1) Sélection d'un sujet :
dans son travail de diplôme Je me suis tourné vers l'un des types arts visuels- peinture. Le thème de l'œuvre était le paysage. Il convient de citer la déclaration du célèbre paysagiste russe I.I. Shishkina : « La peinture doit être une illusion complète, et cela ne peut être réalisé sans une étude approfondie des motifs sélectionnés pour lesquels l'artiste éprouve la plus grande attirance, qui restent dans ses souvenirs d'enfance, c'est-à-dire que le paysage ne doit pas être seulement national , mais aussi local. (Abeldyaeva I.G. École des Beaux-Arts. Numéro 5. - M., 1962).
Le critère de choix du sujet était mon attitude personnelle envers la communauté locale. paysage marin. Le désir de transmettre dans l'image un état ensoleillé, la vue familière depuis l'enfance sur la baie de Tsemes, complétée par les bâtiments modernes du port maritime.
2) Collecte de matériel :
un tableau est une création image complète la nature est une généralisation artistique, la transformation de la nature avec l’aide de l’imagination de l’artiste. Il est impossible de transformer pittoresquement ce dont on n’a aucune idée. Ainsi, la création d'un paysage est toujours précédée d'un long travail sur des croquis d'après nature. "Il faut regarder la nature simplement, attentivement, en essayant de comprendre son impression générale, et de là aller aux détails..." (Maîtres art soviétique sur le paysage, 1965).
Pour terminer les travaux, du matériel préparatoire a été collecté. Il s'agit de croquis, de croquis au crayon, d'études picturales à court et à long terme réalisées d'après nature.
(Annexe A, figures A1-A6). Les principaux avantages d'une esquisse paysagère sont le transfert d'un certain état d'éclairage de la nature, l'influence de l'environnement aérien et d'un espace important. Les croquis ont été réalisés à différents moments de l'année, à différents moments de la journée.
3) solution compositionnelle et coloristique :
Intégrité compositionnelle croquis pictural dépend du rapport entre le principal et le secondaire, de la liaison de l'image entière en une seule œuvre. Lors de l'identification du centre de composition, l'artiste doit consciemment généraliser les détails, affaiblir le ton et la force des couleurs des objets s'éloignant du centre de composition et subordonner tous les tons et relations de couleurs.
4) carton (dessin préparatoire) :
après avoir clarifié l'idée dans des croquis et des croquis, trouver des lignes linéaires et composition des couleurs, vous devez commencer à dessiner la composition entière sur du carton ou du papier (Annexe A, Fig. A7). Le carton est réalisé à taille réelle à l’aide de crayon et de fusain. Dans ce document, la solution de composition, la nature de la forme et la proportion des objets, les tâches de perspective aérienne et linéaire sont affinées et complétées, la disposition du paysage est déterminée et le centre de composition est élaboré. Après cela, le dessin sur carton (à travers du papier calque ou avec de la poudre à canon) est transféré sur la toile.
5) Peinture sur toile :
Après des recherches de composition et la fabrication du carton, vous pouvez commencer à peindre sur toile, en commençant par la sous-couche, en clarifiant les relations tonales et chromatiques, en plaçant les ombres, en travaillant les détails. Vient ensuite la généralisation et la finalisation des travaux (Annexe A, Fig. A8-A14).
Le travail de Dmitry Revyakin est très diversifié et couvre un large éventail de domaines - de la peinture à l'huile et à la détrempe à la sculpture sur bois et à la création d'objets personnalisés dans le style « Steampunk ». Une place particulière est occupée par les œuvres qui sont carte de visite l'auteur - peinture et sculpture sur bois en une seule œuvre. Polyvalence talents artistiques Et haut niveau La maîtrise de Dmitry Revyakin lui permet de créer des œuvres créatives originales qui représentent l'unité organique de la peinture et de la sculpture sur bois - le tableau et le cadre comme continuation sémantique.
Les peintures de Dmitry Revyakin sont empreintes d'amour pour la nature russe. Ses peintures parlent de l’infinie variété de la beauté, de la beauté de toutes les saisons et de l’attitude respectueuse de l’artiste envers pays natal. Les paysages et les natures mortes à l'huile se caractérisent par la luminosité de l'écriture, l'expressivité des détails, la beauté des nuances lumineuses et un sentiment général de gaieté.
Copies de peintures
(peintures réalisées lors de master classes)
Choisissez une ou plusieurs images, dans la commande, au lieu du nom du film, indiquez le nom de l'image et dans 1 à 6 heures vous recevrez les détails du paiement par email
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Sculpture sur bois D.V. Revyakina.
Dmitry est engagé dans la sculpture sur bois et travaille selon la technique de la marqueterie. Vous pouvez voir des photographies des œuvres de D.V. Revyakina ci-dessous.
Sculpture sur bois - traditionnelle art russe, qui a reçu une reconnaissance mondiale. Les objets en bois naturel remplissent l'intérieur d'un confort et d'une chaleur particuliers, créant l'image d'une maison riche en tradition et valorisant la stabilité. Le site présente les produits en bois sculpté suivants que vous pouvez acheter : berger (planche à thé), cadre de miroir, coffret, meuble sculpté, etc.
Steampunk.
D.V. Revyakin exécute un travail dans le style Steampunk (voir photo ci-dessous). Vous pouvez commander un portrait steampunk encadré dans un cadre steampunk. L'artiste pourra honorer n'importe quelle commande. Steampunk (ou steampunk) est une direction basée sur la fantaisie, créant nouvelle réalité, objets, utilisant des éléments mécaniques et technologiques des machines à vapeur. Le style Steampunk est courant dans la peinture, le graphisme, la sculpture et le design, et les objets du quotidien créés dans le style Steampunk sont très populaires dans environnement des jeunes. Vous pouvez également commander un portrait fantastique et Dmitry dressera un excellent tableau.
Plein air.
Dmitry Revyakin écrit très souvent d'après nature. N'importe quel artiste confirmera que l'on ne peut acquérir l'expérience d'un vrai peintre qu'en travaillant en plein air et en étudiant la nature. Une activité ludique pour se repérer dans la nature et écrire tôt le matin beau paysage de la nature. Il est préférable de travailler le matin ou le soir car les couleurs sont les plus intéressantes pour l'artiste à ce moment-là. En étudiant la nature, vous apprenez des nuances réelles et non fictives, trouvez et comparez des combinaisons de couleurs complexes avec la réalité qui vous entoure.
« La peinture du peintre ne sera pas parfaite s’il s’inspire des peintures des autres ; mais s’il s’inspire des objets naturels, il produira de bons fruits. »
le passé fascine par ses couleurs, les jeux d'ombre et de lumière, la justesse de chaque accent, l'état général et la saveur. Mais ce que nous voyons aujourd’hui dans les galeries conservées jusqu’à ce jour diffère de ce que voyaient les contemporains de l’auteur. La peinture à l'huile a tendance à changer avec le temps, cela est influencé par le choix des peintures, la technique d'exécution, la couche de finition de l'œuvre et les conditions de stockage. Cela ne prend pas en compte les erreurs mineures qu'un maître talentueux pourrait commettre en expérimentant de nouvelles méthodes. C'est pour cette raison que l'impression des peintures et la description de leur aspect peuvent différer au fil des années.
Technique des maîtres anciens
Technique peinture à l'huile donne un énorme avantage dans le travail : un tableau peut être peint pendant des années, en modelant progressivement la forme et en remplissant les détails avec de fines couches de peinture (glaçage). Par conséquent, la peinture de corpus, où l'on essaie immédiatement de donner une image complète, n'est pas typique de la manière classique de travailler l'huile. Une approche réfléchie étape par étape de l'application de la peinture vous permet d'obtenir des nuances et des effets étonnants, puisque chaque couche précédente est visible à travers la suivante lors du vitrage.
La méthode flamande, que Léonard de Vinci aimait utiliser, comprenait les étapes suivantes :
- Le dessin a été peint en une seule couleur sur un fond clair, avec du sépia pour le contour et les ombres principales.
- Ensuite, une fine sous-couche a été réalisée avec une sculpture en volume.
- La dernière étape consistait en plusieurs couches de glaçage de reflets et de détails.
Mais au fil du temps, l’écriture brun foncé de Léonard, malgré la fine couche, a commencé à apparaître à travers l’image colorée, ce qui a conduit à un assombrissement de l’image dans l’ombre. Dans la couche de base, il utilisait souvent de l'ombre brûlée, de l'ocre jaune, du bleu de Prusse, du jaune de cadmium et de la terre de Sienne brûlée. Sa dernière application de peinture était si subtile qu’elle était impossible à détecter. Propre développé méthode sfumato (ombrage) a permis de le faire facilement. Son secret réside dans la peinture fortement diluée et dans le travail avec un pinceau sec.
Rembrandt – Ronde de nuit Rubens, Velazquez et Titien travaillaient selon la méthode italienne. Il se caractérise par les étapes de travail suivantes :
- Appliquer un apprêt coloré sur la toile (avec l'ajout d'un pigment) ;
- Transférer le contour du dessin sur le sol à la craie ou au fusain et le fixer avec une peinture adaptée.
- La sous-couche, dense par endroits, notamment dans les zones éclairées de l'image, et totalement absente par endroits, a laissé la couleur du fond.
- Travail final en 1 ou 2 temps avec des semi-émaux, plus rarement avec des émaux fins. Chez Rembrandt, la boule de couches du tableau pouvait atteindre un centimètre d'épaisseur, mais c'est plutôt une exception.
Dans cette technique sens spécial a été accordé à l'utilisation de couleurs supplémentaires superposées, ce qui a permis de neutraliser par endroits le sol saturé. Par exemple, un apprêt rouge pourrait être nivelé avec une sous-couche gris-vert. Le travail avec cette technique était plus rapide qu'avec la méthode flamande, plus appréciée des clients. Mais un mauvais choix de la couleur de l'apprêt et des couleurs de la couche finale pourrait ruiner la peinture.
Couleur de l'image
Pour parvenir à l'harmonie dans peinture utiliser toute la puissance des réflexes et des couleurs complémentaires. Il existe également de petites astuces telles que l'utilisation d'un apprêt coloré, comme cela est courant dans la méthode italienne, ou le revêtement de la peinture avec un vernis pigmenté.
Les apprêts colorés peuvent être des adhésifs, des émulsions et des huiles. Ces dernières sont une couche pâteuse peinture à l'huile couleur requise. Si une base blanche donne un effet lumineux, alors une base sombre donne de la profondeur aux couleurs.
Rubens – Union de la Terre et de l’Eau Rembrandt peignait sur un fond gris foncé, Bryullov peignait sur une base avec un pigment de terre d'ombre, Ivanov teintait ses toiles avec de l'ocre jaune, Rubens utilisait des pigments anglais de rouge et de terre d'ombre, Borovikovsky préférait un fond gris pour les portraits et Levitsky préférait le gris-vert. L'assombrissement de la toile attendait tous ceux qui utilisaient abondamment les couleurs terreuses (terre de Sienne, terre d'ombre, ocre foncé).
Boucher – couleurs délicates aux nuances bleu clair et rose Pour ceux qui font des copies de peintures de grands artistes au format numérique, cette ressource sera intéressante, où sont présentées des palettes Web d'artistes.
Revêtement de vernis
Outre les peintures à la terre, qui foncent avec le temps, les vernis d'enduit à base de résine (colophane, copal, ambre) modifient également la légèreté du tableau en lui donnant des teintes jaunes. Pour donner artificiellement à la toile un aspect antique, un pigment ocre ou tout autre pigment similaire est spécialement ajouté au vernis. Mais un assombrissement important est plus susceptible d'être causé par un excès d'huile dans le travail. Cela peut également entraîner des fissures. Bien que tel l'effet craquelure est souvent associé au travail avec de la peinture à moitié humide, ce qui est inacceptable pour la peinture à l'huile : ils peignent uniquement sur une couche séchée ou encore humide, sinon il faut la gratter et repeindre par dessus.
Bryullov – Le dernier jour de Pompéi
S'il existe plusieurs publications sur une question particulière, vous devez vous familiariser avec toutes les publications afin de comprendre comment le point de vue sur la question étudiée a changé.
Collecte et traitement de matériel factuel (croquis, croquis, croquis et recherches compositionnelles)
La collecte de documents factuels est une étape cruciale dans la préparation de la partie pratique du travail de cours. Sa qualité dépend en grande partie de la qualification et de l'exhaustivité des éléments factuels sélectionnés.
disciplines de formation thématiques sont des croquis, des croquis, des recherches compositionnelles de formes plastiques, des panneaux décoratifs, des échantillons de techniques d'exécution, des images sources pour infographie, reproductions d'œuvres d'art.
Matériel factuel pour les travaux de cours sur disciplines professionnelles générales– ce sont les données d’une étude expérimentale basée sur les résultats activités pratiquesÀ l'école.
Collecte et traitement de matériaux naturels (croquis, croquis et croquis), les recherches de composition sont une étape à forte intensité de main-d'œuvre dans le cours. Afin d'accélérer le traitement et la systématisation du matériel et la réussite des travaux, les étudiants ont le droit et la possibilité d'utiliser des laboratoires et ateliers pédagogiques et scientifiques, des fonds de bibliothèque et des salles de lecture.
Préparation à la soutenance et soutenance des travaux de cours
Les cours complétés et correctement formatés sont soumis au superviseur au plus tard deux semaines avant la soutenance au département. Le conducteur de travaux vérifie les travaux, les signe et les présente au chef de service. Sur la base des documents soumis, le chef du département décide de l'admission de l'ouvrage à la soutenance. Le permis d'admission est délivré pour titre de page travail de cours et signé par le chef du département. Si le chef du département n'estime pas possible d'admettre l'étudiant à la soutenance, la question est résolue lors d'une réunion du département avec la participation du chef et de l'auteur de l'ouvrage.
Dans ce cas, la décision d'admission à la soutenance est prise par le chef du département sur la base de la décision des membres du département.
Les travaux acceptés pour la soutenance sont restitués à l'étudiant pour corriger les commentaires et préparer les résumés pour la soutenance.
Soutenance du travail de cours se tient lors d'une réunion ouverte du département, à laquelle participent les responsables scientifiques des travaux, les professeurs, les étudiants, etc. Toutes les personnes présentes peuvent poser des questions au défenseur sur le contenu du travail et participer à sa discussion.
Pas plus de 20 ouvrages sont soumis pour soutenance en une seule séance. Pas plus de 15 minutes sont allouées pour la soutenance d’un ouvrage, dont 5 à 7 minutes pour le rapport de l’étudiant.
Le rapport du diplômé (1 à 1,5 pages) contient :
Thème de travail ;
Objectif du travail ;
La pertinence du sujet étudié, sa justification ;
Caractéristiques du volume et de la structure du travail ;
Déroulement de la partie pratique ;
Conclusion.
Le rapport est présenté librement et clairement ; l'élève ne lit pas le texte, mais présente logiquement ses observations et ses conclusions.
Les réponses de l'étudiant aux questions des personnes présentes, leur exhaustivité et leur profondeur influencent l'évaluation du travail de cours.
Après que l'auteur de l'ouvrage a parlé et répondu aux questions, le leader parle avec ses commentaires. Après avoir discuté du travail, l'étudiant a la possibilité de répondre aux commentaires formulés. Les travaux de cours sont évalués selon un système en quatre points : « excellent », « bon », « satisfaisant », « insatisfaisant ». Ce faisant, les membres du département sont guidés par les critères suivants :
Professionnalisme des compétences et des capacités dans l'exécution de la partie pratique ;
Défense de l'ouvrage : l'étudiant doit montrer à quel point il a compris le sujet, la capacité à naviguer dans des problèmes scientifiques liés au sujet de l'ouvrage : l'étudiant doit démontrer sa capacité à exprimer brièvement et clairement ses pensées, à donner des réponses complètes aux questions , mener logiquement et correctement le débat scientifique ;
Conception de l'œuvre : respect des règles de conception préconisées par le présent règlement, orthographe, ponctuation et culture stylistique ; conception bibliographique correcte.
L'étudiant doit savoir que la note est composée de nombreux indicateurs ; l'indicateur décisif est la soutenance elle-même. La discussion des résultats de la soutenance de chaque ouvrage a lieu en réunion à huis clos des membres du département. La décision d'évaluation est prise à la majorité des voix, la voix du chef de service compte pour 2 voix. Les résultats des soutenances sont annoncés le jour même après approbation du protocole de soutenance par le chef du département.
En cas de note « insatisfaisante », l'étudiant a le droit de défendre à nouveau son travail au cours du semestre suivant après avoir effectué des ajouts, des corrections et des révisions, mais pas plus d'une fois.
Les résultats généraux des cours de soutenance sont nécessairement discutés au département. Sur la base des résultats de la soutenance, le département peut recommander des ouvrages individuels à publier dans des recueils d'ouvrages scientifiques étudiants.
La partie théorique du travail de cours pendant 2 ans à compter de la date de soutenance est conservée au bureau méthodologique de la faculté, où elle peut être utilisée (sur une base commune avec les formations et littérature scientifique) étudiants, enseignants, professeurs, etc. Partie pratique stocké dans le fonds d'exposition et utilisé pour les expositions et comme Boîte à outils en classe.
Retrait de matériaux, modifications, ajouts à cours interdit. Si nécessaire, l'auteur de l'œuvre a le droit de faire des copies des éléments disponibles dans l'œuvre.
il y a des réponses à toutes ces questions. Voici les bases pour commencer à peindre. Suivez ces conseils, faites les exercices et vous n'aurez plus peur table rase. Vous recevrez les connaissances et les compétences de base nécessaires. Peindre deviendra plus proche, plus clair et apportera beaucoup de plaisir.
Partie 1. Préparatoire
1. Trouvez un sujet inspirant à dessiner
Il arrive que vous ayez déjà tout préparé, mais que vous ne trouviez pas un objet qui pourrait vous inspirer. Cela doit être pris en compte à l'avance. Quelque chose d’intéressant traîne probablement dans les armoires et les tiroirs du bureau. Recherchez des articles dans les ventes immobilières, les magasins de consignation et les épiceries. Étudiez les peintures de vos artistes préférés.
La sélection doit inclure des éléments agréables à regarder : c'est important pour créer un travail réussi.
Un intérêt pour la couleur et la forme vous motivera lorsque vous travaillerez sur votre peinture. Il existe un lien entre les sentiments pour un objet et la capacité de révéler vos capacités. Vous pouvez faire plus que vous ne le pensez.
Pour la première photo, un simple récipient symétrique d'une couleur, comme une tasse à café ordinaire, fera l'affaire. Illustration du livre
2. Apprenez à connaître les pinceaux et les peintures
Prenez une brosse ronde douce et une brosse à poils dans vos mains et comparez leurs poils. Pressez un peu sur la palette peinture acryliqueà partir d'un tube. Essayez d'appliquer de la peinture non diluée. différents pinceaux sur toile ou papier aquarelle. Les traits doivent être brillants et audacieux. Ressentez les différences de traits avec différents pinceaux. Ajoutez un peu d'eau et appliquez à nouveau les traits. La peinture de consistance moyenne a la même intensité de couleur que la peinture non diluée, mais sa texture est lissée. Et refaites cet exercice avec une solution de peinture faible. Remarquez la rapidité avec laquelle les peintures sèchent la première, la deuxième et la troisième fois.
Illustration du livre
Essayez d'appliquer de la peinture avec différents pinceaux - ovale doux, synthétique fin, à poils plats. Essayez chaque pinceau jusqu'à ce que vous soyez sûr de savoir quel pinceau utiliser pour réaliser le design que vous avez en tête.
Illustration du livre
3. Techniques utiles pour travailler avec la palette
Les couleurs des peintures que nous voyons sont généralement obtenues par mélange : la couleur pure du tube est généralement trop intense. Ces techniques vous permettront d’obtenir plus facilement la couleur souhaitée.
- 1 Pressez la peinture du tube sur le bord de la palette, en laissant un espace entre les couleurs. Utilisez le centre de la palette pour mélanger. Éloignez les lots pour éviter tout mélange indésirable.
- Appliquez la couleur pure sur le pinceau depuis le bord de la palette, et non depuis le dessus ou le milieu du « boudin » essoré.
- Intensif couleurs sombres, comme le noir (bien qu'il ne soit pas scientifiquement considéré comme une couleur), ajoutez-le avec prudence : même une petite quantité peut modifier considérablement la couleur mélangée.
- Vous devez mélanger les couleurs jusqu'à ce que le mélange devienne complètement homogène.
- Ne lésinez pas sur la peinture. Pressez autant que vous en avez besoin - il s'agit généralement d'un cercle de la taille d'une pièce de rouble (pour le badigeon - de la taille d'une pièce de cinq roubles). La consommation de peinture fait partie intégrante du processus de peinture. Si vous économisez trop, vous n’apprendrez jamais à utiliser la peinture.
4. Apprenez à obtenir des couleurs neutres
Dans n'importe quelle image, il y a des couleurs neutres - "visuellement gris". En raison de leur faible intensité, ils sont invisibles au premier coup d'œil, mais ils constituent l'outil le plus utile pour créer une composition de couleurs harmonieuse. Voyons comment y parvenir.
Mélangez le bleu et l'orange dans n'importe quelle proportion. Essayons maintenant de modifier la température de couleur en rapport proportionnel couleurs chaudes et froides dans un mélange. Si le résultat est plus violet, essayez de créer une couleur rouille en ajoutant plus de peinture orange, puis en blanchissant pour une couleur plus claire. couleur pêche. Si la première étape produit une couleur rouille, ajoutez du bleu pour créer une couleur froide, proche du violet, puis du blanc pour créer un gris violet clair.
Répétez les étapes précédentes pour une autre paire de couleurs complémentaires : jaune et violet, rouge et vert.
Les paires de couleurs complémentaires sont reliées par de courts traits verticaux. Les couleurs de chaque paire sont mélangées entre elles pour créer deux couleurs neutres, chacune étant dominée par l'une des couleurs parentes - celles-ci sont situées à droite du parent correspondant. Illustration du livre
5. Couleurs primaires, secondaires et tertiaires
Dessinez un cercle, puis divisez-le en trois secteurs égaux. Peignez le secteur supérieur avec du jaune de cadmium moyen, celui en bas à droite avec du bleu outremer, puis mélangez le rouge principal du cramoisi naphtol et du rouge de cadmium clair et peignez le secteur inférieur gauche avec.
Sur la roue chromatique des couleurs primaires, dessinez des demi-cercles dont les centres sont à l'intersection des limites du secteur avec le contour extérieur palette de couleurs. Remplissez ces demi-cercles de couleurs secondaires en les plaçant au-dessus des « parents » : lumière rouge de cadmium au-dessus de la frontière entre le rouge et le jaune, violet de dioxazine au-dessus de la frontière entre le rouge et le bleu. Ajoutez du jaune au FC vert et remplissez le demi-cercle vert au-dessus de la frontière entre le jaune et le bleu.
La couleur primaire, lorsqu’elle est mélangée à la couleur secondaire adjacente, produit une couleur tertiaire. Ajoutez un triangle de chaque côté du demi-cercle, ce qui fait un total de six. Colorie chaque triangle en fonction des étiquettes.
Couleurs primaires, secondaires et tertiaires. Illustration du livre
Partie 2. Dessin
6. Commencez par les abstractions
L'abstraction est une manière intéressante et simple de se préparer à travailler sur une œuvre réaliste. Il est important de choisir 3-4 couleurs que vous aimez afin de ressentir un lien émotionnel avec le tableau. Dessiner sur toute la surface de la feuille avec un simple crayon une ligne continue angulaire ou arrondie. Il peut se croiser plusieurs fois.
Peignez les formes du dessin avec les couleurs et les nuances, la consistance de la peinture et le pinceau que vous aimez. Écoutez votre voix intérieure. la tâche principale- faites-le comme vous l'entendez, en oubliant tout le reste.
Illustration du livre
7. Modèle de frottis
Les débutants ne savent souvent pas comment appliquer les traits. Les flèches sur la figure montrent la direction qui permettra d'obtenir une bonne profondeur dans l'espace représenté en utilisant l'exemple d'une tasse.
Diagramme de frottis et résultat. Illustration du livre
8. Comment appliquer le fard à paupières
Les ombres jouent un rôle clé dans la création d'une image tridimensionnelle : il faut tout d'abord apprendre à les voir et à les écrire. Il existe quatre types d'ombres :
- Propres ombres situés sur des objets. Ce sont des zones de tons sombres qui contrastent avec les parties éclairées de la forme représentée. Ils présentent généralement un bord net sur le bord extérieur et une transition douce au bord des zones de couleur claire du sujet. Ils possèdent le rôle principal dans la création de volume.
- Zones en demi-teintes- étroit, au contour doux, situé à la frontière entre sa propre ombre et la zone éclairée de l'objet. Ces ombres constituent le ton intermédiaire entre les tons sombres et clairs contrastés du sujet.
- Ombres tombantes- les silhouettes d'un objet, « tombé » ou projeté par celui-ci sur toute autre surface que lui-même. Ils donnent l'impression que l'objet se trouve sur une surface.
- T Eni au point de contact- la zone la plus sombre de l'ombre tombante, située à côté de l'objet. Ils sont responsables de la « stabilité » et de la masse de l’objet. Ces ombres sont également appelées accent - la zone la plus sombre parmi les tons sombres. Un accent est la contrepartie sombre d'un point culminant, la zone la plus claire parmi les points forts.
Pour peindre une ombre, appliquez de la peinture noire ou une peinture d'une couleur plus foncée que la couleur de base. Et dans un deuxième temps, recouvrez cette zone sombre avec la couleur principale. Le noir en demi-teinte doit transparaître sous la nouvelle couche de peinture, créant ainsi une ombre colorée. Si vous souhaitez assombrir l'ombre, appliquez plus de noir à partir du bord clair de l'ombre et mélangez-le avec la couleur dans les tons moyens.
Ombrez en utilisant un cylindre comme exemple. Illustration du livre
9. Comment appliquer les reflets
Pour créer un point culminant réaliste, utilisez un pinceau sec avec de la peinture blanche pour peindre la zone la plus claire du sujet autant de fois que nécessaire pour obtenir une luminosité suffisante. Au milieu du point culminant, déposez une petite noisette de peinture épaisse pour plus de luminosité.
Deux exemples de superposition de surbrillance. Illustration du livre
10. Peignez des images dans votre imagination
Tout en vaquant à vos activités quotidiennes, peignez des images dans votre imagination. Recherchez mentalement la correspondance entre les surfaces et les textures que vous voyez autour de vous et la façon dont vous travaillez avec un pinceau et appliquez de la peinture.
