Modernisme du 20ème siècle agit comme un nouveau modèle de créativité artistique. Le modernisme est le nom général de mouvements hétérogènes, unis par leur opposition aux modèles réalistes et romantiques (ainsi que le naturalisme, le symbolisme, le néo-romantisme qui leur sont associés), et la volonté de détruire les formes d'art perçues au début du XXe siècle. 20ième siècle. comme trop traditionnel, conservateur, mort, et créer un nouveau langage artistique pour refléter une réévaluation totale des valeurs de l'humanité. Son caractère est étroitement lié à la situation culturelle générale au tournant des XIXe et XXe siècles. - une période de transition, marquée par la multiplicité et la diversité des approches, une mosaïque savoir scientifique et culturels en général, la destruction d'anciens systèmes qui semblaient inébranlables, l'ouverture de nouvelles approches scientifiques et culturelles. systèmes artistiques, leur permettant de se connecter diverses combinaisons (de l'éclectisme à la synthèse), une revalorisation des valeurs culturelles, un sentiment d'instabilité, un caractère illusoire du monde et un désir passionné de retrouver les origines à la fois de l'univers et de l'être humain. Inmis en avant dans les premières années du 20e siècle. La théorie de la relativité d'Einstein, les idées de la psychanalyse de Freud, les tentatives de réviser toutes les lois du monde et de redéfinir les principes sont clairement visibles. Cette tendance se retrouve dans divers domaines de la science et de l'art : il suffit de rappeler le modèle planétaire de l'atome de Rutherford (1911), la musique dodécaphonique d'A. Webern (1913), notamment cinq pièces pour orchestre, dont une ne dure que 19 secondes, le célèbre tableau « Carré noir » de K. S. Malevitch (1913). La recherche d'éléments primaires dans l'art donne un sens profond aux expériences théâtrales de Vsevolod Meyerhold et à l'enseignement du montage de Sergei Eisenstein. Un processus similaire se produit dans la littérature (les paraboles de Franz Kafka, le « courant de conscience » de Marcel Proust et James Joyce). Modernistes tout au long du XXe siècle. ils cherchent le commencement, soit dans la vie elle-même (d'abord dans l'homme), soit dans l'art. Pour les existentialistes, les éléments primaires de la vie (l’existence) sont plus importants ; pour les abstractionnistes, les éléments primaires du langage artistique sont plus importants. Dans certains cas, les recherches sont menées dans deux directions à la fois. C'est là que réside la raison la plus profonde de la confrontation entre modernisme et réalisme du XXe siècle : les modernistes tentent de trouver des principes fondamentaux, tandis que les réalistes sont inspirés par le désir de créer une image commune et intégrale de l'existence. Dans le modernisme, la partie (élément primaire) devient plus grande et plus importante que le tout, qui est généralement remplacé par le mythe. Dans le réalisme du XXe siècle, au contraire, le tout (l’image de la réalité) est plus significatif que n’importe quelle partie, qui peut souvent être remplacée par un mythe. Pour les modernistes dans le domaine de la poétique, le niveau micro est important, c'est pourquoi le langage artistique appartenant à ce niveau est révisé, tandis que le niveau macro (genre, type) est peu affecté. Ainsi, Proust écrit un roman insolite mais romanesque ; Kafka - non conventionnel, mais paraboles et histoires courtes ; Sartre, Camus, Anouilh sont des tragédies, etc., tout comme « Carré Noir » reste un tableau, « Le Sacre du Printemps » de I. Stravinsky est un ballet, « Woyzeck » d'A. Berg est un opéra, « Un Chien Andalou » » de L. Buñuel est un long métrage. Les réalistes sont plus attentifs aux genres, mais leur tendance dominante est d'identifier dans le genre choisi sa capacité à véhiculer l'ensemble. La naissance et le développement du modernisme dans la littérature du XXe siècle. préparé par de nombreux facteurs, parmi lesquels une place particulière est occupée par la philosophie et, plus largement, la tradition philosophique, ainsi que la nouvelle psychologie. Fondements philosophiques et psychologiques du modernisme. Ces fondements comprennent principalement l'intuitionnisme de A. Bergson et B. Croce, la psychanalyse de 3. Freud, la psychologie analytique de C. G. Jung, l'existentialisme de M. Unamuno, N. Berdiaev, K. Jaspers, M. Heidegger, J. P. Sartre, A. Camus, la phénoménologie d'E. Husserl, etc. Le problème du mythe et de sa fabrication dans culture artistique XXe siècle Au XXe siècle, il y a eu une sorte de renaissance du mythe en tant que forme de vision du monde. Cela a commencé au 19ème siècle. drames musicaux de Richard Wagner, notamment sa tétralogie « L'Anneau du Nibelung ». Largement inspiré par Wagner, Friedrich Nietzsche, dans son œuvre « Ainsi parla Zarathoustra », a jeté les bases de la création de mythes ultérieurs, c'est-à-dire créer de nouveaux mythes. Mythes du 20e siècle diffèrent des mythes anciens en ce que leur croyance (à moins qu'il ne s'agisse d'une perception primitive et naïve de la littérature) n'est qu'un jeu. Et dans la forme, c'est une imitation conforme aux modèles invariants de l'Antiquité, qui correspond aussi au jeu. Concept « jeu » de créativité. La nature « ludique » de la culture est l’un des thèmes majeurs de notre époque. Le jeu en tant qu'activité humaine non utilitaire et frivole ayant un but qui n'est pas extérieur, mais dans le processus de jeu lui-même, avec la possibilité de le suspendre à tout moment sans dommage, est perçu non seulement comme une source de plaisir esthétique particulier, mais aussi comme source jusqu'alors sous-estimée de nouvelles vérités : « … Le jeu est un processus dans lequel une personne découvre la possibilité de surmonter son unidimensionnalité, ainsi que la nature élémentaire des objets environnants, la simplicité et la « linéarité » de interactions avec eux »35. La publication en 1938 de l'ouvrage du Néerlandais Johan Huizinga « Homo ludens » (« L'homme qui joue ») a marqué le début d'un intérêt marqué pour le jeu en tant que phénomène culturel (les travaux de L. S. Vygotsky sur le jeu à cette époque n'étaient considérés que comme, en fait psychologique), et à partir de la seconde moitié des années 1960, après la publication de l'ouvrage de M. M. Bakhtine « François Rabelais et la culture populaire du Moyen Âge et de la Renaissance » et sa traduction en langues étrangères, un véritable essor dans ce domaine problème s'est posé, une sorte de « pangrisme » - la représentation de tout Travail littéraire comme les jeux. La carnavalisation, la dialogisation, le caractère ludique sont les motifs d'un grand nombre d'œuvres littéraires et culturelles des dernières décennies. Les origines de la compréhension moderne de l’aspect ludique de la culture se trouvent dans la caractérisation du jeu par Platon comme une activité sacrée, et dans « l’état de jeu » comme catégorie esthétique chez Kant. Les partisans de la théorie des jeux citent souvent la remarquable déclaration de Schiller dans Letters on éducation esthétique person": "...Une personne ne joue que lorsqu'elle est en plein sens les mots sont un homme, et il n’est pleinement humain que lorsqu’il joue. Dans la critique littéraire, le terme « principe de jeu » est apparu, qui désigne la construction consciente d'un texte littéraire selon certaines règles, similaires aux lois de divers jeux - du jeu pour enfants au théâtre (par exemple, dans les romans de G. Hesse, V. Nabokov, A. Murdoch, D. Fowles et etc.). Modéliser la réalité et construire de nouveaux mondes. Le principe du jeu, malgré toute sa signification, constitue un cas particulier d'un système plus complexe. principes généraux - modéliser la réalité et construire de nouveaux mondes. La modélisation et la construction s'opposent à la tradition, incarnée dans le concept aristotélicien de mimesis (imitation). La modélisation s'incarne dans la création d'une image généralisée de la réalité, dépourvue de détails, une « image du monde » qui conserve sa fonction d'orientation, son adéquation et sa viabilité. Ce modèle ressemble à un modèle réduit d'avion capable de voler. En utilisant un modèle aussi simplifié, vous pouvez étudier l'objet de modélisation lui-même. La construction de mondes, au contraire, peut contenir beaucoup de détails, mais il s'agit de la création d'autres mondes qui ne coïncident pas dans leurs principaux paramètres avec la réalité. Cette conception est de nature spéculative (au sens figuré, une conception de ce type ne pourra pas voler et n'est pas destinée à le faire). La conception des mondes nous permet de passer de deux mondes romantiques à des « mondes multiples ». Cependant, ce départ du monde réel vers des mondes inédits (évasion caractéristique du modernisme), cette rupture délibérée avec les traditions de l'art, la destruction des normes du langage et de la logique de l'énonciation sont appelés à acquérir une compréhension plus profonde d'une personne. , son psychisme : dans la littérature se crée une situation de défamiliarisation, permettant de regarder le connu et le familier d'une manière nouvelle. Dans le modernisme, le principe de construction des mondes est plus perceptible et développé, ce qui est tout à fait compatible avec la priorité du privé, de l'individu. Dans le réalisme du XXe siècle, avec sa volonté de dépasser le particulier au nom du tout, le principe de modélisation du réel est plus perceptible. Ces principes sont apparus au XXe siècle dans les œuvres d'écrivains tels que Kafka, Hesse, Camus, Ionesco, Beckett, Nabokov, Brecht, Borges, Fowles, Eco et d'autres. Le modernisme n’a pas développé une poétique unifiée et ne s’est d’ailleurs jamais fixé un tel objectif. Ainsi, dans les œuvres de M. Proust (le roman « À la recherche du temps perdu »), se révèle une complication des formes de narration et d'écriture psychologique ; D. Joyce (roman "Ulysse") - une combinaison de mythologie avec des détails particuliers. La technique du « courant de conscience » est différente entre Proust et Joyce. Dans la prose de F. Kafka (les romans « L'Homme disparu », « Le Procès », « Le Château », nouvelles et paraboles), la poétique est déterminée par l'esthétique du rêve et de l'absurdité, le style est orienté vers la simplicité et le laconisme. , ce qui distingue nettement Kafka de Proust et Joyce. La poétique du modernisme doit être caractérisée par rapport à diverses directions, mouvements, écoles et auteurs. Mouvements d'avant-garde des années 1910-1920. Le mot « avant-garde » est français. Avant signifie « en avant », garde signifie « détachement militaire ». Le sens originel du mot avant-garde est un détachement militaire qui suit les forces principales. En 1853, le mot est utilisé pour la première fois pour désigner un mouvement littéraire visant à renouveler l’art. Au 20ème siècle c'est ce deuxième sens qui fut utilisé pour désigner divers mouvements irréalistes dans différents types art et est devenu particulièrement populaire. Dans le même temps, un terme plus précis est utilisé : avant-garde. L'avant-gardeisme ne couvre qu'une partie des phénomènes définis par le concept de « modernisme ». Des modernistes comme M. Proust, A. Gide, G. Hesse peuvent difficilement être qualifiés d'avant-gardistes. De toute évidence, dans l'avant-garde, le rôle principal est joué par le problème du langage, le désir de détruire la conception linguistique traditionnelle du texte. DANS différents pays L'avant-gardeisme a acquis diverses formes d'expression. Le dadaïsme s'est développé en Suisse. En Allemagne, le cavangardisme doit être attribué à son origine tournant du XIX-XX des siècles expressionnisme. Le futurisme se forme en Italie et en Russie. Le surréalisme émerge en France. Dadaïsme L'une des premières manifestations de l'avant-gardeisme dans la littérature européenne est le dadaïsme (du français dada - cheval de bois, comme l'appellent les petits enfants, au sens figuré - babillage incohérent de bébé). Le dadaïsme est apparu en Suisse en 1916, au plus fort de la Première Guerre mondiale, et constituait une sorte de protestation anarchiste. Dans l'irrationalisme, l'anti-esthétisme nihiliste, les paradoxes choquants, les combinaisons dénuées de sens et aléatoires de sons, de mots, d'objets, de lignes, on peut voir un reflet ironique et parodique de l'absurdité de la vie, révélée dans le feu de la guerre mondiale. Les dadaïstes se réunissent pour la première fois le 8 février 1916 à Zurich, dans le cabaret Voltaire ouvert par l'écrivain allemand Hugo Ball (1886-1927). On y écoutait la musique de Schönberg, on lisait les poèmes d'Apollinaire, de Rimbaud et le drame « Le Roi Jubus » d'Alfred Jarry (1896). Le fondateur de la littérature Dada était le Roumain d'origine Tristan Tzara (ou Tzara, pseudonyme de Sami Rosenstock, 1896 - 1963). Dans son recueil le plus célèbre, « Vingt-cinq poèmes » (1918), il y a un poème « Paon blanc, lépreux par le paysage », dans lequel le poète, défiant le lecteur, démontre clairement le passage d'un discours cohérent à un discours incohérent. Il détruit délibérément « le langage comme moyen qui cimentait le système social », aspire à « la fragmentation complète du langage » : ici le lecteur commence à crier, commence à crier, commence à crier ; dans (des flûtes "erike" apparaissent, colorées de coraux. Le lecteur veut mourir, peut-être danser, mais se met à crier, C'est un idiot sale et maigre, il ne comprend pas Mes poèmes et mes cris. Il est tordu. Dans son âme il y a des zigzags et beaucoup de rrrrrr Nbaz, baz , regarde la tiare sous-marine, recouverte d'algues dorées Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Vassily Kandinsky Après les manifestations choquantes à Paris en 1920-1921, le dadaïsme s'est vite évanoui, breton, Soupault, Aragon, Eluard deviennent des figures marquantes du surréalisme, tandis que les dadaïstes allemands rejoignent les rangs des expressionnistes. Ce mouvement moderniste est particulièrement caractéristique. Littérature allemande, bien que son influence soit également perceptible dans la littérature des pays scandinaves, de Belgique, de Hongrie, etc. En Allemagne, l’expressionnisme est apparu vers 1905 et s’est développé activement jusqu’à la fin des années 1920. Le terme (de l'expression française - expression) a été introduit en 1911 par le fondateur de la revue expressionniste « Storm » H. Walden. Contrairement à l’impressionnisme axé sur les sentiments et sensations primaires, les expressionnistes insistaient sur le principe d’une interprétation subjective globale de la réalité. Principes de base de l'expressionnisme. Les expressionnistes s'opposent aux aspects négatifs du mode de vie, marqué par l'asservissement de l'individu, la mécanisation et l'aliénation. Premier slogan de l'expressionnisme : la réalité sous ses formes existantes doit être rejetée. Pour changer la réalité, l’art doit la réinterpréter d’une manière nouvelle (principe de « l’art activateur »). Rôle spécial dans ce cas, la poésie et le théâtre peuvent jouer un rôle. Ainsi, le héros du drame « Le mendiant » de Reinhardt Sorge (1912) considère le théâtre comme une plateforme. Au lieu du slogan de l'art commercial « L'art comme objet de profit », apparaît le slogan « L'art comme expression d'une certaine tendance ». Pour mettre en œuvre le principe de « l'activation de l'art », les expressionnistes utilisent divers moyens. Il s'agit, par exemple, du schématisme, une mise en évidence nette de certains côtés au détriment des autres, afin que les lecteurs et les spectateurs parviennent à la solution donnée dont l'auteur a besoin. C'est le principe de la « démonstration » en tout, qu'il s'agisse d'écarts délibérément marqués par rapport à la tradition poétique, de conceptions choquantes de performances, de postures des personnages et des auteurs eux-mêmes. Un exemple frappant d’« activation » par « démonstration » est l’inclusion de musique particulièrement dure dans les performances afin de rendre fou le public. Voici, par exemple, une remarque tirée de la pièce expressionniste « Les Plébéiens » de Franz Jung : « La musique commence… Vient ensuite une marche effrénée sur des instruments rudimentaires. Musique de cirque... Mais pas si sentimental - le public dans les stalles devrait sursauter. Il faut qu’ils ne puissent pas se chuchoter des choses sales.» Pour accomplir les tâches consistant à exposer la réalité et à la changer, l'art doit être idéologique, immédiat, substantiel, croyaient les expressionnistes. Le terme « substance » appelle ici un commentaire. Les expressionnistes ont rejeté le lien dialectique entre les concepts d'« apparence » et d'« essence », en les opposant fortement. Ils entendaient parler non pas de phénomènes, mais seulement d'essences. C'est pourquoi il y a tant d'abstraction dans les œuvres des expressionnistes ; ce ne sont pas des personnages vivants qui agissent, mais des stéréotypes : capitaliste, ouvrier, etc., les situations sont aussi extrêmement généralisées. Ainsi, dans la pièce « Le Mendiant » de R. Sorge, le personnage principal est divisé en quatre « substances » : il est un poète, un fils, un frère et un amant. Ces substances jouent dans la pièce différents acteurs. Futurisme Au début du 20e siècle. Un mouvement d'avant-garde proche de l'expressionnisme s'est formé - le futurisme (du latin futurum - futur), qui s'est répandu le plus en Italie. Contrairement à l'expressionnisme, qui décrivait de manière pessimiste l'urbanisation et la mécanisation de la vie, le futurisme glorifie ces processus, reliant l'avenir à eux. Le futurisme se caractérise par l'antihumanisme (une personne agit comme une « épingle » dans le mécanisme du « bonheur universel », semblable à une pièce de machine - « le seul professeur de la simultanéité des actions »), l'antipsychologisme (« métal chaud et... un bloc de bois nous inquiète maintenant plus que les sourires et les larmes des femmes"), l'antirationalisme (un appel à "provoquer le dégoût pour la raison"), l'anti-philosophie, l'anti-esthétisme, l'anti-moralité ("nous voulons détruire les musées, les bibliothèques, combattre le moralisme »), l'agressivité (« une œuvre dépourvue d'agressivité ne peut pas être un chef-d'œuvre »), le refus des traditions culturelles (l'appel à « s'en foutre de l'autel de l'art »), du du patrimoine littéraire (« il faut balayer toutes les intrigues déjà utilisées pour exprimer notre vie tourbillonnante d'acier, de fierté, de fièvre et de vitesse »), des formes d'expression verbales (l'appel à la « révolte contre les mots »). Les futuristes célèbrent le mouvement et le dynamisme Vie moderne. Leur idéal est un homme à moto, un « nouveau centaure ». Ce mouvement, qui s'est développé pendant seulement deux décennies puis s'est éteint, est devenu l'une des principales sources du pop art. Marinetti. Toutes les déclarations ci-dessus sont tirées des manifestes du fondateur du futurisme, l'Italien Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). En 1909, son « Premier Manifeste du futurisme » est publié. Il disait notamment : « Nous voulons glorifier l’amour du danger, l’habitude de l’audace. Nous voulons glorifier l'agressivité, l'insomnie fiévreuse et les combats au poing... Nous affirmons la nouvelle Beauté de la vitesse... Nous voulons glorifier la guerre, la seule hygiène au monde... » Après le premier manifeste, bien d’autres paraissent, jusqu’au manifeste « Nouvelle peinture futuriste » (1930). Dans le « Manifeste technique de la littérature futuriste » (1912), Marinetti, afin de refléter adéquatement la réalité modifiée, exige que nous abandonnions l'arrangement des noms dans un ordre logique et que nous les connections par analogie, sans connexions grammaticales ; utiliser les verbes uniquement sous une forme indéfinie (comme le sens le plus expansif) ; détruire les adjectifs et les adverbes, car ils donnent Informations Complémentaires(on n'a pas le temps de s'y arrêter dans un tourbillon de mouvements, avec une vision dynamique) ; supprimer tous les signes de ponctuation qui interfèrent avec le principe de continuité ; utiliser des signes mathématiques et musicaux pour indiquer la direction du mouvement, etc. Parmi les œuvres qui incarnent les principes de Marinetti figure le roman Mafarka le futuriste (1910). Mafarka, despote oriental, ressemble à Zarathoustra dans «Ainsi parlait Zarathoustra» de F. Nietzsche, mais est délibérément dépourvu d'intellectualité. Une œuvre encore plus caractéristique du futurisme est le poème « Zaig tumb tumb » (1914), sous-titré « Le siège de Constantinople » (il reproduit un épisode de la guerre italo-turque de 1913). L'imagerie verbale est remplacée par le collage, le jeu d'épingles, la disposition arbitraire des nombres et des symboles d'opérations mathématiques, les exclamations onomatopées pour imiter les tirs et les explosions. Après l'arrivée au pouvoir de Mussolini, dont Marinetti s'est lié pendant la Première Guerre mondiale, le poète futuriste a reçu diverses récompenses, est devenu académicien (1929) et le futurisme est devenu le mouvement artistique officiel de l'Italie fasciste. Son esprit révolutionnaire et son anarchisme ont cédé la place à la bureaucratie.
Les tendances modernistes dans la littérature des années 20 exprimaient des facettes très significatives de la vision du monde des gens de cette époque - cette vision du monde qui était dans une certaine opposition aux attitudes politiques, sociales et philosophiques dominantes.
Le modernisme crée une conception de l'homme différente de celle du réalisme, désigne différemment les coordonnées de son personnage et perçoit la réalité différemment. Il est inapproprié d'y voir uniquement des dispositifs formels - poétique non réaliste, alogisme des images, « abstraction », etc. Derrière la forme se cache un nouveau contenu : le modernisme propose différentes motivations de caractère, perçoit la réalité comme fantastique et illogique. « De nos jours, la seule fiction est la vie d'hier sur des baleines solides », a écrit Eugène Zamyatin, l'un des rares écrivains qui, dans la situation littéraire des années 20, a réussi à justifier les principes théoriques du nouvel art, qu'il a appelé « synthétisme. - Aujourd'hui - L'Apocalypse peut être publiée sous forme de journal quotidien ; demain - nous achèterons assez calmement une place dans une voiture-lits pour Mars. Einstein a arraché l’espace et le temps de leurs ancres. Et l’art qui est né de cette réalité d’aujourd’hui, comment ne pas être fantastique, comme un rêve ?
Zamiatine a vu les origines de la crise de l'art réaliste et l'émergence parallèle du modernisme en tant que nouvelle vision artistique du monde, non seulement dans la nature fantastique de la vie quotidienne, mais aussi dans le nouveau système de coordonnées philosophiques dans lequel l'homme du XXe siècle a trouvé lui-même. "Après le tremblement de terre géométrico-philosophique provoqué par Einstein, l'ancien espace et le temps ont finalement péri", déclare l'écrivain. "Nous, qui avons lu Schopenhauer, Kant, Einstein, le symbolisme, savons : le monde, la chose en soi, la réalité n'est pas du tout ce qu'on voit."
Après avoir rejeté la stricte conditionnalité de cause à effet de l’esthétique réaliste, la littérature du modernisme a également rejeté la dépendance fatale de l’homme à l’égard de l’environnement, social ou historique, affirmée par le réalisme. C’était, si l’on veut, l’une des tentatives visant à préserver la souveraineté de la personne humaine, son droit à être libéré des circonstances des temps historiques, dont l’agressivité au XXe siècle à l’égard de la vie privée d’une personne est devenue particulièrement évidente. Cette nécessité de défendre les droits naturels du héros (et, par conséquent, personne réelle) a forcé l’artiste non réaliste à se tourner vers le genre dystopique. Le roman « Nous » d'E. Zamyatin (1921) est l'une des dystopies les plus célèbres du XXe siècle. Il montre ce qui arrivera à la société si elle détruit le principe personnel et individuel des gens et les transforme en « nombres » absolument interchangeables. Le roman de Zamiatine décrit une communauté qui a soumis ses individus à une identification biologique complète.
Dans la littérature des années 20, on distingue deux tendances principales : d'une part l'acceptation inconsidérée des transformations sociales, de l'autre le doute sur leur humanisme et leur opportunité. L'un des écrivains « sceptiques » les plus éminents des années 20 était B. Pilnyak. Dans le roman « L’année nue » (1921-1923), qui est devenu un jalon pour la nouvelle littérature au début des années 20, Pilniak a clairement abandonné la poétique réaliste. En conséquence, l’intrigue de son œuvre a perdu son rôle organisateur traditionnel du réalisme. Sa fonction à Pilnyak est remplie par des leitmotivs, et différents fragments les récits sont maintenus ensemble par des connexions associatives. Le lecteur se trouve confronté à une série de descriptions aussi disparates de la réalité. Le manque volontaire de structure de la composition est souligné par l'écrivain jusque dans les titres des chapitres, qui semblent avoir un caractère brouillon : « Chapitre VII (dernier, sans titre) » ou « Dernier triptyque (matériel, en substance) » .» Des images éparses de la réalité, alternant sans cesse, sont conçues pour véhiculer une existence qui n'a pas encore pris forme - brisée par la révolution, mais non réglée, n'ayant pas acquis de logique interne, et donc chaotique, absurde et aléatoire.
Le « bris » et la fragmentation de la composition de « L'Année nue » sont dus à l'absence dans le roman d'un tel point de vue sur ce qui se passe, qui pourrait relier l'incompatible pour Pilnyak : les vestes en cuir des bolcheviks (un ménage nom de la littérature des années 20) et les réjouissances des hommes libres russes ; Bains publics de China Town et du village ; une voiture chauffée et une maison de marchand de province. Seule la présence d'un tel point de vue compositionnel, dans lequel s'exprimerait le « centre idéologique » de l'œuvre, serait capable de fédérer et d'expliquer les phénomènes dispersés par Pilnyak dans l'espace épique de son roman.
Un tel centre idéologique est suggéré par la littérature du réalisme socialiste. Pilnyak dans les années 20 ne pouvait ou ne voulait pas le trouver. L'absence d'un tel centre idéologique est en quelque sorte compensée par la présence dans le roman de nombreux points de vue sur ce qui se passe, qu'il n'est pas possible de réduire et de combiner. Leur abondance accentue la destruction grande image monde, présenté dans "L'année nue". La « Note nécessaire » de l'« Introduction » formule directement le désir de relier la réalité qui se désintègre sous nos yeux à plusieurs points de vue - et l'impossibilité objective de le faire. « Les Blancs sont partis en mars – et c’est le mois de mars pour l’usine. Pour la ville (la ville d'Ordynin) - juillet, et pour les villages et villages - toute l'année. Mais à chacun – à travers son regard, son instrumentation et son mois. La ville d'Ordynin et les usines Taezhevsky sont à proximité et à des milliers de kilomètres de tout. - Donat Ratchin – tué par les Blancs : tout sur lui."
La « Note nécessaire », courte et apparemment dénuée de sens, exprime l’essence de la conception du monde et de l’homme de l’écrivain. Le monde est détruit et contradictoire : les relations spatiales révèlent leur incohérence ou, au mieux, leur relativité (la ville et les usines sont proches et à des milliers de kilomètres de tout) ; la logique traditionnelle, fondée sur des relations de cause à effet, est délibérément détruite. La solution est de proposer à chaque héros son propre point de vue sur ce monde froissé et illogique : « À chacun – à travers son regard, son instrumentation et son mois. » Cependant, des points de vue disparates ne parviennent pas à relier des fragments de réalité en une image cohérente. De nombreuses positions incompatibles entre elles dans le monde artistique de « The Naked Year » constituent une équation compositionnelle insoluble.
Par conséquent, le roman déclare un rejet des principes réalistes de typification, un rejet des modèles conditionnés. Les circonstances ne sont plus capables de façonner le caractère. Ils apparaissent comme n’étant reliés par aucune connexion logique, comme des fragments disparates de réalité.
Par conséquent, Pilnyak recherche la motivation du personnage non pas dans la sphère des relations sociales et interpersonnelles du héros, mais dans sa personnalité même. Cela explique l’attirance de l’écrivain pour les éléments du naturalisme. Le rejet de l'échelle eschatologique de la vision du monde (c'est dans une telle perspective mondialiste que la révolution a été comprise au début des années 20) ébranle les orientations culturelles, morales et autres d'une personne, révélant des « principes naturels », principalement de genre. . Il s’agit d’instincts physiologiques dans leur forme la plus évidente et la plus non dissimulée : ce sont ceux qui ne peuvent pratiquement pas être freinés par le statut social, la culture et l’éducation d’une personne. De tels instincts motivent le comportement de Pilniak à la fois en tant que héros et en masses entières.
Et pourtant, dans L’Année nue, Boris Pilniak esquisse au moins une possibilité hypothétique de synthétiser les fragments de réalité divisés par la révolution. Le point de vue qui offre une telle perspective est celui des bolcheviks, même s’il est clairement incompréhensible pour l’écrivain. «Dans la maison des Ordynin, au comité exécutif (il n'y avait pas de géraniums aux fenêtres) - des gens en vestes de cuir, des bolcheviks, se sont rassemblés à l'étage. Ceux-là, en blouson de cuir, chacun est grand, beau cuir, chacun est fort, et les boucles sous la casquette sont cerclées à l'arrière de la tête, chacun a les pommettes bien dessinées, les plis des lèvres, chacun a repassé les mouvements. Du peuple russe lâche et maladroit - sélection. Vous ne serez pas mouillé dans des vestes en cuir. Donc nous savons, donc nous voulons, alors nous le définissons - et c'est tout.
Mais les fameuses « vestes en cuir » de Pilniak n’étaient également qu’une image abstraite. Le caractère collectif du portrait, l’accent délibéré et fondamental mis sur l’apparence, mettant l’accent sur la détermination comme seul personnage dominant, ne pouvaient pas faire du point de vue des « vestes en cuir » le centre idéologique qui consoliderait le récit et synthétiserait des images disparates de la réalité. Si leur point de vue devenait dominant, alors le conflit entre eux et les gens ordinaires (résidents privés, hommes et femmes) serait traité de la même manière que dans la « Semaine » de Yu. Libedinsky. L’absence de ce centre idéologique dans le roman de Pilniak devient la ligne fondamentale qui sépare l’esthétique du réalisme socialiste du modernisme.
Il est caractéristique que l'admiration et la peur de la volonté inflexible des bolcheviks apparaissent non seulement dans « L'année nue », mais aussi dans « Le Conte de la lune non éteinte » (1927), qui jouait rôle fatal dans la vie d'un écrivain. Son intrigue est basée sur l'histoire réelle de la mort du héros de la guerre civile Frunze sur la table d'opération : l'opération visant à enlever un ulcère d'estomac guéri depuis longtemps a été réalisée, selon les rumeurs qui circulaient activement à l'époque, sur ordre de Staline. Les contemporains l'ont facilement reconnu à l'image d'un homme non voûté, et chez le malheureux commandant de l'armée Gavrilov, ils ont trouvé les traits de feu Frounze. Les pouvoirs en place ont été si effrayés par l'apparition de cette histoire que l'édition de Novy Mir, où elle a été publiée, a été confisquée, et Voronsky, à qui Pilnyak a dédié son travail, a publiquement refusé la dédicace.
On peut supposer que dans « Le Conte de la Lune non éteinte », Pilnyak tente de dépasser les limites de l'esthétique moderniste. Cela peut être fait en plaçant des fragments de réalité dans un seul schéma, intrigue, système d'événements, c'est-à-dire en créant une sorte de centre sémantique qui explique la réalité. L’image d’un homme non voûté apparaît comme un tel centre idéologique dans l’histoire. C'est lui, assis la nuit dans son bureau, qui se confronte à la vie vivante et naturelle, « quand des milliers de personnes se pressaient dans les cinémas, les théâtres, les spectacles de variétés, les tavernes et les pubs, quand les voitures folles dévoraient les flaques d'eau des rues avec leurs lanternes, creusant des rues. des foules de gens bizarres avec ces lanternes sur les trottoirs. de toutes les manières a forcé le public à se déchaîner et à applaudir.
Ce tableau, peint de traits lumineux superposés les uns sur les autres, s'oppose au monde des affaires sobres et du calcul, au monde d'un Homme non penché. Tout dans ce monde est soumis à un cadre strict : « Les repères de son discours étaient l'URSS, l'Amérique, l'Angleterre, le monde et l'URSS, la livre sterling anglaise et la livre russe de blé, l'industrie lourde américaine et les travailleurs chinois. L’homme parlait fort et fermement, et chacune de ses phrases était une formule.
Notons que dans les deux citations citées, Pilnyak juxtapose délibérément les images impressionnistes et « contournées » de la réalité, de la vie vivante et du calcul solide et sobre. Le dernier gagne. En essayant d'introduire dans son monde artistique une sorte de principe organisateur, capable de rassembler des images disparates de l'existence en quelque chose d'holistique, Pilnyak vient presque fatalement des vestes en cuir, dans les affaires et les plans dont il voyait la perspective de surmonter le chaos, vient à l'image d'un homme non penché. Ce héros, comme s'il s'élevait au-dessus du monde artistique de l'histoire, impose un contour rigide à la vie vivante, comme pour l'immobiliser, la priver de liberté intérieure, quoique chaotique. Ce conflit s'exprime non seulement au niveau de l'intrigue, dans le sort terrible du commandant Gavrilov - Frunze, mais aussi à d'autres niveaux de poétique : l'incomplétude moderniste entre en collision avec l'intrigue, les traits flottants multicolores - avec un gris contour. Ayant trouvé un centre idéologique organisateur, Pilnyak en fut horrifié, ne l'accepta pas, le repoussa, restant dans ses œuvres ultérieures dans le cadre du modernisme. Monde de l'art B. Pilnyak, avec toute son amorphité extérieure, sa fragmentation et son caractère aléatoire, était le reflet du flux de la vie, perturbé par les tragiques vicissitudes historiques de la réalité russe des années 10-20.
Pilnyak était en principe incapable de modéliser la réalité, de la montrer non pas telle qu'elle est, mais telle qu'elle devrait être - par conséquent, l'introduction d'un centre idéologique dans la structure compositionnelle de l'œuvre était en principe impossible. L'idée d'obligation et de normativité, caractéristique du réalisme socialiste, une orientation vers un certain idéal qui se réalisera un jour, a été interprétée par lui dans l'art comme fausse et contraire à la vérité artistique.
Pilnyak n'a pas organiquement toléré les mensonges. « Je prends des journaux et des livres, et la première chose qui me frappe, ce sont les mensonges partout, au travail, dans vie publique, dans les relations familiales. Tout le monde ment : les communistes, les bourgeois, les ouvriers et même les ennemis de la révolution, la nation russe tout entière.» Les paroles prononcées par l'un des héros de l'écrivain caractérisent avec précision la position de l'auteur lui-même, qui dans le récit « Spattered Time » (1924) définit à la fois sa place dans l'art et la place de la littérature dans la vie de la société : « J'ai eu l'amère gloire d'être une personne qui va dans le pétrin. Et j'ai eu aussi une gloire amère : mon devoir est d'être un écrivain russe et d'être honnête envers moi-même et envers la Russie.»
Etc.), il est donc nécessaire de distinguer ces deux concepts afin d’éviter toute confusion.
Le modernisme dans les arts visuels
Modernisme- un ensemble de mouvements artistiques dans l'art de la seconde moitié du XIXe - milieu du XXe siècle. Les tendances modernistes les plus significatives étaient l'impressionnisme, l'expressionnisme, le néo- et post-impressionnisme, le fauvisme, le cubisme et le futurisme. Ainsi que des mouvements ultérieurs - art abstrait, dadaïsme, surréalisme. Au sens étroit, le modernisme est considéré comme une première étape de l'avant-gardeisme, le début d'une révision traditions classiques. La date de naissance du modernisme est souvent appelée 1863 - l'année de l'ouverture du « Salon des Rejetés » à Paris, où les œuvres des artistes étaient acceptées. Au sens large, le modernisme est « un autre art », dont l'objectif principal est de créer des œuvres originales basées sur la liberté intérieure et une vision particulière du monde de l'auteur et porteuses de nouveaux moyens d'expression du langage visuel, souvent accompagnés de choquants et de un certain défi aux canons établis.
Le modernisme en littérature
En littérature, le modernisme a remplacé le roman classique. Au lieu de la biographie, le lecteur a commencé à se voir proposer des interprétations littéraires de divers concepts philosophiques, psychologiques et historiques (à ne pas confondre avec le roman psychologique, historique et philosophique, qui sont classiques), un style appelé Stream of Consciousness (anglais) est apparu. Flux de la conscience), caractérisé par une pénétration profonde dans monde intérieur héros. Le thème de la compréhension de la guerre et de la génération perdue occupe une place importante dans la littérature du modernisme.
Les principaux précurseurs du modernisme furent : Dostoïevski (1821-1881) ( Crime et Châtiment (1866), Frères Karamazov(1880) ; Whitman (1819-1892) ( feuilles d'herbe) (1855-91); Baudelaire (1821-67) ( Les fleurs du Mal), A. Rimbaud (1854-91) ( Connaissances, 1874); Strindberg (1849-1912), notamment ses pièces ultérieures.
Le modernisme a supprimé l’ancien style au cours des trois premières décennies du XXe siècle et a radicalement redéfini les formes littéraires possibles. Les principaux écrivains de cette période :
Le modernisme en architecture
L’expression « modernisme en architecture » est souvent utilisée comme synonyme du terme « architecture moderne », mais ce dernier terme est encore plus large. Le modernisme en architecture embrasse le travail des pionniers architecture moderne et leurs adeptes dans la période allant du début des années 1920 aux années 1970-1980 (en Europe), lorsque de nouvelles tendances ont émergé en architecture.
Dans la littérature spécialisée, le terme « modernisme architectural » correspond aux termes anglais « architecture moderne», « mouvement moderne" ou " moderne", utilisé dans le même contexte. L'expression « modernisme » est parfois utilisée comme synonyme du concept « architecture moderne » ; ou comme nom du style (dans la littérature anglaise - " moderne»).
Le modernisme architectural comprend des mouvements architecturaux tels que le fonctionnalisme européen des années 1920-1930, le constructivisme et le rationalisme des années 1920 en Russie, le mouvement Bauhaus en Allemagne, le style architectural art déco, le style international, le brutalisme et l'architecture organique. Ainsi, chacun de ces phénomènes est l’une des branches d’un arbre commun, le modernisme architectural.
Les principaux représentants du modernisme architectural sont les pionniers de l'architecture moderne Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Richard Neutra, Ludwig Mies van Der Rohe, Le Corbusier, Alvar Aalto, Oscar Niemeyer, ainsi que plusieurs autres.
Mouvements modernistes dans l'art
Critique
Les opposants au modernisme étaient Maxim Gorki et Mikhaïl Lifshits.
voir également
Donnez votre avis sur l'article "Modernisme"
Remarques
Littérature
- Nilsson Nils Åke. Archaïsme et modernisme // Poésie et peinture : Collection d'œuvres à la mémoire de N. I. Khardzhiev / Compilation et édition générale par M. B. Meilakh et D. V. Sarabyanov. - M. : Langues de la culture russe, 2000. - P. 75-82. -ISBN5-7859-0074-2.
Liens
- Lifshits M.A.
|
||||||||||||||||||
Un extrait caractérisant le modernisme
Pierre fut conduit dans la grande salle à manger éclairée ; quelques minutes plus tard, des pas se firent entendre, et la princesse et Natasha entrèrent dans la pièce. Natasha était calme, même si une expression sévère, sans sourire, était à nouveau établie sur son visage. La princesse Marya, Natasha et Pierre ont également ressenti ce sentiment de maladresse qui suit habituellement la fin d'une conversation sérieuse et intime. Il est impossible de continuer la même conversation ; parler de bagatelles est honteux, mais se taire est désagréable, parce que tu as envie de parler, mais avec ce silence tu as l'air de faire semblant. Ils s'approchèrent silencieusement de la table. Les serveurs reculèrent et tirèrent les chaises. Pierre déplia la serviette froide et, décidant de rompre le silence, regarda Natasha et la princesse Marya. Tous deux, évidemment, ont décidé en même temps de faire la même chose : se contenter de la vie et reconnaître qu'en plus du chagrin, il y a aussi des joies qui brillent dans leurs yeux.- Buvez-vous de la vodka, Comte ? - dit la princesse Marya, et ces mots dissipèrent soudain les ombres du passé.
"Parlez-moi de vous", a déclaré la princesse Marya. "Ils racontent des miracles tellement incroyables à votre sujet."
"Oui," répondit Pierre avec son sourire désormais familier de douce moquerie. "Ils me parlent même de miracles que je n'ai jamais vus dans mes rêves." Marya Abramovna m'a invité chez elle et n'a cessé de me raconter ce qui m'était arrivé ou ce qui allait m'arriver. Stepan Stepanych m'a aussi appris à raconter les choses. En général, j’ai remarqué qu’il est très paisible d’être une personne intéressante (je suis une personne intéressante maintenant) ; ils m'appellent et ils me le disent.
Natasha sourit et voulut dire quelque chose.
"On nous a dit", l'interrompit la princesse Marya, "que vous aviez perdu deux millions à Moscou". Est-ce vrai?
«Et je suis devenu trois fois plus riche», dit Pierre. Pierre, malgré le fait que les dettes de sa femme et le besoin d'immeubles changeaient ses affaires, continuait de dire qu'il était devenu trois fois plus riche.
« Ce que j'ai sans aucun doute gagné, dit-il, c'est la liberté… » commença-t-il sérieusement ; mais décida de ne pas continuer, remarquant que c'était un sujet de conversation trop égoïste.
-Vous construisez ?
- Oui, ordonne Savelich.
– Dites-moi, n'étiez-vous pas au courant de la mort de la comtesse lorsque vous séjourniez à Moscou ? - dit la princesse Marya et rougit immédiatement, remarquant qu'en posant cette question après ses paroles selon lesquelles il était libre, elle attribuait à ses paroles un sens qu'elles n'avaient peut-être pas.
"Non", répondit Pierre, ne trouvant visiblement pas gênante l'interprétation que la princesse Marya donnait à sa mention de sa liberté. "J'ai appris cela à Orel, et vous ne pouvez pas imaginer à quel point cela m'a frappé." Nous n'étions pas des conjoints exemplaires », dit-il rapidement en regardant Natasha et en remarquant sur son visage la curiosité quant à la façon dont il réagirait à sa femme. "Mais cette mort m'a terriblement frappé." Lorsque deux personnes se disputent, les deux sont toujours coupables. Et la culpabilité devient soudain terriblement lourde devant une personne qui n’existe plus. Et puis une telle mort... sans amis, sans consolation. "Je suis vraiment, vraiment désolé pour elle", termina-t-il et fut heureux de remarquer la joyeuse approbation sur le visage de Natasha.
"Oui, vous voilà à nouveau célibataire et marié", a déclaré la princesse Marya.
Pierre rougit soudain et essaya longtemps de ne pas regarder Natasha. Lorsqu'il décida de la regarder, son visage était froid, sévère et même méprisant, à son avis.
– Mais avez-vous vraiment vu et parlé avec Napoléon, comme on nous l'a dit ? - dit la princesse Marya.
Pierre rit.
- Jamais jamais. Il semble toujours à tout le monde qu'être prisonnier signifie être l'hôte de Napoléon. Non seulement je ne l’ai pas vu, mais je n’ai pas non plus entendu parler de lui. J'étais en bien pire compagnie.
Le dîner se termine et Pierre, qui refuse d'abord de parler de sa captivité, s'implique peu à peu dans cette histoire.
- Mais est-ce vrai que tu es resté pour tuer Napoléon ? – lui a demandé Natasha en souriant légèrement. « Je l'ai deviné lorsque nous vous avons rencontré à la tour Sukharev ; souviens-toi?
Pierre a admis que c'était vrai, et à partir de cette question, progressivement guidé par les questions de la princesse Marya et surtout de Natasha, il s'est impliqué dans le récit détaillé de ses aventures.
Il parlait d'abord avec ce regard moqueur et doux qu'il avait maintenant envers les gens et surtout envers lui-même ; mais ensuite, lorsqu'il en vint au récit des horreurs et des souffrances qu'il avait vues, il se laissa emporter, sans s'en apercevoir, et commença à parler avec l'excitation contenue d'une personne qui éprouve de fortes impressions dans sa mémoire.
La princesse Marya regarda Pierre et Natasha avec un doux sourire. Dans toute cette histoire, elle ne voyait que Pierre et sa gentillesse. Natasha, appuyée sur son bras, avec une expression constamment changeante sur son visage, au rythme de l'histoire, regardait, sans détourner le regard une minute, Pierre, expérimentant apparemment avec lui ce qu'il racontait. Non seulement son regard, mais aussi ses exclamations et questions courtes, ce qu'elle a fait, a montré à Pierre qu'à partir de ce qu'il disait, elle comprenait exactement ce qu'il voulait transmettre. Il était clair qu'elle comprenait non seulement ce qu'il disait, mais aussi ce qu'il voulait et ne pouvait pas exprimer avec des mots. Pierre raconte son épisode avec l'enfant et la femme pour la protection de laquelle il a été pris de la manière suivante :
"C'était un spectacle terrible, des enfants étaient abandonnés, certains étaient en feu... Devant moi, ils ont sorti un enfant... des femmes dont les affaires ont été arrachées, leurs boucles d'oreilles ont été arrachées...
Pierre rougit et hésita.
«Puis une patrouille est arrivée, et tous ceux qui n'ont pas été volés, tous les hommes ont été emmenés. Et moi.
– Vous ne dites probablement pas tout ; "Tu as dû faire quelque chose…" dit Natasha et fit une pause, "bien".
Pierre a continué à parler plus loin. Lorsqu'il parlait de l'exécution, il voulait éviter les terribles détails ; mais Natasha a exigé qu'il ne manque rien.
Pierre a commencé à parler de Karataev (il s'était déjà levé de table et se promenait, Natasha le regardait des yeux) et s'est arrêté.
- Non, tu ne peux pas comprendre ce que j'ai appris de cet homme analphabète - un imbécile.
"Non, non, parle", dit Natasha. - Où est-il?
"Il a été tué presque devant moi." - Et Pierre commença à raconter la dernière fois de leur retraite, la maladie de Karataev (sa voix tremblait sans cesse) et sa mort.
Pierre racontait ses aventures comme il ne les avait jamais racontées à personne auparavant, comme il ne se les était jamais rappelées. Il voyait maintenant, pour ainsi dire, un nouveau sens dans tout ce qu'il avait vécu. Or, lorsqu'il racontait tout cela à Natasha, il éprouvait ce rare plaisir que procurent les femmes en écoutant un homme - non femmes intelligentes qui, en écoutant, essaient soit de se souvenir de ce qu'on leur dit pour enrichir leur esprit et, à l'occasion, de le raconter, soit d'adapter ce qui leur est dit au leur et de communiquer rapidement leurs discours intelligents développés dans leur petite économie mentale ; mais le plaisir que procurent les vraies femmes, douées de la capacité de sélectionner et d'absorber en elles tout le meilleur qui existe dans les manifestations d'un homme. Natasha, sans le savoir elle-même, était toute l'attention : elle ne manquait pas un mot, une hésitation dans la voix, un regard, une contraction d'un muscle du visage, ou un geste de Pierre. Elle saisit au vol le non-dit et l’apporta directement dans son cœur ouvert, devinant le sens secret de tout le travail spirituel de Pierre.
La princesse Marya comprenait l'histoire, sympathisait avec elle, mais elle voyait maintenant autre chose qui absorbait toute son attention ; elle a vu la possibilité d'amour et de bonheur entre Natasha et Pierre. Et pour la première fois, cette pensée lui vint, remplissant son âme de joie.
Il était trois heures du matin. Des serveurs aux visages tristes et sévères sont venus changer les bougies, mais personne ne les a remarqués.
Pierre a terminé son histoire. Natacha, aux yeux brillants et animés, continuait à regarder Pierre avec insistance et attention, comme si elle voulait comprendre autre chose qu'il n'avait peut-être pas exprimé. Pierre, timide et heureux, la regardait de temps à autre et réfléchissait à ce qu'il devait dire maintenant, pour déplacer la conversation sur un autre sujet. La princesse Marya était silencieuse. Personne n’a pensé qu’il était trois heures du matin et qu’il était temps de dormir.
"On dit : malheur, souffrance", dit Pierre. - Oui, s'ils me disaient maintenant, à l'instant même : veux-tu rester ce que tu étais avant la captivité, ou d'abord traverser tout ça ? Pour l'amour de Dieu, encore une fois la captivité et la viande de cheval. Nous pensons à quel point nous serons éjectés de notre chemin habituel, que tout est perdu ; et ici quelque chose de nouveau et de bon ne fait que commencer. Tant qu'il y a de la vie, il y a du bonheur. Il y a beaucoup, beaucoup de choses à venir. "Je te le dis", dit-il en se tournant vers Natasha.
Le concept du modernisme. Courants du modernisme, leurs caractéristiques
La déception face à la réalité de la vie et à la manière artistique et réaliste de la reproduire a conduit à un intérêt pour les dernières théories philosophiques et à l'émergence de nouveaux mouvements artistiques, appelés décadents, avant-gardistes et modernistes. Le mot français « décadence » signifie déclin, « avant-garde » signifie protection avancée et « moderne » signifie moderne, le plus. Ces termes ont commencé à désigner des phénomènes qualitativement nouveaux dans le processus littéraire, qui se trouvaient à l'avant-garde, des positions d'avant-garde et étaient associés au déclin et à la crise de l'opinion publique et de la culture, à la recherche d'idéaux positifs, se tournant vers Dieu dans ces recherches. et la foi, au mystique et à l'irrationnel.
Modernisme- le nom général des mouvements artistiques et littéraires de la fin du XIX - début. XXe siècle, reflète la crise de la culture bourgeoise et caractérise la rupture avec les traditions du réalisme et de l'esthétique du passé. Le modernisme est apparu en France à la fin du XIXe siècle. (Baudelaire, Verlaine, Rimbaud) et se répandit en Europe, en Russie, en Ukraine. Les modernistes pensaient qu’il n’était pas nécessaire de rechercher une logique ou une pensée rationnelle dans une œuvre d’art. Par conséquent, l’art du modernisme était essentiellement de nature irrationnelle.
Protestant contre les idées et les formes dépassées, les modernistes ont cherché de nouvelles voies et moyens. exposition artistique En réalité, ils trouvent de nouvelles formes artistiques et cherchent à actualiser radicalement la littérature. À cet égard, le modernisme est devenu une véritable révolution artistique et pouvait s'enorgueillir de découvertes littéraires aussi marquantes que le monologue interne et les images de la psyché humaine sous la forme d'un « flux de conscience », la découverte d'associations lointaines, la théorie de la polyphonie, l'universalisation d'une technique artistique spécifique et sa transformation en un principe esthétique général, l'enrichissement de la créativité artistique par la découverte du contenu caché des phénomènes de la vie, la découverte du surréaliste et de l'inconnu.
Le modernisme est une rébellion sociale, et pas seulement une révolution dans le domaine de la forme artistique, car il a suscité des protestations contre la cruauté de la réalité sociale et l'absurdité du monde, contre l'oppression de l'homme, défendant son droit à être un individu libre. Le modernisme protestait contre le matérialisme grossier, contre la dégénérescence spirituelle et la pauvreté, contre la satiété stupide et complaisante. Cependant, tout en protestant contre le réalisme, le modernisme n’a pas exclu toutes ses réalisations, mais les a également utilisées, développées et enrichies dans sa recherche de nouvelles voies dans l’art.
Caractéristiques générales du modernisme :
o Attention particulière au monde intérieur de l'individu ;
o invité les valeurs personnelles de l'homme et de l'art ;
o préférence pour l'intuition créatrice ;
o comprendre la littérature comme le savoir le plus élevé est capable de pénétrer dans les niches les plus intimes des profondeurs de l'existence d'une personne et de spiritualiser le monde ;
o recherche de nouveaux moyens dans l'art (métalangage, symbolisme, fabrication de mythes, etc.) ;
o le désir de découvrir de nouvelles idées qui transforment le monde selon les lois de la beauté et de l'art. Des mouvements modernistes extrêmes et radicaux comme le dadaïsme ou le futurisme ont reçu
Nom avant-garde(du français avant-avant, garde-gardien, avant-garde) - une orientation de la culture artistique du XXe siècle, qui consistait en le rejet des normes et traditions existantes, la transformation de nouveaux moyens artistiques en une fin en soi ; afficher les crises, les phénomènes douloureux de la vie et de la culture sous une forme pervertie. L’avant-garde est intrinsèquement rebelle.
Mouvements et mouvements d'avant-garde (futurisme, dadaïsme, surréalisme, « nouveau roman », « drame de l'absurde », « courant de conscience » etc.) ont enrichi et diversifié le processus littéraire, laissant de nombreux chefs-d'œuvre de la créativité artistique à la littérature mondiale. Ils ont également influencé de manière significative les écrivains qui n'ont pas abandonné les principes artistiques du réalisme : des imbrications complexes de réalisme, de symbolisme, de néo-romantisme et de « courant de conscience » sont apparues. Les réalistes ont également utilisé les idées de S. Freud dans leurs œuvres, mené des recherches formalistes dans le domaine de la forme artistique, largement utilisé le « flux de conscience », le monologue interne et combiné différentes couches temporelles dans une seule œuvre.
Le modernisme en tant que mouvement artistique était un conglomérat hétérogène de phénomènes artistiques fondés sur des principes idéologiques, philosophiques et principes artistiques. Fin du 19ème siècle. surgi impressionnisme, symbolisme et esthétisme. Au début du 20ème siècle. l'expressionnisme, le futurisme, le cubisme s'y sont ajoutés, et pendant et après la Première Guerre mondiale - le dadaïsme, le surréalisme, l'école du « courant de conscience » et la littérature, qui comprenait anti-roman, « théâtre de l'absurde ».
Impressionnisme(du français « Impression ») a commencé dans la seconde moitié du 19e siècle et a prospéré au 20e siècle. Elle est née en réaction à l'art de salon et au naturalisme, d'abord en peinture (C. Monet, E. Manet, A. Renoir, E. Degas), puis elle s'est étendue à d'autres arts (A. Rodin en sculpture, M. Ravel, C. Debussy, I. Stravinsky en musique) et littérature. Ici, les fondateurs de l'impressionnisme furent les frères Goncourt et Paul Verlaine. Des manifestations prononcées de l'impressionnisme se trouvaient dans les œuvres de Guy de Maupassant et de Marcel Proust ; Hugo von Hofmannsthal et J. Tuwim appartenaient aux impressionnistes.
Protestant contre une dépendance excessive à l'égard de la vie réelle, contre la copie de la réalité, les impressionnistes décrivaient leurs impressions de ce qu'ils voyaient - visuelles et sensorielles, qui étaient changeantes, comme le monde lui-même, ainsi que les nuances d'impressions et de couleurs, leurs idées et associations étaient souvent fantastique et toujours sous-objectif. L'œuvre d'un impressionniste n'est pas une image objective du monde, mais un système d'impressions subjectives complexes de celui-ci, brillamment colorées par l'individualité créatrice de l'artiste. Les impressionnistes étaient particulièrement vulnérables à la beauté sensuelle du monde. le monde ; ils reproduisaient parfaitement la nature, sa beauté, la diversité et la variabilité de la vie, l'unité de la nature avec l'âme de l'humanité.
La plupart des mouvements décadents de la fin du 19e et du début du 20e siècle. devenu symbolisme. Le symbole était utilisé comme moyen d'exprimer l'essence incompréhensible des phénomènes de la vie et les idées personnelles secrètes ou même mystiques, les idées créatives et les idées irrationnelles de l'artiste. Les symboles étaient considérés comme l’incarnation la plus parfaite des idées. Les images symboliques reproduisaient l’essence mystérieuse et irrationnelle de l’âme humaine et de sa vie, le progrès majestueux d’un destin inévitable, décrivaient l’au-delà, le monde métaphysique d’une « autre existence » et faisaient allusion à l’essence mystique des phénomènes de la vie.
Pour les symbolistes, la poésie, comme la musique, était la forme la plus élevée de connaissance des secrets : la recherche et la découverte d’une « autre existence ». Le symbole donne lieu à de nombreuses associations, captivé par sa polysémie, son sens profond et caché, difficile voire impossible à comprendre. Les symbolistes attachaient une grande importance au son interne, à la mélodie et au rythme des mots, à l'euphonie et à la mélodie du langage, à l'excitation émotionnelle qui capturait le lecteur grâce au rythme et à la mélodie du vers, et au jeu d'associations diverses. Le symbolisme a été lancé par les poètes français Paul Verlaine, Mallarmé et Arthur Rimbaud. Après avoir « conquis » la France, le symbolisme se répand rapidement dans toute l’Europe. Dans ses différents pays, le symbolisme était représenté par Gabrielle d'Anunzio (Italie), Rilke et Hugo von Hofmannsthal (Autriche), Stefan George (Allemagne), Oscar Wilde (Angleterre), Emile Verhaerne et Maurice Maeterlinck (Belgique), Gen-god Ibsen (Norvège), Stanislaw Przybyszewski (Pologne).
Esthétisme originaire de la dernière décennie XIXème siècle En Angleterre. Il a donné naissance à un culte de la beauté raffinée. Les créateurs de l'esthétisme croyaient que le réalisme était voué à l'effondrement complet, que problèmes sociaux ne concernent pas du tout l’art véritable et mettent en avant les slogans « l’art pour l’art », « la beauté pour la beauté ». Le représentant le plus marquant de l’esthétisme anglais était Oscar Wilde.
Expressionnisme(du français « Expressivité, expression ») a également été fondée au 19ème siècle. Ce mouvement d'avant-garde a reçu toute sa sonorité et son poids dans le premier quart du XXe siècle. et est devenu une contribution significative au développement de la littérature mondiale. Les expressionnistes étaient étroitement liés à la réalité, c'est cela qui les a façonnés et profondément inquiétés. Ils condamnaient les horribles phénomènes de la vie, la cruauté du monde, protestaient contre la guerre et l'effusion de sang, étaient pleins d'humanité et affirmaient des idéaux positifs.
Mais la vision du monde des expressionnistes était unique : le monde leur semblait être un système chaotique, guidé par des forces incompréhensibles, incompréhensibles, inconnaissables, mystérieuses, et d’elles il n’y avait aucun salut. La seule chose réelle était le monde intérieur de l'homme et de l'artiste, ses sentiments et ses pensées. C’est lui qui aurait dû retenir l’attention de l’écrivain. Et il doit être reproduit de manière claire, vivante, à l'aide d'images conventionnelles grandioses, aux proportions perturbées, excessivement tendues, avec les intonations les plus claires, c'est-à-dire représentées à l'aide d'images expressives utilisant un grotesque paradoxal et dans une perspective fantastique. Ou peut-être pas l'expressionniste le plus remarquable, Johannes Becher considérait l'image poétique de « la tension, la bouche ouverte en extase » comme caractéristique de l'expressionnisme. Ainsi, dans les œuvres des expressionnistes, il y a beaucoup de satire, de grotesque, beaucoup d'horreur, de cruauté excessive, de généralisations et d'évaluations subjectives de la réalité. L'expressionnisme apparaît d'abord en peinture (E. Munch, W. Van Gogh, P. Gauguin, P. Cézanne, etc.) et en musique (Richard Strauss), et s'installe rapidement dans la littérature. Parmi les plus expressionnistes figurent G. Trakl et F. Kafka en Autriche ; I. Becher et A. France en Allemagne ; L. Andreev en Russie.
Imagisme(du français « Image ») - un mouvement qui a conduit à l'émergence de l'imagisme russe. Il est apparu en Angleterre à la veille de la Première Guerre mondiale et a existé jusqu'au milieu des années 20. Les imagistes ont fait connaître leur présence pour la première fois en Russie en 1919. L'image des imagistes et des imagistes proclamait que c'était la fin en soi de la créativité. "Un poème n'est pas un organisme, mais une vague d'images, à partir de laquelle vous pouvez extraire une image et en insérer dix autres", a soutenu le théoricien de l'imagisme russe V. Shershenevich. Ainsi, les représentants de ce mouvement considéraient le poème comme un « catalogue d'images », un entrelacement exquis de métaphores, métonymies, épithètes, comparaisons et autres tropes - une sorte d'accumulation capricieuse de couleurs, de nuances, d'images, de rythmes et de mélodies. Les imagistes relèguent le contenu au second plan : il « mange l’image ». Bien entendu, l’imagisme ne pouvait pas, même s’il le voulait, négliger complètement le contenu. Les travaux de S. Yesenin sont la meilleure confirmation de cette idée. Les représentants de l'imagisme en Angleterre et aux États-Unis sont T.S. Eliot, R. Aldington, E. Pound, E. Lowell, etc.
Le concept d'avant-garde. Mouvements d'avant-garde dans la littérature mondiale
Futurisme(du latin « Futur ») est née en 1909 en Italie, son fondateur était F. Marinetti. De là, il s'est répandu dans toute l'Europe, recevant le nom de cubisme en France (M. Jacob, B. Cendrars), son futurisme et cubo-futurisme en Russie (I. Severyanin, prends la fourrure, V. Khlebnikov, V. Makhnovsky, etc. ), Avant-garde en Pologne (J. Przybos et autres). Le futurisme ukrainien, fondé par M. Semenko, qui reçut plus tard le nom de « panfuturisme ».
Les futuristes proclamaient qu'ils avaient créé l'art du futur, en phase avec les rythmes nouvelle ère"gratte-ciel-machine-automobile", et ont appelé à l'abandon des traditions de l'ancienne culture, qu'ils appelaient de manière désobligeante "crachoir". Les futuristes ont chanté des hymnes au progrès technique, à la ville, aux voitures, aux moteurs, aux hélices, à la beauté « mécanique », et ont souligné la nécessité de créer un homme nouveau, digne de la technologie de son temps, un homme doté d’une nouvelle sorte d’âme. Ils ont rejeté la tradition littérature réaliste, son langage, sa technique poétique. En introduisant leur propre langage, de nouveaux mots et expressions, les futuristes ont même atteint le point de l'absurdité : il était temps d'inventer des mots sans aucun sens.
Les cubistes français et les cubofuturistes russes étaient étroitement associés aux peintres cubistes, qui cherchaient à choquer, à étonner les gens ordinaires par la netteté de leurs couleurs et leur contenu inhabituel : ils décomposaient ce qu'ils représentaient dans les formes les plus simples. éléments géométriques- des cubes (d'où le nom), des carrés, des rectangles, des lignes, des cylindres, des cercles, etc. Après avoir proclamé le culte de la forme, les cubistes ont relégué le contenu au second plan et l'ont élevé en forme. Les écrivains ont intrigué l'homme moyen non seulement « dans une langue que personne n'avait jamais entendue », mais aussi en s'éloignant de l'euphonie pour se tourner vers la cacophonie, la dissonance et l'accumulation de consonnes difficiles à prononcer.
Surréalisme du fr. "sur" - au-dessus, c'est-à-dire surréalisme), apparu en France dans les années 1920. Son fondateur et principal théoricien était l’écrivain français André Breton, qui appelait à « détruire la contradiction entre le rêve et la réalité qui existe encore aujourd’hui ». Il a déclaré que le seul domaine dans lequel une personne peut s'exprimer pleinement est celui des actes subconscients : sommeil, délire, etc., et a exigé une « écriture automatique » de la part des écrivains surréalistes, c'est-à-dire au niveau subconscient.
École "flux de la conscience"- c'est un moyen de représenter la psyché humaine directement, « de l'intérieur », comme un processus complexe et continu, approfondissant le monde intérieur. Ces œuvres se caractérisaient par l'utilisation de souvenirs, de monologues internes, d'associations, de digressions lyriques et d'autres techniques artistiques. Représentants : D. Joyce, M. Proust, W. Wulf et autres.
DANS "Drame de l'absurde" la réalité a été dépeinte à travers le prisme du pessimisme. Impasse, pressentiment constant d’effondrement, isolement de monde réel- les traits caractéristiques de l'œuvre. Le comportement et le discours des personnages sont illogiques, l'intrigue est détruite. Créateurs - S. Beckett, E. Ionesco.
Questions pour la maîtrise de soi
1. Comment la littérature est au bord du gouffre XIX-XX siècles est étroitement lié à toutes les vicissitudes de son temps ?
2. Nommez les facteurs les plus visibles développement littéraire dans la première moitié du XXe siècle.
3. Donnez une description générale de la littérature moderniste.
4. Quels mouvements et tendances sont considérés comme avant-gardistes ? Donnez leurs caractéristiques générales.
Envoyer votre bon travail dans la base de connaissances est simple. Utilisez le formulaire ci-dessous
Les étudiants, étudiants diplômés, jeunes scientifiques qui utilisent la base de connaissances dans leurs études et leur travail vous en seront très reconnaissants.
Publié sur http://www.allbest.ru/
Introduction
1. Littérature de la première moitié du XXe siècle
2. Le modernisme comme direction de la littérature
3. Technique du « flux de conscience »
Conclusion
Liste de la littérature utilisée
Introduction
La direction principale de la littérature du XXe siècle est le modernisme, qui couvre non seulement le domaine de la littérature, mais aussi l'art et la culture du siècle dernier. Dans le cadre du modernisme, se forment des écoles littéraires telles que le surréalisme, le dadaïsme et l'expressionnisme, qui ont une influence significative sur le romantisme, le théâtre et la poésie.
La réforme innovante du genre romanesque s'exprime dans la formation d'une littérature « courant de conscience », qui change le concept même du genre, les catégories de temps et d'espace dans le roman, l'interaction du héros et de l'auteur, et la style de narration.
D. Joyce, W. Wolfe et M. Proust sont les créateurs et théoriciens de cette littérature, mais la stratégie narrative du « courant de conscience » influence l'ensemble du processus littéraire dans son ensemble.
La prose philosophique a acquis au début du XXe siècle les caractéristiques d'un « roman culturel » ; ces romans combinent l'essayisme, l'histoire du développement de la personnalité, la confession et le journalisme dans leurs modifications de genre. T. Mann définira ce type de prose comme un « roman intellectuel ».
L'esthétisation de la conscience artistique dans le roman moderniste et intellectuel parle de la formation d'une « littérature d'élite », où le but de l'écrivain devient le problème de la recherche spirituelle, une « super tâche », l'impossibilité de résoudre qui conduit à l'abandon de l'ennuyeux , didactique simple du roman du XIXe siècle.
La littérature de la « génération perdue » et la prose psychologique conservent des thèmes historiques et sociaux pertinents. Cette littérature pose un problème de recherche la société moderne et un héros moderne. En général, le processus littéraire de la première moitié du XXe siècle se caractérise par la diversité et l'ampleur des phénomènes innovants, des noms brillants et représente un riche matériel d'étude.
1. Littérature du premier semestreXXsiècle
L’avènement du XXIème siècle fait du XXème siècle le précédent, tout comme le XIXème siècle était le passé par rapport au XXème siècle. Le changement de siècle a toujours produit des synthèses et l’émergence d’hypothèses prédictives sur l’avenir. L’hypothèse selon laquelle le 20e siècle serait différent du 19e a commencé avant même son commencement. La crise de civilisation, que les romantiques prévoyaient intuitivement, s'est pleinement réalisée au fil des siècles: elle s'ouvre avec la guerre des Boers, puis plonge dans deux guerres mondiales, la menace de l'entropie atomique, grande quantité conflits militaires locaux.
La croyance selon laquelle l’épanouissement des sciences naturelles et les nouvelles découvertes amélioreront certainement la vie des gens est détruite par la pratique historique. La chronologie du XXe siècle a révélé une vérité amère : sur le chemin de l'amélioration de la technologie, le contenu humaniste se perd existence humaine. Cette idée devient déjà tautologique à la fin du XXe siècle. Mais les philosophes et les artistes ont eu le pressentiment d’une mauvaise voie déjà prise, à la fin du XIXe siècle et au début d’un nouveau siècle. F. Nietzsche a écrit que la civilisation est une fine couche de dorure sur l'essence animale de l'homme, et O. Spengler dans son ouvrage « Causalité et destin de l'Europe » (1923) a parlé de la mort fatale et inévitable de la culture européenne.
D'abord Guerre mondiale, après avoir détruit les relations sociales et étatiques assez stables du XIXe siècle, a confronté les gens à l'urgence inexorable de réviser leurs valeurs antérieures, de chercher leur propre place dans une réalité changée et de comprendre que le monde extérieur est hostile et agressif. Le résultat de la refonte du phénomène de la vie moderne a été que la plupart des écrivains européens, en particulier la jeune génération arrivée à la littérature après la Première Guerre mondiale, étaient sceptiques quant à la primauté de la pratique sociale sur le microcosme spirituel de l'homme. Ayant perdu toute illusion dans l'évaluation du monde qui les nourrissait et reculant devant le philistinisme bien nourri, l'intelligentsia percevait l'état de crise de la société comme l'effondrement de la civilisation européenne en général. Cela a donné lieu au pessimisme et à la méfiance à l'égard des jeunes auteurs (O. Huxley, D. Lawrence, A. Barbusse, E. Hemingway). La même perte de lignes directrices stables a ébranlé la perception optimiste des écrivains de l'ancienne génération (H. Wells, D. Galsworthy, A. France).
La Première Guerre mondiale, que traverse la jeune génération d'écrivains, devient pour elle une épreuve difficile et un aperçu de la fausseté des faux slogans patriotiques, qui renforce encore la nécessité de rechercher de nouvelles autorités et valeurs morales et conduit de nombreux les inciter à fuir dans le monde des expériences intimes. C'était une sorte d'évasion de l'influence des réalités extérieures. En même temps, les écrivains qui ont connu la peur et la douleur, l'horreur des proches mort violente, ne pouvaient pas rester les mêmes esthètes qui méprisaient les aspects répugnants de la vie. Les auteurs morts et revenus (R. Aldington, A. Barbusse, E. Hemingway, Z. Sassoon, F.S. Fitzgerald) ont été classés par les critiques comme les soi-disant « génération perdue Bien que le terme ne rende pas justice à l’empreinte significative que ces artistes ont laissée sur les littératures nationales, les spécialistes de la littérature continuent néanmoins de souligner leur compréhension approfondie de l’homme pendant et après la guerre. On peut dire que les écrivains du « Culte perdu » ont été les premiers auteurs. attirer l'attention des lecteurs sur ce phénomène qui, dans la seconde moitié du XXe siècle, était appelé le « syndrome de la guerre ».
Le plus puissant système esthétique Le modernisme, apparu dans la première moitié du siècle, analysait la vie privée d'une personne, la valeur intrinsèque de son destin individuel dans le processus de « moments d'être » (W. Wolfe, M. Proust, T. S. Eliot, D. Joyce, F. Kafka).
Du point de vue des modernistes, la réalité extérieure est hostile à l'individu ; elle produit la tragédie de son existence. Les écrivains croyaient que l'étude de la spiritualité est une sorte de retour aux origines et de découverte du vrai « je », car une personne se réalise d'abord en tant que sujet puis crée des relations sujet-objet avec le monde.
Le roman psychologique de M. Proust, axé sur l'analyse de différents états de personnalité à différentes étapes de la vie, a eu une influence incontestable sur le développement de la prose du XXe siècle. L'expérience de D. Joyce dans le domaine du roman, sa tentative de créer une odyssée moderne a donné lieu à de nombreuses discussions et imitations. Dans la poésie de la première moitié du XXe siècle, les mêmes processus se sont déroulés qu'en prose. Tout comme la prose, la poésie se caractérise par une attitude critique envers la civilisation technogénique et ses résultats.
Expériences poétiques de T. Tzar, A. Breton, G. Lorca, P. Eluard, T.S. Eliot a contribué à la transformation du langage poétique. Les changements concernent à la fois la forme artistique, qui devient plus sophistiquée (une synthèse de différents types d'art est évidemment évidente) et l'aspect essentiel, lorsque les poètes cherchent à pénétrer le subconscient. La poésie, plus qu’avant, gravite vers le subjectivisme, le symbolisme et la nature cryptée du vers libre (vers libre) ;
La tendance réaliste de la littérature a élargi les limites de l'expérience traditionnelle recherche artistique monde fondé au 19ème siècle. B. Brecht a remis en question la thèse de la « ressemblance avec la vie », c'est-à-dire l'imitation de l'art réaliste comme sa propriété indispensable et immuable. L'expérience de Balzac et de Tolstoï était importante du point de vue de la préservation de la tradition et de la compréhension des liens intertextuels. Mais l'écrivain croyait que tout phénomène esthétique, même le summum, ne pouvait être artificiellement « mis en conserve », sinon il se transformerait en un dogme qui interférerait avec le développement organique de la littérature.
Il faut surtout souligner que le réalisme utilisait assez librement les principes de l'esthétique non réaliste. L'art réaliste du XXe siècle est si différent des versions classiques du siècle précédent qu'il est le plus souvent nécessaire d'étudier le travail de chaque écrivain.
Les problèmes du développement humaniste de l'homme et de la société, la recherche de la vérité qui, selon les mots de l'auteur britannique de la seconde moitié du siècle, W. Golding, est « toujours la même », inquiétaient à la fois les modernistes et les non-modernistes. également. Le XXe siècle a été si complexe et contradictoire, si multidimensionnel que les écrivains d'orientation moderniste et non moderniste, comprenant la nature globale des processus en cours dans le monde et résolvant souvent les mêmes problèmes, ont tiré des conclusions directement opposées. La fragmentation analytique des phénomènes entreprise par les modernistes à la recherche de sens cachés se conjugue dans le flux général de la littérature de la première moitié du siècle avec la quête des réalistes cherchant à synthétiser les efforts pour comprendre les principes généraux de la réflexion artistique du monde dans afin d'arrêter la décadence des valeurs et la destruction de la tradition, afin de ne pas interrompre la connexion des temps.
2. Le modernisme comme direction de la littérature
Le modernisme est un terme général appliqué rétrospectivement à un vaste domaine de mouvements expérimentaux et d'avant-garde dans la littérature et d'autres arts au début du XXe siècle. Cela inclut des mouvements tels que le symbolisme, le futurisme, l'expressionnisme, l'imagisme, le vorticisme, le dadaïsme et le surréalisme, ainsi que d'autres innovations des maîtres de leur métier.
Le modernisme (italien modernismo - « mouvement moderne » ; du latin modernus - « moderne, récent ») est une direction de l'art et de la littérature du XXe siècle, caractérisée par une rupture avec l'expérience historique antérieure de la créativité artistique, le désir d'établir nouveaux principes non traditionnels dans l'art, renouvellement continu des formes artistiques, ainsi que la conventionnalité (schématisation, abstraction) du style.
Si nous abordons la description du modernisme de manière sérieuse et réfléchie, il deviendra clair que les auteurs classés comme modernistes se sont en fait fixés des buts et des objectifs complètement différents, ont écrit de différentes manières, ont vu les gens différemment et ce qui les unissait souvent était qu'ils vivaient simplement et écrit en même temps. Par exemple, le modernisme comprend Joseph Conrad et David Gerberg Lawrence, Virginia Woolf et Thomas Stearns Eliot, Guillaume Apollinaire et Marcel Proust, James Joyce et Paul Eluard, futuristes et dadaïstes, surréalistes et symbolistes, sans se demander s'il y a quelque chose entre eux. en commun, sauf pour l'époque à laquelle ils vivaient. Les critiques littéraires les plus honnêtes avec eux-mêmes et avec leurs lecteurs admettent que le terme même de « modernisme » est vague. modernisme littérature conscient inconscient
La littérature moderniste se caractérise avant tout par le rejet des traditions du XIXe siècle, leur consensus entre l'auteur et le lecteur. Les conventions du réalisme, par exemple, ont été rejetées par Franz Kafka et d’autres romanciers, y compris le théâtre expressionniste, et les poètes ont abandonné le système métrique traditionnel au profit du vers libre.
Les écrivains modernistes se considéraient comme une avant-garde qui remettait en question les valeurs bourgeoises et incitait le lecteur à réfléchir à de nouvelles formes et styles littéraires. DANS fiction courant accepté évolution chronologique Les événements ont été bouleversés par Joseph Conrad, Marcel Proust et William Faulkner, tandis que James Joyce et Virginia Woolf ont introduit de nouvelles façons de suivre le flux des pensées de leurs personnages en utilisant un style de flux de conscience.
Le début du XXe siècle s'est accompagné à la fois de changements sociaux et du développement de la pensée scientifique ; le vieux monde changeait sous nos yeux, et les changements dépassaient souvent la possibilité de leur explication rationnelle, ce qui a conduit à une déception dans le rationalisme. Pour les comprendre, il fallait de nouvelles techniques et principes de généralisation de la perception de la réalité, une nouvelle compréhension de la place de l’homme dans l’univers (ou « Cosmos »). Ce n’est pas un hasard si la majorité des représentants du modernisme ont cherché un substrat idéologique dans des concepts philosophiques et psychologiques populaires attentifs aux problèmes de l’individualité : dans le freudisme et le nietzschéisme. La variété des concepts initiaux de la vision du monde a d'ailleurs largement déterminé la diversité des mouvements et des manifestes littéraires : du surréalisme au dadaïsme, du symbolisme au futurisme, etc. Mais la glorification de l'art comme type de connaissance mystique secrète, qui s'oppose à l'absurdité du monde, et la question de la place de l'individu avec sa conscience individuelle dans le Cosmos, la tendance à créer ses propres nouveaux mythes nous permettent considérer le modernisme comme un mouvement littéraire unique.
Personnage préféré des prosateurs modernes - " petit homme", le plus souvent l'image d'un employé moyen (le courtier Bloom dans Ulysse de Joyce ou Gregor dans La Réincarnation de Kafka sont typiques), puisque celui qui souffre est une personne non protégée, un jouet puissances supérieures. Le chemin de vie des personnages est une série de situations, le comportement personnel est une série d'actes de choix, et le véritable choix se réalise dans des situations « limites », souvent irréalistes. Les héros modernistes vivent comme en dehors du temps réel ; la société, le gouvernement ou l'État sont pour eux une sorte de phénomène ennemi de nature irrationnelle, voire carrément mystique. Camus assimile, par exemple, entre la vie et la peste. En général, dans la représentation des prosateurs modernes, le mal, comme d'habitude, entoure les héros de tous côtés. Mais malgré l'irréalité extérieure des intrigues et des circonstances représentées, l'authenticité des détails crée un sentiment de réalité, voire de quotidien, de ces situations mythiques. Les auteurs vivent souvent la solitude de ces héros face à la lumière ennemie comme la leur. Le refus de la position de « l’omniscience » permet aux écrivains de se rapprocher des personnages qu’ils représentent, et parfois de s’identifier à eux. Une attention particulière devrait être accordée à la découverte d'une méthode aussi nouvelle de présentation d'un monologue interne comme un « flux de conscience », dans lequel à la fois le sentiment du héros et ce qu'il voit, ainsi que les pensées avec les associations provoquées par les images qui surgissent. , ainsi que le processus même de leur émergence, sont mélangés, comme sous une forme « inédite ».
3. Technique du « courant de conscience »
Le flux de conscience est une technique de la littérature du XXe siècle, principalement de direction moderniste, reproduisant directement la vie mentale, les expériences, les associations, prétendant reproduire directement la vie mentale de la conscience à travers la cohésion de tout ce qui précède, ainsi que souvent non-linéarité et bris de syntaxe.
Le terme « flux de conscience » appartient au philosophe idéaliste américain William James : la conscience est un flux, une rivière dans laquelle pensées, sensations, souvenirs, associations soudaines s'interrompent constamment et s'entrelacent de manière bizarre, « illogique » (« Foundations de psychologie », 1890) . Le « courant de conscience » représente souvent un degré extrême, une forme extrême de « monologue interne » ; les connexions objectives avec l'environnement réel sont souvent difficiles à rétablir.
Le flux de conscience crée l'impression que le lecteur écoute son expérience dans l'esprit des personnages, ce qui lui donne un accès direct et intime à leurs pensées. Comprend également la représentation dans un texte écrit de ce qui n'est ni purement verbal ni purement textuel.
Ceci est réalisé principalement à travers deux modes de narration et de citation, et un monologue interne. Dans le même temps, les sensations, les expériences, les associations s'interrompent et s'entrelacent souvent, tout comme cela se produit dans un rêve, ce qui est souvent ce qu'est en réalité notre vie, selon l'auteur - après nous être réveillés, nous dormons toujours.
Les possibilités de cette technique ont été véritablement révélées dans les romans de M. Proust, W. Woolf et J. Joyce. C'est d'eux main légère, dans le roman le concept d'« image centrale » a disparu et a été remplacé par le concept de « conscience centrale ».
J. Joyce fut le premier à utiliser le « flux de conscience » total. L'œuvre centrale du « courant de conscience » est à juste titre considérée comme « Ulysse », qui a démontré à la fois l'apogée et l'épuisement des possibilités de cette méthode : l'étude de la vie intérieure d'une personne se conjugue avec le brouillage des frontières du caractère. .
Stephen Dedalus est un intellectuel froid dont l'esprit est constamment occupé par des pensées inhabituelles :
...La modalité irrévocable du visible. C'est du moins cela, sinon plus, que mes yeux disent à mes pensées. Je suis là pour lire les marques de l'essence des choses : toutes ces algues, ces alevins, la marée montante, cette botte rouillée là-bas. Vert morve, bleu argenté, rouille : marquages colorés. Limites de la transparence. Mais il ajoute : dans les corps. Cela signifie qu'il a appris que les corps étaient plus tôt qu'ils n'étaient colorés. Comment? Et se cogner la tête contre eux, comment faire autrement. Soigneusement. Il était chauve et millionnaire, maestro di color che sanno [professeur de ceux qui savent (italien Dante. Inferno, IV, 131)].
Limite de transparence... Pourquoi... ? Transparent, opaque. Là où les cinq doigts peuvent passer, c'est une porte, là où ce n'est pas le cas, c'est une porte. Fermez les yeux et regardez.
Léopold Bloom - tout le monde, personne moyenne, dont les idées sur le monde sont contentement limitées :
M. Bloom regarda avec un intérêt bon enfant la créature noire et flexible.
Ça a l'air bien : la fourrure est lisse et brillante, il y a un bouton blanc sous la queue, les yeux sont verts et brillants. Il se pencha vers elle, posant ses paumes sur ses genoux. " Du lait à la chatte ! "
Monsieur ! - elle miaula bruyamment.
Ils disent qu'ils sont stupides. Ils comprennent ce que nous disons mieux que nous ne les comprenons. Celle-ci comprendra tout ce qu'elle veut. Et vindicatif. Je me demande à quoi je ressemble pour elle. Aussi haut qu'une tour ? Non, elle peut me sauter dessus. » « Mais elle a peur des poules », la taquina-t-il.
Peur des poussins. Je n'ai jamais vu une chatte aussi stupide de ma vie. Cruel. C'est dans leur nature. C'est étrange que les souris ne couinent pas. C'est comme s'ils aimaient ça.
Mgrrau! - elle miaula plus fort. Ses yeux avides, mi-clos de honte, clignèrent et, miaulant pitoyablement et longuement, elle exposa ses dents d'un blanc laiteux. Il vit comment les fentes noires de ses pupilles se rétrécissaient d'avidité, transformant ses yeux en cailloux verts. Se dirigeant vers le placard, il prit le pichet fraîchement rempli du livreur de Hanlon, versa le lait chaud et pétillant dans la soucoupe et posa soigneusement la soucoupe sur le sol.
Miaou! - a-t-elle crié en se précipitant vers la nourriture.
Il observa comment sa moustache brillait métallique dans la pénombre et comment, après l'avoir essayée trois fois, elle commençait facilement à faire des tours. Est-il vrai ou non que si vous coupez votre moustache, vous ne pourrez plus chasser ? Pourquoi? Peut-être que les pointes brillent dans le noir. Ou servir de palpes, peut-être.
Profitons maintenant du « courant de conscience » féminin de Molly Bloom, dans lequel Joyce, selon beaucoup, a révélé la véritable essence de l'âme féminine :
... c'est pour toi que le soleil brille », dit-il ce jour-là alors que nous étions allongés parmi les rhododendrons du cap Howth ; il porte un costume en tweed gris et un chapeau de paille, le jour où je lui ai demandé de me proposer, et d'abord je lui ai donné un morceau de biscuit au carvi de mes lèvres - c'était une année bissextile comme maintenant et il y a 16 ans. Mon Dieu, après ce long baiser j'ai failli étouffer, oui il a dit - je suis une fleur de montagne, oui c'est vrai, nous sommes des fleurs, tout le corps féminin, oui c'est la seule vérité qu'il a dit dans toute sa vie et le le soleil brille pour toi aujourd'hui, et c'est pour ça que je l'ai aimé, parce que j'ai vu qu'il comprenait ou sentait ce qu'était une femme, et je savais que je pouvais toujours faire ce que je voulais avec lui, et je lui ai donné autant de plaisir que moi Je pouvais, et j'ai continué à commencer à l'exciter jusqu'à ce qu'il me demande de dire oui, et je n'ai pas répondu en premier, j'ai juste regardé la mer et le ciel et je me suis souvenu de tout ce qu'il ne savait pas : Mulvey, et M. Stanhope, et Hester, et son père, et le vieux capitaine Grove, et des marins sur la jetée jouant aux oiseaux en vol, et restant immobiles et faisant la vaisselle, comme ils l'appelaient, et une sentinelle devant la maison du gouverneur avec un casque blanc avec une bande - le le pauvre garçon a presque fondu, et des filles espagnoles riantes en châles avec de hauts peignes dans les cheveux, et le marché matinal des Grecs, des Juifs, des Arabes et le diable lui-même ne sait pas qui d'autre de toute l'Europe, et Duke Street, et les gloussements marché aux oiseaux non loin du Larbi de Sharon, et de pauvres ânes traînaient à moitié endormis, et des clochards inconnus en imperméables, somnolaient sur les marches à l'ombre, et les énormes roues des chars à bœufs, et l'ancien château millénaire, et le beau Des maures en robes blanches et turbans, comme des rois qui vous invitent à s'asseoir dans leurs petites boutiques, et Ronda où les posadas [auberges (espagnol) )] aux fenêtres anciennes où l'éventail cachait le regard clignotant, et le monsieur embrasse les barreaux des fenêtres, et les caves à vin entrouvertes la nuit et les castagnettes et la nuit où nous avons raté le bateau à Algésiras, et le veilleur de nuit marchait calmement avec sa lanterne, et... Oh ce terrible ruisseau qui bouillonne en bas, Oh et la mer, la mer écarlate comme le feu, et les couchers de soleil luxueux, et les figuiers dans les jardins d'Alameda, et toutes les rues pittoresques, et les maisons roses, jaunes et bleues, les allées de roses, et le jasmin, les géraniums, les cactus, et Gibraltar, où j'étais une fille, et la fleur de la montagne. , et quand j'ai épinglé une rose dans mes cheveux, comme le font les filles andalouses, ou épinglé une écarlate..., oui..., et comment il m'a embrassé sous le mur maure, et je me suis demandé s'il s'en souciait ou un autre, et puis Je lui ai dit avec mes yeux de redemander... et puis il m'a demandé : - est-ce que j'aimerais... oui... dire oui, ma fleur de montagne... et d'abord j'ai enroulé mes bras autour de lui, oui. .. et je l'ai attiré vers moi pour qu'il sente mes seins, leur odeur... oui, et son cœur battait à tout rompre et... oui... j'ai dit oui... je veux... Oui.
Comme vous pouvez le voir, nous avons appris l'essence des personnages non pas parce que l'auteur nous en a parlé - l'auteur est mort - nous l'avons appris parce que nous avons nous-mêmes pénétré dans leurs pensées.
Bien sûr, le « flux de conscience » est le meilleur des méthodes connues transfert de psychologisme, mais il n'est en aucun cas idéal, comme le note Vladimir Nabokov :
« La technique du « courant de conscience » ébranle injustement l'imagination des lecteurs. Je voudrais présenter les réflexions suivantes. Premièrement, cette technique n’est ni plus « réaliste » ni plus « scientifique » qu’une autre. Le fait est que le « flux de conscience » est une convention stylistique, puisque, évidemment, nous ne pensons pas seulement avec des mots - nous pensons aussi avec des images, mais le passage des mots aux images ne peut être enregistré directement avec des mots que s'il y a Pas de description. Deuxièmement, certaines de nos pensées vont et viennent, d’autres demeurent ; ils s'installent en quelque sorte, bâclés et lents, et il faut un certain temps pour que les pensées et les pensées actuelles fassent le tour de ces récifs. L’inconvénient de la reproduction écrite des pensées est le brouillage de l’élément temporaire et le rôle trop important attribué au signe typographique.
Conclusion
La littérature du XXe siècle dans sa diversité stylistique et idéologique est incomparable avec la littérature du XIXe siècle, où seuls trois ou quatre courants dominants ont pu être distingués. En même temps littérature moderne n'a pas donné plus de grands talents que littérature XIX des siècles.
La littérature européenne de la première moitié du XXe siècle a été influencée par le modernisme, qui se manifeste avant tout dans la poésie. Ainsi, les poètes français P. Eluard (1895-1952) et L. Aragon (1897-1982) furent des figures marquantes du surréalisme.
Cependant, le plus important dans le style Art Nouveau n'était pas la poésie, mais la prose - les romans de M. Proust (« À la recherche du temps perdu »), J. Joyce (« Ulysse »), F. Kafka (« Le Château » ). Ces romans étaient une réponse aux événements de la Première Guerre mondiale, qui ont donné naissance à une génération qualifiée de « perdue » en littérature. Ils analysent les manifestations spirituelles, mentales et pathologiques d'une personne. Ce qu'ils ont en commun est une technique méthodologique - l'utilisation de la méthode d'analyse du « flux de conscience », découverte par le philosophe français, représentant de l'intuitionnisme et de la « philosophie de la vie » Henri Bergson (1859-1941), qui consiste à décrivant le flux continu de pensées, d’impressions et de sentiments humains. Il a décrit la conscience humaine comme une réalité créatrice en constante évolution, comme un flux dans lequel la pensée n'est qu'une couche superficielle, soumise aux besoins de la pratique et de la vie sociale.
Publié sur Allbest.ru
...Documents similaires
L'essence du modernisme, ses principales orientations littéraires. Développement du symbolisme, représentants de la jeune génération de symbolistes. L'émergence de l'acméisme au début du XXe siècle. Futuristes russes : V. Khlebnikov, B. Pasternak. Le sens de la métaphore dans le travail des imagistes.
présentation, ajouté le 25/10/2012
Histoire du modernisme et les principales étapes de son développement. Étude caractéristiques artistiques phénomènes de modernisme dans la littérature de langue anglaise du XXe siècle. Analyse des images spécifiques du roman moderniste anglais à l'aide de l'exemple de l'œuvre « Clay » de James Joyce.
travail de cours, ajouté le 26/06/2014
Introduction du terme « flux de conscience » par le psychologue W. James. « Flux de conscience » dans la littérature comme méthode artistique pour explorer et reproduire la vie mentale d’une personne. Bergson et le « courant de conscience ». Le roman "Ulysse" de James Joyce, son contenu et ses images.
conférence, ajouté le 10/01/2012
L'essence et la base de la philosophie du modernisme, ses principaux représentants. courte biographie L'écrivain autrichien F. Kafka, l'influence du modernisme sur son œuvre. Une expression de la crise profonde de la société bourgeoise et de l'absence d'issue dans les œuvres de F. Kafka.
résumé, ajouté le 07/12/2011
La variété des genres, styles et méthodes artistiques dans la littérature russe de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. L'émergence, le développement, les principales caractéristiques et les représentants les plus éminents des mouvements du réalisme, du modernisme, de la décadence, du symbolisme, de l'acméisme, du futurisme.
présentation, ajouté le 28/01/2015
Poésie mystique. Mysticisme espagnol du XVIe siècle - répandu phénomène social, qui exprimait les aspirations secrètes épris de liberté et les quêtes spirituelles de la partie éclairée et progressiste de la société espagnole, pleinement reflétées dans la littérature.
rapport, ajouté le 26/07/2007
Emile Zola est un écrivain, publiciste et militant politique français. Œuvres de Maupassant, Flaubert, Dickens, Balzac, Bayle (Stendhal), Mérimée, Thackeray, Proust, Mann, Joyce, Ibsen, Verlaine, Rimbaud, Wilde, Collins, Poe, Verne, Sand et Brontë.
présentation, ajouté le 21/04/2013
L'émergence du genre dystopique, ses caractéristiques dans la littérature du premier tiers du XXe siècle. Modèle dystopique du monde dans les romans « Le Procès » et « Le Château » de F. Kafka. Caractéristiques de la poétique et de la vision du monde d'A. Platonov. Modèle mythopoétique du monde dans le roman "Chevengur".
thèse, ajoutée le 17/07/2017
Le phénomène de la folie est un thème transversal de la littérature. Interprétation changeante du thème de la folie dans la littérature de la première moitié du XIXe siècle. Désacralisation de la folie suite au développement de la psychiatrie scientifique et au passage de la littérature du romantisme au réalisme. Le principe de dualité.
article, ajouté le 21/01/2009
Littérature étrangère et événements historiques du XXe siècle. Directions littérature étrangère première moitié du XXe siècle : modernisme, expressionnisme et existentialisme. Écrivains étrangers du XXe siècle : Ernest Hemingway, Bertolt Brecht, Thomas Mann, Franz Kafka.