Les plus grands compositeurs du monde de tous les temps : listes par ordre chronologique et alphabétique, ouvrages et ouvrages de référence
100 grands compositeurs du monde
Liste des compositeurs par ordre chronologique
1. Josquin Despres (1450 –1521)
2. Giovanni Pierluigi de Palestrina (1525 –1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 –1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean-Baptiste Lully (1632 –1687)
6. Henri Purcell (1658 –1695)
7. Arcangelo Corelli (1653 –1713)
8.Antonio Vivaldi (1678 –1741)
9. Jean-Philippe Rameau (1683 –1764)
10. Georges Haendel (1685 –1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 –1757)
12. Jean-Sébastien Bach (1685 –1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713 –1787)
14. Joseph Haydn (1732 –1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitri Stepanovitch Bortnyanski (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 –1826)
19. Johann Népomucène Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782 –1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 –1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 –1826)
23. Gioachino Rossini (1792 –1868)
24. Franz Schubert (1797 –1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hector Berlioz (1803 –1869)
28. Mikhaïl Ivanovitch Glinka (1804 –1857)
29. Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Frédéric Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810 –1856)
32. Alexandre Sergueïevitch Dargomyjski (1813 –1869)
33. Franz Liszt (1811 –1886)
34. Richard Wagner (1813 –1883)
35. Giuseppe Verdi (1813-1901)
36. Charles Gounod (1818 –1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819 –1880)
39. Alexandre Nikolaïevitch Serov (1820 –1871)
40. César Frank (1822 –1890)
41. Bedrich Smetana (1824 –1884)
42. Anton Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825 –1899)
44. Anton Grigoriévitch Rubinstein (1829 –1894)
45. Johannes Brahms (1833 –1897)
46. Alexandre Porfirievitch Borodine (1833 –1887)
47. Camille Saint-Saëns (1835 –1921)
48. Léo Delibes (1836 –1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 –1910)
50. Georges Bizet (1838 –1875)
51. Modeste Petrovitch Moussorgski (1839 –1881)
52. Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840 –1893)
53. Antonin Dvorak (1841 –1904)
54. Jules Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843 –1907)
56. Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov (1844 – 1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Léos Janacek (1854 –1928)
59. Anatoly Konstantinovitch Lyadov (1855 –1914)
60. Sergueï Ivanovitch Taneyev (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Giacomo Puccini (1858-1924)
63. Hugo Loup (1860 –1903)
64. Gustav Mahler (1860-1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Richard Strauss (1864-1949)
67. Alexandre Tikhonovitch Grechaninov (1864 –1956)
68. Alexandre Konstantinovitch Glazounov (1865 –1936)
69. Jean Sibélius (1865 –1957)
70. Franz Lehar (1870 –1945)
71. Alexandre Nikolaïevitch Scriabine (1872 –1915)
72. Sergueï Vassilievitch Rachmaninov (1873 –1943)
73. Arnold Schönberg (1874 –1951)
74. Maurice Ravel (1875 –1937)
75. Nikolaï Karlovitch Medtner (1880 –1951)
76. Béla Bartok (1881 –1945)
77. Nikolaï Yakovlevitch Myaskovsky (1881 –1950)
78. Igor Fedorovitch Stravinsky (1882 –1971)
79. Anton Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882 –1953)
81. Alban Berg (1885 –1935)
82. Sergueï Sergueïevitch Prokofiev (1891 –1953)
83. Arthur Honegger (1892 – 1955)
84. Darius Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895-1982)
86.Paul Hindemith (1895-1963)
87. Georges Gershwin (1898-1937)
88. Isaac Osipovitch Dunaevsky (1900 –1955)
89. Aram Ilitch Khatchatourian (1903 – 1978)
90. Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch (1906 –1975)
91. Tikhon Nikolaïevitch Khrennikov (né en 1913)
92. Benjamin Britten (1913-1976)
93. Gueorgui Vassilievitch Sviridov (1915 – 1998)
94. Léonard Bernstein (1918-1990)
95. Rodion Konstantinovitch Shchedrin (né en 1932)
96. Krzysztof Penderecki (né en 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 –1998)
98. Bob Dylan (né en 1941)
99. John Lennon (1940-1980) et Paul McCartney (né en 1942)
100. Sting (né en 1951)
CHEFS-D'ŒUVRE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE
Les compositeurs les plus célèbres du monde
Liste des compositeurs par ordre alphabétique
| N | Compositeur | Nationalité | Direction | Année |
| 1 | Albinoni Tomaso | italien | Baroque | 1671-1751 |
| 2 | Arensky Anton (Antony) Stepanovitch | russe | le romantisme | 1861-1906 |
| 3 | Baini Giuseppe | italien | Musique d'église - Renaissance | 1775-1844 |
| 4 | Balakirev Mili Alekseevich | russe | "Mighty Handful" - école de musique russe à vocation nationale | 1836/37-1910 |
| 5 | Bach Jean-Sébastien | Allemand | Baroque | 1685-1750 |
| 6 | Bellini Vincenzo | italien | le romantisme | 1801-1835 |
| 7 | Berezovsky Maxim Sozontovitch | Russe-ukrainien | Classicisme | 1745-1777 |
| 8 | Beethoven Ludwig van | Allemand | entre classicisme et romantisme | 1770-1827 |
| 9 | Bizet (Bizet) Georges | Français | le romantisme | 1838-1875 |
| 10 | Boito Arrigo | italien | le romantisme | 1842-1918 |
| 11 | Boccherini Luigi | italien | Classicisme | 1743-1805 |
| 12 | Borodine Alexandre Porfirievitch | russe | Romantisme – « La puissante poignée » | 1833-1887 |
| 13 | Bortnyansky Dmitri Stepanovitch | Russe-ukrainien | Classicisme - Musique d'église | 1751-1825 |
| 14 | Brahms Johannes | Allemand | le romantisme | 1833-1897 |
| 15 | Wagner Wilhelm Richard | Allemand | le romantisme | 1813-1883 |
| 16 | Varlamov Alexandre Egorovitch | russe | Musique folklorique russe | 1801-1848 |
| 17 | Weber Carl Maria von | Allemand | le romantisme | 1786-1826 |
| 18 | Verdi Giuseppe Fortunio Francesco | italien | le romantisme | 1813-1901 |
| 19 | Verstovsky Alexeï Nikolaïevitch | russe | le romantisme | 1799-1862 |
| 20 | Vivaldi Antonio | italien | Baroque | 1678-1741 |
| 21 | Villa-Lobos Heitor | brésilien | Néoclassicisme | 1887-1959 |
| 22 | Wolf-Ferrari Ermanno | italien | le romantisme | 1876-1948 |
| 23 | Haydn François Joseph | autrichien | Classicisme | 1732-1809 |
| 24 | Haendel George Frideric | Allemand | Baroque | 1685-1759 |
| 25 | Gershwin George | Américain | - | 1898-1937 |
| 26 | Glazounov Alexandre Konstantinovitch | russe | Romantisme – « La puissante poignée » | 1865-1936 |
| 27 | Glinka Mikhaïl Ivanovitch | russe | Classicisme | 1804-1857 |
| 28 | Glier Reingold Moritsevitch | Russe et soviétique | - | 1874/75-1956 |
| 29 | Gluk (Gluk) Christoph Willibald | Allemand | Classicisme | 1714-1787 |
| 30 | Granados, Granados et Campina Enrique | Espagnol | le romantisme | 1867-1916 |
| 31 | Grechaninov Alexandre Tikhonovitch | russe | le romantisme | 1864-1956 |
| 32 | Grieg Edward Haberup | norvégien | le romantisme | 1843-1907 |
| 33 | Hummel, Hummel (Hummel) Johann (Jan) Népomucène | Nationalité autrichienne - tchèque | Classicisme-Romantisme | 1778-1837 |
| 34 | Gounod Charles François | Français | le romantisme | 1818-1893 |
| 35 | Gourilev Alexandre Lvovitch | russe | - | 1803-1858 |
| 36 | Dargomyzhsky Alexandre Sergueïevitch | russe | le romantisme | 1813-1869 |
| 37 | Dvorjak Antonin | tchèque | le romantisme | 1841-1904 |
| 38 | Debussy Claude Achille | Français | le romantisme | 1862-1918 |
| 39 | Delibes Clément Philibert Léo | Français | le romantisme | 1836-1891 |
| 40 | Destouches André Cardinal | Français | Baroque | 1672-1749 |
| 41 | Degtyarev Stepan Anikievich | russe | Musique d'église | 1776-1813 |
| 42 | Giuliani Mauro | italien | Classicisme-Romantisme | 1781-1829 |
| 43 | Dinicu Grigorash | roumain | 1889-1949 | |
| 44 | Donizetti Gaetano | italien | Classicisme-Romantisme | 1797-1848 |
| 45 | Ippolitov-Ivanov Mikhaïl Mikhaïlovitch | Compositeur russo-soviétique | Compositeurs classiques du XXe siècle | 1859-1935 |
| 46 | Kabalevski Dmitri Borissovitch | Compositeur russo-soviétique | Compositeurs classiques du XXe siècle | 1904-1987 |
| 47 | Kalinnikov Vassili Sergueïevitch | russe | Classiques de la musique russe | 1866-1900/01 |
| 48 | Kalman Imre (Emmerich) | hongrois | Compositeurs classiques du XXe siècle | 1882-1953 |
| 49 | Cui César Antonovitch | russe | Romantisme – « La puissante poignée » | 1835-1918 |
| 50 | Leoncovallo Ruggiero | italien | le romantisme | 1857-1919 |
| 51 | Liszt (Liszt) Ferenc (Franz) | hongrois | le romantisme | 1811-1886 |
| 52 | Lyadov Anatoly Konstantinovitch | russe | Compositeurs classiques du XXe siècle | 1855-1914 |
| 53 | Lyapunov Sergueï Mikhaïlovitch | russe | le romantisme | 1850-1924 |
| 54 | Mahler Gustave | autrichien | le romantisme | 1860-1911 |
| 55 | Mascagni Pietro | italien | le romantisme | 1863-1945 |
| 56 | Massenet Jules Émile Frédéric | Français | le romantisme | 1842-1912 |
| 57 | Marcello Benedetto | italien | Baroque | 1686-1739 |
| 58 | Meyerbeer Giacomo | Français | Classicisme-Romantisme | 1791-1864 |
| 59 | Mendelssohn, Mendelssohn-Bartholdy Jacob Ludwig Félix | Allemand | le romantisme | 1809-1847 |
| 60 | Mignonne à François | brésilien | Compositeurs classiques du XXe siècle | 1897 |
| 61 | Monteverdi Claudio Giovanni Antonio | italien | Renaissance-Baroque | 1567-1643 |
| 62 | Moniuszko Stanislav | polonais | le romantisme | 1819-1872 |
| 63 | Mozart Wolfgang Amadeus | autrichien | Classicisme | 1756-1791 |
| 64 | Moussorgski Modeste Petrovitch | russe | Romantisme – « La puissante poignée » | 1839-1881 |
| 65 | Napravnik Eduard Frantsevitch | Nationalité russe - tchèque | Le romantisme? | 1839-1916 |
| 66 | Oginski Michal Kleofas | polonais | - | 1765-1833 |
| 67 | Offenbach Jacques (Jacob) | Français | le romantisme | 1819-1880 |
| 68 | Paganini Nicolas | italien | Classicisme-Romantisme | 1782-1840 |
| 69 | Pachelbel Johann | Allemand | Baroque | 1653-1706 |
| 70 | Planquette, Planquette Jean Robert Julien | Français | - | 1848-1903 |
| 71 | Ponce Cuellar Manuel Maria | mexicain | Compositeurs classiques du XXe siècle | 1882-1948 |
| 72 | Prokofiev Sergueï Sergueïevitch | Compositeur russo-soviétique | Néoclassicisme | 1891-1953 |
| 73 | François Poulenc | Français | Néoclassicisme | 1899-1963 |
| 74 | Puccini Giacomo | italien | le romantisme | 1858-1924 |
| 75 | Ravel Maurice Joseph | Français | Néoclassicisme-Impressionnisme | 1875-1937 |
| 76 | Rachmaninov Sergueï Vassilievitch | russe | le romantisme | 1873-1943 |
| 77 | Rimski - Korsakov Nikolaï Andreïevitch | russe | Romantisme – « La puissante poignée » | 1844-1908 |
| 78 | Rossini Gioachino Antonio | italien | Classicisme-Romantisme | 1792-1868 |
| 79 | Rota Nino | italien | Compositeurs classiques du XXe siècle | 1911-1979 |
| 80 | Rubinstein Anton Grigorievitch | russe | le romantisme | 1829-1894 |
| 81 | Sarasate, Sarasate et Navascuez (Sarasate et Navascuez) Pablo de | Espagnol | le romantisme | 1844-1908 |
| 82 | Sviridov Georgy Vasilievich (Yuri) | Compositeur russo-soviétique | NéoRomantisme | 1915-1998 |
| 83 | Saint-Saëns Charles Camille | Français | le romantisme | 1835-1921 |
| 84 | Sibelius Jan (Johan) | finlandais | le romantisme | 1865-1957 |
| 85 | Scarlatti de Giuseppe Domenico | italien | Baroque-Classicisme | 1685-1757 |
| 86 | Skryabine Alexandre Nikolaïevitch | russe | le romantisme | 1871/72-1915 |
| 87 | Smetana Bridjikh | tchèque | le romantisme | 1824-1884 |
| 88 | Stravinski Igor Fedorovitch | russe | Néo-Romantisme-Néo-Baroque-Sérialisme | 1882-1971 |
| 89 | Taneyev Sergueï Ivanovitch | russe | le romantisme | 1856-1915 |
| 90 | Telemann Georg Philipp | Allemand | Baroque | 1681-1767 |
| 91 | Torelli Giuseppe | italien | Baroque | 1658-1709 |
| 92 | Tosti Francesco Paolo | italien | - | 1846-1916 |
| 93 | Fibich Zdenek | tchèque | le romantisme | 1850-1900 |
| 94 | Flotow Friedrich von | Allemand | le romantisme | 1812-1883 |
| 95 | Khatchatourian Aram | Compositeur arméno-soviétique | Compositeurs classiques du XXe siècle | 1903-1978 |
| 96 | Holst Gustav | Anglais | - | 1874-1934 |
| 97 | Tchaïkovski Piotr Ilitch | russe | le romantisme | 1840-1893 |
| 98 | Chesnokov Pavel Grigorievitch | Compositeur russo-soviétique | - | 1877-1944 |
| 99 | Cilea Francesco | italien | - | 1866-1950 |
| 100 | Cimarosa Domenico | italien | Classicisme | 1749-1801 |
| 101 | Schnittke Alfred Garrievitch | Compositeur soviétique | polystylistique | 1934-1998 |
| 102 | Chopin Frédérick | polonais | le romantisme | 1810-1849 |
| 103 | Chostakovitch Dmitri Dmitrievitch | Compositeur russo-soviétique | Néoclassicisme-NéoRomantisme | 1906-1975 |
| 104 | Strauss Johann (père) | autrichien | le romantisme | 1804-1849 |
| 105 | Strauss Johann (fils) | autrichien | le romantisme | 1825-1899 |
| 106 | Strauss Richard | Allemand | le romantisme | 1864-1949 |
| 107 | Schubert Franz | autrichien | Romantisme-Classicisme | 1797-1828 |
| 108 | Schumann Robert | Allemand | le romantisme | 1810-1 |
Introduction
Le sort de la musique anglaise s’avère complexe et paradoxal. Du XVe siècle jusqu'à la fin du XVIIe siècle, à l'époque de la formation et de l'épanouissement de la tradition musicale classique anglaise, son développement fut continu. Ce processus s'est déroulé de manière intensive grâce au recours au folklore, déterminé plus tôt que dans d'autres écoles de composition, ainsi qu'à la formation et à la préservation de genres uniques et distinctifs au niveau national (hymne, masque, semi-opéra). La musique anglaise ancienne a donné des impulsions importantes à l'art européen, notamment la polyphonie, les principes de développement variationnels-figuratifs et la suite orchestrale. En même temps, elle réfractait de manière originale les stimuli venant de l’extérieur.
Au XVIIe siècle, des événements ont eu lieu qui ont porté des coups puissants à la culture musicale anglaise. Il s'agit tout d'abord du puritanisme, qui s'est établi lors de la révolution de 1640-1660, avec son désir fanatique d'abolir les valeurs spirituelles antérieures et les types et formes anciens. culture laïque, et deuxièmement, la restauration de la monarchie (1660), qui a radicalement modifié l'orientation culturelle générale du pays et accru l'influence extérieure (de la France).
Étonnamment, parallèlement aux symptômes évidents de la crise, des phénomènes apparaissent qui indiquent une montée en puissance de l'art musical. Dans les moments difficiles musique anglaise le temps est apparu Henry Purcell (1659-1695), dont les œuvres ont marqué l'épanouissement de l'école nationale des compositeurs, même si elles n'ont pas eu d'impact direct sur le travail des générations suivantes. George Frideric Handel (1685-1759), travaillant en Angleterre, a établi avec ses oratorios la primauté de la tradition chorale dans l'éventail des genres de la musique anglaise, ce qui a directement influencé son développement ultérieur. Au cours de la même période, « L'Opéra du mendiant » de Gay et Pepusch (1728), dont le caractère parodique témoignait de l'avènement d'une ère de tournant culturel, devint l'ancêtre de nombreux exemples de ce qu'on appelle l'opéra ballade.
Elle était l'un des sommets arts théâtraux Angleterre et en même temps preuve du renversement de l'art musical - plus précisément du mouvement de son « énergie créatrice de culture » (A. Schweitzer) - de la sphère professionnelle vers la sphère amateur.
Une tradition musicale se compose de nombreux facteurs - tels que la composition, les performances, le mode de vie vie musicale. Régulés par des orientations idéologiques, esthétiques et artistiques générales, ces facteurs n'agissent pas toujours dans une unité coordonnée, souvent dans certains conditions historiques leur interaction est perturbée. Ceci peut être confirmé par la période centenaire qui s'étend approximativement du milieu du XVIIIe siècle jusqu'à milieu du 19ème siècle en Angleterre.
Musique d'Angleterre
Le haut niveau d'interprétation, l'étendue et l'enracinement profond dans la vie quotidienne de diverses formes de création musicale - instrumentale, ensemble vocal et chorale - ont alors créé un terrain favorable pour la vie de concert lumineuse et à grande échelle de Londres, qui a attiré des musiciens continentaux vers le capitale de l'empire : Chopin, Berlioz, Tchaïkovski, Glazunov... Le vent frais de la modernité est porté avec eux par les musiciens allemands, dont la route vers les îles britanniques était grande ouverte depuis le règne de la dynastie hanovrienne (de 1714 à 1901) - rappelons-nous par exemple les concerts hebdomadaires de Bach - Abel et les concerts de Haydn - Zalomon . Ainsi, l'Angleterre a participé au processus intensif de formation des symphonies préclassiques et classiques, mais n'y a pas apporté une contribution créative. En général, pendant cette période, la succursale créativité nationale dans les genres de l'opéra et de la symphonie, pertinents sur le continent, elle était sous-développée ; dans d'autres genres (par exemple, l'oratorio), le canal devenait parfois superficiel. C’est cette époque qui a donné à l’Angleterre le nom désormais peu convaincant de « pays sans musique ».
Il est paradoxal que « l'ère du silence » se soit produite à l'époque dite victorienne - la période du règne de la reine Victoria (de 1837 à 1901). L’État était au zénith de sa force et de sa gloire. Une puissante puissance coloniale, « l’atelier du monde », a donné à sa nation une confiance en soi et la conviction qu’« elle est destinée à occuper la première place mondiale jusqu’à la fin de ses jours » (J. Aldridge). L'ère victorienne a été l'apogée de tous les domaines de la culture anglaise : la prose et la poésie, le drame et le théâtre, la peinture et l'architecture, et enfin l'esthétique - et une époque de déclin notable dans le domaine de la composition.
Dans le même temps, c'est précisément à partir du milieu du XIXe siècle, alors que la crise de l'école nationale de composition était déjà évidente, que des impulsions de recrudescence ont commencé à s'accumuler, qui se sont manifestées au milieu du XIXe siècle et se sont clairement manifestées. elle-même au tournant des XIXe et XXe siècles.
Le mouvement choral, amateur et professionnel, se développe et se développe. La tradition chorale était perçue comme véritablement nationale. Des maîtres anglais lui prêtèrent allégeance : Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederick Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958).
Un mouvement folklorique parallèle se développe, dont la figure de proue est Cecil J. Sharp (1859-1924). Il comprenait une direction scientifique (collecte de terrain, compréhension théorique) et une direction pratique (introduction à l'école et à la vie quotidienne). Cela s'est accompagné d'une réévaluation critique de l'assimilation des genres folkloriques dans les salons de divertissement et de la pénétration du matériel folklorique dans la créativité des compositeurs. Tous ces aspects du mouvement folklorique ont interagi – se complétant et parfois s’opposant de manière conflictuelle.
Jusqu'au milieu du XIXe siècle, aussi étrange que cela puisse paraître à première vue, en fait chansons anglaises rarement trouvé leur place dans les collections – beaucoup moins souvent que les chansons d’Écosse, du Pays de Galles et, surtout, d’Irlande. Non sans ironie, Ralph Vaughan Williams a écrit dans l'essai d'introduction au livre du plus grand folkloriste du pays, Cecil Sharp, « Anglais chanson populaire": "De sources faisant autorité, nous savions encore que musique folkloriqueétait "soit mauvais, soit irlandais"
Le mouvement pour le renouveau de la musique ancienne - Purcell, Bach, madrigalistes et virginalistes anglais - a contribué à l'éveil d'un profond intérêt parmi les interprètes, les fabricants instruments de musique et des scientifiques (comme A. Dolmetsch et sa famille), ainsi que des compositeurs
"l'âge d'or" de l'école professionnelle anglaise. Le patrimoine des XVe-XVIIe siècles, vivifié par la pratique du spectacle, sublime pensée critique, est apparu comme une force inspirante de l’artisanat national original.
Les tendances répertoriées, d'abord à peine perceptibles, ont progressivement gagné en puissance et, se précipitant les unes vers les autres, pour fin du 19ème siècle des siècles ont fait exploser le sol. Leur unification marqua le début d'une nouvelle renaissance musicale en Angleterre. Après une longue pause, ce pays n'est pas séparé personnalités créatives, mais est entrée dans la culture musicale européenne en tant qu'école nationale. A cette époque, le continent parlait de compositeurs anglais ; Brahms prédit un avenir intéressant pour la musique anglaise, R. Strauss le soutient en la personne d'E. Elgar. L'intensité de son évolution au tournant des XIXe et XXe siècles fut grande.
La tradition du romantisme austro-allemand a depuis longtemps trouvé un terrain fertile en Angleterre. Il s’agit d’une influence historiquement déterminée, renforcée par le système éducation musicale et la pratique consistant à perfectionner les jeunes compositeurs dans les villes d'Allemagne se reflétait dans le style (principalement à Parry, Standford, Elgar). Les musiciens anglais comprenaient que l’affirmation de l’identité nationale présupposait la libération d’une influence aussi puissante. Cependant, contrairement aux déclarations, ce processus de créativité était lent et difficile, car les genres dominants eux-mêmes - y compris les genres conceptuels comme la symphonie ou le poème symphonique - s'appuyaient sur l'expérience fructueuse de l'école austro-allemande. En conséquence, l’étendue de l’influence allemande et la mesure dans laquelle elle a été surmontée ont servi de critère pour l’identité nationale et la signification de l’œuvre du compositeur. Par exemple, les évaluations suivantes d'un des critiques anglais sont révélatrices : « Tandis que la musique de Parry et Stanford parlait allemand avec anglais et accent irlandais… La musique d’Elgar parlait anglais avec un accent allemand.
Au tournant du siècle, en Grande-Bretagne comme dans toute l’Europe, il y avait un désir de créer un langage musical qui correspondrait à l’esthétique moderne. Le « mot nouveau » vient de France. L'intérêt pour l'Orient qui s'est manifesté parmi les musiciens anglais les a incités à s'intéresser aux réalisations de l'impressionnisme français. Cela était particulièrement évident dans les œuvres de Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) et Gustav Holst. Certes, chez Scott et Bantock, le monde des images et des ambiances orientales n'affecte pas les fondements de la pensée du compositeur. Leur image de l’Orient est conventionnelle et il n’est pas difficile de détecter de nombreuses caractéristiques traditionnelles dans son incarnation.
La mise en œuvre de ce thème dans l’œuvre de Holst, attiré par la culture indienne, atteint un autre niveau. Il cherchait à trouver un contact spirituel plus profond entre les cultures occidentales et orientales, ce qui est généralement caractéristique de l'art du XXe siècle. Et il a réalisé ce désir à sa manière, en contradiction avec ce que faisait son aîné contemporain Debussy. Dans le même temps, les découvertes de l'impressionnisme, associées à une nouvelle idée de l'espace musical, du timbre, de la dynamique, à une nouvelle attitude envers le son, entrent dans la palette des moyens d'expression utilisés par les compositeurs en Angleterre - la patrie de « paysage et port de plaisance » (C. Nodier).
Malgré toutes les différences stylistiques individuelles, les compositeurs anglais de cette période étaient unis par le désir de renforcer les fondements folkloriques et nationaux de leur musique. La découverte du folklore paysan et la créativité des maîtres de la vieille école anglaise comme deux sources interdépendantes appartiennent à G. Holst et R. Vaughan-Williams. Se tourner vers l’héritage de « l’âge d’or » de l’art anglais était le seul moyen possible de faire revivre la tradition nationale. Folklore et maîtres anciens, établissant des liens avec la culture musicale européenne moderne - l'interaction de ces tendances dans l'art de Holst et Vaughan Williams a apporté un renouveau tant attendu à la musique anglaise du XXe siècle. Les thèmes, intrigues et images de la prose, de la poésie et du théâtre anglais ont constitué un support important dans l'établissement des idéaux nationaux. Pour les musiciens, les ballades rurales de Robert Burns et les poèmes impies de John Milton, les élégies pastorales de Robert Herrick et les poèmes de John Donne, riches en tension passionnée, acquièrent une sonorité moderne ; William Blake a été redécouvert. Une compréhension toujours plus profonde de la culture nationale est devenue le facteur le plus important la formation et l'épanouissement de l'école anglaise de composition du XXe siècle, la formation de l'idéal esthétique des compositeurs.
Les premiers grands représentants du nouveau renouveau musical anglais furent Hubert Parry (1848-1918) et Charles Stanford (1852-1924). Compositeurs, scientifiques, interprètes, musiciens et enseignants, ils étaient, comme les fondateurs de nombreuses écoles nationales, des personnalités marquantes dont le travail aux multiples facettes visait avec altruisme à créer une nouvelle école nationale de composition, capable de faire revivre la tradition du passé glorieux de la musique anglaise. . Leurs propres activités sociales et créatives servies exemple élevé pour les contemporains et pour les compositeurs anglais des générations ultérieures et plus jeunes.
La formation d’une nouvelle école anglaise de composition a eu lieu pendant le long règne (1837-1901) de la reine Victoria. Durant cette époque, divers domaines de la culture anglaise se sont pleinement développés. La vaste tradition littéraire nationale était particulièrement riche et fructueuse. Si Parry et Stanford sont étroitement liés, relativement parlant, à la période proto-Renaissance de l'époque considérée, alors le nom d'Elgar ouvre la voie. période créative nouveau renouveau.
Comme ses contemporains, l’école de composition anglaise était avant tout confrontée aux problèmes du romantisme musical européen dans son ensemble. Et naturellement, l’art de Wagner est devenu leur priorité. La puissante influence de la musique de Wagner en Angleterre ne peut être comparée qu'à son influence en France à l'époque ou à celle de Haendel en Angleterre au XVIIIe siècle.
Au tournant du siècle déjà, les compositeurs anglais s'efforçaient avec persistance de se soustraire à l'influence des traditions classiques et romantiques allemandes, si profondément enracinées sur le sol anglais. Rappelons que Parry souhaitait créer - contrairement à celui de Mendelssohn - variété nationale oratorio philosophique. Une réalisation majeure fut la trilogie de petites cantates d'Elgar, The Spirit of England (1917).
Le premier véritable compositeur que l’Angleterre ait produit depuis Purcell s’appelle Edward Elgar (1857-1934). Il était très étroitement associé à la culture musicale provinciale anglaise. Aux premiers stades de son vie créative Il a été compositeur et arrangeur pour l'orchestre de sa ville natale de Worcester, a également écrit pour des musiciens de Birmingham et a travaillé pour des chorales locales. Ses premiers chants choraux et cantates s’inscrivent dans la grande tradition chorale anglaise née dans les années 80 et 90. XIXème siècle - c'est-à-dire exactement au moment où Elgar a créé le premier œuvres chorales, - à la phase culminante. L'oratorio d'Elgar, The Dream of Gerontius (1900), qui a rendu célèbre la musique anglaise sur le continent, a été une réalisation si importante pour le compositeur qu'il a généralement supplanté Elijah de Mendelssohn et est devenu le deuxième oratorio préféré du public anglais après les Messies de Haendel.
L'importance d'Elgar pour l'histoire de la musique anglaise est déterminée principalement par deux œuvres : l'oratorio « Le Rêve de Gerontius » (1900, sur le poème de J. Newman) et la symphonique « Variations sur un thème mystérieux » (« Enigma » - variations (Enigma (lat.) - énigme. ), 1899), qui devint le summum du romantisme musical anglais. L'oratorio « Le Rêve de Gerontius » résume non seulement le long développement des genres cantates-oratorio dans l'œuvre d'Elgar lui-même (4 oratorios, 4 cantates, 2 odes), mais à bien des égards tout le cheminement précédent de la musique chorale anglaise. . Une autre caractéristique importante se reflète également dans l'oratorio renaissance nationale- intérêt pour le folklore. Ce n’est pas un hasard si, après avoir écouté « Le Rêve de Gerontius », R. Strauss a porté un toast « à la prospérité et au succès du premier progressiste anglais Edward Elgar, le maître de la jeune école progressiste des compositeurs anglais ». Contrairement à l'oratorio Enigma, les variations ont posé la première pierre des fondements de la symphonie nationale, qui avant Elgar était le domaine le plus vulnérable de la culture musicale anglaise. "Les variations d'Enigma indiquent qu'en la personne d'Elgar le pays a trouvé un compositeur d'orchestre de première grandeur", a écrit l'un des chercheurs anglais. Le « mystère » des variations réside dans le fait que les noms des amis du compositeur y sont cryptés, cachés aux regards et aux regards. chanson du thème faire du vélo. (Tout cela n’est pas sans rappeler les « Sphinx » du « Carnaval » de R. Schumann.) Elgar a également écrit la première symphonie anglaise (1908).
L'œuvre d'Elgar est l'un des phénomènes marquants du romantisme musical. Synthétisant les influences nationales et d'Europe occidentale, principalement austro-allemandes, il présente les traits de directions lyrico-psychologiques et épiques. Le compositeur utilise largement le système de leitmotifs, dans lequel l'influence de R. Wagner et R. Strauss se fait clairement sentir.
L'établissement de nouvelles positions dans la musique anglaise intervient à un moment charnière dans la vie spirituelle de la Grande-Bretagne. Ce furent des années de grandes épreuves et de grands changements. D'abord Guerre mondiale a forcé de nombreux artistes de ce pays, qui se considérait comme un bastion inviolable en Europe, à réagir avec sensibilité à des contradictions d'une ampleur sans précédent réalité environnante. La musique anglaise d’après-guerre est dominée par un besoin centrifuge de regarder le monde avec une vision élargie. La jeune génération entre de manière décisive en contact avec les recherches innovantes des maîtres européens - Stravinsky, Schoenberg. Les origines de "Facade" de William Walton (1902-1983) sont des idées de composition tirées du "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, mais la base du style de l'œuvre est l'anti-romantisme proclamé par Stravinsky et le "Six" français. Constant Lambert (1905-1951) a surpris ses compatriotes en commençant à travailler dans le genre du ballet dès les premiers pas de son parcours créatif, dont les traditions furent interrompues en Angleterre dans la seconde moitié du XVIIIe siècle ; en fait, c'est tout naturellement que le compositeur a été attiré par ce genre qui, en Europe, dans les années 20 du XXe siècle, était devenu un symbole de la quête artistique moderne. Le ballet Roméo et Juliette (1925) de Lambert était une sorte de réponse à Pulcinella de Stravinsky. Parallèlement, avec son autre composition - Elegiac Blues pour petit orchestre (1927) - Lambert répond au jazz qui émerveille les Européens. Alan Bush (1900-1995) a lié ses activités à la position créative d'Eisler et au mouvement ouvrier ; il a non seulement adopté les idées sociopolitiques et philosophiques correspondantes, mais a également développé de manière fructueuse sa technique de composition, en s'appuyant sur l'expérience de la nouvelle école de Vienne. réfracté par Eisler.
Dans la première moitié des années 30, le changement de générations de compositeurs, apparu au cours de la décennie précédente, est enfin déterminé. En 1934, l'Angleterre perdit trois grands maîtres : Elgar, Dilius et Holst. Parmi eux, seul Holst a travaillé activement auparavant derniers jours. Elgar, après une décennie de silence, n’a repris vie pour sa créativité qu’au début des années 30. Parallèlement, frappé d'une grave maladie et de cécité, Dilius, qui vivait en France, s'inspire du succès inattendu de sa musique dans son pays natal, à Londres, où se tient le festival de son auteur en 1929, et dans un élan de avec force, il dicte ses dernières œuvres.
A la fin des années 30, la jeune génération entre dans une époque de maturité créative. Le temps de l’expérimentation est dépassé, les principaux intérêts sont déterminés, la créativité s’engouffre dans le courant dominant des traditions établies, la maîtrise et la rigueur par rapport à ses idées apparaissent. Ainsi, William Walton écrit un oratorio biblique monumental (« Belshazzar’s Feast », 1931) et le fait suivre de grandes œuvres orchestrales (Première Symphonie, 1934 ; Concerto pour violon, 1939). Michael Tippett (né en 1905) rejette ses œuvres antérieures ; Il déclare que de nouvelles œuvres dans le genre de chambre (Première Sonate pour piano, 1937) et des œuvres pour orchestre de concert (Concerto pour orchestre à double cordes, 1939 ; Fantaisie sur un thème de Haendel pour piano et orchestre, 1941) sont le début de son parcours créatif, le premier dont le point culminant fut l'oratorio "Enfant" de notre temps" (1941). Dans ces années-là, Lambert (le masque « The Last Will and Testament of Summer » pour soliste, chœur et orchestre, 1936), Berkeley (Première Symphonie, 1940), Bush (Première Symphonie, 1940) travaillaient sur des compositions à grande échelle dans ces années.
Parmi les nombreuses personnalités artistiques brillantes et originales dont est riche l'école anglaise des compositeurs du XXe siècle, Benjamin Britten se démarque. C'est lui qui était destiné à trouver dans son œuvre une interaction harmonieuse de tendances multidirectionnelles (et pour la génération précédente de compositeurs anglais, presque mutuellement exclusives) - l'incarnation des idées de modernité et la mise en œuvre de l'originalité de l'art national.
ensemble de musique britten vocal
1. Histoire courte Musique anglaise
2. Écoutez de la musique
3. Représentants éminents de la musique anglaise
4. À propos de l'auteur de cet article
Une brève histoire de la musique anglaise
Origines
Les origines de la musique anglaise se trouvent dans la culture musicale des Celtes (peuples qui vivaient au premier millénaire sur le territoire de l'Angleterre et de la France modernes), dont les porteurs étaient notamment des bardes (chanteurs-conteurs de l'ancien celtique tribus). Parmi les genres instrumentaux figurent les danses : gigue, country dance, hornpipe.
6ème - 7ème siècles
A la fin du 6ème siècle. - début du 7ème siècle La musique chorale d'église se développe, à laquelle est associée la formation de l'art professionnel.
XIe - XIVe siècles
Aux XIe-XIVe siècles. Diffusion musicale art poétique ménestrels. Ménestrel - au Moyen Âge, musicien et poète professionnel, parfois conteur, qui servait un seigneur féodal. Dans la 2ème moitié du 14ème siècle. la laïcité se développe art musical, des chapelles de cour vocales et instrumentales sont créées. Dans la première moitié du XVe siècle. l'école anglaise des polyphonistes, dirigée par John Dunstable, émerge
16e siècle
Compositeurs du 16ème siècle
K. Tai
D. Taverner
T. Tallis
D.Dowland
D. Bull
La cour royale est devenue le centre de la musique profane.
17ème siècle
Au début du 17ème siècle. Le théâtre musical anglais est formé, remontant ses origines aux mystères (musicalement - genre dramatique Moyen-âge).
XVIIIe-XIXe siècles
XVIIIe-XIXe siècles – crise de la musique nationale anglaise.
Les influences étrangères pénètrent la culture musicale nationale, l'opéra italien conquiert le public anglais.
D'éminents musiciens étrangers ont travaillé en Angleterre : G. F. Handel, I. K. Bach, J. Haydn (visité 2 fois).
Au XIXe siècle, Londres devient l'un des centres de la vie musicale européenne. Les personnes suivantes ont visité ici : F. Chopin, F. Liszt, N. Paganini, G. Berlioz, G. Wagner, G. Verdi, A. Dvorak, P. I. Tchaïkovski, A. K. Glazunov et d'autres. Le Théâtre Covent a été créé -Garden (. 1732), Royal Academy of Music (1822), Academy of Ancient Music (1770, première société de concert à Londres)
Le tournant des XIXe et XXe siècles.
Les soi-disant anglais renaissance musicale, c'est-à-dire un mouvement de renaissance des traditions musicales nationales, manifesté par un appel au folklore musical anglais et aux réalisations des maîtres du XVIIe siècle. Ces tendances caractérisent le travail de la nouvelle école anglaise de composition ; ses représentants éminents sont les compositeurs E. Elgar, H. Parry, F. Dilius, G. Holst, R. Vaughan Williams, J. Ireland, F. Bridge.
Vous pouvez écouter de la musique
1. Purcell (Giga)2. Purcell (Prélude)
3.Purcell (L'Aria de Didonna)
4.Pierre roulante dans "Les Rolling Stones" (Kerol)
5. Beatles "Les Beatles" hier
Représentants éminents de la musique anglaise
G. Purcell(1659-1695) G. Purcell - le plus grand compositeur le dix-septième siècle.
À l'âge de 11 ans, Purcell écrit sa première ode dédiée à Charles II. À partir de 1675, les œuvres vocales de Purcell furent régulièrement publiées dans diverses collections de musique anglaise. 
Depuis la fin des années 1670. Purcell est le musicien de la cour des Stuart. années 1680 - l'apogée de la créativité de Purcell. Il a travaillé avec autant de succès dans tous les genres : fantastique pour instruments à cordes, musique pour le théâtre, odes - chants de bienvenue, recueil de chansons de Purcell "British Orpheus". Beaucoup de mélodies de ses chansons, proches des airs folkloriques, ont gagné en popularité et ont été chantées du vivant de Purcell.
En 1683 et 1687 Des recueils en trio ont été publiés - sonates pour violons et basse. L’utilisation d’œuvres pour violon fut une innovation qui enrichit la musique instrumentale anglaise.
Le summum de l'œuvre de Purcell est l'opéra « Didon et Enée » (1689), le premier opéra national anglais (basé sur « l'Énéide » de Virgile). C’est le plus grand phénomène de l’histoire de la musique anglaise. Son intrigue est retravaillée dans l'esprit de l'anglais poésie populaire– l'opéra se distingue par l'unité étroite de la musique et du texte. Le monde riche d'images et de sentiments de Purcell trouve une expression variée - du psychologiquement profond au grossièrement provocateur, du tragique à l'humour. Cependant, l’ambiance dominante de sa musique est le lyrisme émouvant.
La plupart de ses créations furent vite oubliées et les œuvres de Purcell ne devinrent célèbres que dans le dernier tiers du XIXe siècle. En 1876 La Purcell Society est organisée. L'intérêt pour son travail s'est accru en Grande-Bretagne grâce aux activités de B. Britten.
BE Britten (1913 - 1976)
L'un des plus grands maîtres de la musique anglaise du XXe siècle - Benjamin Britten - compositeur, pianiste et chef d'orchestre. Il a commencé à composer de la musique à l'âge de 8 ans. Depuis 1929, il étudie au Royal College of Music de Londres. Déjà dans ses œuvres de jeunesse, son don mélodique original, son imagination et son humour étaient évidents. Dans ses premières années, les œuvres vocales et chorales solistes occupaient une place importante dans l'œuvre de Britten. Le style individuel de Britten est associé à la tradition nationale anglaise (l'étude de l'héritage créatif de Purcell et d'autres compositeurs anglais des XVIe et XVIIe siècles). Parmi les meilleures œuvres de Britten, reconnues en Angleterre et dans d'autres pays, figurent les opéras Peter Grimes, A Midsummer Night's Dream et d'autres. Britten y apparaît comme un dramaturge musical subtil – un innovateur. « War Requiem » (1962) est une œuvre tragique et courageuse consacrée aux problèmes modernes urgents, condamnant le militarisme et appelant à la paix. Britten effectue une tournée en URSS en 1963, 1964 et 1971.
Groupes musicaux du 20ème siècle
"Pierres qui roulent"
Au printemps 1962, le guitariste Brian Jones organise un groupe nommé les Rolling Stones. Les Rolling Stones étaient composés de Mick Jagger (chant), 
Brian Jones et Keith Richards (guitares), Bill Wyman (basse - guitare) et Charlie Watts (batterie).
Ce groupe a apporté sur la scène britannique une musique dure et énergique, un style de performance agressif et un comportement détendu. Ils négligeaient les costumes de scène et portaient les cheveux longs.
Contrairement aux Beatles (qui suscitaient la sympathie), les Rolling Stones sont devenus l'incarnation des ennemis de la société, ce qui leur a permis d'acquérir une popularité durable auprès des jeunes.
"Les Beatles"
En 1956, un quatuor vocal et instrumental est créé à Liverpool. Le groupe était composé de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison (guitares), Ringo Starr (batterie).
L'équipe a gagné en popularité en interprétant des chansons dans le style « big beat », et à partir du milieu des années 60, les chansons des Beatles sont devenues plus complexes. 
Ils ont eu l'honneur de se produire dans le palais devant la reine.
À propos de l'auteur de cet article
Dans mon travail, j'ai utilisé la littérature suivante :
- Dictionnaire encyclopédique musical. Ch. éd. R.V. Keldysh. 1990
- Revue « Student Meridian », 1991 Numéro spécial
- Encyclopédie musicale, Ch. Éd. Yu.V.Keldysh. 1978
- Encyclopédie moderne « Avanta plus » et « Musique de nos jours », 2002 Ch. éd. V. Volodine.
Charles Ives La « découverte » d'Ives n'a eu lieu qu'à la fin des années 30, lorsqu'il s'est avéré que de nombreuses méthodes (et très différentes) d'écriture musicale moderne avaient déjà été testées par le compositeur américain d'origine à l'époque de A. Scriabine, C. Debussy. et G. Mahler. Au moment où Ives est devenu célèbre, il n'avait pas composé de musique depuis de nombreuses années et, gravement malade, avait rompu ses liens avec le monde extérieur.
Par la suite, dans les années 20, s'éloignant de la musique, Ives devient un homme d'affaires prospère et un éminent spécialiste des assurances (auteur d'ouvrages populaires). La plupart des œuvres d'Ives appartiennent aux genres de la musique orchestrale et de chambre. Il est l'auteur de cinq symphonies, ouvertures, œuvres à programme pour orchestre (Trois Villages en Nouvelle-Angleterre, Central Park in the Dark), deux quatuors à cordes, cinq sonates pour violon, deux pour piano, des pièces pour orgue, chœurs et plus de 100 Chansons. Symphonie n° 1 je. Allegro Réj. ii. Grand ii. Adagio molto iii. Scherzo : Vivace iv. Allegro molto i. Allegro Ray. II. Grand II. Adagio malto III. Scherzo : Vivace par voie intraveineuse Allegro malto
Dans la Deuxième Sonate pour piano (), le compositeur rend hommage à ses prédécesseurs spirituels. Chacune de ses parties représente le portrait d'un des philosophes américains : R. Emerson, N. Hawthorne, G. Topo ; la sonate entière porte le nom du lieu où vécurent ces philosophes (Concord, Massachusetts). Leurs idées ont constitué la base de la vision du monde d'Ives (par exemple, l'idée de fusionner la vie humaine avec la vie de la nature). 2 pour piano : Concord, Mass., i. Emerson II. Aubépine III. Les Alcott iv. Thoreau Sonate 2 pour piano :. Concord, Massachusetts, je. Emerson II. Aubépine III. Alcotts IV Toro
Edward William Elgar E. Elgar le plus grand compositeur anglais tournant du XIX-XX Après avoir reçu ses premières leçons de musique auprès de son père, organiste et propriétaire d'un magasin de musique, Elgar s'est développé de manière indépendante, apprenant les bases du métier dans la pratique. Ce n'est qu'en 1882 que le compositeur réussit les examens d'étudiant externe à la Royal Academy of Music de Londres en classe de violon et dans les matières théoriques musicales. Déjà dans son enfance, il maîtrisait le jeu de nombreux instruments - violon, piano, et en 1885, il remplaça son père comme organiste d'église. En 1873, Elgar commença sa carrière professionnelle en tant que violoniste au Worcester Glee Club (société chorale) et à partir de 1882. dans sa ville natale en tant qu'accompagnateur et chef d'orchestre amateur.
L'importance d'Elgar pour l'histoire de la musique anglaise est déterminée principalement par deux œuvres : l'oratorio « Le Rêve de Gerontius » (1900, sur le poème de J. Newman) et la symphonique « Variations sur un thème mystérieux », qui est devenue le summum de la musique anglaise. le romantisme. Le « mystère » des variations réside dans le fait que les noms des amis du compositeur y sont cryptés et que le thème musical du cycle est caché à la vue. (Tout cela n’est pas sans rappeler les « Sphinx » du « Carnaval » de R. Schumann.) Elgar a également écrit la première symphonie anglaise (1908). Parmi les nombreuses autres œuvres orchestrales du compositeur (ouvertures, suites, concertos, etc.), le Concerto pour violon (1910) s'impose comme l'une des œuvres les plus populaires de ce genre. Le rêve de Gérontius
La musique d'Elgar est mélodiquement charmante, colorée, a une caractéristique brillante et, dans les œuvres symphoniques, elle attire la maîtrise orchestrale, la subtilité de l'instrumentation et la manifestation d'une pensée romantique. Au début du 20e siècle. Elgar a acquis une renommée européenne. Terre d'espoir et de gloire
Ralph Vaughan-Williams Compositeur anglais, organiste et activiste musical et social, collectionneur et chercheur d'anglais folklore musical. Il a étudié au Trinity College de l'Université de Cambridge avec C. Wood et au Royal College of Music de Londres () avec H. Parry et C. Stanford (composition), W. Parrett (orgue) ; amélioré en composition avec M. Bruch à Berlin, avec M. Ravel à Paris. Organiste de la South Lambeth Church, Londres. Depuis 1904, membre de la Folk Song Society. À partir de 1919, il enseigne la composition au Royal College of Music (à partir de 1921, professeur). Le directeur du Chœur Bach.
Les œuvres symphoniques de Vaughan-Williams se distinguent par leur drame (4e symphonie), leur clarté mélodique, leur maîtrise de la production vocale et leur orchestration inventive, dans laquelle se fait sentir l'influence des impressionnistes. Parmi les œuvres monumentales vocales, symphoniques et chorales figurent des oratorios et des cantates destinés à représentation à l'église. Parmi les opéras, le plus réussi est « Sir John in Love » (1929, basé sur « Les potins de Windsor » de W. Shakespeare). Vaughan Williams a été l'un des premiers compositeurs anglais à travailler activement au cinéma (sa 7e symphonie a été écrite sur la base de la musique du film sur l'explorateur polaire R. F. Scott). Vaughan Williams Symphonie 4.
Elle a commencé à apprendre le piano à l’âge de 5 ans et, à 8 ans, elle jouait par cœur presque toutes les œuvres de Beethoven. À l'âge de 20 ans, le nombre de ses concerts atteignait 100 par an. «Quand je m'écoute jouer, j'ai l'impression d'être présent à propres funérailles", cette phrase semblait prophétique, car en 1960, à cause d'une crise cardiaque lors d'un concert, elle activité musicale arrêté. Elle a composé plusieurs de ses propres œuvres (« Sonate de Julia Hess », « Farewell »). Style : musique classique. Pendant les guerres, elle a donné des concerts dans le monde entier, pour lesquels elle a été appréciée et laisse encore de nombreuses personnes se souvenir d'elle.
Pianiste de jazz américain, chef d'orchestre, auteur-compositeur, jazzman, flûtiste, acteur et compositeur, lauréat de 14 Grammy Awards et l'un des musiciens de jazz les plus influents. La musique de Hancock combine des éléments de rock avec des éléments freestyle du jazz. Hancock est ambassadeur Bonne volonté UNESCO, ainsi que président du Thelonious Monk Jazz Institute. On dit de Herbie : « Le génie de la pure simplicité ».
Chanteur, musicien, pianiste, arrangeur, compositeur, harmoniciste. Il était aveugle depuis l'enfance, mais cela ne l'a pas empêché de devenir un brillant pianiste à l'âge de 8 ans. « Il voit parce qu’il ressent », disaient ses parents. Wonder aime utiliser beaucoup d'accords complexes dans ses compositions. Le président américain Barack Obama est un fan de longue date de la musique de Stevie Wonder. Son nom dans les pays anglophones est devenu un nom commun pour les aveugles.
Le guitariste noir Chuck Berry, à l'origine du rock and roll, a eu une telle influence sur cette musique qu'il est tout simplement impossible d'imaginer ce style sans lui. Il a composé de nombreuses chansons entraînantes qui sont devenues des exemples de rock and roll, et a inventé de nombreux trucs que les guitaristes répètent encore sur scène. La déclaration de John Lennon est très symptomatique : « Si le terme « rock and roll » n’existait pas, il faudrait appeler cette musique « Chuck Berry » « Chuck Berry ». Musicien américain Chuck Berry Chuck Berry 1926) (1926)
Bob Dylan est généralement appelé « la révélation de l’Amérique » et en ce sens, son travail est à l’opposé de celui des pop stars qui maîtrisent l’allégorie. On sait que les chansons, comme un miroir, reflètent leur auteur avec toutes ses actions et aspirations. Les chansons de Dylan se caractérisent par une certaine délibération et originalité, mettant l'accent sur l'indépendance de jugement. Même dans ses premières années de créativité, il rejetait toute opinion extérieure sur la façon de chanter et d’écrire de la musique. chanteuse américaine et compositeur Bob Dylan Chanteur et compositeur américain Bob Dylan (1941) (1941)
L’expression « King of Rock and Roll » est associée à Elvis Presley. Il est classé troisième parmi les plus grands interprètes de tous les temps et parmi les plus grands chanteurs par le magazine Rolling Stone. Au cours de sa carrière, Elvis Presley a remporté trois Grammy Awards (1967, 1972, 1975) et a été nominé 14 fois. En janvier 1971, le chanteur a reçu le Jaycee Award - comme l'une des « dix personnes exceptionnelles de l'année » du chanteur de rock américain Elvis Presley ()
Groupe de rock britannique de Liverpool, fondé en 1960, avec John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr. Le célèbre groupe de Liverpool a remporté de nombreux succès qui sont encore étonnants aujourd'hui et que les artistes modernes tentent de répéter. La plus grande réussite des Beatles est que leur "A Day In The Life" soit le plus meilleure chanson En Grande-Bretagne, l'album « Revolver » (1966) a été reconnu comme le meilleur album de l'histoire du rock and roll, et une chanson triste intitulée « Yesterday » a été interprétée plus de sept millions de fois au cours du siècle dernier. Et ce ne sont pas toutes les réalisations des Beatles !
Ses succès dans le domaine musical sont impressionnants. Aujourd'hui, le chanteur a reçu 34 disques « d'or » et 21 disques « de platine ». Au cours de sa carrière, elle a reçu deux prix GRAMMY. Depuis 1964, plus de 60 millions de ses disques ont été vendus dans le monde... Son succès dans le domaine musical est impressionnant. Aujourd'hui, le chanteur a reçu 34 disques « d'or » et 21 disques « de platine ». Au cours de sa carrière, elle a reçu deux prix GRAMMY. Depuis 1964, plus de 60 millions de ses disques ont été vendus dans le monde... En 1992, sortent les quatre CD de Barbra Streisand, Just for the Chronicle, qui constituent une illustration sonore de sa carrière, à commencer par son premier enregistrement sonore en 1955. Les disques contiennent des enregistrements des premières émissions de télévision de Barbra Streisand, des discours d'acceptation des récompenses et des chansons inédites. En 1992, les quatre CD de Barbra Streisand, Just to Record, sont sortis, offrant un instantané sonore de sa carrière depuis son premier enregistrement en 1955. Les disques contiennent des enregistrements des premières émissions de télévision de Barbra Streisand, des discours d'acceptation des récompenses et des chansons inédites. « Vous devez vivre sans subordonner votre vie aux opinions des autres », résume Barbra son expérience de vie. C’est la seule manière pour que tu ne te changes pas. « Vous devez vivre sans subordonner votre vie aux opinions des autres », résume Barbra son expérience de vie. C’est la seule manière pour que tu ne te changes pas. Chanteuse, compositrice, réalisatrice, scénariste, actrice américaine (1942)
Groupe de rock britannique formé en 1964. La formation originale était composée de Pete Townshend, Roger Daltrey, John Entwistle et Keith Moon. Le groupe a connu un énorme succès grâce à ses performances live extraordinaires et est considéré à la fois comme l'un des groupes les plus influents des années 60 et 70, ainsi que comme l'un des plus grands groupes de rock de tous les temps. Les Who sont devenus célèbres dans leur pays d'origine à la fois grâce à la technique innovante consistant à briser les instruments sur scène après une représentation et grâce à leurs singles à succès. Les Who 1964
Le concept de « compositeur » est apparu pour la première fois au XVIe siècle en Italie, et depuis lors, il est utilisé pour désigner une personne qui compose de la musique.
Compositeurs du 19ème siècle
Dans la Vienne du XIXe siècle école de musique représenté par un compositeur aussi remarquable que Franz Peter Schubert. Il perpétue les traditions du romantisme et influence toute une génération de compositeurs. Schubert a créé plus de 600 romances allemandes, portant le genre à un nouveau niveau.
Franz Peter Schubert
Un autre Autrichien, Johann Strauss, est devenu célèbre pour ses opérettes et musique légère formes de danse. C'est lui qui a le plus fait la valse danse populaireà Vienne, où se déroulent encore les bals. De plus, son héritage comprend des polkas, des quadrilles, des ballets et des opérettes.
Johann Strauss
L’Allemand Richard Wagner était un représentant éminent du modernisme musical de la fin du XIXe siècle. Ses opéras n'ont pas perdu de leur pertinence et de leur popularité à ce jour.
Giuseppe Verdi
On peut opposer Wagner à une figure majestueuse Compositeur italien Giuseppe Verdi, qui est resté fidèle aux traditions lyriques et a donné un nouveau souffle à l'opéra italien.
Pierre Ilitch Tchaïkovski
Parmi les compositeurs russes du XIXe siècle, le nom de Piotr Ilitch Tchaïkovski se démarque. Il se caractérise par un style unique qui combine les traditions symphoniques européennes avec l'héritage russe de Glinka.
Compositeurs du 20e siècle
Sergueï Vassilievitch Rahmaninov
Sergei Vasilyevich Rachmaninov est à juste titre considéré comme l'un des compositeurs les plus brillants de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Son style musical était basé sur les traditions du romantisme et existait parallèlement aux mouvements d'avant-garde. C'est pour son individualité et son manque d'analogues que son travail a été très apprécié par les critiques du monde entier.
Igor Fedorovitch Stravinsky
Le deuxième compositeur le plus célèbre du XXe siècle est Igor Fedorovich Stravinsky. Russe d'origine, il émigre en France puis aux USA, où il montre pleinement son talent. Stravinsky est un innovateur qui n’a pas peur d’expérimenter les rythmes et les styles. Son travail montre l'influence des traditions russes, des éléments de divers mouvements d'avant-garde et un style individuel unique, pour lequel il est surnommé « Picasso en musique ».