Le style unique de Vivaldi a révolutionné l'Europe monde musical début du XVIIIe siècle. L'œuvre de Vivaldi est la quintessence de tout ce que l'art italien avait réalisé de meilleur au début du XVIIIe siècle. Ce brillant Italien a fait parler toute l’Europe de la « grande musique italienne ».
Au cours de sa vie, il a été reconnu en Europe en tant que compositeur et violoniste virtuose, qui a établi un nouveau style d'interprétation dramatisé, dit « Lombard ». Connu comme un compositeur capable de créer un opéra en trois actes en cinq jours et de composer de nombreuses variations sur un thème. Il est l'auteur de 40 opéras, oratorios et plus de 500 concerts. L'œuvre de Vivaldi a eu une énorme influence non seulement sur les compositeurs italiens contemporains, mais aussi sur les musiciens d'autres nationalités, principalement allemandes. Il est ici particulièrement intéressant de retracer l’influence de la musique de Vivaldi sur I.S. Bach.
Vivaldi a écrit de la musique dans le style baroque. Le mot « baroque » traduit de l'italien semble étrange, fantaisiste. L'ère baroque a ses propres limites temporelles : le XVIIe siècle et la première moitié du XVIIIe siècle (1600-1750). Le style baroque n’a pas seulement influencé la mode de l’époque, il a dominé tous les arts : l’architecture, la peinture et, bien sûr, la musique. L'art baroque a un caractère passionné : faste, luminosité et émotivité.
Vivaldi est entré dans l’histoire de la musique en tant que créateur du genre concert instrumental. C'est Vivaldi qui lui a donné la forme traditionnelle en trois parties. À partir de trois concertos, il crée également une œuvre de plus grande forme, rappelant une symphonie moderne. L'une des premières œuvres de ce genre fut son ouvrage « Les Saisons », écrit vers 1725. Véritablement innovant dans son concept, le cycle « Saisons » était nettement en avance sur son temps, anticipant les recherches dans le domaine de la musique à programme des compositeurs romantiques du XIXe siècle.
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Antonio Vivaldi est né à Venise le 4 mars 1678. Son père Giovanni Battista (surnommé « Rouge » pour sa couleur de cheveux ardente), fils d'un boulanger de Brescia, s'installe à Venise vers 1670. Là, il travailla pendant quelque temps comme boulanger, puis maîtrisa le métier de barbier. Pendant son temps libre pour gagner son pain quotidien, Giovanni Battista jouait du violon. Et il s'est avéré être un musicien si doué qu'en 1685, le célèbre Giovanni Legrenzi, chef d'orchestre de la cathédrale Saint-Pierre. Mark, l'a accepté dans son orchestre.
Maison Vivaldi à Venise
Le premier et le plus célèbre des six enfants de Giovanni Battista Vivaldi et Camilla Calicchio, Antonio Lucio, est né prématurément à cause d'un soudain tremblement de terre. Les parents du garçon ont vu la naissance d'une nouvelle vie dans des circonstances aussi étranges comme un signe d'en haut et ont décidé qu'Antonio devait devenir prêtre.
Dès sa naissance, Antonio souffrait d'une maladie grave - une poitrine comprimée, il a été tourmenté par l'asthme toute sa vie, a souffert de crises d'asthme, ne pouvait ni monter les escaliers ni marcher. Mais un handicap physique ne pouvait pas affecter le monde intérieur du garçon : son imagination ne connaissait vraiment aucune barrière, sa vie n'était pas moins lumineuse et colorée que celle des autres, il vivait simplement de musique.
Lorsque le futur grand compositeur eut 15 ans, sa tonsure (symbole de la couronne d'épines) fut rasée et le 23 mars 1703, Antonio Vivaldi, vingt-cinq ans, fut ordonné. Cependant, il ne ressentait pas le désir sincère d’être prêtre. Un jour, lors d'une messe solennelle, le « curé aux cheveux roux » ne put attendre la fin du service et quitta l'autel pour capturer sur papier ce qui lui passait par la tête dans la sacristie. idée intéressanteà propos de la nouvelle fugue. Puis, comme si de rien n'était, Vivaldi revint à " lieu de travail" Cela s'est terminé par l'interdiction de servir la messe, ce dont le jeune Vivaldi n'était probablement que trop heureux.
De son père, Antonio a hérité non seulement de sa couleur de cheveux (assez rare chez les Italiens), mais aussi d'un amour sérieux pour la musique, notamment le violon. Giovanni Battista lui-même a donné ses premières leçons à son fils et l'a amené à sa place dans l'orchestre de la Cathédrale Saint-Pierre. Marque. Antonio a étudié la composition et a appris à jouer du clavecin et de la flûte.
Parmi les nombreux palais et églises qui ornaient Venise, il y avait un modeste monastère - un refuge pour filles « Ospedale della Pietà » (littéralement « hôpital de la compassion »), où, en septembre 1703, Vivaldi commença à enseigner la musique. Tous les mélomanes d'Europe considéraient comme un honneur de s'y rendre et d'entendre le célèbre orchestre, entièrement composé de filles orphelines. Ce « miracle musical » était dirigé par l'abbé Antonio Vivaldi, appelé Pretro Rosso - Moine Rouge, Prêtre Rouge. Le surnom révélait une disposition joyeuse et un tempérament fougueux. Et tout cela malgré le fait que Maestro Vivaldi a été gravement malade toute sa vie et était essoufflé en marchant.
En 1705, l'éditeur vénitien Giuseppe Sala publie le premier recueil de sonates pour trois instruments (deux violons et basse) d'Antonio Vivaldi. La « partie » suivante des sonates pour violon de Vivaldi fut publiée quatre ans plus tard par Antonio Bortoli. Bientôt, les œuvres du « prêtre aux cheveux roux » gagnèrent une popularité extraordinaire. En quelques années seulement, Antonio Vivaldi est devenu le compositeur de violon le plus célèbre d’Europe. Par la suite, les œuvres de Vivaldi ont été publiées à Londres et à Paris, alors centres d'édition d'Europe.
Antonio Lucio Vivaldi
Au début de 1718, il reçut une invitation à servir comme chef d'orchestre à la cour de Mantoue. Le compositeur y séjourna jusqu'en 1720. Et ici, à Mantoue, Vivaldi rencontre la chanteuse Anna Giraud, propriétaire d'un magnifique contralto. Elle fut d'abord son élève, puis l'interprète principale de ses opéras et, enfin, à la grande indignation de tous, elle devint sa maîtresse.
Mantoue
De retour à Venise, Vivaldi se consacre entièrement aux activités théâtrales. Il s'essaye à la fois en tant qu'auteur et en tant qu'impresario. En 1720-1730 Vivaldi est connu dans toute l'Italie. Sa renommée atteint de telles proportions qu'il est même invité à donner un concert devant le pape lui-même.
En 1740, Vivaldi abandonne définitivement son travail à l'Ospedale della Pietà et se rend à Vienne, à la cour de l'empereur Charles VI, son admirateur de longue date et puissant. Mais les projets roses du grand compositeur n'étaient pas destinés à se réaliser. Arrivé à Vienne, il ne trouva plus le monarque vivant. De plus, à cette époque, la popularité de Vivaldi commençait à décliner. Les préférences du public évoluent et la musique baroque se retrouve rapidement en marge de la mode.
Le musicien de soixante-trois ans, qui n'avait jamais été en bonne santé, ne parvint pas à se remettre de ces coups du sort et tomba malade d'une maladie inconnue.
Vivaldi meurt le 28 juillet 1741 à Vienne d'une « inflammation interne » (comme il est écrit dans le protocole des funérailles), dans les bras de son élève et amie Anna Giraud. Les funérailles furent modestes : seules quelques cloches sonnèrent et le cortège était composé uniquement de personnes engagées pour porter le cercueil.
Après sa mort, l'héritage musical d'Antonio Vivaldi fut oublié pendant près de 200 ans. Ce n'est que dans les années vingt du XXe siècle qu'un musicologue italien a découvert par hasard une collection de manuscrits de Vivaldi. Il contenait 19 opéras et plus de 300 œuvres instrumentales, ainsi que un grand nombre deœuvres de musique vocale et sacrée. À partir de ce moment-là, le renouveau de l'ancienne gloire de ce compositeur autrefois très célèbre a commencé.
Antonio Vivaldi est né le 4 mars 1678 à Venise. Ses premières leçons de violon lui sont données par son père. Antonio était un élève si compétent qu'à l'âge de 11 ans, il pouvait remplacer son mentor dans la chapelle de la cathédrale Saint-Marc.
Dès sa prime jeunesse, ayant décidé de consacrer sa vie à la musique, Anthony voulait en même temps être ecclésiastique. Il fut ordonné en 1704.
Malheureusement, la santé de Vivaldi était si mauvaise qu'il ne put célébrer toute la messe. Il a donc bénéficié d’un certain soulagement. Bientôt, Vivaldi quitta ses fonctions de prêtre, mais n'abandonna pas son sacerdoce.
Le début d’un voyage créatif
En 1709, Vivaldi fut présenté au monarque du Danemark, Frédéric IV. Le compositeur lui a dédié 12 sonates écrites pour violon.
En 1712, Vivaldi rencontra compositeur allemand, G. Stötzl.
Activités du compositeur
Vivaldi a commencé comme compositeur d’opéra. En 1713, il crée l'œuvre en trois actes « Ottone à la Villa ». Un an plus tard, un nouvel opéra était créé, « Le fou imaginaire ». Il était basé sur le poème de L. Ariosto, « Roland le Furieux ».
À cette époque, le talent du compositeur était reconnu par ses collègues, critiques musicaux et amateurs d'opéra. Vivaldi commença à avoir de plus en plus d'étudiants. Il consacre son temps libre, de l'enseignement à la composition de nouvelles œuvres musicales. Le compositeur collabore également activement avec le théâtre, d'où il reçoit régulièrement un grand nombre de commandes.
Au fil du temps, le nom du musicien s'est fait connaître en dehors de Venise. En 1718, son opéra « Skanderberg » est représenté à Florence.
La même année, le compositeur accepte l'invitation du prince F. Hesse-Darmstadt et, s'installant à Mantoue, devient chef d'orchestre à sa cour.
Le musicien y rencontre A. Giraud. Elle devient l'élève du grand compositeur et ce dernier joue un rôle important dans son développement en tant que chanteuse d'opéra.
En étudiant la biographie de A. Vivaldi, vous devez connaître la chose la plus importante. En 1725, une série de ses œuvres fut publiée intitulée « L’art de l’harmonie et de l’invention ». Il comprenait les concerts « Saisons ». La créativité de cette période est remplie de drame. De nombreuses œuvres contiennent des notes solennelles et sombres.
Vivaldi a apporté sa plus grande contribution au développement du concert d'ensemble orchestral.
Maladie et mort
Comme beaucoup de compositeurs, Vivaldi avait souvent un besoin urgent d’argent. En 1740, il arrive à Vienne pour mettre en scène ses opéras. Mais en raison de l'aggravation de la crise politique, le musicien est contraint de partir pour la Saxe.
Le compositeur souffrait d'asthme bronchique depuis son enfance et ce déménagement forcé nuisait à sa santé.
Un an plus tard, il retourne en Autriche, mais le public oublie vite son récent favori. En juillet 1741, le grand compositeur décède. Il a été enterré dans un cimetière pour les pauvres.
Autres options de biographie
- Vivaldi est né à sept mois. Selon certaines informations, le nouveau-né était si fragile et si malade qu’il fut immédiatement baptisé.
- Vivaldi ne s'est jamais marié. Mais en raison de ses relations chaleureuses avec A. Giraud, qui restent encore platoniques, le compositeur fut plus d'une fois critiqué par le haut clergé.
Partition biographique
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Introduction
1.1. 1.2.Chapitre I. Le rôle d'A. Vivaldi dans l'élaboration du concerto pour violon au XVIIIe siècle La contribution créative d’A. Vivaldi au développement du concert instrumental Chapitre II. L'héritage créatif de A. Vivaldi. Analyse des œuvres les plus célèbres du compositeur 1 "Saisons" 2 Concerto pour violon « La mineur » Conclusion Bibliographie Introduction Ces qualités de personnalité se reflètent pleinement dans l’art de Vivaldi, qui regorge d’une richesse d’imagination artistique et d’une force de tempérament et ne perd pas sa vitalité au fil des siècles. Si certains de ses contemporains voyaient de la frivolité dans l’apparence et les actions de Vivaldi, alors dans sa musique la pensée créatrice est toujours éveillée, la dynamique ne s’affaiblit pas et la plasticité de la forme n’est pas perturbée. L'art de Vivaldi est avant tout un art généreux, né de la vie elle-même, absorbant ses sucs sains. Il n’y avait et ne pouvait rien y avoir de tiré par les cheveux, loin de la réalité ou non testé par la pratique. Le compositeur connaissait parfaitement la nature de son instrument. Le but du cours : étudier l'interprétation du genre du concert instrumental dans les œuvres d'Antonio Vivaldi. Objectifs de ce travail de cours : .Étudier la littérature sur un sujet donné ; 2.Considérons A. Vivaldi comme un représentant de l'école italienne de violon ; 3.Analysez les œuvres les plus célèbres du compositeur. Ce travail de cours est d'actualité aujourd'hui, puisque l'œuvre du compositeur A. Vivaldi intéresse ses contemporains, ses œuvres sont jouées dans les salles de concert du monde entier. Chapitre I. Le rôle d'A. Vivaldi dans l'élaboration du concerto pour violon au XVIIIe siècle 1.1.École italienne de violon et développement des genres musicaux instrumentaux et violonistiques L’épanouissement précoce de l’art du violon italien avait ses propres raisons sociales et culturelles, enracinées dans le développement socio-économique du pays. En raison de spécial conditions historiques en Italie plus tôt que dans les autres pays européens, relations féodales ont été supplantés par les bourgeois, plus progressistes à cette époque. Dans le pays que F. Engels appelait la « première nation capitaliste », les caractéristiques nationales de la culture et de l’art ont commencé à prendre forme très tôt. La Renaissance s'épanouit activement sur le sol italien. Cela a conduit à l’émergence créations brillantesÉcrivains, artistes, architectes italiens. L'Italie a donné au monde le premier opéra, développé l'art du violon, l'émergence de nouveaux genres musicaux progressistes, les réalisations exceptionnelles des luthiers qui ont créé des dessins classiques instruments à archet (Amati, Stradivarius, Guarneri). Les fondateurs de l'école italienne de luthiers étaient Andrea Amati et Gasparo da Salo, et la plupart maîtres exceptionnelsà l'apogée de l'école (du milieu du XVIIe au milieu du XVIIIe siècle) - Niccolò Amati et ses deux élèves, Antonio Stradivari et Giuseppe Guarneri del Gesù. On pense qu'Antonio Stradivari est né en 1644, bien que sa date de naissance exacte ne soit pas enregistrée. Il est né en Italie. On pense que de 1667 à 1679, il fut l'élève libre d'Amati, c'est-à-dire a fait le gros travail. Le jeune homme a amélioré avec diligence le travail d'Amati, obtenant la mélodie et la flexibilité des voix de ses instruments, changeant leur forme en une forme plus courbée et décorant les instruments. L'évolution de Stradivarius montre une libération progressive de l'influence du professeur et la volonté de créer un nouveau type de violon, caractérisé par la richesse du timbre et la sonorité puissante. Mais la période de quête créative au cours de laquelle Stradivari cherchait son propre modèle dura plus de 30 ans : ses instruments n'atteignirent la perfection de la forme et du son qu'au début des années 1700. Il est généralement admis que ses meilleurs instruments ont été fabriqués entre 1698 et 1725, dépassant en qualité les instruments fabriqués par la suite entre 1725 et 1730. Parmi les célèbres violons Stradivarius figurent les Betts, Viotti, Alard et Messiah. En plus des violons, Stradivarius fabriquait également des guitares, des altos, des violoncelles et au moins une harpe, soit un total de plus de 1 100 instruments, selon les estimations actuelles. Le grand maître décède à l'âge de 93 ans le 18 décembre 1837. Ses outils de travail, dessins, dessins, modèles et quelques violons ont fini dans la collection du célèbre collectionneur du XVIIIe siècle, le comte Cosio di Salabue. Aujourd'hui, cette collection est conservée au Musée Stradivarius de Crémone. Changements dans la situation historique, besoins sociaux et culturels, processus de développement spontané art musical, esthétique - tout cela a contribué à un changement de styles, de genres et de formes créativité musicale et des arts du spectacle, a parfois donné lieu à une image hétéroclite de la coexistence de différents styles dans chemin commun l'avancement de l'art de la Renaissance au baroque, puis aux styles préclassiques et classiques du XVIIIe siècle. L’art du violon a joué un rôle important dans le développement de la culture musicale italienne. Le rôle de premier plan des musiciens italiens dans floraison précoce la créativité violonistique comme l'un des phénomènes phares de la musique européenne. Ceci est démontré de manière convaincante par les réalisations des violonistes et compositeurs italiens des XVIIe et XVIIIe siècles, qui ont dirigé l'école italienne de violon - Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi et Giuseppe Tartini, dont le travail a conservé une grande importance artistique. Arcangelo Corelli est né le 17 février 1653 à Fusignano, près de Bologne, dans une famille intelligente. Son talent musical se révèle très tôt et se développe sous l'influence directe de l'école bolognaise : le jeune Corelli maîtrise le violon à Bologne sous la direction de Giovanni Benvenuti. Ses succès émerveillent son entourage et reçoivent une grande reconnaissance de la part des spécialistes : à l'âge de 17 ans, Corelli est élu membre de l'Académie Philharmonique de Bologne. Cependant, il ne resta pas longtemps à Bologne et, au début des années 1670, il s'installa à Rome, où il passa ensuite toute sa vie. À Rome, le jeune musicien complète sa formation en étudiant le contrepoint avec l'aide de l'organiste, chanteur et compositeur expérimenté Matteo Simonelli de la Chapelle papale. L'activité musicale de Corelli commence d'abord à l'église (violoniste dans la chapelle), puis à l'Opéra Capranica (kapellmeister). Ici, il s'est distingué non seulement comme un merveilleux violoniste, mais aussi comme chef d'ensembles instrumentaux. Depuis 1681, Corelli commence à publier ses œuvres : avant 1694, quatre recueils de ses sonates en trio sont publiés, ce qui lui vaut une grande renommée. De 1687 à 1690, il dirigea la chapelle du cardinal B. Panfili, puis devint chef de la chapelle du cardinal P. Ottoboni et organisateur de concerts dans son palais. Cela signifie que Corelli communiquait avec un large cercle de connaisseurs d'art, d'amateurs d'art éclairés et de musiciens exceptionnels de son temps. Philanthrope riche et brillant, passionné d’art, Ottoboni animait des représentations d’oratorios et de concerts « académiques », auxquels assistait une grande société. Le jeune Haendel, Alessandro Scarlatti et son fils Domenico, ainsi que de nombreux autres musiciens, artistes, poètes et scientifiques italiens et étrangers ont visité sa maison. Le premier recueil de sonates en trio de Corelli est dédié à Christine de Suède, la reine sans trône qui vivait à Rome. Cela suggère que Corelli a participé d'une manière ou d'une autre aux festivals musicaux organisés dans le palais qu'elle occupait ou sous ses auspices. Contrairement à la plupart des musiciens italiens de son époque, Corelli n'écrivait pas d'opéras (bien qu'il fût associé à Opéra) et des compositions vocales pour l'église. En tant que compositeur-interprète, il était complètement immergé uniquement dans la musique instrumentale et quelques-uns de ses genres associés à la participation principale du violon. En 1700, un recueil de ses sonates pour violon avec accompagnement est publié. Depuis 1710, Corelli a cessé de donner des concerts ; deux ans plus tard, il a quitté le palais Ottoboni pour s'installer dans son propre appartement. Pendant de nombreuses années, Corelli a enseigné aux étudiants. Ses étudiants comprennent les compositeurs et interprètes Pietro Locatelli, Francesco Geminiani et J.B. Somis. Il a laissé derrière lui une importante collection de peintures, parmi lesquelles des tableaux de maîtres italiens, des paysages de Poussin et un tableau de Bruegel, très apprécié par le compositeur et mentionné dans son testament. Corelli mourut à Rome le 8 janvier 1713. 12 de ses concerts furent publiés à titre posthume, en 1714. De toutes ses racines, l'art de Corelli remonte à la tradition du XVIIe siècle, sans rompre avec la polyphonie, maîtrisant l'héritage de la suite de danse, développant davantage des moyens d'expression et donc la technique de son instrument. L'œuvre des compositeurs bolognais, notamment basée sur le modèle de la sonate en trio, a déjà acquis une influence significative non seulement en Italie : comme on le sait, elle a captivé Purcell à son époque. Corelli, le créateur de l'école romaine d'art du violon, a acquis une véritable renommée mondiale. Dans les premières décennies du XVIIIe siècle, son nom incarne, aux yeux de ses contemporains français ou allemands, les plus hautes réussites et la spécificité même de la musique instrumentale italienne en général. L'art du violon du XVIIIe siècle s'est développé à partir de Corelli, représenté par des sommités telles que Vivaldi et Tartini, et de toute une galaxie d'autres maîtres exceptionnels. L'héritage créatif de Corelli à cette époque n'était pas si grand : 48 sonates en trio, 12 sonates pour violon avec accompagnement et 12 « grands concertos ». Corelli moderne Compositeurs italiens, en règle générale, étaient beaucoup plus prolifiques, créant plusieurs dizaines d'opéras, des centaines de cantates, sans parler d'un grand nombre d'œuvres instrumentales. A en juger par la musique de Corelli elle-même, il est peu probable travail créatifétait difficile pour lui. Étant apparemment profondément concentré sur cela, sans se disperser sur les côtés, il a soigneusement réfléchi à tous ses projets et n'était pas du tout pressé de publier les œuvres terminées. Il n’y a aucune trace d’immaturité évidente dans ses premières œuvres, tout comme il n’y a aucun signe de stabilisation créative dans ses œuvres ultérieures. Il est fort possible que ce qui fut publié en 1681 ait été créé au cours de plusieurs années précédentes et que les concertos publiés en 1714 aient commencé bien avant la mort du compositeur. 2 A. La contribution créative de Vivaldi au développement du concert instrumental L'éminent violoniste et compositeur Antonio Vivaldi (1678-1741) est l'un des plus brillants représentants de l'art violonistique italien du XVIIIe siècle. Son importance, notamment dans la création du concerto pour violon solo, dépasse largement les frontières de l'Italie. A. Vivaldi est né à Venise, dans la famille d'un excellent violoniste et professeur, membre de la chapelle de la cathédrale Saint-Marc Giovanni Battista Vivaldi. Dès la petite enfance, son père lui apprend à jouer du violon et l'emmène aux répétitions. Dès l’âge de 10 ans, le garçon a commencé à remplacer son père, qui travaillait également dans l’un des conservatoires de la ville. Le chef du chœur, G. Legrenzi, s'intéresse au jeune violoniste et étudie avec lui l'orgue et la composition. Vivaldi a assisté aux concerts à domicile de Legrenzi, où de nouvelles œuvres du propriétaire lui-même, de ses élèves - Antonio Lotti, le violoncelliste Antonio Caldara, l'organiste Carlo Polarolli et d'autres - ont été entendues. Malheureusement, Legrenzi mourut en 1790 et les études cessèrent. À cette époque, Vivaldi avait déjà commencé à composer de la musique. Sa première œuvre qui nous est parvenue est travail spirituel, datant de 1791. Le père jugea préférable de donner à son fils une éducation spirituelle, puisque son rang et son vœu de célibat donnaient à Vivaldi le droit d'enseigner au conservatoire des femmes. Ainsi commença la formation spirituelle au séminaire. En 1693, il fut ordonné abbé. Cela lui a permis d'accéder au conservatoire le plus respecté, l'Ospedale della Piet. à " Cependant, l’ordre sacré s’est avéré plus tard être un obstacle au développement de l’énorme talent de Vivaldi. Après l'abbé, Vivaldi gravit les échelons du clergé et finalement, en 1703, il fut ordonné au dernier rang inférieur - prêtre, ce qui lui donna le droit d'accomplir un service indépendant - la messe. Son père a pleinement préparé Vivaldi à l'enseignement, après avoir fait de même au Conservatoire des « Mendiants ». La musique était la matière principale du conservatoire. Les filles ont appris à chanter, à jouer de divers instruments et à diriger. Le conservatoire possédait à l'époque l'un des meilleurs orchestres d'Italie, avec la participation de 140 étudiants. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf ont parlé avec enthousiasme de cet orchestre. Avec Vivaldi, élève de Corelli et Lotti, Francesco Gasparini, violoniste et compositeur expérimenté dont les opéras ont été mis en scène à Venise, a enseigné ici. Au conservatoire, Vivaldi enseigne le violon et « l'alto anglais ». L'orchestre du conservatoire devient pour lui une sorte de laboratoire où ses projets peuvent se réaliser. Déjà en 1705, fut publié son premier opus de sonates en trio (sonates de chambre), dans lequel l'influence de Corelli se fait encore sentir. Il est cependant caractéristique qu'aucun signe d'apprentissage n'y soit perceptible. Ceux-ci sont matures écrits artistiques, attirant par la fraîcheur et l'imagination de la musique. Comme pour souligner l'hommage au génie de Corelli, il conclut la Sonate n°12 avec les mêmes variations sur le thème Folia. L'année prochaine, le deuxième opus sortira - les concerti grossi « Harmonic Inspiration », parus trois ans plus tôt que les concerts de Torelli. C'est parmi ces concerts que le célèbre la mineur New York. Le service au conservatoire a été un succès. Vivaldi se voit confier la direction de l'orchestre, puis du chœur. En 1713, suite au départ de Gasparini, Vivaldi devient le compositeur principal avec l'obligation de composer deux concerts par mois. Il a travaillé au conservatoire presque jusqu'à la fin de sa vie. Il a porté l'orchestre du conservatoire à la plus haute perfection. La renommée du compositeur Vivaldi ne se répand pas seulement en Italie. Ses œuvres sont publiées à Amsterdam. A Venise, il rencontre Haendel, A. Scarlatti, son fils Domenico, qui étudie avec Gasparini. Vivaldi s'est également fait connaître en tant que violoniste virtuose, pour qui il n'y avait pas de difficultés impossibles. Son talent était évident dans les cadences improvisées. À une de ces occasions, quelqu'un qui assistait à une représentation de l'opéra de Vivaldi au Théâtre San Angelo a rappelé sa performance : « Presque à la fin, accompagnant un superbe chanteur soliste, Vivaldi a finalement réalisé une fantaisie qui m'a vraiment effrayé, parce que c'était quelque chose incroyable, comme personne n'a joué et ne peut jouer, car avec ses doigts il montait si haut qu'il n'y avait plus de place pour l'archet, et cela sur les quatre cordes il exécutait une fugue avec une vitesse incroyable. Les enregistrements de plusieurs de ces cadences restent dans des manuscrits. Vivaldi compose rapidement. Ses sonates solos et concerts sont publiés. Pour le conservatoire, il crée son premier oratorio « Moïse, Dieu du Pharaon » et prépare son premier opéra « Ottone à la Villa », qui fut joué avec succès en 1713 à Vicence. Au cours des trois années suivantes, il crée trois autres opéras. Vient ensuite une pause. Vivaldi écrivait si facilement que même lui-même le remarquait parfois, comme dans le manuscrit de l'opéra "Tito Manlio" (1719) - "travailla en cinq jours". En 1716, Vivaldi crée pour le conservatoire l’un de ses meilleurs oratorios : « Judith triomphante, battant Holopherne des barbares ». La musique attire par son énergie et sa portée et en même temps ses couleurs et sa poésie étonnantes. La même année, lors des célébrations musicales en l'honneur de l'arrivée du duc de Saxe à Venise, deux jeunes violonistes sont invités à se produire : Giuseppe Tartini et Francesco Veracini. La rencontre avec Vivaldi a eu un impact profond sur leur œuvre, notamment sur les concertos et les sonates de Tartini. Tartini disait que Vivaldi était un compositeur de concertos, mais il pensait qu'il était un compositeur d'opéra par vocation. Tartini avait raison. Les opéras de Vivaldi sont désormais oubliés. Les activités d'enseignement de Vivaldi au conservatoire apportent progressivement du succès. D'autres violonistes ont également étudié avec lui : J.B. Somis, Luigi Madonis et Giovanni Verocai, qui ont servi à Saint-Pétersbourg, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy - chef d'orchestre à Prague. Elève du conservatoire, Santa Tasca devient violoniste de concert, puis musicien de la cour de Vienne ; Hiaretta s'est également produite, avec qui a étudié l'éminent violoniste italien G. Fedeli. De plus, Vivaldi s'est avéré être un bon professeur de chant. Son élève Faustina Bordoni a reçu le surnom de « Nouvelle Sirène » pour la beauté de sa voix (contralto). L'élève le plus célèbre de Vivaldi était Johann Georg Pisendel, premier violon de la chapelle de Dresde. En 1718, Vivaldi accepta de manière inattendue une invitation à travailler comme chef de la chapelle du Landgrave à Mantoue. Il y met en scène ses opéras, crée de nombreux concerts pour la chapelle et consacre une cantate au comte. A Mantoue, il rencontre son ancienne élève, la chanteuse Anna Giraud. Il a entrepris de le développer capacités vocales, y réussit, mais s'y intéressa sérieusement. Giraud devient un chanteur célèbre et chante dans tous les opéras de Vivaldi. En 1722, Vivaldi revient à Venise. Au conservatoire, il doit désormais composer deux concertos instrumentaux par mois et diriger 3-4 répétitions avec les élèves pour les apprendre. En cas de départ, il devait envoyer les concerts par coursier. La même année, il crée Douze Concertos, qui comprennent l'op. 8 - « Une expérience d'harmonie et de fantaisie », qui comprend les célèbres « Saisons » et quelques autres concerts programmés. Il fut publié à Amsterdam en 1725. Les concerts se sont rapidement répandus dans toute l’Europe et les Quatre Saisons ont acquis une énorme popularité. Durant ces années, l'intensité de la créativité de Vivaldi est exceptionnelle. Rien que pour la saison 1726/27, il crée huit nouveaux opéras, des dizaines de concerts et des sonates. Depuis 1735 commence la fructueuse collaboration de Vivaldi avec Carlo Goldoni, sur le livret duquel il crée les opéras « Griselda », « Aristide » et bien d’autres. Cela a également affecté la musique du compositeur, dans l’œuvre de laquelle les caractéristiques de l’opéra bouffe et des éléments folkloriques se manifestent plus clairement. On sait peu de choses sur l’interprète de Vivaldi. Il se produisait très rarement comme violoniste - seulement au Conservatoire, où il jouait parfois ses concertos, et parfois à l'opéra, où il y avait des solos de violon ou des cadences. À en juger par les enregistrements survivants de certaines de ses cadences, ses compositions, ainsi que les témoignages fragmentaires de ses contemporains sur son jeu qui nous sont parvenus, il était un violoniste hors pair qui contrôlait magistralement son instrument. En tant que compositeur, il pensait aussi comme un violoniste. Le style instrumental transparaît dans son créativité lyrique, l'oratorio fonctionne. Le fait qu'il était un violoniste exceptionnel est également attesté par le fait que de nombreux violonistes européens cherchaient à étudier avec lui. Les caractéristiques de son style d’interprétation se reflètent certainement dans ses compositions. L'héritage créatif de Vivaldi est énorme. Plus de 530 de ses œuvres ont déjà été publiées. Il a écrit environ 450 concerts différents, 80 sonates, environ 100 symphonies, plus de 50 opéras et plus de 60 œuvres spirituelles. Beaucoup d’entre eux restent encore manuscrits. La maison d'édition Ricordi a publié 221 concertos pour violon seul, 26 concertos pour 2-4 violons, 6 concertos pour viole d Cupidon, 11 concertos pour violoncelle, 30 sonates pour violon, 19 sonates en trio, 9 sonates pour violoncelle et autres œuvres, y compris pour instruments à vent. Dans tous les genres touchés par le génie de Vivaldi, de nouvelles possibilités inexplorées s’ouvraient. Cela était déjà évident dans son premier travail. Les douze sonates en trio de Vivaldi ont été publiées pour la première fois sous le titre op. 1, à Venise en 1705, mais furent composés bien avant ; Cet opus comprenait probablement des œuvres sélectionnées de ce genre. Dans leur style, ils sont proches de Corelli, même s'ils révèlent également quelques traits individuels. Il est intéressant de noter que, tout comme cela se produit dans l'op. 5 Corelli, le recueil de Vivaldi se termine par dix-neuf variations sur le thème alors populaire de la folia espagnole. Il convient de noter la présentation différente (mélodique et rythmique) du thème chez Corelli et Vivaldi (ce dernier est plus strict). Contrairement à Corelli, qui faisait habituellement la distinction entre les styles de chambre et d'église, Vivaldi fournit déjà dans son premier opus des exemples de leur imbrication et de leur interpénétration. En termes de genre, il s’agit encore plutôt de sonates de chambre. Dans chacun d’eux, la première partie de violon est mise en valeur et lui confère un caractère virtuose et plus libre. Les sonates s'ouvrent sur des préludes luxuriants de nature lente et solennelle, à l'exception de la Dixième Sonate, qui commence par une danse rapide. Les parties restantes sont presque tous genres. Voici huit allemandes, cinq gigues, six carillons, réinterprétés instrumentalement. La gavotte solennelle de la cour, par exemple, il l'utilise cinq fois comme finale rapide en tempo Allegro et Presto. La forme des sonates est assez libre. La première partie donne une ambiance psychologique à l'ensemble, tout comme le faisait Corelli. Cependant, Vivaldi refuse en outre la partie de fugue, la polyphonie et l'élaboration, et s'efforce d'obtenir du dynamisme. mouvement de danse. Parfois, toutes les autres parties fonctionnent presque au même tempo, violant ainsi l'ancien principe des tempos contrastés. Déjà dans ces sonates, on sent l'imagination la plus riche de Vivaldi : pas de répétition de formules traditionnelles, une mélodie inépuisable, un désir de proéminence, des intonations caractéristiques, qui seront ensuite développées par Vivaldi lui-même et d'autres auteurs. Ainsi, le début du Tombeau de la deuxième sonate apparaîtra ensuite dans les « Saisons ». La mélodie du prélude de la onzième sonate se reflétera dans le thème principal du Concerto pour deux violons de Bach. Caractéristiques Il y a aussi de larges mouvements de figuration, des répétitions d’intonations, comme pour fixer le matériau principal dans l’esprit de l’auditeur, et une mise en œuvre cohérente du principe de développement séquentiel. La force et l’inventivité de l’esprit créatif de Vivaldi se sont particulièrement clairement démontrées dans le genre du concert. C'est dans ce genre que la plupart de ses œuvres ont été écrites. Parallèlement, dans le patrimoine du concert Maître italienœuvres écrites sous forme de concerto grosso et sous forme de concert solo. Mais même dans ceux de ses concerts qui gravitent vers le genre concerto grosso, l'individualisation des parties du concerto se fait clairement sentir : elles acquièrent souvent un caractère de concert, et il n'est alors pas facile de tracer la frontière entre un concerto grosso et un concert solo. . compositeur de violon Vivaldi Chapitre II. L'héritage créatif de A. Vivaldi. Analyse des œuvres les plus célèbres du compositeur 1 "Saisons" Cycle de quatre concertos pour violon seul avec orchestre à cordes et la cymbale « Les Saisons » a probablement été écrite entre 1720 et 1725. Ces concerts furent ensuite inclus dans l’opus 8, « La controverse de l’harmonie avec l’invention ». Comme l'écrit N. Harnoncourt, le compositeur a rassemblé et publié ceux de ses concerts qui pouvaient être associés à un titre aussi sonore. Le concert "Printemps", comme les trois autres concerts "Quatre Saisons", est écrit sous une forme en trois parties dont la création dans l'histoire de la musique est précisément associée au nom d'A. Vivaldi. Les mouvements extrêmes sont rapides et écrits sous la forme ancienne du concert. La deuxième partie est lente, avec une mélodie mélodieuse, écrite sous la forme ancienne en deux parties. Pour la composition de la première partie du concert, l'activité et l'énergie du mouvement inhérentes au thème principal sont d'une importance primordiale. Se répétant plus d'une fois dans l'Allegro, comme s'il revenait en cercle, il semble stimuler le mouvement global à l'intérieur de la forme et en même temps la maintenir ensemble, en conservant l'impression principale. L'activité dynamique des premières parties du cycle contraste avec la concentration des parties lentes avec l'unité interne de leur thématisme et une plus grande simplicité de composition. Dans ce cadre, les nombreux Largos, Adagios et Andantes des concertos de Vivaldi sont loin d’être du même type. Ils peuvent être tranquillement idylliques dans diverses options, en particulier, sont pastoraux, se distinguent par l'étendue de leur lyrisme et peuvent même dans le genre sicilien exprimer une tension contrainte de sentiments ou, sous la forme d'une passacaille, incarner la sévérité du chagrin. Le mouvement de la musique dans les centres lyriques est plus unidimensionnel (les contrastes internes ne sont caractéristiques ni de la thématique ni de la structure dans son ensemble), plus calme, mais il est sans doute présent ici chez Vivaldi - dans le large déploiement du mélodisme lyrique, dans le contrepoint expressif des voix supérieures, comme dans un duo (appelé Siciliana), dans le développement variationnel de la passacaille. Le thème thématique des finales, en règle générale, est plus simple, homogène en interne et plus proche des origines du genre folk que le thème thématique du premier Allegro. Mouvement rapide en 3/8 ou 2/4, phrases courtes, rythmes aigus (danse, syncopé), intonations enflammées « dans le goût lombard » - tout ici est d'une vitalité provocante, tantôt amusant, tantôt scherzo, tantôt bouffon, tantôt orageux, tantôt dynamiquement pittoresque. Cependant, tous les finales des concertos de Vivaldi ne sont pas dynamiques en ce sens. Finale en concerto grosso op. 3 n° 11, où il est précédé de la Siciliana mentionnée, est imprégné d'inquiétude et se distingue par l'acuité de ses sons. Les violons solos commencent à diriger dans une présentation imitative d'un thème alarmant et uniformément palpitant, puis, à partir de la quatrième mesure, une descente chromatique dans le même rythme palpitant est marquée dans la basse. Cela donne immédiatement à la dynamique de la finale du concert un caractère sombre et même quelque peu nerveux. Dans toutes les parties du cycle, la musique de Vivaldi bouge différemment, mais son mouvement se produit naturellement à la fois au sein de chaque partie et dans la relation entre les parties. Cela est dû à la fois à la nature même du thématisme et à la maturité croissante de la pensée modale-harmonique dans la nouvelle structure homophonique, lorsque la clarté des fonctions de mode et la clarté de la gravité s'activent. développement musical. Cela est également entièrement lié au sens classique de la forme caractéristique du compositeur, qui, sans même éviter l'intrusion brutale des intonations du genre populaire local, s'efforce toujours de maintenir la plus haute harmonie de l'ensemble dans l'alternance de motifs contrastés, sur le échelle des parties du cycle (sans longueurs), dans la plasticité de leur intonation se déroulant dans la dramaturgie générale du cycle. Quant aux sous-titres du programme, ils ne faisaient qu'esquisser la nature de l'image ou des images, mais n'affectaient pas la forme de l'ensemble, n'en prédéterminaient pas le développement dans ses limites. Le programme relativement complet comprend les partitions de quatre concerts de la série « Saisons » : à chacun d'eux correspond un sonnet qui révèle le contenu des parties du cycle. Il est possible que les sonnets aient été composés par le compositeur lui-même. En tout cas, le programme qui y est déclaré ne nécessite aucunement de repenser la forme du concert, mais plutôt « se plie » selon cette forme. L'imagerie du mouvement lent et du finale, avec les particularités de leur structure et de leur développement, était généralement plus facile à exprimer en poésie : il suffisait de nommer les images elles-mêmes. Mais la première partie du cycle, le rondo de concert, a reçu une interprétation si programmatique qu'elle ne l'a pas empêché de conserver sa forme habituelle et d'y incarner naturellement « l'intrigue » choisie. Cela s'est produit lors de chacun des quatre concerts. Dans le concert « Printemps », le programme de la première partie est ainsi révélé dans le sonnet : « Le printemps est arrivé, et les oiseaux joyeux le saluent de leurs chants, et les ruisseaux coulent en murmurant. Le ciel est couvert de nuages sombres, les éclairs et le tonnerre annoncent également le printemps. Et les oiseaux reprennent leurs doux chants. Le thème de danse d’accords (tutti), léger et fort, détermine le ton émotionnel de tout l’Allegro : « Le printemps est arrivé ». Les violons de concert (épisode) imitent le chant des oiseaux. Le « thème du printemps » retentit à nouveau. Un nouvel épisode de passage - un court orage printanier. Et encore une fois, le thème principal du rondo « Le printemps est arrivé » revient. Elle domine donc tout le temps la première partie du concert, incarnant le sentiment joyeux du printemps, et les épisodes visuels apparaissent comme une sorte de détail grande image renouveau printanier de la nature. Comme vous pouvez le constater, la forme rondo reste ici pleinement en vigueur et le programme est facilement « divisé » en ses sections. Il semble que le sonnet « Printemps » ait en réalité été composé par un compositeur qui prévoyait à l'avance les possibilités structurelles de son incarnation musicale. Dans toutes les secondes parties des « Saisons », il y a une unité de texture tout au long du mouvement (bien que la taille du mouvement ne permette pas de contrastes particuliers). La pièce est écrite sous la forme ancienne en deux parties. Au total, la texture comporte trois couches : supérieure - mélodique - mélodieuse, cantilen. Milieu - remplissage harmonique - « bruissement d'herbe et de feuillage », très silencieux, écrit en petites durées pointées, conduisant des échos en tierces parallèles. Le mouvement des voix médianes ressemble principalement à un trille, en cercle. De plus, les deux premiers temps de la mesure sont un mouvement statique - un troisième « trille » qui, bien que monotone, est en mouvement grâce à la ligne pointillée exquise. Au troisième temps, le mouvement mélodique est activé - il semble ainsi préparer la hauteur sonore de la mesure suivante, créant un léger « décalage » ou « balancement » de la texture. Et la basse - soulignant la base harmonique - est rythmiquement caractéristique, représentant « l'aboiement d'un chien ». Il est intéressant de retracer exactement la manière dont Vivaldi envisageait la structure figurative des mouvements lents du cycle de concerts. La musique Largo (cis-mineur) du concert « Printemps » correspond aux vers suivants du sonnet : « Sur une pelouse fleurie, sous le bruissement des forêts de chênes, un berger de chèvres dort avec un chien fidèle à côté de lui. Naturellement, il s’agit d’une pastorale dans laquelle se déroule une seule image idyllique. Les violons d'octave chantent une mélodie paisible, simple et rêveuse sur un fond poétique de tierces ondulantes - et tout cela est ombragé après l'Allegro majeur par un doux mineur parallèle, ce qui est naturel pour la partie lente du cycle. Pour la finale, le programme ne prévoit pas non plus de variété et ne détaille même pas le moins du monde son contenu : « Les nymphes dansent au son des cornemuses des bergers ». Mouvements légers, rythmes de danse, stylisation d'un instrument folklorique - tout ici ne peut pas dépendre du programme, puisqu'il s'agit généralement de finales. Dans chaque concerto des Quatre Saisons, le mouvement lent est monotone et se distingue par son calme pittoresque après l'Allegro dynamique : une image de la langueur de la nature et de tous les êtres vivants dans la chaleur estivale ; le sommeil paisible des villageois après la fête des récoltes d'automne ; "C'est bien de s'asseoir près de la cheminée et d'écouter la pluie frapper la fenêtre derrière le mur" - quand le vent glacial de l'hiver est violent. Le final de « Summer » est l'image d'une tempête, le final de « Autumn » est « Hunting ». Pour l'essentiel, les trois parties du cycle de concerts-programme restent dans les relations habituelles en termes de structure figurative, de nature de développement interne et de comparaisons contrastées entre Allegro, Largo (Adagio) et le finale. Et pourtant, les programmes poétiques révélés dans quatre sonnets sont intéressants dans la mesure où ils semblent confirmer par la parole de l’auteur les impressions générales sur l’imagerie de l’art de Vivaldi et sa possible expression dans son genre principal de concert. Certes, le cycle « Saisons », quelque peu idyllique par ses images, ne révèle qu’une petite partie de l’œuvre du compositeur. Cependant, son idylisme était tout à fait dans l’esprit de ses contemporains et a donné lieu, au fil du temps, à des imitations répétées des « Saisons », jusqu’à devenir des curiosités individuelles. De nombreuses années passèrent et Haydn, déjà à un stade différent du développement de l'art musical, incarna le thème des « saisons » dans un oratorio monumental. Comme on pouvait s’y attendre, son concept s’est avéré plus profond, plus sérieux, plus épique que celui de Vivaldi ; elle a abordé les questions éthiques liées au travail et à la vie des gens ordinaires, proche de la nature. Cependant, les aspects poétiques et picturaux de l'intrigue, qui ont autrefois inspiré Vivaldi, ont également attiré l'attention créative de Haydn : il a également une image d'une tempête et d'un orage dans « Été », « Fête des récoltes » et « Chasse » dans « Automne », des contrastes difficiles route d'hiver et le confort de la maison en « hiver ». 2. Concerto pour violon « La mineur » Le thème du célèbre concerto en la mineur (Op. 3 n° 6) aurait pu ouvrir une fugue basée sur sa première intonation, mais le flux de répétitions et de séquences ultérieures lui confère une dynamique de danse, malgré la tonalité mineure et son aspect nettement mémorable . Un tel naturel de mouvement même au sein du premier thème, une telle facilité de combiner diverses sources d'intonation est une qualité étonnante de Vivaldi, qui ne le laisse pas à plus grande échelle. Parmi ses thèmes « phares », il y a bien sûr des compositions intonationnelles plus homogènes. Dans un concert en la mineur, le tutti d'ouverture est construit sur des intonations de fanfare lumineuses, des répétitions de sons et de phrases. Déjà la formule initiale, caractérisée par le « forage » d'un son, devient typique du compositeur. Le principe dominant est le suivant : « pas de longueurs ». Une dynamique extrême et une pression volontaire contribuent à incarner une image courageuse et ambitieuse. Renforcer le caractère compétitif, qui donne un éclat particulier à la musique des concertos de Vivaldi, leur genre et leur nature programmatique, le contraste non seulement entre les parties individuelles du cycle, mais aussi au sein de sa première partie principale (chez Vivaldi, il prend généralement une ronda -forme en forme) avec un contraste pointu entre tutti et soli, une utilisation subtile des moyens d'expression timbraux, dynamiques et rythmiques - toutes ces caractéristiques dans leur combinaison harmonieuse ont contribué à renforcer les caractéristiques de l'interprétation de concert et à augmenter le pouvoir de l'impact émotionnel sur l'auditeur. Déjà, les contemporains soulignaient dans les concertos de Vivaldi l’expressivité, la passion et l’utilisation répandue de ce qu’on appelle le « style lombard ». Si, dans ses sonates, Vivaldi déplace le centre de gravité vers les mouvements centraux, alors dans le concert, il y a une nette tendance à mettre en évidence le premier mouvement comme le principal et le plus significatif. À cet égard, le compositeur complique quelque peu sa structure traditionnelle : il dynamise les épisodes du premier au troisième, augmentant la signification, l'ampleur et le caractère évolutif - improvisatif dernier épisode, interprété comme une reprise allongée et dynamisée ; se rapproche de la double-obscurité, qui est de nature contrastée. Dans les parties médianes, il améliore la profondeur psychologique de la révélation du monde intérieur d'une personne ; introduit des éléments lyriques dans la finale du genre, comme s'il traçait une seule ligne lyrique. Toutes ces caractéristiques décrites ici seront pleinement révélées lors des prochains concerts. Au total, environ 450 concertos de Vivaldi ont survécu ; environ la moitié d'entre eux sont des concertos écrits pour violon seul et orchestre. Les contemporains de Vivaldi (I. Quantz et autres) n'ont pu s'empêcher de prêter attention aux nouveautés qu'il a introduites dans style de concert XVIIIe siècle, qui a attiré leur intérêt créatif. Il suffit de rappeler que J. S. Bach appréciait beaucoup la musique de Vivaldi et effectuait plusieurs transcriptions pour clavier et orgue de ses concertos. Conclusion Dans leur ensemble, les genres instrumentaux du XVIIe au début du XVIIIe siècle, avec leurs divers principes de composition et techniques spéciales présentation et développement, incarnait un large éventail d'images musicales auparavant inaccessibles à la musique instrumentale, et l'élevait ainsi au premier niveau élevé, à égalité avec d'autres genres d'origine synthétique. Le plus important, sans aucun doute, était que les réalisations de la musique instrumentale au début du XVIIIe siècle (et en partie au cours de ses premières décennies) ouvraient de grandes perspectives pour son évolution ultérieure dans une direction vers la polyphonie classique de Bach, dans une autre. plus étendue, à la symphonie classique de la fin du siècle. En général, tant le contenu figuratif de la musique de Vivaldi que ses principaux genres reflétaient sans aucun doute avec une grande intégralité les principales aspirations artistiques de leur époque - et pas seulement pour l'Italie. Répandus dans toute l'Europe, les concertos de Vivaldi ont eu une influence fructueuse sur de nombreux compositeurs et ont servi d'exemples du genre de concert en général pour leurs contemporains. À la fin du cours, l'objectif fixé a été atteint, à savoir l'étude de l'interprétation du genre du concert instrumental dans l'œuvre d'Antonio Vivaldi. Les tâches assignées ont également été accomplies : la littérature sur un sujet donné a été étudiée, A. Vivaldi a été considéré comme un représentant de l'école de violon italienne, les œuvres les plus célèbres du compositeur ont été analysées. Le style de Vivaldi est le même type d'intonation, répété de concert en concert avec quelques changements, des « rebondissements », mais toujours reconnaissable comme typiquement « Vivaldi ». Ce qu’il y avait de nouveau dans le genre de concert de Vivaldi était déterminé par l’approfondissement contenu musical, son expressivité et son imagerie, l'introduction d'éléments programmatiques, l'établissement, en règle générale, d'un cycle tripartite (avec une séquence rapide-lent-rapide), le renforcement de l'interprétation du concert lui-même, l'interprétation en concert de la partie solo, le développement du langage mélodique, le motif large -développement thématique, enrichissement rythmique et harmonique. Tout cela était imprégné et uni par l'imagination créatrice et l'ingéniosité de Vivaldi en tant que compositeur et interprète. Conclusion 1.Barbier P. Venise Vivaldi : Musique et fêtes de l'époque Saint-Pétersbourg, 2009. 280 p. 2.Boccardi V. Vivaldi. Moscou, 2007. 272 p. .Grigoriev V. Histoire de l'art du violon. Moscou, 1991. 285 p. 4.Livanova T. Histoire de la musique d'Europe occidentale jusqu'en 1789. Tome 1. Moscou, 1983. 696 p. .Panfilov A. Vivaldi. Vie et créativité//Grands compositeurs. N° 21. Moscou, 2006. 168 p. 6.Panfilov A. Vivaldi. Vie et créativité//Grands compositeurs. N° 4. Moscou, 2006. 32 p. .Tretyachenko V.F. « Écoles » de violon : histoire de la formation // Musique et temps. N° 3. Moscou, 2006. 71 p.Œuvres similaires à - Interprétation du genre du concert instrumental dans les œuvres d'Antonio Vivaldi
Antonio Vivaldi (1678-1741) est l'un des représentants les plus marquants de l'époque baroque. Il est né à Venise, où il a d'abord étudié avec son père, violoniste à la chapelle Saint-Pierre. Mark, puis amélioré sous Giovanni Legrenzi. Il a donné de nombreux concerts dans différents pays européens et était très enthousiaste à l'idée d'enseigner et de mettre en scène ses opéras. Pendant longtemps, il a été professeur de violon dans l'un des orphelinats vénitiens pour orphelines.
Vivaldi était surnommé « le prêtre rouge » (Prete rosso) en raison de la couleur de ses cheveux. En effet, il combinait le métier de musicien avec les fonctions d'ecclésiastique, mais fut ensuite licencié pour comportement « illégal » lors d'un office religieux. Dernières années Le compositeur passe son temps à Vienne, où il meurt dans la pauvreté.
Le patrimoine créatif de Vivaldi couvre plus de 700 titres : 465 concertos instrumentaux (dont une cinquantaine de grossi), 76 sonates (dont des sonates en trio), une quarantaine d'opéras (l'un de ses librettistes fut le célèbre C. Goldoni), des cantates-oratorio, dont textes spirituels. La principale signification historique de son œuvre réside dans la création d'un concert instrumental solo.
L'un des artistes les plus sensibles de son époque, Vivaldi a été parmi les premiers compositeurs à mettre au premier plan dans l'art l'émotivité ouverte, la passion (l'affect) et le sentiment lyrique individuel. Sous son influence incontestable, le type très typique de concert de musique baroque pour plusieurs solistes (concerto grosso) est passé au second plan à l'époque classique pour laisser la place à un concert solo. Le remplacement d'un groupe de solistes par un seul parti était l'expression de tendances homophoniques.
C'est Vivaldi qui a développé la structure et le thème thématique du récital du baroque tardif. Sous l'influence de l'ouverture de l'opéra italien, il établit un cycle de concert en trois parties (rapide - lent - rapide) et ordonne la séquence de tutti et de solo basée sur la forme du concert baroque.
La forme de concert de l'époque baroque était basée sur l'alternance de la ritournelle (thème principal), répétée et transposée à plusieurs reprises, avec des épisodes basés sur de nouveaux thèmes mélodiques, du matériel figuratif ou une élaboration motivique du thème principal. Ce principe lui donnait une ressemblance avec un rondo. La texture est caractérisée par des contrastes entre tutti orchestral et solo, correspondant à l'apparition de la ritournelle et des épisodes.
Les premières parties des concertos de Vivaldi sont énergiques, affirmées, variées en textures et en contrastes. Les secondes parties emmènent l'auditeur dans le royaume des paroles. Le chant, doté de traits d’improvisation, domine ici. La texture est majoritairement homophonique. Les finales sont brillantes, pleines d’énergie, et complètent le cycle dans un mouvement rapide et vif.
La forme cyclique dynamique en trois mouvements des concertos de Vivaldi exprime les idéaux artistiques de l'art du « contraste bien organisé ». La logique de leur développement figuratif révèle l'influence du concept esthétique général de l'époque baroque, qui divisait le monde humain en trois hypostases : Action - Contemplation - Jeu.
Le concert instrumental solo de Vivaldi se concentre sur un petit ensemble d'instruments à cordes dirigé par un soliste. Il peut s'agir d'un violoncelle, d'une viole d'amour, d'une flûte longitudinale ou transversale, d'un hautbois, d'un basson, d'une trompette et même d'une mandoline ou d'un châle. Et pourtant, le violon joue le plus souvent le rôle de soliste (environ 230 concerts). La technique violonistique des concertos de Vivaldi est variée : passages rapides, arpèges, trémolo, pizzicato, notes doubles (jusqu'aux dixièmes les plus difficiles), scordatura, utilisation du registre le plus aigu (jusqu'à la 12e position).
Vivaldi est devenu célèbre comme un expert exceptionnel de l'orchestre, l'inventeur de nombreux effets coloristiques. Posséder sens aigu couleur sonore, il se tourne librement vers de nombreux instruments et leurs combinaisons. Il a utilisé les hautbois, les cors, les bassons, les trompettes et le cor anglais non pas comme voix de secours, mais comme instruments mélodiques indépendants.
La musique de Vivaldi absorbait des éléments du folklore musical vénitien coloré, riche en canzonas mélodieuses, barcarolles et rythmes de danse enflammés. Le compositeur était particulièrement disposé à s'appuyer sur la Siciliana et a largement utilisé la signature rythmique 6/8 typique des danses folkloriques italiennes. Utilisant souvent une structure accords-harmoniques, il a utilisé magistralement les techniques de développement polyphonique.
Sortant ses concerts par séries de 12 ou 6 œuvres, Vivaldi a également donné des désignations générales pour chaque série : « Inspiration harmonique » (op. 3), « Extravagance » (op. 4), « Cithare » (op. 9).
Vivaldi peut être appelé le fondateur du logiciel musique orchestrale. La plupart de ses concerts ont un programme précis. Par exemple : « Chasse », « Tempête en mer », « Bergère », « Repos », « Nuit », « Favoris », « Chardonneret ».
Les concertos pour violon de Vivaldi sont rapidement devenus largement connus Europe de l'Ouest et surtout en Allemagne. Le grand J. S. Bach, « pour le plaisir et l’instruction », a personnellement arrangé neuf concertos pour violon de Vivaldi pour clavier et orgue. Grâce à ces musiciens, Vivaldi, qui n'était jamais allé dans les terres du nord de l'Allemagne, s'est avéré être, au sens plein du terme, le « père » de l'instrumentalisme allemand du XVIIIe siècle. Répandus dans toute l'Europe, les concertos de Vivaldi ont servi d'exemples du genre concert pour ses contemporains. Ainsi, le concerto pour clavier s'est développé sous l'influence artistique incontestable du concerto pour violon (un exemple convaincant peut être servi par).
Le style unique de Vivaldi a révolutionné le monde musical européen du début du XVIIIe siècle. Ce brillant Italien a fait parler toute l’Europe de la « grande musique italienne ».
Antonio Vivaldi est né à Venise le 4 mars 1678. Son père Giovanni Battista (surnommé « Rouge » pour sa couleur de cheveux ardente), fils d'un boulanger de Brescia, s'installe à Venise vers 1670. Là, il travailla pendant quelque temps comme boulanger, puis maîtrisa le métier de barbier. Pendant son temps libre pour gagner son pain quotidien, Giovanni Battista jouait du violon. Et il s'est avéré être un musicien si doué qu'il
En 1685, le célèbre Giovanni Legrenzi, chef d'orchestre de la cathédrale Saint-Pierre. Mark, l'a accepté dans son orchestre.
Le premier et le plus célèbre des six enfants de Giovanni Battista Vivaldi et Camilla Calicchio, Antonio Lucio, est né prématurément à cause d'un soudain tremblement de terre. Les parents du garçon ont vu la naissance d'une nouvelle vie dans des circonstances aussi étranges comme un signe d'en haut et ont décidé qu'Antonio devait devenir prêtre.
Lorsque le futur grand compositeur eut 15 ans, sa tonsure (symbole de la couronne d'épines) fut rasée et le 23 mars 1703, Antonio Vivaldi, vingt-cinq ans, fut ordonné. Cependant, il n’éprouva pas un désir sincère d’être prêtre et cessa bientôt de célébrer la messe. Cependant, comme en témoigne Carlo Goldoni, Vivaldi a lu son livre de prières tous les jours tout au long de sa vie.
De son père, Antonio a hérité non seulement de sa couleur de cheveux (assez rare chez les Italiens), mais aussi d'un amour sérieux pour la musique, notamment le violon. Giovanni Battista lui-même a donné ses premières leçons à son fils et l'a amené à sa place dans l'orchestre de la Cathédrale Saint-Pierre. Marque. Antonio a étudié la composition et a appris à jouer du clavecin et de la flûte. En septembre 1703, Vivaldi commença à enseigner la musique à l'orphelinat pour filles Ospe Dale della Pietà.
Le refuge « Ospedale della Pietà » (littéralement « hôpital de la compassion ») existe depuis 1348 et a toujours été célèbre pour l'éducation complète (y compris musicale) que recevaient ses élèves.
F. Guardi. Vue du pont du Rialto depuis le Grand Canal. XVIIIe siècle.
Vivaldi fut associé à cette institution presque toute sa vie. Il faut dire aussi que l’activité pédagogique du compositeur ne se limitait pas au travail de « maestro di violino », c’est-à-dire de professeur de violon. Vivaldi donne des cours particuliers aux chanteurs et leur apprend à jouer de l'alto. De plus, il dirigeait l'orchestre lors des répétitions et des concerts lorsque le chef d'orchestre n'était pas présent. Et il écrivait de la musique sans relâche.
Premières publications
En 1705, l'éditeur vénitien Giuseppe Sala publie le premier recueil de sonates pour trois instruments (deux violons et basse) d'Antonio Vivaldi. La « partie » suivante des sonates pour violon de Vivaldi fut publiée quatre ans plus tard par Antonio Bortoli.
Bientôt les œuvres du « prêtre rouge » (comme Vivaldi le Jeune était surnommé par les mêmes farceurs vénitiens qui lui avaient auparavant donné le surnom)
« Rouge » pour son père) a acquis une popularité extraordinaire.
En quelques années seulement, Antonio Vivaldi est devenu le compositeur de violon le plus célèbre d’Europe. Le fait suivant témoigne de sa renommée et de son incroyable succès : en 1711-1729. Douze recueils de musique instrumentale de Vivaldi ont été publiés à Amsterdam, dont Ligo archoso ("Inspiration harmonique"), La piçaranga ("Caprices") et II skhyanno oeP"archosha e oeP"tueshupe ("Expérience d'harmonie et de fantaisie") - une œuvre , qui comprend le fameux Le quattro 81a§yush (« Quatre Saisons » ou simplement « Saisons »). Par la suite, les œuvres de Vivaldi furent publiées dans
Londres et Paris - alors centres d'édition d'Europe.
Compositeur laïc
En 1713, à Vicence, Vivaldi présente au public son premier opéra.
En haut : Antonio Vivaldi. Caricature de P. L. Ghezzi. 1723
En bas : G. Bella. Fête de l'Ascension sur la place Saint-Marc à Venise.
Chronologie de la vie
1693 Reçoit la tonsure.
1703 Devient ordonné. Entre à l'Ospedale della Pietà comme professeur de violon et compositeur.
1711 L'éditeur d'Amsterdam E. Roger publie le premier concerto de Vivaldi du cycle C^go armonico. Le nom du compositeur devient largement connu.
1713 Vivaldi fait ses débuts à Vicence comme compositeur d'opéra (avec l'opéra « La discipline à la Villa »).
1718 S'installe à Mantoue et entre au service du prince Philippe.
1720 Retour à Venise.
1727 Publication de II Ytpepkz sSeN"ag-gtyusha e sSeSht/enEyupe, contenant les célèbres "Quatre Saisons".
1730-38 Vivaldi voyage beaucoup à travers l’Europe pour diriger ses œuvres.
1740 Abandonne enfin l'Ospedale della Pietà et part pour Vienne.
1741 Maladie subite et décès du compositeur.
Après sa mort, Vivaldi fut presque oublié. Son héritage créatif a été véritablement découvert au XXe siècle. Sur les 450 concerts connus aujourd’hui, seuls 80 environ ont vu le jour du vivant du compositeur.
Le grand nombre d'œuvres de Vivaldi qui nous sont parvenues sous forme manuscrite comprennent non seulement concerts instrumentaux(pour violon, violoncelle, flûte, cor, hautbois, mandoline, cor...), mais aussi des sonates, cantates et 48 opéras.
"Évadez-vous à la villa." Au cours des cinq années suivantes, il publie cinq autres opéras qui conquièrent les plus grands théâtres vénitiens. Vivaldi se transformait rapidement d’un « prêtre roux » tout à fait modeste en un brillant compositeur laïc.
Au début de 1718, il reçut une invitation à servir comme chef d'orchestre à la cour de Mantoue. Le compositeur y séjourna jusqu'en 1720, c'est-à-dire jusqu'à la mort de l'épouse de son employeur, le prince Philip. Et ici, à Mantoue, Vivaldi rencontre la chanteuse Anna Giraud, propriétaire d'un magnifique contralto. Au début, elle fut son élève, puis l’interprète principale de ses opéras et enfin, au grand scandale de tous, elle devint sa maîtresse.
De retour à Venise, Vivaldi se consacre entièrement aux activités théâtrales. Il s'essaye à la fois en tant qu'auteur et en tant qu'impresario. En 1720-1730 Vivaldi est connu dans toute l'Italie. Sa renommée atteint de telles proportions qu'il est même invité à donner un concert devant le pape lui-même.
On a l'impression que Vivaldi était constamment en mouvement et a écrit ses œuvres invariablement talentueuses quelque part sur le chemin de Vérone à Mantoue. Cependant, il n'était pas gêné par la vie nomade et était toujours facile à vivre. Ainsi, en 1738, le compositeur vint à Amsterdam uniquement pour diriger l’orchestre lors de la célébration du centenaire du théâtre, et un an plus tard, il se rendit avec Anna Giraud à Graz, où la chanteuse reçut un engagement pour toute la saison.
Coucher de soleil à Vienne
En 1740, Vivaldi abandonne finalement son travail à l'Ospedale della Pietà et se rend à Vienne, à la cour de l'empereur Charles VI, son admirateur de longue date et, surtout, puissant.
Œuvres remarquables
Cycles de concerts :
L "estro armonico op. 3 La stravaganza op. 4 II cimento dell"armonia e dell"invent-
zione op. 8 La cétra op. 9
Six concertos pour flûte
et cordes op. 10 Six concertos pour violon
et cordes op. 11 Six concertos pour violon
et cordes op. 12
Œuvres pour orchestre :
Al Santo Sepolcro RV 169 Concerto madrigalesco RV 129
Concerts instrumentaux solos :
La pastorella pour flûte RV 95 II sospetto pour violon RV 199 L"inquietudine pour violon RV 234 II ritiro pour violon RV 256 L"amoroso pour violon RV 271 II rosignuolo pour violon RV 335 L"ottavina pour violon RV 763 II Carbonelli pour violon RV 366 Concerto pour mandoline RV425 Concerto pour hautbois RV 447 La note pour basson RV 501
Doubles concerts :
Concerto pour deux mandolines RV 532 Concerto pour deux trompettes RV 537 Concerto pour deux hautbois
et deux clarinettes RV 559 Concert funéraire RV 579
Musique spirituelle :
Gloria (pour solistes)
instruments, chœur et orchestre)
RV589 Judith triomphante
(pour les instruments solistes,
choeur et orchestre) RV 644
Otto à la Villa RV 729 La vérité dans le test RV 739
Mais, hélas, les projets roses du grand compositeur n’étaient pas destinés à se réaliser. Arrivé à Vienne, il ne trouva plus le monarque vivant. De plus, à cette époque, la popularité de Vivaldi commençait à décliner. Les préférences du public évoluent et la musique baroque se retrouve rapidement en marge de la mode.
Le musicien de soixante-trois ans, qui n'avait jamais été en bonne santé, ne parvint pas à se remettre de ces coups du sort et tomba malade d'une maladie inconnue.
Vivaldi meurt le 28 juillet 1741 à Vienne d'une « inflammation interne » (comme il est écrit dans le protocole des funérailles), dans les bras de son élève et amie Anna Giraud. Funérailles de P. Longhi. Concert. étaient modestes : seules quelques cloches sonnaient, et le cortège était composé uniquement de personnes engagées pour porter le cercueil.
Des témoignages contemporains sur la mort de Vivaldi nous sont parvenus. L'un d'eux est : « Padre Don Antonio
Vivaldi, l'incomparable violoniste, surnommé « le prêtre rouge », très apprécié pour ses concertos et autres compositions, a gagné de son vivant 50 000 ducats, mais à cause d'une extravagance incommensurable, il est mort dans la pauvreté à Vienne.
Quatre saisons
Vivaldi a écrit ses quatre célèbres concertos pour violon, cordes et basse continue, inclus dans le cycle II seto avec !eІІ"agggupia e Seii"ipupengiope (publié en 1722 à Amsterdam), inspirés de quatre sonnets d'un poète inconnu, nommés d'après les saisons .
L’énergique Allegro par lequel commence le « Printemps » illustre les vers suivants du sonnet correspondant : « Le printemps est arrivé, et les oiseaux le saluent avec des chants joyeux, et les rivières portent leurs eaux en murmurant doucement. Les nuages couvrent le ciel d'un manteau noir, le tonnerre et les éclairs annoncent un orage, mais bientôt les oiseaux, comme pour l'arrêter, recommencent leur chant enchanteur.
La deuxième partie - Largo - captive l'auditeur avec une image pastorale (« Et puis dans une prairie fleurie dans le doux bruissement des feuilles et de l'herbe un berger dort, et à ses pieds se trouve un chien fidèle »), et l'Allegro final ressemble à un danse villageoise au rythme effréné (« Les nymphes dansent au son joyeux des cornemuses, et le berger danse, et au-dessus d'eux le ciel clair du printemps gagne en force »).
N. Poussin. Saisons : Printemps ou Paradis terrestre.
N. Poussin. Saisons : L'automne ou la Terre Promise.
Allegro non molto, la première partie de « L'été », dresse le tableau d'une journée chaude et d'un orage qui s'annonce : « Sous les rayons cruels du soleil brûlant, un homme faiblit, le troupeau se disperse. Le coucou chante, la tourterelle chante, une légère brise souffle... et le berger pleure, car il a peur du cruel Borée et de son sort. L’Adagio est également rempli de cette atmosphère d’anticipation : « La peur des éclairs et du tonnerre violent, ainsi que le bourdonnement colérique des mouches et des moustiques, ne donnent pas de repos à ceux qui sont fatigués. » Un orage éclate finalement à Presto : « Ah, hélas, ce n'est pas en vain qu'il a eu peur : le ciel menaçant gronde, scintille, la pluie fouette et l'herbe des champs se courbe. »
Adagio molto dépeint le « sommeil ivre » des villageois : « L'air est si apaisant que tout le monde arrête de chanter et de danser... L'automne apporte de beaux rêves. » Et dans l'Allegro final, les échos de la chasse se font déjà entendre : « A l'aube, le chasseur sort avec un cor et des chiens. L’animal sauvage est effrayé par le bruit des coups de feu et les aboiements des chiens, il est fatigué, épuisé de course et, pourchassé, meurt.
Le dernier concert du cycle, « L'hiver », est le plus expressif. Allegro non molto représente pour l'auditeur un voyageur solitaire - « Dans un frisson glacial, parmi la neige froide, soufflé vent fort, il erre, claquant des dents à cause du froid. À Largo, la chaleur d'un foyer réchauffant apparaît ; Cette partie évoque à quel point il est agréable de « passer des journées calmes et douces au coin du feu, quand la pluie devant la fenêtre inonde le monde entier ». Mais la paix et le confort du foyer ne durent pas éternellement. Les personnages principaux d'Allegro sont la glace et le vent. Des passages rapides du violon solo concluent de manière dramatique le concert et l'ensemble du cycle : « Les gens marchent lentement sur la glace, craignant de tomber, en marchant avec précaution. Ils glissent, tombent, se relèvent et marchent à nouveau... Un féroce sirocco souffle derrière les portes de fer. C'est l'hiver."
Concertos pour instruments à vent
Avant Vivaldi, les instruments à vent étaient considérés comme primitifs, « ingrats » pour le compositeur. Le brillant « prêtre rouge » a prouvé que ce n’était pas le cas.
Vivaldi fut l’un des premiers à se tourner vers la composition de musique sérieuse pour instruments à vent. Le hautbois, le cor, la trompette et la flûte sonnaient dans ses concerts d'une manière complètement nouvelle - si pleine et si harmonieuse que personne n'aurait pu l'espérer. Vivaldi a très probablement écrit son concerto pour deux trompettes (publié en 1729 à Amsterdam) à la demande de deux trompettistes qui voulaient prouver au public qu'une musique brillante peut être interprétée avec brio à la trompette. Ce concert nécessite vraiment une habileté remarquable de la part de l'interprète. C’est d’ailleurs encore une sorte de mesure de la virtuosité d’un trompettiste.
Vivaldi a également beaucoup écrit pour le basson : plus de trente concertos pour basson et orchestre ont survécu. De plus, le compositeur l'a utilisé dans presque tous les concerts de chambre.
Mais parmi les instruments à vent, Vivaldi a donné la plus grande préférence à la flûte - une flûte délicate et « féminine », comme on l'appelait. Possédant une imagination créatrice inépuisable, le compositeur a attribué à la flûte dans ses compositions précisément les parties dans lesquelles elle pouvait sonner pleinement et démontrer tous ses mérites.
Cela se voit particulièrement clairement dans deux concertos pour flûte et orchestre, publiés à Amsterdam en 1728. Dans la première partie du concert II dags!eshpo (« Le Chardonneret »), la flûte, faisant écho à l'orchestre, imite avec une précision surprenante les trilles du chardonneret, et dans le concert 1_a pape (« Nuit »), elle plonge l'auditeur dans un univers instable. , monde brumeux des rêves.
F. Guardi. Dames dansantes au Casino dei Filarmonici.
Les concertos pour violon et orchestre sont le point fort de Vivaldi. Ils ont étonné et captivé leurs contemporains. Certains y voyaient une manifestation du Divin, d'autres - un charme diabolique.
Il ne serait pas exagéré de dire que c’est Vivaldi qui a créé le genre du concerto. Bien sûr, il existait avant lui, mais c'est dans son œuvre qu'il a été façonné en une forme achevée, qui a ensuite été prise comme modèle par plus d'une génération de compositeurs européens. "Marque de marque"
Vivaldi avait trois accords orchestraux au début du concert. Le public vénitien, à la langue acérée, les appelait « les coups de marteau de Vivaldi ».
Le cycle 1_"evp-o aggtyupyuo (Inspiration Harmonique), publié en 1711-1717 à Amsterdam, est l'un des cycles de concerts les plus célèbres de l'héritage de Vivaldi. Les douze concerts de ce cycle sont devenus largement connus avant même d'être imprimés. Et avec Avec la sortie de I_"evp-o agtopiso, le nom du compositeur est devenu célèbre dans toute l'Europe. J. S. Bach a lui-même réalisé des transcriptions pour clavecin pour plusieurs concerts.
Le cycle contient quatre concertos pour quatre violons solistes, quatre pour deux et quatre pour un. D’ailleurs, par la suite, Vivaldi n’a plus écrit (à une exception près) de concertos pour quatre violons solistes.
Les premiers auditeurs de « Harmonic Inspiration » ont été ravis et émerveillés. Le plaisir et l'étonnement sont encore ressentis par ceux qui entendent І_ "еigo агtopіso pour la première fois. Déjà de nos jours, un chercheur écrivait à propos de ce cycle : « Il semble que dans une salle luxueuse de l'époque baroque, des fenêtres et des portes se soient ouvertes, et la nature libre est entrée avec un salut ; la musique sonne un pathos fier et majestueux, pas encore familier au XVIIe siècle : l'exclamation d'un citoyen du monde.
A. Visentini. Concert dans un petit palais (fragment).