La période de transition vers des temps nouveaux est due au besoin urgent de la société d'un art qui reflète une communication amicale et l'absence de mensonge. Le besoin d’art domestique augmente. D'une part, la démocratisation de l'art a relancé vie musicale. Mais dans le contexte de ce renouveau, le phénomène de la culture transitionnelle s'exprime clairement : l'acceptation de la culture pop comme un phénomène unique et les œuvres uniques des classiques étant acceptées comme un art stéréotypé. La fonction éducative de la musique et sa finalité hautement artistique ont été remplacées par une fonction de divertissement et une orientation vers les goûts de l'auditeur. Le système philharmonique a également complètement perdu le besoin de activités éducatives. L'accent mis sur le box-office et le profit, proportionnels au succès auprès d'un auditeur parfois peu développé, donne lieu à une évolution des goûts de la population dans la mauvaise direction. Moyens médias de masse, qui ont une fonction éducative, nous éloignent complètement des traditions de la musique académique. Il est de moins en moins courant de trouver des programmes télévisés promouvant la propagande dans le courant général. portraits historiques compositeurs, annonces de représentations ou simplement diffusion d'un film-opéra. Les performances des meilleurs pianistes sont diffusées sur certaines chaînes de 1h00 à 3h00. À quel public s’adressent ces émissions ? Sur les 47 chaînes de télévision analogiques, une se consacre à la promotion de la culture auprès des masses. Le reflet avant-gardiste de la réalité est très loin du contenu idéologique du répertoire académique, et la hauteur artistique du répertoire classique place la barre trop haute pour la vie quotidienne moderne. À cet égard, il existe une très grande lacune dans la compréhension de l’art, dans les tendances de son développement et de sa signification. Mira Evtich a mieux dit sur la situation de l'interprétation moderne : « D'excellents pianistes jouent partout dans le monde très vite et très fort, ils sont tous titrés et mérités, mais ils n'ont aucun charisme personnel, aucune qualité personnelle originale. Il convient également de noter les propos de M. Pletnev : « Cela fait longtemps que je n'ai pas entendu de représentants de la vieille école russe. J'entends parler d'une école que l'on peut appeler « post-russe » ou « post-soviétique ». Il est né de la nécessité d'obtenir les premières places dans diverses compétitions. Jeu athlétique. Je ne suis pas fan de ce jeu. Mais pour l'obtenir, vous devez le prendre avec un tel jeu. Je vois que les gens qui jouent de manière plus significative n’obtiennent rien. Les carrières se font par ceux qui jouent fort et vite… » L'époque du sport et de la compétition a fait apparaître des artistes semblables les uns aux autres. Le niveau professionnel de l'interprète ne va pas au-delà d'un jeu correct et propre. Les artistes interprètes ou exécutants sont de moins en moins susceptibles d’investir leur « je » interprétatif dans leur performance. Le chemin d'un pianiste vers la scène de concert passe par la compétition. Seuls les pianistes sportifs gagnent. À cause de ça culture artistique suit le chemin du déclin spirituel. Les statistiques montrent une baisse du taux d'occupation salles de concert. Les artistes à vocation professionnelle en Russie n'ont généralement pas opportunité financière assister à des concerts. Ils se tournent de plus en plus vers les enregistrements, Radio Orpheus ou Internet. Les questions de performance et d'interprétation subsistent progressivement au XXe siècle. Le concept de « virtuose » change sa noble signification de « musicien, maître de son métier, époustouflant la salle ». De plus en plus, un maître de la technique est appelé un virtuose, qui se distingue par une maîtrise brillante et une facilité d'exécution de passages, octaves et autres endroits techniquement difficiles.
L'interprétation du piano elle-même a cessé d'avoir une seule fonction éducative et éducative et n'est plus le reflet de l'humeur spirituelle du peuple. Le piano cesse d'être l'instrument central et le Klaviraband est remplacé par des concerts ou des enregistrements préfabriqués. L'enregistrement sonore, apparu à la fin du XIXe siècle, a d'une part donné une impulsion massive au développement de l'art du piano, a supplanté le genre de la musique familiale, limitant l'auditeur à la faible qualité de transmission des œuvres pour piano. Au début du 21e siècle, le piano est remplacé par des synthétiseurs électroniques de petite taille, et le public assiste de moins en moins aux concerts de piano solo, préférant les concerts symphoniques ou des festivals où l'on peut entendre en une soirée grand nombre une variété de musique dans différentes performances. Est-il possible qu’à l’avenir le piano devienne un piano à queue ? exposition de musée, et le jeu du piano disparaîtra complètement ?
Pour préserver et relancer les arts du spectacle, il est nécessaire de travailler en étroite collaboration avec des idées audacieuses et à grande échelle et avec la volonté de les mettre en œuvre. La pensée originale et originale détermine le mouvement et les nouvelles façons de développer l'art. Vous devez éduquer votre public et le forcer à dépasser son niveau artistique. Dans l'éducation des étudiants, il est important d'inculquer les compétences cognitives et l'expansion indépendante de leurs horizons. La performance contemporaine est représentée par de nombreux pianistes. On apprend le plus souvent leurs noms après le concours Tchaïkovski. Ce concours a fait la renommée de pianistes tels que
Van Cliburn, Vladimir Ashkenazi, Eliso Virsaladze, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Grigory Sokolov, Boris Berezovsky, Denis Matsuev et bien d'autres. Les concours et festivals internationaux contribuent à la mondialisation de l’art pianistique. Les écoles de piano cessent progressivement d'avoir les mêmes traits identifiés qu'au XXe siècle. Les pianistes asiatiques viennent étudier en Russie, les Russes partent se former et progresser en Occident, puis reviennent donner des concerts en Russie. Le style de la performance contemporaine reflète la philosophie du pluralisme. La multiplicité des interprétations, des directions d’exécution et de la construction des programmes est aujourd’hui équivalente et acceptable. D'une part, cela offre une voie aux amateurs insipides et analphabètes, mais en même temps, c'est une chance pour les professionnels de préserver les arts du spectacle et de rechercher de nouvelles voies de développement. Ce chemin a été aperçu par Glen Gould au 20ème siècle. Expérimentant en enregistrant parfois même des interprétations opposées le même jour (par exemple, la Sonate op.57 "Appasionata" de Beethoven), il prouve sa réforme sur la justesse de toute interprétation, à condition qu'elle soit justifiée et convaincante. Orientations modernes l'art du piano peut être défini comme expressif Et beaux-arts. Ainsi, dans les œuvres pour piano, les interprètes du « sens expressif » expriment l’idée du compositeur à travers le prisme de leur monde spirituel, leur relation à l’œuvre, la recherchant dans le panorama historique et philosophique. Et les pianistes de la « belle direction » nous montrent l'idée de l'œuvre, sa signification dans le contexte de leurs capacités professionnelles personnelles, en dessinant une image avec des sons. La performance contemporaine peut généralement être caractérisée par des pianistes principes créatifs déjà constitués, et l'avenir est constitué de jeunes pianistes qui sont encore au seuil de grandes réalisations.
Grigory Sokolov, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Evgeny Kissin, Ivo Pogorelich, Marta Agrerich, Alfred Brendel, Eliso Virsaladze sont des pianistes dont les noms sont au sommet de notre époque. Leurs principes d'interprétation se sont déjà développés au cours de leur carrière créative et ils perpétuent fondamentalement les meilleures traditions du piano qui se sont développées au XXe siècle. Les instructions des meilleurs professeurs et les performances live de pianistes tels que S. Richter, E. Gilels, Vl Horowitz, Ar Rubinstein sont encore fraîches dans leur mémoire... Notre siècle nous offre. opportunité incroyableécoutez également leurs enregistrements. Nous pouvons évaluer leurs capacités techniques, comparer les interprétations et suivre l’évolution de la créativité des interprètes à tout moment qui nous convient. Mais nous n'y aurons jamais accès monde magique créations, cette aura sacrée de sons colorés, ce pouvoir d’influence sur l’auditeur, ce message d’énergie qui peut une fois pour toutes façonner la vision du monde de l’interprète, cultiver son goût et orienter sa créativité dans une direction qui maintiendra la barre artistique haute. Hélas. Les prévisions de ces chiffres pour l'interprétation pianistique ne sont pas toujours rassurantes, mais à travers leurs activités, ils tentent de préserver et de transmettre ce qui a été collecté grain par grain tout au long de l'histoire de l'interprétation pianistique. Organiser des festivals, inviter des stars mondiales de l'art pianistique, des prix abordables pour l'achat de billets de concert, des subventions pour soutenir les jeunes talents - telles sont les premières étapes vers l'arrêt du processus irréversible de disparition de l'interprétation pianistique. Nous sommes donnés de l'espoir pour l'avenir par de jeunes talents, dont la recherche est continue. L'un des pianistes qui ont récemment conquis le monde entier est. Daniel Trifonov. Un jeune pianiste brillant avec une position musicale établie. Son talent musical est combiné avec un cœur fougueux et une attitude envers la musique. « Tout d’abord, la musique doit entrer dans mon cœur, et c’est seulement ensuite que je commence à travailler sur un morceau. » - dit Daniel. Son style d’interprétation peut être considéré comme une digne continuation de l’école de piano russe. Son désir, qui s’entend dans n’importe quelle interprétation, est de se rapprocher de l’idée du compositeur, en la corrélant avec l’époque et le temps. Par exemple, le Premier Concerto pour piano de P.I. La performance de Tchaïkovski est pleine de souffle et très mélodique. Et l'interprétation du concerto pour F. Chopin n°1 s'inscrit dans la meilleure tradition des premiers lauréats du Concours Chopin - L. Oborin et J. Zak. rempli de sentimentalité et de sincérité masculines. Capte le cœur des auditeurs dès le premier son - Alexandre Loubiansev. Le pianiste, qui a également réussi de nombreux concours, étonne par ses interprétations. Malgré les critiques pas toujours positives sur sa performance, on peut dire qu'il suit la bonne façon– ne copie pas les interprétations existantes, mais repousse les limites à la recherche des siennes style individuel et à construire de nouvelles lectures d'œuvres. Pour lui, les œuvres sont une source inépuisable de recherche et sa devise est « celui qui marche maîtrisera le chemin ». Sa performance ne peut laisser personne indifférent. Il n'y a pas d'espace vide sur les claviers de Lubyantsev. L'interprétation est la seconde vie de la musique et un si grand interprète l'inspirera certainement. nouvelle vie dans les arts du spectacle. Les concerts laissent une impression inoubliable
Miroslava Koultycheva. Le style d'interprétation de ce pianiste est très romantique, touchant et délicat, à l'image de l'image du pianiste lui-même. Le manque d'expressivité vive et une touche de tristesse confèrent à sa performance une qualité éthérée et n'imposent pas son opinion et son interprétation à l'auditeur. Il y a de la place pour l'imagination et l'imagination de l'auditeur. Cela laisse un euphémisme, qui laisse l’impression que le pianiste va « s’ouvrir » et « montrer » autre chose. Mais c'est un style tellement exotique et sophistiqué. Ses interprétations des œuvres de M. Ravel « Réflexions » ou « Gaspard la nuit » sont particulièrement réussies. L'interprétation du Concerto n°2 de S. Rachmaninov est remplie de sincérité et sa sonorité remplit toute la salle de l'aura d'une performance sacrée. Son répertoire comprend moins œuvres classiques. Le pianiste en parle dans une de ses interviews :
« Les classiques viennois m'ont causé d'importantes difficultés précisément en raison de leur plus grande organisation et de leur plus grand classicisme par rapport à la musique du romantisme. Depuis mon enfance, je me tourne vers le répertoire romantique, jouant beaucoup de musique romantique. Je ne peux pas juger de la façon dont j’ai joué, mais en tout cas, mon inclination intérieure et mon besoin se sont manifestés dans ce choix. Son approche de l’œuvre, la recherche de l’intention de l’auteur, l’étude des fondements théoriques musicaux, activité d'enseignement influence l’évolution performante. Son exécution parfaite acquiert profondeur et philosophie. Peut-être qu'à l'avenir, ce trait se reflétera dans le répertoire de ce pianiste, et nous entendrons dans sa performance de merveilleuses interprétations d'exemples classiques de musique académique. Les pianistes ci-dessus, ainsi que Nikita Mdoyants, Vadim Kholodenko, Andrey Gugnin, Arseny Tarasevich-Nikolaev, sont notre avenir. Ce sont des pianistes dotés d’une personnalité brillante et d’une vision propre des arts du spectacle. Beaucoup de ces pianistes représentent le type d’interprète « virtuose compositeur » si populaire dans la seconde moitié du XIXe siècle. La polyvalence de leur talent élargit leur lecture des œuvres et ajoute une dimension créative à leurs activités. Pour un rappel, ils jouent propres compositions, ils composent leurs propres cadences pour les concerts, rédigent des critiques des performances de leurs collègues, promeuvent un répertoire rarement joué et interprètent de la musique académique à égalité avec la musique moderne. La méthode consistant à élargir la spécialisation musicale avec la restauration des traditions d'interprétation et une conscience objective de la modernité laisse espérer que l'art du piano est, comme à l'époque d'A. Rubinstein, à l'aube et qu'il a encore un siècle et demi d'histoire brillante devant lui. le prochain renouvellement.
Pour développer l'agrès, il ne suffit pas de jouer de nombreuses heures d'exercices. Il est nécessaire d’économiser de l’énergie pour la suite des travaux.
Il existe une tentation bien connue de faire ce que vous savez et ce qui fonctionne le mieux. Soyez capable d’y résister, sinon vous ne réussirez pas.
Notez que l’élimination d’une lacune technique permet d’éliminer toutes les autres lacunes. Connaissez le vôtre faiblesses et attaquez-les de manière décisive.
Ceux qui, après avoir pratiqué les exercices le matin pendant une demi-heure, voire une heure, pensent en avoir fini avec la technique, se trompent.
Je ne suis même pas tout à fait sûr de devoir commencer ma routine quotidienne par de l’exercice. Le « traitement » de l’appareil devient plus efficace lorsque les exercices sont intelligemment répartis tout au long de la journée de travail.
Arrêtez d'apprendre de temps en temps oeuvre d'art et revenez à surmonter certaines difficultés techniques - vous réussirez plus rapidement et avec moins d'efforts.
Lorsque vous apprenez des exercices techniques, gardez les conseils suivants à l’esprit :
1. La hauteur d'assise doit garantir position horizontale mains.
2. Les exercices se jouent sans pédale.
3. Ne vous fatiguez pas la main. Lorsque vous êtes fatigué, reposez-vous ou changez de type d'exercice.
4. Lorsque vous travaillez à un tempo forte ou piano lent, placez votre doigt profondément dans la touche.
5. Pensez non seulement à la frappe du doigt, mais aussi au soulèvement. Savoir comment retirer la main du clavier est tout aussi important que savoir la poser. La première compétence est une condition pour la seconde.
Afin de faciliter l'exécution, il est utile d'exagérer la clarté de l'articulation au début de l'œuvre. L'intensité du son diminue à mesure que le tempo augmente progressivement.
6. Contrôlez votre pouce et votre majeur et n'inclinez pas votre main vers votre petit doigt pour que ce dernier conserve la capacité de frapper tout seul.
7. Contrôlez continuellement la flexibilité de votre main. Il doit être libre de l'épaule au poignet. Ne jouez pas avec les épaules relevées et raides.
8. Travaillez en accélérant progressivement le mouvement, mais en revenant souvent à un rythme lent.
9. Comptez ! Dans les exercices, les battements forts sont des points d’appui et des points de départ pour la montée des doigts. Souligner! La clarté du rythme contribue à la clarté des doigts.
10. Jouez les exercices de manière expressive ! Écoutez-vous !
Reflétant l'essence de notre travail, ces instructions donneront matière à réflexion au musicien consciencieux et, sans aucun doute, l'aideront à maîtriser le secret des grands pianistes : la capacité de travailler !
En conclusion, je voudrais une fois de plus lancer un appel à tous les pianistes bonne volonté qui souhaitent bénéficier de ces travaux. Il n’existe pas de méthode unique et complète pour apprendre l’art du piano.
On dit souvent : la technologie est l’œuvre de l’imagination. Il y a du vrai là-dedans. Vous pouvez par exemple composer vous-même de merveilleuses formules techniques, à partir des ouvrages que vous étudiez. Ces innombrables petites trouvailles ont leur propre signification. Mais ils sont dangereux si le pianiste envisage de remplacer par eux des exercices ou des études traditionnelles.
L’étude d’une œuvre ne se limite pas aux seules tâches techniques. Sonorité, style, beauté des phrases, plénitude du son, accords, noblesse du rythme, équilibre des parties, tels sont les objectifs qu'un pianiste doit se fixer, voulant reproduire l'intention de l'auteur. Pour ce faire, l’interprète doit être libéré des soucis techniques.
Il atteindra cette liberté par l'étude continue des formules contenues dans les études des grands maîtres du piano. Aussi nécessaires que soient le « Clavier bien tempéré » de Bach ou les études de Chopin pour la formation d'un virtuose et d'un musicien - ce sont les sommets de la littérature pianistique - ils ne remplaceront pas « l'École de la maîtrise des doigts » et « l'École du virtuose » de Czerny. .
Pour parvenir à la maîtrise, il faut travailler dur, il faut beaucoup de patience. N'oubliez pas non plus la modestie et le respect des traditions.
J'ai obéi à ces vérités simples, je les ai mises en pratique.
Marguerite Long, de la préface de « L'École de l'exercice »
Richard Clayderman est un pianiste, musicien et arrangeur français, surtout connu pour ses œuvres classiques et populaires, qui lui ont valu la renommée d'un des les plus grands musiciens modernité. Au cours de sa carrière, Richard a écrit plus de 1 300 compositions, qui se sont vendues à plus de 150 millions d'exemplaires ; 267 d’entre eux ont reçu le statut Or dans plusieurs pays et 70 autres ont reçu le statut Platine. Un tel succès incroyable a amené le nom de Clayderman dans le Livre Guinness des Records du Monde comme le meilleur pianiste à succès paix.
Richard Clayderman est né Philippe Pagès le 28 décembre 1953 à Paris, France. Dès le petite enfance Richard a étudié la musique et a appris à jouer du piano sous la tutelle de son père, professeur de musique et musicien professionnel. Au moment où il a obtenu son diplôme, la musique était réservée aux garçons
et pas seulement un passe-temps, mais une activité dans laquelle il aimerait passer sa vie.
Dès son entrée au Conservatoire de Paris, Richard gagne rapidement l'amour des élèves et le respect des professeurs, qui reconnaissent rapidement l'incroyable talent du jeune Clayderman. Sa carrière et son avenir de musicien professionnel étaient au bord de la mort lorsque Richard
était au courant de la maladie de son père et de la faillite presque complète de la famille. Ainsi, pour subvenir à ses besoins et payer ses études, il trouve un emploi dans une banque et commence également à se produire avec des musiciens français contemporains en tant que musicien de session. Fait intéressant, Richard s'est très vite frayé un chemin dans les groupes des musiciens les plus populaires de l'époque, bien que d'autres musiciens
Cela a pris des années, mais, comme il se souvient lui-même, à cette époque, il était prêt à jouer n'importe quelle musique pour laquelle il était payé. Il était donc rentable pour les musiciens professionnels d'intégrer un jeune musicien prometteur dans leur groupe.
En 1976, Clayderman est invité à une interview et une audition pour la ballade "Ballade pour Adeline".
(ou simplement "Adeline"). Parmi les 20 candidats au poste de pianiste, a été choisi Richard, dont le style de jeu a étonné les producteurs par son hétérogénéité : il allie légèreté et force, énergie et mélancolie. En seulement quelques jours d'enregistrement, la version définitive de "Ballade pour Adeline" est apparue, le nombre d'exemplaires vendus à ce jour est
t 34 millions de disques dans 38 pays. Bien que cette œuvre soit devenue la réalisation la plus marquante du musicien, il en possède encore plusieurs centaines. œuvres populaires, qui réussissent non seulement en Europe et aux États-Unis, mais aussi en Asie, assez protégée de l’influence occidentale. Dans de nombreux pays asiatiques, les travaux de Richard
Clayderman connaît un tel succès qu'il occupe parfois tous les rayons des magasins de musique, ne laissant aucune place aux maîtres. musique classique-Mozart, Wagner, Beethoven, etc.
Passant la majeure partie de son temps en tournée, Richard s'est imposé comme un musicien extrêmement efficace : en 2006, il a donné 200 concerts en 250 jours, interprétant
Prendre le week-end uniquement pour voyager et installer du son dans de nouveaux endroits. Au cours de sa carrière, il devient l'auteur de 1 300 ouvrages, publiés sous le titre albums solos, et s'est retrouvé sur les écrans de télévision et de cinéma. Au total, environ 100 disques de Richard sont disponibles aujourd'hui - de ses premières œuvres à ses œuvres les plus récentes.
Est-il possible de déterminer le nombre de signes caractéristiques d'un jeu de piano de première classe. Cependant, en sélectionnant les dix traits les plus importants et en examinant attentivement chacun d’eux, l’élève apprendra beaucoup de choses qui lui donneront matière à réflexion plus tard. En fin de compte, personne n'est capable d'exprimer sous forme imprimée tout ce qu'un enseignant peut communiquer en direct.
Lorsqu'on étudie une nouvelle composition, il est extrêmement important d'en comprendre le concept général ; il faut essayer de pénétrer l'intention principale du compositeur.
Il existe également des difficultés purement techniques qui doivent être surmontées progressivement. Mais jusqu'à ce que l'étudiant soit capable de recréer l'idée principale de la composition dans des proportions plus grandes, son jeu ressemblera à une sorte de méli-mélo musical.
Il y a un certain plan structurel. Tout d'abord, vous devez le découvrir, puis construire une composition dans ce sens. manière artistique, ce qui est caractéristique de son auteur.
Vous me demandez : « Comment un étudiant peut-il se faire une idée correcte de l'œuvre dans son ensemble ? Indubitablement la meilleure façon- l'écouter interprété par un pianiste dont l'autorité en tant qu'interprète ne fait aucun doute. Cependant, beaucoup n’ont pas cette opportunité. Bien souvent, le professeur lui-même, qui enseigne du matin au soir, est incapable d'exécuter la composition de manière absolument parfaite dans tous les détails. Néanmoins, on peut apprendre quelque chose d'un professeur qui, du mieux qu'il peut, est capable de donner à l'élève idée générale sur les valeurs artistiques de l'œuvre. Mais même dans les cas où il n'est possible d'écouter ni un pianiste virtuose ni un professeur, l'élève ne doit pas désespérer s'il a du talent.
Oui c'est le cas plus grande puissance, qui, comme rien d'autre, pénètre dans tous les secrets artistiques et révèle la vérité. Un interprète talentueux semble saisir intuitivement les pensées qui ont submergé le compositeur au moment de la création de la composition et, comme un véritable interprète, les transmet au public sous une forme adéquate.
Il va sans dire que la compétence technique est primordiale pour quiconque souhaite devenir un pianiste de premier ordre. Il est impossible d’imaginer une bonne performance qui ne se distinguerait pas par une technique propre, fluide, distincte et flexible. Les capacités techniques du pianiste doivent répondre exigences artistiques du travail effectué. Il peut bien sûr y avoir des passages qui nécessitent un travail particulier, mais, d'une manière générale, la technique n'a de valeur que si les mains et le cerveau sont suffisamment entraînés pour surmonter les difficultés majeures rencontrées dans les nouvelles compositions.
Les écoles russes accordent une grande attention à la technologie. C'est peut-être l'une des raisons de l'accueil si favorable réservé à certains pianistes russes en dernières années. Le travail des principaux conservatoires russes est presque entièrement sous la supervision du Conservatoire impérial. société musicale. Ce système est flexible : même si tous les étudiants doivent suivre le même cursus, attention particulière est donné cours individuels. Cependant, au début, la technologie est le sujet principal. En termes techniques, tous les étudiants doivent atteindre un niveau élevé niveau professionnel. Personne ne fait exception. Peut-être les lecteurs de la revue Etude seront-ils intéressés à en savoir plus sur le plan général de travail des écoles impériales russes. Le cursus d'études dure neuf ans. Durant les cinq premières années, l'étudiant acquiert l'essentiel de ses compétences techniques en étudiant le recueil d'exercices de Hanon, très largement utilisé dans les conservatoires. En fait, c’est le seul recueil d’exercices strictement techniques utilisé. Tous sont dans la tonalité de C. La collection comprend des gammes, des arpèges et des exercices pour d'autres types de techniques. A la fin de la cinquième année, il y a un examen. Il se compose de deux parties. L'étudiant est d'abord examiné en technique, puis il doit démontrer ses compétences dans l'interprétation artistique de pièces de théâtre, de sketchs, etc. Cependant, ceux qui échouent au premier examen ne sont pas autorisés à passer le second. L'élève apprend si bien les exercices de Ganon qu'il les connaît par numéro. L'examinateur peut lui demander par exemple de jouer l'exercice 17 ou 28, ou 32, etc. L'élève s'assoit immédiatement au piano et joue. Bien que dans l'original tous les exercices soient écrits en do majeur, l'examinateur a le droit de demander de les jouer dans n'importe quelle autre tonalité. Les exercices sont étudiés de manière si approfondie que les candidats doivent les jouer dans le ton requis. Un examen utilisant un métronome est également utilisé. L'élève sait qu'il doit jouer l'exercice à un tempo donné. L'examinateur détermine la vitesse et le métronome s'éteint. Un étudiant, par exemple, est invité à jouer la gamme de mi majeur à 120 métronomes, huit notes par mesure. S'il réussit, il obtient la note appropriée et est autorisé à passer le reste des examens.
Je crois que l’exigence de connaissances techniques approfondies est une question urgente. Être capable de jouer plusieurs morceaux ne signifie pas maîtriser le professionnalisme musical. C'est comme une tabatière musicale avec seulement quelques morceaux restants. La compréhension de la technologie par l'étudiant doit être globale. Plus tard, l'étudiant se voit proposer des exercices techniquement plus difficiles, par exemple Tauzig. Cherny est également populaire à juste titre. Les croquis de Henselt sont moins connus, malgré son long travail en Russie. En même temps, ils sont si beaux qu'ils devraient être placés à côté de pièces de théâtre telles que les études de Chopin.
L'interprétation est impossible à moins que l'étudiant ne connaisse les règles qui constituent la base d'un domaine très important, la formulation. Malheureusement, de nombreuses publications sont imparfaites à cet égard. Certaines marques de formulation sont utilisées de manière incorrecte. Par conséquent, le seul moyen sûr est d’entreprendre une étude spéciale sur ce domaine important. art musical. Autrefois, les signes phrasés étaient peu utilisés. Bach les a arrangés avec une extrême parcimonie. Cela n'était alors pas nécessaire, puisque chaque musicien, en jouant, pouvait fixer lui-même les limites de la phrase. Mais savoir définir des phrases n’est en aucun cas la seule chose nécessaire. La compétence de leur exécution est tout aussi importante. Un véritable sens de la musique doit naître dans l'esprit de l'artiste, sinon toutes les connaissances en phrasé qu'il possède seront inutiles.
L'exécution des phrases dépend entièrement du ressenti de la musique, ou du ressenti de l'interprète, alors la détermination du tempo ne demande pas moins de talent musical. Bien que le tempo d'une composition particulière soit désormais indiqué dans de nombreux cas au moyen d'un métronome, il est nécessaire de prendre en compte l'interprétation de l'interprète lui-même. Vous ne pouvez pas suivre aveuglément les instructions métronomiques, même s'il est parfois dangereux de trop s'en écarter. Le métronome ne doit pas être utilisé aveuglément. L'interprète doit agir selon sa propre compréhension. Je n'encourage pas de longues périodes de pratique avec un métronome. Il est conçu pour donner le tempo, et s'il n'est pas abusé, le métronome sera un fidèle assistant. Mais il ne doit être utilisé que dans ce but. La performance la plus mécanique imaginable se produit chez celui qui se rend esclave de ces petites horloges musicales, qui n'ont jamais été destinées à être despotes, contrôlant chaque minute de pratique.
De nombreux étudiants se rendent compte qu’il existe une merveilleuse opportunité de contraste dans les performances. Chaque œuvre est une « chose en soi ». Il faut donc l’interpréter à sa manière. Il y a des artistes dont la performance est toujours la même. Cela peut être comparé aux plats servis dans certains hôtels. Tout ce qui est apporté à table a le même goût. Bien entendu, pour réussir, un interprète a besoin d’une forte personnalité, et chacune de ses interprétations doit en être colorée. Mais en même temps, vous devez constamment rechercher la variété. La Ballade de Chopin doit être jouée différemment du Capriccio de Scarlatti. En réalité, la sonate de Beethoven a très peu de points communs avec la Rhapsodie de Liszt. Par conséquent, l’étudiant doit s’efforcer de donner à l’essai une apparence originale et unique. Chaque œuvre doit être autonome. Si l’interprète est incapable d’inculquer ce sentiment à son public, il n’est que légèrement meilleur que n’importe quel instrument mécanique.
Hoffmann a cette capacité à conférer à n’importe quel écrit un charme individuel et caractéristique qui me fascine toujours autant.
Appelé l'âme du piano. Je n'ai pas compris ce que cela signifiait jusqu'à ce que j'entende Anton Rubinstein. Sa performance m’a semblé si merveilleuse qu’elle défie toute description. Son contrôle des pédales était phénoménal. Dans le finale de la Sonate en si mineur de Chopin, il a réalisé des effets de pédale d'une beauté indescriptible. Pour quiconque s’en souvient, ils resteront toujours dans les mémoires comme la plus grande des raretés offertes par la musique.
La pédale apprend tout au long de sa vie. C'est le domaine le plus difficile de l'enseignement supérieur du piano. Bien entendu, des règles de base pour son utilisation peuvent être définies et l’étudiant doit les étudier attentivement. Mais en même temps, ces lois peuvent être habilement violées au nom de l'obtention de couleurs inhabituelles et enchanteresses.
Il s’agit d’un ensemble de principes connus et à la portée de notre intelligence musicale. Ils peuvent être comparés à la planète sur laquelle nous vivons et sur laquelle nous savons tant de choses. Cependant, au-delà de ces lois, il existe un grand Univers : système céleste. On ne peut y pénétrer qu'avec la vision artistique télescopique d'un grand musicien. Cela a été fait par Rubinstein et quelques autres pianistes, qui ont apporté à notre vision terrestre beauté divine, qu'eux seuls pouvaient ressentir.
Que nous devons respecter les traditions du passé, même si elles nous sont pour la plupart incompréhensibles, puisqu'elles ne se trouvent que dans les livres, nous ne devons pas pour autant être captifs des conventions. La lutte contre les croyances traditionnelles est la loi du progrès artistique. Tous les grands compositeurs et interprètes ont érigé de nouveaux bâtiments sur les ruines des conventions qu’ils avaient détruites. Il est infiniment plus beau de créer que d’imiter. Mais avant de pouvoir créer quoi que ce soit, il serait bon de se familiariser avec le meilleur de ce qui nous a précédé. Cela s’applique non seulement à la composition, mais aussi à l’interprétation au piano. Les grands pianistes Rubinstein et Liszt possédaient un éventail de connaissances inhabituellement large. Ils étudièrent la littérature pianistique dans toutes ses branches possibles. Ils connaissaient chaque étape développement musical. C'est la raison de leur ascension gigantesque en tant que musiciens. Leur grandeur ne réside pas dans la coquille vide de la technologie acquise. Ils savait. J’aurais aimé qu’il y ait plus d’étudiants de nos jours qui aient une véritable soif de vraies connaissances musicales, et pas seulement un désir de se montrer superficiellement au piano.
On disait que certains professeurs insistaient particulièrement pour que l’élève connaisse la source d’inspiration du compositeur. C'est certainement intéressant et peut aider à stimuler une faible imagination. Cependant, je suis convaincu qu'il serait bien préférable que l'élève s'appuie sur sa propre compréhension de la musique. C’est une erreur de supposer que le fait de savoir que Schubert s’est inspiré de n’importe quel poème, ou que Chopin s’est inspiré de n’importe quelle légende, puisse un jour compenser l’absence de véritables principes fondamentaux de l’interprétation pianistique.
Il faut voir avant tout les principales caractéristiques des connexions musicales dans la composition. Il doit comprendre ce qui donne à cette œuvre son intégrité, son caractère organique, sa force et sa grâce. Il doit savoir identifier ces éléments. Certains enseignants ont tendance à exagérer l'importance des exercices auxiliaires et à minimiser la nécessité d'acquérir de véritables bases musicales. Cette vision est erronée et conduit à de mauvais résultats.
Doit être guidé par des motivations plus grandes que le simple fait de jouer pour le profit. Il a une mission, et cette mission est d'éduquer le public. Pour l'étudiant altruiste, il est extrêmement important, pour son propre bénéfice, de réaliser ce travail éducatif. Pour son propre bien, il vaut mieux consacrer toutes ses énergies à des pièces de théâtre dont il estime qu'elles auront un effet musical, éducatif et éducatif sur le public. Dans ce cas, il faut avoir sa propre opinion, mais ne pas trop dépasser les limites de la perception du public donné. Si l’on prend, par exemple, un pianiste virtuose, la question est alors un peu différente. Un virtuose assume et même exige de son public un certain goût musical, un certain niveau éducation musicale. Sinon, cela fonctionnera en vain. Pour que le public puisse profiter du meilleur de la musique, il doit écouter bonne musique jusqu'à ce que la beauté de la composition lui devienne évidente... Les virtuoses appellent les étudiants en musique du monde entier à contribuer à l'éducation d'un vaste public musical. Ne perdez pas votre temps avec des musiques banales ou ignobles ! La vie est trop courte pour la passer à errer dans le sucre vide des déchets musicaux.
Chaque bonne performance au piano a une étincelle très importante qui semble transformer chaque interprétation d'un chef-d'œuvre en un travail vivant art. Il n’existe qu’à un certain moment et ne peut être expliqué. Par exemple, deux pianistes de même capacité technique peuvent jouer la même composition. L’un a une performance ennuyeuse, sans vie et par cœur, l’autre a quelque chose d’incroyablement incroyable. Cette performance semble trembler de plénitude de vie. Cela intéresse et inspire le public. Quelle est cette étincelle importante qui donne vie à de simples notes ?
On peut appeler cela l’intense intérêt artistique de l’interprète. C’est ce phénomène étonnant qu’on appelle l’inspiration. Dans le processus de création d'une composition, le compositeur est certainement inspiré, et si l'interprète éprouve la même joie que l'auteur a éprouvé au moment de la création, quelque chose de nouveau et d'inhabituel entre dans sa performance. Il semble qu’il s’éveille et gagne en force d’une manière absolument miraculeuse. Le public le comprend immédiatement et pardonne même parfois les inexactitudes techniques si la performance elle-même est pleine d'inspiration. Rubinstein était une merveille technique, et pourtant il a admis avoir commis des erreurs. Peut-être qu'ils l'étaient, mais en même temps, il a recréé des idées et des images musicales qui pourraient compenser un million d'erreurs. Lorsque Rubinstein était trop précis, sa performance perdait un peu de son charme délicieux. Je me souviens qu'un jour, lors d'un de ses concerts, il a joué « Islamey » de Balakirev. Quelque chose a détourné son attention et, évidemment, il a complètement oublié la composition, mais a continué à improviser à la manière de la pièce de Balakirev. Après environ quatre minutes, il se souvint du reste du rôle et joua jusqu'au bout. Cela l'a beaucoup ennuyé et il a joué le numéro suivant du programme avec la plus grande précision, mais, curieusement, sa performance a perdu le charme merveilleux du moment où sa mémoire a fait défaut. Rubinstein était vraiment incomparable, peut-être même parce qu'il était plein d'impulsions humaines et que son exécution était loin de la perfection mécanique.
Il est nécessaire de jouer toutes les notes, et si possible d'une manière et d'un style proches du compositeur, mais l'aspiration de l'élève ne doit en aucun cas se limiter à cela. Chaque note d’une composition est importante, mais il y a quelque chose qui est tout aussi important que les notes, c’est l’âme. En fin de compte, l’étincelle vivante la plus importante est l’âme. L'âme est la source de cette expression musicale la plus élevée qui ne peut être exprimée par des désignations dynamiques. L’âme ressent intuitivement le besoin de crescendi et de diminutionndi. La durée même de la pause ou de chaque note dépend de son essence. L’âme de l’artiste lui dicte combien de temps maintenir cette pause. Si un élève se tourne vers des règles rigides et en dépend entièrement, sa performance sera sans âme.
La performance nécessite également beaucoup de réflexion approfondie, pas seulement la maîtrise du clavier. L'élève ne doit pas penser que l'objectif est atteint si toutes les notes ont été jouées. En réalité, ce n’est qu’un début. Vous devez faire du travail une partie de vous-même. Chaque note doit éveiller chez l'interprète une sorte de conscience musicale véritable mission artistique.
Grands pianistes d'hier et d'aujourd'hui sont vraiment l'exemple le plus clair pour l'admiration et l'imitation. Tous ceux qui s'intéressent et ont été intéressés à jouer de la musique au piano ont toujours essayé de copier meilleures fonctionnalités grands pianistes : comment ils interprètent l'œuvre, comment ils ont pu ressentir le mystère de chaque note et parfois cela semble incroyable et une sorte de magie, mais tout vient avec l'expérience : si hier cela semblait irréaliste, alors aujourd'hui une personne lui-même peut interpréter les sonates et fugues les plus complexes.
Le piano est l'un des plus célèbres instruments de musique, imprégnant une variété de genres musicaux, et avec son aide, bon nombre des compositions les plus émouvantes et émouvantes de l'histoire ont été créées. Et ceux qui le jouent sont considérés comme des géants du monde de la musique. Mais qui sont ces plus grands pianistes ? Lors du choix du meilleur, de nombreuses questions se posent : doit-il être basé sur la capacité technique, la réputation, l’étendue du répertoire ou la capacité d’improvisation ? Il y a aussi la question de savoir s'il vaut la peine de prendre en compte les pianistes qui ont joué au cours des siècles passés, car à l'époque il n'y avait pas de matériel d'enregistrement et nous ne pouvons pas entendre leurs performances et les comparer avec celles d'aujourd'hui. Mais pendant cette période il y avait quantité énorme des talents incroyables et s’ils sont devenus mondialement connus bien avant les médias, alors il est tout à fait légitime de leur rendre hommage. En tenant compte de tous ces facteurs, voici une liste des 7 meilleurs pianistes du passé et du présent.
Frédéric Chopin (1810-1849)
Le compositeur polonais le plus célèbre Frédéric Chopinétait l'un des plus grands virtuoses et pianiste de son temps.
La grande majorité de ses œuvres ont été créées pour piano seul, et bien qu'il n'existe aucun enregistrement de son jeu, l'un de ses contemporains a écrit : « Chopin est le créateur du piano et école de composition. En vérité, rien ne peut se comparer à la facilité et à la douceur avec lesquelles le compositeur a commencé à jouer du piano, et rien ne peut se comparer à son œuvre pleine d'originalité, de particularité et de grâce.
Franz Liszt (1811-1886)
Franz Liszt, compositeur, professeur et pianiste hongrois, rivalisait avec Chopin pour le titre de plus grand virtuose du XIXe siècle.
Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent la sonate pour piano en si mineur Années de pèlerinage, d'une complexité insensée, et la valse Mephisto Waltz. De plus, sa renommée en tant qu'interprète est devenue une légende, même le mot Lisztomania a été inventé. Au cours d'une tournée de huit ans en Europe au début des années 1840, Liszt donna plus de 1 000 représentations, même si à l'âge relativement jeune de 35 ans, il abandonna sa carrière de pianiste et se concentra entièrement sur la composition.
Sergueï Rachmaninov (1873-1943)
Le style de Rachmaninov était peut-être assez controversé pour l'époque dans laquelle il vivait, car il cherchait à maintenir le romantisme du XIXe siècle.
Beaucoup de gens se souviennent de lui pour sa capacité tends ta main 13 notes(octave plus cinq notes) et même en jetant un bref coup d'œil aux études et concertos qu'il a écrits, on peut vérifier l'authenticité de ce fait. Heureusement, des enregistrements des performances de ce brillant pianiste ont survécu, à commencer par son Prélude en do dièse majeur, enregistré en 1919.
Arthur Rubinstein (1887-1982)
Ce pianiste polono-américain est souvent cité comme le meilleur interprète de Chopin de tous les temps.
À l'âge de deux ans, on lui a diagnostiqué hauteur absolue, et à 13 ans il fait ses débuts avec Berlinsky Orchestre Philharmonique. Son professeur était Karl Heinrich Barth, qui à son tour étudia avec Liszt, on peut donc sans aucun doute le considérer comme faisant partie de la grande tradition pianistique. Le talent de Rubinstein, combinant des éléments de romantisme avec des aspects techniques plus modernes, a fait de lui l'un des meilleurs pianistes de son temps.
Sviatoslav Richter (1915 - 1997)
Dans la lutte pour le titre de meilleur pianiste du XXe siècle, Richter fait partie du puissant Artistes russes apparu au milieu du 20e siècle. Il a fait preuve d'un grand engagement envers les compositeurs dans ses performances, décrivant son rôle d'« interprète » plutôt que d'interprète.
Richter n'était pas un grand fan du processus d'enregistrement, mais ses meilleures performances live survivent, notamment en 1986 à Amsterdam, 1960 à New York et 1963 à Leipzig. Il s'est tenu à des normes élevées et s'est rendu compte que lors du concert italien de Bach, a joué la mauvaise note, a insisté sur la nécessité de refuser d'imprimer l'œuvre sur CD.
Vladimir Ashkenazy (1937 -)
Ashkenazi est l'un des leaders du monde de la musique classique. Né en Russie, il possède actuellement la nationalité islandaise et suisse et continue de se produire en tant que pianiste et chef d'orchestre dans le monde entier.
En 1962, il remporte le Concours international Tchaïkovski et, en 1963, il quitte l'URSS et s'installe à Londres. Son vaste catalogue d'enregistrements comprend toutes les œuvres pour piano de Rachmaninov et Chopin, les sonates de Beethoven, les concertos pour piano de Mozart, ainsi que des œuvres de Scriabine, Prokofiev et Brahms.
Marthe Argerich (1941-)
La pianiste argentine Martha Argerich a étonné le monde entier par son talent phénoménal lorsqu'à l'âge de 24 ans, elle a remporté le compétition internationale nommé d'après Chopin.
Elle est aujourd'hui reconnue comme l'une des plus grandes pianistes de la seconde moitié du XXe siècle et est célèbre pour son jeu passionné et capacités techniques, ainsi que des représentations d'œuvres de Prokofiev et Rachmaninov.
A vous de choisir le chemin ! Mais d'abord -