participer à la même procession religieuse en musique. Le garçon prit un tamis, passa un morceau de tissu dessus et commença à faire de l'exercice avec diligence. Il a accompli sa tâche avec succès. Ce n'est que lors de l'organisation de la procession que j'ai dû accrocher l'instrument au dos d'un homme de très petite taille. Et il était bossu, ce qui a fait rire le public. Dans la chapelle de la cathédrale Saint-Étienne de Vienne. De passage à Hainburg, le chef d'orchestre de la cathédrale de Vienne et compositeur de la cour Georg Reuther a souligné ses capacités musicales exceptionnelles. Haydn était un homme sincèrement religieux. Il est l'auteur de nombreuses messes et autres œuvres vocales et instrumentales basées sur des textes spirituels. 23 www.classon.ru Éducation des enfants dans le domaine de l'art russe Zepperl. Ainsi, en 1740, Haydn, huit ans, se retrouva dans la capitale de l'Autriche, où il fut accepté comme chanteur dans la chapelle de la cathédrale (principale) de la cathédrale Saint-Étienne. le faire moi-même. Début difficile vers une vie indépendante. Lorsque, à l'âge de dix-huit ans, la voix du jeune homme commença à se briser - elle devint temporairement rauque et perdit sa souplesse, il fut brutalement et impitoyablement expulsé de la chapelle. Se retrouvant sans abri et sans fonds, il aurait pu mourir de faim et de froid s'il n'avait pas été hébergé pendant un certain temps par un chanteur qu'il connaissait, qui vivait avec sa femme et son enfant dans une petite pièce sous les toits. Haydn a commencé à entreprendre n'importe quel travail musical qui lui était proposé : il a transcrit des notes, a donné des leçons de chant et de clavier et a participé en tant que violoniste à des ensembles instrumentaux de rue qui jouaient des sérénades la nuit en l'honneur de l'un des habitants de la ville. Finalement, il a pu louer une petite chambre au sixième et dernier étage d'une maison du centre de Vienne. La pièce était percée de vent, il n'y avait pas de poêle et en hiver l'eau gelait souvent. Haydn a vécu pendant dix ans dans une situation si difficile. Mais il ne se décourage pas et pratique avec enthousiasme son art favori. «Quand j'étais assis devant mon vieux clavier vermoulu», se souvient-il dans sa vieillesse, «je n'enviais le bonheur d'aucun roi». Haydn a été aidé à surmonter les difficultés quotidiennes grâce à son caractère vif et joyeux. Un jour, par exemple, une nuit, il plaça ses collègues musiciens dans des coins isolés d'une des rues de Vienne et, à son signal, chacun commença à jouer ce qu'il voulait. Le résultat fut un « concert de chats » qui fit sensation parmi les habitants des environs. Deux des musiciens ont été placés en garde à vue, mais l'instigateur de la scandaleuse « sérénade » n'a pas été extradé. Après avoir rencontré l'acteur comique populaire Haydn, en collaboration avec lui, a composé le singspiel «Le démon boiteux» et a gagné une petite somme d'argent 20. Et afin de profiter des instructions professionnelles du célèbre compositeur et professeur de chant italien Nicola Antonio Porpora, Haydn accompagnait ses élèves dans des cours de chant et, en outre, lui servait comme valet de pied. Peu à peu, Haydn commença à acquérir une renommée à Vienne en tant que professeur et compositeur. Il a rencontré des gens célèbres ; musiciens et mélomanes. Dans la maison d'un éminent fonctionnaire, il commence à participer à des représentations d'ensembles de chambre et crée ses premiers quatuors à cordes pour des concerts dans son domaine de campagne. Et Haydn écrivit sa première symphonie en 1759, lorsqu'il reçut à sa disposition un petit orchestre, devenant ainsi le chef de la chapelle du comte Morcin. Le Comte ne conservait que des musiciens célibataires. Haydn, qui épousa la fille d'un coiffeur viennois, fut contraint de garder le secret. Mais cela n'a duré que jusqu'en 1760, quand à Vienne, une grande et belle ville avec de magnifiques bâtiments et ensembles architecturaux, une vague de nouvelles impressions vives a submergé le garçon. La musique folk multinationale résonnait partout. Des œuvres solennelles vocales et instrumentales ont été jouées dans la cathédrale et à la cour impériale, où la chapelle se produisait également. Mais les conditions d’existence se sont à nouveau révélées difficiles. Pendant les cours, les répétitions et les représentations, les enfants de la chorale étaient très fatigués. Ils étaient mal nourris ; ils étaient constamment à moitié affamés. Ils étaient sévèrement punis pour leurs farces. Le petit Haydn a continué à étudier assidûment l'art du chant, du clavier et du violon, et il voulait vraiment composer de la musique. Cependant, Reuther n’y prêta pas attention. Trop occupé par ses propres affaires, durant les neuf années de séjour de Haydn à la chapelle, il ne lui donna que deux leçons de composition. Mais Joseph a persisté à atteindre son objectif, avec diligence. Quelques années plus tard, il a écrit un autre singspiel intitulé « The New Lame Demon ». 20 24 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie Les affaires matérielles du comte furent ébranlées et il dissout sa chorale. Le mariage de Haydn échoua. Son élu se distinguait par un caractère difficile et grincheux. Elle n'était pas du tout intéressée par les affaires de composition de son mari - au point qu'elle fabriquait des bigoudis et des doublures pour pâté à partir des manuscrits de ses œuvres. Quelques années plus tard, Haydn commença à vivre séparé de sa femme. Ils n'avaient pas d'enfants. Dans la Chapelle des Princes d'Esterházy. En 1761, un riche Hongrois ; Le prince Pal Antal Esterházy invita Haydn à Eisenstadt en tant que vice-chef de chapelle. À partir de ce moment, Haydn commença son service au sein de la famille Esterhazy, qui dura trois décennies. Cinq ans plus tard, il devient chef d'orchestre - après le décès du musicien âgé qui occupait ce poste. L'héritier de Pal Antal, décédé en 1762, se distinguait par son attachement au luxe et aux divertissements coûteux - son frère Miklos 1, surnommé le Magnifique. Quelques années plus tard, il déménage d'Eisenstadt dans un nouveau palais de campagne de 126 pièces, l'entoure d'un immense parc, construit un opéra de 400 places et un théâtre de marionnettes à proximité et augmente considérablement le nombre de musiciens dans la chapelle. . Travailler là-bas a donné à Haydn un bon soutien financier et, en outre, l'opportunité de composer beaucoup et de se tester immédiatement dans la pratique, en dirigeant l'interprétation orchestrale de ses nouvelles œuvres. À Eszterhaza (le nom de la nouvelle résidence princière), des réceptions bondées étaient souvent organisées, souvent avec la participation d'invités étrangers de haut rang. Grâce à cela, l'œuvre de Haydn se fait progressivement connaître hors d'Autriche. Mais il y avait, comme on dit, un autre revers dans tout cela. En entrant dans le service, Haydn a signé un contrat selon lequel il est devenu une sorte de serviteur musical. Il devait se présenter chaque jour, avant et après le déjeuner, devant le Palais, en perruque poudrée et en bas blancs, pour écouter les ordres du prince. Le contrat obligeait Haydn à écrire de toute urgence « toute musique que Sa Seigneurie souhaite, à ne montrer à personne de nouvelles compositions, et encore moins à permettre à quiconque de les copier, mais à les conserver uniquement pour Sa Seigneurie et à ne rien composer pour qui que ce soit à son insu et gracieuse autorisation. De plus, Haydn devait surveiller l'ordre dans la chapelle et le comportement des musiciens, donner des cours aux chanteurs et être responsable de la sécurité des instruments et des notes. Il n'habitait pas dans le palais, mais dans un village voisin, dans une petite maison. D'Eisenstadt, la cour princière s'installait auparavant à Vienne en hiver. Et depuis Eszterhazy, Haydn ne pouvait se rendre dans la capitale qu'occasionnellement avec le prince ou avec une autorisation spéciale. Au cours des nombreuses années passées à Eisenstadt et Eszterhaza, Haydn est passé du statut de musicien débutant à celui de grand compositeur, dont l'œuvre a atteint une haute perfection artistique et a été reconnue non seulement en Autriche, mais bien au-delà de ses frontières. Ainsi, six « Symphonies de Paris » (n° 82-87) furent écrites par lui sur commande de la capitale de la France, où elles furent jouées avec succès en 1786. Les rencontres de Haydn avec Wolfgang Amadeus Mozart à Vienne remontent aux années 1780. Le rapprochement amical a eu un effet bénéfique sur le travail des deux grands musiciens. Au fil du temps, Haydn a commencé à ressentir de plus en plus intensément sa position de dépendance. Dans ses lettres à des amis d'Esterhazy à Vienne, écrites dans la première moitié de 1790, on trouve les phrases suivantes : « Maintenant - je suis assis dans mon désert - abandonné - comme un pauvre orphelin - presque sans compagnie de gens - triste. Les derniers princes d'Esterhazy possédaient de vastes domaines, avaient de nombreux serviteurs et menaient une vie semblable à celle de la royauté dans leurs palais. Spécial 25 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Pendant des jours, je ne savais pas si j'étais chef d'orchestre ou chef d'orchestre. .. C’est triste d’être toujours esclave… » Un nouveau tournant dans le destin. Voyages en Angleterre. À l'automne 1790, Miklós Esterházy mourut. Il était un mélomane éclairé, jouait des instruments à cordes et ne pouvait s'empêcher d'apprécier à sa manière un « serviteur musical » comme Haydn. Le prince lui a légué une importante pension à vie. L'héritier Miklos Antal, indifférent à la musique, fit dissoudre la chapelle. Mais voulant que le célèbre compositeur continue à figurer sur la liste de ses chefs d'orchestre à la cour, il augmenta même les paiements monétaires à Haydn, qui se libéra ainsi de ses obligations officielles et put se contrôler complètement. Haydn a déménagé à Vienne avec l'intention de composer de la musique et a d'abord refusé les offres de visiter d'autres pays. Mais il accepta ensuite une offre de faire un long voyage en Angleterre et arriva à Londres au début de 1791. Ainsi, à l'approche de son soixantième anniversaire, Haydn vit pour la première fois la mer de ses propres yeux et se retrouva pour la première fois dans un autre pays. Contrairement à l'Autriche, qui était encore d'ordre féodal-aristocratique, l'Angleterre était depuis longtemps un pays bourgeois et la vie sociale, y compris musicale, de Londres était très différente de celle de Vienne. A Londres, une immense ville avec de nombreuses entreprises industrielles et commerciales, les concerts prévalaient non pas pour des personnes sélectionnées invitées dans les palais et les salons de la noblesse, mais organisés dans des salles publiques, où tout le monde venait moyennant un certain prix. Le nom de Haydn en Angleterre était déjà entouré d’une aura de renommée. Des musiciens célèbres et des dignitaires le traitaient non seulement comme un égal, mais aussi avec un respect particulier. Ses nouvelles œuvres, dans lesquelles il joue le rôle de chef d'orchestre, sont accueillies avec enthousiasme et généreusement payées. Haydn dirigeait un grand orchestre de 40 à 50 personnes, soit deux fois la taille de la chapelle Esterhazy. L'Université d'Oxford lui a décerné un doctorat honorifique en musique. Haydn revint à Vienne un an et demi plus tard. En chemin, il visite la ville allemande de Bonn. Il y rencontre pour la première fois le jeune Ludwig van Beethoven, qui s'installe bientôt à Vienne avec l'intention d'étudier avec Haydn. Mais Beethoven n’a pas pris longtemps de leçons auprès de lui. Deux génies musicaux, trop différents par leur âge et leur tempérament, ne trouvent alors pas de véritable entente mutuelle. Cependant, Beethoven a dédié ses trois sonates pour piano (nos 1 à 3) à Haydn lors de leur publication. Le deuxième voyage de Haydn en Angleterre commença en 1794 et dura même un peu plus d'un an et demi. Le succès fut encore une fois triomphal. Parmi les nombreuses œuvres créées ; Au cours de ces voyages et en relation avec eux, les douze « Symphonies de Londres » furent particulièrement significatives. Les dernières années de la vie et de la créativité. Le prochain prince d'Esterházy, Miklós II, était plus intéressé par la musique que son prédécesseur. C'est pourquoi Haydn commença à voyager occasionnellement de Vienne à Eisenstadt et écrivit plusieurs messes commandées par le prince. Les principales œuvres du compositeur de ces dernières années - deux oratorios monumentaux « La Création du monde » et « Les Saisons » - ont été interprétées à Vienne avec un grand succès (l'un en 1799, l'autre en 1801). Représentation du chaos antique, d'où émerge ensuite le monde, de la création de la Terre, de la naissance de la vie sur Terre et de la création de l'homme, tel est le contenu du premier de ces oratorios. Les quatre parties du deuxième oratorio (« Printemps », « Été », « Automne », « Hiver ») sont constituées d'esquisses musicales pertinentes sur la nature rurale et la vie paysanne. 26 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie Après 1803, Haydn ne composa plus rien. Il a vécu sa vie tranquillement, entouré de gloire et d'honneur. Haydn mourut au printemps 1809, au plus fort de Guerres Napoléoniennes lorsque les Français entrèrent à Vienne. violoncelles et contrebasses. Le groupe d'instruments à vent se compose de flûtes, hautbois, clarinettes et bassons 21. Le groupe d'instruments à vent de Haydn se compose de cors et de trompettes, et des percussions, il n'a utilisé que des timbales et ce n'est que dans la dernière, douzième « Symphonie de Londres », qu'il a ajouté un triangle , des cymbales et un tambour. Questions et tâches 1. Quels sont les trois grands compositeurs considérés comme des classiques de la musique viennoise ? Qu'est-ce qui explique cette définition ? 2. Parlez-nous de la vie musicale de Vienne au XVIIIe siècle. 3. Nommez les principaux genres musicaux dans les œuvres de Haydn. 4. Où et comment Haydn a-t-il passé son enfance et sa jeunesse ? 5. Comment Haydn a-t-il commencé son parcours indépendant ? 6..Comment se sont déroulées la vie et l’œuvre de Haydn pendant son service dans la chapelle des princes d’Esterházy ? 7. Parlez-nous des voyages de Haydn en Angleterre et de ses dernières années de vie. Créativité symphonique Lorsque Haydn écrivit sa première symphonie en 1759, de nombreuses œuvres de ce genre existaient déjà et continuaient à être créées. Ils sont apparus en Italie, en Allemagne, en Autriche et dans d'autres pays européens. Au milieu du XVIIIe siècle, par exemple, les symphonies composées et interprétées dans la ville allemande de Mannheim, qui possédait le meilleur orchestre de l'époque, sont devenues universellement célèbres. Parmi les compositeurs de ce qu’on appelle « l’école de Mannheim », il y avait de nombreux Tchèques. L'un des ancêtres de la symphonie est une ouverture d'opéra italien en trois parties (avec le rapport des parties en tempo : « rapide-lent-rapide »). Dans les premières symphonies (« préclassiques »), la voie vers la future symphonie classique était encore en train d'être pavée, caractéristiques distinctives ce qui est devenu l'importance du contenu figuratif et de la perfection de la forme. En empruntant cette voie, Haydn en vint à créer ses symphonies de maturité dans les années 1780. Et puis apparaissent des symphonies matures, toujours très le jeune Mozart , qui a atteint étonnamment rapidement les sommets de l’excellence artistique. Haydn créa ses Symphonies de Londres, qui couronnent ses réalisations dans ce genre, après la mort prématurée de Mozart, qui le choqua profondément. Dans les symphonies matures de Haydn, la composition typique suivante d'un cycle de quatre mouvements a été établie : sonate allegro, mouvement lent, menuet et finale (généralement sous la forme d'un rondo ou d'une sonate allegro). Dans le même temps, la composition classique de l'orchestre composé de quatre groupes d'instruments a été déterminée dans ses principales caractéristiques. Le groupe leader est celui des cordes. Il comprend des violons, des altos et Haydn n'a pas toujours utilisé de clarinettes. Même dans ses Symphonies de Londres, on ne les entend que dans cinq (sur douze). 21 27 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie Cette symphonie est connue sous le nom de « Militaire ». Certaines autres symphonies de Haydn portent également des titres. Dans la plupart des cas, ils ne sont pas donnés par le compositeur lui-même et ne marquent qu'un détail particulier, souvent figuratif, par exemple l'imitation de gloussements dans le mouvement lent de la symphonie « Poulet » ou le « tic-tac » dans le mouvement lent de « L'Horloge ». "symphonie. Une histoire particulière est associée à la symphonie en fa dièse mineur, à laquelle le nom « Adieu » a été attribué. Il comporte une cinquième partie supplémentaire (plus précisément, une coda de type Adagio). Lors de sa représentation, les membres de l'orchestre, un à un, éteignent les bougies de leurs consoles, prennent leurs instruments et s'en vont. Il ne reste que deux violonistes, qui finissent tranquillement et tristement de jouer les dernières mesures et s'en vont également. Il y a l’explication suivante à cela. C'est comme si, un été, le prince Miklós Ier avait gardé les musiciens de sa chapelle d'Eszterháza plus longtemps que d'habitude. Et ils voulaient rapidement prendre des vacances pour voir leurs familles qui vivaient à Eisenstadt. Et le deuxième final inhabituel de la Symphonie d'Adieu a servi d'indice de ces circonstances. En plus des symphonies, Haydn a écrit de nombreuses autres œuvres pour orchestre, dont plus d'une centaine de menuets individuels. Et soudain, tout se transforme joyeusement : l'exposition de la sonate allegro commence. Au lieu d'un tempo lent - rapide (Allegro con spirito - "Vite, avec enthousiasme"), au lieu d'unissons de basses lourds - des mêmes sons de sol et de la bémol dans le registre aigu, le premier motif du mouvement, d'une gaieté contagieuse, le thème de la danse de la partie principale est né. Tous les motifs de ce thème, exposés dans la tonalité principale, commencent par une répétition du premier son - comme avec un timbre fervent : Symphonie en mi bémol majeur C'est la onzième des douze Symphonies londoniennes de Haydn. Sa tonalité principale est mi bémol majeur. Elle est connue sous le nom de « symphonie avec timbales trémolo » 22. La symphonie se compose de quatre mouvements. La première partie commence par une lente introduction. Le trémolo (« roulement ») d'une timbale accordée à la tonique résonne doucement. C'est comme un grondement lointain du tonnerre. Ensuite, le thème de l’introduction lui-même se déroule en « rebords » lisses et larges. Il est d'abord joué à l'unisson par octaves par des violoncelles, des contrebasses et des bassons. Il semble que des ombres mystérieuses flottent tranquillement, s'arrêtant parfois. Alors ils hésitent et se figent : dans les dernières mesures de l'introduction, des unissons alternent plusieurs fois sur les sons adjacents Sol et La bémol, obligeant l'oreille à s'attendre : que va-t-il se passer ensuite ? La double interprétation du thème par des instruments de piano à cordes est complétée par un éclat de danse amusante, qui sonne forte dans tout l'orchestre. Ce boom passe rapidement, et une touche de mystère apparaît à nouveau dans la partie de connexion. La stabilité tonale est rompue. Il y a une modulation en si bémol majeur (dominante en mi bémol majeur) - la tonalité de la partie latérale. Dans la partie de liaison, il n'y a pas de nouveau thème, mais le motif original du thème des timbales est entendu - des hémisphères sur lesquels est tendue une peau qui est frappée avec deux bâtons. Chaque hémisphère peut produire un son à une seule hauteur. Les symphonies classiques utilisent généralement deux hémisphères, accordés sur la tonique et la dominante. 22 28 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art russe de la partie principale et un lointain rappel du thème d'ouverture : L'exposition se termine par l'énoncé de la tonalité de la partie secondaire (si bémol majeur). L'exposition est répétée, puis le développement suit. Il est plein de développements polyphoniques imitatifs et tonal-harmoniques de motifs isolés du thème de la partie principale. Le thème du jeu annexe apparaît vers la fin du développement. Il est entièrement réalisé dans la tonalité de ré bémol majeur, loin de la tonalité principale, c'est-à-dire qu'il apparaît comme sous un jour nouveau et inhabituel. Et un jour (après une pause générale avec le point d'orgue) les intonations du mystérieux thème initial apparaissent à la basse. Le développement sonne principalement du piano et du pianissimo et seulement occasionnellement du forte et du fortissimo avec des accents individuels de sforzando. Cela renforce l’impression de mystère. Les motifs du thème de la partie principale dans leur développement ressemblent parfois à une danse fantastique. On peut imaginer qu’il s’agit d’une danse de lumières mystérieuses, parfois brillantes. Dans une reprise dans la tonalité de mi bémol majeur, non seulement la partie principale, mais aussi la partie secondaire sont répétées et la partie de liaison est sautée. Un mystère apparaît dans le code. Il commence, comme l'introduction, par un tempo Adagio, un trémolo discret aux timbales et de lentes courses à l'unisson. Mais bientôt, à la toute fin du premier mouvement, le tempo rapide, la sonorité forte et les « piétinements » de danse joyeux reviennent. La deuxième partie de la symphonie - Andante - est une variation sur deux thèmes - un chant en do mineur et une marche chantée en do majeur. La structure de ces variations dites doubles est la suivante : les premier et deuxième thèmes sont présentés, puis se succèdent : la première variation du premier thème, la première variation du deuxième thème, la deuxième variation du premier thème, la seconde variation du deuxième thème et coda, basée sur le matériel du deuxième thème. À ce jour, les chercheurs se disputent sur la nationalité du premier sujet. Les musiciens croates croient que ses caractéristiques sont croates chanson populaire , et hongrois - qu'il s'agit d'une chanson hongroise. Les Serbes, les Bulgares et les Polonais y retrouvent aussi leurs traits nationaux. Ce différend ne peut pas être résolu avec certitude, car les enregistrements sont comme ça. Le thème de la partie latérale est encore une fois une chanson de danse amusante. Mais comparée au personnage principal, elle n'est pas si énergique, mais plus gracieuse et féminine. La mélodie retentit des violons et du hautbois. Un accompagnement de valse typique rapproche ce thème du Lander - une danse autrichienne et sud-allemande, l'un des ancêtres de la valse : 29 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art de la Russie la mélodie ancienne et ses paroles n'étaient pas trouvé. Apparemment, il a fusionné les caractéristiques de plusieurs airs slaves et hongrois ; tel est notamment le mouvement particulier de la seconde allongée (mi bémol - fadieuse) : les variations du deuxième thème reprennent l'allure de marche héroïque, agrémentée de passages virtuoses - fioritures de flûte. Et dans le grand code, il y a des tournants inattendus dans le développement des « événements musicaux ». Tout d’abord, le thème de la marche se transforme en un thème doux et transparent. Puis le motif isolé avec un rythme pointé se développe intensément. Cela conduit à l'apparition soudaine de la tonalité de mi bémol majeur, après quoi la conduite finale du thème de marche sonne avec éclat et solennellement en do majeur. La troisième partie de la symphonie - Menuet - combine à l'origine la démarche calme de la danse de la haute société avec de larges sauts capricieux et des syncopes dans la mélodie : un air et un deuxième thème majeur en marche. Contrastant avec le premier, il a en même temps une certaine parenté avec lui - un quart de temps, une direction ascendante puis descendante de la mélodie et un degré IV élevé (fadieuse) : ce thème fantaisiste est déclenché par un mouvement doux et calme. dans le Trio - la section médiane du Menuet, située entre la première section et par sa répétition exacte23 : La présentation du premier thème avec instruments à cordes piano et pianissimo ressemble à un récit tranquille, le début d'une histoire sur des événements inhabituels. Le premier d'entre eux peut être une présentation soudaine et bruyante du deuxième thème, un thème de marche, dans lequel des instruments à vent sont ajoutés au groupe de cordes. Le ton narratif se poursuit dans la première variation du premier thème. Mais à son son s’ajoutent des échos plaintifs et méfiants. Dans la première variation du deuxième thème, le violon solo colore la mélodie de passages aux motifs fantaisistes. Dans la deuxième variation du premier thème, le récit prend soudain un caractère orageux et excité (tous les instruments sont utilisés, y compris les timbales). Dans le second, le Menuet (ou plutôt ses sections extrêmes, sophistiquées et fantaisistes) contraste avec les thèmes folkloriques quotidiens, d'une part, de la première et de la deuxième parties de la symphonie, et de l'autre, de sa dernière, quatrième. partie - la finale. Ici, comme il sied à une sonate allegro classique, dans l'exposition la partie principale est énoncée dans la tonalité principale de mi bémol majeur, la partie secondaire est dans la tonalité dominante de si bémol majeur, et dans la reprise les deux sonnent en mi bémol majeur. Cependant, dans la partie latérale, il n'a pas fallu longtemps pour que la partie médiane des œuvres orchestrales soit généralement interprétée par trois instruments. C’est de là que vient le nom « trio ». 23 30 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie, un sujet complètement nouveau apparaît. Il est basé sur le thème de la partie principale. dérivé du mot français « ronde », qui signifie « cercle » ou « danse en rond ». Questions et tâches 1. Quand Haydn et Mozart en sont-ils venus à créer leurs symphonies matures ? 2. De quelles parties se compose généralement une symphonie de Haydn ? Nommez les groupes d’instruments de l’orchestre de Haydn. 3. Quels noms des symphonies de Haydn connaissez-vous ? 4. Pourquoi la symphonie en mi bémol majeur de Haydn est-elle appelée « avec trémolo ou marque » ? Par quelle section commence-t-il ? 5. Décrivez les thèmes principaux de la forme sonate du premier mouvement de cette symphonie. 6. Sous quelle forme et sur quels thèmes la deuxième partie de la symphonie a-t-elle été écrite ? 7. Décrivez les principaux sujets et sections de la troisième partie. 8. Quelle est la particularité de la relation entre les thèmes des parties principale et secondaire du finale ? Quel est le lien entre le caractère de la musique de la première partie de la symphonie et de son finale ? Ainsi, il s’avère que toute la fin est basée sur un seul thème. Le compositeur, comme dans un jeu complexe, soit reprend le thème dans son intégralité, soit combine habilement ses variations et ses éléments individuels. Et elle-même est complexe. Après tout, une base harmonique y apparaît pour la première fois - le soi-disant «coup d'or» de deux cors - un signal typique des cors de chasse. Et alors seulement, une mélodie de danse, proche des chants folkloriques croates, se superpose à cette base. Cela commence par « piétiner » un son, puis ce motif est répété plusieurs fois, imité, passant d'une voix à l'autre. Cela n’est pas sans rappeler le motif d’ouverture du thème principal de la première partie et la manière dont il y est développé. De plus, le compositeur a indiqué le même tempo dans le final - Allegro con spirito. Ainsi, dans le final, l'élément de danse folklorique joyeuse règne enfin. Mais il a ici un caractère particulier - il ressemble à une danse en rond complexe, une danse de groupe dans laquelle la danse est combinée avec des chants et des actions ludiques. Ceci est également confirmé par le fait que dans l'exposition, la partie principale est répétée dans la tonalité principale deux fois supplémentaires - après un petit épisode de transition et après une partie secondaire. C'est-à-dire qu'il semble reprendre, se déplaçant en cercle. Et cela introduit des caractéristiques de la forme rondo dans la forme sonate. Le mot même « rondo », comme déjà mentionné, la créativité au clavier Lorsque Haydn créa ses œuvres pour clavier, le piano remplaça progressivement le clavecin et le clavicorde dans la pratique musicale. Haydn a écrit ses premières œuvres pour ces instruments à clavier anciens, et dans des éditions plus des années plus tard a commencé à indiquer « pour clavecin ou piano » et, finalement, parfois seulement « pour piano ». Parmi ses œuvres pour clavier, la place la plus importante appartient aux sonates pour solo. Auparavant, on pensait que Haydn n'en possédait que 52. Mais ensuite, grâce aux recherches des chercheurs, ce nombre est passé à 62. Les plus célèbres d’entre elles sont les sonates en ré majeur et en mi mineur24. Sonate en ré majeur Le thème de la partie principale, qui ouvre la première partie de cette sonate, est une danse éclaboussante de plaisir et de gaieté avec des sauts d'octave enfantinement espiègles, des appoggiatures, des mordants et des répétitions de sons. On peut également imaginer une telle musique sonnant en operebuffa : dans les éditions antérieures, ces sonates sont imprimées sous les numéros « No. 37 » et « No. 34 », et dans les éditions ultérieures sous le nom de « No. 24 31 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie Mais le développement du thème de la partie secondaire est pénétré par des sauts espiègles depuis la partie principale, puis par un passage tatillon Mouvement depuis la partie de liaison. Cela devient plus intense, plus radical et se calme soudainement - comme par une décision prise instantanément. Après cela, l'exposition se termine par une partie finale allègrement dansante. Il y a encore beaucoup d'activité en cours de développement. Ici, l'octave saute du thème de la partie principale, se déplaçant vers la main gauche, devient encore plus espiègle, et le mouvement de passage atteint une tension encore plus grande et une portée plus large que dans le développement du thème de la partie latérale de l'exposition. Dans la reprise, le son des parties secondaire et finale dans la tonalité principale (ré majeur) établit fermement la domination de l'ambiance joyeuse. Le contraste le plus fort est introduit dans la sonate par le bref deuxième mouvement, de caractère lent et retenu. Il est écrit dans la tonalité du même nom en ré mineur. Dans la musique, on peut entendre le pas lourd de la sarabande, une danse ancienne qui prenait souvent le caractère d'un cortège funèbre. Et dans les exclamations mélodiques expressives avec des triolets et des figures rythmiques pointées, il y a une similitude avec les chants tristes des gitans hongrois : des passages joyeux et pointilleux de doubles croches remplissent la partie de liaison. Et le thème de la partie latérale (dans la tonalité de la majeur) est aussi la danse, mais en plus sobre et élégante : 32 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art russe Sonate en mi mineur Au début des années 1780, Haydn fut le premier a reçu une invitation pour faire un voyage de concert à Londres. Il s'y prépara avec diligence, mais ne put alors le réaliser en raison de ses fonctions officielles dans la chapelle d'Esterhazy. Il est possible que les rêves d'un voyage « outre-mer » lointain et les expériences qui y sont associées se soient reflétés dans la sonate en mi mineur parue à cette époque. C'est la seule des rares sonates mineures de Haydn, où dans le premier mouvement un caractère lyrique prononcé se combine avec un tempo très rapide. Le thème même de la partie principale de ce mouvement, par lequel commence la sonate, est également particulier : mais dans l’art optimiste de Haydn, les images sombres de la mort sont toujours surmontées par des images lumineuses de la vie. Et la deuxième partie en ré mineur de cette sonate, se terminant non pas sur la tonique, mais sur l'accord de dominante, passe directement au finale rapide en ré majeur 25. Le finale est construit sous la forme d'un rondo, où le thème principal - le refrain (dans la tonalité principale de ré majeur) - est répété trois fois, et entre ses répétitions il y a des sections changeantes - des épisodes : le premier épisode en ré mineur et le second en sol majeur. Ici, seulement dans le premier épisode en ré mineur, des souvenirs lugubres glissent - un écho de la partie médiane. Le deuxième épisode, en sol majeur, est déjà négligemment joyeux et conduit à un « appel nominal » comique des mains droite et gauche sur la même note. Et le thème principal du finale, le refrain du rondo, est l'un des plus joyeux de Haydn : les phrases initiales du thème sont constituées d'une combinaison de deux éléments. À la basse, dans la main gauche, le piano se déplace sur un son de triade tonique mineure - comme des appels à se précipiter quelque part au loin. Et puis dans la main droite suivent des motifs-réponses tremblants, comme s'ils doutaient et hésitaient. Le mouvement général du thème est doux, ondulé, chaloupé. De plus, la taille de la première partie - 6/8 - est typique du genre barcarolle - « chansons sur l'eau »26. Dans la partie de connexion, il y a une modulation en sol majeur parallèle au mi mineur - la tonalité des parties latérales et finales. Les parties de connexion et finales, remplies de passages émouvants de doubles croches, encadrent la partie latérale - légère, rêveuse, comme l'indiquent les mots italiens « attacca subito il Finale », signifiant « commencer immédiatement la finale ». A l’origine, les chants des gondoliers vénitiens s’appelaient barcarolles. Le nom du genre lui-même vient du mot italien « barca » - « bateau ». 25 26 33 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie, comme si elle s'élevait : la nature, lorsque les signaux retentissaient, comme pour appeler au retour, le cœur semblait palpiter dans une joyeuse alarme ! Et ici, après la transition d'accords, apparaît le thème principal du troisième mouvement (final). C'est le refrain de la forme rondo dans laquelle est écrit le Finale. Cela ressemble à une chanson d'accompagnement inspirée qui vous aide à vous précipiter « à toutes voiles » vers votre pays natal : Ainsi, le schéma de la forme rondo dans le finale est le suivant : refrain (mi mineur), premier épisode (mi majeur), refrain (mi mineur), deuxième épisode (mi majeur), refrain (mi mineur). Les deux épisodes sont liés au refrain et entre eux par une parenté mélodique. Lorsque les parties de connexion, secondaires et finales sont jouées, l'imagination dessine des images tentantes - avec quelle liberté le vent arrière souffle, avec quelle joie le mouvement rapide vous fait avancer. De plus, dans le développement, construit sur le matériau des parties principale, de connexion et finale, les écarts vers les tonalités mineures prédominent. Dans l'ensemble, c'est-à-dire non pas une tonalité majeure, mais une tonalité mineure, les parties secondaires et finales, devenues plus étendues, sont entendues dans la reprise. Néanmoins, la tristesse et les doutes spirituels finissent par être surmontés en s’efforçant vers l’inconnu. C’est le sens des dernières mesures du premier mouvement, où le début invocateur du thème de la partie principale est remarquablement répété. La deuxième partie de la sonate, lente, en sol majeur, est une sorte d'air instrumental, empreint d'une lumineuse ambiance contemplative. Ses coloratures claires sont saturées d’échos de gazouillis d’oiseaux et de babillage de ruisseaux : Questions et devoirs 1. Nommez le genre principal de la musique pour clavier de Haydn. Combien de ses sonates sont connues ? 2. Décrivez les principales sections du premier mouvement de la sonate en ré majeur. Y a-t-il un lien dans cette partie entre les partis principaux et secondaires ? 3. Quel contraste la deuxième partie apporte-t-elle à la musique de la sonate en ré majeur ? Quel est son rapport avec la fin ? 4. Parlez-nous des caractéristiques structurelles et de la nature du thème de la partie principale du premier mouvement de la sonate en mi mineur. Faites mûrir et caractérisez les sujets et sections restants de cette partie. 5. Quel est le caractère du deuxième mouvement de la sonate en mi mineur ? 6. Parlez-nous de la forme du finale de la sonate en mi mineur et de la nature de son thème principal. Œuvres majeures Plus de 100 symphonies (104) Plusieurs concerts pour instruments divers avec orchestre Plus de 80 quatuors (pour deux violons, alto et violoncelle) (83) 62 sonates pour clavier Oratorios « La Création du monde » et « Les Saisons » 24 opéras Arrangements de chansons écossaises et irlandaises Cependant, aussi doux que soit le repos paisible, il se trouve quelque part au loin, au sein de 34 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art de la Russie a écrit dans de nombreux genres - ses symphonies, ses concerts instrumentaux, divers ensembles de chambre, sonates pour piano, Requiem pour chœur, solistes et orchestre. Le talent phénoménal de Mozart, qui s'est manifesté exceptionnellement tôt et s'est développé rapidement, a créé un cercle autour de son nom ; l'auréole du légendaire « miracle musical ». Caractéristiques vives ; A. S. Pouchkine l'a présenté comme artiste inspiré dans la pièce (« Petite tragédie ») « Mozart et Salieri ». L’opéra du même nom de N. A. Rimsky-Korsakov a été écrit sur cette base. 27. Mozart était le compositeur préféré de P.. I. Tchaïkovski 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Chemin de vie Famille. Petite enfance. Le lieu de naissance de Wolfgang Amadeus Mozart, né en janvier 1756, est la ville autrichienne de Salzbourg. Il se trouve de manière pittoresque sur les rives vallonnées de la rapide rivière Salzach, qui coule dans les contreforts orientaux des Alpes. Salzbourg était la capitale d'une petite principauté dont le souverain avait le rang ecclésiastique d'archevêque. Le père de Wolfgang Amadeus, Léopold Mozart, servait dans sa chapelle. C'était un musicien sérieux et très instruit - un compositeur, violoniste, organiste et professeur prolifique. L'École de jeu de violon, publiée par lui, s'est répandue dans plusieurs pays, dont la Russie. Des sept enfants de Léopold et de son épouse Anna Maria, seuls deux ont survécu : le plus jeune fils Wolfgang Amadeus et sa fille Maria Anna (Nannerl), qui était l'aînée ! frère depuis quatre ans et demi. Lorsque son père commença à enseigner le clavecin à Nannerl, qui avait d'excellentes capacités, il commença bientôt à étudier avec Wolfgang, trois ans, remarquant son audition exquise et sa mémoire musicale étonnante. Pendant quatre ans, le garçon essayait déjà de composer. musique, et ses premières pièces de clavecin survivantes ont été enregistrées par son père alors que l'auteur n'avait que cinq ans. Il existe une histoire bien connue sur la façon dont Wolfgang, quatre ans, a tenté de composer un concerto pour clavier. Avec la plume, il plongea ses doigts dans l'encrier et fit des taches sur le papier à musique. Ce n'est qu'en regardant attentivement cet enregistrement enfantin qu'il y découvrit, à travers les taches, une signification musicale incontestable. L'un des plus grands génies musicaux, le compositeur autrichien Wolfgang Amadeus Mozart n'a vécu que 35 ans. Parmi ceux-ci, il a composé de la musique pendant trente ans et, laissant un héritage de plus de 600 œuvres, a apporté une contribution inestimable au fonds d'or de l'art mondial. L'évaluation la plus vraie et la plus élevée du don créatif de Mozart au cours de sa vie a été donnée par son contemporain senior Joseph Haydn. « ...Votre fils, dit-il un jour au père de Wolfgang Amadeus, est le plus grand compositeur que je connaisse personnellement et de nom ; il a du goût et, de plus, la plus grande connaissance de la composition. La musique de Haydn et Mozart, appelées classiques viennois, est liée à une perception optimiste et active du monde, une combinaison de simplicité et de naturel dans l'expression des sentiments avec leur sublimité et leur profondeur poétiques. Dans le même temps, il existe une différence significative entre leurs intérêts artistiques. Haydn est plus proche des images folkloriques et lyriques-épiques, tandis que Mozart est plus proche des images lyriques et lyriques-dramatiques. L'art de Mozart est particulièrement captivant par sa sensibilité aux expériences émotionnelles humaines, ainsi que par sa précision et sa vivacité dans l'incarnation de divers personnages humains. Cela a fait de lui un merveilleux compositeur d’opéra. Ses opéras, et surtout « Les Noces de Figaro », « Don Giovanni » et « La Flûte enchantée », connaissent un succès constant depuis le IIIe siècle, ayant été montés sur les scènes de tous les théâtres musicaux. L'une des places les plus honorables du répertoire mondial des concerts est occupée par les œuvres de Mozart. La version selon laquelle Salieri a empoisonné Mozart par envie n'est qu'une légende. Tchaïkovski a orchestré quatre pièces pour piano de Mozart et les a composées dans la suite Mozartiana. 27 28 35 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie donnera un concert de violon... jouer sur un clavier recouvert d'un foulard ainsi que si c'était devant ses yeux, puis à distance il nommera tous les sons qui sont individuellement ou les accords seront repris sur le clavier ou tout autre instrument ou produits par des objets - une cloche, un verre, une horloge. Au final, il improvisera non seulement au clavecin, mais aussi à l'orgue aussi longtemps que le souhaiteront les auditeurs, et dans tous les tons, même les plus difficiles, qui lui seront appelés... » Premiers voyages de concerts. Léopold Mozart a décidé de commencer à faire des concerts dans les grands centres musicaux avec ses enfants surdoués. Le premier voyage - dans la ville allemande de Munich - eut lieu au début de 1762, alors que Wolfgang avait à peine six ans. Six mois plus tard, la famille Mozart se rend à Vienne. Là, Wolfgang et Nannerl se produisirent à la cour impériale, connurent un grand succès et furent comblés de cadeaux. À l'été 1763, les Mozart entreprennent un long voyage à Paris et à Londres. Mais ils ont d'abord visité un certain nombre de villes allemandes, puis, au retour, de nouveau à Paris, ainsi qu'à Amsterdam, La Haye, Genève et plusieurs autres villes. Les performances des petits Mozart, notamment de Wolfgang, suscitèrent partout surprise et admiration, même dans les cours royales les plus magnifiques. Selon la coutume de l'époque, Wolfgang se présentait devant un public noble dans un costume brodé d'or et une perruque poudrée, mais en même temps il se comportait avec une spontanéité purement enfantine, il pouvait, par exemple, sauter sur les genoux de l'impératrice ; . Les concerts, qui duraient 4 à 5 heures d'affilée, étaient très fatigants pour les petits musiciens, mais pour le public ils se transformaient en une sorte de divertissement. Voici ce que disait l'une des publicités : « …Une fille de douzième année et un garçon de septième année joueront un concert au clavecin. .. De plus, un garçon de 36 ans www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie La tournée de concerts s'est poursuivie pendant plus de trois ans et a apporté à Wolfgang de nombreuses impressions différentes. Il a entendu un grand nombre d'œuvres instrumentales et vocales, a rencontré des musiciens remarquables (à Londres - avec le plus jeune fils de Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Entre les représentations, Wolfgang étudiait avec enthousiasme la composition. A Paris, quatre de ses sonates pour violon et clavecin sont publiées, avec la mention qu'il s'agit des œuvres d'un garçon de sept ans. A Londres, il écrit ses premières symphonies. Retour à Salzbourg et séjour à Vienne. Premier opéra. Fin 1766, toute la famille retourna à Salzbourg. Wolfgang a commencé à étudier systématiquement la technique de composition sous la direction de son père. Les Mozart passèrent toute l'année 1768 à Vienne. En vertu d'un contrat avec le théâtre, Wolfgang, douze ans, a écrit en trois mois l'opéra bouffe « Le simplet imaginaire », sur le modèle italien. Les répétitions ont commencé, mais la représentation a commencé à être reportée puis complètement annulée (probablement à cause des intrigues d'envieux). Elle n'a eu lieu que l'année suivante à Salzbourg. À Vienne, Wolfgang a composé de nombreuses autres musiques, dont cinq symphonies, et a dirigé avec succès sa messe solennelle lors de la consécration de la nouvelle église. Voyages en Italie. De la fin de 1769 au début de 1773, Wolfgang Amadeus effectua trois longs voyages à travers l'Italie avec son père. Dans ce « pays de la musique », le jeune Mozart s’est produit avec beaucoup de succès dans plus d’une douzaine de villes, dont Rome, Naples, Milan et Florence. Il dirigeait ses symphonies, jouait du clavecin, du violon et de l'orgue, improvisait des sonates et des fugues sur des thèmes donnés, des airs sur des textes donnés, jouait excellemment des œuvres difficiles à vue et les répétait dans d'autres tonalités. Il s'est rendu à Bologne à deux reprises, où il a suivi pendant quelque temps des cours auprès du célèbre professeur, théoricien et compositeur Padre Martini. Après avoir brillamment réussi une épreuve difficile (écrire une composition polyphonique en utilisant des techniques polyphoniques complexes), Mozart, quatorze ans, fut, à titre d'exception, élu membre de l'Académie Philharmonique de Bologne. Et selon la charte, seuls les musiciens ayant atteint l'âge de vingt ans et ayant une expérience préalable dans cette institution faisant autorité y étaient autorisés. À Rome, visitant la chapelle Sixtine de la Cité du Vatican (résidence papale) 29, Mozart entendit un jour une grande œuvre spirituelle polyphonique pour deux chœurs du compositeur italien du XVIIe siècle Gregorio Allegri. Cette œuvre était considérée comme la propriété du Pape et ne pouvait être ni réécrite ni distribuée. Mais Mozart a écrit de mémoire l’intégralité de la partition chorale complexe, et le membre du chœur papal a confirmé l’exactitude de l’enregistrement. L'Italie, grand pays non seulement de musique, mais aussi de beaux-arts et d'architecture, a donné à Mozart une abondance d'impressions artistiques. Il était particulièrement fasciné par la visite des opéras. Le jeune homme maîtrisait tellement le style de l'opéra italien qu'il écrivit en peu de temps trois opéras, qui furent ensuite mis en scène avec un grand succès à Milan. Il s'agit de deux opera seria - « Mithridate, roi du Pont » et « Lucius Sulla » - et d'un opéra pastoral sur une intrigue mythologique « Ascanio in Alba »30. Voyages à Vienne, Munich, Mannheim, Paris. Malgré ses brillants succès créatifs et de concert, Wolfgang Amadeus n'a réussi à obtenir le service à la cour d'aucun des dirigeants des États italiens. J'ai dû retourner à Salzbourg. Ici, à la place de l'archevêque décédé, régnait un nouveau dirigeant, plus despotique et grossier. Il devenait de plus en plus difficile pour les Mozart père et fils qui étaient à son service d'obtenir des congés pour de nouveaux voyages. Mais l'opéra pour lequel Mozart cherchait à composer n'était pas disponible à Salzbourg et les autres possibilités d'activité musicale étaient limitées. Le voyage à Vienne des deux musiciens n'a pu avoir lieu que parce que l'archevêque de Salzbourg lui-même souhaitait visiter la capitale autrichienne. À contrecœur, il autorisa également les Mozart à se rendre ; Munich, où a été créé un nouvel opéra bouffe du jeune compositeur. Et pour le prochain voyage, seul Wolfgang Amadeus a réussi à obtenir l'autorisation avec beaucoup de difficulté. Son père est contraint de rester à Salzbourg et sa mère part accompagner son fils. Le premier long arrêt a eu lieu dans la ville allemande de Mannheim. Ici, Wolfgang Amadeus et Anna Maria ont été chaleureusement accueillis chez lui par l'un des dirigeants du célèbre orchestre symphonique de l'époque, représentant de l'école de composition préclassique de Mannheim. A Mannheim, Mozart composé par des artistes italiens, dont Michel-Ange. 30 Le Royaume du Pont est un ancien État situé au bord de la mer Noire, principalement sur l'actuelle côte turque (« Pont-Euxin », c'est-à-dire « mer hospitalière », nom grec ancien Mer Noire). Lucius Sulla est un ancien personnage militaire et politique grec. Pastorale (du mot italien « pastore » - « berger ») est une œuvre avec une intrigue qui idéalise la vie au sein de la nature. La Chapelle Sixtine est l'église natale des papes au Vatican ; elle a été construite au XVe siècle sous le pape Sixte IV. Les murs et le plafond de la chapelle sont peints avec une grande quantité d'œuvres, surtout instrumentales, marquées par un style musical déjà mûr. Mais il n'y avait pas non plus de poste vacant permanent pour Wolfgang Amadeus. Au printemps 1778, Mozart et sa mère arrivent à Paris. Cependant, les espoirs d’y obtenir une réelle reconnaissance et d’occuper une position de premier plan ne se sont pas réalisés. Dans la capitale française, on avait déjà oublié l'enfant miracle, ce jouet apparemment vivant, et on n'avait pas reconnu le talent épanoui du jeune musicien. Mozart n'a eu aucune chance ni d'organiser des concerts ni de recevoir une commande pour l'opéra. Il vivait des maigres revenus de ses cours ; pour le théâtre, il ne pouvait écrire que la musique du petit ballet « Trinkets ». De nouvelles œuvres merveilleuses sont sorties de sa plume, mais elles n'ont alors pas attiré une attention sérieuse. Et cet été, Wolfgang Amadeus a subi un grave chagrin : sa mère est tombée malade et est décédée. Au début de l'année suivante, Mozart revient à Salzbourg. Opéra "Idoménée". Rompre avec l'archevêque et déménager à Vienne. Les événements les plus importants des années suivantes pour Mozart furent la création et la production de l'opéra « Idomeneo, roi de Crète » à Munich, qui connut un grand succès. Ici meilleures qualités L'opera seria italien fusionne avec les principes de la réforme de l'opéra de Gluck. Cela a ouvert la voie à l’émergence d’œuvres brillamment originales. chefs-d'œuvre d'opéra Mozart. ...C'était en 1781. Mozart a eu 25 ans. Il est l'auteur de trois cent cinquante ouvrages pleins de nouvelles idées créatives. Et pour l'archevêque de Salzbourg, il n'est qu'un serviteur musical, que le propriétaire arrogant et despotique opprime et humilie de plus en plus, l'oblige à s'asseoir à la table de la salle du peuple « au-dessus des cuisiniers, mais en dessous des valets de pied », et ne le fait pas. lui permettre d'aller n'importe où ou de jouer n'importe où sans autorisation. Tout cela devint insupportable pour Mozart et il présenta sa démission. L'archevêque a refusé à deux reprises avec des injures et des insultes, et son proche collaborateur a brutalement expulsé le musicien d'un coup de pied. Mais lui, ayant subi un choc mental, est resté ferme dans sa décision. Mozart est devenu le premier grand compositeur à rompre fièrement avec la situation financièrement sûre mais dépendante d'un musicien de cour. Vienne : la dernière décennie. Mozart s'installe à Vienne. Parfois seulement il partait pour un moment Capitale autrichienne , par exemple, dans le cadre de la première production de son opéra « Don Giovanni » à Prague ou lors de deux tournées de concerts en Allemagne. En 1782, il épouse Constance Weber, qui se distingue par son caractère joyeux et sa musicalité. Les enfants naquirent les uns après les autres (mais sur les six, quatre moururent en bas âge). Les revenus de Mozart provenant de concerts en tant qu'interprète de sa musique pour clavier, de l'édition d'œuvres et de la mise en scène d'opéras étaient irréguliers. De plus, Mozart, étant une personne gentille, confiante et peu pratique, ne savait pas gérer les questions financières avec prudence. La nomination, fin 1787, au poste mal payé de musicien de chambre de la cour, chargé de composer uniquement de la musique de danse, ne l'épargne pas du besoin d'argent souvent ressenti. Avec tout cela, en dix années viennoises, Mozart a créé plus de deux cents et demi de nouvelles œuvres. Parmi eux, ses réalisations artistiques les plus marquantes dans de nombreux genres ont brillé. L’année du mariage de Mozart, son pétillant singspiel « L’Enlèvement au Sérail » fut joué à Vienne avec un grand succès ; humour31. Et l'opéra bouffe « Les Noces de Figaro », original ; Le genre du « drame amusant » « Don Juan » et le conte d'opéra « La Flûte enchantée », apparu au cours des dernières années viennoises, comptent parmi les plus hauts sommets atteints par le théâtre musical dans toute son histoire ! son histoire. Mozart a écrit ses trois meilleures symphonies, qui se sont avérées être ses dernières, dont la symphonie en sol mineur (n° 40), à l'été 1788. Au cours de la même décennie, de nombreuses autres œuvres instrumentales du compositeur sont apparues - la « Petite Sérénade orchestrale à quatre voix », un certain nombre de concertos pour piano, de sonates et divers ensembles de chambre. Mozart dédia six de ses quatuors à cordes à Haydn, avec qui il développa une relation chaleureuse et amicale. Durant ces années, Mozart étudia avec beaucoup d'intérêt les œuvres de Bach et de Haendel. L'œuvre la plus récente de Mozart est le Requiem, une messe funéraire pour chœur, solistes et orchestre32. En juillet 1791, elle fut commandée au compositeur par un homme qui ne voulait pas donner son nom. Cela semblait mystérieux et pouvait donner lieu à de sombres pressentiments. Quelques années plus tard seulement, il devint évident que la commande émanait d’un comte viennois qui souhaitait acheter l’œuvre de quelqu’un d’autre et la faire passer pour la sienne. Tombé gravement malade, Mozart ne put terminer complètement le Requiem. Elle a été réalisée à partir de brouillons par l'un des élèves du compositeur. Il y a une histoire selon laquelle à la veille de la mort du grand musicien, qui a suivi dans la nuit du 5 décembre 1791, des amis ont chanté avec lui des parties d'une œuvre inachevée. Conformément au concept lugubre du Requiem, l'expressivité lyrique et dramatique inspirée de la musique de Mozart a acquis une sublimité et un sérieux particuliers. En raison du manque de fonds, Mozart a été enterré dans une tombe commune pour 31 32 Sérail - la moitié féminine dans les maisons des riches nobles orientaux. Le mot latin « requiem » signifie « repos ». 38 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine artistique en Russie est médiocre et le lieu exact de son enterrement reste inconnu. pour Suzanne habillée en comtesse dans sa robe. Honteux de son épouse, Almaviva est contraint de ne plus empêcher Figaro et Suzanne de célébrer leur mariage, qui clôt dans la gaieté et la bonne humeur une « folle journée » pleine d'imprévus de toutes sortes. L'opéra commence par une ouverture, qui a acquis une grande popularité et est souvent interprétée lors de concerts symphoniques34. Contrairement à de nombreuses autres ouvertures, cette ouverture n'utilise pas de thèmes entendus dans l'opéra lui-même. L'ambiance générale de l'action qui a suivi, sa rapidité fascinante et sa gaieté bouillonnante sont ici clairement rendues. L'ouverture est écrite sous forme de sonate, mais sans développement, qui est remplacé par une brève connexion entre l'exposition et la reprise. Dans le même temps, cinq thèmes se détachent clairement et se remplacent rapidement. Le premier et le deuxième d'entre eux constituent le lot principal, les troisième et quatrième - le lot secondaire, le cinquième - le lot final. Ils sont tous énergiques, mais en même temps chacun a son propre caractère particulier. Le premier thème de la partie principale, interprété par les instruments à cordes et les bassons à l'unisson, se déroule avec rapidité, avec une agilité malicieuse : Questions et tâches 1. Qu'y a-t-il de similaire entre la musique de Mozart et celle de Haydn ? Quelle est la différence entre les intérêts artistiques de ces deux classiques viennois ? 2. Parlez-nous de la famille et de la petite enfance de Wolfgang Amadeus Mozart. 3. Dans quels pays et villes Mozart s'est-il produit lorsqu'il était petit garçon ? Comment se sont déroulées ces représentations ? 4. À quel âge Mozart a-t-il écrit son premier opéra bouffe ? Comment s’appelait-il et où se déroulait-il ? 5. Parlez-nous des voyages du jeune Mozart en Italie. 6. Quelles villes Mozart a-t-il visitées plus tard ? Son voyage à Paris a-t-il été réussi ? 7. Parlez-nous de la rupture de Mozart avec l’archevêque de Salzbourg. 8. Décrivez la dernière décennie de la vie et de l’œuvre de Mozart. Nommez les principales œuvres qu'il a créées au cours de cette période. Opéra "Les Noces de Figaro" La première de l'opéra "Les Noces de Figaro" de Mozart a eu lieu à Vienne en 1786. Les deux premières représentations ont été dirigées par le compositeur lui-même au clavecin. Le succès fut énorme, de nombreux numéros furent repris en rappel. Le livret (texte verbal) de cet opéra en quatre actes a été écrit en italien par Lorenzo da Ponte, d'après la comédie de l'écrivain français Beaumarchais « Journée folle ou Les Noces de Figaro ». En 1875, P. I. Tchaïkovski traduisit ce livret en russe et, dans sa traduction, l'opéra est joué dans notre pays. Mozart a qualifié Les Noces de Figaro d’opéra bouffe. Mais ce n’est pas seulement une comédie divertissante avec des situations cocasses. Les personnages principaux sont représentés en musique comme une variété de personnages humains vivants. Et l'idée principale de la pièce de Beaumarchais était proche de Mozart. Car cela réside dans le fait que le serviteur du comte Almaviva, Figaro, et son épouse, la servante Suzanne, se révèlent plus intelligents et plus décents que leur maître titré, dont ils révèlent adroitement les intrigues. Le comte lui-même s'est pris d'affection pour Suzanne et il tente de retarder son mariage. Mais Figaro et Suzanne surmontent avec ingéniosité tous les obstacles qui se présentent, attirant à leurs côtés la femme du comte et le jeune page Chérubin 33. Finalement, ils s'arrangent pour que le soir dans le jardin le comte accepte le Deuxième balayage en fanfare : Après le Page - un garçon ou un jeune d'origine noble, servant au service d'une personne noble. Le thème de liaison de la partie principale et de la partie remplie diffère principalement. Rappelons que le mot « ouverture » est dérivé du verbe français « ouvrir », qui signifie « ouvrir », « commencer ». 33 34 39 www.classon.ru bold L'éducation des enfants dans le domaine de l'art russe dans des passages en forme de gamme apparaît le premier thème de la partie latérale, dont la mélodie est jouée par les violons. Le thème a un caractère rythmiquement fantaisiste, légèrement capricieux, mais persistant : des numéros vocaux. Ainsi, le premier numéro solo du rôle de Figaro (il est confié au baryton) - un petit air (cavatine) - sonne immédiatement après que Suzanne ait informé son fiancé que le comte commençait à la poursuivre de ses avances. À cet égard, Figaro fredonne moqueusement la mélodie dans le mouvement du menuet - une danse galante de la haute société (les sections extrêmes de la forme de reprise en trois parties de la cavatine) : Le deuxième thème de la partie latérale ressemble à des exclamations décisives : Et le le thème de la partie finale est le plus équilibré, comme pour tout régler : dans la reprise, les parties latérales et finales sont répétées dans la tonalité principale de ré majeur. Ils sont accompagnés d’une coda qui souligne encore le caractère joyeux et vif de l’ouverture. Dans cet opéra de Mozart, une grande place est occupée par les ensembles vocaux, principalement des duos (pour deux personnages) et des terzettos (pour trois personnages). Ils sont séparés par des récitatifs accompagnés d'un clavecin. Et les deuxième, troisième et dernier actes se terminent par des finales - de grands ensembles avec la participation de six à onze personnages. Les solos sont inclus dans le développement dynamique de l'action de différentes manières. Et dans la partie médiane de la cavatine, le mouvement retenu est remplacé par un mouvement rapide, la gracieuse mélodie à trois temps est remplacée par une mélodie affirmée à deux temps. Ici, Figaro exprime déjà résolument son intention d'empêcher à tout prix les plans insidieux de son maître : 40 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Le numéro le plus célèbre dans le rôle de Figaro est son air « Un garçon fringant , frisé, amoureux. Elle est adressée au jeune page Chérubin. Il a accidentellement entendu le comte essayer de déclarer son amour à Suzanne, et un témoin aussi indésirable a reçu l'ordre de faire son service militaire. Dans son air, Figaro se moque joyeusement et avec humour de la situation actuelle, peignant pour le jeune homme, choyé par la vie de cour, des tableaux de la dure vie militaire. Cela se reflète dans la musique par une combinaison habile de danse vivante et de mouvements de fanfare « militants ». C'est le refrain à trois reprises en forme de rondo : l'autre est un petit air de nature chantée : « Le cœur est remué par le sang chaud ». Il s'agit d'un aveu plus sobre de sentiments tendres, adressé timidement à la comtesse elle-même : Suzanne (soprano) est caractérisée dans de nombreux ensembles comme énergique, adroite et ingénieuse, non inférieure en cela à Figaro. En même temps, son image est subtilement poétisée dans l'air lumineux et rêveur du quatrième acte. Suzanne y lance mentalement un doux appel au Figaro : quant à Chérubin lui-même (son rôle est interprété par une voix féminine grave - mezzo-soprano), il est représenté dans deux airs comme un jeune homme ardent, toujours incapable de comprendre le sien. sentiments, prêt à tomber amoureux à chaque pas. L’un d’eux est un air à la fois joyeux et respectueux « Je ne peux pas dire, je ne peux pas expliquer ». La mélodie s'y combine avec le rythme, comme si elle palpitait par intermittence d'excitation : 41 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Questions et tâches 1. Quand et où a eu lieu la première de l'opéra de Mozart « Les Noces de Figaro » ? 2. Sur quelle comédie est basé son livret ? 3. Quelle est l'idée principale de ce travail ? 4. Comment est construite l’ouverture de l’opéra ? 5. Parlez-nous des caractéristiques des deux numéros solos dans le rôle de Figaro. 6. Quelle voix est attribuée au parti de Chérubin ? Chantez les mélodies de ses airs. 7. Comment Suzanne est-elle caractérisée dans les ensembles et comment dans l'air du quatrième acte ? La quatrième variation (avec la main gauche projetée sur la droite), au contraire, est plus audacieuse. La cinquième variation, où le tempo initial tranquille d'Andante grazioso cède la place à un tempo très lent - Adagio, est un air instrumental mélodieux, coloré de coloraturas. Et puis le changement de tempo vers un tempo rapide (Allegro) correspond au caractère joyeux de la danse de la dernière, sixième variation. La deuxième partie de la sonate est le menuet. Comme d'habitude, il est construit sous forme de reprise en trois parties avec une répétition exacte de la musique du premier mouvement de la reprise. Entre eux se trouve la partie médiane (Trio) 35. Dans toutes les parties du Menuet, les intonations masculines, décisives et impérieuses sont comparées aux intonations féminines, douces et douces, semblables à des exclamations et des appels lyriques expressifs. Sonate en la majeur pour clavier La célèbre sonate en la majeur de Mozart, communément appelée « Sonate avec marche turque », est un cycle de construction inhabituelle. Le premier mouvement n’est pas ici une sonate allegro, mais six variations sur un thème léger et calme, d’une grâce innocemment. Cela ressemble à une chanson qui pourrait être chantée dans la bonne humeur et dans la paix dans la vie musicale viennoise. Son rythme doucement ondulant ressemble au mouvement de la siciliana - une ancienne danse ou chant de danse italien : le compositeur a appelé la troisième partie de la sonate (finale) « A11a Turca » - « Dans le style turc ». Plus tard, le nom de « Marche turque » fut attribué à cette finale. Il n'y a ici rien de commun avec la structure intonationnelle de la musique folklorique et professionnelle turque, inhabituelle pour les oreilles européennes. Mais au XVIIIe siècle, dans la musique européenne, principalement théâtrale, apparaît une mode pour les marches, classiquement appelées « turques ». Ils utilisent la coloration du timbre de l'orchestre des «Janissaires», dominé par les cuivres et instruments à percussion - grosses caisses claires, cymbales, triangle. Les janissaires étaient le nom donné aux soldats des unités d'infanterie de l'armée turque. La musique de leurs marches était perçue par les Européens comme sauvage, bruyante et « barbare ». Il n’y a pas de contrastes marqués entre les variations, mais elles ont toutes un caractère différent. Dans la première variation, un mouvement mélodique élégant et fantaisiste prédomine, dans la seconde, un jeu gracieux est combiné avec une touche humoristique (les notes d'agrément « espiègles » dans la partie de la main gauche sont remarquables). La troisième variation - la seule écrite non pas en la majeur, mais en la mineur - est remplie de figures mélodiques un peu tristes, se déplaçant uniformément, comme avec une douce timidité : à la fin du Trio il y a la désignation « Minuetto da capo » . Italien – « de la tête », « depuis le début ». 35 « Da capo » traduit de 42 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Le finale est écrit sous une forme inhabituelle. Il peut être défini comme une chanson en trois parties avec un refrain (en la majeur). La tenue répétée du chœur donne à la structure du finale les traits d'un rondo36. La première partie - avec des motifs facilement «tournoyants» (la mineur) - et la partie centrale - avec un mouvement de passage mélodieux (fa dièse mineur) - combinent naturellement une danse gracieuse avec une démarche de marche claire : on a longtemps cru que Mozart a composé la sonate en la majeur au cours de l'été 1778 à Paris. Mais ensuite, ils ont découvert des informations selon lesquelles cela s'était produit plusieurs années plus tard, à Vienne. Une telle information est d’autant plus plausible que la première du Singspiel de Mozart « L’Enlèvement au Sérail » y a eu lieu en 1782. Dans ce document, l'action se déroule en Turquie, et dans la musique de l'ouverture et dans les deux chœurs en marche, il y a une imitation notable de la musique des «Janissaires». En plus, c'est bruyant ; Mozart n'a ajouté la coda forgée «Janissaire» en la majeur au finale des sénats qu'en 1784, lors de la publication de l'œuvre. Il convient également de noter que dans la sonate, comme dans « L'Enlèvement au sérail », un rôle important appartient aux genres du chant et de la marche. Dans tout cela, le lien entre la musique instrumentale et la musique théâtrale, très caractéristique de Mozart, s'est révélé. Questions et tâches 1. Qu'y a-t-il d'inhabituel dans le cycle de la sonate en la majeur de Mozart ? Expliquez la nature du thème et les six variations qui en découlent dans la première partie de cet ouvrage. 2. Quel genre de danse est utilisé dans la deuxième partie de la sonate ? 3. Expliquez pourquoi le finale de la sonate en la majeur est appelé la « Marche turque ». Quelle est la particularité de sa construction ? Chantez ses thèmes principaux. 4. À quelle œuvre musicale et théâtrale de Mozart la musique de sa « Marche turque » fait-elle écho ? Symphonie en sol mineur Écrite à Vienne en 1788, la Symphonie en sol mineur ! (n° 40) est l’une des œuvres les plus inspirées du grand compositeur. Le premier mouvement de la symphonie est une sonate allegro au tempo très rapide. Cela commence par le thème de la partie principale, qui captive immédiatement comme une confession lyrique confidentielle et sincère. Il est chanté par des violons accompagnés par le doux balancement d'autres instruments à cordes. Dans sa mélodie, on retrouve le même rythme excité qu’au début du premier air de Chérubin de l’opéra « Les Noces de Figaro » (voir exemple 37). Mais maintenant ce sont des paroles plus "adultes", sérieuses et courageuses : Le refrain (en la majeur) sonne trois fois, il s'apparente à une sorte de "chorus de bruit de janissaire", dans la partie de la main gauche on peut entendre une imitation d'un roulement de tambour : À cet égard, la « Marche turque » est parfois appelée « Rondo à la turque » (« Rondo alla Turca »). 36 43 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie Un petit développement). Mais il n'y a pas de contrastes, tout est subordonné à l'ambiance générale lumineuse, qui dès le début est déterminée dans la partie principale, jouée par les instruments à cordes : la masculinité du caractère s'intensifie dans la partie de connexion, dans laquelle la partie principale se développe. Il y a une modulation en sol mineur parallèle si bémol majeur - la tonalité de la partie latérale. Son thème est plus léger, plus gracieux et féminin par rapport au thème principal. Il est coloré par des intonations chromatiques, ainsi que par des timbres alternés de cordes et d'instruments à vent : dans la septième mesure, apparaît ici une figure légèrement « flottante » de deux trente secondes. Par la suite, soit il pénètre les lignes mélodiques de tous les thèmes, soit il semble les envelopper, apparaissant dans différents registres pour différents instruments. Ce sont comme des échos des voix d’une nature paisible. Seulement parfois un peu inquiets, on les entend de près ou de loin. Selon la tradition établie, la troisième partie de la symphonie est le Menuet. Mais seule la partie médiane - le Trio - y est clairement traditionnelle. Avec son mouvement fluide, la mélodie des voix et sa tonalité en sol majeur, le trio déclenche les sections principales et extrêmes en sol mineur de ce menuet, généralement inhabituel par sa tension lyrique et dramatique. Il semble qu’après la contemplation tranquille de la nature incarnée dans l’Andante, nous devions maintenant retourner au monde d’angoisses et de troubles spirituels qui dominaient la première partie de la symphonie. Cela correspond au retour de la tonalité principale de la symphonie - Sol mineur : Un nouvel élan d'énergie se produit dans la partie finale. Ici, le rôle principal appartient au développement répété et persistant du premier motif - à trois voix - du thème de la partie principale. Avec le début d’une évolution assez étrange, les nuages semblent s’accumuler de manière alarmante. Du brillant si bémol majeur, il y a un virage brusque vers la tonalité sombre et lointaine du fa dièse mineur. Le thème de la partie principale se développe de manière spectaculaire au cours du développement. Il passe par un certain nombre de tonalités, est divisé en phrases et motifs distincts, et ils sont souvent imités par les différentes voix de l'orchestre. Le premier motif de ce thème palpite très intensément. Mais finalement sa pulsation s'affaiblit, retient son inquiétude, et une reprise se produit. Cependant, l'influence de la haute intensité dramatique atteinte dans le développement se fait également sentir dans cette section de la première partie. Ici, la longueur de la partie de liaison augmente considérablement, cela conduit à la présentation des parties latérales et finales non pas en majeur, mais dans la tonalité principale de sol mineur, ce qui rend leur son plus dramatique. Le deuxième mouvement de la symphonie est Andante en mi bémol majeur. Il contraste avec la première partie lyrique-dramatique avec sa douce et douce tranquillité. La forme Andante est également une sonate (sol mineur étant la tonalité principale du quatrième mouvement de la symphonie - le finale, qui se déroule à un tempo très rapide. Le finale est écrit sous forme de sonate. Le thème principal de cette partie de la symphonie est le thème de la partie principale. Avec le thème de la partie principale du premier mouvement, il appartient aux thèmes instrumentaux les plus brillants de Mozart. Mais si le thème de la première partie sonne comme une confession lyrique tendre et respectueuse, alors le thème. du finale est un appel lyrique et dramatique passionné, plein de courage et qui décidera 44 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie 2. Parlez-nous des thèmes principaux de la première partie de la symphonie et de leur développement. 3. Quel est le caractère de la musique dans les deuxième et troisième parties de la symphonie ? 4. Quel est le thème principal du finale de la symphonie ? En quoi son caractère diffère-t-il du thème de la partie principale de la première partie ? final ? Sur quoi repose le développement ? Œuvres principales Cet appel enflammé est créé par la montée rapide de la mélodie au fil des sons des accords, son impulsion semble être répondue par des figures mélodiques énergiques tournant autour d'un son. Comme dans le premier mouvement de la symphonie, le thème gracieux de la partie latérale du finale sonne particulièrement brillant dans l'exposition lorsqu'il est interprété en si bémol majeur : 19 opéras Requiem Environ 50 symphonies 27 concertos pour clavier et orchestre 5 concertos pour violon et orchestre Concertos avec accompagnement d'orchestre flûtes, clarinette, basson, cor, flûte et harpe Quatuors à cordes (plus de 20) et quintettes Sonates pour clavier, violon et clavier Variations, fantaisies, rondos, menuets pour clavier La partie finale est basée sur le deuxième élément du thème de la partie principale. Dans le développement du finale, le premier élément invocateur du thème de la partie principale est développé de manière particulièrement intensive. Une tension dramatique élevée est obtenue par la concentration de techniques de développement harmonique et polyphonique - en dirigeant dans de nombreuses tonalités et en imitant les appels nominaux. Dans la reprise, la conduite de la partie latérale dans la tonalité principale de sol mineur est légèrement teintée de tristesse. Et le deuxième élément du thème de la partie principale (figures affirmatives et énergiques), comme dans l'exposition, résonne au cœur de la partie finale de la reprise. En conséquence, le final de cette brillante création mazartienne forme un sommet lyrico-dramatique brillant de l'ensemble du cycle sonate-symphonique, sans précédent dans sa détermination de développement figuratif de bout en bout. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Le grand compositeur allemand Ludwig van Beethoven est le plus jeune des trois brillants musiciens que l'on appelle les classiques viennois. Beethoven a eu l’opportunité de vivre et de créer au tournant des XVIIe et XIXe siècles, à une époque de profonds changements et bouleversements sociaux. Sa jeunesse a coïncidé avec l'époque, Questions et tâches 1. Quand et où Mozart a-t-il créé la Symphonie n° 40 en sol mineur ? 45 www.classon.ru L'éducation des enfants dans le domaine de l'art en Russie
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Titre : Littérature musicale des pays étrangers
À propos du livre « Littérature musicale des pays étrangers » de I. A. Prokhorov
Le manuel intitulé « Littérature musicale des pays étrangers », rédigé par I. Prokhorova, est destiné à une étude indépendante. Cela explique la concision et l'accessibilité de la présentation du matériel.
Le livre « Littérature musicale des pays étrangers » présentera aux étudiants de courtes biographies et les meilleures œuvres de compositeurs célèbres. Les enfants pourront découvrir la vie et l'œuvre de génies tels que I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert et F. Chopin. I. Prokhorova n'a pas décrit les histoires avec trop de détails compositeurs talentueux, dans le manuel vous trouverez les principales dates de vie, l'origine, les grades et titres, le domaine d'activité, les conditions qui ont influencé le choix de la profession. Le livre racontera les principales étapes de la vie et du travail des musiciens, leurs opinions socio-politiques.
La publication « Littérature musicale des pays étrangers » est destinée aux étudiants des écoles de musique, cependant, tous ceux qui aiment les œuvres classiques trouveront quelque chose d'intéressant dans ce livre. Le texte de I. Prokhorov a été enrichi d’explications sur certains concepts musicaux et extra-musicaux, ce qui le rend moins académique. La partie décrivant la vie des musiciens est présentée dans le contexte historique et une vie culturelle Pays européens de cette période. Cela donne aux étudiants l’opportunité d’acquérir une compréhension plus profonde et plus large des conditions dans lesquelles vivaient et travaillaient les compositeurs légendaires.
Le livre « Littérature musicale des pays étrangers » étant destiné à la lecture à domicile, toutes les œuvres symphoniques qui y sont présentes sont proposées dans un arrangement à quatre mains. Il est à noter que l'histoire de l'œuvre de Bach, qui, selon le programme, est étudiée en toute fin d'année, est placée au début. L'auteur a pris cette mesure afin de maintenir la chronologie de la présentation.
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Les notes de base sur la littérature musicale des pays étrangers s'ajoutent aux manuels existants sur la littérature musicale. Le contenu du manuel correspond au programme de la matière PO.02.UP.03. « Littérature musicale » des programmes complémentaires de formation générale préprofessionnelle dans le domaine de l'art musical « Piano », « Instruments à cordes", "Instruments à vent et à percussion", "Instruments folkloriques", "Chant choral", recommandés par le Ministère de la Culture de la Fédération de Russie.
Les notes de base sur la littérature musicale sont conçues pour développer l'éducation humanitaire et les compétences particulières des étudiants, notamment : "...pour former la pensée musicale, les compétences de perception et d'analyse des œuvres musicales, acquérir des connaissances sur les lois de la forme musicale, les spécificités du langage musical, les moyens d'expression de la musique" 1 .
Dans le manuel, le travail des compositeurs est présenté dans le contexte des époques culturelles et historiques et est étudié en relation étroite avec les événements historiques et les arts connexes. Le matériel des notes représente les principales thèses de recherche sur l'histoire de la musique et la littérature musicale de V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova et d'autres musicologues célèbres, du matériel pédagogique généralisé et condensé sous la forme de tableaux, diagrammes et supports visuels. Les supports visuels (reproductions de tableaux d'artistes célèbres, portraits de compositeurs, de leurs proches et amis, personnalités culturelles et artistiques marquantes, personnages historiques, etc.) non seulement accompagnent et complètent l'information verbale, mais sont porteurs d'informations dans le domaine des beaux-arts , sont directement liés aux époques et aux tendances de la musique, aux œuvres des compositeurs, reflètent l'histoire, la culture et l'art des pays européens.
Le contenu des notes d'accompagnement se compose de quatre sections, elles-mêmes divisées en thèmes couvrant les périodes de développement de la musique européenne, depuis la culture musicale de la Grèce antique jusqu'à l'œuvre des compositeurs romantiques du XIXe siècle. Ainsi, la première section examine la culture musicale de la Grèce antique, du Moyen Âge et de la Renaissance. La deuxième section étudie l'époque baroque, l'œuvre de J. S. Bach et de G. F. Handel. La troisième section est consacrée à l'ère du classicisme, où l'accent est mis sur les œuvres des classiques viennois - J. Haydn, W. A. Mozart et L. Beethoven. La quatrième section présente des documents sur l'ère du romantisme, l'œuvre de F. Schubert et F. Chopin, et donne un bref aperçu de l'œuvre des compositeurs romantiques du XIXe siècle F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.
Le manuel comprend également des dictionnaires de significations, de termes et de concepts trouvés dans le texte, une brève analyse et des exemples musicaux des œuvres étudiées.
Outre la présentation stricte du matériel sous forme de tableaux et de diagrammes, le manuel comprend Faits intéressants de la vie des compositeurs, présenté sous forme de récit et accompagné d'illustrations artistiques colorées, qui rafraîchissent la perception et l'attention des enfants.
Les notes de base sur la littérature musicale des pays étrangers sont destinées aux étudiants des écoles d'art pour enfants, des écoles de musique pour enfants des deuxième et troisième années d'études (5e et 6e années), qui étudient dans des programmes supplémentaires de formation générale préprofessionnelle dans le domaine de l'art musical. . Les enseignants de théorie musicale et de disciplines spéciales des écoles de musique pour enfants et des écoles d'art pour enfants peuvent utiliser le manuel pour étudier de nouveaux matériels, répéter et systématiser les sujets abordés, préparer la certification intermédiaire et finale des étudiants, préparer les Olympiades de théorie musicale, le travail indépendant de étudiants, formation de groupe et individuelle, en partie lors de la mise en œuvre de programmes de développement général supplémentaires dans le domaine de l'art musical, dans les activités culturelles et éducatives.
Joint aux notes justificatives classeur, qui est destiné à être utilisé dans l’enseignement en classe.
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1 Exemple de programme pour la matière académique PO.02. UP.03. Littérature musicale. - Moscou 2012
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