L'un des plus grands mouvements artistiques dernières décennies Le XIXe siècle et le début du XXe sont l'impressionnisme, qui s'est répandu dans le monde entier depuis la France. Ses représentants étaient engagés dans le développement de méthodes et de techniques de peinture qui permettraient de refléter le plus vivement et naturellement monde réel en dynamique, pour transmettre des impressions éphémères de lui.
De nombreux artistes ont créé leurs toiles dans le style de l'impressionnisme, mais les fondateurs du mouvement étaient Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frédéric Basil, Camille Pissarro. Il est impossible de nommer leurs meilleures œuvres, car elles sont toutes belles, mais il y a les plus célèbres, et elles seront discutées plus loin.
Claude Monet : « Impression. Soleil levant"
La toile avec laquelle vous devriez entamer une conversation sur les meilleures peintures des impressionnistes. Claude Monet l'a peint en 1872 d'après nature dans le vieux port du Havre, en France. Deux ans plus tard, le tableau est montré pour la première fois au public dans l'ancien atelier de l'artiste et caricaturiste français Nadar. Cette exposition est devenue fatidique pour le monde de l’art. Impressionné (pas du tout) dans le meilleur sens) de Monet, dont le titre dans la langue originale ressemble à « Impression, soleil levant », le journaliste Louis Leroy a été le premier à inventer le terme « impressionnisme », désignant une nouvelle direction de la peinture.
Le tableau a été volé en 1985 avec des œuvres d'O. Renoir et de B. Morisot. Elle a été découverte cinq ans plus tard. Actuellement « Impression. Soleil levant"appartient au Musée Marmottan-Monet à Paris.
Edouard Monet : "Olympie"
Le tableau "Olympia", réalisé par l'impressionniste français Edouard Manet en 1863, est l'un des chefs-d'œuvre de la peinture moderne. Il a été présenté pour la première fois au Salon de Paris en 1865. Les artistes impressionnistes et leurs peintures se retrouvaient souvent au centre scandales très médiatisés. Cependant, Olympie a provoqué le plus grand d'entre eux dans l'histoire de l'art.
Sur la toile, on voit une femme nue, le visage et le corps tournés vers le public. Le deuxième personnage est une servante à la peau foncée tenant un luxueux bouquet enveloppé dans du papier. Au pied du lit se trouve un chaton noir dans une pose caractéristique avec le dos cambré. On ne sait pas grand-chose de l’histoire du tableau ; seules deux esquisses nous sont parvenues. Le modèle était très probablement le modèle préféré de Manet, Quiz Meunard. Il existe une opinion selon laquelle l'artiste a utilisé l'image de Marguerite Bellanger, la maîtresse de Napoléon.
À l'époque de la création d'Olympia, Manet était fasciné par l'art japonais et refusait donc délibérément d'élaborer les nuances d'obscurité et de lumière. Pour cette raison, ses contemporains ne voyaient pas le volume de la figure représentée et la considéraient comme plate et rugueuse. L'artiste a été accusé d'immoralité et de vulgarité. Jamais auparavant les peintures impressionnistes n’avaient suscité autant d’enthousiasme et de moqueries de la part de la foule. L'administration a été obligée de placer des gardes autour d'elle. Degas a comparé la renommée de Manet à travers Olympie et le courage avec lequel il a accepté la critique avec l'histoire de la vie de Garibaldi.
Pendant près d’un quart de siècle après l’exposition, la toile a été conservée à l’abri des regards indiscrets par l’atelier de l’artiste. Puis il fut de nouveau exposé à Paris en 1889. Il fut presque acheté, mais les amis de l'artiste récoltèrent la somme requise et achetèrent «Olympia» à la veuve de Manet, puis en firent don à l'État. Le tableau appartient désormais au musée d'Orsay à Paris.
Auguste Renoir : « Les Grands Baigneurs »
Le tableau a été peint par un artiste français en 1884-1887. Tout prendre en compte maintenant de célèbres tableaux Impressionnistes entre 1863 et le début du XXe siècle, les « Grandes Baigneuses » sont considérées comme la plus grande toile représentant des figures féminines nues. Renoir y a travaillé pendant plus de trois ans et durant cette période de nombreux croquis et croquis ont été réalisés. Il n’y a aucune autre peinture dans son œuvre à laquelle il a consacré autant de temps.
Au premier plan, le spectateur voit trois femmes nues, dont deux sur le rivage et la troisième debout dans l'eau. Les personnages sont peints de manière très réaliste et claire, ce qui est un trait caractéristique du style de l’artiste. Les modèles de Renoir étaient Alina Charigo (sa future épouse) et Suzanne Valadon, qui devint elle-même plus tard une artiste célèbre.
Edgar Degas : « Les Danseuses bleues »
Toutes les peintures impressionnistes célèbres répertoriées dans l’article n’ont pas été peintes à l’huile sur toile. La photo ci-dessus permet de comprendre ce que représente le tableau « Blue Dancers ». Elle a été réalisée au pastel sur une feuille de papier mesurant 65x65 cm et appartient à la période tardive de l’œuvre de l’artiste (1897). Il l'a peint avec une vision déjà altérée, c'est pourquoi une importance primordiale est accordée à l'organisation décorative : l'image est perçue comme de grandes taches de couleur, surtout lorsqu'elle est vue de près. Le thème des danseurs était proche de Degas. Cela a été répété à plusieurs reprises dans son œuvre. De nombreux critiques estiment qu'en raison de l'harmonie des couleurs et de la composition, The Blue Dancers peut être considéré comme meilleur travail artiste sur ce sujet. Actuellement, le tableau est conservé au Musée d'Art. A. S. Pouchkine à Moscou.
Frédéric Bazille : "Robe rose"
L'un des fondateurs impressionnisme français Frédéric Bazille est né dans une famille bourgeoise d'un riche vigneron. Alors qu'il étudie encore au Lycée, il commence à s'intéresser à la peinture. Installé à Paris, il fait la connaissance de C. Monet et O. Renoir. Malheureusement, l'artiste était destiné à une courte période Le chemin de la vie. Il meurt à l'âge de 28 ans au front pendant la guerre franco-prussienne. Cependant, ses peintures, bien que peu nombreuses, figurent à juste titre dans la liste des « Meilleures photos Impressionnistes." L'une d'elles est « Robe rose », peinte en 1864. Selon toutes les indications, la toile peut être attribuée aux premiers impressionnismes : contrastes de couleurs, attention portée à la couleur, à la lumière du soleil et à un instant figé, ce qui était précisément ce qu'on appelait « impression ». L’une des cousines de l’artiste, Teresa de Hors, lui sert de modèle. Le tableau appartient actuellement au musée d'Orsay à Paris.
Camille Pissarro : « Boulevard Montmartre. Après-midi ensoleillé"
Camille Pissarro est devenu célèbre pour ses paysages, dont un trait caractéristique est la représentation de la lumière et des objets illuminés. Ses œuvres ont eu une influence significative sur le genre de l'impressionnisme. L'artiste a développé de manière indépendante bon nombre de ses principes inhérents, qui ont constitué la base de sa créativité future.
Pissarro aimait écrire le même passage dans temps différent jours. Il possède toute une série de toiles avec des boulevards et des rues parisiennes. Le plus célèbre d'entre eux est le « Boulevard Montmartre » (1897). Elle reflète tout le charme que l'artiste voit dans la vie bouillonnante et agitée de ce coin de Paris. Observant le boulevard du même endroit, il le montre au spectateur par une journée ensoleillée et nuageuse, le matin, l'après-midi et tard le soir. La photo ci-dessous montre le tableau « Boulevard Montmartre la nuit ».
Ce style fut ensuite adopté par de nombreux artistes. Nous mentionnerons seulement quelles peintures impressionnistes ont été écrites sous l'influence de Pissarro. Cette tendance est clairement visible dans l’œuvre de Monet (la série de peintures « Meules de foin »).
Alfred Sisley : « Les pelouses au printemps »
« Pelouses au printemps » est l'un des derniers tableaux du peintre paysagiste Alfred Sisley, peint en 1880-1881. Le spectateur y voit un chemin forestier le long des berges de la Seine avec un village sur la rive opposée. Au premier plan se trouve une fille, la fille de l'artiste Jeanne Sisley.
Les paysages de l’artiste transmettent l’atmosphère authentique de la région historique d’Ile-de-France et conservent la douceur et la transparence particulières des phénomènes naturels caractéristiques de certaines saisons. L'artiste n'a jamais été partisan des effets inhabituels et a adhéré à une composition simple et à une palette de couleurs limitée. Le tableau est désormais conservé à la National Gallery de Londres.
Nous avons répertorié les tableaux impressionnistes les plus célèbres (avec noms et descriptions). Ce sont des chefs-d’œuvre de la peinture mondiale. Le style de peinture unique, originaire de France, a d'abord été perçu avec ridicule et ironie ; les critiques ont souligné la négligence ouverte des artistes dans la peinture de leurs toiles. Aujourd’hui, presque personne n’oserait défier son génie. Les peintures impressionnistes sont exposées dans les musées les plus prestigieux du monde et constituent une exposition convoitée pour toute collection privée.
Le style n’est pas tombé dans l’oubli et compte de nombreux adeptes. Notre compatriote Andrei Koch, le peintre français Laurent Parselier, les Américains Diana Leonard et Karen Tarleton sont de célèbres impressionnistes modernes. Leurs peintures sont réalisées dans les meilleures traditions du genre, remplies couleurs vives, les traits audacieux et la vie. Sur la photo ci-dessus se trouve l'œuvre de Laurent Parselier « Aux rayons du soleil ».
18-19 siècles a marqué une période de prospérité art européen. En France, l'empereur Napoléon III a ordonné la reconstruction de Paris à la suite des hostilités de la guerre franco-prussienne. Paris redevient rapidement la même « ville brillante » qu'elle était sous le Second Empire et se proclame à nouveau le centre de l'art européen. C’est pourquoi de nombreux artistes impressionnistes se sont tournés vers le thème de la ville moderne dans leurs œuvres. Dans leurs œuvres, la ville moderne n’est pas un monstre, mais une patrie où vivent les gens. De nombreuses œuvres sont empreintes d’un fort sentiment de patriotisme.
Cela se voit particulièrement dans les peintures de Claude Monet. Il a créé plus de 30 tableaux représentant des vues de la cathédrale de Rouen dans une grande variété de conditions d'éclairage et d'atmosphère. Par exemple, en 1894, Monet a peint deux tableaux : « Cathédrale de Rouenà midi » et « Cathédrale de Rouen le soir ». Les deux tableaux représentent le même fragment de la cathédrale, mais dans des tons différents - dans les tons chauds jaune-rose de midi et dans les nuances froides bleutées de la lumière crépusculaire mourante. Dans les peintures, la tache colorée dissout complètement la ligne ; l'artiste ne transmet pas le poids matériel de la pierre, mais, pour ainsi dire, un rideau légèrement coloré.
Les impressionnistes cherchaient à faire ressembler le tableau à fenêtre ouverte, à travers lequel le monde réel est visible. Souvent, ils choisissaient une vue depuis la fenêtre sur la rue. Le célèbre « Boulevard des Capucines » de C. Monet, peint en 1873 et présenté lors de la première exposition impressionniste en 1874, est un excellent exemple de cette technique. Il y a beaucoup d'innovation ici - la vue sur une grande rue de la ville a été choisie comme motif du paysage, mais l'artiste s'intéresse à son apparence dans son ensemble, et non à ses attraits. La masse entière des gens est représentée par des traits glissants, de manière généralisée, dans lesquels il est difficile de distinguer des figures individuelles.
Monet donne dans cette œuvre une impression instantanée et purement visuelle de la vibration de l'air à peine perceptible, des rues, des gens et des voitures au départ s'enfonçant plus profondément dans les profondeurs. Il détruit l'idée d'une toile plate, créant l'illusion de l'espace et la remplissant de lumière, d'air et de mouvement. L’œil humain se précipite vers l’infini et il n’y a pas de point limite où il pourrait s’arrêter.
Le point de vue élevé permet à l'artiste d'abandonner le premier plan et de transmettre la lumière du soleil éclatante en contraste avec les ombres bleu-violet des maisons posées sur le trottoir de la rue. Monet donne le côté ensoleillé orange, doré-chaud, le côté ombre violet, mais une seule brume lumière-air donne à l'ensemble du paysage une harmonie tonale, et les contours des maisons et des arbres émergent dans l'air, imprégnés des rayons du soleil.
En 1872, au Havre, Monet peint « Impression. Lever de soleil" - une vue du port du Havre, présentée plus tard lors de la première exposition des impressionnistes. Ici, l'artiste s'est apparemment enfin libéré de l'idée généralement acceptée de l'objet image comme d'un certain volume et s'est entièrement consacré à transmettre l'état momentané de l'atmosphère dans des tons bleus et rose-orange. En fait, tout semble devenir intangible : la jetée du Havre et les navires se confondent avec les traînées du ciel et le reflet dans l'eau, et les silhouettes de pêcheurs et de bateaux au premier plan ne sont que des taches sombres réalisées en quelques traits intenses. . Le rejet des techniques académiques, la peinture en plein air et le choix de sujets insolites rencontrent l'hostilité des critiques de l'époque. Louis Leroy, l'auteur d'un article furieux paru dans la revue "Charivari", a utilisé pour la première fois, à propos de ce tableau en particulier, le terme "impressionnisme" comme définition d'un nouveau mouvement de la peinture.
Une autre œuvre remarquable dédiée à la ville est le tableau « Gare Saint-Lazare » de Claude Monet. Monet a peint plus de dix tableaux basés sur la gare Saint-Lazare, dont sept ont été exposés à la 3e exposition impressionniste en 1877.
Monet a loué un petit appartement sur Monsey Street, situé près de la gare. L'artiste a eu une totale liberté d'action. Le mouvement des trains s'est arrêté pendant un moment et il pouvait clairement voir les quais, les fours des locomotives fumantes, qui étaient remplis de charbon - pour que la vapeur s'échappe des cheminées. Monet est fermement « installé » à la gare, les passagers le regardent avec respect et admiration.
Comme l'apparence de la gare changeait constamment, Monet ne faisait que des croquis sur place et, sur la base de ceux-ci, dans l'atelier, il peignait lui-même les tableaux. Sur la toile on voit un grand gare, recouvert d'un auvent soutenu par des piliers en fer. Il y a des quais à gauche et à droite : une voie est destinée aux trains de banlieue, l'autre aux trains longue distance. L'atmosphère particulière est véhiculée par le contraste entre l'éclairage tamisé de la gare et l'éclairage public clair et éblouissant. Des panaches de fumée et de vapeur dispersés sur la toile équilibrent les rayures contrastées de l’éclairage. La fumée s'infiltre partout, des nuages brillants tourbillonnent contre les silhouettes pâles des bâtiments. Une vapeur épaisse semble donner forme aux tours massives, les recouvrant d'un léger voile, comme la plus fine toile d'araignée. Le tableau est peint dans des tons doux et sourds avec des transitions de nuances subtiles. Les traits rapides et précis en forme de virgules, caractéristiques de l'époque, sont perçus comme une mosaïque ; le spectateur a l'impression que la vapeur se dissipe ou se condense.
Autre représentant des impressionnistes, C. Pissarro, comme tous les impressionnistes, aimait peindre la ville, qui le captivait par son mouvement sans fin, le flux des courants d'air et les jeux de lumière. Il le percevait comme un organisme vivant et agité, capable de changer en fonction de la période de l'année et du degré d'éclairage.
Au cours de l'hiver et du printemps 1897, Pissarro travaille sur une série de peintures intitulées « Boulevards de Paris ». Ces œuvres font la renommée de l'artiste et attirent l'attention des critiques qui associent son nom au mouvement divisionniste. L'artiste a réalisé les croquis de la série depuis la fenêtre d'une chambre d'hôtel à Paris et a terminé les travaux sur les peintures dans son atelier d'Eragny fin avril. Cette série est la seule dans l’œuvre de Pissarro dans laquelle l’artiste a cherché à capturer avec la plus grande précision diverses conditions météorologiques et solaires. Par exemple, l'artiste a peint 30 tableaux représentant le boulevard Montmartre, en le regardant depuis la même fenêtre.
Dans les tableaux « Boulevard Montmartre à Paris », le maître C. Pissarro a magistralement transmis la richesse des effets atmosphériques, la complexité colorée et la subtilité d'une journée nuageuse. La dynamique de la vie urbaine, incarnée de manière si convaincante par le pinceau rapide du peintre, crée l’image d’une ville moderne – ni cérémonielle, ni officielle, mais excitée et vivante. Le paysage urbain est devenu le genre principal de l'œuvre de cet impressionniste hors pair, le « chanteur de Paris ».
La capitale de la France occupe une place particulière dans l'œuvre de Pissarro. L'artiste vivait constamment en dehors de la ville, mais Paris l'attirait constamment. Paris le captive par son mouvement incessant et universel : la marche des piétons et la course des voitures, le flux des courants d'air et les jeux de lumière. La ville de Pissarro n'est pas une liste de maisons remarquables entrées dans le champ de vision de l'artiste, mais un organisme vivant et agité. Captivé par cette vie, on ne se rend pas compte de la banalité des immeubles qui composent le boulevard Montmartre. L'artiste trouve un charme unique dans l'agitation des Grands Boulevards. Pissarro a capturé le boulevard Montmartre matin et jour, soir et nuit, ensoleillé et gris, le regardant depuis la même fenêtre. Le motif clair et simple d'une rue qui s'étend au loin crée une base de composition claire qui ne change pas d'une toile à l'autre. Le cycle de toiles peintes l’année suivante depuis la fenêtre de l’hôtel du Louvre est construit tout autrement. Dans une lettre à son fils alors qu'il travaillait sur le cycle, Pissarro soulignait le caractère différent de ce lieu par rapport aux Boulevards, c'est-à-dire à la place du Théâtre français et à ses environs. En effet, tout s'y précipite dans l'axe de la rue. Ici, la place, qui servait d'arrêt final à plusieurs lignes omnibus, se croise au maximum diverses directions, et au lieu d'un large panorama avec une abondance d'air, nos yeux se voient présenter un espace fermé au premier plan.
"Le nouveau monde est né lorsque les impressionnistes l'ont peint"
Henri Kahnweiler
XIXème siècle. France. Quelque chose d’inédit s’est produit en peinture. Un groupe de jeunes artistes a décidé de bousculer des traditions vieilles de 500 ans. Au lieu d’un dessin clair, ils ont utilisé un trait large et « bâclé ».
Et ils ont complètement abandonné les images habituelles, représentant tout le monde à la suite. Et des dames de petite vertu et des messieurs à la réputation douteuse.
Le public n'était pas prêt pour la peinture impressionniste. Ils ont été ridiculisés et réprimandés. Et surtout, ils ne leur ont rien acheté.
Mais la résistance fut brisée. Et certains impressionnistes ont vécu pour voir leur triomphe. Certes, ils avaient déjà plus de 40 ans. Comme Claude Monet ou Auguste Renoir. D'autres n'ont attendu la reconnaissance qu'à la fin de leur vie, comme Camille Pissarro. Certains ne vécurent pas assez longtemps pour le voir, comme Alfred Sisley.
Quel révolutionnaire chacun d’eux a-t-il accompli ? Pourquoi le public a-t-il mis autant de temps à les accepter ? Voici les 7 impressionnistes français les plus célèbres connus dans le monde entier.
1. Édouard Manet (1832-1883)
Édouard Manet. Autoportrait à la palette. 1878 Collection privéeManet était plus âgé que la plupart des impressionnistes. Il était leur principale inspiration.
Manet lui-même ne prétendait pas être le leader des révolutionnaires. Il était socialite mondain. Je rêvais de récompenses officielles.
Mais il a attendu très longtemps la reconnaissance. Le public voulait voir déesses grecques ou des natures mortes au pire, pour qu'elles soient belles dans la salle à manger. Manet voulait écrire Vie moderne. Par exemple, les courtisanes.
Le résultat fut « Petit-déjeuner sur l’herbe ». Deux dandys se détendent en compagnie de dames de petite vertu. L'un d'eux, comme si de rien n'était, est assis à côté hommes habillés.
Édouard Manet. Petit déjeuner sur l'herbe. 1863, Paris Comparez son Déjeuner sur l'herbe avec Les Romains en déclin de Thomas Couture. Le tableau de Couture fait sensation. L'artiste est instantanément devenu célèbre.
"Breakfast on the Grass" a été accusé de vulgarité. Il était absolument déconseillé aux femmes enceintes de la regarder.
Thomas Couture. Romains dans leur déclin. 1847 Musée d'Orsay, Paris. artchive.ru Dans la peinture de Couture, on retrouve tous les attributs de l'académisme (peinture traditionnelle des XVIe-XIXe siècles). Colonnes et statues. Peuple d’apparence apollonienne. Couleurs traditionnelles sourdes. Manières de poses et de gestes. Une intrigue de la vie lointaine d'un peuple complètement différent.
« Petit-déjeuner sur l'herbe » de Manet est d'un format différent. Avant lui, personne n’avait représenté aussi facilement des courtisanes. Proche des citoyens respectables. Bien que de nombreux hommes de cette époque passaient ainsi leur temps libre. C'était vrai vie Vrais gens.
Une fois, j'ai dépeint une dame respectable. Laid. Il ne pouvait pas la flatter avec un pinceau. La dame était déçue. Elle l'a quitté en larmes.
Édouard Manet. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paris. Wikimedia.commons.org Il a donc continué à expérimenter. Par exemple, avec la couleur. Il n’a pas essayé de représenter la couleur dite naturelle. S'il voyait l'eau gris-brun comme un bleu vif, alors il la représentait comme un bleu vif.
Bien sûr, cela a irrité le public. « Même la mer Méditerranée ne peut pas se vanter d’être aussi bleue que l’eau de Manet », ironisent-ils.
Édouard Manet. Argenteuil. Musée de 1874 beaux-Arts, Tournai, Belgique. Wikipédia.org Mais le fait demeure un fait. Manet a radicalement changé le but de la peinture. Le tableau est devenu l'incarnation de l'individualité de l'artiste, qui peint à sa guise. Oublier les modèles et les traditions.
Les innovations n'ont pas été pardonnées pendant longtemps. Il n'a été reconnu qu'à la fin de sa vie. Mais il n'en avait plus besoin. Il mourait douloureusement de maladie incurable.
2.Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Autoportrait au béret. 1886 Collection privée Claude Monet peut être qualifié d’impressionniste classique. Puisqu'il fut fidèle à cette direction tout au long de sa vie longue vie.
Il n'a pas peint des objets et des personnes, mais une construction d'une seule couleur composée de reflets et de points. Traits séparés. Tremblements d'air.
Claude Monet. Pataugeoire. 1869 Musée d'art métropolitain de New York. metmuseum.org Monet n'a pas peint que la nature. Il a également réussi dans les paysages urbains. L'un des plus connus - .
Il y a beaucoup de photographies dans cette image. Par exemple, le mouvement est transmis à travers une image floue.
Attention : les arbres et les personnages lointains semblent flous.
Claude Monet. Boulevard des Capucines à Paris. 1873 (Galerie d'art européen et américain des XIXe-XXe siècles), Moscou Devant nous se trouve un moment figé dans la vie trépidante de Paris. Aucune mise en scène. Personne ne pose. Les gens sont représentés comme une collection de coups de pinceau. Un tel manque d'intrigue et un tel effet "arrêt sur image" - caractéristique principale impressionnisme.
Au milieu des années 80, les artistes ont perdu leurs illusions face à l’impressionnisme. L'esthétique est bien sûr bonne. Mais le manque d’intrigue en a déprimé beaucoup.
Seul Monet persiste, exagérant l'impressionnisme. Cela s'est développé en une série de peintures.
Il a représenté des dizaines de fois le même paysage. À différents moments de la journée. À différents moments de l'année. Montrer comment la température et la lumière peuvent modifier la même espèce au point de la rendre méconnaissable.
C'est ainsi qu'apparaissent d'innombrables meules de foin.
Peintures de Claude Monet au Musée des Beaux-Arts de Boston. Gauche : Meules de foin au coucher du soleil à Giverny, 1891. Droite : Meules de foin (effet neige), 1891.
Veuillez noter que les ombres de ces peintures sont colorées. Et non pas gris ou noir, comme c'était l'usage avant les impressionnistes. C'est une autre de leurs inventions.
Monet a réussi à connaître le succès et bien-être matériel. Après 40 ans, il a déjà oublié la pauvreté. J'ai une maison et un beau jardin. Et il a créé pour son propre plaisir de longues années.
Découvrez le tableau le plus emblématique du maître dans l’article
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportrait. 1875 Institut d'art Sterling et Francine Clark, Massachusetts, États-Unis. Pinterest.ru L'impressionnisme est la peinture la plus positive. Et le plus positif parmi les impressionnistes était Renoir.
Vous ne trouverez pas de drame dans ses peintures. Il n'a même pas utilisé de peinture noire. Seulement la joie d'être. Même les choses les plus banales chez Renoir sont belles.
Contrairement à Monet, Renoir peint plus souvent des personnages. Les paysages étaient moins importants pour lui. Dans les peintures, ses amis et connaissances se détendent et profitent de la vie.
Pierre-Auguste Renoir. Petit-déjeuner des rameurs. 1880-1881 Collection Phillips, Washington, États-Unis. Wikimedia.commons.org Vous ne trouverez pas de profondeur chez Renoir. Il était très heureux de rejoindre les impressionnistes, qui abandonnaient complètement les sujets.
Comme il l’a lui-même dit, il a enfin la possibilité de peindre des fleurs et de les appeler simplement « Fleurs ». Et n’inventez aucune histoire à leur sujet.
Pierre-Auguste Renoir. Femme avec un parapluie dans le jardin. 1875 Musée Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com Renoir se sentait mieux en compagnie des femmes. Il demandait à ses servantes de chanter et de plaisanter. Plus la chanson était stupide et naïve, mieux c'était pour lui. Et les bavardages des hommes le fatiguaient. Il n'est pas surprenant que Renoir soit célèbre pour ses peintures de nus.
Le modèle du tableau « Nu au soleil » semble apparaître sur un fond abstrait coloré. Car pour Renoir, rien n'est secondaire. L'œil du modèle ou une partie de l'arrière-plan sont équivalents.
Pierre-Auguste Renoir. Nu au soleil. 1876 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org Renoir a vécu une longue vie. Et je n’ai jamais posé mon pinceau ni ma palette. Même lorsque ses mains étaient complètement entravées par des rhumatismes, il attachait la brosse à sa main avec une corde. Et il a dessiné.
Comme Monet, il attendait une reconnaissance après 40 ans. Et j'ai vu mes tableaux au Louvre, à côté des œuvres de maîtres célèbres.
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4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Autoportrait. 1863 Musée Calouste Gulbenkian, Lisbonne, Portugal. cultivé.com Degas n'était pas un impressionniste classique. Il n'aimait pas travailler en plein air. Vous ne trouverez pas chez lui une palette volontairement allégée.
Au contraire, il aimait les lignes claires. Il a beaucoup de noir. Et il travaillait exclusivement en studio.
Mais il est toujours mis en lice avec d’autres grands impressionnistes. Parce qu'il était un impressionniste du geste.
Des angles inattendus. Asymétrie dans la disposition des objets. Des personnages pris par surprise. Ce sont les principaux attributs de ses peintures.
Il a arrêté des moments de la vie, ne permettant pas aux personnages de reprendre leurs esprits. Il suffit de regarder son « Opera Orchestra ».
Edgar Degas. Orchestre d'opéra. 1870 Musée d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org Au premier plan se trouve le dossier d'une chaise. Le musicien nous tourne le dos. Et sur arrière-plan les ballerines sur scène ne rentraient pas dans le « cadre ». Leurs têtes sont impitoyablement « coupées » par le bord de l’image.
Les danseurs qu’il aimait ne sont pas toujours représentés de cette manière. belles poses. Parfois, ils font juste des étirements.
Mais une telle improvisation est imaginaire. Bien entendu, Degas a soigneusement réfléchi à la composition. Il s’agit simplement d’un effet d’arrêt sur image, pas d’un véritable arrêt sur image.
Edgar Degas. Deux danseurs de ballet. 1879 Musée Shelburne, Vermouth, États-Unis Edgar Degas aimait peindre des femmes. Mais la maladie ou les caractéristiques du corps ne lui permettaient pas d'avoir un contact physique avec eux. Il n'a jamais été marié. Personne ne l'a jamais vu avec une dame.
L'absence de sujets réels dans sa vie personnelle ajoute un érotisme subtil et intense à ses images.
Edgar Degas. Étoile du ballet. 1876-1878 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org Veuillez noter que dans le tableau « Ballet Star », seule la ballerine elle-même est représentée. Ses collègues en coulisses sont à peine visibles. Juste quelques jambes.
Cela ne veut pas dire que Degas n’a pas terminé le tableau. C'est la réception. Gardez uniquement l’accent sur les choses les plus importantes. Faire disparaître le reste, illisible.
Découvrez d'autres peintures du maître dans l'article
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Édouard Manet. Portrait de Berthe Morisot. 1873 Musée Marmottan-Monet, Paris. Berthe Morisot est rarement placée au premier rang des grands impressionnistes. Je suis sûr que ce n'est pas mérité. C'est dans son œuvre que vous retrouverez toutes les principales caractéristiques et techniques de l'impressionnisme. Et si vous aimez ce style, vous adorerez son travail de tout votre cœur.
Morisot a travaillé rapidement et impétueusement, transférant ses impressions sur la toile. Les personnages semblent sur le point de se dissoudre dans l’espace.
Berthe Morisot. Été. 1880 Musée Fabray, Montpellier, France. Comme Degas, elle laisse souvent certains détails inachevés. Et même des parties du corps du modèle. On ne distingue pas les mains de la jeune fille dans le tableau « Summer ».
Le chemin de Morisot vers l'expression de soi a été difficile. Non seulement elle s’est engagée dans une peinture « négligente ». Elle était toujours une femme. À cette époque, une femme était censée rêver de mariage. Après quoi, tout passe-temps était oublié.
Par conséquent, Bertha a longtemps refusé de se marier. Jusqu'à ce qu'elle trouve un homme qui respectait son métier. Eugène Manet était le frère de l'artiste Edouard Manet. Il portait consciencieusement un chevalet et peint derrière sa femme.
Berthe Morisot. Eugène Manet avec sa fille à Bougival. 1881 Musée Marmottan-Monet, Paris. Mais c’était quand même au 19e siècle. Non, je ne portais pas de pantalon Morisot. Mais elle ne pouvait pas se permettre une totale liberté de mouvement.
Elle ne pouvait pas se rendre au parc pour travailler seule, sans être accompagnée d'un proche. Je ne pouvais pas m'asseoir seul dans un café. Par conséquent, ses peintures représentent des gens de cercle familial. Mari, fille, parents, nounous.
Berthe Morisot. Une femme avec un enfant dans un jardin à Bougival. 1881 musée national Pays de Galles, Cardiff. Morisot n'a pas attendu la reconnaissance. Elle est décédée à l'âge de 54 ans d'une pneumonie, sans avoir vendu presque aucune de ses œuvres de son vivant. Sur son acte de décès, il y avait un tiret dans la colonne « profession ». Il était impensable qu’une femme soit qualifiée d’artiste. Même si elle l’était réellement.
Découvrez les peintures du maître dans l’article
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Autoportrait. 1873 Musée d'Orsay, Paris. Wikipédia.org Camille Pissarro. Non-conflit, raisonnable. Beaucoup le considéraient comme un enseignant. Même les collègues les plus capricieux ne parlaient pas en mal de Pissarro.
Il était un fidèle adepte de l'impressionnisme. Dans le besoin, avec une femme et cinq enfants, il travaillait toujours dur dans son style favori. Et il ne s’est jamais tourné vers la peinture en salon pour devenir plus populaire. On ne sait pas d’où il a trouvé la force de croire pleinement en lui-même.
Pour ne pas mourir de faim, Pissarro peint des éventails qu'il achète avec empressement. Mais une véritable reconnaissance lui est venue après 60 ans ! Puis finalement, il a pu oublier son besoin.
Camille Pissarro. Diligence à Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paris L'air dans les peintures de Pissarro est épais et dense. Une fusion extraordinaire de couleur et de volume.
L'artiste n'a pas eu peur de peindre les phénomènes naturels les plus changeants, qui apparaissent un instant et disparaissent. Première neige, soleil glacial, de longues ombres.
Camille Pissarro. Gel. 1873 Musée d'Orsay, Paris Ses œuvres les plus célèbres sont des vues de Paris. Avec de larges boulevards et une foule hétéroclite et animée. La nuit, le jour, par temps différent. D'une certaine manière, ils font écho à une série de tableaux de Claude Monet.
La poursuite du développement Peinture européenne associé à l'impressionnisme. Ce terme est né par hasard. La raison en était le titre du paysage de C. Monet « Impression. Lever du soleil" (voir annexe n° 1, fig. 3) (de l'impression française - impression), paru à l'exposition impressionniste en 1874. Cette première représentation publique d'un groupe d'artistes, parmi lesquels C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro et d'autres, fut accueillie par la critique officielle bourgeoise avec un ridicule grossier et une persécution. Certes, dès la fin des années 1880, les techniques formelles de leur peinture furent reprises par des représentants de l'art académique, ce qui donna à Degas l'occasion de constater avec amertume : « Nous avons été abattus, mais en même temps nos poches ont été fouillées.
Maintenant que les débats houleux sur l'impressionnisme appartiennent au passé, presque personne n'osera contester que le mouvement impressionniste a constitué une étape supplémentaire dans le développement de la peinture réaliste européenne. « L'impressionnisme est avant tout l'art d'observer la réalité qui a atteint une sophistication sans précédent » (V.N. Prokofiev). En quête d'un maximum de spontanéité et de précision dans la transmission du monde visible, ils ont commencé à peindre principalement en plein air et ont souligné l'importance des croquis d'après nature, qui ont presque remplacé type traditionnel des peintures créées avec soin et lentement en atelier.
En clarifiant constamment leur palette, les impressionnistes libèrent la peinture des vernis et peintures terreux et bruns. La noirceur conventionnelle et « muséale » de leurs toiles laisse place à un jeu infini de reflets et d’ombres colorées. Ils ont considérablement élargi les possibilités arts visuels, découvrant non seulement le monde du soleil, de la lumière et de l'air, mais aussi la beauté des brouillards, l'atmosphère agitée de la vie grande ville, une diffusion de lumières nocturnes et le rythme d'un mouvement continu.
De par la méthode même de travail en plein air, le paysage, y compris le paysage urbain qu'ils découvrent, occupe une place très importante dans l'art des impressionnistes. La mesure dans laquelle tradition et innovation se sont organiquement fusionnées dans l'art des impressionnistes est démontrée, tout d'abord, par l'œuvre du remarquable peintre du XIXe siècle Edouard Manet (1832-1883). Certes, il ne se considérait pas lui-même comme un représentant de l'impressionnisme et exposait toujours séparément, mais sur le plan idéologique et idéologique, il était sans aucun doute à la fois le précurseur et le leader idéologique de ce mouvement.
Au début de sa carrière créative, E. Manet est mis au ban (le ridicule de la société). Aux yeux du public bourgeois et des critiques, son art devient synonyme de laid, et l'artiste lui-même est qualifié de « fou qui peint un tableau en tremblant de delirium tremens » (M. de Montifaud) (voir annexe n° 1, Fig.4). Seuls les esprits les plus perspicaces de l’époque savaient apprécier le talent de Manet. Parmi eux, Charles Baudelaire et le jeune E. Zola, qui déclaraient que « M. Manet est destiné à une place au Louvre ».
L'impressionnisme a trouvé son expression la plus cohérente, mais aussi la plus profonde, dans l'œuvre de Claude Monet (1840-1926). Son nom est souvent associé à des réalisations de cette méthode de peinture telles que le transfert d'états de transition insaisissables de l'éclairage, la vibration de la lumière et de l'air, leur relation dans le processus de changements et de transformations constants. "Ce fut sans aucun doute une grande victoire pour l'art des temps modernes", écrit V.N. Prokofiev et ajoute : "Mais aussi sa victoire finale". Ce n’est pas une coïncidence si Cézanne, bien qu’il ait quelque peu polémiquement affirmé sa position, a soutenu plus tard que l’art de Monet n’est « que l’œil ».
Les premières œuvres de Monet sont assez traditionnelles. Ils contiennent encore des figures humaines, qui se transforment ensuite de plus en plus en staffage et disparaissent progressivement de ses peintures. Dans les années 1870, le style impressionniste de l'artiste prend enfin forme et il se consacre désormais entièrement au paysage. Depuis, il travaille presque exclusivement en plein air. C'est dans son œuvre que le type s'établit définitivement grande image- croquis.
Monet a été l'un des premiers à créer une série de peintures dans lesquelles le même motif est répété à différents moments de l'année et de la journée, dans différentes conditions d'éclairage et météorologiques (voir annexe n° 1, fig. 5, 6). Tous ne sont pas égaux, mais les meilleurs tableaux de ces séries étonnent par la fraîcheur de leurs couleurs, l'intensité de leurs couleurs et le talent artistique de leurs effets de lumière.
DANS période tardive créativité dans les peintures de Monet, les tendances au décoratifisme et à la planéité se sont intensifiées. L'éclat et la pureté des couleurs se transforment en leur contraire, une sorte de blanchâtre apparaît. Parlant de l'abus des derniers impressionnistes du « ton clair, transformant certaines œuvres en une toile décolorée », E. Zola écrit : « Et aujourd'hui il n'y a que le plein air... il ne reste que des taches : le portrait n'est qu'une tache, le les chiffres ne sont que des taches, seulement des taches.
D’autres artistes impressionnistes étaient aussi pour la plupart des peintres paysagistes. Leur travail est souvent resté injustement dans l'ombre à côté de la figure vraiment colorée et impressionnante de Monet, bien qu'ils ne lui soient pas inférieurs dans leur vigilance de vision de la nature et dans leurs talents de peintre. Parmi eux, il faut citer en premier les noms d'Alfred Sisley (1839-1899) et de Camille Pissarro (1831-1903). Les œuvres de Sisley, Anglais de naissance, se caractérisent par une élégance picturale particulière. Brillant maître du plein air, il a su transmettre l'air transparent du clair matin d'hiver, une légère brume de brouillard réchauffé par le soleil, des nuages traversant le ciel par une journée venteuse. Sa gamme se distingue par sa richesse de nuances et la fidélité des tons. Les paysages de l’artiste sont toujours empreints d’une humeur profonde, reflétant sa perception essentiellement lyrique de la nature (voir annexe n°1, fig. 7, 8, 9).
C'était plus compliqué chemin créatif Pissarro, le seul artiste à avoir participé aux huit expositions des impressionnistes, J. Rewald l'a qualifié de « patriarche » de ce mouvement. Partant de paysages semblables en peinture à ceux de Barbizons, il se met, sous l'influence de Manet et de ses jeunes amis, à travailler en plein air, allégeant progressivement la palette. Petit à petit, il développe sa propre méthode impressionniste. Il fut l’un des premiers à abandonner l’usage de la peinture noire. Pissarro a toujours été enclin à une approche analytique de la peinture, d'où ses expériences sur la décomposition de la couleur - « divisionnisme » et « pointellisme ». Cependant, il revient bientôt à la manière impressionniste avec laquelle son meilleures œuvres- une magnifique série de paysages urbains de Paris (voir Annexe n°1, Fig. 10,11,12,13). Leur composition est toujours réfléchie et équilibrée, leur peinture est raffinée en couleurs et magistrale en technique.
En Russie, le paysage urbain de l'impressionnisme a été éclairé par Konstantin Korovin. "Paris m'a été un choc... les impressionnistes... j'ai vu en eux ce pour quoi on m'avait réprimandé à Moscou." Korovine (1861-1939) et son ami Valentin Serov furent les figures centrales de l'impressionnisme russe. Sous la grande influence du mouvement français, il crée son propre propre style, qui mélangeait les principaux éléments de l'impressionnisme français avec les riches couleurs de l'art russe de cette période (voir annexe n° 1, fig. 15).
string(5796) "Mise en valeur du PAYSAGE URBAIN dans genre distinct apporté par le paysage architectural. Les maîtres de ce mouvement, qui s'est développé sous l'influence de la théorie de la perspective linéaire, ont vu leur Tâche principale dans la construction d'une composition complexe et soigneusement conçue, en tenant compte d'un point de vue principal. Une grande contribution au développement de ce genre a été apportée par Artistes italiens Renaissance - Raphaël, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Presque simultanément avec paysage architectural Une autre direction s'est également développée : la représentation de paysages urbains. Les peintres allemands, hollandais et français des XVIe et XVIIe siècles ont rapporté de leurs voyages de nombreux albums contenant des croquis d'après nature. Au milieu du XVIIe siècle, le PAYSAGE VILLE occupe fermement sa position de genre indépendant, devenant un sujet de prédilection. Artistes néerlandais. En représentant des coins d'Amsterdam, Delft, Haarlem, les artistes ont cherché à combiner la clarté géométrique des bâtiments urbains avec des épisodes et des paysages quotidiens. De véritables vues de la ville peuvent être trouvées chez des artistes hollandais majeurs du XVIIe siècle tels que J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer de Delft. L'un des exemples les plus frappants et les plus réussis de PAYSAGE VILLE de cette période est « Vue de la ville de Delft » de Vermeer de Delft, qui a fait l'éloge poétique de l'image. ville natale. Au XVIIIe siècle, un type particulier de genre paysager s'est formé, étroitement lié au PAYSAGE URBAIN - la veduta. Veduta, selon la nature de la reproduction de l'espace urbain, était divisée en réelle, idéale ou fantastique. Dans la veduta réelle, l’artiste a représenté avec diligence et scrupule des bâtiments réels dans un paysage réel ; dans la veduta idéale, les bâtiments réels ont été représentés entourés d’un paysage fictif ; la veduta fantastique était entièrement l’imagination de l’auteur ; L'apogée de ce type de peinture était la Veduta vénitienne, et le chef de l'école de la Veduta vénitienne était l'artiste Antonio Canaletto. À l’époque du romantisme, les artistes maintenaient un intérêt pour la représentation de monuments archéologiques, d’antiquités et de temples antiques. Au milieu du XIXe siècle, les paysagistes se tournent vers les scènes de genre. DES PAYSAGES DE LA VILLE représentant des vues de Londres apparaissent dans des gravures artiste français Gustave Doré. Un autre artiste français, maître des PAYSAGES URBAINS, Honoré Daumier, s'intéressait également aux vues de la ville, même s'il s'agissait de Paris. Nouvelle page dans l'histoire du PAYSAGE URBAIN ont été découverts par des artistes impressionnistes. Leur attention a été attirée sur le tracé des rues à différents moments de la journée, les gares, les silhouettes et les contours des bâtiments. Le désir de transmettre le rythme de la vie urbaine, de capturer l'état en constante évolution de l'atmosphère et de l'éclairage a conduit les impressionnistes à découvrir de nouveaux moyens expression artistique.
La section de peintures dédiée au PAYSAGE VILLE présente des objets représentant diverses villes, monuments architecturaux, les rues et les attractions. Dans cette section, vous trouverez des vues de Moscou, de Saint-Pétersbourg, ainsi que de Rome et de nombreuses autres villes. Nous vous proposons d'acheter des articles de la section PAYSAGE VILLE de notre Commission Antique Store. La section PAYSAGE DE LA VILLE est constamment mise à jour, restez à l'écoute des nouveautés. "
CITY LANDSCAPE est un genre d’art plastique dont le sujet principal est l’image de la ville, de ses rues et de ses bâtiments. Au départ, CITY LANDSCAPE n’était pas un genre indépendant ; les artistes médiévaux utilisaient les paysages urbains uniquement comme cadre pour des scènes bibliques. Le PAYSAGE DE LA VILLE a été repensé d'une manière nouvelle par les vieux maîtres hollandais, qui ont capturé le monde qui les entoure avec un soin et un amour particuliers.
Le paysage architectural a contribué à la séparation du PAYSAGE URBAIN en un genre à part. Les maîtres de ce mouvement, qui s'est développé sous l'influence de la théorie de la perspective linéaire, ont vu leur tâche principale dans la construction d'une composition complexe et soigneusement conçue, prenant en compte un point de vue principal. Les artistes italiens de la Renaissance - Raphaël, Piero della Francesca, Andrea Mantegna - ont grandement contribué au développement de ce genre. Presque simultanément avec le paysage architectural, une autre direction s'est développée : la représentation des paysages urbains. Les peintres allemands, hollandais et français des XVIe et XVIIe siècles ont rapporté de leurs voyages de nombreux albums contenant des croquis d'après nature. Au milieu du XVIIe siècle, le PAYSAGE VILLE occupe fermement sa position de genre indépendant, devenant un sujet de prédilection des artistes néerlandais. En représentant des coins d'Amsterdam, Delft, Haarlem, les artistes ont cherché à combiner la clarté géométrique des bâtiments urbains avec des épisodes et des paysages quotidiens. De véritables vues de la ville peuvent être trouvées chez des artistes hollandais majeurs du XVIIe siècle tels que J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer de Delft. L'un des exemples les plus frappants et les plus réussis de PAYSAGE VILLE de cette période est « Vue de la ville de Delft » de Vermeer de Delft, qui glorifiait poétiquement l'image de sa ville natale. Au XVIIIe siècle, un type particulier de genre paysager s'est formé, étroitement lié au PAYSAGE URBAIN - la veduta. Veduta, selon la nature de la reproduction de l'espace urbain, était divisée en réelle, idéale ou fantastique. Dans la veduta réelle, l’artiste a représenté avec diligence et scrupule des bâtiments réels dans un paysage réel ; dans la veduta idéale, les bâtiments réels ont été représentés entourés d’un paysage fictif ; la veduta fantastique était entièrement l’imagination de l’auteur ; L'apogée de ce type de peinture était la Veduta vénitienne, et le chef de l'école de la Veduta vénitienne était l'artiste Antonio Canaletto. À l’époque du romantisme, les artistes maintenaient un intérêt pour la représentation de monuments archéologiques, d’antiquités et de temples antiques. Au milieu du XIXe siècle, les peintres paysagistes se tournent vers les scènes de genre. DES PAYSAGES DE LA VILLE représentant des vues de Londres se retrouvent dans les gravures de l'artiste français Gustave Doré. Un autre artiste français, maître des PAYSAGES URBAINS, Honoré Daumier, s'intéressait également aux vues de la ville, même s'il s'agissait de Paris. Les artistes impressionnistes ont ouvert une nouvelle page de l'histoire du PAYSAGE URBAIN. Leur attention a été attirée sur le tracé des rues à différents moments de la journée, les gares, les silhouettes et les contours des bâtiments. Le désir de transmettre le rythme de la vie urbaine, de capturer l'état en constante évolution de l'atmosphère et de l'éclairage a conduit les impressionnistes à découvrir de nouveaux moyens d'expression artistique.
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