Le mot « orchestre » est désormais familier à tous les écoliers. C'est le nom d'un grand groupe de musiciens qui interprètent ensemble un morceau de musique. pendant ce temps à La Grèce ancienne Le terme « orchestre » (à partir duquel le mot moderne « orchestre » a ensuite été formé) désignait la zone devant la scène où se trouvait le chœur, acteur indispensable de la tragédie grecque antique. Plus tard, un groupe de musiciens a commencé à s'installer sur le même site, et on l'appelait « orchestre ».
Des siècles ont passé. Et maintenant, le mot « orchestre » lui-même n’a plus de signification particulière. Il existe aujourd'hui différents orchestres : cuivres, folk, accordéons, de chambre, pop-jazz, etc. Mais aucun d'entre eux ne résiste à la concurrence du « miracle sonore » ; C’est ainsi qu’on appelle souvent et, bien sûr, à juste titre, un orchestre symphonique.
Les possibilités d'un orchestre symphonique sont vraiment infinies. À sa disposition se trouvent toutes les nuances de sonorité, des vibrations et bruissements à peine audibles aux puissants carillons tonitruants. Et il ne s'agit même pas de l'étendue même des nuances dynamiques (elles sont disponibles pour n'importe quel orchestre), mais de cette expressivité captivante qui accompagne toujours le son des véritables chefs-d'œuvre symphoniques. Des combinaisons de timbres, de puissantes montées et descentes ondulatoires, des signaux solo expressifs et des couches de sons « d'orgue » fusionnés viennent ici à la rescousse.
Écoutez quelques exemples de musique symphonique. Rappelez-vous l'image de conte de fées du célèbre compositeur russe A. Lyadov, "Le Lac Magique", étonnante par son silence émouvant. Le sujet de l’image ici est la nature dans son état intact et statique. Le compositeur le souligne également dans sa déclaration à propos du « Lac magique » : « Comme c'est pittoresque, propre, avec des étoiles et du mystère dans les profondeurs ! Et surtout - sans les gens, sans leurs demandes et leurs plaintes - seulement une nature morte - froide, maléfique, mais fantastique, comme dans un conte de fées.» Cependant, le score de Lyadov ne peut pas être qualifié de mort ou de froid. Au contraire, il est réchauffé par un sentiment lyrique chaleureux - respectueux, mais retenu.
Le célèbre musicologue soviétique B. Asafiev a écrit que dans ce « tableau musical poétique et contemplatif… l’œuvre de Lyadov maîtrise la sphère du paysage symphonique lyrique ». La palette colorée de « Magic Lake » est composée de sons voilés et étouffés, de bruissements, de bruissements, d'éclaboussures et de vibrations à peine perceptibles. De fines touches ajourées prédominent ici. Les accumulations dynamiques sont réduites au minimum. Toutes les voix orchestrales portent une charge visuelle indépendante. Il n’y a pas de développement mélodique au vrai sens du terme ; comme des reflets vacillants, des phrases-motifs courts individuels brillent... Lyadov, qui savait "entendre le silence" avec sensibilité, peint avec une habileté étonnante l'image d'un lac enchanté - une image enfumée mais inspirée, pleine d'un arôme fabuleux et pure , chaste beauté. Un tel paysage ne pourrait être « peint » qu'avec l'aide d'un orchestre symphonique, car aucun instrument ni aucun autre « organisme orchestral » n'est capable de représenter une telle image visuelle et de lui trouver des couleurs et des nuances de timbre aussi subtiles.
Mais voici un exemple du type opposé - le final du célèbre "Poème d'extase" d'A. Scriabine. Le compositeur montre dans cette œuvre la diversité des états et des actions humaines dans un développement constant et logiquement réfléchi ; la musique véhicule systématiquement l'inertie, l'éveil de la volonté, la confrontation avec les forces menaçantes, la lutte contre elles. Le point culminant suit le point culminant. Vers la fin du poème, la tension monte, préparant une nouvelle ascension encore plus grandiose. L’épilogue du « Poème de l’extase » se transforme en un tableau éblouissant d’une ampleur colossale. Sur un fond scintillant et chatoyant de toutes les couleurs (un orgue est également relié à l'immense orchestre), huit cors et une trompette proclament joyeusement le thème principal thème musical, dont la sonorité atteint vers la fin une force surhumaine. Aucun autre ensemble ne peut atteindre une telle puissance et une telle majesté sonore. Seul un orchestre symphonique est capable d'exprimer à la fois de manière aussi riche et colorée le plaisir, l'extase et un élan frénétique de sentiments.
Le « Lac magique » de Lyadov et l'épilogue du « Poème de l'extase » sont, pour ainsi dire, les pôles sonores et dynamiques extrêmes de la riche palette sonore de l'orchestre symphonique.
Passons maintenant à un exemple d’un autre genre. La deuxième partie de la Onzième Symphonie de D. Chostakovitch a le sous-titre « 9 janvier ». Le compositeur y raconte les terribles événements du « Bloody Sunday ». Et à ce moment-là, où les cris et les gémissements de la foule, les salves de fusils, le rythme de fer des pas d'un soldat se fondent dans une image sonore d'une force et d'une puissance étonnantes, le barrage assourdissant prend fin brusquement... Et dans le silence qui s'ensuit, dans le murmure « sifflant » des instruments à cordes et le chant calme et triste du chœur peuvent être clairement entendus. Selon la définition pertinente du musicologue G. Orlov, on a l’impression « comme si l’air de la place du Palais gémissait de chagrin à la vue de l’atrocité qui s’était produite ». Possédant un sens du timbre exceptionnel et une brillante maîtrise de l'écriture instrumentale, D. Chostakovitch a su créer l'illusion d'un son choral par des moyens purement orchestraux. Il y a même eu des cas où, lors des premières représentations de la Onzième Symphonie, les auditeurs n'arrêtaient pas de se lever de leur siège, pensant qu'il y avait un chœur sur scène derrière l'orchestre...
Un orchestre symphonique est capable de transmettre une grande variété d’effets naturalistes. Oui, exceptionnel compositeur allemand Richard Strauss, dans le poème symphonique « Don Quichotte », illustrant un épisode célèbre du roman de Cervantes, a étonnamment représenté « visuellement » le bêlement d’un troupeau de moutons dans l’orchestre. Dans la suite compositeur français Le "Carnaval des animaux" de C. Saint-Saëns traduit avec humour les cris des ânes, la démarche maladroite d'un éléphant et l'appel agité des poules et des coqs. Le Français Paul Dukas dans le scherzo symphonique « L'apprenti sorcier » (écrit sur la base de la ballade du même nom de V. Goethe) a brillamment peint un tableau de l'élément eau sauvage (en l'absence du vieux sorcier, l'étudiant décide de transforme le balai en serviteur : il l'oblige à porter de l'eau, qui inonde peu à peu toute la maison). Il n'est même pas nécessaire de dire combien d'effets onomatopées sont disséminés dans la musique d'opéra et de ballet ; ici, ils sont également transmis par le biais d'un orchestre symphonique, mais sont motivés par la situation scénique immédiate, et non par un programme littéraire, comme dans les œuvres symphoniques. Il suffit de rappeler des opéras tels que « Le Conte du tsar Saltan » et « La Fille des neiges » de N. Rimsky-Korsakov, le ballet « Petrouchka » de I. Stravinsky et d'autres. Des extraits ou des suites de ces œuvres sont souvent interprétés lors de concerts symphoniques. .
Et combien de tableaux magnifiques, presque visuels éléments marins on le retrouve dans la musique symphonique ! La Suite "Schéhérazade" de N. Rimsky-Korsakov, "La Mer" de C. Debussy, l'ouverture "Le calme de la mer et la navigation heureuse" de F. Mendelssohn, les fantaisies symphoniques "La Tempête" de P. Tchaïkovski et "La Mer" de A. Glazunov - la liste de ces œuvres est très longue . De nombreuses œuvres ont été écrites pour l'orchestre symphonique, représentant des images de la nature ou contenant des croquis de paysages appropriés. Citons, par exemple, la Sixième Symphonie ("Pastorale") de L. Beethoven avec l'image d'un orage soudain qui frappe par la puissance de son image, l'image symphonique de A. Borodine "En Asie centrale", la fantaisie symphonique de A. Glazunov " Forêt", la "scène aux champs" des Symphonies fantastiques de G. Berlioz. Cependant, dans toutes ces œuvres, la représentation de la nature est toujours liée au monde émotionnel du compositeur lui-même, ainsi qu'à l'idée qui détermine la nature de l'œuvre dans son ensemble. Et en général, les moments descriptifs, naturalistes, onomatopées occupent une très faible proportion dans les toiles symphoniques. De plus, la musique à programme elle-même, c'est-à-dire la musique qui véhicule systématiquement une intrigue littéraire, n'occupe pas non plus une place prépondérante parmi les genres symphoniques. La principale chose dont un orchestre symphonique peut être fier est sa riche palette de moyens d'expression divers, ce sont des possibilités colossales, encore non épuisées. diverses combinaisons et combinaisons d'instruments, ce sont les ressources timbrales les plus riches de tous les groupes qui composent l'orchestre.
Un orchestre symphonique se distingue nettement des autres groupes instrumentaux par le fait que sa composition est toujours strictement définie. Prenons, par exemple, les nombreux ensembles pop-jazz qui existent désormais en abondance dans presque tous les coins du globe. Ils ne se ressemblent pas du tout : le nombre d'instruments varie (de 3-4 à deux douzaines ou plus) ainsi que le nombre de participants. Mais le plus important est que ces orchestres ne se ressemblent pas dans leur sonorité. Certains sont dominés par les cordes, d'autres par les saxophones et les cuivres ; dans certains ensembles, le rôle principal est joué par le piano (soutenu par la batterie et la contrebasse) ; les orchestres pop de différents pays comprennent des instruments nationaux, etc. Ainsi, presque tous les orchestres pop ou jazz n'adhèrent pas à une composition instrumentale strictement définie, mais utilisent librement des combinaisons de divers instruments. Ainsi, un même morceau sonne différemment selon les différents groupes pop-jazz : chacun d’eux propose son traitement spécifique. Et cela se comprend : après tout, le jazz est un art fondamentalement improvisé.
Ils sont différents fanfares. Certains sont constitués exclusivement de cuivres (avec inclusion obligatoire de percussions). Et la plupart d'entre eux ne peuvent se passer des bois - flûtes, hautbois, clarinettes, bassons. Les orchestres d'instruments folkloriques diffèrent également les uns des autres : l'orchestre folklorique russe n'est pas similaire à l'orchestre kirghize, et l'orchestre italien n'est pas comme orchestres folkloriques Pays scandinaves. Et seul un orchestre symphonique - le plus grand organisme musical - possède une composition établie de longue date et strictement définie. Ainsi, une œuvre symphonique écrite dans un pays peut être interprétée par n’importe quel ensemble symphonique d’un autre pays. Le langage de la musique symphonique est donc véritablement un langage international. Il est utilisé depuis plus de deux siècles. Et il ne vieillit pas. De plus, nulle part il n’y a autant de changements « internes » intéressants que dans le monde moderne. orchestre symphonique. D'une part, souvent reconstitué de nouvelles couleurs de timbre, l'orchestre s'enrichit chaque année, d'autre part, sa charpente principale, constituée dès le XVIIIe siècle, se dessine de plus en plus clairement. Et parfois, les compositeurs de notre temps, se tournant vers une composition aussi « démodée », prouvent une fois de plus combien ses capacités expressives sont encore grandes...
Peut-être qu’aucun autre groupe musical n’a créé une musique aussi merveilleuse ! Dans la brillante galaxie des compositeurs symphoniques, les noms de Haydn et Mozart, Beethoven et Schubert, Mendelssohn et Schumann, Berlioz et Brahms, Liszt et Wagner, Grieg et Dvorak, Glinka et Borodine, Rimski-Korsakov et Tchaïkovski, Rachmaninov et Scriabine, Glazunov et Taneyev, brillent Mahler et Bruckner, Debussy et Ravel, Sibelius et R. Strauss, Stravinsky et Bartok, Prokofiev et Chostakovitch. De plus, l'orchestre symphonique, comme on le sait, est un participant indispensable aux représentations d'opéra et de ballet. C'est pourquoi, aux centaines d'œuvres symphoniques, il faut ajouter ces fragments d'opéras et de ballets dans lesquels l'orchestre (et non les solistes, le chœur ou simplement l'action scénique) joue un rôle primordial. Mais ce n'est pas tout. Nous regardons des centaines de films et la plupart sont « sonnés » par un orchestre symphonique.
La radio, la télévision, les disques compacts et, à travers eux, la musique symphonique sont désormais fermement ancrés dans nos vies. Dans de nombreux cinémas, de petits orchestres symphoniques jouent avant les projections. De tels orchestres sont également créés dans le cadre de spectacles amateurs. En d’autres termes, dans l’immense, presque immense océan de musique qui nous entoure, une bonne moitié est d’une manière ou d’une autre liée au son symphonique. Symphonies et oratorios, opéras et ballets, concerts et suites instrumentaux, musique de théâtre et de cinéma - tous ces genres (et bien d'autres) ne peuvent tout simplement pas se passer d'un orchestre symphonique.
Cependant, il serait erroné de supposer que tout composition musicale peut être joué dans un orchestre. Après tout, il semblerait que connaissant les principes et les lois de l'instrumentation, tout musicien compétent puisse orchestrer un piano ou une autre pièce, c'est-à-dire l'habiller d'une tenue symphonique lumineuse. Cependant, dans la pratique, cela arrive relativement rarement. Ce n'est pas un hasard si N. Rimsky-Korsakov a dit que l'instrumentation est « l'un des aspects de l'âme de la composition elle-même ». C'est pourquoi, réfléchissant déjà à l'idée, le compositeur compte sur une certaine composition instrumentale. Par conséquent, des pièces légères et sans prétention et des toiles grandioses à grande échelle peuvent être écrites pour un orchestre symphonique.
Il existe cependant des cas où une composition reçoit une seconde vie dans une nouvelle version symphonique. C’est ce qui s’est produit avec le brillant cycle pour piano de M. Moussorgski, « Tableaux d’une exposition » : il a été magistralement orchestré par M. Ravel. (Il y a eu d'autres tentatives, moins réussies, d'orchestrer des Tableaux d'une exposition.) Les partitions des opéras « Boris Godounov » et « Khovanshchina » de M. Moussorgski ont repris vie sous les mains de D. Chostakovitch, qui a réalisé leur nouvelle édition orchestrale. . Parfois, dans l’héritage créatif du compositeur, deux versions d’une même œuvre coexistent paisiblement – solo-instrumentale et symphonique. Il existe peu d’exemples de ce type, mais ils sont très intéressants. La Pavane de Ravel existe en version piano et orchestrale, et toutes deux vivent une vie de concert égale. Prokofiev a orchestré le mouvement lent de sa Quatrième Sonate pour piano, ce qui en fait une œuvre indépendante et purement symphonique. Le compositeur de Leningrad S. Slonimsky a écrit le cycle vocal « Chants des hommes libres » basé sur des textes folkloriques ; Cette composition comporte également deux versions d'importance artistique égale : l'une est accompagnée par un piano, l'autre est accompagnée d'un accompagnement orchestral. Cependant, le plus souvent, lorsqu'un compositeur se met au travail, il a une bonne idée non seulement de l'idée de la composition, mais aussi de son incarnation du timbre. Et des genres tels que la symphonie, le concerto instrumental, le poème symphonique, la suite, la rhapsodie, etc. sont toujours étroitement liés au son d'un orchestre symphonique, pourrait-on même dire, indissociables de celui-ci.
Instruments à vent
Flûte (flûte italienne, flûte française, flûte allemande, flûte anglaise)
La flûte est l'un des instruments les plus anciens au monde, connu dans l'Antiquité - en Égypte, en Grèce et à Rome. Depuis l’Antiquité, les gens ont appris à extraire des sons musicaux à partir de roseaux coupés et fermés à une extrémité. Cet instrument de musique primitif était apparemment un lointain ancêtre de la flûte. En Europe au Moyen Âge, deux types de flûtes se sont répandus : droites et transversales. La flûte droite, ou « flûte à pointe », était tenue droite devant vous, comme un hautbois ou une clarinette ; oblique ou transversal - sous un angle. La flûte traversière s'est avérée plus viable, car elle était facile à améliorer. Au milieu du XVIIIe siècle, elle remplace finalement la flûte directe de l'orchestre symphonique. Dans le même temps, la flûte, avec la harpe et le clavecin, est devenue l'un des instruments les plus appréciés pour la musique à la maison. La flûte, par exemple, était jouée par l'artiste russe Fedotov et le roi de Prusse Frédéric II.
La flûte est l'instrument le plus agile du groupe à vent : en termes de virtuosité, elle surpasse tous les autres instruments à vent. Un exemple en est la suite de ballet « Daphnis et Chloé » de Ravel, dans laquelle la flûte agit en réalité comme un instrument soliste.
La flûte est un tube cylindrique, en bois ou en métal, fermé d'un côté - au niveau de la tête. Il y a aussi un trou latéral pour l'injection d'air. Jouer de la flûte traversière nécessite beaucoup de consommation d'air : en soufflant, une partie se brise sur le bord tranchant du trou et s'échappe. Cela donne lieu à un sifflement caractéristique, notamment dans le registre grave. Pour la même raison, les notes soutenues et les mélodies larges sont difficiles à jouer à la flûte.
Rimski-Korsakov a décrit la sonorité de la flûte comme suit : « Le timbre est froid, plus adapté aux mélodies de nature gracieuse et frivole en majeur, et avec une touche de tristesse superficielle en mineur. »
Les compositeurs utilisent souvent un ensemble de trois flûtes. Un exemple est la danse des bergères de "Casse-Noisette" de Tchaïkovski..
Hautbois (allemand : hautbois)
Le hautbois rivalise avec la flûte par son antiquité d'origine : il fait remonter son ascendance à la flûte primitive. Parmi les ancêtres du hautbois, le plus répandu était l'aulos grec, sans lequel les anciens Hellènes ne pouvaient imaginer ni une fête ni une représentation théâtrale. Les ancêtres du hautbois sont venus du Moyen-Orient en Europe.
Au XVIIe siècle, le hautbois est créé à partir de la bombarda, un instrument de type tuyau, qui devient immédiatement populaire dans l'orchestre. Bientôt, il devint un instrument de concert. Depuis près d’un siècle, le hautbois est l’idole des musiciens et des mélomanes. Les meilleurs compositeurs des XVIIe et XVIIIe siècles - Lully, Rameau, Bach, Haendel - ont rendu hommage à ce passe-temps : Haendel, par exemple, a écrit des concertos pour hautbois, dont la difficulté peut dérouter même les hautboïstes modernes. Cependant, au début du XIXe siècle, le « culte » du hautbois dans l'orchestre s'est quelque peu estompé et le rôle principal dans le groupe à vent est passé à la clarinette.
Dans sa structure, le hautbois est un tube conique ; à une extrémité se trouve une petite cloche en forme d'entonnoir, à l'autre il y a une canne que l'interprète tient dans sa bouche.
Grâce à certaines caractéristiques de conception, le hautbois ne perd jamais son accordage. C'est donc devenu une tradition d'y accorder tout l'orchestre. Devant un orchestre symphonique, lorsque les musiciens se rassemblent sur scène, on entend souvent le hautboïste jouer le A dans la première octave, tandis que d'autres interprètes accordent leurs instruments.
Le hautbois a une technique flexible, bien qu'il soit inférieur à cet égard à la flûte. Il s'agit plus d'un instrument de chant que d'un instrument virtuose : son domaine est généralement la tristesse et l'élégance. C’est ainsi que sonnent le thème des cygnes de l’entracte au deuxième acte du Lac des cygnes et la mélodie simple et mélancolique du deuxième mouvement de la 4e symphonie de Tchaïkovski. Parfois, le hautbois se voit attribuer des « rôles comiques » : dans « La Belle au bois dormant » de Tchaïkovski, par exemple, dans la variation « Chat et minou », le hautbois imite de manière amusante le miaulement d’un chat.
Basson (fagotto italien, fagott allemand, basson français, basson anglais)
L'ancêtre du basson est considéré comme un ancien tuyau de basse - la bombarda. Le basson qui l'a remplacé a été construit par le chanoine Afranio degli Albonesi dans la première moitié du XVIe siècle. Le grand tube de bois, plié en deux, ressemblait à un fagot de bois de chauffage, ce qui se reflète dans le nom de l'instrument (le mot italien fagotto signifie « fagot »). Le basson a captivé ses contemporains par l'euphonie du timbre, qui, contrairement à la voix rauque des bombardes, ont commencé à l'appeler « dolcino » - doux.
Par la suite, tout en conservant sa silhouette extérieure, le basson subit de sérieuses améliorations. À partir du XVIIe siècle, il rejoint l'orchestre symphonique et, à partir du XVIIIe siècle, l'orchestre militaire. Le fût conique en bois du basson est très grand, il est donc « plié » en deux. Un tube métallique incurvé est fixé au sommet de l'instrument, sur lequel est placée une canne. Pendant qu'il joue, le basson est suspendu à une corde fixée au cou de l'interprète.
Au XVIIIe siècle, l’instrument jouissait d’un grand amour parmi ses contemporains : certains le qualifiaient de « fier », d’autres le qualifiaient de « doux, mélancolique, religieux ». Rimski-Korsakov a défini la couleur du basson d'une manière tout à fait unique : « Le timbre est sénilement moqueur en majeur et douloureusement triste en mineur. » Jouer du basson demande beaucoup de respiration, et le forte dans le registre grave peut provoquer une fatigue extrême chez l'interprète. Les fonctions de l'outil sont très diverses. Certes, au XVIIIe siècle, ils se limitaient souvent à soutenir des contrebasses à cordes. Mais au XIXe siècle, avec Beethoven et Weber, le basson devient la voix individuelle de l'orchestre, et chacun des maîtres ultérieurs y trouve de nouvelles propriétés. Meyerbeer, dans « Robert le Diable », faisait représenter aux bassons « des rires mortels, d’où le givre rampe sur la peau » (selon les mots de Berlioz). Rimski-Korsakov dans « Schéhérazade » (l'histoire de Kalender le Tsarévitch) a découvert un narrateur poétique dans le basson. Le basson joue particulièrement souvent dans ce dernier rôle - c'est probablement pourquoi Thomas Mann a qualifié le basson d'« oiseau moqueur ». On en trouve des exemples dans le Scherzo humoristique pour quatre bassons et dans Pierre et le loup de Prokofiev, où le basson se voit attribuer le « rôle » de grand-père, ou au début du finale de la Neuvième Symphonie de Chostakovitch.
contrebasson
Les variétés de basson se limitent à notre époque à un seul représentant: le contrebasson. C'est l'instrument le plus bas de l'orchestre. Seule la basse à pédale de l'orgue sonne plus bas que les sons extrêmes du contrebasson.
L'idée de poursuivre l'échelle du basson vers le bas est apparue il y a très longtemps - le premier contrebasson a été construit en 1620. Mais il était si imparfait que jusqu'à la fin du XIXe siècle, lorsque l'instrument fut amélioré, il fut très peu utilisé : occasionnellement par Haydn, Beethoven, Glinka.
Un contrebasson moderne est un instrument courbé trois fois : sa longueur dépliée est de 5 m 93 cm (!) ; en termes de technique, il ressemble à un basson, mais il est moins agile et possède un timbre épais, presque semblable à celui d'un orgue. Les compositeurs du XIXe siècle - Rimski-Korsakov, Brahms - se tournaient généralement vers le contrebasson pour rehausser les basses. Mais parfois des solos intéressants sont écrits pour lui. Ravel, par exemple, dans « Conversation entre la Belle et la Bête » (ballet « My Mother Goose ») lui attribue la voix du monstre.
Clarinette (clarinette italienne, clarinette allemande, clarinette française)
Si le hautbois, la flûte et le basson font partie de l'orchestre depuis plus de quatre siècles, la clarinette ne s'est solidement implantée qu'au XVIIIe siècle. L'ancêtre de la clarinette était un instrument folklorique médiéval - la flûte Chalumeau. On pense qu'en 1690 le maître allemand Denner a réussi à l'améliorer. Le registre supérieur de l'instrument étonnait les contemporains par son timbre aigu et perçant - il leur rappelait immédiatement le son d'une trompette, qu'on appelait à l'époque « clarino ». Le nouvel instrument s’appelait clarinette, ce qui signifie « petite trompette ».
En apparence, la clarinette ressemble à un hautbois. Il s'agit d'un tube cylindrique en bois muni d'une cloche en forme de corolle à une extrémité et d'un bout de canne à l'autre.
De tous les bois, seule la clarinette peut modifier la force sonore de manière flexible. Ceci et bien d’autres qualités de la clarinette ont fait de son son l’une des voix les plus expressives de l’orchestre. Il est curieux que deux compositeurs russes, traitant de la même intrigue, aient agi exactement de la même manière : dans les deux « Fillettes des neiges » - de Rimski-Korsakov et de Tchaïkovski - les airs de berger de Lel sont confiés à la clarinette.
Le timbre de la clarinette est souvent associé à des situations sombres et dramatiques. Ce domaine d'expressivité a été « découvert » par Weber. Dans la scène "Wolf Valley" de "The Magic Shooter", il a d'abord deviné quels effets tragiques se cachaient dans le registre grave de l'instrument. Tchaïkovski utilisa plus tard le son étrange des clarinettes basses dans La Dame de Pique lorsque le fantôme de la Comtesse apparaît.
Petite clarinette.
La petite clarinette est venue à l'orchestre symphonique de l'orchestre de cuivres militaire. Berlioz l'utilisa pour la première fois en lui confiant le « thème bien-aimé » déformé du dernier mouvement de la Symphonie Fantastique. Wagner, Rimski-Korsakov et R. Strauss se sont souvent tournés vers la petite clarinette. Chostakovitch.
Bassethorn.
A la fin du XVIIIe siècle, la famille des clarinettes s'enrichit d'un membre supplémentaire : le cor de basset fait son apparition dans l'orchestre - ancienne variété clarinette alto. Elle était plus grande que l'instrument principal et son timbre - calme, solennel et mat - occupait une position intermédiaire entre une clarinette ordinaire et une clarinette basse. Il ne resta dans l'orchestre que quelques décennies et doit son apogée à Mozart. C'est pour deux cors de basset avec bassons que le début du « Requiem » a été écrit (aujourd'hui les cors de basset sont remplacés par des clarinettes).
Une tentative de faire revivre cet instrument sous le nom de clarinette alto a été faite par R. Strauss, mais depuis lors, elle ne semble pas s'être répétée. De nos jours, les cors de basset sont inclus dans les fanfares militaires.
Clarinette basse.
La clarinette basse est la représentante la plus « impressionnante » de la famille. Construit à la fin du XVIIIe siècle, il a acquis une place forte dans l'orchestre symphonique. La forme de cet instrument est assez inhabituelle : son pavillon est courbé vers le haut, comme une pipe, et l'embout est monté sur une tige incurvée - tout cela afin de réduire la longueur exorbitante de l'instrument et de faciliter son utilisation. Meyerbeer fut le premier à « découvrir » l’énorme puissance dramatique de cet instrument. Wagner, à commencer par Lohengrin, en fait la basse permanente des bois.
Les compositeurs russes utilisaient souvent la clarinette basse dans leur travail. Ainsi, les sons sombres de la clarinette basse se font entendre dans la 5ème scène de « La Dame de Pique » tandis qu’Herman lit la lettre de Lisa. Aujourd'hui, la clarinette basse est un membre permanent d'un grand orchestre symphonique et ses fonctions sont très diverses.
Aperçu:
Laiton
Saxophone
Le créateur du saxophone est le remarquable maître instrumental franco-belge Adolphe Sax. Sax est parti d'une hypothèse théorique : est-il possible de construire un instrument de musique qui occuperait une position intermédiaire entre les bois et les cuivres ? Un tel instrument, capable de combiner les timbres du cuivre et du bois, était grandement nécessaire aux fanfares militaires imparfaites de France. Pour mettre en œuvre son projet, A. Sachs a utilisé un nouveau principe de construction : il a connecté un tube conique avec une anche de clarinette et un mécanisme à valve de hautbois. Le corps de l'instrument était en métal, le contour extérieur ressemblait à une clarinette basse ; un tube évasé à son extrémité, fortement courbé vers le haut, auquel est fixée une canne sur un embout métallique courbé en forme de « S ». L'idée de Sax fut un brillant succès : le nouvel instrument devint véritablement un lien entre les cuivres et les bois dans les fanfares militaires. De plus, son timbre s'est avéré si intéressant qu'il a attiré l'attention de nombreux musiciens. La couleur du son du saxophone rappelle à la fois le cor anglais, la clarinette et le violoncelle, mais la puissance du son du saxophone est bien supérieure à la puissance du son de la clarinette.
Ayant débuté son existence dans les fanfares militaires de France, le saxophone fut rapidement introduit dans les orchestres d'opéra et symphoniques. Pendant très longtemps - plusieurs décennies - seuls les compositeurs français se sont tournés vers lui : Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlésienne"), Ravel (instrumentation de "Katrinok à une exposition" de Moussorgski) . Puis des compositeurs d'autres pays ont également cru en lui : Rachmaninov, par exemple, a confié au saxophone l'une de ses meilleures mélodies dans la première partie des Danses Symphoniques.
Il est curieux que, sur son chemin inhabituel, le saxophone ait également dû faire face à l'obscurantisme : en Allemagne, pendant les années du fascisme, il a été interdit en tant qu'instrument d'origine non aryenne.
Dans les années 10 du 20ème siècle, les musiciens des ensembles de jazz ont attiré l'attention sur le saxophone, et bientôt le saxophone est devenu le « roi du jazz ».
De nombreux compositeurs du XXe siècle ont apprécié cet instrument intéressant. Debussy a écrit une Rhapsodie pour saxophone et orchestre, Glazunov a écrit un Concerto pour saxophone et orchestre, Prokofiev, Chostakovitch et Khatchatourian se sont adressés à lui à plusieurs reprises dans leurs œuvres.
Cor (corno italien, Waldhorn allemand, cor français, cor français anglais)
L’ancêtre du cor moderne était le cor. Depuis l'Antiquité, le signal du cor annonçait le début d'une bataille ; au Moyen Âge et plus tard, jusqu'au début du XVIIIe siècle, on l'entendait lors de chasses, de compétitions et de cérémonies solennelles de cour. Au XVIIe siècle, le cor de chasse commença à être introduit occasionnellement dans l'opéra, mais ce n'est qu'au siècle suivant qu'il devint un membre permanent de l'orchestre. Et le nom même de l'instrument - cor - rappelle son rôle passé : ce mot vient de l'allemand « Waldhorn » - « cor de forêt ». En tchèque, cet instrument est encore appelé cor de forêt.
Le tube métallique du cor ancien était très long : une fois déplié, certains d'entre eux atteignaient 5 m 90 cm. Il était impossible de tenir un tel instrument droit dans les mains ; Par conséquent, le tube de la corne a été plié et lui a donné une forme gracieuse, semblable à une coquille.
Le son du cor ancien était très beau, mais l'instrument s'est avéré limité dans ses capacités sonores : il a été possible d'extraire uniquement la gamme dite naturelle, c'est-à-dire les sons résultant de la division d'une colonne d'air enfermée dans un tube en 2, 3, 4, 5, 6, etc. Comme le raconte la légende, en 1753, le corniste de Dresde, Gampel, mit accidentellement la main dans la cloche et découvrit que l'accordage du cor avait baissé. Depuis, cette technique a été largement utilisée. Les sons ainsi obtenus étaient appelés « fermés ». Mais ils étaient ternes et très différents des brillants ouverts. Tous les compositeurs n’ont pas pris le risque de s’y tourner souvent, se contentant généralement de motifs de fanfare courts et de bonne qualité, construits sur des sons ouverts.
En 1830, le mécanisme à valve a été inventé - un système permanent de tubes supplémentaires qui permet au cor de produire une gamme chromatique complète et de bonne qualité. Après plusieurs décennies, la corne améliorée a finalement remplacé l'ancienne corne naturelle, qui dernière fois a été utilisé par Rimski-Korsakov dans l'opéra "May Night" en 1878.
Le cor est considéré comme l’instrument le plus poétique du groupe de cuivres. Dans le registre grave, le timbre du cor est un peu sombre, dans le registre aigu il est très tendu. Le cor peut chanter ou raconter lentement. Le quatuor de cors sonne très doucement - vous pouvez l'entendre dans la "Valse des Fleurs" du ballet "Casse-Noisette" de Tchaïkovski.
Trompette (trompette italienne, trompette allemande, trompette française, trompette anglaise)
Depuis l'Antiquité - en Egypte, en Orient, en Grèce et à Rome - ils ne se sont pas privés de trompette, ni à la guerre, ni lors de cérémonies religieuses ou judiciaires solennelles. La trompette fait partie de l'orchestre de l'opéra depuis sa création ; L'Orphée de Monteverdi comportait déjà cinq trompettes.
Au XVIIe et dans la première moitié du XVIIIe siècle, des parties très virtuoses et à haute tessiture ont été écrites pour trompettes, dont le prototype était les parties de soprano dans les œuvres vocales et instrumentales de l'époque. Pour interpréter ces parties les plus difficiles, les musiciens de l'époque de Purcell, Bach et Haendel utilisaient des instruments naturels courants à cette époque avec un long tube et l'embout d'un appareil spécial qui permettait d'extraire facilement les harmoniques les plus élevées. Une trompette dotée d'un tel bec était appelée « clarino » ; le style d'écriture correspondant a reçu le même nom dans l'histoire de la musique.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, avec les changements dans l'écriture orchestrale, le style clarino fut oublié et la trompette devint avant tout un instrument de fanfare. Il était limité dans ses capacités comme le cor, et se retrouvait dans une position encore pire, puisque les « sons fermés » qui élargissaient la gamme n'y étaient pas utilisés en raison de leur mauvais timbre. Mais dans les années trente du XIXe siècle, avec l'invention du mécanisme à valve, une nouvelle ère commence dans l'histoire de la pipe. Elle est devenue un instrument chromatique et a remplacé après quelques décennies la trompette naturelle de l'orchestre.
Le timbre de la trompette n'est pas typique du lyrisme, mais il réussit de la meilleure des manières les actes héroïques. Parmi les classiques viennois, les trompettes étaient un instrument purement fanfare. Ils remplissaient souvent les mêmes fonctions dans la musique du XIXe siècle, annonçant le début des processions, des marches, des fêtes solennelles et des chasses. Wagner utilisait la pipe plus que d’autres et d’une manière nouvelle. Leur timbre est presque toujours associé dans ses opéras à la romance chevaleresque et à l'héroïsme.
La trompette est célèbre non seulement pour sa puissance sonore, mais aussi pour son exceptionnellequalités virtuoses.
Tuba (tuba italien)
Contrairement à d'autres représentants du groupe des cuivres des instruments à vent, le tuba est un instrument assez jeune. Il a été construit dans le deuxième quart du XIXe siècle en Allemagne. Les premiers tubas étaient imparfaits et n'étaient initialement utilisés que dans les orchestres militaires et de jardin. Ce n'est que lorsqu'il arriva en France, entre les mains du maître instrumental Adolphe Sax, que le tuba commença à répondre aux exigences élevées de l'orchestre symphonique.
Le tuba est un instrument de basse qui permet de couvrir le registre le plus grave de la fanfare. Autrefois, ses fonctions étaient assurées par le serpent, instrument aux formes bizarres qui lui doit son nom (dans toutes les langues romanes, serpent signifie « serpent »), puis par les trombones basses et contrebasses et par l'ophicléide au timbre barbare. Mais les qualités sonores de tous ces instruments étaient telles qu'elles ne donnaient pas à la fanfare une bonne basse stable. Jusqu'à l'apparition du tuba, les maîtres cherchaient constamment un nouvel instrument.
Les dimensions du tuba sont très grandes, son tube est deux fois plus long que celui du trombone. Pendant qu'il joue, l'interprète tient l'instrument devant lui avec la cloche tournée vers le haut.
Le tuba est un instrument chromatique. La consommation d'air sur le tube est énorme ; parfois, notamment en forte dans le registre grave, l'interprète est obligé de modifier sa respiration à chaque son. Les solos sur cet instrument sont donc généralement assez courts. Techniquement, le tube est mobile, même s'il est lourd. Dans un orchestre, elle joue généralement le rôle de basse dans un trio de trombones. Mais parfois, le tuba agit comme un instrument soliste, pour ainsi dire, dans des rôles de personnages. Ainsi, lorsqu’il orchestrait les « Tableaux d’une exposition » de Moussorgski dans la pièce « Le bétail », Ravel attribuait au tuba basse une image humoristique représentant une charrette cliquetante traînant le long de la route. La partie de tuba est écrite ici dans un registre très aigu.
Trombone (trombone italien, anglais, français)
Trombone tire son nom du nom italien de la trompette - tromba - avec le suffixe grossissant "un" : trombone signifie littéralement "trompette". Et en effet : le tube du trombone est deux fois plus long que celui de la trompette. Déjà au XVIe siècle, le trombone reçut son forme moderne et dès sa création, c'était un instrument chromatique. L'échelle chromatique complète y est obtenue non pas grâce à un mécanisme à valve, mais en utilisant ce qu'on appelle les coulisses. Le maillon est un long tube supplémentaire, en forme de lettre U. Il s'insère dans le tube principal et l'allonge si on le souhaite. Dans ce cas, la hauteur de l'instrument diminue en conséquence. L'interprète pousse le coulisseau avec sa main droite et soutient l'instrument avec sa gauche.
Les trombones constituent depuis longtemps une « famille » composée d’instruments de différentes tailles. Il n’y a pas si longtemps, la famille des trombones se composait de trois instruments ; chacun d'eux correspondait à l'une des trois voix du chœur et recevait son nom : trombone alto, trombone ténor, trombone basse.
Jouer du trombone nécessite une énorme consommation d'air, car déplacer la glissière prend plus de temps que d'appuyer sur les pistons d'un cor ou d'une trompette. Techniquement, le trombone est moins agile que ses voisins du groupe : sa gamme n'est pas si rapide et claire, le forte est un peu lourd, le legato est difficile. La cantilène au trombone demande beaucoup d'efforts de la part de l'interprète. Cet instrument possède cependant des qualités qui le rendent indispensable dans un orchestre : le son du trombone est plus puissant et masculin. Monteverdi, dans l'opéra "Orphée", a peut-être ressenti pour la première fois le caractère tragique inhérent au son de l'ensemble de trombones. Et à partir de Gluck, trois trombones sont devenus obligatoires dans l'orchestre de l'opéra ; ils apparaissent souvent dans Climax drames.
Le trio de trombones est doué pour les phrases oratoires. Depuis la seconde moitié du XIXe siècle, le groupe de trombones est complété par un instrument de basse : le tuba. Ensemble, trois trombones et un tuba forment un quatuor de « cuivres lourds ».
Un effet tout à fait unique est possible sur le trombone - glissando. Ceci est réalisé en faisant glisser les coulisses à une position des lèvres de l'interprète. Cette technique était déjà connue de Haydn qui, dans son oratorio « Les Saisons », l'utilisait pour imiter les aboiements des chiens. Dans la musique moderne, le glissando est assez largement utilisé. Le glissando volontairement hurlant et rugueux du trombone dans la « Danse du Sabre » du ballet « Gayane » de Khatchatourian est curieux. L'effet d'un trombone avec une sourdine est également intéressant, ce qui donne à l'instrument un son inquiétant et bizarre.
Bugle (Bleu allemand, de Flugel - "aile" et Horn - "corne", "corne")
Instrument de musique en laiton. Extérieurement, il rappelle beaucoup une trompette ou un cornet à piston, mais en diffère par son échelle plus large et son alésage conique, commençant immédiatement à partir de l'embouchure du tube. A 3 ou 4 vannes. Utilisé dans les ensembles de jazz, parfois dans les orchestres symphoniques, moins souvent dans les fanfares. Les bugles sont souvent joués par des trompettistes, exécutant les passages requis sur cet instrument.
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Violon (violino italien, violon français, violon anglais, violon allemand, Geige)
Le violon est à juste titre considéré comme un descendant d’autres instruments à cordes antérieurs.
Le premier instrument à archet, le fidel, est apparu en Europe aux Xe et XIe siècles.l'autre - Zhiga - est devenuun instrument de musique préféré des ménestrels français, des chanteurs ambulants et des musiciens des XIIe et XIIIe siècles. Après un certain temps, les fidels, les rebecs et les concerts ont cédé la place aux anciennes violes : viole de gambe, viole de bardone, viole quinton - dont la place, à leur tour, a été prise par les violons. Ils sont apparus en France et en Italie dès le début du XVIe siècle et, peu après, l'art de fabriquer des arcs s'est répandu dans toute l'Europe. Ils ont commencé à être fabriqués au Tyrol, à Vienne, en Saxe, aux Pays-Bas et en Angleterre, mais l'Italie était célèbre pour ses meilleurs violons. À Brescia et Crémone - deux petites villes du nord-est du pays - les gens travaillaient il y a plus de cinq siècles maîtres exceptionnels: Gasparo Bertolotti (surnommé de Salo) à Brescia et Andrea Amati à Crémone. L'art de fabriquer des violons s'est transmis de génération en génération et depuis deux cents ans, les familles Amati, Guarneri et Stradivari ont créé des instruments qui sont encore considérés comme parmi les meilleurs.
La forme du violon a été déterminée au XVIe siècle et n'a depuis lors changé que dans les détails.
Tout ce qui a été dit sur la technique des cordes s'applique spécifiquement au violon : c'est la technique la plusun instrument mobile et flexible parmi les instruments à archet. Ses capacités techniques se sont développées avec l'art de virtuoses tels que Vitali, Torelli et Corelli au XVIIe siècle,et plus tard - Tartini,Viotti, Spohr, Vietan, Berio, Wieniawski, Sarasate, Ysaï et bien sûr N. Paganini. Il maîtrisait l'art étonnant de jouer des doubles notes, des accords, du pizzicato et des harmoniques. Lorsque ses cordes se sont cassées lors d'un concert, il a continué à jouer les cordes restantes.
Un effet irrésistible est obtenu par un violon solo interprétant le thème principal - à titre d'exemple, nous pouvons citer "Schéhérazade" de Rimski-Korsakov.
Malgré toutes ses qualités, le violon, avec le piano, joue depuis longtemps un rôle de premier plan parmi les instruments de concert solo.
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Tambours
Timbales (Timbales italiennes, timbales françaises, Pauken allemand)
Les timbales sont l'un des instruments les plus anciens au monde. Depuis l'Antiquité, ils étaient répandus dans de nombreux pays : en Orient et en Afrique, en Grèce, à Rome et parmi les Scythes. Les gens jouaient des timbales pour accompagner les événements importants de leur vie : les vacances et les guerres.
Les petites timbales à main sont utilisées depuis longtemps en Europe. Les chevaliers médiévaux les utilisaient en montant à cheval. Les grandes timbales ne sont entrées en Europe qu'au XVe siècle - via la Turquie et la Hongrie. Au XVIIe siècle, les timbales entrent dans l'orchestre.
Les timbales modernes ressemblent à de grands chaudrons en cuivre posés sur un support recouvert de cuir. La peau est fermement tirée sur la chaudière à l'aide de plusieurs vis. Ils frappent la peau avec deux bâtons dotés de pointes rondes et douces en feutre.
Contrairement aux autres instruments à percussion avec du cuir, les timbales produisent un son d'une certaine hauteur. Chaque timbale est accordée un certain ton Ainsi, afin d'obtenir deux sons, l'orchestre a commencé à utiliser une paire de timbales du XVIIe siècle. Les timbales peuvent être reconstruites : pour ce faire, l'interprète doit serrer ou desserrer la peau à l'aide de vis : plus la tension est forte, plus le ton est aigu. Cependant, cette opération est chronophage et risquée lors de son exécution. C'est pourquoi, au XIXe siècle, les maîtres ont inventé les timbales mécaniques, qui pouvaient être rapidement réglées à l'aide de leviers ou de pédales.
Le rôle des timbales dans un orchestre est assez varié. Leurs rythmes soulignent le rythme d'autres instruments, formant des figures rythmiques simples ou complexes. L'alternance rapide des coups des deux baguettes (trémolo) produit une augmentation efficace du son ou une reproduction du tonnerre. Haydn a également représenté des coups de tonnerre à l'aide de timbales dans Les Quatre Saisons. Chostakovitch, dans la Neuvième Symphonie, fait imiter la canonnade aux timbales. Parfois, les timbales se voient attribuer de petits solos mélodiques, comme par exemple dans le premier mouvement de la Onzième Symphonie de Chostakovitch.
Caisse claire (tamburo italien (militaire), tambour français (militaire), trommel allemand, tambour latéral anglais)
La caisse claire est essentiellement un instrument militaire. Il s'agit d'un cylindre plat recouvert de cuir des deux côtés. Des ficelles sont tendues sous la peau sur la face inférieure ; répondant aux coups de bâtons, ils donnent au son du tambour un crépitement caractéristique. Le roulement de tambour semble très intéressant - un trémolo avec deux baguettes, qui peut être amené à une vitesse extrême. La force du son dans un tel trémolo varie d'un bruissement à un craquement tonitruant. L'ouverture de "La Pie voleuse" de Rossini commence par le roulement de deux caisses claires ; le battement sourd de la caisse claire se fait entendre au moment de l'exécution de Till Eulenspiegel dans le poème symphonique de Richard Strauss.
Parfois, les cordes situées sous la peau inférieure du tambour s'abaissent et ne répondent plus aux coups de baguettes. Cet effet équivaut à introduire une sourdine : la caisse claire perd la puissance du son. C'est ainsi que cela sonne dans la section de danse « Le tsarévitch et la princesse » de « Shéhérazade » de Rimski-Korsakov.
La caisse claire est apparue pour la première fois dans de petits opéras au XIXe siècle et, au début, elle n'a été introduite que dans des épisodes militaires. Meyerbeer fut le premier à introduire la caisse claire au-delà des épisodes militaires dans les opéras « Les Huguenots » et « Le Prophète ».
Dans certains cas, la caisse claire devient le « personnage principal » non seulement dans les grands épisodes symphoniques, mais aussi dans l'ensemble de l'œuvre. Les exemples incluent « l’épisode d’invasion » de la Septième Symphonie de Chostakovitch et le « Boléro » de Ravel, où une puis deux caisses claires tiennent toute la pulsation rythmique de la musique.
Grosse caisse (gran casso italien, grosse caisse française, grobe trommel allemand, grosse caisse anglaise).
Il existe aujourd’hui deux types de grosse caisse. L'un d'eux est un cylindre métallique de grand diamètre - jusqu'à 72 cm - recouvert de cuir des deux côtés. Ce type de grosse caisse est courant dans les fanfares militaires, les groupes de jazz et les orchestres symphoniques en Amérique. Un autre type de tambour est un cerceau avec une peau sur un côté. Il est né en France et s'est rapidement répandu dans les orchestres symphoniques d'Europe. Pour frapper la peau de la grosse caisse, on utilise un bâton en bois avec un maillet souple recouvert de feutre ou de liège.
Très souvent, les battements de la grosse caisse sont accompagnés du tintement des cymbales ou alternent avec celui-ci, comme dans la danse rapide « Dans la grotte du roi de la montagne » de « Peer Gynt » de Grieg. Sur une grosse caisse, une alternance rapide de coups - trémolo - est également possible. Pour ce faire, utilisez un bâton muni de deux maillets aux deux extrémités ou des bâtons de timbales. Le trémolo de grosse caisse a été utilisé avec beaucoup de succès par Rimksy-Korsakov dans l'instrumentation du film symphonique de Moussorgski "La Nuit sur la montagne chauve".
Au début, le gros tambour n'apparaissait que dans la « musique turque », mais à partir du début du XIXe siècle, ils commencèrent souvent à l'utiliser à des fins de représentation sonore : pour imiter les canonnades et les coups de tonnerre. Beethoven a inclus trois grands tambours dans la « Bataille de Vittoria » pour représenter des coups de canon. Dans le même but, Rimski-Korsakov a utilisé cet instrument dans « Le Conte du tsar Saltan », Chostakovitch dans la Onzième Symphonie et Prokofiev dans la huitième scène de l'opéra « Guerre et Paix » (le début de la bataille de Borodino). En même temps, le gros tambour sonne aussi là où il n'y a pas d'onomatopées et surtout souvent dans des environnements bruyants,
Xylophone (xylofono italien, xylophone français)
Le xylophone serait né au moment où l'homme primitif frappait un bloc de bois sec avec un bâton et entendait le son d'un certain ton. De nombreux xylophones primitifs en bois ont été découverts en Amérique du Sud, en Afrique et en Asie. En Europe, à partir du XVe siècle, cet instrument tomba entre les mains de musiciens voyageurs et ce n'est qu'au début du XIXe siècle qu'il devint un instrument de concert. Il doit son perfectionnement au musicien de Moguilev, joueur de dulcimer autodidacte Mikhaïl Iosifovitch Guzikov.
Le corps sonore d'un xylophone est blocs de bois de différentes tailles (xylon - en grec « arbre », téléphone - « son »). Ils sont disposés en quatre rangées sur des brins de nattes. L'artiste peut les rouler et les disposer sur une table spéciale pendant le jeu ; Ils jouent du xylophone avec deux bâtons en bois – « pattes de chèvre ». Le son du xylophone est sec, claquant et aigu. Sa couleur est très caractéristique, de sorte que son apparition dans un morceau de musique est généralement associée à une situation particulière de l'intrigue ou à une ambiance particulière. Rimski-Korsakov dans « Le Conte du tsar Saltan » confie au xylophone la chanson « Que ce soit dans le jardin ou dans le potager » au moment où un écureuil ronge des noix dorées. Lyadov utilise les sons d'un xylophone pour représenter le vol de Baba Yaga dans un mortier, essayant de transmettre le crépitement des branches cassées. Souvent, le timbre d'un xylophone évoque une ambiance sombre et crée des images bizarres et grotesques. Les courtes phrases du xylophone dans « l’épisode d’invasion » de la Septième Symphonie de Chostakovitch sonnent mélancoliques.
Le xylophone est un instrument très virtuose. Il permet une plus grande fluidité dans les passages rapides, le trémolo et un effet spécial - glissando : mouvement rapide du manche le long des mesures.
Cymbales (piatti italien, cymbales françaises, Becken allemand, cymbales anglaises)
Les assiettes étaient déjà connues du monde antique et de l’Orient ancien, mais les Turcs étaient célèbres pour leur amour particulier et leur art exceptionnel de les fabriquer. En Europe, les assiettes sont devenues populaires au XVIIIe siècle, après la guerre contre les Ottomans.
Les assiettes sont de grands plats métalliques en alliages de cuivre. Les cymbales sont légèrement convexes au centre - des lanières de cuir sont fixées ici pour que l'interprète puisse tenir l'instrument dans ses mains. Les cymbales se jouent debout afin que rien ne gêne leur vibration et que le son voyage librement dans l'air. La manière habituelle de jouer de cet instrument est un coup oblique et glissant d'une cymbale contre une autre - après quoi il y a une éclaboussure métallique qui sonne dans l'air pendant longtemps. Si l'interprète veut arrêter la vibration des cymbales, il les amène vers sa poitrine et les vibrations cessent. Souvent, les compositeurs accompagnent le fracas des cymbales avec le tonnerre d'une grosse caisse ; ces instruments sonnent souvent ensemble, comme par exemple dans les premières mesures du finale de la 4e symphonie de Tchaïkovski. En plus du coup oblique, il existe plusieurs autres façons de jouer des cymbales : lorsque, par exemple, une cymbale suspendue librement est frappée soit avec une baguette de timbale, soit avec des baguettes de caisse claire en bois.
Un orchestre symphonique utilise généralement une paire de cymbales. Dans de rares cas - comme, par exemple, dans la "Symphonie funéraire-triomphale" de Berlioz, trois paires de plaques sont utilisées.
Triangle (triahgalo italien, triangle français, triangle allemand, triangle anglais)
Le triangle est l'un des plus petits instruments d'un orchestre symphonique. Il s'agit d'une tige d'acier courbée en forme de triangle. Ils l'accrochent à une corde en boyau et le frappent avec un petit bâton métallique - un son très clair se fait entendre.
Les manières de jouer au triangle ne sont pas très diverses. Parfois, un seul son est produit, parfois de simples motifs rythmiques sont produits. Sonne bien sur un triangle trémolo.
Le triangle a été mentionné pour la première fois au XVe siècle. Au XVIIIe siècle, il était utilisé à l'opéra par le compositeur Grétry. Ensuite, le triangle est devenu un participant invariable au « turc », c'est-à-dire musique exotique, accompagnée d'une grosse caisse et de cymbales. Ce groupe de percussions a été utilisé par Mozart dans « L'Enlèvement au Sérail », Beethoven dans la « Marche turque » des « Ruines d'Athènes » et par quelques autres compositeurs qui cherchaient à reproduire l'image musicale de l'Orient. Le triangle est également intéressant dans des pièces de danse élégantes : dans « La Danse d'Anitra » de « Peer Gynt » de Grieg, « Valse-Fantastique » de Glinka.
Cloches (campanelli italien, carillon français, Glockenspiel allemand)
Les cloches sont probablement l’instrument le plus poétique du groupe de percussions. Son nom vient de sa variété ancienne, où le corps sonore était de petites cloches accordées à une certaine hauteur. Plus tard, ils ont été remplacés par un ensemble de plaques métalliques de différentes tailles. Elles sont disposées sur deux rangées, comme des touches de piano, et montées dans une caisse en bois. Les cloches sont jouées avec deux maillets métalliques. Il existe une autre variété de cet instrument : les cloches à clavier. Ils disposent d'un clavier de piano et de marteaux qui transmettent les vibrations des touches aux plaques métalliques. Cependant, cette chaîne de mécanismes ne reflète pas très bien leur son : elle n'est pas aussi brillante et sonnante que sur les cloches ordinaires. Cependant, bien qu’ils soient inférieurs aux cloches à marteaux en termes de beauté du son, les claviers sont techniquement supérieurs. Grâce au clavier du piano, des passages assez rapides et des accords polyphoniques sont possibles sur ceux-ci. Le timbre des cloches est argenté, doux et sonore. Ils résonnent dans « La Flûte enchantée » de Mozart lors de l'entrée de Papageno, dans l'air avec des cloches de « Lakmé » de Delibes, dans « La Fille des neiges » de Rimski-Korsakov, lorsque Mizgir, poursuivant la Fille des neiges, voit les lumières des lucioles, dans "Le Coq d'Or" à la sortie de l'Astrologue.
Cloches (campane italienne, cloches françaises, Glocken allemand)
Depuis l'Antiquité, le tintement des cloches appelle les gens aux cérémonies et aux fêtes religieuses, et annonce également les malheurs. Avec le développement de l'opéra, avec l'apparition de sujets historiques et patriotiques, les compositeurs ont commencé à introduire des cloches dans l'opéra. Les sons des cloches de l'opéra russe sont particulièrement richement représentés : la sonnerie solennelle dans « Ivan Susanin », « Le Conte du tsar Saltan », « La Femme de Pskov » et « Boris Godounov » (dans la scène du couronnement), l'alarme alarmante la cloche du « Prince Igor », le carillon funéraire de « Boris Godounov ». Tous ces opéras comportaient de véritables cloches d’église, placées derrière la scène des grands opéras. Cependant, tous les opéras ne pouvaient pas se permettre d'avoir leur propre beffroi, c'est pourquoi les compositeurs n'introduisaient qu'occasionnellement de petites cloches dans l'orchestre - comme le fit Tchaïkovski dans l'Ouverture de 1812. Pendant ce temps, avec le développement de la musique à programme, le besoin s'est de plus en plus fait sentir d'imiter le tintement des cloches d'un orchestre symphonique - ainsi, après un certain temps, des cloches d'orchestre ont été créées - un ensemble de tuyaux en acier suspendus à un cadre. En Russie, ces cloches sont appelées italiennes. Chacun des tuyaux est accordé sur une tonalité spécifique ; frappez-les avec un marteau en métal avec un joint en caoutchouc.
Les cloches d'orchestre ont été utilisées par Puccini dans l'opéra « Tosca », Rachmaninov dans le poème vocal-symphonique « Les Cloches ». Prokofiev dans "Alexandre Nevski" a remplacé les tuyaux par de longues barres métalliques.
Tambourin
L'un des instruments les plus anciens au monde, le tambourin est apparu dans l'orchestre symphonique au XIXe siècle. La conception de cet instrument est très simple : il s'agit en règle générale d'un cerceau en bois recouvert de cuir tendu sur un côté. Des bibelots métalliques sont fixés à la fente du cerceau (sur le côté), et des petites clochettes sont enfilées à l'intérieur, sur une ficelle en forme d'étoile. Tout cela résonne au moindre secoussement du tambourin.
La partie du tambourin, ainsi que d'autres tambours qui n'ont pas une certaine hauteur, n'est généralement pas écrite sur une portée, mais sur une règle distincte, appelée « fil ».
Les techniques pour jouer du tambourin sont très diverses. Tout d'abord, il s'agit de coups violents sur la peau et de battements de motifs rythmiques complexes. Dans ces cas, la peau et les cloches émettent du son. Lorsqu'il est frappé fortement, le tambourin sonne brusquement ; lorsqu'il est touché faiblement, un léger tintement de cloches se fait entendre. Il existe de nombreuses façons pour l'artiste de ne faire sonner qu'une seule cloche. Il s'agit d'un tremblement rapide du tambourin - cela donne un trémolo perçant ; c'est une légère secousse ; et enfin, un trille spectaculaire se fait entendre lorsque l'interprète passe son pouce mouillé sur la peau : cette technique provoque un vif tintement de cloches.
Le tambourin est un instrument caractéristique, il n'est donc pas utilisé dans toutes les œuvres. Habituellement, il apparaît là où l'Orient ou l'Espagne devraient prendre vie en musique : dans « Shéhérazade » et dans le « Capriccio Espagnol » de Rimski-Korsakov, dans la danse des garçons arabes du ballet « Raymonda » de Glazunov, dans les danses capricieuses de les Polovtsiens dans le « Prince Igor » de Borodine, dans « Carmen » de Bizet.
Castagnettes (espagnol : castanetas)
Le nom « castagnettes » signifie « petites châtaignes » en espagnol. L’Espagne était très probablement leur patrie ; là les castagnettes se sont transformées en vraies instrument national. Les castagnettes sont fabriquées à partir de bois dur : les castagnettes en ébène ou en buis ont la forme d'une coquille.
En Espagne, deux paires de castagnettes étaient utilisées pour accompagner la danse et le chant ; chaque paire était maintenue ensemble par une cordelette serrée autour du pouce. Les doigts restants, restant libres, tapaient des rythmes complexes sur les coques en bois. Chaque main nécessitait sa propre taille de castagnettes : dans la main gauche, l'interprète tenait des coquilles de grand volume, elles émettaient un son plus grave et devaient taper le rythme principal. Castagnettes pour main droiteétaient de plus petite taille; leur ton était plus haut. Les danseurs et danseuses espagnols maîtrisaient parfaitement cet art complexe, qu'on leur enseignait depuis l'enfance. Le cliquetis sec et ludique des castagnettes accompagnait toujours les danses espagnoles capricieuses : boléro, seguidillo, fandango.
Lorsque les compositeurs ont voulu introduire les castagnettes dans la musique symphonique, une version simplifiée de cet instrument a été conçue : les castagnettes d'orchestre. Il s'agit de deux paires de coquilles montées aux extrémités d'un manche en bois. Lorsqu'elles sont secouées, un déclic se fait entendre - une faible copie des vraies castagnettes espagnoles.
Dans l'orchestre, les castagnettes ont commencé à être utilisées principalement dans la musique à caractère espagnol : dans les ouvertures espagnoles de Glinka « La Chasse aragonaise » et « La Nuit à Madrid », dans le « Caprice espagnol » de Rimski-Korsakov, dans Danse espagnole des ballets de Tchaïkovski et dans la musique occidentale - dans "Carmen" de Bizet, dans les œuvres symphoniques "Iberia" de Debussy, "Alborada del Gracioso" de Ravel. Certains compositeurs ont fait sortir les castagnettes du cadre de la musique espagnole : Saint-Saëns les a utilisées dans l'opéra Samson et Dalida, Prokofiev - dans le troisième concerto pour piano.
Tam-tam (tam-tam français et italien, Tam-Tam allemand)
Le tam-tam, instrument à percussion d'origine chinoise, a la forme d'un disque aux bords épaissis. Il est fabriqué à partir d’un alliage spécial proche du bronze. Lorsqu'on joue au tam-tam, le tam-tam est suspendu à un cadre en bois et frappé avec un maillet en feutre. Le son du tam-tam est grave et épais ; après l'impact, il se propage pendant un long moment, tantôt affluant, tantôt s'éloignant. Cette caractéristique de l'instrument et la nature même de son timbre lui confèrent une sorte d'expressivité inquiétante. On dit que parfois, un seul coup de tam-tam tout au long de la pièce suffit à faire une forte impression sur le public. Un exemple en est le finale de la Sixième Symphonie de Tchaïkovski.
En Europe, le tam-tam est apparu pendant la Révolution française. Après un certain temps, cet instrument a été intégré à l'orchestre de l'opéra et, depuis lors, il a généralement été utilisé dans des situations tragiques et « fatales ». Le coup de tam-tam signifie la mort, la catastrophe, la présence de pouvoirs magiques, une malédiction, un présage et d'autres événements « hors du commun ». Dans "Ruslan et Lyudmila", le tam-tam sonne au moment de l'enlèvement de Lyudmila par Chernomor, dans "Robert le Diable" de Meyerberg - dans la scène de la "résurrection des nonnes", dans "Schéhérazade" de Rimski-Korsakov - au moment où le navire de Sinbad s'écrase sur les rochers. Les rythmes du tam-tam résonnent également dans le point culminant tragique du premier mouvement de la Septième Symphonie de Chostakovitch.
Claves.
Les claves sont un instrument de percussion d'origine cubaine : ce sont deux bâtons ronds de 15 à 25 cm de long chacun, sculptés dans du bois très dur. L'interprète tient l'un d'eux d'une manière particulière dans sa main gauche - de sorte que la paume serrée agit comme un résonateur - et le frappe avec un autre bâton.
Le son de la clave est aigu, aigu, bruyant, comme celui d'un xylophone, mais sans une certaine hauteur. La hauteur du son dépend de la taille des bâtons ; Parfois, un orchestre symphonique utilise deux, voire trois paires de tels bâtons, de tailles différentes.
Frusta.
Frusta se compose de deux planches de bois, dont l'une a une poignée et la seconde est fixée à l'extrémité inférieure au-dessus de la poignée sur une charnière - lorsqu'elle est pivotée brusquement ou à l'aide d'un ressort serré, elle fait un claquement avec son extrémité libre contre l'autre. En règle générale, seuls les pops individuels forte, fortissimo, qui ne se succèdent pas trop souvent, sont extraits du frust.
Frusta est un instrument de percussion qui n'a pas de hauteur spécifique, donc sa partie, comme la partie de tambourin, n'est pas écrite sur une portée, mais sur une « corde ».
Frusta est assez courant dans les partitions modernes. Le troisième mouvement de « Lorelei » de la Quatorzième Symphonie de Chostakovitch commence par deux applaudissements sur cet instrument.
Bloc de bois.
Le bloc de bois est un instrument à percussion d'origine chinoise. Avant son apparition dans la section percussions d’un orchestre symphonique, le bloc de bois était très apprécié dans le jazz.
Un bloc de bois est un petit bloc rectangulaire de bois dur avec une découpe profonde et étroite sur la face avant. La technique de jeu d'un bloc de bois est le tambour : le son est produit en frappant le plan supérieur de l'instrument avec des baguettes de caisse claire, des maillets en bois et des bâtons à tête en caoutchouc. Le son qui en résulte est aigu, aigu, typiquement claquant et de hauteur indéfinie.
En tant qu'instrument de percussion à hauteur indéfinie, le bloc de bois est noté sur une « corde » ou une combinaison de règles.
Bloc du temple, Tartaruga.
Le bloc de temple est un instrument d'origine coréenne ou chinoise du nord, attribut du culte bouddhiste. L'instrument a une forme ronde, est creux à l'intérieur, avec une profonde entaille au milieu (comme une bouche qui rit) et est fait de bois dur.
Comme la plupart des autres instruments de percussion « exotiques », le temple block s’est d’abord répandu dans le jazz, d’où il est entré dans l’orchestre symphonique.
Le son du bloc de temple est plus sombre et plus profond que celui du bloc de bois étroitement apparenté, et a une hauteur assez définie, de sorte qu'en utilisant un ensemble de blocs de temple, vous pouvez obtenir des phrases mélodiques dessus - par exemple, S. Slonimsky a utilisé ces instruments dans "Concert buffe".
Ils jouent aux temple block en frappant le couvercle supérieur avec des bâtons dotés de têtes en caoutchouc, des maillets en bois et des baguettes de caisse claire.
Parfois, un orchestre symphonique utilise des ensembles de carapaces de tortues, qui sont similaires en principe à des blocs de modèles, mais dont le son est plus sec et plus faible. Un tel ensemble de carapaces de tortue appelé Tartaruga a été utilisé par S. Slonimsky dans son « Concert Buff ».
Guiro, reko-reko, sapo.
Ces instruments sont d’origine latino-américaine ; ils se ressemblent tant dans leur principe de conception que dans la manière dont ils sont joués.
Ils sont fabriqués à partir d'un segment de bambou (reco-reco), d'une citrouille séchée (guiro) ou d'un autre objet creux servant de résonateur. Une série d'encoches ou d'encoches sont réalisées sur un côté de l'outil. Dans certains cas, une plaque à surface ondulée est montée. Un bâton en bois spécial est passé le long de ces encoches, ce qui produit un son aigu et aigu avec un crépitement caractéristique. La variété la plus courante de ces instruments apparentés est le guiro. I. Stravinsky a été le premier à introduire cet instrument dans l'orchestre symphonique - dans Le Sacre du Printemps. Le reco-reco se retrouve dans le "Concert-bouffe" de Slonimsky, et le sapo - un instrument similaire au reco-reco - est utilisé dans la partition des "Trois Poèmes d'Henri Michaud" de W. Lutoslawski.
Rochet.
Dans les instruments de musique divers peuples Il existe de nombreux cliquets de formes et de dispositifs variés. Dans un orchestre symphonique, le cliquet est une boîte que l'interprète fait tourner sur une poignée autour d'une roue dentée. Dans le même temps, une plaque de bois élastique, sautant d’une dent à l’autre, produit un crépitement caractéristique.
Maracas, chocalo (tubo), camezo.
Tous ces instruments sont d'origine latino-américaine. Un maracas est un hochet en bois rond ou en forme d'œuf doté d'un manche et rempli de grenaille, de grains, de cailloux ou d'autres matériaux en vrac. Ces instruments folkloriques sont généralement fabriqués à partir d’une noix de coco ou d’une courge creuse séchée avec un manche naturel. Les maracas sont très populaires dans les orchestres de musique de danse et de jazz. S. Prokofiev fut le premier à utiliser cet instrument dans le cadre d'un orchestre symphonique ("Danse des filles antillaises" du ballet "Roméo et Juliette", cantate "Alexandre Nevski"). De nos jours, on utilise généralement une paire d'instruments - l'interprète les tient à deux mains et, en les secouant, produit un son. Comme les autres instruments de percussion sans hauteur spécifique, les maracas sont notés sur une « corde ». Selon le principe de production sonore, les maracas sont proches des chocalos et des camezos. Ce sont des cylindres cameso en métal - à carreaux - ou en bois, remplis, comme les maracas, d'une sorte de substance granuleuse. Certains modèles disposent d'une paroi latérale recouverte d'une membrane en cuir. Cecala et camezo sonnent plus fort et plus fort que les maracas. Ils sont également tenus à deux mains, secoués verticalement ou horizontalement, ou tournés.
Kabatsa.
Initialement, cet instrument d'origine afro-brésilienne était populaire dans les orchestres de musique d'Amérique latine, d'où il reçut sa diffusion ultérieure. Extérieurement, la kabatsa ressemble à des maracas deux fois plus grandes, recouvertes d'un maillage sur lequel sont enfilées de grosses perles. L'interprète tient l'instrument dans une main et soit le frappe simplement avec les doigts de l'autre main, soit d'un mouvement tangentiel de la paume il fait défiler une grille de perles. Dans ce dernier cas, un bruissement plus long apparaît, rappelant le son des maracas. Slonimsky fut l'un des premiers à utiliser le kabatsu dans le Concert Buff.
Bangs.
Cet instrument est d'origine cubaine. Après la modernisation, les bangs ont commencé à être largement utilisés dans les orchestres de musique de danse, de jazz et même dans des œuvres de musique sérieuse. Les bangs ont la structure suivante : le cuir est tendu sur un corps cylindrique en bois (17 à 22 cm de hauteur) et fixé avec un cerceau métallique (sa tension est réglée de l'intérieur à l'aide de vis). Le bord métallique ne dépasse pas le niveau de la peau : c'est ce qui détermine le jeu si caractéristique des bangs avec les paumes - con le mani ou les doigts - con le dita. Deux bangs de diamètres différents sont généralement reliés entre eux par un support commun. Un bang plus petit sonne environ un tiers plus haut qu'un bang plus large. Le son du bang est aigu, spécifiquement « vide » et change en fonction du lieu et de la méthode d'impact. De ce fait, sur chaque instrument, vous pouvez obtenir deux sons aigus différents : un coup allongé l'index au bord ou grand vers le centre - et plus bas (quelque part dans la deuxième ou la troisième majeure) - en frappant avec la paume entière ou le bout du doigt plus près du centre.
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Piano (piano-forte italien, piano français ; pianoforte allemand, Hammerklavier ; piano anglais)
La source du son dans un piano est constituée de cordes métalliques, qui commencent à sonner lorsqu'elles sont frappées par des marteaux en bois recouverts de feutre, et les marteaux sont activés en appuyant avec les doigts sur les touches.
Les premiers instruments à clavier, connus dès le début du XVe siècle, étaient le clavecin et le clavicorde (clavicembalo en italien). Sur le clavicorde, les cordes étaient mises en vibration par des leviers métalliques - tangentes, sur le clavecin - par des plumes de corbeau, et plus tard - par des crochets métalliques. Le son de ces instruments était dynamiquement monotone et s'estompait rapidement.
Le premier piano à marteaux, ainsi nommé parce qu'il jouait à la fois des sons de forte et de piano, a probablement été construit par Bartolomeo Cristofori en 1709. Ce nouvel instrument fut rapidement reconnu et, après de nombreuses améliorations, devint le piano à queue de concert moderne. Un piano a été construit pour la musique à la maison en 1826.
Le piano est largement connu comme instrument de concert solo. Mais parfois, il fait aussi office d’instrument d’orchestre ordinaire. Les compositeurs russes, à commencer par Glinka, ont commencé à introduire un piano dans l'orchestre, parfois accompagné d'une harpe, pour recréer la sonorité du gusli. C'est ainsi qu'il est utilisé dans les chansons de Bayan dans « Ruslan et Lyudmila » de Glinka, dans « Sadko » et dans « May Night » de Rimski-Korsakov. Parfois, le piano reproduit le son d'une cloche, comme dans Boris Godounov de Moussorgski avec l'instrumentation de Rimski-Korsakov. Mais il ne se contente pas toujours d’imiter d’autres timbres. Certains compositeurs l'utilisent dans l'orchestre comme instrument décoratif, capable d'introduire des sonorités et de nouvelles couleurs dans l'orchestre. Ainsi, Debussy a écrit une partie de piano à quatre mains dans la suite symphonique « Printemps ». Enfin, il est parfois perçu comme une sorte d’instrument à percussion au son fort et sec. Le scherzo poignant et grotesque de la 1ère symphonie de Chostakovitch en est un exemple.
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Clavecin
Instrument de musique à cordes de clavier. Un claveciniste est un musicien qui interprète des œuvres musicales à la fois sur le clavecin et ses variétés. La première mention d'un instrument de type clavecin apparaît dans une source de 1397 provenant de Padoue (Italie), la plus ancienne image connue se trouve sur un autel à Minden (1425). Le clavecin resta utilisé comme instrument soliste jusqu'à la fin du XVIIIe siècle. Un peu plus longtemps, il fut utilisé pour jouer de la basse numérique, pour accompagner les récitatifs des opéras. D'ACCORD. 1810 est pratiquement hors d’usage. La renaissance de la culture du clavecin a commencé au tournant des XIXe et XXe siècles. Les clavecins du XVe siècle n'ont pas survécu. A en juger par les images, il s'agissait outils courts avec un corps lourd. La plupart des clavecins du XVIe siècle qui ont survécu ont été fabriqués en Italie, où Venise était le principal centre de production. Copie d'un clavecin flamand. Ils possédaient un registre 8` (moins souvent deux registres, 8` et 4`) et se distinguaient par leur grâce. Leur corps était le plus souvent constitué de cyprès. L'attaque de ces clavecins était plus claire et le son plus brusque que celui des instruments flamands ultérieurs. Le centre de production de clavecins le plus important en Europe du Nord était Anvers, où travaillaient des représentants de la famille Ruckers à partir de 1579. Leurs clavecins ont des cordes plus longues et un corps plus lourd que les instruments italiens. À partir des années 1590, des clavecins à deux claviers furent produits à Anvers. Les clavecins français, anglais et allemands du XVIIe siècle combinent les caractéristiques des modèles flamands et hollandais. Clavecin français Certains clavecins français à deux claviers avec corps en noyer ont survécu. À partir des années 1690, des clavecins du même type que les instruments Ruckers furent produits en France. Parmi les maîtres de clavecins français, la dynastie Blanchet se démarque. En 1766, l'atelier de Blanchet est hérité par Taskin. Les fabricants de clavecins anglais les plus importants du XVIIIe siècle étaient les Shudys et la famille Kirkman. Leurs instruments avaient un corps en chêne doublé de contreplaqué et se distinguaient par un son fort avec un timbre riche. Dans l’Allemagne du XVIIIe siècle, le principal centre de production de clavecins était Hambourg ; parmi ceux fabriqués dans cette ville se trouvent des instruments à registres 2` et 16`, ainsi qu'à 3 claviers. Le modèle de clavecin inhabituellement long a été conçu par J.D. Dulken, un des principaux maîtres hollandais du XVIIIe siècle. Dans la 2ème moitié du 18ème siècle. Le clavecin commença à être remplacé par le piano. D'ACCORD. 1809 La société Kirkman sort son dernier clavecin. L'initiateur de la renaissance de l'instrument fut A. Dolmech. Il construit son premier clavecin en 1896 à Londres et ouvre bientôt des ateliers à Boston, Paris et Haslemere. Clavecin moderne La production de clavecins est également lancée par les sociétés parisiennes Pleyel et Erard. Pleyel commença à produire un modèle de clavecin doté d'une armature métallique portant des cordes épaisses et tendues ; Wanda Landowska a formé toute une génération de clavecinistes sur des instruments de ce type. Les maîtres de Boston Frank Hubbard et William Dowd furent les premiers à copier des clavecins antiques.
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Orgue (orgue italien, orgue français, orgue allemand, orgue anglais)
L'instrument à vent à clavier - l'orgue - est connu depuis l'Antiquité. Dans les orgues antiques, l’air était pompé manuellement à l’aide de soufflets. Dans l’Europe médiévale, l’orgue est devenu un instrument de culte religieux. C'est dans le milieu spirituel du XVIIe siècle qu'est né l'art polyphonique pour orgue, dont les meilleurs représentants furent Frescobaldi, Bach et Haendel.
L'orgue est un instrument gigantesque avec de nombreuses sonorités différentes.
«C'est tout un orchestre qui, entre des mains habiles, peut tout transmettre, tout exprimer», écrit Balzac à son sujet. En effet, la tessiture de l’orgue dépasse celle de tous les instruments d’orchestre réunis. L'orgue comprend des soufflets pour l'alimentation en air, un système de tuyaux de différentes conceptions et tailles (dans les orgues modernes, le nombre de tuyaux atteint 30 000), plusieurs claviers manuels et une pédale. Les plus grands tuyaux atteignent une hauteur de 10 mètres ou plus, la hauteur des plus petits est de 8 millimètres. Telle ou telle couleur sonore dépend de leur appareil.
Un ensemble de tuyaux d'un seul timbre est appelé un registre. Les grands orgues de la cathédrale comptent plus d'une centaine de registres : dans l'orgue de la cathédrale Notre-Dame, leur nombre atteint 110. La couleur des sons des registres individuels ressemble au timbre d'une flûte, d'un hautbois, d'un cor anglais, d'une clarinette, d'une clarinette basse, d'une trompette et violoncelle. Plus les registres sont riches et variés, plus les opportunités offertes à l'interprète sont grandes, car l'art de jouer de l'orgue est l'art du bon enregistrement, c'est-à-dire utilisation habile de toutes les ressources techniques de l'outil.
Dans la musique orchestrale moderne (en particulier dans la musique de théâtre), l'orgue était principalement utilisé à des fins sonores et visuelles, où il était nécessaire de reproduire l'atmosphère de l'église. Liszt, par exemple, dans le poème symphonique « La bataille des Huns », a utilisé l’orgue pour opposer le monde chrétien aux barbares.
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Harpe - instrument de musique à cordes pincées. Il a la forme d'un triangle composé : d'une part d'un corps de boîte résonante d'environ 1 mètre de long, s'étendant vers le bas ; sa forme précédente était quadrangulaire, mais la forme actuelle est arrondie sur un côté ; il est équipé d'une table d'harmonie plate, généralement en bois d'érable, au milieu de laquelle, le long de la caisse, est fixée une étroite et fine bande de bois dur, dans laquelle sont percés des trous pour percer les cordes en boyau ; deuxièmement, de la partie supérieure (en forme de grand cou), courbée en forme de serpent, attachée au sommet du corps, formant avec lui un angle aigu ; Des chevilles sont attachées à cette partie pour renforcer les cordes et les accorder ; troisièmement, d'une poutre avant en forme de colonne, dont le but est de résister à la force produite par les cordes tendues entre la touche et le corps résonant. Comme la harpe avait déjà dans le passé un volume sonore important (cinq octaves) et que l'espace pour les cordes de la gamme chromatique complète n'est pas suffisant, les cordes de la harpe sont tendues uniquement pour produire les sons de la gamme diatonique. Sur une harpe sans pédale, vous ne pouvez jouer qu’une seule gamme. Autrefois, pour les augmentations chromatiques, il fallait raccourcir les cordes en appuyant les doigts contre la touche ; plus tard, ce pressage a commencé à se faire à l'aide de crochets actionnés à la main. De telles harpes se sont révélées extrêmement gênantes pour les interprètes ; Ces défauts ont été largement éliminés par un mécanisme à pédale inventé par Jacob Hochbrucker en 1720. Ce maître attachait sept pédales à la harpe, agissant sur des conducteurs qui traversaient l'espace vide de la poutre jusqu'à la touche et y amenait les crochets dans une position telle que eux, adhérant fermement aux cordes, produisaient des rehaussements chromatiques dans tout le volume de l'instrument.
orchestre symphonique
Orchestre(de l'orchestre grec) - un grand groupe de musiciens instrumentaux. Contrairement aux ensembles de chambre, dans un orchestre, certains de ses musiciens forment des groupes qui jouent à l'unisson, c'est-à-dire qu'ils jouent les mêmes parties.
L'idée même d'une musique simultanée jouée par un groupe d'interprètes instrumentaux remonte à l'Antiquité : dans L'Egypte ancienne de petits groupes de musiciens jouaient ensemble lors de diverses fêtes et funérailles.
Le mot « orchestre » (« orchestre ») vient du nom de la plate-forme ronde devant la scène du théâtre grec antique, qui abritait le chœur grec antique, participant à toute tragédie ou comédie. À la Renaissance et au-delà XVIIIe siècle, l'orchestre fut transformé en fosse d'orchestre et donna ainsi son nom au groupe de musiciens qui y logeait.
Il existe de nombreux types d'orchestres : orchestre militaire composé d'instruments de cuivres et de bois, orchestres d'instruments folkloriques, orchestres à cordes. L'orchestre symphonique est le plus grand en composition et le plus riche en capacités.
Symphoniqueappelé orchestre composé de plusieurs groupes d'instruments hétérogènes - familles de cordes, vents et percussions. Le principe d'une telle unification s'est développé en Europe en XVIII siècle. Initialement, l'orchestre symphonique comprenait des groupes d'instruments à archet, de bois et de cuivres, auxquels s'ajoutaient quelques instruments de musique à percussion. Par la suite, la composition de chacun de ces groupes s’est élargie et diversifiée. Actuellement, parmi un certain nombre de variétés d'orchestres symphoniques, il est d'usage de distinguer un petit et un grand orchestre symphonique. Un petit orchestre symphonique est un orchestre de composition majoritairement classique (jouant de la musique de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle, ou des stylisations modernes). Il se compose de 2 flûtes (rarement une petite flûte), 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 2 (rarement 4) cors, parfois 2 trompettes et timbales, un groupe à cordes de 20 instruments maximum (5 premier et 4 deuxième violons). , 4 altos, 3 violoncelles, 2 contrebasses). Le Big Symphony Orchestra (BSO) comprend des trombones obligatoires dans le groupe de cuivres et peut avoir n'importe quelle composition. Souvent, les instruments en bois (flûtes, hautbois, clarinettes et bassons) atteignent jusqu'à 5 instruments de chaque famille (parfois il y a plus de clarinettes) et comprennent des variétés (flûtes petites et alto, hautbois Cupidon et hautbois anglais, petites clarinettes alto et basse, contrebasson ). Le groupe de cuivres peut comprendre jusqu'à 8 cors (dont des tubas spéciaux Wagner), 5 trompettes (dont caisse claire, alto, basse), 3 à 5 trombones (ténor et ténorbasse) et un tuba. Les saxophones sont très souvent utilisés (dans un orchestre de jazz, les 4 types). Le groupe à cordes atteint 60 instruments ou plus. Il existe de nombreux instruments de percussion (bien que les timbales, les cloches, les petits et grands tambours, le triangle, les cymbales et le tam-tam indien en forment l'épine dorsale), la harpe, le piano et le clavecin sont souvent utilisés.
Pour illustrer le son de l'orchestre, j'utiliserai l'enregistrement du concert final du YouTube Symphony Orchestra. Le concert a eu lieu en 2011 dans la ville australienne de Sydney. Des millions de personnes à travers le monde l'ont regardé en direct à la télévision. Le YouTube Symphony Orchestra a pour mission de promouvoir l'amour de la musique et de mettre en valeur la vaste diversité créative de l'humanité.
Le programme du concert comprenait des œuvres connues et peu connues de compositeurs célèbres et peu connus.
Ici son programme :
Hector Berlioz - Carnaval romain - Ouverture, op. 9 (avec Android Jones - artiste numérique)
Rencontrez Maria Chiossi - Harpe
Percy Grainger - Arrivée sur une plate-forme Humlet d'en un mot - Suite
Johan Sebastian Bach - Toccata en fa majeur pour orgue (avec Cameron Carpenter)
Rencontrez Paulo Calligopoulos - Guitare électrique et violon
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Danse du blé) et Danza finale (Malambo) du ballet Estancia (dirigé par Ilitch Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canon à trois voix, K562 (avec le Sydney Children's Choir et la soprano Renee Fleming via vidéo)
Rencontrez Xiomara Mass - Hautbois
Benjamin Britten - Le Guide de l'Orchestre du Jeune, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (avec William Barton - Didgeridoo)
Timothy Constable - Suna
Rencontrez Roman Riedel - Trombone
Richard Strauss - Fanfare pour l'Orchestre Philharmonique de Vienne (avec Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker et dirigé par Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (spécialement composé pour le YouTube Symphony Orchestra 2011)
Rencontrez Su Chang - Guzheng
Felix Mendelssohn - Concerto pour violon en mi mineur, op. 64 (Finale) (avec Stefan Jackiw et dirigé par Ilyich Rivas)
Rencontrez Ozgur Baskin - Violon
Colin Jacobsen et Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suite pour orchestre à cordes (avec Colin Jacobsen, violon, et Richard Tognetti, violon, et Kseniya Simonova - artiste de sable)
Rencontrez Stepan Grytsay - Violon
Igor Stravinsky - L'Oiseau de Feu (Danse Infernale - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (avec Eugene Izotov - hautbois et Andrew Mariner - clarinette)
L'orchestre symphonique s'est formé au fil des siècles. Son développement s'est longtemps déroulé dans les entrailles des ensembles d'opéra et d'église. De tels groupes dans XVe-XVIIIe des siècles étaient petits et hétérogènes. Ils comprenaient des luths, des violes, des flûtes et des hautbois, des trombones, des harpes et des tambours. Peu à peu, les instruments à cordes frottées ont acquis une position dominante. Les violons ont remplacé les violes avec leur son plus riche et mélodieux. Retour au sommet XVIII V. ils régnaient déjà en maître dans l'orchestre. Un groupe distinct et des instruments à vent (flûtes, hautbois, bassons) se sont également réunis. Les trompettes et les timbales sont passées de l'orchestre d'église à la symphonie. Le clavecin était un élément indispensable des ensembles instrumentaux.
Cette composition était typique de J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
Du milieu XVIII V. les genres symphoniques et concert instrumental. L'abandon du style polyphonique a conduit au désir des compositeurs de diversité des timbres et de relief des voix orchestrales.
Les fonctions des nouveaux outils évoluent. Le clavecin, à la sonorité faible, perd peu à peu son rôle premier. Bientôt, les compositeurs l'abandonnèrent complètement, s'appuyant principalement sur la section des cordes et des vents. À la fin XVIII V. La composition dite classique de l'orchestre a été constituée : environ 30 cordes, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 bassons, 2 trompettes, 2-3 cors et timbales. Bientôt, la clarinette rejoignit les vents. J. Haydn et W. Mozart ont écrit pour une telle composition. C'est l'orchestre des premières œuvres de L. Beethoven. DANS XIXème V.
Le développement de l'orchestre s'est déroulé principalement dans deux directions. D'une part, en augmentant sa composition, il s'est enrichi d'instruments de toutes sortes (c'est là que réside le grand mérite des compositeurs romantiques, principalement Berlioz, Liszt, Wagner), d'autre part, les capacités internes de l'orchestre se sont développées. : les couleurs sonores sont devenues plus pures, la texture est devenue plus claire, les ressources expressives sont plus économiques (tel est l'orchestre de Glinka, Tchaïkovski, Rimski-Korsakov). La palette orchestrale a également été considérablement enrichie par de nombreux compositeurs de la fin XIX - 1ère moitié du XX V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Chostakovitch, etc.).
Un orchestre symphonique moderne se compose de 4 groupes principaux. La base de l'orchestre est un groupe à cordes (violons, altos, violoncelles, contrebasses). Dans la plupart des cas, les cordes sont les principaux porteurs du principe mélodique dans l'orchestre. Le nombre de musiciens jouant des cordes représente environ les 2/3 de l'ensemble de l'ensemble. Le groupe d'instruments à vent comprend des flûtes, des hautbois, des clarinettes et des bassons. Chacun d’eux a généralement un parti indépendant. Inférieurs aux instruments à archet en termes de richesse de timbre, de propriétés dynamiques et de variété de techniques de jeu, les instruments à vent ont une grande force, un son compact et des nuances de couleurs vives. Le troisième groupe d'instruments d'orchestre est celui des cuivres (cor, trompette, trombone, trompette). Ils apportent de nouvelles couleurs vives à l'orchestre, enrichissant ses capacités dynamiques, ajoutant puissance et brillance au son, et servant également de basse et de support rythmique.
Tous valeur plus élevée acquérir des instruments de percussion d'un orchestre symphonique. Leur fonction principale est rythmique. De plus, ils créent un fond sonore et sonore spécial, complètent et décorent la palette orchestrale avec des effets de couleurs. Selon la nature de leur son, les tambours se divisent en 2 types : certains ont une hauteur certaine (timbales, cloches, xylophone, cloches, etc.), d'autres n'ont pas de hauteur précise (triangle, tambourin, caisse claire et grosse caisse, cymbales). Parmi les instruments non inclus dans les groupes principaux, le rôle de la harpe est le plus important. Parfois, les compositeurs incluent du célesta, du piano, du saxophone, de l'orgue et d'autres instruments dans l'orchestre.
Vous pouvez en savoir plus sur les instruments d'un orchestre symphonique - section de cordes, bois, cuivres et percussions sur site web.
Je ne peux pas ignorer un autre site utile, « Les enfants sur la musique », que j'ai découvert en préparant cet article. Il n'y a pas lieu d'être intimidé par le fait qu'il s'agit d'un site pour les enfants. Il y a des choses assez sérieuses là-dedans, racontées dans un langage plus simple et plus compréhensible. Ici lien sur lui. À propos, il contient également l'histoire d'un orchestre symphonique.
Sources:
Marina Razheva
Synopsis de NOD "Orchestre Symphonique"
Notes de cours
« orchestre symphonique»
pour les enfants de 5 à 6 ans
Préparé: Directeur de musique
Razheva Marina Anatolyevna
Teïkovo 2015
Cible: initier les enfants d'âge préscolaire à la musique classique
Tâches. Former chez les enfants une perception esthétique du monde qui les entoure.
Initier à la culture musicale.
Former le besoin de perception de la musique.
Développer les capacités cognitives et créatives.
Enrichissez votre vocabulaire.
Espace pédagogique - "Éducation artistique et esthétique"
Forme d’organisation – Travail en équipe enseignant avec des enfants.
Type d'activité pour les enfants: pédagogique, communicatif, musical et artistique.
Matériels et équipements: centre musical pour écouter de la musique, instruments de musique pour enfants, présentation.
Travaux préliminaires: dans les cours de musique, les enfants doivent se familiariser avec les instruments de base orchestre symphonique, leur vrai son, la coloration du timbre. Distinguer les groupes d'instruments: cordes, vents, percussions, singles.
Contenu du programme.
1. Développez les connaissances des enfants sur les caractéristiques sonores des instruments de musique.
2. Cultivez l'intérêt et le désir d'écouter le son des instruments.
3. Continuez à développer vos compétences en jouant au DMI (instruments de musique pour enfants)
4. Développer l'audition du timbre des enfants.
Résultat prévu.
Se faire une idée sur orchestre symphonique.
Renforcer la capacité à distinguer les sons des instruments orchestre symphonique.
Participez activement au jeu chez DMI.
Ressentir le besoin de percevoir la musique telle qu'elle est interprétée orchestre symphonique.
Déroulement de la leçon.
Les enfants entrent dans la salle et exécutent l'ensemble habituel de mouvements musicaux et rythmiques, puis se dirigent calmement vers leurs chaises.
M. salue les enfants en chantant "Bonjour!", auteur…
M. Attire l'attention des enfants sur l'écran, où les enfants voient un grand groupe de musiciens.
M. Les gars, que voyez-vous sur cette photo.
Réponses des enfants.
M. Oui il orchestre - groupe de musiciens qui interprètent ensemble un morceau de musique. Chaque musicien joue sa partie selon les notes, ce qu'on appelle la partition. Les partitions sont placées sur des supports spéciaux – des consoles.
Et maintenant, je veux vous raconter une énigme. Essayez de le deviner.
Il dirige l'orchestre,
Apporte de la joie aux gens.
Il agite juste sa baguette,
La musique commencera à jouer.
Il n'est ni médecin ni chauffeur.
Qui est-ce? (Conducteur)
Enfants. Conducteur.
M. À orchestre sonne de manière cohérente et harmonieuse - il est contrôlé par le chef d'orchestre. Il fait face aux musiciens. Le conducteur peut forcer l'orchestre joue vite, et lentement, et doucement, et fort - comme vous voulez ! Mais en même temps, il ne prononce pas un seul mot. Il n'utilise que son bâton magique. Devant le chef d'orchestre se trouvent des partitions épaisses et épaisses, dans lesquelles sont écrites les parties de tous les musiciens. Ces notes sont appelées clavier.
Le violon est un instrument à 4 cordes à archet, le plus sonore de sa famille et le plus important dans orchestre.
Le violoncelle est un grand violon dont on joue assis. Le violoncelle a un son grave et riche.
La contrebasse est la plus basse en termes de son et la plus grande en taille. (jusqu'à 2 mètres) dans la famille des instruments à cordes frottées. Ils y jouent debout ou sur une chaise spéciale. C'est la base de la basse (la base) Total orchestre.
La flûte appartient au groupe des instruments à vent. Mais les flûtes modernes sont très rarement en bois, le plus souvent en métal, parfois en plastique et en verre. L'instrument le plus virtuose et techniquement agile de la famille des instruments à vent. La flûte est souvent confiée solo orchestral.
M. Les gars, pourquoi les instruments sont-ils appelés instruments à vent ?
Réponses des enfants.
M. Oui, ils explosent vraiment. Il serait plus correct de dire que les instruments à vent sonnent lorsqu'on y souffle de l'air.
Et maintenant, vous voyez et entendez une trompette provenant d’un groupe de cuivres. La trompette a un son aigu et clair, très adapté aux fanfares. Les fanfares sont utilisées pour donner des signaux solennels ou militants lors des célébrations festives et des défilés militaires.
Devant vous se trouve un trombone. Le trombone joue plus une ligne de basse qu'une ligne mélodique. Il se distingue des autres cuivres par la présence d'une glissière mobile, en se déplaçant d'avant en arrière, le musicien modifie le son de l'instrument.
Corne - corne. Dérivé à l’origine d’un cor de chasse. La corne peut être douce et expressive ou dure et rauque.
M. Veuillez nommer les instruments à percussion.
Enfants. Tambour, tambourin, maracas, triangle, métallophone, castagnettes, cloches, hochets, cloches.
M. C'est vrai, les gars. Il existe de nombreux instruments à percussion, mais tous ne peuvent pas servir orchestre symphonique.
Nommez les outils que vous voyez sur la diapositive.
Batterie, cymbales, xylophone.
Diapositive 14,15.
Et aussi, les gars, orchestre des instruments uniques sont utilisés. Et tu dois découvrir et nommer
les correctement.
Enfants. Piano. Harpe.
M. Droite. Il s'agit d'un piano à queue de concert et instrument ancien– harpe.
Voulez-vous vous sentir comme de grands musiciens ? orchestre? Ensuite, je vous suggère de prendre vos instruments et de jouer un très beau morceau de musique.
Effectué "Rondo à la turque"- W. Mozart ou
"Polka coquine"- A. Filippenko.
M. Merci les gars. J'aime ça.
Qu'en pensez-vous, des instruments comme la balalaïka ou le saxophone peuvent jouer orchestre. Lequel? Le fait est que ces outils font partie d'autres orchestres.
Regardez attentivement ces illustrations. Sauf orchestre symphonique il existe d'autres types orchestres: cuivres, folk, pop, jazz. Ils diffèrent par la composition des instruments et le nombre de musiciens. DANS orchestre symphonique En moyenne, environ 60 à 70 personnes, mais parfois 100 ou plus. Les musiciens sont disposés dans un certain ordre. Ils sont regroupés en groupes d’instruments aux timbres similaires.:
cordes, bois, cuivres et percussions. Les musiciens d’un même groupe s’assoient les uns à côté des autres pour mieux s’entendre. Et cela crée un son cohérent.
Et maintenant, je veux vous inviter à jouer à un jeu.
Découvrez l'instrument.
Diapositive 17, 18, 19.
M. Nous avons passé un merveilleux moment ensemble. Avez-vous apprécié? Quel est le nom de orchestre, que nous avons rencontré aujourd'hui ? Quel instrument as-tu aimé ? (Les enfants répondent un à la fois comme ils le souhaitent). Je vous ai préparé des cartes avec une énigme que vous pouvez essayer de résoudre avec votre maman ou votre papa et dessiner la réponse. (silhouette au dos - points).
S'il te plaît, viens à moi, je veux te remercier et te dire au revoir (les enfants ferment les yeux, le directeur musical leur caresse la tête)
Tout au long de son histoire, des milliers et des milliers d’années, l’humanité a créé des instruments de musique et les a combinés dans diverses combinaisons. Mais il y a seulement quatre cents ans environ, ces combinaisons d’instruments ont pris une forme déjà proche de celle d’un orchestre moderne.
Autrefois, lorsque les musiciens se réunissaient pour jouer, ils utilisaient tous les instruments disponibles. S'il y avait trois joueurs au luth, deux à la harpe et à la flûte, c'est comme ça qu'ils jouaient. Au début du XVIe siècle, époque connue sous le nom de Renaissance, le mot « ensemble » était utilisé pour désigner un groupe de musiciens, parfois des chanteurs, qui jouaient de la musique ensemble ou « en ensemble ».
Les compositeurs du début de la Renaissance ne précisaient généralement pas pour quel instrument ils écrivaient la partie. Cela signifiait que les parties pouvaient être jouées sur n'importe quel instrument disponible. Mais au début du XVIIe siècle en Italie, le compositeur Claudio Monteverdi choisit quels instruments devaient accompagner son opéra Orphée (1607), et indiqua précisément pour quels instruments les parties étaient écrites : quinze violes de différentes tailles, deux violons, quatre flûtes ( deux grands et deux moyens), deux hautbois, deux cornets (petites trompettes en bois), quatre trompettes, cinq trombones, une harpe, deux clavecins et trois petits orgues.
Comme vu, " orchestre de la Renaissance" Monteverdi ressemblait déjà à ce que nous imaginons un orchestre : des instruments organisés en groupes, de nombreux instruments à cordes frottées, une grande variété.
Au siècle suivant (jusqu’en 1700, époque de J.S. Bach), l’orchestre se développe encore davantage. La famille des violons (violon, alto, violoncelle et basse) remplace les violes ; dans l'orchestre baroque, la famille des violons est bien plus représentative que les violes dans l'orchestre de la Renaissance. La direction musicale de l'orchestre baroque appartenait aux instruments à clavier ; les musiciens jouant du clavecin ou parfois de l'orgue faisaient office de chefs de file. Lorsque J. S. Bach travaillait avec un orchestre, il s'asseyait à l'orgue ou au clavecin et dirigeait l'orchestre depuis son siège.
À l’époque baroque, le chef d’orchestre dirigeait parfois l’orchestre debout, mais ce n’était pas encore la direction que nous connaissons aujourd’hui. Jean-Baptiste Lully, responsable de la musique à la cour du roi de France dans les années 1600, avait l'habitude de battre le rythme de ses musiciens au sol avec une longue perche, mais un jour il s'est accidentellement blessé à la jambe, une gangrène s'est développée , et il est mort !
Le XIXe siècle suivant, du temps de Haydn et de Beethoven, voit des changements encore plus profonds dans l’orchestre. Les instruments à cordes frottées sont devenus plus importants que jamais, tandis que les instruments à clavier sont tombés dans l’obscurité. Les compositeurs ont commencé à écrire pour un instrument de musique spécifique. Cela signifiait connaître la voix de chaque instrument, comprendre quelle musique sonnerait le mieux et serait plus facile à jouer sur l'instrument choisi. Les compositeurs sont devenus plus libres, voire aventureux, en combinant des instruments pour produire des sons et des nuances plus riches et plus variés.
Le premier violoniste (ou accompagnateur) dirigeait l'orchestre depuis sa chaise, mais il devait parfois donner des instructions par des gestes et, pour être mieux visible, il utilisait d'abord une ordinaire feuille de papier blanc roulée en tube. Cela a conduit au développement du bâton moderne. Au début des années 1800, des compositeurs-chefs d'orchestre tels que Carl Maria von Weber et Felix Mendelssohn ont été les pionniers de la pratique consistant à diriger des musiciens depuis un podium central devant l'orchestre.
À mesure que les orchestres devenaient de plus en plus grands, tous les musiciens ne pouvaient pas voir et suivre l'accompagnateur. À la fin du XIXe siècle, l’orchestre avait atteint la taille et les proportions que nous connaissons aujourd’hui et dépassait même celles d’aujourd’hui. Certains compositeurs, comme Berlioz, ont commencé à composer de la musique uniquement pour de si grands orchestres.
La conception, la construction et la qualité des instruments de musique ont été constamment améliorées, créées nouveaux instruments de musique, qui ont trouvé leur place dans l'orchestre, comme le piccolo (petite flûte) et la trompette. De nombreux compositeurs, dont Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler et Richard Strauss, deviennent chefs d'orchestre. Leurs expériences d'orchestration (l'art de la distribution matériel musical entre les instruments de l'orchestre afin d'utiliser au mieux chaque instrument) a ouvert la voie au XXe siècle.
Wagner est allé encore plus loin ; il a conçu et fabriqué la trompette basse ( Trompette Wagner), combinant des éléments du clairon et de la trompette pour introduire un son nouveau et spécial dans son opéra immortel "L'Anneau du Nibelung". Il fut le premier chef d'orchestre à tourner le dos au public afin de mieux contrôler l'orchestre. Dans l'une de ses symphonies, Strauss a écrit Partie de cor des Alpes, en bois instrument folklorique 12 pieds de long. Aujourd'hui, le cor des Alpes est remplacé par une trompette. Arnold Schoenberg a créé son œuvre "Songs of Gurrelieder" pour un orchestre de 150 instruments.
Le XXe siècle a été un siècle de liberté et de nouvelles expériences avec l'orchestre. Les chefs d’orchestre sont devenus des personnes à part entière et parmi eux se sont élevées leurs propres superstars. La responsabilité a augmenté à plusieurs reprises, tout comme la reconnaissance du public.
La base de l'orchestre était telle qu'elle avait été formée à la fin du XIXe siècle, et les compositeurs ajoutaient ou supprimaient parfois des instruments en fonction de l'effet souhaité. Parfois, il s'agissait d'un groupe extrêmement élargi d'instruments à percussion ou d'instruments à vent et à cuivres. Mais la composition de l'orchestre s'est solidifiée et reste largement constante : un grand groupe d'instruments à archet et de petits groupes de vents, percussions, harpes et claviers.
Après toutes ces années, ça marche toujours !