Depuis l’Antiquité, l’art japonais se caractérise par une créativité active. Malgré leur dépendance à l'égard de la Chine, où de nouvelles tendances artistiques et esthétiques émergent constamment, les artistes japonais introduisent toujours de nouvelles caractéristiques et modifient l'art de leurs professeurs, lui donnant un aspect japonais.

L'histoire du Japon en tant que telle ne commence à prendre certaines formes qu'à la fin du Ve siècle. Relativement peu d'objets datant des siècles précédents (période archaïque) ont été découverts, même si certaines découvertes faites lors de fouilles ou lors de travaux de construction témoignent d'un talent artistique remarquable.

Période archaïque.

Les œuvres d'art japonaises les plus anciennes sont des pots en argile de type jomon (impression de corde). Le nom vient de la décoration de la surface avec des impressions en spirale de corde enroulée autour des bâtons que l'artisan utilisait pour fabriquer le récipient. Peut-être qu'au début les artisans ont découvert accidentellement les imprimés tressés, mais ils ont ensuite commencé à les utiliser délibérément. Parfois, des boucles d'argile ressemblant à des cordons étaient collées à la surface, créant un effet plus complexe. effet décoratif, presque un soulagement. La première sculpture japonaise est née dans la culture Jomon. Dogu (lit. « image d'argile ») d'une personne ou d'un animal avait probablement une signification religieuse. Les images de personnes, principalement de femmes, sont très similaires aux déesses d'argile d'autres cultures primitives.

La datation au radiocarbone suggère que certaines découvertes de la culture Jomon peuvent remonter à 6 à 5 000 avant JC, mais une datation aussi précoce n'est généralement pas acceptée. Bien entendu, ces plats ont été élaborés sur une longue période et, bien que la datation exacte ne puisse pas encore être établie, trois périodes peuvent être distinguées. Les exemplaires les plus anciens ont une base pointue et sont presque dépourvus d'ornements, à l'exception des traces d'un outil de potier. Les vases de la période moyenne sont plus richement ornés, parfois avec des éléments moulurés, créant une impression de volume. Les formes des récipients de la troisième période sont très diverses, mais le décor s'aplatit à nouveau et devient plus sobre.

Vers le IIe siècle. Colombie-Britannique La céramique Jomon a cédé la place à la céramique Yayoi, caractérisée par des formes gracieuses, une simplicité de conception et une haute qualité technique. Le tesson de vase est devenu plus mince et l'ornement moins sophistiqué. Ce type a prévalu jusqu'au IIIe siècle. ANNONCE

D'un point de vue artistique, les meilleures œuvres de la première période sont peut-être les haniwa, cylindres d'argile datant du IIIe au Ve siècle. ANNONCE Les monuments caractéristiques de cette époque sont d’immenses collines, ou monticules, structures funéraires des empereurs et de la puissante noblesse. Souvent très grande taille, ils témoignent de la puissance et de la richesse de la famille impériale et des courtisans. La construction d'une telle structure pour l'empereur Nintoku-tenno (vers 395-427 après JC) a duré 40 ans. La caractéristique la plus remarquable de ces monticules était les cylindres d'argile, haniwa, qui les entouraient comme une clôture. Habituellement, ces cylindres étaient tout à fait simples, mais parfois ils étaient décorés de figures humaines, moins souvent de figurines de chevaux, de maisons ou de coqs. Leur objectif était double : empêcher l’érosion d’immenses masses de terres et fournir au défunt les nécessités dont il avait besoin dans la vie terrestre. Naturellement, les cylindres ont été fabriqués immédiatement en grandes quantités. La variété des thèmes, des expressions faciales et des gestes des personnages qui les décorent est en grande partie le résultat de l’improvisation du maître. Bien qu'il s'agisse plus probablement d'œuvres d'artisans que d'artistes et de sculpteurs, elles ont grande valeur comme une véritable forme d’art japonais. Les bâtiments, les chevaux recouverts de couvertures, les dames distinguées et les guerriers présentent une image intéressante de la vie militaire du Japon féodal primitif. Il est possible que les prototypes de ces cylindres soient apparus en Chine, où divers objets étaient placés directement dans les sépultures, mais l'exécution et la méthode d'utilisation du haniwa appartiennent à la tradition locale.

La période archaïque est souvent considérée comme une époque dépourvue d’œuvres de haut niveau artistique, une époque de domination de choses de valeur principalement archéologique et ethnologique. Il convient toutefois de rappeler que les travaux de ce culture ancienne avaient généralement une grande vitalité, puisque leurs formes ont survécu et ont continué à exister en tant que caractéristiques nationales spécifiques de l'art japonais dans les périodes ultérieures.

Période Asuka

(552-710 après JC). Introduction du bouddhisme au milieu du VIe siècle. a apporté des changements importants dans le mode de vie et la pensée des Japonais et est devenu un moteur pour le développement de l'art de cette période et des suivantes. L’arrivée du bouddhisme de Chine via la Corée est traditionnellement datée de 552 après JC, mais elle était probablement connue plus tôt. Dans les premières années, le bouddhisme a été confronté à une opposition politique, notamment à l'opposition à la religion nationale shintoïste, mais quelques décennies plus tard, la nouvelle foi a été adoptée. approbation officielle et fut finalement établi. Dans les premières années de son introduction au Japon, le bouddhisme était une religion relativement simple avec un petit nombre de divinités nécessitant des images, mais après environ cent ans, il a gagné en force et le panthéon s'est énormément développé.
Au cours de cette période, des temples ont été fondés, qui servaient non seulement à propager la foi, mais étaient également des centres d'art et d'éducation. Le temple-monastère d'Horyuji est l'un des plus importants pour l'étude des premiers arts bouddhistes. Entre autres trésors, on y trouve une statue de la grande triade Syaka-Nerai (623 après JC). Cette œuvre de Tori Bussi, le premier grand sculpteur japonais que nous connaissons, est une image stylisée en bronze semblable à des groupes similaires en grand temples rupestres Chine. La pose de Shaky assis (transcription japonaise du mot « Shakyamuni », le Bouddha historique) et des deux personnages debout de part et d'autre de lui est strictement frontale. Les formes de la figure humaine sont cachées par de lourds plis symétriques de vêtements schématisés, et dans les visages lisses et allongés, on peut ressentir une immersion et une contemplation rêveuses. La sculpture de cette première période bouddhiste est basée sur le style et les prototypes du continent cinquante ans plus tôt ; il suit fidèlement la tradition chinoise arrivée au Japon via la Corée.

Certaines des sculptures les plus importantes de cette époque étaient en bronze, mais le bois était également utilisé. Les deux sculptures en bois les plus célèbres sont celles de la déesse Kannon : Yumedono Kannon et Kudara Kannon, toutes deux en Horyuji. Ils constituent un objet de culte plus attrayant que la triade Shaki, avec leurs sourires archaïques et leurs expressions rêveuses. Bien que les personnages de Kannon présentent également une disposition schématique et symétrique des plis des vêtements, ils sont plus légers et pleins de mouvement. Les figures hautes et élancées soulignent la spiritualité des visages, leur gentillesse abstraite, éloignés de toutes les préoccupations du monde, mais sensibles aux prières des souffrants. Le sculpteur a prêté une certaine attention aux contours de la figure de Kudara Kannon, cachés par les plis des vêtements, et contrairement à la silhouette déchiquetée de Yumedono, le mouvement de la figure et du tissu est dirigé vers la profondeur. De profil, Kudara Kannon a un contour gracieux en forme de S.

Le seul exemple survivant de peinture qui donne une idée du style du début du VIIe siècle est la peinture de Tamamushi Zushi, le « sanctuaire ailé ». Ce sanctuaire miniature tire son nom des ailes irisées du scarabée placées dans un cadre en métal perforé ; plus tard, il fut décoré de compositions religieuses et de figures de personnages individuels réalisées avec du vernis coloré. À l’instar de la sculpture de cette période, certaines images témoignent d’une grande liberté de conception.

Période Nara

(710-784). En 710, la capitale fut transférée à Nara, nouvelle ville, sur le modèle de la capitale chinoise Chang'an. Il y avait de larges rues, de grands palais et de nombreux temples bouddhistes. Non seulement le bouddhisme sous tous ses aspects, mais toute la vie culturelle et politique chinoise était perçu comme un modèle à suivre. Aucun autre pays ne s’est peut-être senti plus inadapté à sa propre culture ni aussi sensible aux influences extérieures. Les érudits et les pèlerins se déplaçaient librement entre le Japon et le continent, et la vie du gouvernement et du palais était calquée sur la Chine de la dynastie Tang. Cependant, nous devons nous rappeler que, bien qu'ils aient imité les exemples de la Chine Tang, notamment dans l'art, percevant son influence et son style, les Japonais ont presque toujours adapté les formes étrangères aux leurs.

En sculpture, la stricte frontalité et la symétrie de la période Asuka précédente ont cédé la place à des formes plus libres. Le développement d'idées sur les dieux, l'augmentation des compétences techniques et la liberté d'utilisation du matériel ont permis aux artistes de créer des images cultes plus intimes et accessibles. La fondation de nouvelles sectes bouddhistes a élargi le panthéon pour inclure même les saints et les fondateurs du bouddhisme. Outre la sculpture en bronze, un grand nombre d'œuvres en bois, en argile et en vernis sont connues. La pierre était rare et presque jamais utilisée pour la sculpture. Le vernis sec était particulièrement populaire, peut-être parce que, malgré la complexité du processus de préparation de la composition, les œuvres réalisées à partir de celui-ci semblaient plus impressionnantes que celles en bois et étaient plus résistantes que les produits en argile plus faciles à réaliser. Les figures en laque étaient formées sur un support en bois ou en argile, qui était ensuite retiré, ou sur un renfort en bois ou en fil de fer ; ils étaient légers et durables. Malgré le fait que cette technique imposait une certaine rigidité dans les poses, une grande liberté était laissée dans la représentation des visages, ce qui contribua en partie au développement de ce que l'on peut appeler la sculpture du portrait proprement dit. La représentation du visage de la divinité a été réalisée conformément aux exigences strictes des canons bouddhistes, mais la popularité et même la déification de certains des fondateurs et prédicateurs de la foi ont fourni d'excellentes opportunités pour transmettre une ressemblance avec un portrait. Cette similitude se retrouve dans la sculpture réalisée en vernis sec du patriarche chinois Genjin, vénéré au Japon, située dans le temple Toshodaiji. Genjin était aveugle à son arrivée au Japon en 753, et ses yeux aveugles et son état éclairé de contemplation intérieure sont magnifiquement capturés par le sculpteur inconnu. Cette tendance réaliste s'exprime le plus clairement dans la sculpture en bois du prédicateur Kuya, réalisée par le sculpteur Kosho aux XIIIe et XIVe siècles. Le prédicateur est habillé en mendiant errant avec un bâton, un gong et un maillet, et de petites figures de Bouddha sortent de sa bouche entrouverte. Non satisfait de l'image du moine chanteur, le sculpteur s'efforce d'exprimer le sens le plus intime de ses paroles.
Les images de Bouddha de la période Nara se distinguent également par un grand réalisme. Créés pour un nombre toujours croissant de temples, ils ne sont pas aussi imperturbablement froids et réservés que leurs prédécesseurs, ont une beauté et une noblesse plus gracieuses et s'adressent avec plus de faveur aux personnes qui les adorent.

Très peu de tableaux de cette époque ont survécu. Le dessin multicolore sur papier représente les vies passées et présentes du Bouddha. C’est l’un des rares exemples anciens d’emakimono, ou peinture sur rouleau. Les rouleaux se déroulaient lentement de droite à gauche et le spectateur ne pouvait profiter que de la partie de l'image située entre les mains déroulant le rouleau. Les illustrations étaient placées directement au-dessus du texte, contrairement aux parchemins ultérieurs où une section de texte alternait avec une image explicative. Dans ces exemples les plus anciens de peintures sur rouleaux, les personnages décrits sont placés dans un paysage à peine dessiné, le personnage central, dans ce cas Shaka, apparaissant dans diverses scènes.

Début Heian

(784-897). En 784, la capitale fut temporairement déplacée à Nagaoka, en partie pour éviter la domination du clergé bouddhiste de Nara. En 794, elle s'installe à Heian (aujourd'hui Kyoto) pour une période plus longue. Fin du VIIIe et du IXe siècle C'est une période où le Japon a réussi à assimiler, en s'adaptant à ses propres caractéristiques, de nombreuses innovations étrangères. La religion bouddhiste a également connu une époque de changement, avec l'émergence de nouvelles sectes du bouddhisme ésotérique, avec son rituel et son étiquette développés. Parmi celles-ci, les plus influentes étaient les sectes Tendai et Shingon, originaires de l'Inde, arrivées en Chine et de là introduites au Japon par deux scientifiques qui retournèrent dans leur pays après un long apprentissage. La secte Shingon (« Mots vrais ») était particulièrement populaire à la cour et a rapidement pris une position dominante. Ses principaux monastères étaient situés sur le mont Koya, près de Kyoto ; comme d’autres centres bouddhistes importants, ils sont devenus les dépositaires d’immenses collections d’art.

sculpture du 9ème siècle était principalement en bois. Les images de divinités se distinguaient par leur sévérité et leur grandeur inaccessible, soulignées par la solennité de leur apparence et de leur massivité. Les draperies étaient habilement découpées selon des motifs standards et les foulards étaient disposés en vagues. La figure debout de Shaka du temple Muroji est un exemple de ce style. Pour cela et des images similaires du 9ème siècle. caractérisé par des sculptures rigides avec des plis plus profonds et nets et d'autres détails.

L'augmentation du nombre de dieux créait de grandes difficultés pour les artistes. Dans des mandalas complexes ressemblant à des cartes (dessins géométriques aux significations magiques), les divinités étaient disposées en hiérarchie autour du Bouddha central, qui n'était lui-même qu'une manifestation de l'absolu. A cette époque, apparaît une nouvelle manière de représenter les figures de divinités gardiennes entourées de flammes, terribles en apparence, mais de nature bienfaisante. Ces divinités étaient situées de manière asymétrique et étaient représentées dans des poses mobiles, avec des traits du visage redoutables, défendant farouchement la foi contre d'éventuels dangers.

Période Heian moyenne et tardive ou Fujiwara

(898-1185). Le transfert de la capitale à Heian, destiné à éluder les exigences difficiles du clergé, a également provoqué des changements dans le système politique. La noblesse était une force dominante et ses représentants les plus représentatifs étaient la famille Fujiwara. Période 10-12 siècles. souvent associé à ce nom. Une période de pouvoir spécial commença lorsqu’il fut « fortement conseillé » aux véritables empereurs de laisser de côté les affaires de l’État pour se consacrer aux activités plus agréables de la poésie et de la peinture. Jusqu'à sa majorité, l'empereur était dirigé par un régent strict, généralement issu de la famille Fujiwara. C'était une époque de luxe et de réalisations remarquables dans les domaines de la littérature, de la calligraphie et de l'art ; Il y avait une langueur et une émotivité partout, qui atteignaient rarement de la profondeur, mais dans l'ensemble étaient charmantes. La sophistication élégante et l’évasion se reflétaient dans l’art de cette époque. Même les adeptes du bouddhisme recherchaient des moyens plus faciles et le culte du Bouddha céleste Amida devint particulièrement populaire. Les idées sur la compassion et la grâce salvatrice du Bouddha Amida se reflétaient profondément dans la peinture et la sculpture de cette période. La massivité et la retenue des statues du IXe siècle. aux Xe-XIe siècles. a laissé place au bonheur et au charme. Les divinités sont représentées comme rêveuses, pensivement calmes, la sculpture devient moins profonde, la surface devient plus colorée, avec une texture richement développée. Les monuments les plus importants de cette période appartiennent au sculpteur Jocho.
Les œuvres des artistes ont également acquis des traits plus doux, rappelant les dessins sur tissu, et même les terribles divinités - défenseurs de la foi - sont devenues moins effrayantes. Les Sutras (textes bouddhistes) étaient écrits en or et en argent sur du papier profond ton bleu, la belle calligraphie du texte était souvent précédée d'une petite illustration. Les courants les plus populaires du bouddhisme et leurs divinités associées reflètent les préférences de l’aristocratie et un éloignement progressif des idéaux austères du bouddhisme primitif.

L'atmosphère de cette époque et ses œuvres sont en partie liées à la cessation des relations formelles avec la Chine en 894. Le bouddhisme en Chine à cette époque était persécuté et la cour corrompue des Tang était en déclin. L'existence insulaire isolée qui a suivi cette séparation a encouragé les Japonais à se tourner vers leur propre culture et à développer un nouveau style japonais plus pur. En effet, peinture profane des Xe-XIIe siècles. était presque entièrement japonais - tant dans la technique que dans la composition et les sujets. Particularité Ces rouleaux japonais, appelés Yamato-e, étaient dominés par des sujets engi (origine, histoire). Alors que les rouleaux chinois représentaient le plus souvent une nature vaste et étonnante, des panoramas de montagnes, de ruisseaux, de rochers et d'arbres, et que les gens semblaient relativement insignifiants, sur les rouleaux narratifs japonais, l'élément principal du dessin et du texte était la personne. Le paysage ne jouait que le rôle d'un arrière-plan pour l'histoire racontée, subordonné au ou aux personnages principaux. De nombreux rouleaux étaient des chroniques dessinées à la main de la vie de prédicateurs bouddhistes célèbres ou de personnages historiques, de leurs voyages et de leurs campagnes militaires. D'autres racontaient des épisodes romantiques de la vie de nobles et de courtisans.

Le style apparemment distinctif des premiers rouleaux provenait de simples croquis à l'encre sur les pages de cahiers bouddhistes. Ce sont des dessins habiles qui caricaturent le comportement humain à travers des images animales : un singe en robe monastique vénérant une grenouille gonflée, des compétitions entre lièvres, singes et grenouilles. Ces rouleaux, ainsi que d'autres rouleaux de Heian tardifs, ont servi de base aux rouleaux narratifs plus complexes du style développé des XIIIe et XIVe siècles.

Période Kamakura

(1185-1392). Fin du XIIe siècle a apporté des changements majeurs dans la vie politique et religieuse du Japon et, bien sûr, dans son art. L'élégance et l'esthétisme de la cour de Kyoto ont été remplacés ou, dans la tradition du règne « spécial », « ont reçu un ajout » sous la forme d'un nouveau règne dur et courageux : le shogunat de Kamakura. Bien que la capitale soit restée nominalement Kyoto, le shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) a établi son quartier général dans la ville de Kamakura et a établi en seulement 25 ans un système rigide de dictature militaire et de féodalité. Le bouddhisme, devenu si complexe et ritualisé qu’il était peu compris du commun des mortels, a également connu des changements majeurs qui ne promettaient pas du tout de mécénat des arts. La secte Yodo (Terre Pure), forme de vénération du Bouddha Amida, sous la direction de Honen Shonin (1133-1212), réforma la hiérarchie des bouddhas et des divinités et donna l'espoir de salut à tous ceux qui croyaient simplement en Amida. Cette doctrine d'un paradis facilement accessible fut simplifiée plus tard par un autre moine, Shinran (1173-1262), fondateur de la secte Shin, qui reconnut que la condescendance d'Amida était si grande qu'il n'était pas nécessaire d'accomplir des actes religieux, répétant simplement l'incantation " Namu Amida Butsu » (le premier mot signifie « obéir » ; les deux seconds sont « Bouddha Amida »). Cette méthode simple pour sauver l’âme était extrêmement attrayante et est maintenant utilisée par des millions de personnes. Une génération plus tard, le prédicateur militant Nichiren (1222-1282), qui a donné son nom à la secte, abandonna cette forme simplifiée de religion. Ses disciples vénéraient le Sutra du Lotus, qui ne promettait pas un salut instantané et inconditionnel. Ses sermons abordaient souvent des sujets politiques, et ses convictions et ses propositions de réformes de l'Église et de l'État séduisaient la nouvelle classe militaire de Kamakura. Enfin, la philosophie Zen, apparue dès le VIIIe siècle, commença à jouer un rôle de plus en plus important dans la pensée bouddhiste durant cette période. Le Zen a souligné l'importance de la méditation et le mépris de toute image qui pourrait gêner l'homme dans sa quête de s'unir à Dieu.

C’était donc une époque où la pensée religieuse limitait le nombre d’œuvres de peinture et de sculpture auparavant nécessaires au culte. Néanmoins, certaines des plus belles œuvres d’art japonaises ont été créées durant la période Kamakura. L'incitation était l'amour inhérent des Japonais pour l'art, mais la clé de la solution réside dans l'attitude du peuple à l'égard des nouvelles croyances, et non dans les dogmes en tant que tels. En effet, les œuvres elles-mêmes suggèrent la raison de leur création, car nombre de ces sculptures et peintures pleines de vie et d'énergie sont des portraits. Même si la philosophie zen pouvait considérer les objets religieux ordinaires comme un obstacle à l’illumination, la tradition d’honorer les enseignants était tout à fait acceptable. Un portrait en lui-même ne saurait constituer un objet de culte. Cette attitude envers le portrait n'était pas seulement caractéristique du bouddhisme zen : de nombreux ministres de la secte de la Terre Pure étaient vénérés presque comme des divinités bouddhistes. Grâce au portrait, une nouvelle forme architecturale est même apparue : le mieido, ou chapelle du portrait. Le développement rapide du réalisme était tout à fait dans l’air du temps.
Même si les portraits pittoresques des prêtres étaient évidemment des images de personnes spécifiques, ils étaient souvent des reprises de peintures représentant les fondateurs chinois du bouddhisme. Ils étaient représentés en train de prêcher, la bouche ouverte, les mains gesticulant ; parfois, des moines mendiants étaient représentés effectuant un voyage difficile pour la gloire de la foi.

L'un des sujets les plus populaires était le raigo (arrivée souhaitée), qui représentait le Bouddha Amida avec ses compagnons descendant sur un nuage pour sauver l'âme d'un croyant sur son lit de mort et la transférer au ciel. Les couleurs de ces images étaient souvent rehaussées par des applications d'or, et les lignes ondulées, les capes fluides et les nuages ​​tourbillonnants donnaient une impression de mouvement à la descente du Bouddha.

Unkei, actif dans la seconde moitié du XIIe et au début du XIIIe siècle, est l'auteur d'une innovation facilitant la sculpture sur bois, qui reste le matériau de prédilection des sculpteurs durant la période de Kamakura. Auparavant, le maître était limité par la taille et la forme de la bûche ou de la bûche dans laquelle la figurine était découpée. Les bras et les vêtements étaient appliqués séparément, mais la pièce finie ressemblait souvent à la forme cylindrique originale. Dans cette nouvelle technique, des dizaines de petites pièces étaient soigneusement assemblées pour former une pyramide creuse, à partir de laquelle les apprentis pouvaient ensuite découper grossièrement une forme. Le sculpteur disposait d'un matériau plus souple et de la capacité de créer des formes plus complexes. Les gardes musclés du temple et les divinités vêtues de capes et de robes flottantes semblaient plus vivantes également parce que du cristal ou du verre commençait à être inséré dans leurs orbites ; les statues commencèrent à être décorées de bronze doré. Ils devenaient plus légers et se craquaient moins souvent à mesure que le bois séchait. La statue en bois susmentionnée de Kuya Shonin, réalisée par Kosho, le fils d'Unkei, démontre la plus haute réalisation du réalisme de l'ère Kamakura en matière de sculpture de portrait. En effet, la sculpture atteint à cette époque son apogée dans son développement et, par la suite, elle n'occupe plus une place aussi importante dans l'art.

La peinture profane reflète également l’air du temps. Les rouleaux narratifs de la fin de la période Heian, aux couleurs sobres et aux lignes gracieuses, racontaient les escapades romantiques du prince Genji ou les divertissements des dames recluses de la cour. Aujourd'hui, avec des couleurs vives et des coups de pinceau énergiques, les artistes de l'époque de Kamakura représentaient des batailles de clans en guerre, des palais engloutis par les flammes et des gens effrayés fuyant les troupes attaquantes. Même si l’histoire religieuse se déroulait sur le rouleau, l’image n’était pas tant une icône qu’un récit historique des voyages d’hommes saints et des miracles qu’ils accomplissaient. Dans la conception de ces scènes, on peut déceler un amour croissant pour la nature et une admiration pour les paysages indigènes.

Période Muromachi ou Ashikaga

(1392-1568). En 1392, après plus de 50 ans de conflits, le troisième shogun de la famille Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), réunifie le pays. Le siège du gouvernement redevint la capitale nominale de Kyoto, où les shoguns Ashikaga construisirent leurs palais dans le quartier de Muromachi. (Cette période est parfois appelée Muromachi ou Ashikaga.) La guerre n'a pas épargné de nombreux temples, dépôts d'art japonais, qui ont été incendiés avec les trésors qui s'y trouvaient. Le pays fut brutalement ruiné, et même la paix n'apporta pas beaucoup de soulagement, puisque les clans en guerre, réussissant, distribuaient des faveurs à leur guise. Il semblerait que la situation soit extrêmement défavorable au développement de l'art, mais en réalité les shoguns Ashikaga le fréquentaient, surtout aux XVe et XVIe siècles, lorsque la peinture était florissante.

Le phénomène artistique le plus important de cette époque était les peintures poétiques monochromes à l’encre encouragées par le bouddhisme zen et influencées par les exemples chinois des dynasties Song et Yuan. Sous la dynastie Ming (1368-1644), les contacts avec la Chine furent renoués et Yoshimitsu, collectionneur et mécène des arts, encouragea la collection et l'étude des peintures chinoises. C'est devenu un modèle et un point de départ pour des artistes doués qui peignaient des paysages, des oiseaux, des fleurs, des images de clergé et de sages avec des coups de pinceau légers et fluides. La peinture japonaise de cette époque se caractérise par l'économie des lignes ; l'artiste semble extraire la quintessence de l'intrigue représentée, permettant au spectateur de la remplir de détails. Les transitions d'encre grise et noire brillante dans ces tableaux sont très proches de la philosophie Zen, qui a certainement inspiré leurs auteurs. Bien que cette croyance ait acquis une influence considérable sous le régime militaire de Kamakura, elle a continué à se propager rapidement aux XVe et XVIe siècles, lorsque de nombreux monastères zen ont vu le jour. Prêchant principalement l'idée de « l'auto-salut », il ne liait pas le salut au Bouddha, mais s'appuyait davantage sur la sévère autodiscipline d'une personne pour atteindre une soudaine « illumination » intuitive qui l'unit à l'absolu. L'utilisation économique mais audacieuse de l'encre et la composition asymétrique, dans laquelle les parties non peintes du papier jouaient un rôle important dans les représentations de paysages idéalisés, de sages et de scientifiques, étaient cohérentes avec cette philosophie.

L'un des représentants les plus célèbres du sumi-e, un style de peinture à l'encre monochrome, était Sesshu (1420-1506), un prêtre zen dont la vie longue et fructueuse lui a valu une vénération de longue date. À la fin de sa vie, il a commencé à utiliser le style haboku (encre rapide) qui, contrairement au style mature, qui exigeait des traits clairs et économiques, a amené la tradition de la peinture monochrome presque à l'abstraction.
La même période marque l'activité de la famille d'artistes Kano et le développement de leur style. Par le choix des sujets et l'utilisation de l'encre, il est proche du chinois, mais par les moyens expressifs il reste japonais. Kano, avec le soutien du shogunat, est devenu l'école « officielle » ou le style artistique de peinture et a prospéré jusqu'au XIXe siècle.

La tradition naïve du Yamato-e a continué à vivre dans les œuvres de l'école Tosa, le deuxième mouvement important Peinture japonaise. En fait, à cette époque, les deux écoles, Kano et Tosa, étaient étroitement liées, elles étaient unies par un intérêt pour la vie moderne. Motonobu Kano (1476-1559), l'un des artistes les plus remarquables de cette période, a non seulement marié sa fille au célèbre artiste Tosa, mais a également peint à sa manière.

Aux XVe-XVIe siècles. Seules quelques œuvres de sculpture remarquables sont apparues. Il convient cependant de noter que le développement du drame noo, avec sa variété d'ambiances et d'émotions, a ouvert un nouveau champ d'activité pour les sculpteurs : ils sculptaient des masques pour les acteurs. Dans le drame japonais classique, joué par et pour l'aristocratie, les acteurs (un ou plusieurs) portaient des masques. Ils transmettaient toute une gamme de sentiments allant de la peur, de l’anxiété et de la confusion à une joie contenue. Certains masques étaient si joliment sculptés que le moindre tour de tête de l'acteur provoquait de subtils changements dans l'expression des sentiments. Des exemplaires remarquables de ces masques ont été conservés pendant des années dans les familles pour lesquelles ils étaient fabriqués.

Période Momoyama

(1568-1615). En 1593, le grand dictateur militaire Hideyoshi construisit son château sur Momoyama, "Peach Hill", et sous ce nom la période de 47 ans depuis la chute du shogunat Ashikaga jusqu'à l'établissement de la période Tokugawa, ou Edo, en 1615 était généralement C'était une époque de domination d'une classe militaire entièrement nouvelle, dont la grande richesse contribuait à l'épanouissement de l'art. Les châteaux impressionnants dotés de vastes salles d'audience et de longs couloirs sont devenus à la mode à la fin du XVIe siècle. et exigeaient des décorations adaptées à leur grandeur. C'était une époque difficile et des gens courageux, et les nouveaux mécènes, contrairement à l'aristocratie précédente, n'étaient pas particulièrement intéressés par les activités intellectuelles ou les subtilités de l'artisanat. Heureusement, la nouvelle génération d’artistes était tout à fait cohérente avec ses mécènes. Durant cette période, de merveilleux paravents et panneaux mobiles sont apparus dans des couleurs pourpre vif, émeraude, vert, violet et couleurs bleues. Ces couleurs exubérantes et ces formes décoratives, souvent sur fond d’or ou d’argent, furent très populaires pendant cent ans, et leurs créateurs furent appelés à juste titre « les grands décorateurs ». Grâce au goût japonais subtil, le style opulent ne s'est pas transformé en vulgarité, et même lorsque la retenue et la sobriété ont cédé la place au luxe et aux excès décoratifs, les Japonais ont réussi à conserver l'élégance.

Eitoku Kano (1543-1590), l'un des premiers grands artistes de cette période, travailla dans le style de Kano et Tosa, élargissant les concepts de dessin du premier et les combinant avec la richesse des couleurs du second. Bien que seules quelques œuvres survivantes puissent être attribuées avec certitude à Eitoku, il est considéré comme l'un des fondateurs du style Momoyama, et la plupart des artistes de cette période étaient ses élèves ou ont été influencés par lui.

Période Edo ou Tokugawa

(1615-1867). La longue période de paix qui a suivi le Japon nouvellement unifié est appelée soit l'époque de Tokugawa, d'après le nom de famille du souverain, soit Edo (Tokyo moderne), puisqu'en 1603 cette ville est devenue le nouveau centre du pouvoir. Deux généraux célèbres de la courte période Momoyama, Oda Nobunaga (1534-1582) et Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), par l'action militaire et la diplomatie, parvinrent enfin à réconcilier clans puissants et clergé militant. Avec la mort de Hideyoshi en 1598, le pouvoir passa à Ieyasu Tokugawa (1542-1616), qui acheva les activités commencées conjointement. La bataille décisive de Sekigahara en 1600 renforça la position d'Ieyasu ; la chute du château d'Oska en 1615 fut accompagnée de l'effondrement final de la maison de Hideyoshi et de l'établissement du règne indivis du shogunat Tokugawa.

Le règne paisible des Tokugawa dura 15 générations et ne se termina qu'au XIXe siècle. C’était en grande partie une période de politique de « portes fermées ». Le décret 1640 interdisait aux étrangers d'entrer au Japon et les Japonais ne pouvaient pas voyager à l'étranger. La seule connexion commerciale et culturelle se faisait avec les Néerlandais et les Chinois via le port de Nagasaki. Comme lors d'autres périodes d'isolement, il y a eu une montée des sentiments nationaux et une émergence à la fin du XVIIe siècle. soi-disant école peinture de genre et gravures.
La capitale en croissance rapide d'Edo est devenue le centre non seulement de la vie politique et commerciale de l'empire insulaire, mais également un centre d'art et d'artisanat. L'obligation pour les daimyo, les seigneurs féodaux provinciaux, de résider dans la capitale pendant une certaine partie de l'année a fait naître le besoin de nouveaux bâtiments, y compris des palais, et donc de faire appel à des artistes pour les décorer. Dans le même temps, la classe émergente de marchands riches mais non aristocratiques offrait aux artistes un nouveau mécénat, souvent peu professionnel.

L'art du début de la période Edo poursuit et développe en partie le style Momoyama, renforçant ses tendances vers le luxe et la splendeur. La richesse des images bizarres et de la polychromie héritée de la période précédente ne cesse de se développer. Ce style décoratif atteint son apogée dans le dernier quart du XVIIe siècle. dans ce qu'on appelle Époque Genroku de la période Tokugawa (1688-1703). Dans l'art décoratif japonais, il n'a pas d'équivalent dans l'extravagance et la richesse des couleurs et des motifs décoratifs dans la peinture, les tissus, les vernis et les détails artistiques - attributs d'un style de vie luxueux.

Puisque nous parlons de relativement période tardive histoire, il n'est pas surprenant que les noms de nombreux artistes et leurs œuvres aient été conservés ; Ici, il est possible de citer seulement quelques-uns des plus remarquables. Les représentants de l'école décorative qui ont vécu et travaillé pendant les périodes Momoyama et Edo comprennent Honnami Koetsu (1558-1637) et Nonomura Sotatsu (mort en 1643). Leur travail démontre un sens remarquable du design, de la composition et de la couleur. Koetsu, talentueux céramiste et laqueur, était réputé pour la beauté de sa calligraphie. Avec Sotatsu, ils ont créé des poèmes sur rouleaux, qui étaient à la mode à cette époque. Dans cette combinaison de littérature, de calligraphie et de peinture, les images n'étaient pas de simples illustrations : elles créaient ou suggéraient une ambiance correspondant à la perception du texte. Ogata Korin (1658-1716) fut l'un des héritiers du style décoratif et, avec son jeune frère Ogata Kenzan (1663-1743), perfectionna sa technique. Kenzan, plus connu comme céramiste que comme artiste, cuisait des récipients avec les dessins de son célèbre frère aîné. La renaissance de cette école au début du XIXème siècle. Le poète et artiste Sakai Hoitsu (1761-1828) fut le dernier essor du style décoratif. Les magnifiques rouleaux et paravents d'Horitsu combinaient le sens du design de Korin avec l'intérêt pour la nature inhérent au naturalisme de l'école de Maruyama, exprimé dans la richesse des couleurs et des motifs décoratifs caractéristiques de la période antérieure, tempérée par la splendeur et la grâce du pinceau.

Parallèlement au style décoratif polychrome, le dessin à l'encre traditionnel de l'école Kano continue d'être populaire. En 1622, Kanō Tan'yu (1602-1674) fut nommé peintre de la cour du shogun et convoqué à Edo. Avec sa nomination à ce poste et la création de l'école de peinture Kano à Edo, à Kobikito, commence une période d'un demi-siècle de leadership artistique de cette tradition, qui redonne à la famille Kano une position de premier plan et fait des œuvres du La période Edo est la plus significative de la peinture de Kano. Malgré la popularité des paravents peints d'or et de couleurs vives créés par les « grands décorateurs » et rivaux, Tanyu, grâce à la force de son talent et de sa position officielle, a pu rendre populaire parmi la noblesse la peinture de l'école Kano relancée. Aux caractéristiques traditionnelles de l'école Kano, Tanyu a ajouté puissance et simplicité basées sur une ligne brisée rigide et un agencement réfléchi d'éléments de composition sur une grande surface libre.

Une nouvelle direction dans laquelle caractéristique principale il y avait un intérêt pour la nature qui commença à prévaloir à la fin du XVIIIe siècle. Maruyama Okyo (1733-1795), chef nouvelle école, fut paysan, puis devint ecclésiastique et enfin artiste. Les deux premières études ne lui ont apporté ni bonheur ni succès, mais en tant qu'artiste, il a atteint de grands sommets et est considéré comme le fondateur de l'école réaliste de Maruyama. Il a étudié avec le maître de l'école de Kano, Ishida Yutei (décédé vers 1785) ; À partir de gravures hollandaises importées, il apprend la technique occidentale de représentation en perspective et copie parfois simplement ces gravures. Il a également étudié les styles chinois des dynasties Song et Yuan, notamment le style subtil et réaliste de Chen Xuan (1235-1290) et de Shen Nanping ; ce dernier vivait à Nagasaki au début du XVIIIe siècle. Ōkyo a réalisé de nombreuses œuvres d'après nature et ses observations scientifiques ont servi de base à la perception de la nature sur laquelle était basée l'école Maruyama.

Outre l'intérêt pour le naturalisme au XVIIIe siècle. l'influence de la tradition artistique chinoise se renouvelle. Les représentants de cette tendance se sont tournés vers l'école picturale des artistes-scientifiques des époques Ming (1368-1644) et Qing (1644-1912), même si, probablement, leurs idées sur l'état de l'art moderne en Chine étaient limitées. L'art de cette école japonaise s'appelait bujinga (l'art des gens instruits). L'un des maîtres les plus influents ayant travaillé dans le style bujinga était Ikeno Taiga (1723-1776), célèbre artiste et calligraphe. Son style mature se caractérise par des lignes de contour épaisses remplies de légers traits plumeux de tons clairs et d'encre ; Il a également peint avec de larges traits libres d'encre noire, représentant des troncs de bambou pliés par le vent et la pluie. Avec des lignes courtes et courbes, il obtient un effet de gravure dans sa représentation de montagnes brumeuses au-dessus d'un lac entouré de forêt.
17ème siècle a donné naissance à un autre mouvement artistique remarquable de la période Edo. Ce sont ce qu'on appelle les ukiyo-e (images du monde en évolution) - des scènes de genre créées par et pour les gens ordinaires. Les premiers ukiyo-e sont apparus dans l’ancienne capitale de Kyoto et étaient principalement pittoresques. Mais le centre de leur production se déplaça bientôt à Edo, et l'attention des artisans se concentra sur la gravure sur bois. L'association étroite des gravures sur bois avec l'ukiyo-e a conduit à l'idée fausse que les gravures sur bois étaient une découverte de cette période ; en fait, son origine remonte au 11ème siècle. Ces premières images étaient de nature votive, représentant les fondateurs du bouddhisme et des divinités, et pendant la période Kamakura, certains rouleaux narratifs étaient reproduits à partir de blocs sculptés. Cependant, l’art de la gravure est devenu particulièrement populaire entre le milieu du XVIIe et le XIXe siècle.

Les sujets des estampes ukiyo-e étaient de belles courtisanes de quartiers joyeux, des acteurs préférés et des scènes de drames. Tôt, soi-disant Les gravures primitives étaient exécutées en noir, avec de fortes lignes ondulées rythmées et se caractérisaient par des dessins simples. Ils étaient parfois peints à la main dans une couleur rouge orangé appelée tan-e (peintures rouge vif), avec des marques jaune moutarde et vert. Certains artistes « primitifs » utilisaient la peinture à la main appelée urushu-e ( peinture à la laque), dont les zones sombres ont été rehaussées et éclaircies par l'ajout de colle. Une première impression multicolore, apparue en 1741 ou 1742, était appelée benizuri-e (impression framboise) et utilisait généralement trois couleurs : rose-rouge, vert et parfois jaune. Des impressions véritablement multicolores, utilisant toute la palette et appelées nishiki-e (images en brocart), sont apparues en 1765.

En plus de créer des estampes individuelles, de nombreux graveurs illustraient des livres et gagnaient de l'argent en produisant des illustrations érotiques dans des livres et sur des parchemins. Il convient de garder à l'esprit que la gravure ukiyo-e comprenait trois types d'activités : elle était le travail du dessinateur dont l'estampe portait le nom, du sculpteur et de l'imprimeur.

Hishikawa Moronobu (vers 1625-1694) est considéré comme le fondateur de la tradition de création d'estampes ukiyo-e. D'autres artistes « primitifs » de ce mouvement sont Kiyomasu (1694-1716) et le groupe Kaigetsudo (une étrange communauté d'artistes dont l'existence reste floue), ainsi qu'Okumura Masanobu (1686-1764).

Les artistes de transition qui ont créé les estampes benizuri-e étaient Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (actif vers 1751-1760) et Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Les œuvres de Suzuki Harunobu (1725-1770) inaugurent l'ère de la gravure polychrome. Remplis de couleurs douces, presque neutres, peuplés de dames gracieuses et d'amants galants, les estampes d'Harunobu connurent un grand succès. Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) et Kitagawa Utamaro (1753-1806) travaillèrent avec lui à la même époque. Chacun d’eux a contribué au développement de ce genre ; les maîtres ont réalisé des gravures représentant des beautés gracieuses et acteurs célèbresà la perfection. En quelques mois, en 1794-1795, le mystérieux Tosusai Saraku réalise des portraits d'acteurs de l'époque incroyablement puissants et franchement brutaux.

Dans les premières décennies du XIXe siècle. le genre avait atteint sa maturité et commençait à décliner. Katsushika Hokusai (1760-1849) et Ando Hiroshige (1797-1858) sont les plus grands maîtres de l'époque, dont l'œuvre relie le déclin de l'art de la gravure au XIXe siècle. et sa nouvelle renaissance au début du 20e siècle. Tous deux étaient avant tout des peintres paysagistes qui relataient les événements de la vie moderne dans leurs gravures. La brillante maîtrise de la technique des sculpteurs et des imprimeurs a permis de transmettre en gravure des lignes fantaisistes et les moindres nuances du soleil couchant ou du brouillard se levant à l'aube.

Restauration Meiji et période moderne.

Il arrive souvent que l'art ancien d'un peuple particulier soit pauvre en noms, dates et œuvres survivantes, de sorte que tout jugement ne peut être porté qu'avec une grande prudence et conditionnalité. Il n’en est pas moins difficile de juger l’art contemporain, car nous sommes privés d’une perspective historique pour évaluer correctement l’ampleur de tout mouvement ou artiste et de son œuvre. L’étude de l’art japonais ne fait pas exception et tout ce que l’on peut faire est de présenter un panorama de l’art contemporain et de tirer quelques premières conclusions provisoires.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle. Les ports japonais furent rouverts au commerce et des changements majeurs eurent lieu sur la scène politique. En 1868, le shogunat fut aboli et le règne de l’empereur Meiji rétabli. La capitale officielle et la résidence de l'empereur furent transférées à Edo, et la ville elle-même devint connue sous le nom de Tokyo (la capitale orientale).

Comme par le passé, la fin de l’isolement national a suscité un grand intérêt pour les réalisations des autres nations. A cette époque, les Japonais ont fait un énorme pas en avant dans le domaine de la science et de la technologie. Artistiquement, le début de l’ère Meiji (1868-1912) démontre l’acceptation de tout ce qui est occidental, y compris la technologie. Cependant, cet élan ne dura pas longtemps et fut suivi d'une période d'assimilation, d'émergence de nouvelles formes mêlant retour à leurs propres traditions et nouvelles tendances occidentales.

Parmi les artistes notables figuraient Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) et Tomioka Tessai (1836-1942). Les trois premiers adhèrent au style et au sujet traditionnels japonais, même s’ils s’efforcent d’être originaux dans leur ambiance et leur technique. Seiho, par exemple, travaillait dans l'atmosphère calme et conservatrice de Kyoto. Ses premières œuvres ont été créées dans le style naturaliste de Maruyama, mais plus tard, il a beaucoup voyagé en Chine et a été profondément influencé par la peinture à l'encre de Chine. Ses voyages dans les musées et les principaux centres d’art d’Europe ont également marqué son œuvre. Parmi tous les artistes marquants de cette époque, un seul Tomioka Tessai a failli développer un nouveau style. Ses œuvres énergiques et puissantes combinent des lignes rugueuses, tordues, dentelées et des taches d'encre noire avec des zones de couleur finement rendues. Au cours des années suivantes, certains jeunes peintres à l'huile ont réussi là où leurs grands-pères avaient échoué. Les premières tentatives de travail avec ce matériau inhabituel rappelaient les toiles parisiennes et ne se distinguaient ni par une valeur particulière ni par des caractéristiques spécifiquement japonaises. Cependant, des œuvres d'un attrait exceptionnel sont désormais créées dans lesquelles le sens japonais caractéristique de la couleur et de l'équilibre brille à travers des thèmes abstraits. D'autres artistes, travaillant avec des encres plus naturelles et traditionnelles et utilisant parfois la calligraphie comme motif initial, créent des œuvres abstraites énergiques dans des noirs brillants avec des nuances de gris.

Comme à l’époque d’Edo, aux XIXème et XXème siècles. la sculpture n'était pas populaire. Mais même dans ce domaine, les représentants de la génération moderne qui ont étudié en Amérique et en Europe ont expérimenté avec beaucoup de succès. Les petites sculptures en bronze, de forme abstraite et aux noms étranges, montrent le sens japonais de la ligne et de la couleur, évident dans l'utilisation de patines vert tendre ou brun chaud ; La sculpture sur bois témoigne de l'amour des Japonais pour la texture de la matière.

Le Sosaku hanga, l'« estampe créative » japonaise, n'est apparu que dans la première décennie du XXe siècle, mais en tant que mouvement artistique particulier, il a éclipsé tous les autres domaines de l'art moderne. Cette gravure sur bois moderne n'est pas, à proprement parler, un successeur de l'ancienne gravure sur bois ukiyo-e ; ils diffèrent par leur style, leurs sujets et leurs méthodes de création. Les artistes, dont beaucoup ont été fortement influencés par la peinture occidentale, ont reconnu l'importance de leur propre héritage artistique et ont trouvé dans le bois un matériau approprié pour exprimer leurs idéaux créatifs. Les maîtres Hanga non seulement dessinent, mais sculptent également des images sur des blocs de bois et les impriment eux-mêmes. Bien que les plus hautes réalisations dans cette forme d’art soient associées au travail du bois, toutes les techniques de gravure occidentales modernes sont utilisées. Expérimenter avec des feuilles, des ficelles et des « objets trouvés » peut dans certains cas créer des effets de texture de surface uniques. Au début, les maîtres de ce mouvement ont été contraints de rechercher la reconnaissance : après tout, même les meilleures réalisations de l'école ukiyo-e étaient associées par des artistes intellectuels à la foule analphabète et considérées comme de l'art plébéien. Des artistes tels qu'Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi et Maekawa Senpan ont fait beaucoup pour restaurer le respect de la gravure et faire de ce mouvement une branche digne d'intérêt. beaux arts. Ils attirent dans leur groupe de nombreux jeunes artistes et les graveurs se comptent désormais par centaines. Parmi les maîtres de cette génération reconnus au Japon et en Occident figurent Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen et Saito Kiyoshi. Ce sont des maîtres dont l'innovation et le talent indéniable leur ont valu la place qui leur revient parmi les plus grands artistes japonais. Beaucoup de leurs pairs et d’autres jeunes artistes hanga ont également créé de magnifiques estampes ; Le fait que nous ne mentionnions pas ici leurs noms ne signifie pas une mauvaise évaluation de leur travail.

ARTS DÉCORATIFS, ARCHITECTURE ET JARDINS

Les sections précédentes traitaient principalement de la peinture et de la sculpture, qui sont considérées dans la plupart des pays comme les principaux types d'art. Il peut être injuste d'inclure à la fin de l'article les arts décoratifs et l'artisanat populaire, l'art des jardins et l'architecture - des formes qui constituent une partie importante et intégrante de l'art japonais. Cependant, à l’exception peut-être de l’architecture, ils nécessitent une attention particulière en dehors de la périodisation générale de l’art japonais et des changements de style.

Céramique et porcelaine.

Les types de décoration les plus importants arts appliqués au Japon, on trouve la céramique et la porcelaine. L’art céramique se divise naturellement en deux catégories. Les fines porcelaines polychromes d'Imari, de Nabeshima et de Kakiemon tirent leur nom des lieux de production, et leur riche peinture sur une surface crème ou blanc bleuâtre était destinée à la noblesse et aux cercles de cour. Le processus de fabrication de la véritable porcelaine est devenu connu au Japon à la fin du XVIe ou au début du XVIIe siècle ; les assiettes et les bols à glaçure lisse, avec un motif asymétrique ou semblable à un brocart, sont appréciés tant chez nous qu'en Occident.

Contrairement à la porcelaine, dans les plats grossiers en argile ou en pierre de mauvaise qualité, caractéristiques de Shino, Oribe et Bizen, l'attention est portée sur le matériau, la disposition apparemment négligente mais réfléchie des éléments décoratifs. Influencés par les concepts du bouddhisme zen, ces récipients étaient très populaires dans les cercles intellectuels et largement utilisés, notamment lors des cérémonies du thé. De nombreuses tasses, théières et théières, attributs de l'art de la cérémonie du thé, incarnaient l'essence même du bouddhisme zen : une stricte autodiscipline et une stricte simplicité. À l'apogée de l'art décoratif japonais, les artistes talentueux Korin et Kenzan se consacraient à la décoration de produits en céramique. Il faut rappeler que la renommée de Kenzan est davantage associée à son talent de céramiste qu'à celui de peintre. Certains des types et techniques de récipients les plus simples proviennent des traditions. artisanat populaire. Des ateliers modernes, perpétuant les anciennes traditions, fabriquent de beaux produits qui ravissent par leur élégante simplicité.

Produits de laque.

Déjà aux VIIe-VIIIe siècles. le vernis était célèbre au Japon. De cette époque, les couvercles des boîtes ont été conservés, décorés d'images de personnages et de motifs géométriques appliqués de fines lignes dorées. Nous avons déjà évoqué l'importance de la technique du vernis sec pour la sculpture aux VIIIe et IXe siècles ; à la même époque et plus tard, des objets décoratifs tels que des boîtes à lettres ou des boîtes à encens furent fabriqués. Durant la période Edo, ces produits étaient fabriqués en grande quantité et avec la décoration la plus luxueuse. Des boîtes luxueusement décorées pour le déjeuner, les gâteaux, l'encens et les médicaments, appelées inro, reflétaient la richesse et l'amour du luxe inhérents à cette époque. La surface des objets était décorée de motifs de poudre d'or et d'argent, de morceaux de feuilles d'or, séparément ou en combinaison avec des incrustations de coquillages, de nacre, d'alliage d'étain et de plomb, etc. ces motifs contrastaient avec les surfaces laquées rouges, noires ou brunes. Parfois, les dessins de vernis étaient réalisés par des artistes, par exemple Korin et Koetsu, mais il est peu probable qu'ils aient personnellement participé à ces travaux.

Épées.

Les Japonais, comme nous l'avons déjà dit, furent pendant une période considérable de leur histoire un peuple de guerriers ; les armes et les armures étaient considérées comme des nécessités pour une grande partie de la population. L'épée était la fierté d'un homme ; la lame elle-même et toutes les autres parties de l'épée, en particulier le manche (tsuba), étaient décorées selon diverses techniques. Les Tsuba en fer ou en bronze étaient décorés d'incrustations d'or et d'argent, recouverts de sculptures ou garnis des deux. Ils représentaient des paysages ou des figures humaines, des fleurs ou des armoiries familiales (mon). Tout cela complétait le travail des fabricants d’épées.

Tissus.

Les soieries aux riches motifs et autres tissus privilégiés par la cour et le clergé en période d'opulence et d'abondance, ainsi que les tissus simples aux motifs presque primitifs caractéristiques de l'art populaire, sont également des expressions du talent national japonais. Après avoir atteint son apogée durant l’opulente époque Genroku, l’art du textile a de nouveau prospéré dans le Japon moderne. Il combine avec succès des idées et des fibres artificielles occidentales avec des couleurs et des motifs décoratifs traditionnels.

Jardins.

Au cours des dernières décennies, l'intérêt pour les jardins et l'architecture japonais s'est accru en raison de l'exposition accrue du public occidental à ces formes d'art. Les jardins occupent une place particulière au Japon ; ils sont l’expression et le symbole de hautes vérités religieuses et philosophiques, et ces connotations obscures et symboliques, combinées à la beauté évidente des jardins, suscitent l’intérêt du monde occidental. On ne peut pas dire que les idées religieuses ou philosophiques aient été la principale raison de la création des jardins, mais lors de la planification et de la création d'un jardin, l'artiste-urbaniste a pris en compte de tels éléments, dont la contemplation amènerait le spectateur à réfléchir à diverses vérités philosophiques. Ici, l'aspect contemplatif du bouddhisme zen s'incarne dans un groupe de pierres inhabituelles, des vagues de sable et de gravier ratissés combinées avec du gazon, ou des plantes disposées de manière à ce qu'un ruisseau derrière elles disparaisse puis réapparaisse - tout cela encourage le spectateur à compléter les plans de manière indépendante. prévues lors des idées de jardin de construction. La préférence pour les indications vagues plutôt que pour les explications claires est caractéristique de la philosophie Zen. Les bonsaïs nains et les petits jardins en pots, désormais populaires en Occident, prolongent ces idées.

Architecture.

Les principaux monuments architecturaux du Japon sont les temples, les complexes monastiques, les châteaux féodaux et les palais. Depuis l'Antiquité jusqu'à nos jours, le bois a été le principal matériau de construction et dans dans une large mesure détermine les caractéristiques de conception. Les édifices religieux les plus anciens sont les sanctuaires de la religion nationale japonaise shinto ; à en juger par les textes et les dessins, il s'agissait de structures relativement simples avec un toit de chaume, comme les habitations anciennes. Les bâtiments des temples érigés après la propagation du bouddhisme et associés à celui-ci étaient basés sur des prototypes chinois en termes de style et de disposition. L'architecture des temples bouddhistes variait au fil du temps, et la décoration et la disposition des bâtiments variaient selon les différentes sectes. Les bâtiments japonais se distinguent par de vastes salles aux toits hauts et des systèmes complexes de consoles, et leur décoration reflète le goût de leur époque. L'architecture simple et majestueuse du complexe Horyuji, construit près de Nara au début du VIIe siècle, est aussi caractéristique de la période Asuka que la beauté et l'élégance des proportions du Hoodo, la « Salle du Phénix » d'Uji, se reflétant dans le Lac du Lotus. , est de la période Heian. Les bâtiments les plus élaborés de la période Edo ont acquis une décoration supplémentaire sous la forme de portes coulissantes et de paravents richement peints réalisés par les mêmes « grands décorateurs » qui décoraient les intérieurs des châteaux à douves et des palais féodaux.

L’architecture et les jardins du Japon sont si étroitement liés qu’ils peuvent être considérés comme faisant partie l’un de l’autre. Cela est particulièrement vrai pour les bâtiments et les abris de jardin destinés à la cérémonie du thé. Leur ouverture, leur simplicité et leur relation soigneusement étudiée avec le paysage et la perspective ont un grand impact sur architecture moderne Ouest.

L'INFLUENCE DE L'ART JAPONAIS SUR L'OUEST

En seulement un siècle, l’art du Japon s’est fait connaître en Occident et a eu une influence significative sur celui-ci. Il y avait des contacts plus anciens (par exemple, les Néerlandais faisaient du commerce avec le Japon via le port de Nagasaki), mais les objets qui arrivèrent en Europe au XVIIe siècle étaient principalement des œuvres d'art appliqué - porcelaine et laque. Ils étaient avidement collectionnés comme curiosités et copiés de diverses manières, mais ces exportations décoratives ne reflétaient pas l'essence et la qualité de l'art japonais et donnaient même aux Japonais une idée peu flatteuse du goût occidental.

La première fois que la peinture occidentale a été directement influencée par l’art japonais en Europe, c’était en 1862, lors de la grande exposition internationale de Londres. Présentées à l'Exposition de Paris cinq ans plus tard, les estampes japonaises suscitent à nouveau un grand intérêt. Plusieurs collections privées de gravures voient immédiatement le jour. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh et d'autres ont perçu les estampes couleur japonaises comme une révélation ; L'influence légère mais toujours reconnaissable des estampes japonaises sur les impressionnistes est souvent soulignée. Les Américains Whistler et Mary Cassatt ont été attirés par la retenue des lignes et les taches de couleurs vives des gravures et peintures ukiyo-e.

L’ouverture du Japon aux étrangers en 1868 a créé un engouement pour tout ce qui est occidental et a poussé les Japonais à se détourner de leur riche culture et de leur héritage artistique. À cette époque, de nombreuses belles peintures et sculptures étaient vendues et se retrouvaient dans des musées occidentaux et des collections privées. Les expositions de ces objets ont introduit l'Occident au Japon et ont stimulé l'intérêt pour les voyages au Japon. Extrême Orient. Bien entendu, l’occupation du Japon par les troupes américaines à la fin de la Seconde Guerre mondiale a ouvert de plus grandes opportunités qu’auparavant pour explorer et en apprendre davantage sur les temples japonais et leurs trésors. Cet intérêt se reflète dans la fréquentation des musées américains. L'intérêt pour l'Orient en général a suscité l'organisation d'expositions d'œuvres d'art japonaises, sélectionnées dans des collections publiques et privées japonaises et importées en Amérique et en Europe.

La recherche scientifique des dernières décennies a beaucoup contribué à réfuter l’idée selon laquelle l’art japonais n’est qu’un reflet de l’art chinois, et de nombreuses publications japonaises en anglais ont fait découvrir à l’Occident les idéaux de l’Orient.

Le Japon est un État très intéressant, connu pour une grande variété de traditions et de coutumes. Situation géographique Le pays du Soleil Levant l'a quelque peu isolé des autres États, grâce à quoi il s'est développé sans égard aux pays européens. La culture du Japon est extrêmement riche et diversifiée. Des traditions japonaises uniques se sont formées sous l’influence d’événements historiquement importants. Le Japon s'est progressivement transformé en un État puissant et uni avec des traits caractéristiques et une certaine mentalité de la population.

Aspects fondamentaux de la culture japonaise

La culture du pays se manifeste dans de nombreuses sphères de la société. Au Japon, ses aspects sont :

Pour les Japonais, le processus de consommation du thé n'est pas une simple satisfaction des besoins physiologiques de l'organisme, mais un véritable culte. La cérémonie du thé au Japon s'accompagne d'attributs particuliers et contient de nombreuses traditions. Une telle attitude respectueuse, semble-t-il, à l'égard du processus quotidien tire son développement de la méditation des moines bouddhistes. Ce sont eux qui ont apporté tant d’importance au processus de consommation du thé.

Pour les Européens, le concept de « kimono » caractérise le vêtement national du Japon. Cependant, dans le pays lui-même soleil levant Il y a deux sens à ce mot - au sens étroit et au sens large. Le mot « kimono » au Japon signifie non seulement costume national, mais aussi tous les vêtements en général. Sous le kimono, en règle générale, on porte une robe spéciale et sept ceintures. Le kimono porté en été s'appelle yukata. Selon l'âge de la femme, le modèle de vêtement peut varier.

Au Japon, deux mouvements religieux sont prêchés avec succès à la fois : le shintoïsme et le bouddhisme. Le shintoïsme est apparu dans le Japon ancien ; il repose sur le culte de diverses créatures. Le bouddhisme, quant à lui, est divisé en plusieurs variétés. Au Japon, il existe de nombreuses écoles promouvant l’un ou l’autre mouvement du bouddhisme.

Les rocailles revêtent une importance particulière pour la culture japonaise. Ils ne sont pas seulement une création architecturale qui attire l'attention des touristes, mais aussi un lieu de croissance spirituelle. Ici, les Japonais trouvent l'illumination en contemplant des structures en pierre disposées dans un ordre spécial. Les rocailles comprennent une conception spécifique que seule une personne éclairée peut démêler.

Tango no sekku est une célébration des garçons. Il est dédié non seulement à tous les petits représentants masculins, mais aussi à la masculinité et à la force de l'ensemble du peuple japonais. Il est de coutume de célébrer la fête au printemps, lorsque la nature se réveille et ravit par sa beauté. Le jour du Tango no Sekku, les garçons sont pris en charge par leurs parents. Un père doit parler à son fils de tous les guerriers japonais et de leurs exploits. Et sa mère lui met la table avec des plats délicieux.

Les fleurs de cerisier sont considérées comme le plus beau phénomène naturel. De nombreux touristes viennent ici précisément pour profiter de la contemplation d'une plante à fleurs. Au printemps, de grandes foules de personnes peuvent être vues dans les parcs japonais. De nombreuses familles partent en pique-nique et admirent la beauté des cerisiers japonais.

L’une des traditions uniques du pays consiste à s’incliner. Ils incarnent les règles du savoir-vivre. Il n'est pas habituel que les Japonais se disent au revoir ; ils s'inclinent autant de fois que l'interlocuteur.

Les samouraïs représentent une certaine classe de la société, formée sous l’influence des traditions et des coutumes. Cela a un lien direct avec la culture du pays. Les samouraïs sont des guerriers qui accomplissent un certain service, qui peut être militaire, sécuritaire ou domestique. Dans tous ces cas, les samouraïs incarnent le courage, la masculinité et la noblesse du peuple japonais.

Le processus de formation de la culture du Japon ancien

La culture du Japon ancien a commencé à se développer avec la naissance de la langue et de l’écriture japonaises. Le pays du Soleil Levant en a emprunté la base à la Chine. L'écriture japonaise contient également des hiéroglyphes, que vous pouvez comprendre à un citoyen étranger ne sera pas possible. Après un certain temps dans japonais De nouveaux mots, sons et phrases ont commencé à être ajoutés. Elle a donc été complètement transformée, mais des traits communs avec la Chine peuvent encore être retrouvés.

La religiosité du pays remonte également à l'Antiquité. Le shintoïsme est une conséquence du développement de diverses mythologies. Actuellement, cet enseignement promeut le culte des dirigeants et des morts. Le bouddhisme a des racines si profondes que les opinions des scientifiques et des historiens sur l'émergence de ce type de religion varient considérablement.

art japonais

Presque tous les types d’art pratiqués au Japon portent une idée principale : le calme et la détente. C'est précisément l'harmonie d'une personne avec elle-même qui contient de l'art, quelle que soit la méthode de présentation de l'information. De nombreux types d’art connus dans le monde entier ont commencé leur développement au Japon. Parmi eux, nous pouvons souligner l'origami - la possibilité de plier diverses formes à partir de papier.

L’ikebana est une autre partie populaire de l’art japonais. C'est l'habileté de former des bouquets de fleurs à l'aide d'une technologie spéciale. De là est née une activité tout aussi populaire appelée bonsaï. Il s'agit de la création de diverses compositions à partir d'arbres nains. A Omiya, non loin de Tokyo, il y a tout un parc de bonsaï. Chaque arbre nain présenté ici est unique et magnifique à sa manière.

La peinture japonaise mérite une importance particulière, puisque chaque tableau porte une signification cachée. En règle générale, des couleurs vives, des transitions contrastées et des lignes claires sont utilisées comme design. Le Japon possède également l'art de la calligraphie. C'est l'habileté d'écrire des hiéroglyphes d'une manière esthétique. Les arts appliqués sont également très répandus au Japon. Il existe un musée entier à Tokyo dédié à cet artisanat. Ici vous pouvez voir des produits en papier, en verre ou en métal. Et ce n'est pas une liste complète des matériaux utilisés à cette fin.

Le style japonais de la décoration intérieure mérite également une attention particulière. Il inclut la fonctionnalité et la simplicité, ainsi que l’originalité de l’exécution. De plus, le design d’intérieur véhicule une philosophie religieuse, comme toute autre forme d’art japonais.

Architecture du Japon

Les structures architecturales au Japon sont, d'une manière ou d'une autre, associées à la religion. Au début, les bâtiments des temples étaient le plus souvent dépourvus de fleurs. Cela était dû à l’utilisation de bois non peint dans la construction. Plus tard, ils ont commencé à utiliser des nuances de rouge et de bleu.

Le bois est considéré comme le matériau principal des bâtiments architecturaux au Japon. Cela est dû au fait que les réserves de cette ressource dans le pays sont assez importantes. Outre le fait que le bois conduit bien la chaleur et absorbe l'humidité, il est également pratique lors des tremblements de terre, qui se produisent assez souvent au Japon. Si une maison en pierre est très difficile à recréer après destruction, alors une maison en bois est beaucoup plus facile.

La principale caractéristique de l'architecture japonaise est la présence même de formes géométriques. Le plus souvent, ce sont des triangles et des rectangles. Il est presque impossible de trouver des lignes douces et rondes dans n’importe quelle structure. Le principe principal sur lequel les Japonais aménagent leur maison est l’existence indissociable de l’intérieur et de l’extérieur de la maison. Cela s'applique aux jardins japonais. Ils doivent être décorés exactement dans le même style que la maison elle-même. Sinon, cela est considéré comme une mauvaise forme et un mauvais goût total. Les Japonais accordent une attention particulière à leurs jardins.

musique japonaise

En termes de développement musical Le Japon s'est tourné vers d'autres pays pour utiliser des instruments de musique. Mais plus tard, elle les a modernisés sous l'influence des goûts et des traditions locales. Le premier à influencer la formation de la musique classique au Japon fut le folklore local de Dengaku, mêlé à des influences étrangères et donnant naissance à la musique actuellement familière au Japon.

Le côté religieux de la question a également apporté sa contribution aux origines musicales. Grâce au christianisme, le jeu de l’orgue a commencé à se répandre. Et le bouddhisme encourageait à jouer de la flûte.

Actuellement, la musique classique gagne en popularité au Japon. De nombreux représentants de cette cellule créative voyagent à l'étranger, au Japon. Il s'agit notamment de Goto Midori, Ozawa Seiji et Uchida Mitsuko. Relativement récemment, des salles conçues pour une écoute confortable de la musique classique ont été ouvertes au Japon. Il s'agit notamment du Kiyo Hall, de l'Osaka Symphony Hall, du Orchard, etc.

Traditions domestiques du Japon

Les Japonais sont un peuple bien élevé qui respecte ses traditions et ses coutumes. Se traiter soi-même et traiter les autres avec respect est considéré comme la norme au Japon. Dès l'enfance, les enfants apprennent les bonnes manières, les valeurs fondamentales du peuple japonais leur sont expliquées et ils sont éduqués de toutes les manières possibles. Et tout cela profite à la société. Tout touriste qui vient d'un autre pays au pays du soleil levant est surpris de voir à quel point les Japonais sont amicaux, amicaux et bien élevés.

Contrairement à Pays européens, Le Japon interdit depuis longtemps de fumer dans les lieux publics. Cela s'applique également à la propriété privée. Fumer à proximité d'autres personnes n'est autorisé que si ces dernières ont donné leur consentement.

Entre autres choses, les Japonais observent strictement toutes les règles d'hygiène que la société leur dicte. Par exemple, dans n'importe quelle pièce, y compris les édifices religieux, il y a des nattes de paille spéciales. On ne peut pas marcher dessus avec des chaussures ; ils sont considérés non seulement comme une décoration intérieure, mais aussi comme un véritable sacrilège. Aussi, les Japonais ont décidé de se protéger des éventuelles bactéries provenant des toilettes sur leurs pieds. Dans tous les lieux publics et dans les appartements, il existe des pantoufles spéciales pour les toilettes, qui empêchent le transfert de germes nocifs vers d'autres pièces.

Pour les Japonais, manger n’est pas considéré comme un processus de la vie, mais comme un véritable culte. Avant de manger, les Japonais s'essuient toujours les mains avec une serviette spéciale humidifiée avec de l'eau, appelée oshibori. La mise à table ne se fait pas dans un ordre aléatoire, mais selon un modèle particulier. Même chaque appareil a sa place. Les Japonais les divisent en mâles et femelles, ce qui est très important pour eux. Au Japon, les cuillères ne sont utilisées que pour manger la soupe o-zoni, préparée pour le Nouvel An ; les Japonais préfèrent boire le reste des premiers plats exclusivement dans des bols spéciaux. De plus, se claquer les lèvres pendant un repas n’est pas considéré comme de mauvaises manières. On pense que de cette façon, le goût du plat est mieux révélé.

La pertinence des bonnes manières au Japon est prouvée par les règles suivantes :

• Il est nécessaire de discuter à l'avance du lieu et de l'heure de la réunion. Au Japon, être en retard est considéré comme une impudence dépassant les limites de la décence.
• Vous ne pouvez pas interrompre votre interlocuteur, vous devez attendre patiemment qu'il s'exprime, puis commencer à exprimer votre opinion.
• Si vous appelez le mauvais numéro, vous devez vous excuser.
• Si quelqu'un vous vient en aide, vous devez absolument le remercier.
• Certains invités japonais peuvent être considérés comme honoraires. Ils se voient même attribuer une place spéciale à table, qui, en règle générale, est située la plus éloignée de l'entrée de la salle.
• Lorsque vous offrez un cadeau à un Japonais, vous devez vous excuser d'être modeste, malgré ce que cela représente. Ce sont les règles, il ne faut pas les enfreindre.
• Lorsqu'ils sont assis à table, les hommes peuvent croiser les jambes, mais il est strictement interdit aux femmes de le faire. Les jambes doivent être repliées et pointées dans une direction.

La vénération des personnes âgées fait également partie des traditions de la vie quotidienne au Japon. Peu importe la profession, les revenus, l’apparence ou les traits de caractère d’une personne, si elle est plus âgée, elle doit être traitée avec respect. Au Japon, la vieillesse évoque le respect et la fierté. Cela signifie que la personne est décédée long-courrier et maintenant il mérite l'honneur.

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Bonjour, chers lecteurs, chercheurs de connaissance et de vérité !

Aujourd'hui, nous vous invitons à toucher la beauté et à parler de l'art du Japon ancien. Dans l'article ci-dessous, nous examinerons brièvement les étapes de l'histoire qui ont influencé la formation de l'art japonais, puis nous nous attarderons plus en détail sur chacune de ses composantes. Vous découvrirez non seulement les caractéristiques des types traditionnels, par exemple l'architecture, la peinture, mais également l'art des batailles, les miniatures, le théâtre, les parcs et bien plus encore.

L’article promet donc d’être intéressant et surtout éducatif !

Périodes historiques

Le Pays du Soleil Levant possède une culture unique, incarnée dans des bâtiments et temples traditionnels originaux, des peintures, des sculptures, des bijoux, des jardins et des œuvres littéraires. Au cours des derniers siècles, des domaines non triviaux tels que la gravure sur bois, la poésie, l'origami, le bonsaï, l'ikebana et même le manga et l'anime ont gagné en popularité. Tous ont mis beaucoup de temps à se développer, remontant aux temps anciens.

Jusqu’au début du siècle dernier, on savait très peu de choses sur cette époque, car le Japon était un pays plutôt fermé au reste du monde. Cependant, depuis lors, de nombreuses études ont été réalisées dont les découvertes archéologiques sont étonnantes. Ils montrent que déjà au deuxième millénaire avant JC, il existait une société culturelle japonaise et que des tribus primitives vivaient sur les îles il y a 15 à 12 000 ans.

La culture japonaise a commencé à prendre forme vers le 4ème millénaire avant JC, mais a atteint son apogée au Moyen Âge - du 6ème au 18ème siècle.

L'histoire ancienne du Japon commence avec la préhistoire et se termine avec l'étape Heian aux VIIIe et IXe siècles, bien que de nombreux chercheurs incluent également ici des périodes ultérieures. À cet égard, on distingue trois grandes étapes, qui, à leur tour, sont divisées en périodes plus petites, ou Jidaï. Chacun d’eux se caractérise par l’émergence de nouveaux produits, structures et styles.

1. Système communal primitif

La société primitive au Japon existait à l’époque néolithique, lorsque les hommes développaient les premiers outils en pierre, ainsi qu’à l’époque Jomon et Yayoi. On pense que Jomon a duré du 10ème millénaire au 4ème siècle avant JC. Ensuite, les premiers produits en céramique ont commencé à apparaître, qui portaient le même nom que toute l'époque - Jomon.

Récipient en argile de l'ère Jomon

Ces navires étaient de forme asymétrique et avaient des conceptions traditionnelles en corde torsadée. On pense qu’ils étaient utilisés dans divers rituels et cérémonies. Dans le même temps, divers types de bijoux sont apparus : boucles d'oreilles, bracelets et colliers en argile, dents d'animaux, coquillages, pierres et cristal.

Boucles d'oreilles et bracelets en argile de la période Jomon

Au IIIe siècle avant JC commence l'ère Yayoi, qui dure six siècles. Alors les résidents locaux a appris à cultiver du riz, a commencé agriculture, a continué à maîtriser l'artisanat de la céramique et a également commencé à fondre des métaux, parmi lesquels le plus important était le fer, à fabriquer des armes en cuivre et des cloches en bronze.

Cloche dotaku en bronze, fin de l'ère Yayoi

• La formation de l'État japonais a commencé à prendre forme du IVe au VIIIe siècle. Cette période est connue sous le nom de périodes Kofun et Yamato. Puis tout un réseau de tumulus est apparu dans le pays et le Japon lui-même a commencé à se rapprocher de l'Empire céleste, adoptant inévitablement la religion - et avec elle - l'architecture et la sculpture. Le bâtiment le plus important de l'époque est le Horyu-ji, représenté par. une pagode à cinq niveaux. Des sculptures spéciales en argile appelées « haniwa » ont commencé à être installées à proximité des monticules.

Horyu-ji, Japon

• Établissement des lois. Cette étape tombe sur les périodes Nara (VIIIe siècle) et Heian (fin VIIIe-XIIe siècles). À ce moment-là, les Japonais sont devenus encore plus proches de leurs voisins - les Chinois et les Coréens, empruntés, avec le concept bouddhiste, également confucianiste et taoïste, ont adopté des techniques de traitement des métaux, des méthodes de construction et de conception de bâtiments, ainsi que de nouvelles tendances en matière d'architecture. particulièrement modifié - de simples sanctuaires shinto ont été remplacés par des stupas bouddhistes à plusieurs niveaux comme les indiens. Dans les maisons des gens ordinaires, au lieu de la terre nue, des planches de bois apparaissaient sur le sol et des toits de cyprès apparaissaient au sommet.

Représentation de la période Nara au Japon

Si nous parlons de temps ultérieurs, nous pouvons distinguer plusieurs autres périodes et leurs principales caractéristiques culturelles :

• Karakum (XII-XIV siècles) – l'émergence des samouraïs et des arts martiaux ;
• Sengoku et Jidai (XV-XVI siècles) - l'époque de l'expansion européenne dans le monde de l'Est, au cours de laquelle le christianisme et les tendances culturelles occidentales ont pénétré jusqu'au Pays du Soleil Levant ;
• Edo (XVII-XIX siècles) - le règne de la célèbre famille Tokugawa, caractérisé par l'isolement du Japon et le développement de l'identité culturelle.

Tout ce qui s'est passé plus tard est le New Age et la modernité, et maintenant, sans aucun doute, même dans un Japon relativement fermé, une sorte de mondialisation culturelle a lieu - l'expérience des maîtres occidentaux est adoptée, et en Occident, à leur tour, les motifs japonais deviennent à la mode. Cependant, l’art japonais a toujours eu une saveur particulière et des caractéristiques qui lui sont propres.

Simplicité, proportionnalité avec l'homme, concision, matériaux naturels, unité avec la nature, voilà comment caractériser les chefs-d'œuvre japonais, anciens et modernes.

Peinture

Le Japon, comme vous le savez, a longtemps été à l'écart, ses frontières étaient fermées aux autres pays. Lorsque, avec l'avènement du VIIe siècle, les Japonais commencèrent à communiquer de plus en plus avec leurs voisins et à établir des liens avec le monde continental, ils découvrirent la peinture, le parchemin, l'encre et, avec eux, les beaux-arts.

Au début, il se distinguait par son extrême simplicité et sa concision : des images simples étaient réalisées sur du papier noir ou blanc, généralement dans l'une des trois couleurs suivantes : jaune, vert ou rouge. Cependant, progressivement, les compétences des peintres locaux se sont développées, en grande partie grâce à la diffusion des enseignements du Bouddha, à mesure que de plus en plus de nouvelles peintures étaient créées à partir de la vie du Maître et de ses élèves.

Images avec des thèmes bouddhistes dans le Japon ancien

Au IXe siècle, le Japon avait déjà formé sa propre branche de la peinture, indépendante des Chinois. Dans le même temps, le rôle du bouddhisme a commencé à s'affaiblir et les motivations religieuses ont été remplacées par les motivations dites laïques, c'est-à-dire laïques, particulièrement populaires sous le règne de la famille Tokugawa.

Shoguns de la dynastie Tokugawa

Kaiga, comme les Japonais appelaient la peinture, a pris des formes et des styles complètement différents, et la nature y a occupé une place importante. Depuis, la peinture apparaît sous de nouvelles formes :

• Yamato-e est la principale école de peintres. Il est apparu aux IXe-Xe siècles et était soutenu par l'Académie des Arts sous l'empereur. Les œuvres étaient des rouleaux pliés, qui représentaient des sujets littéraires associés à une calligraphie habile. Il existait deux principaux types de rouleaux : les emakimono – longs de plusieurs mètres, pliés horizontalement et souvent affichés sur une table, et les kakimono – pliés verticalement et accrochés au mur. Habituellement, la soie ou le papier étaient peints de couleurs vives dans le style Yamato-e, mais plus tard, les plats en céramique, les vêtements nationaux, les éventails, les murs et les paravents furent de plus en plus utilisés comme toile. Une attention particulière a été portée à la transmission de l'état d'esprit.
• Le Sumi-e, en tant que style indépendant, s'est formé vers le 14ème siècle. Ses caractéristiques sont l'utilisation d'aquarelles et de couleurs noir et blanc.
• Les portraits sont devenus populaires aux XIIIe et XIVe siècles.
• Paysage - a acquis une popularité aux XIVe et XVe siècles, en grande partie grâce à la diffusion du bouddhisme zen dans tout le pays, basé sur l'idée de contemplation et d'unité avec la nature.
• L'ukiyo-e est une peinture lumineuse caractéristique sur tablettes. Apparu au XVIIe siècle, il contenait des images de la nature, de célèbres geishas japonaises ou encore des artistes du théâtre Kabuki. Un siècle plus tard, cette tendance est devenue si populaire qu'elle a même conquis le cœur des Européens : ils ont commencé à appliquer ce style dans leurs propres œuvres.

Gravure traditionnelle Ukiyo-e

Direction architecturale

Initialement, l'architecture japonaise se limitait à la construction d'anciennes maisons traditionnelles - haniwa. Ils ont été créés avant le IVe siècle et leur apparence ne peut être jugée qu'à partir de modèles miniatures en argile et de dessins survivants, puisqu'ils n'ont pas survécu jusqu'à ce jour.

La vie et la vie quotidienne des gens ordinaires se déroulaient ici. C'étaient des sortes de pirogues, recouvertes d'un auvent de paille sur le dessus. Il était soutenu par des cadres en bois spéciaux.

Plus tard, le takayuka est apparu - un analogue des greniers. Ils étaient également constitués de poutres de support spéciales, qui permettaient de sauver la récolte des catastrophes naturelles et des ravageurs.

À peu près à la même époque, aux Ier et IIIe siècles, des temples de l'ancienne religion shinto ont commencé à apparaître en l'honneur des divinités qui protégeaient les forces de la nature. Ils étaient le plus souvent construits à partir de cyprès non traités et non peints et avaient une forme rectangulaire laconique.

Le toit en chaume ou en pin était à pignon et les structures elles-mêmes étaient construites sur des piliers entourés de pavillons. Une autre caractéristique des sanctuaires shinto est la porte d’entrée en forme de U.

Dans le shintoïsme, il existe une loi de renouveau : tous les vingt ans, le temple était détruit, et presque exactement le même, mais nouveau, était construit au même endroit.

Le temple le plus célèbre s’appelle Ise. Elle a été construite pour la première fois au début du 1er millénaire et, selon la tradition, elle a été constamment reconstruite. Ise se compose de deux complexes similaires situés légèrement à l'écart l'un de l'autre : le premier est dédié aux pouvoirs du soleil, le second à la divinité de la fertilité.

À partir du VIe siècle, les enseignements bouddhistes venus de Chine et de Corée commencent à se répandre au Pays du Soleil Levant, et avec eux les principes de construction des temples bouddhistes. Au début, ils ont présenté des copies chinoises, mais plus tard, un style spécial, véritablement japonais, a commencé à être tracé dans l'architecture des temples.

Les structures ont été construites de manière asymétrique, comme si elles se fondaient dans la nature. Laconisme et clarté des formes, une charpente en bois couplée à une fondation en pierre, des pagodes à plusieurs étages, des couleurs pas trop vives, voilà ce qui distingue les sanctuaires de cette époque.

Beaucoup d'entre eux ont survécu jusqu'à ce jour. Les monuments architecturaux comprennent le Horyu-ji du début du VIIe siècle avec son célèbre Temple d'Or et 40 autres bâtiments, le Todai-ji du milieu du VIIIe siècle dans la ville de Nara, qui est encore considéré comme la plus grande structure en bois de la planète. Dans le même temps, l’architecture bouddhiste est étroitement liée à la sculpture et à la peinture, qui représentent des divinités et des motifs de la vie de l’Instructeur.

Temple Todai-ji

Au tournant des XIIe et XIIIe siècles, la féodalité commença dans l'État et c'est pourquoi le style Shinden, caractérisé par sa splendeur, devint populaire. Il a été remplacé par le style sein, dominé par la simplicité et une certaine intimité : à la place des murs, il y a des écrans presque en apesanteur, au sol il y a des nattes et des tatamis.

Dans le même temps, des palais et des temples des seigneurs féodaux locaux ont commencé à apparaître. Les chefs-d'œuvre de ce type de structure sont le célèbre Kinkaku-ji du XIVe siècle, ou Pavillon d'Or, ainsi que le Ginkaku-ji du XVe siècle, également connu sous le nom de Temple d'Argent.

Temple Ginkaku-ji (Pavillon d'Or)

Parallèlement aux palais et aux temples, l'art du jardinage paysager a commencé à émerger aux XIVe et XVe siècles. Son apparition est en grande partie due à la pénétration de l'enseignement contemplatif du Zen au Japon. Des jardins ont commencé à apparaître autour des temples et des grandes habitations, dont les principaux éléments étaient non seulement des plantes et des fleurs, mais aussi des pierres, de l'eau, ainsi que des monticules de sable et de galets, symbolisant l'élément eau.

Unique dans la ville de Kyoto, connue dans le monde entier.

Un autre type de jardin est le jardin de thé, appelé « tyaniva ». Il entoure la maison de thé, où se déroule une cérémonie spéciale et tranquille, et un chemin spécial traverse tout le jardin jusqu'à la maison. Apparue au Moyen Âge, la tyaniva se retrouve aujourd'hui partout.

Direction sculpturale

La sculpture dans le Japon ancien est principalement associée aux traditions religieuses et rituelles. Aux IIIe-Ve siècles, les gens ont appris à fabriquer de petites figurines appelées dogu.

Dogu représentait des personnes et des animaux, et étant donné qu'ils ont été trouvés dans des tumulus, nous pouvons conclure qu'ils ont été placés dans la tombe avec les défunts - c'étaient leurs serviteurs qui pourraient être utiles dans l'autre monde. Les Dogu étaient des figures en argile, en bronze, en bois et en laque. Plus tard, de plus grandes statues de divinités ont également été créées dans les tumulus et les sanctuaires shinto.

Figurine Dogu

L’arrivée du bouddhisme dans le pays a naturellement affecté la sculpture locale. Aux VIe-VIIe siècles, de nombreux monuments dédiés à Bouddha ont commencé à apparaître. A la suite des maîtres chinois et coréens, les sculpteurs locaux ont commencé leur voyage.

Au IXe siècle, l'orientation sculpturale a commencé à se développer encore plus, mais l'apparence des bouddhas a changé et ils ont commencé à avoir plusieurs, jusqu'à mille, visages et mains. Le plus souvent, ils étaient fabriqués à partir de bois solide, de vernis, de bronze et d'argile.

De nombreux beaux monuments ont survécu jusqu'à ce jour. Par exemple, dans le temple Haryu-ji, une figure majestueuse de Bouddha est assise sur une fleur de lotus, et à Todai-ji se trouve tout un ensemble de divinités dirigées par un Bouddha de 16 mètres, créé par les sculpteurs Kaikei et Unkei.

Autres types

L'art japonais est multiforme et on peut en parler pendant des heures. Parlons de plusieurs autres types d'art originaires des temps anciens.

• Calligraphie

On l’appelle sedo, ce qui signifie « route des notifications ». La calligraphie est apparue au Japon grâce à beaux hiéroglyphes, qui ont été empruntés aux Chinois. Dans de nombreuses écoles modernes, cette matière est considérée comme obligatoire.

• Haïku ou haïku

Le haïku est une poésie lyrique japonaise particulière apparue au 14ème siècle. Le poète est appelé « haijin ».

• Origami

Ce nom se traduit par « papier plié ». Originaire de l'Empire du Milieu, l'origami était initialement utilisé dans les rituels et constituait une activité réservée à la noblesse, mais s'est récemment répandu à travers le monde.

L'art ancien de l'origami au Japon

• Ikébana

Le mot traduit signifie « fleurs vivantes ». Comme l’origami, il était à l’origine utilisé dans les rituels.

• Miniatures

Les deux types de miniatures les plus courants sont le bonsaï et le netsuke. Les bonsaïs sont des copies d'arbres réels sous une forme considérablement réduite. Les netsuke sont de petites figurines semblables à des porte-clés talisman apparus aux XVIIIe et XIXe siècles.

• Arts martiaux

Ils sont principalement associés aux samouraïs - une sorte de chevalerie, aux ninjas - tueurs mercenaires, aux bushido - guerriers.

• Arts du théâtre

Le théâtre le plus célèbre, la fierté de tous les Japonais, est le théâtre classique Kabuki. Vous pouvez lire en détail sur l'art théâtral au Japon.

Théâtre Kabuki au Japon

Conclusion

Comme le montre l'article, le Japon est tout un trésor de chefs-d'œuvre de l'art non seulement national, mais aussi mondial. Depuis l'Antiquité, qui commence bien avant notre ère, les Japonais ont commencé à créer et à créer de belles choses autour d'eux : peintures, bâtiments, sculptures, poèmes, parcs, miniatures - et ce n'est pas toute la liste.

Il est intéressant de noter que les caractéristiques inhérentes à la culture japonaise de l'Antiquité peuvent être retrouvées dans les créations des temps modernes - simplicité, concision, naturel, désir d'harmonie avec la nature.

Merci beaucoup pour votre attention, chers lecteurs ! Nous espérons qu'aujourd'hui vous avez appris beaucoup de choses sur un pays aussi mystérieux et lointain que le Japon. Rejoignez-nous - laissez des commentaires, partagez des liens vers des articles avec des amis - nous serons très heureux d'explorer le monde mystérieux de l'Est avec vous !

À bientôt!

Himeji est l'un des plus anciens châteaux du Japon

Art japonais ancien
La culture japonaise a pris forme et s'est développée dans des conditions naturelles et historiques particulières. Le Japon est situé sur quatre grandes et de nombreuses petites îles entourées de mers. Située à l'extrême est, elle a connu une influence périodiquement croissante, puis à nouveau s'estompée, de cultures continentales telles que la Chine et la Corée. Aux périodes d'interaction avec le monde extérieur ont succédé dans l'histoire du Japon de longs siècles d'isolement culturel (périodes du Xe au XIVe siècle et du XVIIe au milieu du XIXe siècle). Cette dernière circonstance a contribué au développement et à la consolidation de nombreuses caractéristiques uniques de la culture japonaise en général et de l'art en particulier. La connaissance de la culture occidentale a eu lieu au XVIe siècle, alors que les principales caractéristiques de la civilisation japonaise originale étaient déjà formées. Jusqu’en 1854, le Japon commerçait avec la Chine et la Hollande via un seul port.

Ce sont les anciens habitants des îles japonaises - chasseurs et pêcheurs - qui ont découvert les découvertes qui en ont résulté. fouilles archéologiques Des haches en pierre, des harpons, des pointes de flèches et des récipients en céramique sculptés à la main, nommés d'après le motif « Jomon », signifiant « marque de corde », imprimé dessus. C’est pourquoi la culture néolithique au Japon est également appelée Jomon. Arrivés de Sibérie, de Polynésie, puis de Corée et de Chine, les colons se situent à différents stades de développement culturel. Cela explique le fait que dans certaines couches culturelles se trouvent des monuments du Néolithique et de l’Âge du Bronze. La langue japonaise est proche des langues du groupe de l'Altaï. Lorsque, grâce aux contacts avec la culture chinoise, les Japonais se sont familiarisés avec l'écriture hiéroglyphique chinoise, il s'est avéré très difficile d'adapter les caractères chinois pour transmettre le discours oral japonais.

La période initiale de la culture japonaise, sur laquelle des données fiables ont été conservées, est appelée l'ère des kofuns (monticules) - des sépultures dont la partie au sol était un monticule de terre de forme caractéristique - une connexion d'un cercle et d'un trapèze, rappelant un trou de serrure, qui symbolisait l'union de la terre et de l'eau. Ils étaient de taille considérable, ils étaient entourés d'un double fossé avec de l'eau, de l'herbe poussait au sommet du monticule et le long du périmètre intérieur du monticule se trouvaient des figurines creuses en argile représentant des personnes, des animaux, des modèles de bateaux et de maisons de 30 cm. à un mètre et demi de haut. On les appelait « Haniwa ». À l'intérieur de la chambre funéraire se trouvaient des cercueils avec des représentants décédés de la noblesse, où étaient placés des objets rituels : un miroir, une cloche dotaku, dont le son était censé effrayer les mauvais esprits et attirer les dieux - les patrons des agriculteurs. Les sépultures des rois de Yamato contenaient nécessairement des symboles rituels de pouvoir tels que des pendentifs et des épées en jade. Pour exalter les rois du clan Yamato, le début de l'histoire a été établi, la hiérarchie des dieux a été déterminée et la divinité Amaterasu (« Brillant du ciel ») a été identifiée, qui a transféré le pouvoir sur les îles japonaises aux rois du clan Yamato. clan. Le nom « Nippon » ou « Nihon », signifiant « pays du soleil levant », apparaît au VIIe siècle. En 608 commencent les voyages d'études en Chine, qui se poursuivent pendant plus de deux siècles.

Dotaku - cloches rituelles en bronze - cylindres rétrécis vers le haut, surmontés de larges boucles à saillies figurées, dont les parois sont divisées en carrés remplis d'images graphiques

Les croyances hétérogènes des Japonais, qui présentent de nombreuses caractéristiques d'animisme primitif et de fétichisme, se reflètent dans le shintoïsme. Le shintoïsme (« la voie des dieux ») reflète intrinsèquement les idées japonaises sur la spiritualité universelle de la nature. D’innombrables « kami » (esprits) existent aussi bien dans des objets paysagers miraculeux, comme le lac Biwa et le mont Fuji, que dans des objets créés par l’homme – épées, miroirs, qui sont donc dotés de propriétés magiques. Le temple shinto se distinguait par la simplicité de sa structure en bois : une seule pièce était placée sur pilotis, entourée de tous côtés par une véranda. À l’intérieur du sanctuaire shinto, il faisait sombre et vide. Les croyants n'entraient pas dans le temple.

Période Para (645-794 après JC)

Nara est le nom de la première capitale et de la seule ville du Japon à cette époque. C'était l'époque de la création de l'État japonais, de l'introduction du bouddhisme et de la création de monuments d'art bouddhiste - temples, pagodes et diverses statues de divinités bouddhistes. Le bouddhisme durant cette période n'était pas tant la foi du peuple qu'une continuation de la politique de la cour. Diverses sectes du bouddhisme jouèrent un rôle très important à la cour, les propriétés foncières des monastères bouddhistes se développèrent et les moines exercèrent une énorme influence à la cour. Des monastères bouddhistes apparaissent, qui sont des groupes de bâtiments en bois situés sur une zone rectangulaire entourée de murs. La large allée menant à la porte d'entrée, la place devant le temple et la pagode à plusieurs niveaux visible de loin étaient particulièrement importantes. Les temples en bois étaient peints de vernis rouge, élevés sur des fondations en pierre et avaient de larges toits incurvés à double toit - irimoya.

Parmi les premiers temples bouddhistes figurent Asukadera et Horyuji. La construction de ce dernier a commencé en 607 à la demande du prince héritier Shotoku Taishi, alors régnant. Le monastère se composait de 53 bâtiments répartis sur une superficie de 90 000 mètres carrés. m. La façade du temple est orientée au sud, les bâtiments principaux sont situés sur l'axe nord-sud, la zone sacrée est au nord, il y avait une salle pour les sermons - un kodo, un condo et une pagode à cinq niveaux. Il y avait 265 statues à Horyuji, la principale image sculpturale était la trinité Shakyamuni, représentée par une sculpture du fondateur de la foi, accompagné de deux bodhisattvas. Au 8ème siècle Les grands monastères possédaient déjà des ateliers de sculpteurs. Le culte du bodhisattva Kannon, dont le nom était une traduction du nom sanskrit Avalokiteshvara (Auditeur des sons du monde), s'est répandu. Rempli de compassion pour les êtres vivants, le Bodhisattva est capable d'écouter les sons de ceux qui souffrent, où qu'ils se trouvent. Le culte d'Avalokiteshvara est originaire du nord-ouest de l'Inde et s'est répandu en Chine. Dans le Sutra du Lotus, il est dit que le bodhisattva prenait la forme des êtres qui l'invoquaient. Au Japon, la diffusion du culte de Kannon a conduit à l'apparition d'un grand nombre de ses images - Saint Kannon aidant en enfer, Kannon à tête de cheval répandant la miséricorde au bétail et aux mauvais esprits - les asuras sont sauvés par milliers - Kannon armé, Kannon avec une ligne de pêche sauve les gens.

Période Heian (794-1185)

En 794, la capitale de l'État fut transférée à la ville de Heian (aujourd'hui Kyoto). Durant la période Heian, une culture de cour sophistiquée s'épanouit. Un syllabaire japonais a été créé - kana (japonais - hiéroglyphe emprunté). Au début, seules les femmes utilisaient cette écriture, alors que l’écriture officielle restait le chinois. Tout au long du Xe siècle. L'écriture féminine a commencé à être utilisée dans la pratique privée. Au 11ème siècle L'apogée de la littérature classique japonaise a commencé, dont un brillant exemple est le roman « Genji Monogatari », créé par la dame de la cour Murasaki Shikibu.

Dans l'art Heian, la place principale est occupée par les images bouddhistes des sectes ésotériques Tendai et Shingon venues de Chine à cette époque, qui enseignaient que tous les êtres vivants possèdent l'essence de Bouddha. En entraînant l’esprit et le corps, en accomplissant les vœux, chacun est capable d’acquérir l’essence de Bouddha au cours de plusieurs renaissances. Les temples de ces sectes étaient construits au sommet des montagnes et sur des corniches rocheuses, et les maisons de prière étaient divisées en deux parties. Les croyants ordinaires n'étaient pas autorisés à accéder à l'intérieur, où se trouvait l'image sacrée.

L'ère Heian est une période de luxe pour les cercles dirigeants. C'est à cette époque que le type de logement Shinden a été formé. Même dans les climats chauds, les murs n’étaient pas un capital et n’avaient aucune valeur portante. Ils pourraient très facilement être démontés, remplacés par des modèles plus durables par temps froid ou complètement retirés par temps chaud. Il n'y avait pas non plus de fenêtres. Au lieu du verre, du papier blanc a été tendu sur le cadre en treillis, laissant entrer une lumière tamisée et diffuse dans la pièce. Les larges avant-toits protégeaient les murs de l'humidité et du soleil. L'intérieur, dépourvu de mobilier permanent, était doté de cloisons coulissantes, grâce auxquelles il était possible de créer à volonté soit un hall, soit plusieurs petites pièces isolées ; le sol était recouvert de nattes de paille - tatamis, de même dimension (180 sur 90) ; cm).

Des textes confucianistes et bouddhistes ont été importés de Chine pendant la période Heian. Ils étaient souvent décorés d'images. Initialement, les artistes japonais copiaient les « lieux célèbres » chinois, mais à partir du Xe siècle. se tournent vers la représentation des paysages et des coutumes de leur pays d'origine. La peinture Yamato-e a été créée, qui différait de la peinture chinoise en utilisant des thèmes de la poésie japonaise, des nouvelles, des romans ou des légendes populaires. Le tableau tire son nom du nom de la région de Yamato - la partie sud-ouest de l'île de Honshu, où l'État du Japon a été formé.
L'image représentait souvent un rouleau d'illustrations avec le texte correspondant, qui était pris à la main et détordu de droite à gauche, lors de la lecture de la section correspondante, l'illustration suivante était examinée ;

La peinture Yamato-e a prospéré à la fin de la période Heian. À cette époque, apparaissent des artistes professionnels qui peignent des images de sujets profanes sur des écrans, des cloisons coulissantes (shoji) et des parchemins - emakimono. Le plus ancien des rouleaux est le Genji Monogatari. Les rouleaux d'Emakimano étaient des peintures-histoires. Le rouleau « Genji-monogatari-emaki », le célèbre roman de Murasaki Shikibu, a survécu jusqu'à nos jours, décrivant la vie oisive de l'aristocratie dans des couleurs vives ; c'est une synthèse de la calligraphie, de la littérature et de la peinture ; Dans les 19 des 54 chapitres illustrés du roman qui ont survécu, il n'y a pas d'intrigue unique ni d'action continue. La plupart des scènes représentées se déroulent dans des intérieurs, tout ce qui est visible est montré d'en haut, il n'y a pas de point de fuite unique des lignes, une correspondance à grande échelle des figures et de l'architecture, les visages de tous les personnages sont les mêmes, seuls les coiffures et les vêtements sont différents . L’attention principale de l’artiste est de transmettre le contenu émotionnel des événements qui se déroulent dans le roman et qui sont bien connus de tous. Les principales techniques consistent à construire l'espace et à utiliser les possibilités de la couleur. Pour transmettre l'état interne des personnages et l'atmosphère de chaque scène, il est important pour l'artiste sous quel angle par rapport au bord inférieur du parchemin sont dirigées les lignes diagonales, indiquant soit les poutres des structures, soit le rideau tiges, ou le bord de la véranda. Selon le degré de tension émotionnelle, cet angle varie de 30 à 54 degrés.

Bodhisattva - Kannon apparaît en Chine, en Corée et au Japon principalement sous forme féminine, dans ses mains avec une cruche, une branche de saule et un lasso

Dans les maisons des aristocrates, il n'y avait pas de cloisons, ni de paravents ni de rideaux. meilleurs artistes peint des tableaux de Yamato-e. Les peintures Yamato-e formaient une unité avec les œuvres littéraires, qui étaient également placées sur des paravents et des rideaux. Dans les anthologies poétiques des X-XIII siècles. Les poèmes écrits sur écrans des IXe-Xe siècles ne sont pas rares. Le plus grand nombre de ces poèmes est contenu dans l’anthologie « Suixu ». Tout comme la poésie avait pour thème les quatre saisons, la peinture pour écrans l’était aussi. Dans la lignée de l’écriture folklorique, un certain système de formules poétiques s’est développé et est ensuite devenu la base de la poétique classique japonaise. Ainsi, le signe du printemps était une brume brumeuse, un saule, le signe de l'été - le coucou, les cigales, le signe de l'automne - les feuilles d'érable écarlates, le cerf, la lune, l'hiver - la neige et les fleurs de prunier.

Kyoto est l'ancienne perle du Japon.

L'abondance d'homonymes dans la langue a permis de donner aux poèmes de nombreux sens. Thèmes et intrigues permettaient, à travers un détail ou une allusion sous une forme poétique extrêmement laconique (il y a 31 syllabes dans un tanka), d'exprimer la diversité de toutes les nuances d'états émotionnels. Des écrans avec textes, il y a eu une transition progressive vers des écrans sans texte. C'est ainsi qu'apparaissent les véritables divisions des genres picturaux : shiki-e (« images des quatre saisons ») et mei-se-e (« peintures de lieux célèbres »).
La composition de ces peintures ne correspondait à aucune des catégories de la peinture chinoise. La plus grande fusion de la nature et de l’homme deviendra caractéristique de divers genres d’art japonais.

Période Kamakura (1185-1333) et Muromachi (1333-1568)

À la fin du XIIe siècle, la capitale fut à nouveau déplacée ; le pouvoir dans le pays, à la suite d'une querelle sanglante, fut pris par le clan Minamoto, dont le chef déplaça la capitale dans sa colonie Kamakura, dont le nom devint le nom de la prochaine étape de l’histoire du Japon. La classe militaire des samouraïs est arrivée au pouvoir dans le pays, parmi lesquels sont venus les shoguns - les véritables dirigeants militaires du Japon ; l'empereur, resté à Nara, n'a conservé que les attributs nominaux du pouvoir. Les samouraïs préféraient la simplicité à la sophistication de la culture de cour. Les monastères de la secte Zen ne comportaient plus de pagodes ; les temples ressemblaient à des cabanes rurales. De la fin du XIIIe siècle. sous l'influence des idées panthéistes de la secte Zen, le paysage a commencé à incarner l'idée de​​la présence de divinités bouddhistes dans tout objet paysager. Dans les monastères de Kamakura, s'est développée une iconographie de portraits du patriarche de Minsk : assis et dans une pose calme avec une caractéristique faciale accentuée et le pouvoir hypnotique de son regard. Sous l'influence de la secte Zen, la sculpture est reléguée au second plan ; la peinture, notamment la peinture de paysage, exprime la vision du monde des hommes de cette époque.

La période Muromachi commence avec les événements de 1333, lorsque les seigneurs féodaux des régions du sud-est de l'île de Honshu capturèrent et brûlèrent Kamakura, rendant la capitale à Heian. C'était une époque de conflits internes et de guerres entre clans féodaux. L'élément phare des temps troublés était l'enseignement des adeptes de la secte Zen selon lequel, après avoir atteint l'unité avec la nature, on peut accepter les difficultés de la vie et atteindre l'unité avec le monde. La peinture de paysage arrive au premier plan dans l’art japonais, sous l’influence de l’enseignement zen selon lequel le « corps » du Bouddha est la nature. Dans la seconde moitié du XIIe siècle. La peinture à l’encre noire est arrivée de Chine au Japon. Les Japonais, qui se livraient principalement à cette peinture, étaient membres de la secte Zen. Ils créèrent un nouveau style qui expliquait la nouvelle doctrine (shigaku - une combinaison de peinture et de poésie). XVe et XVIe siècles - l'époque de floraison maximale de la peinture à l'encre, dont le principal maître fut Sesshu Toyo (1420-1506). En parallèle de ce style, il y avait aussi le style Yamato-e.

Les changements dans les relations socio-politiques, qui ont mis la classe militaire au premier plan, ont également déterminé l'apparence au XVIe siècle. Style architectural sein. Le volume autrefois unique de la maison est désormais divisé à l'aide de portes coulissantes (shoji) et de cloisons coulissantes (fusuma). Un endroit spécial pour étudier est apparu dans les pièces - une étagère pour les livres et une fenêtre avec un large rebord de fenêtre et une niche (tokonoma), où un bouquet ou une pierre de forme fantaisiste était placé et un rouleau vertical était suspendu.

Au 16ème siècle dans l'histoire de l'architecture japonaise, les pavillons de thé apparaissent en raison de la nécessité mise en œuvre correcte cérémonie du thé. Le thé a été introduit au Japon pendant la période Kamakura par les moines bouddhistes comme médicament. Le rituel du thé (cha-no-yu) a été introduit à l'initiative du moine zen Murata Shuko et nécessitait une méthode particulière pour sa mise en œuvre. C'est arrivé comme ça nouveau type structure architecturale- chashitsu (pavillon pour la cérémonie du thé), dans sa base structurelle, il était proche d'un immeuble résidentiel et dans sa fonction - d'un temple bouddhiste. Les supports du pavillon de thé étaient en bois et le plafond était tapissé de bambou ou de roseau. À l'intérieur d'une hutte de 1,5 ou 2 tatamis recouverts de nattes, avec des murs en pisé, de petites fenêtres à plusieurs niveaux, une niche tokonoma avec un paysage monochrome suspendu et une fleur dans un vase, il y avait un foyer et une étagère pour les ustensiles.

L'art de créer des jardins a prospéré pendant la période Muromachi. Les jardins japonais sont différents. Les petits jardins sont le plus souvent situés au niveau des temples ou associés à une maison traditionnelle, ils sont destinés à être visités. Les grands jardins paysagers sont conçus pour être vécus de l’intérieur.

Kondo - (salle dorée japonaise) - le temple principal du complexe bouddhiste, contenant des icônes, des statues et des peintures murales

Le jardin du temple zen a été construit sur le principe d’un rouleau paysager monochrome. Au lieu d'une feuille de papier, l'artiste a utilisé la surface d'un lac ou d'une plate-forme recouverte de galets, et au lieu de taches et de délavages, d'épaisses pierres, de mousses, de feuillages d'arbres et d'arbustes. Peu à peu, les fleurs ont disparu du jardin, elles ont été remplacées par des mousses et des arbustes et des pierres ont commencé à être utilisées à la place des ponts. Certains jardins étaient paysagés et vallonnés (tsukiyama). Les jardins Tsukiyama étaient une combinaison d'éléments naturels tels que des pierres, des mousses, des arbres, des étangs, avec le pavillon obligatoire sur le rivage. Le jardin paysager le plus ancien est situé à Kyoto et appartient au monastère Sohoji. Les jardins secs étaient appelés « hiraniwa », c'est-à-dire plat. Hiraniva est un jardin « philosophique », car il requiert une imagination développée de la part du spectateur. Le jardin Hiraniwa « était fait de pierres, de sable et de galets. Fermé sur trois côtés par un mur qui l'entourait, le jardin était destiné uniquement à la contemplation. A la fin du XVe siècle. l'un des jardins secs les plus célèbres a été créé au monastère de Reanji. Il comprend 15 pierres situées sur une zone de gravier rectangulaire. Dans le jardin Hiraniwa du monastère de Daitokuji, créé en 1509, la nature est représentée par des compositions de pierres et de galets. L'une des parties du jardin est appelée « l'océan du vide » et se compose de deux collines de galets basses sur une zone rectangulaire. Les jardins pourraient se compléter.

A la fin du XVe siècle. L'école de peinture décorative de la cour de Kano est créée. Le fondateur de l'école, Kano Masanobu (1434-1530), issu de la classe militaire, devint un artiste de cour professionnel reconnu. Ses paysages n'avaient qu'un premier plan, tout le reste était obscurci par une brume brumeuse. L'accent mis sur un sujet spécifique de l'image deviendra caractéristique de l'école Kano. La place principale dans le travail des artistes de l'école de Kano était occupée par les peintures murales décoratives et les paravents avec peinture de genre. Les peintures murales sont devenues l'élément principal de la synthèse avec la forme architecturale et un moyen d'influencer sens figuré espace architectural. À leur tour, les caractéristiques de la forme architecturale exigeaient certaines qualités stylistiques des peintures, c'est pourquoi un nouveau canon de style s'est progressivement formé, qui a été conservé dans la peinture japonaise jusqu'au 19ème siècle.

Shinden est un type de bâtiment résidentiel. Le bâtiment principal, de plan rectangulaire, comporte une salle, tournée vers la place avec sa façade sud et encadrée de galeries à l'est et à l'ouest.

Période Momoyama (1X73-1614)

Et cette fois, l'ère des guerres féodales a pris fin, le pouvoir dans le pays est passé aux dictateurs militaires successifs - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi et Iyaesu Tokugawa. C’était une époque de croissance urbaine, de sécularisation et de démocratisation de la culture, ainsi que de pénétration de nouvelles orientations de valeurs. L'architecture culte a perdu son ancien sens. Les nouveaux dirigeants du Japon ont déclaré leur pouvoir en construisant des châteaux grandioses, dont la construction a été provoquée par l'apparition au Japon armes à feu et un changement correspondant dans les tactiques de combat et de défense. Le château est devenu un type fondamentalement nouveau d’architecture japonaise. Le territoire asymétrique du château, entouré de douves, de tours de guet et de tours d'angle, comprenait une place centrale et de nombreuses cours et pièces, abris souterrains et passages. Les locaux d'habitation étaient situés dans un bâtiment en bois situé sur le terrain du château avec une hiérarchie stricte des espaces intérieurs qui reflétait la hiérarchie sociale. Les peintures murales décoratives, de taille grandiose, peintes de couleurs vives sur fond doré, convenaient particulièrement aux intérieurs de châteaux plongés dans le crépuscule.

Kano Eitoku (1543-1590). Créateur d'un nouveau style de peintures destinées à glorifier les dictateurs militaires. Il fut le premier à développer le principe d'une composition unique sur de grandes surfaces horizontales, agrandissant les formes et abandonnant les petits détails pour transmettre non seulement les silhouettes, mais aussi la dynamique de leurs formes. Eitoku se caractérise par une volonté d'augmenter la planéité du tableau et de valoriser ses qualités décoratives. Ainsi, aux endroits symbolisant l'espace vide, sont placées des taches mélangées à de la poudre d'or. L’espace de la composition ne se déploie pas en profondeur, mais le long du regard.
En 1576, un château sans précédent doté d'une tour colossale de sept étages fut érigé sur les rives du lac Biwa, censé démontrer le pouvoir du dictateur Oda Nobunaga. Une particularité du château était la présence de chambres non seulement officielles, mais aussi privées. La décoration principale des pièces était constituée de peintures murales, confiées à Kano Eitok, qui y travailla pendant trois ans avec un grand groupe d'assistants. Kano Eitoku, que le dictateur s'empressa de compléter la commande, commença à agrandir les formes, à l'aide d'un pinceau épais en paille de riz, en recourant à des gestes laconiques. langage artistique. La place principale était occupée par l'image d'arbres, de fleurs, d'oiseaux et d'animaux. La palette de couleurs était vive, il n’y avait aucune nuance de couleur.

Le changement de la situation sociale dans le pays après l'arrivée au pouvoir des shoguns Tokugawa a conduit à l'interdiction de la construction de châteaux.
Dans les œuvres des artistes du premier tiers du XVIIe siècle. les nouvelles fonctionnalités commencent à dominer. En peinture, le désir de compositions équilibrées et calmes, l'augmentation des formes ornementales et l'intérêt pour la culture de l'ère Heian et les œuvres de Yamato-e sont devenus plus perceptibles. ParticularitéÉcoles Kano de cette époque - ornementation et caractère décoratif accru. Quand dans le deuxième quart du XVIIe siècle. La construction de châteaux fut interdite et le paravent devint la principale forme de peinture décorative. La monumentalité de Kano Eitoku a disparu de la peinture décorative. L'art acquiert une touche personnelle, qui influence également ses qualités stylistiques. Décoratif tableau XVII V. s'inspire le plus souvent des héros et des thèmes de la littérature classique, reflétant l'éventail des intérêts de l'aristocratie tribale, ainsi que de l'élite bourgeoise émergente. La peinture décorative s'est développée dans l'ancienne capitale, Kyoto.

Ogata Korin, un nouveau représentant de l'école de Kano, est devenu un représentant du goût des nouveaux consommateurs d'art - citadins, commerçants et artisans.

Emakimano - un rouleau horizontal de papier ou de soie collé sur une base encadrée d'une bordure en brocart avec un rouleau en bois à l'extrémité

Ogata Korin (1658-1716) vivait comme un riche débauché et visitait constamment les « quartiers gays ». Ce n'est qu'après la ruine, confronté au besoin pressant de gagner sa vie, qu'il commence à se lancer dans la peinture et la peinture textiles. Ogata Korin s'occupait à la fois de la céramique et de la laque, et peignait des kimonos et des éventails. Comment
maître, il commence par une initiation à la peinture traditionnelle et à ses techniques. Korin a toujours recherché la compacité et l'équilibre des formes ; un trait caractéristique de son style créatif est la concentration sur le développement de plusieurs motifs d'intrigue, leur répétition et leur variation répétées. Pour la première fois dans l'œuvre d'Ogata Korin, une œuvre d'après nature est apparue. Dans le tableau du paravent « Prunier rouge et blanc », le motif de l'intrigue repris par Korin renvoie à la poésie classique avec ses images. début du printemps et l'éveil de la nature. Des deux côtés du ruisseau, des arbres en fleurs sont inscrits sur un fond doré : un prunier rouge trapu au tronc épais et courbé et aux branches s'élevant presque verticalement, et un autre, indiqué uniquement par le pied du tronc et une branche fortement courbée, comme s'il tombe à l'eau, et donc subitement rejeté, parsemé de fleurs blanches.

Kano Eitoku faucon sur un pin. Écran. Détail de la fin du XVIe siècle.

Ogata Kenzan (1663-1743), contrairement à son frère aîné Ogata Korin, attiré dès sa jeunesse par les valeurs spirituelles, était un adepte du bouddhisme zen, connaissait la littérature classique chinoise et japonaise, le théâtre Nô et le rituel du thé. Sur le territoire appartenant au temple Ninnaji, Kenzan a reçu l'autorisation de construire son propre four à céramique, qui a produit des produits pendant 13 ans jusqu'en 1712. Il ne recherchait pas la rentabilité, il était guidé par l'idée de créer des produits hautement artistiques. . Pour la première fois, il a utilisé les techniques traditionnelles de peinture à l'encre en peinture. forme volumétrique. Kenzan a commencé à utiliser la couleur, il a écrit sur un tesson humide, l'argile poreuse absorbait la peinture, comme le papier dans la peinture à l'encre. Comme son grand contemporain, le poète Basho, qui a fait du haïku un genre populaire et populaire en révélation, Ogata Kenzan a montré que les assiettes, tasses et vases en céramique ordinaires peuvent être à la fois des objets utilitaires et en même temps des chefs-d'œuvre poétiques de l'art.

Période Edo (1614-1868)

En 1615, les samouraïs furent réinstallés de Kyoto à Edo. L'importance de la classe des marchands, commerçants et prêteurs d'argent, concentrés à Mara, Kyoto et Osaka, a pris de l'importance. Pour les représentants de ces groupes sociaux Elle se caractérisait par une perception mondaine de la vie, un désir de se libérer de l'influence de la morale féodale. Pour la première fois, l'art se tourne vers des thèmes de la vie quotidienne, y compris la vie des soi-disant. quartiers joyeux - le monde des maisons de thé, du théâtre Kabuki, des lutteurs de sumo. L'apparition de la gravure sur bois était associée à la démocratisation de la culture, puisque la gravure se caractérise par la circulation, le bon marché et l'accessibilité. Après la peinture quotidienne, la gravure a commencé à être appelée ukiyo-e (littéralement, le monde mortel et changeant).

La production de gravures a acquis une large ampleur. La première période de développement du graphisme ukiyo-e est associée au nom de Hashikawa Moronobu (1618-1694), qui représentait des scènes simples de la vie des habitants des maisons de thé et des artisans, combinant dans une seule gravure des événements de différentes époques, sans rapport les uns aux autres. Le fond des gravures restait blanc, les lignes étaient nettes. Peu à peu, la gamme de thèmes dans les gravures s'est élargie et l'intérêt non seulement pour le monde extérieur, mais aussi pour le monde intérieur des personnages est devenu plus profond. Gravure japonaise en 1780-1790. entre dans son apogée. Suzuki Haranobu (1725-1770) a commencé à révéler le monde intérieur des héros dans des gravures telles que « Les beautés cueillant une branche de prunier » et « Les amoureux dans un jardin enneigé ». Il fut le premier à utiliser la technique du roulage, créant une transition du ton sombre au ton clair, et à varier l'épaisseur et la texture des lignes. Il ne s'est jamais soucié des couleurs réelles, la mer dans ses gravures est rose, le ciel est sablonneux, l'herbe est bleue, tout dépend de l'ambiance émotionnelle générale de la scène. L'une de ses meilleures œuvres, « Lovers Playing the Same Shamisen », a été créée sur le thème du proverbe japonais : « Si la musique favorise l'amour, jouez ».

Tokonoma - une niche à l'intérieur d'un salon de thé

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - un maître exceptionnel de l'ukiyo-e. Son travail a commencé avec les albums « The Book of Insects » et « Songs of Shells ». Dans ses portraits de femmes en pied et en pied, Utamaro est le premier à utiliser de la poudre de mica, qui crée un fond chatoyant. La beauté Utamaro est idéale avec sa forme gracieuse et son casque,
cou fin, petite bouche, sourcils noirs courts. Dans les épisodes "Dix" personnages féminins" et "Jours et heures des femmes", il a cherché à identifier différents types d'apparence et de caractère des femmes. A la fin des années 90. à Utamaro, il aborde le thème de la maternité dans des estampes telles que « Mère avec enfant » et « Jeu de balle », en même temps il crée des triptyques et des polyptyques sur des thèmes historiques, en recourant à la désignation indirecte (les héros du pays sont représentés comme des beautés ). Teshusai Sharaku a réalisé une série de portraits d'acteurs de Kabuki et de lutteurs de sumo. Il abandonne les traditions généralement acceptées, faisant du grotesque sa technique principale. La troisième période de développement de la gravure ukiyo-e se situe entre 1800 et 1868. A cette époque, l'influence des gravures hollandaises et allemandes sur l'art japonais s'accroît. La créativité de la dynastie artistique Utagawa se caractérise par un rejet de la recherche de l'individualité et un désir de grâce formelle. L'épanouissement du genre paysager en gravure est associé au nom de Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai étudia l'Antiquité et tendances modernes l'art japonais, connut l'art de la Chine et fit la connaissance des gravures européennes. Jusqu'à l'âge de presque 50 ans, Hokusai travaillait à la manière traditionnelle des artistes ukiyo-e. Ce n'est que dans les albums Manga (livre de croquis), dont le premier volume fut publié en 1812, qu'Hokusai trouva son domaine d'art. Maintenant il dessinait scènes de tous les jours, paysages, foule.

jardins paysagers du Japon

À l'âge de 70 ans, Hokusai crée sa série « 36 vues du mont Fuji », dans chacune des estampes l'artiste représente le mont Fuji. La combinaison d'un thème de genre avec un paysage est une caractéristique d'Hokusai. Contrairement aux peintres paysagistes anciens, Hokusai montre la terre d’en bas. Parallèlement, il crée les séries « Voyage à travers les cascades du pays », « Ponts », « Grandes Fleurs », « 100 vues du Fuji ». Hokusai pouvait transmettre les choses sous un angle inattendu. Dans les gravures « 100 vues du Fuji », soit les montagnes émergent de l'obscurité de la nuit comme une vision, soit elles sont visibles derrière les tiges de bambou, soit elles se reflètent dans le lac. Adepte de Hokusai, Ando Hiroshige (1797-1858) peignait la nature de manière beaucoup plus réaliste. Agent fluvial de profession, il a beaucoup voyagé à travers le pays, créant ses séries « 53 stations du Tokaido », « 8 vues du lac Omi », « 69 vues de Kishikaido ». L'art de Hiroshige se rapproche de la peinture européenne, mettant fin aux deux cents ans d'âge des estampes ukiyo-e.

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ART JAPONAIS. Depuis l’Antiquité, l’art japonais se caractérise par une créativité active. Malgré leur dépendance à l'égard de la Chine, où de nouvelles tendances artistiques et esthétiques émergent constamment, les artistes japonais introduisent toujours de nouvelles caractéristiques et modifient l'art de leurs professeurs, lui donnant un aspect japonais.

L'histoire du Japon en tant que telle ne commence à prendre certaines formes qu'à la fin du Ve siècle. Relativement peu d'objets datant des siècles précédents (période archaïque) ont été découverts, même si certaines découvertes faites lors de fouilles ou lors de travaux de construction témoignent d'un talent artistique remarquable.

Période archaïque.

Les œuvres d'art japonaises les plus anciennes sont des pots en argile de type jomon (impression de corde). Le nom vient de la décoration de la surface avec des impressions en spirale de corde enroulée autour des bâtons que l'artisan utilisait pour fabriquer le récipient. Peut-être qu'au début les artisans ont découvert accidentellement les imprimés tressés, mais ils ont ensuite commencé à les utiliser délibérément. Parfois, des boucles d'argile ressemblant à des cordes étaient collées sur la surface, créant un effet décoratif plus complexe, presque un relief. La première sculpture japonaise est née dans la culture Jomon. Dogu (lit. « image d'argile ») d'une personne ou d'un animal avait probablement une signification religieuse. Les images de personnes, principalement de femmes, sont très similaires aux déesses d'argile d'autres cultures primitives.

La datation au radiocarbone suggère que certaines découvertes de la culture Jomon pourraient remonter à 6 à 5 000 avant JC, mais une datation aussi précoce n'est généralement pas acceptée. Bien entendu, ces plats ont été élaborés sur une longue période et, bien que la datation exacte ne puisse pas encore être établie, trois périodes peuvent être distinguées. Les exemplaires les plus anciens ont une base pointue et sont presque dépourvus d'ornements, à l'exception des traces d'un outil de potier. Les vases de la période moyenne sont plus richement ornés, parfois avec des éléments moulurés, créant une impression de volume. Les formes des récipients de la troisième période sont très diverses, mais le décor s'aplatit à nouveau et devient plus sobre.

Vers le IIe siècle. Colombie-Britannique La céramique Jomon a cédé la place à la céramique Yayoi, caractérisée par des formes gracieuses, une simplicité de conception et une haute qualité technique. Le tesson de vase est devenu plus mince et l'ornement moins sophistiqué. Ce type a prévalu jusqu'au IIIe siècle. ANNONCE

D'un point de vue artistique, les meilleures œuvres de la première période sont peut-être les haniwa, cylindres d'argile datant du IIIe au Ve siècle. ANNONCE Les monuments caractéristiques de cette époque sont d’immenses collines, ou monticules, structures funéraires des empereurs et de la puissante noblesse. Souvent de très grande taille, ils témoignent de la puissance et de la richesse de la famille impériale et des courtisans. La construction d'une telle structure pour l'empereur Nintokutenno (vers 395-427 après JC) a duré 40 ans. La caractéristique la plus remarquable de ces monticules était les cylindres d'argile, haniwa, qui les entouraient comme une clôture. Habituellement, ces cylindres étaient tout à fait simples, mais parfois ils étaient décorés de figures humaines, moins souvent de figurines de chevaux, de maisons ou de coqs. Leur objectif était double : empêcher l’érosion d’immenses masses de terres et fournir au défunt les nécessités dont il avait besoin dans la vie terrestre. Naturellement, les cylindres étaient produits en grande quantité à la fois. La variété des thèmes, des expressions faciales et des gestes des personnages qui les décorent est en grande partie le résultat de l’improvisation du maître. Bien qu’il s’agisse d’œuvres d’artisans plutôt que de peintres et de sculpteurs, elles revêtent une grande importance en tant que forme d’art japonaise à proprement parler. Les bâtiments, les chevaux recouverts de couvertures, les dames distinguées et les guerriers présentent une image intéressante de la vie militaire du Japon féodal primitif. Il est possible que les prototypes de ces cylindres soient apparus en Chine, où divers objets étaient placés directement dans les sépultures, mais l'exécution et la méthode d'utilisation du haniwa appartiennent à la tradition locale.

La période archaïque est souvent considérée comme une époque dépourvue d’œuvres de haut niveau artistique, une époque de domination de choses de valeur principalement archéologique et ethnologique. Il faut cependant se rappeler que les œuvres de cette culture primitive dans leur ensemble possédaient une grande vitalité, puisque leurs formes ont survécu et ont continué d'exister en tant que caractéristiques nationales spécifiques de l'art japonais dans les périodes ultérieures.

Période Asuka

(552-710 après JC). Introduction du bouddhisme au milieu du VIe siècle. a apporté des changements importants dans le mode de vie et la pensée des Japonais et est devenu un moteur pour le développement de l'art de cette période et des suivantes. L’arrivée du bouddhisme de Chine via la Corée est traditionnellement datée de 552 après JC, mais elle était probablement connue plus tôt. Dans les premières années, le bouddhisme a été confronté à une opposition politique et à une opposition à la religion nationale shinto, mais quelques décennies plus tard, la nouvelle foi a reçu l'approbation officielle et a finalement été établie. Dans les premières années de son introduction au Japon, le bouddhisme était une religion relativement simple avec un petit nombre de divinités nécessitant des images, mais après environ cent ans, il a gagné en force et le panthéon s'est énormément développé.

Au cours de cette période, des temples ont été fondés, qui servaient non seulement à propager la foi, mais étaient également des centres d'art et d'éducation. Le temple-monastère d'Horyuji est l'un des plus importants pour l'étude des premiers arts bouddhistes. Entre autres trésors, on y trouve une statue de la grande triade Syaka-Nerai (623 après JC). Cette œuvre de Tori Bussi, le premier grand sculpteur japonais que nous connaissons, est une image stylisée en bronze semblable aux groupes similaires des grands temples rupestres de Chine. La pose de Shaky assis (transcription japonaise du mot « Shakyamuni », le Bouddha historique) et des deux personnages debout de part et d'autre de lui est strictement frontale. Les formes de la figure humaine sont cachées par de lourds plis symétriques de vêtements schématisés, et dans les visages lisses et allongés, on peut ressentir une immersion et une contemplation rêveuses. La sculpture de cette première période bouddhiste est basée sur le style et les prototypes du continent cinquante ans plus tôt ; il suit fidèlement la tradition chinoise arrivée au Japon via la Corée.

Certaines des sculptures les plus importantes de cette époque étaient en bronze, mais le bois était également utilisé. Les deux sculptures en bois les plus célèbres sont celles de la déesse Kannon : Yumedono Kannon et Kudara Kannon, toutes deux en Horyuji. Ils constituent un objet de culte plus attrayant que la triade Shaki, avec leurs sourires archaïques et leurs expressions rêveuses. Bien que les personnages de Kannon présentent également une disposition schématique et symétrique des plis des vêtements, ils sont plus légers et pleins de mouvement. Les figures hautes et élancées soulignent la spiritualité des visages, leur gentillesse abstraite, éloignés de toutes les préoccupations du monde, mais sensibles aux prières des souffrants. Le sculpteur a prêté une certaine attention aux contours de la figure de Kudara Kannon, cachés par les plis des vêtements, et contrairement à la silhouette déchiquetée de Yumedono, le mouvement de la figure et du tissu est dirigé vers la profondeur. De profil, Kudara Kannon a un contour gracieux en forme de S.

Le seul exemple survivant de peinture qui donne une idée du style du début du VIIe siècle est la peinture de Tamamushi Zushi, le « sanctuaire ailé ». Ce sanctuaire miniature tire son nom des ailes irisées du scarabée placées dans un cadre en métal perforé ; plus tard, il fut décoré de compositions religieuses et de figures de personnages individuels réalisées avec du vernis coloré. À l’instar de la sculpture de cette période, certaines images témoignent d’une grande liberté de conception.

Période Nara

(710-784). En 710, la capitale fut transférée à Nara, une nouvelle ville calquée sur la capitale chinoise Chang'an. Il y avait de larges rues, de grands palais et de nombreux temples bouddhistes. Non seulement le bouddhisme sous tous ses aspects, mais toute la vie culturelle et politique chinoise était perçu comme un modèle à suivre. Aucun autre pays ne s’est peut-être senti plus inadapté à sa propre culture ni aussi sensible aux influences extérieures. Les érudits et les pèlerins se déplaçaient librement entre le Japon et le continent, et la vie du gouvernement et du palais était calquée sur la Chine de la dynastie Tang. Cependant, nous devons nous rappeler que, bien qu'ils aient imité les exemples de la Chine Tang, notamment dans l'art, percevant son influence et son style, les Japonais ont presque toujours adapté les formes étrangères aux leurs.

En sculpture, la stricte frontalité et la symétrie de la période Asuka précédente ont cédé la place à des formes plus libres. Le développement d'idées sur les dieux, l'augmentation des compétences techniques et la liberté d'utilisation du matériel ont permis aux artistes de créer des images cultes plus intimes et accessibles. La fondation de nouvelles sectes bouddhistes a élargi le panthéon pour inclure même les saints et les fondateurs du bouddhisme. Outre la sculpture en bronze, un grand nombre d'œuvres en bois, en argile et en vernis sont connues. La pierre était rare et presque jamais utilisée pour la sculpture. Le vernis sec était particulièrement populaire, peut-être parce que, malgré la complexité du processus de préparation de la composition, les œuvres réalisées à partir de celui-ci semblaient plus impressionnantes que celles en bois et étaient plus résistantes que les produits en argile plus faciles à réaliser. Les figures en laque étaient formées sur un support en bois ou en argile, qui était ensuite retiré, ou sur un renfort en bois ou en fil de fer ; ils étaient légers et durables. Malgré le fait que cette technique imposait une certaine rigidité dans les poses, une grande liberté était laissée dans la représentation des visages, ce qui contribua en partie au développement de ce que l'on peut appeler la sculpture du portrait proprement dit. La représentation du visage de la divinité a été réalisée conformément aux exigences strictes des canons bouddhistes, mais la popularité et même la déification de certains des fondateurs et prédicateurs de la foi ont fourni d'excellentes opportunités pour transmettre une ressemblance avec un portrait. Cette similitude se retrouve dans la sculpture réalisée en vernis sec du patriarche chinois Genjin, vénéré au Japon, située dans le temple Toshodaiji. Genjin était aveugle à son arrivée au Japon en 753, et ses yeux aveugles et son état éclairé de contemplation intérieure sont magnifiquement capturés par le sculpteur inconnu. Cette tendance réaliste s'exprime le plus clairement dans la sculpture en bois du prédicateur Kuya, réalisée par le sculpteur Kosho aux XIIIe et XIVe siècles. Le prédicateur est habillé en mendiant errant avec un bâton, un gong et un maillet, et de petites figures de Bouddha sortent de sa bouche entrouverte. Non satisfait de l'image du moine chanteur, le sculpteur s'efforce d'exprimer le sens le plus intime de ses paroles.

Les images de Bouddha de la période Nara se distinguent également par un grand réalisme. Créés pour un nombre toujours croissant de temples, ils ne sont pas aussi imperturbablement froids et réservés que leurs prédécesseurs, ont une beauté et une noblesse plus gracieuses et s'adressent avec plus de faveur aux personnes qui les adorent.

Très peu de tableaux de cette époque ont survécu. Le dessin multicolore sur papier représente les vies passées et présentes du Bouddha. C’est l’un des rares exemples anciens d’emakimono, ou peinture sur rouleau. Les rouleaux se déroulaient lentement de droite à gauche et le spectateur ne pouvait profiter que de la partie de l'image située entre les mains déroulant le rouleau. Les illustrations étaient placées directement au-dessus du texte, contrairement aux parchemins ultérieurs où une section de texte alternait avec une image explicative. Dans ces exemples les plus anciens de peintures sur rouleaux, les personnages décrits sont placés dans un paysage à peine dessiné, le personnage central, dans ce cas Shaka, apparaissant dans diverses scènes.

Début Heian

(784-897). En 784, la capitale fut temporairement déplacée à Nagaoka, en partie pour éviter la domination du clergé bouddhiste de Nara. En 794, elle s'installe à Heian (aujourd'hui Kyoto) pour une période plus longue. Fin du VIIIe et du IXe siècle C'est une période où le Japon a réussi à assimiler, en s'adaptant à ses propres caractéristiques, de nombreuses innovations étrangères. La religion bouddhiste a également connu une époque de changement, avec l'émergence de nouvelles sectes du bouddhisme ésotérique, avec son rituel et son étiquette développés. Parmi celles-ci, les plus influentes étaient les sectes Tendai et Shingon, originaires de l'Inde, arrivées en Chine et de là introduites au Japon par deux scientifiques qui retournèrent dans leur pays après un long apprentissage. La secte Shingon (« Mots vrais ») était particulièrement populaire à la cour et a rapidement pris une position dominante. Ses principaux monastères étaient situés sur le mont Koya, près de Kyoto ; comme d’autres centres bouddhistes importants, ils sont devenus les dépositaires d’immenses collections d’art.

sculpture du 9ème siècle était principalement en bois. Les images de divinités se distinguaient par leur sévérité et leur grandeur inaccessible, soulignées par la solennité de leur apparence et de leur massivité. Les draperies étaient habilement découpées selon des motifs standards et les foulards étaient disposés en vagues. La figure debout de Shaki du temple Muroji est un exemple de ce style. Pour cela et des images similaires du 9ème siècle. caractérisé par des sculptures rigides avec des plis plus profonds et nets et d'autres détails.

L'augmentation du nombre de dieux créait de grandes difficultés pour les artistes. Dans des mandalas complexes ressemblant à des cartes (dessins géométriques aux significations magiques), les divinités étaient disposées en hiérarchie autour du Bouddha central, qui n'était lui-même qu'une manifestation de l'absolu. A cette époque, apparaît une nouvelle manière de représenter les figures de divinités gardiennes entourées de flammes, terribles en apparence, mais de nature bienfaisante. Ces divinités étaient situées de manière asymétrique et étaient représentées dans des poses mobiles, avec des traits du visage redoutables, défendant farouchement la foi contre d'éventuels dangers.

Période Heian moyenne et tardive ou Fujiwara

(898-1185). Le transfert de la capitale à Heian, destiné à éluder les exigences difficiles du clergé, a également provoqué des changements dans le système politique. La noblesse était une force dominante et ses représentants les plus représentatifs étaient la famille Fujiwara. Période Xe-XIIe siècles souvent associé à ce nom. Une période de pouvoir spécial commença lorsqu’il fut « fortement conseillé » aux véritables empereurs de laisser de côté les affaires de l’État pour se consacrer aux activités plus agréables de la poésie et de la peinture. Jusqu'à sa majorité, l'empereur était dirigé par un régent strict, généralement issu de la famille Fujiwara. C'était une époque de luxe et de réalisations remarquables dans les domaines de la littérature, de la calligraphie et de l'art ; Il y avait une langueur et une émotivité partout, qui atteignaient rarement de la profondeur, mais dans l'ensemble étaient charmantes. La sophistication élégante et l’évasion se reflétaient dans l’art de cette époque. Même les adeptes du bouddhisme recherchaient des moyens plus faciles et le culte du Bouddha céleste Amida devint particulièrement populaire. Les idées sur la compassion et la grâce salvatrice du Bouddha Amida se reflétaient profondément dans la peinture et la sculpture de cette période. La massivité et la retenue des statues du IXe siècle. aux Xe-XIe siècles. a laissé place au bonheur et au charme. Les divinités sont représentées comme rêveuses, pensivement calmes, la sculpture devient moins profonde, la surface devient plus colorée, avec une texture richement développée. Les monuments les plus importants de cette période appartiennent au sculpteur Jocho.

Les œuvres des artistes ont également acquis des traits plus doux, rappelant les dessins sur tissu, et même les terribles divinités - défenseurs de la foi - sont devenues moins effrayantes. Les Sutras (textes bouddhistes) étaient écrits en or et en argent sur du papier bleu profond, la belle calligraphie du texte était souvent précédée d'une petite illustration. Les courants les plus populaires du bouddhisme et leurs divinités associées reflètent les préférences de l’aristocratie et un éloignement progressif des idéaux austères du bouddhisme primitif.

L'atmosphère de cette époque et ses œuvres sont en partie liées à la cessation des relations formelles avec la Chine en 894. Le bouddhisme en Chine à cette époque était persécuté et la cour corrompue des Tang était en déclin. L'existence insulaire isolée qui a suivi cette séparation a encouragé les Japonais à se tourner vers leur propre culture et à développer un nouveau style japonais plus pur. En effet, peinture profane des Xe-XIIe siècles. était presque entièrement japonais - tant dans la technique que dans la composition et les intrigues. Une caractéristique distinctive de ces rouleaux japonais, appelés yamato-e, était la prédominance des sujets engi (origine, histoire). Alors que les rouleaux chinois représentaient le plus souvent une nature vaste et étonnante, des panoramas de montagnes, de ruisseaux, de rochers et d'arbres, et que les gens semblaient relativement insignifiants, sur les rouleaux narratifs japonais, l'élément principal du dessin et du texte était la personne. Le paysage ne jouait que le rôle d'un arrière-plan pour l'histoire racontée, subordonné au ou aux personnages principaux. De nombreux rouleaux étaient des chroniques dessinées à la main de la vie de prédicateurs bouddhistes célèbres ou de personnages historiques, de leurs voyages et de leurs campagnes militaires. D'autres racontaient des épisodes romantiques de la vie de nobles et de courtisans.

Le style apparemment distinctif des premiers rouleaux provenait de simples croquis à l'encre sur les pages de cahiers bouddhistes. Ce sont des dessins habiles qui caricaturent le comportement humain à travers des images animales : un singe en robe monastique vénérant une grenouille gonflée, des compétitions entre lièvres, singes et grenouilles. Ces rouleaux, ainsi que d'autres rouleaux de Heian tardifs, ont servi de base aux rouleaux narratifs plus complexes du style développé des XIIIe et XIVe siècles.

Période Kamakura

(1185-1392). Fin du XIIe siècle a apporté des changements majeurs dans la vie politique et religieuse du Japon et, bien sûr, dans son art. L'élégance et l'esthétisme de la cour de Kyoto ont été remplacés ou, dans la tradition du règne « spécial », « ont reçu un ajout » sous la forme d'un nouveau règne dur et courageux : le shogunat de Kamakura. Bien que la capitale soit restée nominalement Kyoto, le shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) a établi son quartier général dans la ville de Kamakura et a établi en seulement 25 ans un système rigide de dictature militaire et de féodalité. Le bouddhisme, devenu si complexe et ritualisé qu’il était peu compris du commun des mortels, a également connu des changements majeurs qui ne promettaient pas du tout de mécénat des arts. La secte Yodo (Terre Pure), forme de vénération du Bouddha Amida, sous la direction de Honen Shonin (1133-1212), réforma la hiérarchie des bouddhas et des divinités et donna l'espoir de salut à tous ceux qui croyaient simplement en Amida. Cette doctrine d'un paradis facilement accessible fut ensuite simplifiée par un autre moine, Shinran (1173-1262), fondateur de la secte Shin, qui reconnut que la condescendance d'Amida était si grande qu'il n'était pas nécessaire d'accomplir des actes religieux, répétant simplement l'incantation " Namu Amida Butsu » (le premier mot signifie « obéir » ; les deux seconds sont « Bouddha Amida »). Cette méthode simple pour sauver l’âme était extrêmement attrayante et est maintenant utilisée par des millions de personnes. Une génération plus tard, le prédicateur militant Nichiren (1222-1282), qui a donné son nom à la secte, abandonna cette forme simplifiée de religion. Ses disciples vénéraient le Sutra du Lotus, qui ne promettait pas un salut instantané et inconditionnel. Ses sermons abordaient souvent des sujets politiques, et ses convictions et ses propositions de réformes de l'Église et de l'État séduisaient la nouvelle classe militaire de Kamakura. Enfin, la philosophie Zen, apparue dès le VIIIe siècle, commença à jouer un rôle de plus en plus important dans la pensée bouddhiste durant cette période. Le Zen a souligné l'importance de la méditation et le mépris de toute image qui pourrait gêner l'homme dans sa quête de s'unir à Dieu.

C’était donc une époque où la pensée religieuse limitait le nombre d’œuvres de peinture et de sculpture auparavant nécessaires au culte. Néanmoins, certaines des plus belles œuvres d’art japonaises ont été créées durant la période Kamakura. L'incitation était l'amour inhérent des Japonais pour l'art, mais la clé de la solution réside dans l'attitude du peuple à l'égard des nouvelles croyances, et non dans les dogmes en tant que tels. En effet, les œuvres elles-mêmes suggèrent la raison de leur création, car nombre de ces sculptures et peintures pleines de vie et d'énergie sont des portraits. Même si la philosophie zen pouvait considérer les objets religieux ordinaires comme un obstacle à l’illumination, la tradition d’honorer les enseignants était tout à fait acceptable. Un portrait en lui-même ne saurait constituer un objet de culte. Cette attitude envers le portrait n'était pas seulement caractéristique du bouddhisme zen : de nombreux ministres de la secte de la Terre Pure étaient vénérés presque comme des divinités bouddhistes. Grâce au portrait, une nouvelle forme architecturale est même apparue : le mieido, ou chapelle du portrait. Le développement rapide du réalisme était tout à fait dans l’air du temps.

Même si les portraits pittoresques des prêtres étaient évidemment des images de personnes spécifiques, ils étaient souvent des reprises de peintures représentant les fondateurs chinois du bouddhisme. Ils étaient représentés en train de prêcher, la bouche ouverte, les mains gesticulant ; parfois, des moines mendiants étaient représentés effectuant un voyage difficile pour la gloire de la foi.

L'un des sujets les plus populaires était le raigo (arrivée souhaitée), qui représentait le Bouddha Amida avec ses compagnons descendant sur un nuage pour sauver l'âme d'un croyant sur son lit de mort et la transférer au ciel. Les couleurs de ces images étaient souvent rehaussées par des applications d'or, et les lignes ondulées, les capes fluides et les nuages ​​tourbillonnants donnaient une impression de mouvement à la descente du Bouddha.

Unkei, actif dans la seconde moitié du XIIe et au début du XIIIe siècle, est l'auteur d'une innovation facilitant la sculpture sur bois, qui reste le matériau de prédilection des sculpteurs durant la période de Kamakura. Auparavant, le maître était limité par la taille et la forme de la bûche ou de la bûche dans laquelle la figurine était découpée. Les bras et les vêtements étaient appliqués séparément, mais la pièce finie ressemblait souvent à la forme cylindrique originale. Dans cette nouvelle technique, des dizaines de petites pièces étaient soigneusement assemblées pour former une pyramide creuse, à partir de laquelle les apprentis pouvaient ensuite découper grossièrement une forme. Le sculpteur disposait d'un matériau plus souple et de la capacité de créer des formes plus complexes. Les gardes musclés du temple et les divinités vêtues de capes et de robes flottantes semblaient plus vivantes également parce que du cristal ou du verre commençait à être inséré dans leurs orbites ; les statues commencèrent à être décorées de bronze doré. Ils devenaient plus légers et se craquaient moins souvent à mesure que le bois séchait. La statue en bois susmentionnée de Kuya Shonin, réalisée par Kosho, le fils d'Unkei, démontre la plus haute réalisation du réalisme de l'ère Kamakura en matière de sculpture de portrait. En effet, la sculpture atteint à cette époque son apogée dans son développement et, par la suite, elle n'occupe plus une place aussi importante dans l'art.

La peinture profane reflète également l’air du temps. Les rouleaux narratifs de la fin de la période Heian, aux couleurs sobres et aux lignes gracieuses, racontaient les escapades romantiques du prince Genji ou les divertissements des dames recluses de la cour. Aujourd'hui, avec des couleurs vives et des coups de pinceau énergiques, les artistes de l'époque de Kamakura représentaient des batailles de clans en guerre, des palais engloutis par les flammes et des gens effrayés fuyant les troupes attaquantes. Même si l’histoire religieuse se déroulait sur le rouleau, l’image n’était pas tant une icône qu’un récit historique des voyages d’hommes saints et des miracles qu’ils accomplissaient. Dans la conception de ces scènes, on peut déceler un amour croissant pour la nature et une admiration pour les paysages indigènes.

Période Muromachi ou Ashikaga

(1392-1568). En 1392, après plus de 50 ans de conflits, le troisième shogun de la famille Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), réunifia le pays. Le siège du gouvernement redevint la capitale nominale de Kyoto, où les shoguns Ashikaga construisirent leurs palais dans le quartier de Muromachi. (Cette période est parfois appelée Muromachi ou Ashikaga.) La guerre n'a pas épargné de nombreux temples, dépôts d'art japonais, qui ont été incendiés avec les trésors qui s'y trouvaient. Le pays fut brutalement ruiné, et même la paix n'apporta pas beaucoup de soulagement, puisque les clans en guerre, réussissant, distribuaient des faveurs à leur guise. Il semblerait que la situation était extrêmement défavorable au développement de l'art, mais en fait les shoguns Ashikaga le fréquentaient, surtout aux XVe et XVIe siècles, lorsque la peinture était florissante.

Le phénomène artistique le plus important de cette époque était les peintures poétiques monochromes à l’encre encouragées par le bouddhisme zen et influencées par les exemples chinois des dynasties Song et Yuan. Sous la dynastie Ming (1368-1644), les contacts avec la Chine furent renoués et Yoshimitsu, collectionneur et mécène des arts, encouragea la collection et l'étude des peintures chinoises. C'est devenu un modèle et un point de départ pour des artistes doués qui peignaient des paysages, des oiseaux, des fleurs, des images de clergé et de sages avec des coups de pinceau légers et fluides. La peinture japonaise de cette époque se caractérise par l'économie des lignes ; l'artiste semble extraire la quintessence de l'intrigue représentée, permettant au spectateur de la remplir de détails. Les transitions d'encre grise et noire brillante dans ces tableaux sont très proches de la philosophie Zen, qui a certainement inspiré leurs auteurs. Bien que cette croyance ait acquis une influence considérable sous le régime militaire de Kamakura, elle a continué à se propager rapidement aux XVe et XVIe siècles, lorsque de nombreux monastères zen ont vu le jour. Prêchant principalement l'idée de « l'auto-salut », il ne liait pas le salut au Bouddha, mais s'appuyait davantage sur la sévère autodiscipline d'une personne pour atteindre une soudaine « illumination » intuitive qui l'unit à l'absolu. L'utilisation économique mais audacieuse de l'encre et la composition asymétrique, dans laquelle les parties non peintes du papier jouaient un rôle important dans les représentations de paysages idéalisés, de sages et de scientifiques, étaient cohérentes avec cette philosophie.

L'un des représentants les plus célèbres du sumi-e, un style de peinture à l'encre monochrome, était Sesshu (1420-1506), un prêtre zen dont la vie longue et fructueuse lui a valu une vénération de longue date. À la fin de sa vie, il a commencé à utiliser le style haboku (encre rapide) qui, contrairement au style mature, qui exigeait des traits clairs et économiques, a amené la tradition de la peinture monochrome presque à l'abstraction.

La même période marque l'activité de la famille d'artistes Kano et le développement de leur style. Par le choix des sujets et l'utilisation de l'encre, il est proche du chinois, mais par les moyens expressifs il reste japonais. Kano, avec le soutien du shogunat, est devenu l'école « officielle » ou le style artistique de peinture et a prospéré jusqu'au XIXe siècle.

La tradition naïve du Yamato-e perdure dans les œuvres de l’école Tosa, deuxième mouvement important de la peinture japonaise. En fait, à cette époque, les deux écoles, Kano et Tosa, étaient étroitement liées, elles étaient unies par un intérêt pour la vie moderne. Motonobu Kano (1476-1559), l'un des artistes les plus remarquables de cette période, a non seulement marié sa fille au célèbre artiste Tosa, mais a également peint à sa manière.

Aux XVe et XVIe siècles. Seules quelques œuvres de sculpture remarquables sont apparues. Il convient cependant de noter que le développement du drame noo, avec sa variété d'ambiances et d'émotions, a ouvert un nouveau champ d'activité pour les sculpteurs : ils sculptaient des masques pour les acteurs. Dans le drame japonais classique, joué par et pour l'aristocratie, les acteurs (un ou plusieurs) portaient des masques. Ils transmettaient toute une gamme de sentiments allant de la peur, de l’anxiété et de la confusion à une joie contenue. Certains masques étaient si joliment sculptés que le moindre tour de tête de l'acteur provoquait de subtils changements dans l'expression des sentiments. Des exemplaires remarquables de ces masques ont été conservés pendant des années dans les familles pour lesquelles ils étaient fabriqués.

Période Momoyama

(1568-1615). En 1593, le grand dictateur militaire Hideyoshi construisit son château sur Momoyama, "Peach Hill", et sous ce nom la période de 47 ans depuis la chute du shogunat Ashikaga jusqu'à l'établissement de la période Tokugawa, ou Edo, en 1615 était généralement C'était une époque de domination d'une classe militaire entièrement nouvelle, dont la grande richesse contribuait à l'épanouissement de l'art. Les châteaux impressionnants dotés de vastes salles d'audience et de longs couloirs sont devenus à la mode à la fin du XVIe siècle. et exigeaient des décorations adaptées à leur grandeur. C'était une époque de gens sévères et courageux et les nouveaux clients, contrairement à l'aristocratie précédente, n'étaient pas particulièrement intéressés par les activités intellectuelles ou les subtilités de l'artisanat. Heureusement, la nouvelle génération d’artistes était tout à fait cohérente avec ses mécènes. Au cours de cette période, de merveilleux écrans et panneaux mobiles sont apparus dans des couleurs vives pourpre, émeraude, vert, violet et bleu. Ces couleurs exubérantes et ces formes décoratives, souvent sur fond d’or ou d’argent, furent très populaires pendant cent ans, et leurs créateurs furent appelés à juste titre « les grands décorateurs ». Grâce au goût japonais subtil, le style opulent ne s'est pas transformé en vulgarité, et même lorsque la retenue et la sobriété ont cédé la place au luxe et aux excès décoratifs, les Japonais ont réussi à conserver l'élégance.

Eitoku Kano (1543-1590), l'un des premiers grands artistes de cette période, travailla dans le style de Kano et Tosa, élargissant les concepts de dessin du premier et les combinant avec la richesse des couleurs du second. Bien que seules quelques œuvres survivantes puissent être attribuées avec certitude à Eitoku, il est considéré comme l'un des fondateurs du style Momoyama, et la plupart des artistes de cette période étaient ses élèves ou ont été influencés par lui.

Période Edo ou Tokugawa

(1615-1867). La longue période de paix qui a suivi le Japon nouvellement unifié est appelée soit l'époque de Tokugawa, d'après le nom de famille du souverain, soit Edo (Tokyo moderne), puisqu'en 1603 cette ville est devenue le nouveau centre du pouvoir. Deux généraux célèbres de la courte période Momoyama, Oda Nobunaga (1534-1582) et Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), grâce à l'action militaire et à la diplomatie, réussirent finalement à réconcilier les clans puissants et le clergé militant. Avec la mort de Hideyoshi en 1598, le pouvoir passa à Ieyasu Tokugawa (1542-1616), qui acheva les activités commencées conjointement. La bataille décisive de Sekigahara en 1600 renforça la position d'Ieyasu ; la chute du château d'Oska en 1615 fut accompagnée de l'effondrement final de la maison de Hideyoshi et de l'établissement du règne indivis du shogunat Tokugawa.

Le règne paisible des Tokugawa dura 15 générations et ne se termina qu'au XIXe siècle. C’était en grande partie une période de politique de « portes fermées ». Le décret 1640 interdisait aux étrangers d'entrer au Japon et les Japonais ne pouvaient pas voyager à l'étranger. La seule connexion commerciale et culturelle se faisait avec les Néerlandais et les Chinois via le port de Nagasaki. Comme lors d'autres périodes d'isolement, il y a eu une montée des sentiments nationaux et une émergence à la fin du XVIIe siècle. la soi-disant école de peinture de genre et de gravure.

La capitale en croissance rapide d'Edo est devenue le centre non seulement de la vie politique et commerciale de l'empire insulaire, mais également un centre d'art et d'artisanat. L'obligation pour les daimyo, les seigneurs féodaux provinciaux, de résider dans la capitale pendant une certaine partie de l'année a fait naître le besoin de nouveaux bâtiments, y compris des palais, et donc de faire appel à des artistes pour les décorer. Dans le même temps, la classe émergente de marchands riches mais non aristocratiques offrait aux artistes un nouveau mécénat, souvent peu professionnel.

L'art du début de la période Edo poursuit et développe en partie le style Momoyama, renforçant ses tendances vers le luxe et la splendeur. La richesse des images bizarres et de la polychromie héritée de la période précédente ne cesse de se développer. Ce style décoratif atteint son apogée dans le dernier quart du XVIIe siècle. dans ce qu'on appelle Époque Genroku de la période Tokugawa (1688-1703). Dans l'art décoratif japonais, il n'a pas d'équivalent dans l'extravagance et la richesse des couleurs et des motifs décoratifs dans la peinture, les tissus, les vernis et les détails artistiques - attributs d'un style de vie luxueux.

Puisqu'il s'agit d'une période de l'histoire relativement tardive, il n'est pas surprenant que les noms de nombreux artistes et leurs œuvres aient été conservés ; Ici, il est possible de citer seulement quelques-uns des plus remarquables. Les représentants de l'école décorative qui ont vécu et travaillé pendant les périodes Momoyama et Edo comprennent Honnami Koetsu (1558-1637) et Nonomura Sotatsu (mort en 1643). Leur travail démontre un sens remarquable du design, de la composition et de la couleur. Koetsu, talentueux céramiste et laqueur, était réputé pour la beauté de sa calligraphie. Avec Sotatsu, ils ont créé des poèmes sur rouleaux, qui étaient à la mode à cette époque. Dans cette combinaison de littérature, de calligraphie et de peinture, les images n'étaient pas de simples illustrations : elles créaient ou suggéraient une ambiance correspondant à la perception du texte. Ogata Korin (1658-1716) fut l'un des héritiers du style décoratif et, avec son jeune frère Ogata Kenzan (1663-1743), perfectionna sa technique. Kenzan, plus connu comme céramiste que comme artiste, cuisait des récipients avec les dessins de son célèbre frère aîné. La renaissance de cette école au début du XIXème siècle. du poète et artiste Sakai Hoitsu (1761-1828) fut le dernier essor du style décoratif. Les magnifiques rouleaux et paravents d'Horitsu combinaient le sens du design de Korin avec l'intérêt pour la nature inhérent au naturalisme de l'école de Maruyama, exprimé dans la richesse des couleurs et des motifs décoratifs caractéristiques de la période antérieure, tempérée par la splendeur et la grâce du pinceau.

Parallèlement au style décoratif polychrome, le dessin à l'encre traditionnel de l'école Kano continue d'être populaire. En 1622, Kanō Tan'yu (1602-1674) fut nommé peintre de la cour du shogun et convoqué à Edo. Avec sa nomination à ce poste et la création de l'école de peinture Kano à Edo, à Kobikito, commence une période d'un demi-siècle de leadership artistique de cette tradition, qui redonne à la famille Kano une position de premier plan et fait des œuvres du La période Edo est la plus significative de la peinture de Kano. Malgré la popularité des paravents peints d'or et de couleurs vives créés par les « grands décorateurs » et rivaux, Tanyu, grâce à la force de son talent et de sa position officielle, a pu rendre populaire parmi la noblesse la peinture de l'école Kano relancée. Aux caractéristiques traditionnelles de l'école Kano, Tanyu a ajouté puissance et simplicité basées sur une ligne brisée rigide et un agencement réfléchi d'éléments de composition sur une grande surface libre.

Une nouvelle direction, dont la caractéristique principale était l'intérêt pour la nature, commença à prévaloir à la fin du XVIIIe siècle. Maruyama Okyo (1733-1795), directeur de la nouvelle école, fut paysan, puis devint ecclésiastique et enfin artiste. Les deux premières études ne lui ont apporté ni bonheur ni succès, mais en tant qu'artiste, il a atteint de grands sommets et est considéré comme le fondateur de l'école réaliste de Maruyama. Il a étudié avec le maître de l'école de Kano, Ishida Yutei (décédé vers 1785) ; À partir de gravures hollandaises importées, il apprend la technique occidentale de représentation en perspective et copie parfois simplement ces gravures. Il a également étudié les styles chinois des dynasties Song et Yuan, notamment le style subtil et réaliste de Chen Xuan (1235-1290) et de Shen Nanping ; ce dernier vivait à Nagasaki au début du XVIIIe siècle. Ōkyo a réalisé de nombreuses œuvres d'après nature et ses observations scientifiques ont servi de base à la perception de la nature sur laquelle était basée l'école Maruyama.

Outre l'intérêt pour le naturalisme au XVIIIe siècle. l'influence de la tradition artistique chinoise se renouvelle. Les représentants de ce mouvement gravitaient vers l’école picturale des artistes-scientifiques des époques Ming (1368-1644) et Qing (1644-1912), même si leurs idées sur l’état de l’art moderne en Chine étaient probablement limitées. L'art de cette école japonaise s'appelait bujinga (l'art des gens instruits). L'un des artistes les plus influents ayant travaillé dans le style bujinga était Ikeno Taiga (1723-1776), célèbre artiste et calligraphe. Son style mature se caractérise par des lignes de contour épaisses remplies de légers traits plumeux de tons clairs et d'encre ; Il a également peint avec de larges traits libres d'encre noire, représentant des troncs de bambou pliés par le vent et la pluie. Avec des lignes courtes et courbes, il obtient un effet de gravure dans sa représentation de montagnes brumeuses au-dessus d'un lac entouré de forêt.

17ème siècle a donné naissance à un autre mouvement artistique remarquable de la période Edo. Ce sont ce qu'on appelle les ukiyo-e (images d'un monde en évolution) - des scènes de genre créées par et pour des gens ordinaires. Les premiers ukiyo-e sont apparus dans l’ancienne capitale de Kyoto et étaient principalement pittoresques. Mais le centre de leur production se déplaça bientôt à Edo, et l'attention des artisans se concentra sur la gravure sur bois. L'association étroite des gravures sur bois avec l'ukiyo-e a conduit à l'idée fausse que les gravures sur bois étaient une découverte de cette période ; en fait, son origine remonte au 11ème siècle. Ces premières images étaient de nature votive, représentant les fondateurs du bouddhisme et des divinités, et pendant la période Kamakura, certains rouleaux narratifs étaient reproduits à partir de blocs sculptés. Cependant, l’art de la gravure est devenu particulièrement populaire entre le milieu du XVIIe et le XIXe siècle.

Les sujets des estampes ukiyo-e étaient de belles courtisanes de quartiers joyeux, des acteurs préférés et des scènes de drames. Tôt, soi-disant Les gravures primitives étaient exécutées en noir, avec de fortes lignes ondulées rythmées et se caractérisaient par des dessins simples. Ils étaient parfois peints à la main dans une couleur rouge orangé appelée tan-e (peintures rouge vif), avec des marques jaune moutarde et vert. Certains artistes « primitifs » utilisaient la peinture à la main appelée urushu-e (peinture sur laque), dans laquelle les zones sombres étaient rehaussées et éclaircies par l'ajout de colle. Une première impression multicolore, apparue en 1741 ou 1742, était appelée benizuri-e (impression framboise) et utilisait généralement trois couleurs : rose-rouge, vert et parfois jaune. Des impressions véritablement multicolores, utilisant toute la palette et appelées nishiki-e (images en brocart), sont apparues en 1765.

En plus de créer des estampes individuelles, de nombreux graveurs illustraient des livres et gagnaient de l'argent en produisant des illustrations érotiques dans des livres et sur des parchemins. Il convient de garder à l'esprit que la gravure ukiyo-e comprenait trois types d'activités : elle était le travail du dessinateur dont l'estampe portait le nom, du sculpteur et de l'imprimeur.

Hishikawa Moronobu (vers 1625-1694) est considéré comme le fondateur de la tradition de la gravure ukiyo-e. Parmi les autres artistes « primitifs » de ce mouvement figurent Kiyomasu (1694-1716) et le groupe Kaigetsudo (une étrange communauté d'artistes dont l'existence reste incertaine), ainsi qu'Okumura Masanobu (1686-1764).

Les artistes de transition qui ont produit des estampes benizuri-e étaient Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (actif vers 1751-1760) et Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Les œuvres de Suzuki Harunobu (1725-1770) ouvrent l’ère de la gravure polychrome. Remplis de couleurs douces, presque neutres, peuplés de dames gracieuses et d'amants galants, les estampes d'Harunobu connurent un grand succès. Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) et Kitagawa Utamaro (1753-1806) travaillèrent avec lui à la même époque. Chacun d’eux a contribué au développement de ce genre ; les maîtres ont perfectionné les gravures représentant des beautés gracieuses et des acteurs célèbres. Au cours de quelques mois en 1794-1795, le mystérieux Tosusai Saraku a créé des portraits incroyablement puissants et franchement brutaux des acteurs de l'époque.

Dans les premières décennies du XIXe siècle. le genre avait atteint sa maturité et commençait à décliner. Katsushika Hokusai (1760-1849) et Ando Hiroshige (1797-1858) sont les plus grands maîtres de l'époque, dont l'œuvre relie le déclin de l'art de la gravure au XIXe siècle. et sa nouvelle renaissance au début du 20e siècle. Tous deux étaient avant tout des peintres paysagistes qui relataient les événements de la vie moderne dans leurs gravures. La brillante maîtrise de la technique des sculpteurs et des imprimeurs a permis de transmettre en gravure des lignes fantaisistes et les moindres nuances du soleil couchant ou du brouillard se levant à l'aube.

Restauration Meiji et période moderne.

Il arrive souvent que l'art ancien d'un peuple particulier soit pauvre en noms, dates et œuvres survivantes, de sorte que tout jugement ne peut être porté qu'avec une grande prudence et conditionnalité. Il n’en est pas moins difficile de juger l’art contemporain, car nous sommes privés d’une perspective historique pour évaluer correctement l’ampleur de tout mouvement ou artiste et de son œuvre. L’étude de l’art japonais ne fait pas exception et tout ce que l’on peut faire est de présenter un panorama de l’art contemporain et de tirer quelques premières conclusions provisoires.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle. Les ports japonais furent rouverts au commerce et des changements majeurs eurent lieu sur la scène politique. En 1868, le shogunat fut aboli et le règne de l’empereur Meiji rétabli. La capitale officielle et la résidence de l'empereur furent transférées à Edo, et la ville elle-même devint connue sous le nom de Tokyo (la capitale orientale).

Comme par le passé, la fin de l’isolement national a suscité un grand intérêt pour les réalisations des autres nations. A cette époque, les Japonais ont fait un énorme pas en avant dans le domaine de la science et de la technologie. Artistiquement, le début de l’ère Meiji (1868-1912) démontre l’acceptation de tout ce qui est occidental, y compris la technologie. Cependant, cet élan ne dura pas longtemps et fut suivi d'une période d'assimilation, d'émergence de nouvelles formes mêlant retour à leurs propres traditions et nouvelles tendances occidentales.

Parmi les artistes notables figuraient Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) et Tomioka Tessai (1836-1942). Les trois premiers adhèrent au style et au sujet traditionnels japonais, même s’ils s’efforcent d’être originaux dans leur ambiance et leur technique. Seiho, par exemple, travaillait dans l'atmosphère calme et conservatrice de Kyoto. Ses premières œuvres ont été créées dans le style naturaliste de Maruyama, mais plus tard, il a beaucoup voyagé en Chine et a été profondément influencé par la peinture à l'encre de Chine. Ses voyages dans les musées et les principaux centres d’art d’Europe ont également marqué son œuvre. Parmi tous les artistes marquants de cette époque, un seul Tomioka Tessai a failli développer un nouveau style. Ses œuvres énergiques et puissantes combinent des lignes rugueuses, tordues, dentelées et des taches d'encre noire avec des zones de couleur finement rendues. Au cours des années suivantes, certains jeunes peintres à l'huile ont réussi là où leurs grands-pères avaient échoué. Les premières tentatives de travail avec ce matériau inhabituel rappelaient les toiles parisiennes et ne se distinguaient ni par une valeur particulière ni par des caractéristiques spécifiquement japonaises. Cependant, des œuvres d'un attrait exceptionnel sont désormais créées dans lesquelles le sens japonais caractéristique de la couleur et de l'équilibre brille à travers des thèmes abstraits. D'autres artistes, travaillant avec des encres plus naturelles et traditionnelles et utilisant parfois la calligraphie comme motif initial, créent des œuvres abstraites énergiques dans des noirs brillants avec des nuances de gris.

Comme à l’époque d’Edo, aux XIXème et XXème siècles. la sculpture n'était pas populaire. Mais même dans ce domaine, les représentants de la génération moderne qui ont étudié en Amérique et en Europe ont expérimenté avec beaucoup de succès. Les petites sculptures en bronze, de forme abstraite et aux noms étranges, montrent le sens japonais de la ligne et de la couleur, évident dans l'utilisation de patines vert tendre ou brun chaud ; La sculpture sur bois témoigne de l'amour des Japonais pour la texture de la matière.

Le Sosaku hanga, l'« estampe créative » japonaise, n'est apparu que dans la première décennie du XXe siècle, mais en tant que mouvement artistique particulier, il a éclipsé tous les autres domaines de l'art moderne. Cette gravure sur bois moderne n'est pas, à proprement parler, un successeur de l'ancienne gravure sur bois ukiyo-e ; ils diffèrent par leur style, leurs sujets et leurs méthodes de création. Les artistes, dont beaucoup ont été fortement influencés par la peinture occidentale, ont reconnu l'importance de leur propre héritage artistique et ont trouvé dans le bois un matériau approprié pour exprimer leurs idéaux créatifs. Les maîtres Hanga non seulement dessinent, mais sculptent également des images sur des blocs de bois et les impriment eux-mêmes. Bien que les plus hautes réalisations dans cette forme d’art soient associées au travail du bois, toutes les techniques de gravure occidentales modernes sont utilisées. Expérimenter avec des feuilles, des ficelles et des « objets trouvés » peut dans certains cas créer des effets de texture de surface uniques. Au début, les maîtres de ce mouvement ont été contraints de rechercher la reconnaissance : après tout, même les meilleures réalisations de l'école ukiyo-e étaient associées par des artistes intellectuels à la foule analphabète et considérées comme de l'art plébéien. Des artistes tels qu'Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi et Maekawa Senpan ont fait beaucoup pour restaurer le respect de la gravure et en faire une branche digne des beaux-arts. Ils attirent dans leur groupe de nombreux jeunes artistes et les graveurs se comptent désormais par centaines. Parmi les maîtres de cette génération reconnus au Japon et en Occident figurent Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen et Saito Kiyoshi. Ce sont des maîtres dont l'innovation et le talent indéniable leur ont valu la place qui leur revient parmi les plus grands artistes japonais. Beaucoup de leurs pairs et d’autres jeunes artistes hanga ont également créé de magnifiques estampes ; Le fait que nous ne mentionnions pas ici leurs noms ne signifie pas une mauvaise évaluation de leur travail.

ARTS DÉCORATIFS, ARCHITECTURE ET JARDINS

Les sections précédentes traitaient principalement de la peinture et de la sculpture, qui sont considérées dans la plupart des pays comme les principaux types d'art. Il peut être injuste d'inclure à la fin de l'article les arts décoratifs et l'artisanat populaire, l'art des jardins et l'architecture - des formes qui constituent une partie importante et intégrante de l'art japonais. Cependant, à l’exception peut-être de l’architecture, ils nécessitent une attention particulière en dehors de la périodisation générale de l’art japonais et des changements de style.

Céramique et porcelaine.

Les arts et l'artisanat les plus importants au Japon comprennent la céramique et la porcelaine. L’art céramique se divise naturellement en deux catégories. Les fines porcelaines polychromes d'Imari, de Nabeshima et de Kakiemon tirent leur nom des lieux de production, et leur riche peinture sur une surface crème ou blanc bleuâtre était destinée à la noblesse et aux cercles de cour. Le processus de fabrication de la véritable porcelaine est devenu connu au Japon à la fin du XVIe ou au début du XVIIe siècle ; les assiettes et les bols à glaçure lisse, avec un motif asymétrique ou semblable à un brocart, sont appréciés tant chez nous qu'en Occident.

Contrairement à la porcelaine, dans les plats grossiers en argile ou en pierre de mauvaise qualité, caractéristiques de Shino, Oribe et Bizen, l'attention est portée sur le matériau, la disposition apparemment négligente mais réfléchie des éléments décoratifs. Influencés par les concepts du bouddhisme zen, ces récipients étaient très populaires dans les cercles intellectuels et largement utilisés, notamment lors des cérémonies du thé. De nombreuses tasses, théières et théières, attributs de l'art de la cérémonie du thé, incarnaient l'essence même du bouddhisme zen : une stricte autodiscipline et une stricte simplicité. À l'apogée de l'art décoratif japonais, les artistes talentueux Korin et Kenzan se consacraient à la décoration de produits en céramique. Il faut rappeler que la renommée de Kenzan est davantage associée à son talent de céramiste qu'à celui de peintre. Certains des types et techniques de récipients les plus simples proviennent des traditions artisanales populaires. Des ateliers modernes, perpétuant les anciennes traditions, fabriquent de beaux produits qui ravissent par leur élégante simplicité.

Produits de laque.

Déjà aux VIIe-VIIIe siècles. le vernis était célèbre au Japon. De cette époque, les couvercles des boîtes ont été conservés, décorés d'images de personnages et de motifs géométriques appliqués de fines lignes dorées. Nous avons déjà évoqué l'importance de la technique du vernis sec pour la sculpture aux VIIIe et IXe siècles ; à la même époque et plus tard, des objets décoratifs tels que des boîtes à lettres ou des boîtes à encens furent fabriqués. Durant la période Edo, ces produits étaient fabriqués en grande quantité et avec la décoration la plus luxueuse. Des boîtes luxueusement décorées pour le déjeuner, les gâteaux, l'encens et les médicaments, appelées inro, reflétaient la richesse et l'amour du luxe inhérents à cette époque. La surface des objets était décorée de motifs de poudre d'or et d'argent, de morceaux de feuilles d'or, séparément ou en combinaison avec des incrustations de coquillages, de nacre, d'alliage d'étain et de plomb, etc. ces motifs contrastaient avec les surfaces laquées rouges, noires ou brunes. Parfois, les dessins de vernis étaient réalisés par des artistes, par exemple Korin et Koetsu, mais il est peu probable qu'ils aient personnellement participé à ces travaux.

Épées.

Les Japonais, comme nous l'avons déjà dit, furent pendant une période considérable de leur histoire un peuple de guerriers ; les armes et les armures étaient considérées comme des nécessités pour une grande partie de la population. L'épée était la fierté d'un homme ; la lame elle-même et toutes les autres parties de l'épée, en particulier le manche (tsuba), étaient décorées selon diverses techniques. Les Tsuba en fer ou en bronze étaient décorés d'incrustations d'or et d'argent, recouverts de sculptures ou garnis des deux. Ils représentaient des paysages ou des figures humaines, des fleurs ou des armoiries familiales (mon). Tout cela complétait le travail des fabricants d’épées.

Tissus.

Les soieries aux riches motifs et autres tissus privilégiés par la cour et le clergé en période d'opulence et d'abondance, ainsi que les tissus simples aux motifs presque primitifs caractéristiques de l'art populaire, sont également des expressions du talent national japonais. Après avoir atteint son apogée durant l’opulente époque Genroku, l’art du textile a de nouveau prospéré dans le Japon moderne. Il combine avec succès des idées et des fibres artificielles occidentales avec des couleurs et des motifs décoratifs traditionnels.

Jardins.

Au cours des dernières décennies, l'intérêt pour les jardins et l'architecture japonais s'est accru en raison de l'exposition accrue du public occidental à ces formes d'art. Les jardins occupent une place particulière au Japon ; ils sont l’expression et le symbole de hautes vérités religieuses et philosophiques, et ces connotations obscures et symboliques, combinées à la beauté évidente des jardins, suscitent l’intérêt du monde occidental. On ne peut pas dire que les idées religieuses ou philosophiques aient été la principale raison de la création des jardins, mais lors de la planification et de la création d'un jardin, l'artiste-urbaniste a pris en compte de tels éléments, dont la contemplation amènerait le spectateur à réfléchir à diverses vérités philosophiques. Ici, l'aspect contemplatif du bouddhisme zen s'incarne dans un groupe de pierres inhabituelles, des vagues de sable et de gravier ratissés combinées à du gazon, ou des plantes disposées de manière à ce qu'un ruisseau derrière elles disparaisse et réapparaisse, qui encouragent tous le spectateur à compléter les intentions de la construction. .idées de jardin. La préférence pour les indications vagues plutôt que pour les explications claires est caractéristique de la philosophie Zen. Les bonsaïs nains et les petits jardins en pots, désormais populaires en Occident, prolongent ces idées.

Architecture.

Les principaux monuments architecturaux du Japon sont les temples, les complexes monastiques, les châteaux féodaux et les palais. Depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours, le bois est le principal matériau de construction et détermine en grande partie les caractéristiques de conception. Les édifices religieux les plus anciens sont les sanctuaires de la religion nationale japonaise shinto ; à en juger par les textes et les dessins, il s'agissait de structures relativement simples avec un toit de chaume, comme les habitations anciennes. Les bâtiments des temples érigés après la propagation du bouddhisme et associés à celui-ci étaient basés sur des prototypes chinois en termes de style et de disposition. L'architecture des temples bouddhistes variait au fil du temps, et la décoration et la disposition des bâtiments variaient selon les différentes sectes. Les bâtiments japonais se distinguent par de vastes salles aux toits hauts et des systèmes complexes de consoles, et leur décoration reflète le goût de leur époque. L'architecture simple et majestueuse du complexe Horyuji, construit près de Nara au début du VIIe siècle, est aussi caractéristique de la période Asuka que la beauté et l'élégance des proportions du Hoodo, la « Salle du Phénix » d'Uji, se reflétant dans le Lac du Lotus. , est de la période Heian. Les bâtiments les plus élaborés de la période Edo ont acquis une décoration supplémentaire sous la forme de portes coulissantes et de paravents richement peints réalisés par les mêmes « grands décorateurs » qui décoraient les intérieurs des châteaux à douves et des palais féodaux.

L’architecture et les jardins du Japon sont si étroitement liés qu’ils peuvent être considérés comme faisant partie l’un de l’autre. Cela est particulièrement vrai pour les bâtiments et les abris de jardin destinés à la cérémonie du thé. Leur ouverture, leur simplicité et leur relation soignée avec le paysage et la perspective ont une influence majeure sur l’architecture occidentale moderne.

L'INFLUENCE DE L'ART JAPONAIS SUR L'OUEST

En seulement un siècle, l’art du Japon s’est fait connaître en Occident et a eu une influence significative sur celui-ci. Il y avait des contacts plus anciens (par exemple, les Néerlandais faisaient du commerce avec le Japon via le port de Nagasaki), mais les objets qui arrivèrent en Europe au XVIIe siècle étaient principalement des œuvres d'art appliqué - porcelaine et laque. Ils étaient avidement collectionnés comme curiosités et copiés de diverses manières, mais ces exportations décoratives ne reflétaient pas l'essence et la qualité de l'art japonais et donnaient même aux Japonais une idée peu flatteuse du goût occidental.

La première fois que la peinture occidentale a été directement influencée par l’art japonais en Europe, c’était en 1862, lors de la grande exposition internationale de Londres. Présentées à l'Exposition de Paris cinq ans plus tard, les estampes japonaises suscitent à nouveau un grand intérêt. Plusieurs collections privées de gravures voient immédiatement le jour. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh et d'autres ont perçu les estampes couleur japonaises comme une révélation ; L'influence légère mais toujours reconnaissable des estampes japonaises sur les impressionnistes est souvent soulignée. Les Américains Whistler et Mary Cassatt ont été attirés par la retenue des lignes et les taches de couleurs vives des gravures et peintures ukiyo-e.

L’ouverture du Japon aux étrangers en 1868 a créé un engouement pour tout ce qui est occidental et a poussé les Japonais à se détourner de leur riche culture et de leur héritage artistique. À cette époque, de nombreuses belles peintures et sculptures étaient vendues et se retrouvaient dans des musées occidentaux et des collections privées. Les expositions de ces objets ont introduit l'Occident au Japon et ont stimulé l'intérêt pour les voyages en Extrême-Orient. Bien entendu, l’occupation du Japon par les troupes américaines à la fin de la Seconde Guerre mondiale a ouvert de plus grandes opportunités qu’auparavant pour explorer et en apprendre davantage sur les temples japonais et leurs trésors. Cet intérêt se reflète dans la fréquentation des musées américains. L'intérêt pour l'Orient en général a suscité l'organisation d'expositions d'œuvres d'art japonaises, sélectionnées dans des collections publiques et privées japonaises et importées en Amérique et en Europe.

La recherche scientifique des dernières décennies a beaucoup contribué à réfuter l’idée selon laquelle l’art japonais n’est qu’un reflet de l’art chinois, et de nombreuses publications japonaises en anglais ont fait découvrir à l’Occident les idéaux de l’Orient.