Richard Wagner a fourni influence significative pour le développement non seulement de la musique tradition européenne, mais aussi mondial culture artistique en général. Wagner n'a pas reçu systématiquement éducation musicale et dans son développement en tant que maître de musique, il doit à lui-même un degré décisif. Les intérêts du compositeur, entièrement tournés vers le genre lyrique, se sont manifestés relativement tôt.
Bien plus que tous les compositeurs européens du XIXe siècle, Wagner considérait son art comme une synthèse et comme une manière d'exprimer une certaine conception philosophique. Son essence est exprimée sous forme d’aphorisme dans le passage suivant de l’article de Wagner : « Œuvre d'art futur » : « De même qu’une personne ne sera libre que lorsqu’elle acceptera avec joie les liens qui l’unissent à la nature, de même l’art ne deviendra libre que lorsqu’elle n’aura plus aucune raison d’avoir honte de son lien avec la vie. » De ce concept découlent deux idées fondamentales : l’art doit être créé par une communauté de personnes et appartenir à cette communauté ; La forme d’art la plus élevée est le drame musical, compris comme l’unité organique de la parole et du son. La première idée s'est concrétisée à Bayreuth, où Théâtre d'opéra pour la première fois, il commença à être traité comme un temple de l'art et non comme un établissement de divertissement ; l'incarnation de la deuxième idée est la nouvelle forme d'opéra « drame musical » créée par Wagner. C’est sa création qui est devenue le but de la vie créatrice de Wagner. Certains de ses éléments ont été incarnés dans les premiers opéras du compositeur des années 1840 - « Le Hollandais volant », « Tannhäuser » et « Lohengrin ».
La théorie du drame musical a été pleinement incarnée dans les articles suisses de Wagner (« Opéra et drame », « Art et révolution », « Musique et drame », « Œuvre d'art du futur ») et dans la pratique - dans ses opéras ultérieurs : « Tristan et Isolde", la tétralogie "L'Anneau du Nibelung" et le mystère "Parsifal". Selon Wagner, le drame musical est une œuvre dans laquelle se réalise l'idée romantique d'une synthèse des arts (musique et théâtre), expression de la programmation dans l'opéra. Pour mettre en œuvre ce plan, Wagner a abandonné les traditions qui existaient à cette époque formes d'opéra- principalement italien et français. Il critique la première pour ses excès, la seconde pour son faste. Il a vivement critiqué les œuvres des principaux représentants de l'opéra classique (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert), qualifiant leur musique d'« ennui confit ». En essayant de rapprocher l'opéra de la vie, il a eu l'idée d'un développement dramatique de bout en bout - du début à la fin non seulement d'un acte, mais de l'ensemble de l'œuvre et même d'un cycle d'œuvres (les quatre opéras du cycle de l'Anneau du Nibelung).
Dans l'opéra classique de Verdi et Rossini, des numéros individuels (airs, duos, ensembles avec chœurs) divisent un seul mouvement musical en fragments. Wagner les abandonna complètement au profit de grandes scènes vocales-symphoniques qui s'enchaînent les unes dans les autres, et remplaça les airs et les duos par des monologues et des dialogues dramatiques. Wagner a remplacé les ouvertures par des préludes - de courtes introductions musicales à chaque acte, inextricablement liées à l'action au niveau sémantique. D'ailleurs, à partir de l'opéra Lohengrin, ces préludes ont été joués non pas avant l'ouverture du rideau, mais déjà avec la scène ouverte. L'action extérieure dans les opéras ultérieurs de Wagner (en particulier dans Tristan et Isolde) est réduite au minimum ; elle est transférée au côté psychologique, au domaine des sentiments des personnages. Wagner croyait que le mot n'était pas capable d'exprimer toute la profondeur et le sens des expériences internes. C'est donc l'orchestre, et non la partie vocale, qui joue le rôle principal dans le drame musical. Cette dernière est entièrement subordonnée à l'orchestration et est considérée par Wagner comme l'un des instruments de l'orchestre symphonique. En même temps, la partie vocale du drame musical représente l’équivalent du discours dramatique théâtral. Il n’y a presque pas de chant ni d’ariosité. En raison de la nature spécifique du chant dans musique d'opéra Wagner (durée exceptionnelle, exigence obligatoire maîtrise dramatique, exploitation impitoyable des registres extrêmes de la tessiture vocale) dans la pratique du jeu solo, de nouveaux stéréotypes des voix chantées se sont établis - ténor wagnérien, soprano wagnérien.
Wagner attachait une importance exceptionnelle à l’orchestration et, plus largement, au symphonisme. L'orchestre de Wagner est comparé à un chœur ancien, qui commentait ce qui se passait et en transmettait le sens « caché ». En réformant l'orchestre, le compositeur crée un quatuor de tuba, introduit un tuba basse, un trombone contrebasse et élargit groupe de chaînes, utilisait six harpes. Dans toute l'histoire de l'opéra avant Wagner, pas un seul compositeur n'a utilisé un orchestre d'une telle envergure (par exemple, « L'Anneau du Nibelung » est interprété par un orchestre de quatre musiciens avec huit cors). L'innovation de Wagner dans le domaine de l'harmonie est également généralement reconnue. Il élargit considérablement la tonalité héritée des classiques viennois et des premiers romantiques en intensifiant le chromatisme et les altérations modales. En affaiblissant (simple parmi les classiques) les connexions sans ambiguïté entre le centre (tonique) et la périphérie, évitant délibérément la résolution directe de la dissonance en consonance, il a conféré tension, dynamisme et continuité au développement de la modulation. La marque de fabrique de l'harmonie wagnérienne est considérée comme « l'accord de Tristan » (du prélude de l'opéra « Tristan et Isolde ») et le leitmotiv du destin de « L'Anneau du Nibelung ». Wagner a introduit un système développé de leitmotivs. Chacun de ces leitmotivs (courte caractéristique musicale) est une désignation de quelque chose : un personnage ou un être vivant spécifique (par exemple, le leitmotiv rhénan dans « L'Or du Rhin »), des objets qui agissent souvent comme des personnages symboliques (bague, épée et or dans « L'Or du Rhin »). Ring", une boisson d'amour dans Tristan et Isolde), des lieux d'action (leitmotivs du Graal dans Lohengrin et du Valhalla dans Das Rheingold) et même des idées abstraites (nombreux leitmotivs du sort et du destin dans le cycle de l'Anneau du Nibelung, le désir, un regard amoureux dans "Tristan et Isolde")
Le système wagnérien de leitmotivs a reçu le développement le plus complet dans "The Ring" - s'accumulant d'opéra en opéra, s'entrelaçant les uns avec les autres, recevant à chaque fois de nouvelles options de développement, tous les leitmotivs de ce cycle s'unissent et interagissent ainsi dans la musique complexe texture de l'opéra final « Twilight of the Gods ». Comprendre la musique comme la personnification du mouvement continu et du développement des sentiments a conduit Wagner à l'idée de fusionner ces leitmotivs en un seul flux de développement symphonique, en une « mélodie sans fin » (unendliche Melodie). Le manque de support tonique (tout au long de l'opéra « Tristan et Isolde »), l'incomplétude de chaque thème (dans tout le cycle « L'Anneau du Nibelung », à l'exception de la marche funèbre culminante de l'opéra « Crépuscule des dieux ") contribuent à une augmentation continue des émotions qui ne reçoivent pas de résolution, ce qui permet de maintenir l'auditeur en suspens constant (comme dans les préludes des opéras "Tristan et Isolde" et "Lohengrin"). A. F. Losev définit la base philosophique et esthétique de l’œuvre de Wagner comme un « symbolisme mystique ».
La clé pour comprendre le concept ontologique de Wagner est la tétralogie « L’Anneau du Nibelung » et l’opéra « Tristan et Isolde ». Premièrement, le rêve d’universalisme musical de Wagner s’est pleinement réalisé dans The Ring. « Dans The Ring, cette théorie s'incarnait à travers l'utilisation de leitmotivs, où chaque idée et chaque image poétique immédiatement organisé spécifiquement à l'aide d'un motif musical », écrit Losev. De plus, « The Ring » reflète pleinement sa passion pour les idées de Schopenhauer. Cependant, nous devons nous rappeler que nous avons fait leur connaissance lorsque le texte de la tétralogie était prêt et que le travail sur la musique commençait. Comme Schopenhauer, Wagner sent le dysfonctionnement, voire l’absurdité, des fondements de l’univers. On pense que le seul sens de l’existence est de renoncer à cette volonté universelle et de plonger dans l’abîme de l’intellect pur et de l’inaction, de trouver dans la musique le véritable plaisir esthétique. Cependant, contrairement à Schopenhauer, Wagner estime qu’un monde est possible, voire prédéterminé, dans lequel les hommes ne vivront plus au nom de la recherche constante de l’or, qui, dans la mythologie de Wagner, symbolise la volonté du monde. Rien n’est sûr de ce monde, mais il n’y a aucun doute quant à sa survenance après une catastrophe mondiale. Le thème de la catastrophe mondiale est très important pour l’ontologie de « The Ring » et constitue apparemment une nouvelle réflexion sur la révolution, qui n’est plus comprise comme un changement. l'ordre social, mais une action cosmologique qui change l’essence même de l’univers.
Quant à « Tristan et Isolde », les idées qu’il contient sont fortement influencées par une passion éphémère pour le bouddhisme et en même temps par une histoire d’amour dramatique pour Mathilde Wesendonck. Ici se produit la fusion de la nature humaine divisée, que Wagner recherchait depuis si longtemps. Cette connexion se produit avec le départ de Tristan et Isolde dans l'oubli. Pensé comme une fusion complètement bouddhiste avec le monde éternel et impérissable, il résout, selon Losev, la contradiction entre le sujet et l’objet sur lequel il se fonde. culture européenne. Le plus important est le thème de l’amour et de la mort, qui pour Wagner sont inextricablement liés. L'amour est inhérent à l'homme, il l'assujettit complètement, tout comme la mort est la fin inévitable de sa vie. C’est dans ce sens qu’il faut comprendre le philtre d’amour de Wagner. "La liberté, le bonheur, le plaisir, la mort et la prédestination fataliste - voilà ce qu'est le philtre d'amour si brillamment décrit par Wagner", écrit Losev. Réforme de l'opéra Wagner a eu une influence significative sur la musique européenne et russe, marquant le stade le plus élevé du romantisme musical et posant en même temps les bases de l'avenir. mouvements modernistes. L’assimilation directe ou indirecte de l’esthétique lyrique wagnérienne (en particulier la dramaturgie musicale « transversale » innovante) a marqué une part importante des œuvres lyriques ultérieures. L’utilisation du système de leitmotiv dans les opéras après Wagner est devenue triviale et universelle. L'influence des innovations n'a pas été moins significative. langage musical Wagner, en particulier son harmonie, dans laquelle le compositeur a révisé les « anciens » canons de tonalité (auparavant considérés comme inébranlables).
Parmi les musiciens russes, A. N. Serov, ami de Wagner, était un expert et un promoteur de Wagner. N. A. Rimsky-Korsakov, qui a publiquement critiqué Wagner, a néanmoins subi (surtout dans ses dernières œuvres) l'influence de Wagner dans l'harmonie, l'écriture orchestrale et la dramaturgie musicale. De précieux articles sur Wagner ont été laissés par un éminent Russe critique musical G.A. Laroche. De manière générale, le « wagnérien » se ressent plus directement dans les œuvres des compositeurs « pro-occidentaux » Russie XIXème siècle (par exemple, A.G. Rubinstein) que parmi les représentants de l'école nationale. L'influence de Wagner (musicale et esthétique) est constatée en Russie dans les premières décennies du XXe siècle, dans les œuvres de A. N. Scriabine. En Occident, le centre du culte de Wagner est devenu ce qu'on appelle l'école de Weimar (auto-dénommée Nouvelle école allemande), qui s'est développée autour de F. Liszt à Weimar. Ses représentants (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff, etc.) soutiennent Wagner avant tout dans sa volonté d'élargir le champ d'application expressivité musicale(harmonie, écriture orchestrale, dramaturgie lyrique).
Les compositeurs occidentaux influencés par Wagner incluent Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Bela Bartok, Karol Szymanowski, Arnold Schoenberg (c. premiers travaux). La réaction au culte de Wagner fut la tendance « anti-Wagner » qui s'opposa à lui, les plus grands représentants qui était le compositeur Johannes Brahms Et esthéticienne musicale E. Hanslick, qui défendait l’immanence et l’autosuffisance de la musique, sa déconnexion des « stimuli » externes extra-musicaux
En Russie, les sentiments anti-wagnériens sont caractéristiques de l'aile nationale des compositeurs, principalement M. P. Moussorgski et A. P. Borodine. L’attitude envers Wagner parmi les non-musiciens (qui n’évaluaient pas tant la musique de Wagner que ses déclarations controversées et ses publications « esthétisantes ») est ambiguë. Ainsi, Friedrich Nietzsche écrivait dans son article « L’incident Wagner » :
« Wagner était-il vraiment musicien ? En tout cas, il était plus qu'autre chose... Sa place est dans un autre domaine, et non dans l'histoire de la musique : il ne faut pas le confondre avec ses grands véritables représentants. Wagner et Beethoven sont des blasphèmes... » Selon Thomas Mann, Wagner « voyait dans l'art un mystère sacré, une panacée contre tous les maux de la société... ».
Les créations musicales de Wagner aux XX-XXI siècles continuent de vivre sur les scènes les plus prestigieuses scènes d'opéra, non seulement l’Allemagne, mais le monde entier (à l’exception d’Israël).Wagner a écrit L'Anneau du Nibelung avec peu d'espoir de trouver un théâtre capable de mettre en scène toute l'épopée et de transmettre ses idées à l'auditeur. Cependant, les contemporains ont pu apprécier sa nécessité spirituelle et l'épopée a trouvé son chemin jusqu'au spectateur. Le rôle du « Ring » dans la formation de l’esprit national allemand ne peut être surestimé. Au milieu du XIXe siècle, lorsque l’Anneau du Nibelung fut écrit, la nation restait divisée ; Les Allemands se souvenaient des humiliations des campagnes napoléoniennes et des traités de Vienne ; Récemment, une révolution a tonné, ébranlant les trônes des rois apanages : lorsque Wagner a quitté le monde, l'Allemagne était déjà unie, devenue un empire, porteur et foyer de toute la culture allemande. « L’Anneau du Nibelung » et l’œuvre de Wagner dans son ensemble, mais pas seulement, ont été pour le peuple allemand et pour l’idée allemande cet élan mobilisateur qui a forcé les hommes politiques, les intellectuels, les militaires et la société tout entière à s’unir.
En 1864, après avoir obtenu la faveur du roi bavarois Louis II, qui paya ses dettes et le soutenait davantage, il s'installa à Munich, où il écrivit opéra comique"Les Maîtres Chanteurs de Nuremberg" et les deux dernières parties de l'Anneau des Nibelungen : "Siegfried" et "Le Crépuscule des Dieux". En 1872, la première pierre de la Maison des Fêtes fut posée à Bayreuth, qui inaugure ses portes en 1876. C'est là qu'eut lieu la première de la tétralogie L'Anneau du Nibelung du 13 au 17 août 1876. En 1882, l'opéra mystère Parsifal est créé à Bayreuth. La même année, Wagner se rend à Venise pour des raisons de santé, où il meurt en 1883 d'une crise cardiaque. Wagner est enterré à Bayreuth.
Que serait notre vie sans musique ? Depuis de nombreuses années, les gens se posent cette question et arrivent à la conclusion que sans les beaux sons de la musique, le monde serait très différent. La musique nous aide à ressentir plus pleinement la joie, à retrouver notre moi intérieur et à faire face aux difficultés. Les compositeurs, travaillant sur leurs œuvres, se sont inspirés des éléments les plus différentes choses: l'amour, la nature, la guerre, le bonheur, la tristesse et bien d'autres. Certaines des compositions musicales qu’ils ont créées resteront à jamais gravées dans le cœur et la mémoire des gens. Voici une liste de dix des compositeurs les plus grands et les plus talentueux de tous les temps. Sous chaque compositeur, vous trouverez un lien vers l'une de ses œuvres les plus célèbres.
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Franz Peter Schubert était un compositeur autrichien qui n'a vécu que 32 ans, mais sa musique vivra très longtemps. Schubert a écrit neuf symphonies, environ 600 compositions vocales et un grand nombre de musique de chambre et piano solo.
"Sérénade du soir"
Compositeur et pianiste allemand, auteur de deux sérénades, quatre symphonies, ainsi que de concerts pour violon, piano et violoncelle. Il se produit en concert dès l'âge de dix ans, se produisant pour la première fois avec concert soloà 14 ans. Au cours de sa vie, il a gagné en popularité principalement grâce aux valses et aux danses hongroises qu’il a écrites.
"Danse hongroise n°5".
George Frideric Handel - allemand et Compositeur anglais Epoque baroque, il écrit une quarantaine d'opéras, de nombreux concerts d'orgue, ainsi que de la musique de chambre. La musique de Haendel est jouée lors des couronnements des rois anglais depuis 973, elle est également entendue lors des cérémonies de mariage royaux et est même utilisée comme hymne de la Ligue des champions de l'UEFA (avec un petit arrangement).
"Musique sur l'eau"
Joseph Haydn- compositeur autrichien célèbre et prolifique de l'époque classique, on l'appelle le père de la symphonie, car il a apporté une contribution significative au développement de cette symphonie. genre musical. Joseph Haydn est l'auteur de 104 symphonies, 50 sonates pour piano, 24 opéras et 36 concertos
"Symphonie n°45".
Piotr Ilitch Tchaïkovski est le compositeur russe le plus célèbre, auteur de plus de 80 œuvres, dont 10 opéras, 3 ballets et 7 symphonies. Il était très populaire et connu en tant que compositeur de son vivant et se produisait en Russie et à l'étranger en tant que chef d'orchestre.
"Valse des Fleurs" du ballet "Casse-Noisette".
Frédéric François Chopin est un compositeur polonais qui est également considéré comme l'un des les meilleurs pianistes de tous les temps. Il a écrit de nombreuses pièces de musique pour piano, dont 3 sonates et 17 valses.
"Valse de la pluie".
Le compositeur vénitien et violoniste virtuose Antonio Lucio Vivaldi est l'auteur de plus de 500 concertos et 90 opéras. Il a eu une énorme influence sur le développement de l’art du violon italien et mondial.
"Chanson des Elfes"
Wolfgang Amadeus Mozart est un compositeur autrichien qui a étonné le monde par son talent avec petite enfance. Dès l’âge de cinq ans, Mozart composait de courtes pièces. Au total, il a écrit 626 œuvres, dont 50 symphonies et 55 concertos. 9. Beethoven 10. Bach
Johann Sebastian Bach était un compositeur et organiste allemand de l'époque baroque, connu comme un maître de la polyphonie. Il est l'auteur de plus de 1000 ouvrages, qui comprennent presque tout genres importants ce temps.
"Blague musicale"
Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven- Le plus grand compositeur du début du XIXe siècle. Requiem et Sonate au clair de lune immédiatement reconnaissable par tous. Œuvres immortelles Le compositeur a toujours été et sera populaire en raison du style unique de Beethoven.
- Compositeur allemand du XVIIIe siècle. Sans aucun doute le fondateur Musique moderne. Ses œuvres étaient basées sur la polyvalence des harmonies de divers instruments. Il a créé le rythme de la musique, c'est pourquoi ses œuvres se prêtent facilement au traitement instrumental moderne.
- Le compositeur autrichien le plus populaire et le plus compréhensible de la fin du XVIIIe siècle. Toutes ses œuvres sont simples et ingénieuses. Ils sont très mélodiques et agréables. Une petite sérénade, un orage et bien d'autres compositions arrangées rock auront une place de choix dans votre collection.
- Compositeur autrichien de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Un compositeur véritablement classique. Le violon occupait une place particulière pour Haydn. Elle est soliste dans presque toutes les œuvres du compositeur. Musique très belle et envoûtante.
- Compositeur italien de la première moitié du XVIIIe siècle n°1. Le tempérament national et une nouvelle approche de l’arrangement ont littéralement fait exploser l’Europe au milieu du XVIIIe siècle. Les symphonies "Saisons" sont carte de visite compositeur.
- Compositeur polonais du 19ème siècle. Selon certaines informations, il serait le fondateur du genre combiné du concert et de la musique folklorique. Ses polonaises et mazurkas se marient parfaitement à la musique orchestrale. Le seul inconvénient de l'œuvre du compositeur était considéré comme un style trop doux (manque de motifs forts et enflammés).
- Compositeur allemand de la fin du 19ème siècle. Il était considéré comme le grand romantique de son temps, et son « Requiem allemand » a éclipsé les autres œuvres de ses contemporains par sa popularité. Le style de la musique de Brahms est qualitativement différent des styles des autres classiques.
- Compositeur autrichien du début du 19ème siècle. L'un des plus grands compositeurs méconnus de son vivant. Très mort précoceà 31 ans, elle n'a pas permis à Schubert de développer pleinement son potentiel. Les chansons qu’il écrivait constituaient la principale source de revenus à l’époque où les plus grandes symphonies prenaient la poussière sur les étagères. Ce n'est qu'après la mort du compositeur que les œuvres furent très appréciées par la critique.
- Compositeur autrichien de la fin du 19ème siècle. Le fondateur des valses et des marches. Nous disons Strauss - nous voulons dire valse, nous disons valse - nous voulons dire Strauss. Johann Jr. a grandi dans la famille de son père, compositeur. Strauss l'aîné traitait les œuvres de son fils avec dédain. Il croyait que son fils faisait des bêtises et l'humiliait donc de toutes les manières possibles. Mais Johann le Jeune continua obstinément à faire ce qu’il aimait, et la révolution et la marche écrite par Strauss en son honneur prouvèrent le génie de son fils aux yeux de la haute société européenne.
- L'un des plus grands compositeurs du XIXe siècle. Maître art de l'opéra. Aïda et Othello de Verdi sont aujourd'hui extrêmement populaires grâce au véritable talent du compositeur italien. La perte tragique de sa famille à l'âge de 27 ans a paralysé le compositeur, mais il n'a pas abandonné et s'est lancé dans la créativité en écrivant plusieurs opéras à la fois. court terme. Haute société Le talent de Verdi était très apprécié et ses opéras étaient joués dans les théâtres les plus prestigieux d'Europe.
- Même à l'âge de 18 ans, ce talentueux compositeur italien écrit plusieurs opéras qui deviennent très populaires. Le couronnement de sa création fut la pièce révisée " Barbier de Séville"Après l'avoir présenté au public, Gioachino a été littéralement porté dans ses bras. Le succès a été enivrant. Après cela, Rossini est devenu un invité bienvenu dans haute société et se forge une solide réputation.
- Compositeur allemand du début du XVIIIe siècle. L'un des fondateurs de l'opéra et musique instrumentale. En plus d’écrire des opéras, Haendel écrivait également de la musique pour « le peuple », qui était très populaire à l’époque. Des centaines de chansons et airs de danse les chansons du compositeur tonnaient dans les rues et les places de cette époque lointaine.
- Le prince et compositeur polonais est autodidacte. Sans aucune éducation musicale, je suis devenu compositeur célèbre. Sa célèbre polonaise est connue dans le monde entier. À l’époque du compositeur, une révolution se déroulait en Pologne et les marches qu’il composait devinrent les hymnes des rebelles.
- Compositeur juif né en Allemagne. Sa marche nuptiale et « Le Songe d'une nuit d'été » sont populaires depuis des centaines d'années. Les symphonies et compositions qu'il a écrites sont accueillies avec succès dans le monde entier.
- Compositeur allemand du 19ème siècle. Son idée mystiquement antisémite sur la supériorité de la race aryenne sur les autres races a été adoptée par les fascistes. La musique de Wagner est très différente de celle de ses prédécesseurs. Il vise principalement à relier l'homme et la nature avec un mélange de mysticisme. Ses opéras les plus célèbres « L'Anneau du Nibelung » et « Tristan et Isolde » confirment l'esprit révolutionnaire du compositeur.
- compositeur français milieu du 19e siècle. Créatrice de "Carmen". Dès sa naissance, il était un enfant de génie et à l'âge de 10 ans il entra déjà au conservatoire. Au cours de sa courte vie (il mourut avant l'âge de 37 ans), il écrivit des dizaines d'opéras et d'opérettes, diverses œuvres orchestrales et odes-symphonies.
- Compositeur et parolier norvégien. Ses œuvres sont tout simplement pleines de mélodie. Au cours de sa vie, il écrivit un grand nombre de chansons, de romances, de suites et d'études. Sa composition « Cave of the Mountain King » est très souvent utilisée au cinéma et dans la musique pop moderne.
- Compositeur américain du début du 20e siècle - auteur de « Rhapsody in Blue », particulièrement populaire à ce jour. À 26 ans, il était déjà le premier compositeur de Broadway. La popularité de Gershwin s'est rapidement répandue dans toute l'Amérique, grâce à de nombreuses chansons et émissions populaires.
- Compositeur russe. Son opéra "Boris Godunov" est la marque de nombreux théâtres du monde entier. Le compositeur dans ses œuvres s'est appuyé sur folklore, en comptant musique folklorique- musique de l'âme. "Night on Bald Mountain" de Modest Petrovich est l'une des dix esquisses symphoniques les plus populaires au monde.
Le plus populaire et le plus grand compositeur La Russie l’est bien sûr. " Le lac des cygnes" et "La Belle au bois dormant", "Marche slave" et "Casse-Noisette", "Eugène Onéguine" et " Dame de pique". Ces chefs-d'œuvre et bien d'autres art musical ont été créés par notre compositeur russe. Tchaïkovski fait la fierté de la Russie. Partout dans le monde, ils connaissent « Balalaika », « Matriochka », « Tchaïkovski »…
- Compositeur soviétique. Le favori de Staline. Mikhaïl Zadornov a fortement recommandé d'écouter l'opéra « L'histoire d'un vrai homme ». Mais le travail de Sergei Sergeich est surtout sérieux et profond. "Guerre et Paix", "Cendrillon", "Roméo et Juliette", de nombreuses symphonies brillantes et œuvres pour orchestre.
- Compositeur russe qui a créé son propre style musical inimitable. C'était un homme profondément religieux et une place particulière dans son œuvre était accordée à l'écriture de musique religieuse. Rachmaninov a également écrit de nombreuses musiques de concert et plusieurs symphonies. Sa dernière œuvre, « Danses symphoniques », est reconnue comme la plus grande œuvre du compositeur.
Les symphonies de Max Bruch ne sont pas aussi populaires que ses concertos pour violon ou la Fantaisie écossaise et sont assez rarement jouées. Cependant, l'Harmonie règne en maître en eux, éveillant dans l'âme de l'auditeur l'aspiration à la sagesse et à la force, renforçant l'esprit et aidant à faire face à toutes les difficultés. Les enregistrements notables des œuvres de Bruch, en plus de ses œuvres majeures de concert, comprennent un ensemble de trois de ses symphonies rarement jouées ; un projet réalisé par le chef d'orchestre Kurt Masur. L'un de ces enregistrements va maintenant être joué - un très bel Adagio de la Troisième Symphonie en mi majeur
Orchestre du Gewandhaus de Leipzig
Kurt Masur, chef d'orchestre
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La musique est l'art des sons et chaque son a sa propre désignation. Une note (lat. nōta - « signe », « marque ») en musique est une désignation graphique du son morceau de musique, l'un des principaux symboles de la notation musicale moderne. Variations dans…
Le nom de Max Bruch (1838-1920) n’a pas une résonance aussi forte dans le monde musical que les noms de Mendelssohn et Brahms. Mais son Concerto pour violon n°1 en sol mineur, op. 26, occupe toute sa place dans le pedigree des grands chefs-d’œuvre romantiques. Max Bruch est né l'année même où Mendelssohn réalisait les premières esquisses de son Concerto pour violon en mi mineur. Le Concerto de Bruch fut créé dix ans après la mort de Schumann. Une décennie plus tard, le célèbre Concerto pour violon de Brahms paraissait. Cependant il y en a encore un grand musicien, dont l'art a uni les concertos pour violon susmentionnés dans une tradition ininterrompue depuis un siècle. Il s'appelait Joseph Joachim. Sur la page de titre de la partition du Concerto pour violon de Bruch se trouve une dédicace : à Joseph Joachim en signe d'amitié.
Les esquisses du concerto en sol mineur datent probablement de 1857, lorsque Bruch, alors âgé de 19 ans, fut diplômé du Conservatoire de Cologne, où ses professeurs étaient Ferdinand Hiller et Karl Reinecke. À l’âge de 20 ans, Bruch enseignait déjà les matières théoriques de la musique au conservatoire. Les premières de ses opéras, oratorios, symphonies se succèdent, concerts instrumentaux, ensembles de chambre, cycles vocaux... Les chœurs Bruch sont particulièrement populaires en Allemagne. Il dirige des représentations d'opéra et des concerts symphoniques dans diverses villes d'Allemagne et à l'étranger. Parmi les étudiants de Max Bruch se trouvent des représentants du écoles de composition, tel maîtres exceptionnels vingtième siècle, comme l'Italien Ottorino Respighi, l'Anglais Ralph Vaughan Williams.
Max Bruch / Max Bruch
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Johann Philipp Kirnberger (allemand : Johann Philipp Kirnberger ; baptisé 24 avril 1721, Saalfeld - 27 juillet 1783, Berlin) - Théoricien de la musique, compositeur, violoniste, professeur allemand.
Selon F. V. Marpurg, Kirnberger étudia à Leipzig entre 1739 et 1741 avec J. S. Bach, qu'il considérait comme le plus grand compositeur allemand. De 1741 à 1750, il fut professeur de musique et chef d'orchestre dans des familles aristocratiques polonaises et chef d'orchestre d'un couvent de Lviv. Depuis 1754, Kirnberger, violoniste et chef d'orchestre de la chapelle de la cour de Berlin, enseignait la composition à Anna Amalia de Prusse, la sœur cadette du roi de Prusse Frédéric le Grand.
Kirnberger a demandé la publication des arrangements choraux de Bach, au sujet desquels il a écrit dans une lettre à l'éditeur Breitkopf de Leipzig :
Concernant les chorals de Bach, au nombre de plus de 400, que C. F. E. Bach a rassemblés et dont beaucoup ont été transcrits de sa propre main, il est extrêmement important pour moi que ces chorals, qui sont aujourd'hui en ma possession, soient conservés pour les futurs musiciens, compositeurs et les amateurs de musique .
Kirnberger a acheté les manuscrits de choral à C. F. E. Bach. Pour promouvoir la publication, Kirnberger a fait don gratuitement de ces manuscrits à la maison d'édition Breitkopf (qui en est restée propriétaire après la mort de Kirnberger).
Le représentant le plus éminent du violon en Allemagne dans la première moitié du XIXe siècle était le célèbre Ludwig Spohr.
Fils d'un médecin qui vivait à Brunswick, Spohr a été jeune âge a été placé dans des conditions extrêmement favorables au développement de son talent musical. Le père de Spohr jouait de la flûte (!) et sa mère était chanteuse et plutôt bonne pianiste. Le garçon écoutait de la musique à la maison avec un plaisir particulier et fut très heureux lorsqu'on lui acheta un petit violon : il pouvait jouer à l'oreille les chansons et les romances interprétées par sa mère. Les talents du garçon ont été remarqués par un émigré français Dufour, qui vivait dans la ville où les parents de Spohr ont déménagé de Braunschweig. Dufour, qui jouait lui-même assez bien du violon et du violoncelle, supervisa les cours de Spohr et il commença à écrire ses propres compositions (on dit que les duos de violon de Spohr datent de cette époque).
S'ensuivent des années d'études, un travail de soliste dans la chapelle du duc de Brunswick et des tournées dans les villes européennes. Par exemple, au Danemark, Spohr a discuté avec une dame qui était une grande admiratrice de son talent. Elle lui demanda de lui raconter quelques détails de sa vie passée et, entre autres choses, si Spohr aurait mieux fait de reprendre le métier de son père. Spohr a répondu ainsi :
()Christian Kannabich (Allemand : Christian Cannabich ; 28 décembre 1731 - 20 janvier 1798, Francfort-sur-le-Main) - Chef d'orchestre, violoniste et compositeur allemand, représentant de l'école de Mannheim.
Élève de J. Stamitz, N. Jommelli (composition). Il a travaillé dans les orchestres de Mannheim et de Munich. Violoniste de la chapelle de la cour de Mannheim (depuis 1774 son directeur). À partir de 1778, il vécut à Munich. Après la mort de J. Stamitz, il fut reconnu comme directeur de l'école de Mannheim. Ami V.A. Mozart. Kannabikh a appliqué de nouveaux principes d'orchestration, basés sur une répartition égale du matériel thématique entre tous. groupes orchestraux, l'un des premiers à introduire les clarinettes dans l'orchestre symphonique. Le principal genre de créativité est la symphonie. Auteur d'environ 90 symphonies, 40 opéras et ballets, concerts pour violon et orchestre, ensembles de chambre et instrumentaux. Mozart dans ses lettres loue le talent de Kannabikh. Quoi qu'il en soit, Mozart le décrit comme le meilleur directeur musical qu'il ait jamais vu.
Carl Orff (Carl Orff ; Carl Heinrich Maria Orff, 10 juillet 1895, Munich - 29 mars 1982, Munich) était un compositeur et professeur allemand, surtout connu pour la cantate Carmina Burana (1937). En tant que compositeur majeur du XXe siècle, il a également apporté une contribution majeure au développement de l'enseignement musical.
Le père de Carl Orff, un officier, jouait du piano et plusieurs instruments à cordes. Sa mère était aussi une bonne pianiste. C’est elle qui a découvert le talent de son fils pour la musique et a commencé à lui enseigner.
Orff a appris à jouer du piano à l'âge de 5 ans. À l’âge de neuf ans, il écrivait déjà des pièces longues et courtes pour son propre théâtre de marionnettes.
De 1912 à 1914, Orff étudie à l'Académie de Musique de Munich. En 1914, il poursuit ses études avec Hermann Zilcher. En 1916, il travaille comme chef d'orchestre au Théâtre de Chambre de Munich. En 1917, pendant la Première Guerre mondiale, Orff se porte volontaire pour le service militaire dans le premier régiment d'artillerie de campagne bavarois. En 1918, il fut invité au poste de chef d'orchestre à Théâtre National Mannheim sous la direction de Wilhelm Furtwängler, puis il commence à travailler au Théâtre du Palais du Grand-Duché de Darmstadt.
En 1923, il rencontre Dorothea Günther et en 1924, il crée avec elle l'école de gymnastique, de musique et de danse Günther-Schule à Munich. De 1925 jusqu'à la fin de sa vie, Orff fut chef du département de cette école, où il travailla avec des musiciens en herbe. En contact constant avec les enfants, il développe sa théorie de l'éducation musicale.
()Karl (Heinrich Karsten) Reinecke(Allemand) Carl (Heinrich Carsten) Reinecke ; 23 juin1824, Altona, aujourd'hui partie de Hambourg - 10 mars 1910, Leipzig) - compositeur, chef d'orchestre et pianiste allemand.
Dès l'âge de six ans, il étudie la musique avec son père Johann Rudolf Reinecke. DANS 1835 a fait ses débuts dans ville natale en tant que pianiste, puis fait une tournée en Europe, où il acquiert une renommée en tant que « gracieux interprète d'œuvres Mozart " Les idoles musicales des jeunes hommes étaient Clara Wieck et Franz Liszt; En raison de son caractère timide, Reinecke n'était pas bien adapté au rôle d'un pianiste virtuose en tournée.
AVEC 1843 à 1846 Grâce à une bourse du roi Christian VIII du Danemark, il étudie le piano et la composition au Conservatoire de Leipzig. Felix Mendelssohn, qui était alors chef d'orchestre du Gewandhaus, organisa pour lui des représentations publiques. Durant la même période, Reinecke rencontre Robert Schumann. Reinecke fut grandement impressionné par les œuvres de Mendelssohn et de Schumann, qui influencèrent grandement ses propres écrits.
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Schumann Robert Alexander, compositeur allemand.
Né le 8 juin 1810 à Zwickau dans la famille d'un éditeur de livres. Il a commencé à étudier la musique à l'âge de sept ans.
Dans son œuvre, le compositeur a consacré grande attention musique pour piano. La plupart des œuvres pour piano de Schumann sont des cycles de petites pièces de genres lyrico-dramatiques, visuels et « portraits », reliées par une intrigue interne et une ligne psychologique. A côté des œuvres de variations et de type sonate, Schumann dispose de cycles pour piano construits sur le principe d'une suite ou d'un album de pièces de théâtre : « Passages fantastiques », « Scènes d'enfants », « Album pour la jeunesse ».
"Album pour la jeunesse" op.68 a été créé par Robert Schumann en 1848. L’histoire de sa création est étroitement liée à l’expérience musicale personnelle de mon père. En octobre, Schumann écrivait à son ami Karl Reinecke : « J'ai écrit mes premières pièces pour mon anniversaire. » fille aînée, et puis le reste’’. Le titre original de la collection était « Album de Noël ». Outre le matériel musical, le projet de manuscrit comprenait des instructions destinées aux jeunes musiciens, révélant le credo artistique de Schumann sous une brève forme aphoristique. Il prévoyait de les placer entre les pièces. Cette idée n'a pas été mise en œuvre. Pour la première fois, les aphorismes, dont le nombre est passé de 31 à 68, ont été publiés dans le Nouveau Journal Musical dans un supplément spécial intitulé « Règles de maison et de vie pour les musiciens », puis réimprimés dans le supplément de la deuxième édition. Le succès de la première édition de « l'Album pour la jeunesse » a été grandement facilité par son titre de page, conçu par le célèbre artiste allemand, professeur à l'Académie des Arts de Dresde Ludwig Richter. Le fils de l'artiste, Heinrich Richter, fut l'élève en composition de Schumann en 1848-49. Schumann a indiqué les dix pièces les plus importantes, à son avis, pour lesquelles, selon ses explications, l'artiste a créé des vignettes pour la couverture de la publication. Ces pièces sont Vintage Time, The First Loss, The Merry Peasant, Round Dance, Spring Song, Song of the Reapers, Mignon, Knecht Ruprecht, Brave Rider et Winter Time. Il y avait une opinion parmi les enseignants, contemporains de l'auteur, que «l'Album» était structuré de manière illogique et que les pièces étaient trop difficiles à jouer pour les enfants. En effet, les pièces ne sont pas classées par ordre de difficulté croissante et l'amplitude de leur complexité est extrêmement élevée, mais rappelons qu'à l'époque de Schumann, au milieu du XIXème siècle, il n'y avait pas encore de systématisation. matériel éducatif. De plus, l'auteur ne s'est pas du tout efforcé de suivre les canons du répertoire pédagogique moderne. Au cours de cette période, il était naturel que diverses écoles publient du matériel pour six à sept années d'études. L'importance de l'Album pour la pédagogie du piano est que R. Schumann était le créateur d'un style de piano complètement nouveau et profondément innovant, ce qui explique probablement pourquoi les pièces se sont révélées beaucoup plus difficiles que le répertoire utilisé par les professeurs à cette époque. Une analogie se pose avec J.S. Bach, qui était également en avance sur son temps, créant des pièces pour les étudiants beaucoup plus difficiles que le niveau d'apprentissage généralement accepté. Pour apprécier la nouveauté de cette musique, il suffit de prêter attention au répertoire pédagogique que les enseignants utilisaient à cette époque. Il ne s'agissait pas seulement des écoles de piano populaires des meilleurs professeurs de l'époque, mais aussi des œuvres de nombreux décrocheurs.