Dans cet article, vous verrez Saint-Pétersbourg urbain Présenté dans galerie d'art"Art-Breeze". Voici une collection d'œuvres de divers auteurs, réalisées en différents styles et techniques. Toutes ces œuvres ont une chose en commun : elles représentent Saint-Pétersbourg tel que l'artiste l'a vu.
Paysage urbain, en tant que genre de peinture, s'est formé assez tard, au XVIIIe siècle. C’est alors que les villes ont commencé à acquérir leur caractère moderne et que le nombre de résidents urbains a commencé à augmenter rapidement. Avant cela, seuls quelques artistes médiévaux représentaient des villes sur leurs toiles. Ces images étaient très primitives, manquaient de précision topographique et servaient à indiquer le lieu des événements auxquels l'intrigue de l'image était consacrée. Aïeux paysage urbain en peinture peut être appelé Artistes néerlandais XVIIe siècle par Wermeer de Delft, J. Goyen et J. Ruisdael. C’est dans leurs œuvres que l’on retrouve le paysage urbain tel qu’on a l’habitude de le voir dans les peintures modernes.
Les artistes contemporains qui exposent leurs propres paysages urbains à la galerie d'art Ar-Breeze de Saint-Pétersbourg décrivent Saint-Pétersbourg comme une ville balnéaire brumeuse avec une vie trépidante et une architecture magnifique. La plupart des peintures ont été créées dans le style de l'impressionnisme et des classiques. La richesse des couleurs et la capacité de remplir la toile de lumière, qu'offre la technique de la peinture impressionniste, permettent de refléter au mieux l'esprit de cette ville de la Neva !
Korovin Konstantin Alekseevich est un artiste et décorateur russe exceptionnel, l'un des plus grands artistes russes du début du siècle (19-20). Korovine - maître du plein air, auteur de paysages, peintures de genre, natures mortes, portraits. L'artiste est né à Moscou. Il a étudié à Saint-Pétersbourg et à Moscou, avec Savrassov et Polenov. Konstantin Korovine était membre de l'association : « Association des expositions d'art", "Union des artistes russes" et "Monde de l'art". Il est considéré comme l’un des représentants les plus éminents de « l’impressionnisme russe ».
Dans le travail de Korovine, on peut voir le désir de parvenir à des solutions picturales synthétiques grâce à des modulations de lumière et d’ombre et à l’harmonie des relations tonales. Il s'agit de « Northern Idyll » (1886), « Au balcon ». Les Espagnoles Leonora et Ampara" (1888), "Hammerfest. Northern Lights" (1895) et autres. Et à côté de choses d'une autre orientation « Korovine » - un portrait du soliste de l'opéra privé russe T. S. Lyubatovich (2e moitié des années 1880), attirant par un concept coloristique exquis, une structure figurative joyeuse et festive, ou une esquisse du « Café parisien » du début des années 1890, où pour la première fois Korovine transmettait avec autant d'émotion le subtil « arôme » pittoresque de l'air même de la capitale française.
Le cœur de la méthode de Korovine est la capacité de transformer le motif le plus ordinaire et même clairement peu attrayant à travers un contenu de couleur vu avec précision et comme s'il était instantanément capturé en un spectacle hautement esthétique.
Paris dans les peintures de Korovine
Un séjour à Paris lors des préparatifs de l'Exposition universelle - ce séjour était secondaire et bien plus significatif - a ouvert les yeux de l'artiste sur la modernité. Peinture française. Il étudie les impressionnistes, si en phase avec ses aspirations, mais reste étranger à tous les mouvements post-impressionnistes. Dans les années 1900, Korovine crée sa célèbre série « Paris ». Contrairement aux impressionnistes, ses vues de Paris sont peintes de manière beaucoup plus directe et émotionnelle. Ils sont dominés par le désir du maître de « briser le charme qui est actuellement contenu dans le paysage » (selon l'élève de Korovine, B. Ioganson).
L'artiste recherche les états transitionnels et inattendus les plus subtils de la vie citadine - Paris du matin, Paris au crépuscule, soir et ville de nuit(« Paris, le matin », 1906 ; « Paris le soir », 1907 ; « Crépuscule à Paris », 1911). Brume matinale et lumière vacillante du soleil levant, crépuscule lilas avec la verdure des arbres pas encore fanée et les lanternes déjà allumées, densité veloutée bleu foncé le ciel et la diffusion vive et fébrile des lumières de Paris la nuit... Korovine dans ces petites choses atteint une vérité presque documentaire de l'impression visuelle, et pourtant cela conduit à une spiritualité étonnante, une image vierge de la ville. Grâce à la méthode de solution complexe couleur-ton, dans un petit croquis, il a obtenu à la fois une expressivité extrême au niveau d'un grand tableau fini et l'effet d'une implication émotionnelle passionnante du spectateur dans ce qu'il a vu.
"Je veux que l'œil du spectateur apprécie également l'esthétique, tout comme l'oreille de l'âme apprécie la musique", a déclaré un jour Korovine.
Photos de peintures
Paris dans les peintures de Korovine
La poursuite du développement Peinture européenne associé à l'impressionnisme. Ce terme est né par hasard. La raison en était le titre du paysage de C. Monet « Impression. Lever du soleil" (voir annexe n° 1, fig. 3) (de l'impression française - impression), paru à l'exposition impressionniste en 1874. Cette première représentation publique d'un groupe d'artistes, parmi lesquels C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro et d'autres, fut accueillie par la critique officielle bourgeoise avec un ridicule grossier et une persécution. Certes, dès la fin des années 1880, les techniques formelles de leur peinture furent reprises par des représentants de l'art académique, ce qui donna à Degas l'occasion de constater avec amertume : « Nous avons été abattus, mais en même temps nos poches ont été fouillées.
Maintenant que les débats houleux sur l'impressionnisme appartiennent au passé, presque personne n'osera contester que le mouvement impressionniste a constitué une étape supplémentaire dans le développement de la peinture réaliste européenne. « L'impressionnisme est avant tout l'art d'observer la réalité qui a atteint une sophistication sans précédent » (V.N. Prokofiev). En quête d'un maximum de spontanéité et de précision dans la transmission du monde visible, ils ont commencé à peindre principalement en plein air et ont souligné l'importance des croquis d'après nature, qui ont presque remplacé type traditionnel des peintures créées avec soin et lentement en atelier.
En clarifiant constamment leur palette, les impressionnistes libèrent la peinture des vernis et peintures terreux et bruns. La noirceur conventionnelle et « muséale » de leurs toiles laisse place à un jeu infini de reflets et d’ombres colorées. Ils ont considérablement élargi les possibilités arts visuels, découvrant non seulement le monde du soleil, de la lumière et de l'air, mais aussi la beauté des brouillards, l'atmosphère agitée de la vie grande ville, une diffusion de lumières nocturnes et le rythme d'un mouvement continu.
De par la méthode même de travail en plein air, le paysage, y compris le paysage urbain qu'ils découvrent, occupe une place très importante dans l'art des impressionnistes. La mesure dans laquelle tradition et innovation se sont organiquement fusionnées dans l'art des impressionnistes est démontrée, tout d'abord, par l'œuvre du remarquable peintre du XIXe siècle Edouard Manet (1832-1883). Certes, il ne se considérait pas lui-même comme un représentant de l'impressionnisme et exposait toujours séparément, mais sur le plan idéologique et idéologique, il était sans aucun doute à la fois le précurseur et le leader idéologique de ce mouvement.
Au début de sa carrière créative, E. Manet est mis au ban (le ridicule de la société). Aux yeux du public bourgeois et des critiques, son art devient synonyme de laid, et l'artiste lui-même est qualifié de « fou qui peint un tableau en tremblant de delirium tremens » (M. de Montifaud) (voir annexe n° 1, Fig.4). Seuls les esprits les plus perspicaces de l’époque savaient apprécier le talent de Manet. Parmi eux, Charles Baudelaire et le jeune E. Zola, qui déclaraient que « M. Manet est destiné à une place au Louvre ».
L'impressionnisme a trouvé son expression la plus cohérente, mais aussi la plus profonde, dans l'œuvre de Claude Monet (1840-1926). Son nom est souvent associé à des réalisations de cette méthode de peinture telles que le transfert d'états de transition insaisissables de l'éclairage, la vibration de la lumière et de l'air, leur relation dans le processus de changements et de transformations constants. "Ce fut sans aucun doute une grande victoire pour l'art des temps modernes", écrit V.N. Prokofiev et ajoute : "Mais aussi sa victoire finale". Ce n’est pas une coïncidence si Cézanne, même s’il a durci sa position de manière quelque peu polémique, a soutenu plus tard que l’art de Monet n’est « que l’œil ».
Les premières œuvres de Monet sont assez traditionnelles. Ils contiennent encore des figures humaines, qui se transforment ensuite de plus en plus en staffage et disparaissent progressivement de ses peintures. Dans les années 1870, le style impressionniste de l'artiste prend enfin forme et il se consacre désormais entièrement au paysage. Depuis, il travaille presque exclusivement en plein air. C'est dans son œuvre que le type s'établit définitivement grande image- croquis.
Monet fut l'un des premiers à créer une série de tableaux dans lesquels le même motif est répété dans temps différent année et jour, dans des conditions d'éclairage et météorologiques différentes (voir annexe n° 1, fig. 5, 6). Tous ne sont pas égaux, mais les meilleurs tableaux de cette série étonnent par la fraîcheur de leurs couleurs, l'intensité de la couleur et le talent artistique de leurs effets de lumière.
DANS période tardive créativité dans les peintures de Monet, les tendances au décoratifisme et à la planéité se sont intensifiées. L'éclat et la pureté des couleurs se transforment en leur contraire, une sorte de blanchâtre apparaît. Parlant de l'abus des derniers impressionnistes du « ton clair, transformant certaines œuvres en une toile décolorée », E. Zola écrit : « Et aujourd'hui il n'y a que le plein air... il ne reste que des taches : le portrait n'est qu'une tache, le les chiffres ne sont que des taches, seulement des taches.
D’autres artistes impressionnistes étaient aussi pour la plupart des peintres paysagistes. Leur travail est souvent resté injustement dans l'ombre à côté de la figure vraiment colorée et impressionnante de Monet, bien qu'ils ne lui soient pas inférieurs dans leur vigilance de vision de la nature et dans leurs talents de peintre. Parmi eux, il faut citer en premier les noms d'Alfred Sisley (1839-1899) et de Camille Pissarro (1831-1903). Les œuvres de Sisley, Anglais de naissance, se caractérisent par une élégance picturale particulière. Brillant maître du plein air, il a su transmettre l'air transparent du clair matin d'hiver, une légère brume de brouillard réchauffé par le soleil, des nuages traversant le ciel par une journée venteuse. Sa gamme se distingue par sa richesse de nuances et la fidélité des tons. Les paysages de l’artiste sont toujours empreints d’une humeur profonde, reflétant sa perception essentiellement lyrique de la nature (voir annexe n°1, fig. 7, 8, 9).
C'était plus compliqué chemin créatif Pissarro, le seul artiste à avoir participé aux huit expositions des impressionnistes, J. Rewald l'a qualifié de « patriarche » de ce mouvement. Partant de paysages semblables en peinture à ceux de Barbizons, il se met, sous l'influence de Manet et de ses jeunes amis, à travailler en plein air, allégeant progressivement la palette. Petit à petit, il développe sa propre méthode impressionniste. Il fut l’un des premiers à abandonner l’usage de la peinture noire. Pissarro a toujours été enclin à une approche analytique de la peinture, d'où ses expériences sur la décomposition de la couleur - « divisionnisme » et « pointellisme ». Cependant, il revient bientôt à la manière impressionniste avec laquelle son meilleures œuvres- une magnifique série de paysages urbains de Paris (voir Annexe n°1, Fig. 10,11,12,13). Leur composition est toujours réfléchie et équilibrée, leur peinture est raffinée en couleurs et magistrale en technique.
En Russie, le paysage urbain de l'impressionnisme a été éclairé par Konstantin Korovin. "Paris m'a été un choc... les impressionnistes... j'ai vu en eux ce pour quoi on m'avait réprimandé à Moscou." Korovine (1861-1939) et son ami Valentin Serov furent les figures centrales de l'impressionnisme russe. Sous la grande influence du mouvement français, il crée son propre propre style, qui mélangeait les éléments de base impressionnisme français avec les riches couleurs de l'art russe de cette période (voir annexe n° 1, fig. 15).
18-19 siècles a marqué une période de prospérité art européen. En France, l'empereur Napoléon III a ordonné la reconstruction de Paris à la suite des hostilités de la guerre franco-prussienne. Paris redevient rapidement la même « ville brillante » qu'elle était sous le Second Empire et se proclame à nouveau le centre de l'art européen. C’est pourquoi de nombreux artistes impressionnistes se sont tournés vers le thème de la ville moderne dans leurs œuvres. Dans leurs œuvres, la ville moderne n’est pas un monstre, mais une patrie où vivent les gens. De nombreuses œuvres sont empreintes d’un fort sentiment de patriotisme.
Cela se voit particulièrement dans les peintures de Claude Monet. Il a créé plus de 30 tableaux représentant des vues de la cathédrale de Rouen dans une grande variété de conditions d'éclairage et d'atmosphère. Par exemple, en 1894, Monet a peint deux tableaux : « Cathédrale de Rouenà midi » et « Cathédrale de Rouen le soir ». Les deux tableaux représentent le même fragment de la cathédrale, mais dans des tons différents - dans les tons chauds jaune-rose de midi et dans les nuances froides bleutées de la lumière crépusculaire mourante. Dans les peintures, la tache colorée dissout complètement la ligne ; l'artiste ne transmet pas le poids matériel de la pierre, mais, pour ainsi dire, un rideau légèrement coloré.
Les impressionnistes cherchaient à faire ressembler le tableau à fenêtre ouverte, à travers lequel on peut voir monde réel. Souvent, ils choisissaient une vue depuis la fenêtre sur la rue. Le célèbre « Boulevard des Capucines » de C. Monet, peint en 1873 et présenté lors de la première exposition impressionniste en 1874, est un excellent exemple de cette technique. Il y a beaucoup d'innovation ici - la vue sur une grande rue de la ville a été choisie comme motif du paysage, mais l'artiste s'intéresse à son apparence dans son ensemble, et non à ses attraits. La masse entière des gens est représentée par des traits glissants, de manière généralisée, dans lesquels il est difficile de distinguer des figures individuelles.
Monet donne dans cette œuvre une impression instantanée et purement visuelle de l'air vibrant à peine perceptible, des rues, des gens et des voitures au départ s'enfonçant plus profondément dans les profondeurs. Il détruit l'idée d'une toile plate, créant l'illusion de l'espace et la remplissant de lumière, d'air et de mouvement. Œil humain se précipite vers l’infini, et il n’y a pas de point limite où il pourrait s’arrêter.
Le point de vue élevé permet à l'artiste d'abandonner le premier plan et de transmettre la lumière du soleil éclatante en contraste avec les ombres bleu-violet des maisons posées sur le trottoir de la rue. Monet donne le côté ensoleillé orange, doré-chaud, le côté ombre violet, mais une seule brume lumière-air donne à l'ensemble du paysage une harmonie tonale, et les contours des maisons et des arbres émergent dans l'air, imprégnés des rayons du soleil.
En 1872, au Havre, Monet peint « Impression. Lever de soleil" - une vue du port du Havre, présentée plus tard lors de la première exposition des impressionnistes. Ici, l'artiste s'est apparemment enfin libéré de l'idée généralement acceptée de l'objet image comme d'un certain volume et s'est entièrement consacré à transmettre l'état momentané de l'atmosphère dans des tons bleus et rose-orange. En fait, tout semble devenir intangible : la jetée du Havre et les navires se confondent avec les traînées du ciel et le reflet dans l'eau, et les silhouettes de pêcheurs et de bateaux au premier plan ne sont que des taches sombres réalisées en quelques traits intenses. . Le rejet des techniques académiques, la peinture en plein air et le choix de sujets insolites rencontrent l'hostilité des critiques de l'époque. Louis Leroy, l'auteur d'un article furieux paru dans la revue "Charivari", a utilisé pour la première fois, à propos de ce tableau en particulier, le terme "impressionnisme" comme définition d'un nouveau mouvement de la peinture.
Une autre œuvre remarquable dédiée à la ville est le tableau « Gare Saint-Lazare » de Claude Monet. Monet a peint plus de dix tableaux basés sur la gare Saint-Lazare, dont sept ont été exposés à la 3e exposition impressionniste en 1877.
Monet a loué un petit appartement sur Monsey Street, situé près de la gare. L'artiste a eu une totale liberté d'action. Le mouvement des trains s'est arrêté pendant un moment et il pouvait clairement voir les quais, les foyers des locomotives fumantes, qui étaient remplis de charbon - pour que la vapeur s'échappe des cheminées. Monet est fermement « installé » à la gare, les passagers le regardent avec respect et admiration.
Comme l'apparence de la gare changeait constamment, Monet ne faisait que des croquis sur place et, sur la base de ceux-ci, dans l'atelier, il peignait lui-même les tableaux. Sur la toile on voit un grand gare, recouvert d'un auvent soutenu par des piliers en fer. Il y a des quais à gauche et à droite : une voie est réservée aux trains de banlieue, l'autre aux trains longue distance. L'atmosphère particulière est véhiculée par le contraste entre l'éclairage tamisé de la gare et l'éclairage public clair et éblouissant. Des panaches de fumée et de vapeur dispersés sur la toile équilibrent les rayures contrastées de l’éclairage. La fumée s'infiltre partout, des nuages brillants tourbillonnent contre les silhouettes pâles des bâtiments. Une vapeur épaisse semble donner forme aux tours massives, les recouvrant d'un léger voile, comme la plus fine toile d'araignée. Le tableau est peint dans des tons doux et sourds avec des transitions de nuances subtiles. Les traits rapides et précis en forme de virgules, caractéristiques de l'époque, sont perçus comme une mosaïque ; le spectateur a l'impression que la vapeur se dissipe ou se condense.
Autre représentant des impressionnistes, C. Pissarro, comme tous les impressionnistes, aimait peindre la ville, qui le captivait par son mouvement sans fin, le flux des courants d'air et les jeux de lumière. Il le percevait comme un organisme vivant et agité, capable de changer en fonction de la période de l'année et du degré d'éclairage.
Au cours de l'hiver et du printemps 1897, Pissarro travaille sur une série de peintures intitulées « Boulevards de Paris ». Ces œuvres font la renommée de l'artiste et attirent l'attention des critiques qui associent son nom au mouvement divisionniste. L'artiste a réalisé les croquis de la série depuis la fenêtre d'une chambre d'hôtel à Paris et a terminé les travaux sur les peintures dans son atelier d'Eragny fin avril. Cette série est la seule dans l’œuvre de Pissarro dans laquelle l’artiste a cherché à capturer avec la plus grande précision diverses conditions météorologiques et solaires. Par exemple, l'artiste a peint 30 tableaux représentant le boulevard Montmartre, en le regardant depuis la même fenêtre.
Dans les tableaux « Boulevard Montmartre à Paris », le maître C. Pissarro a magistralement transmis la richesse des effets atmosphériques, la complexité colorée et la subtilité d'une journée nuageuse. La dynamique de la vie urbaine, incarnée de manière si convaincante par le pinceau rapide du peintre, crée l’image d’une ville moderne – ni cérémonielle, ni officielle, mais excitée et vivante. Le paysage urbain est devenu le genre principal de l'œuvre de cet impressionniste hors pair, le « chanteur de Paris ».
La capitale de la France occupe une place particulière dans l'œuvre de Pissarro. L'artiste vivait constamment en dehors de la ville, mais Paris l'attirait constamment. Paris le captive par son mouvement incessant et universel : la marche des piétons et la course des voitures, le flux des courants d'air et les jeux de lumière. La ville de Pissarro n'est pas une liste de maisons remarquables entrées dans le champ de vision de l'artiste, mais un organisme vivant et agité. Captivé par cette vie, on ne se rend pas compte de la banalité des immeubles qui composent le boulevard Montmartre. L'artiste trouve un charme unique dans l'agitation des Grands Boulevards. Pissarro a capturé le boulevard Montmartre matin et jour, soir et nuit, ensoleillé et gris, le regardant depuis la même fenêtre. Le motif clair et simple d'une rue qui s'étend au loin crée une base de composition claire qui ne change pas d'une toile à l'autre. Le cycle de toiles peintes l’année suivante depuis la fenêtre de l’hôtel du Louvre est construit tout autrement. Dans une lettre à son fils alors qu'il travaillait sur le cycle, Pissarro soulignait le caractère différent de ce lieu par rapport aux Boulevards, c'est-à-dire à la place du Théâtre français et à ses environs. En effet, tout s'y précipite dans l'axe de la rue. Ici, la place, qui servait d'arrêt final à plusieurs lignes omnibus, se croise au maximum diverses directions, et au lieu d'un large panorama avec une abondance d'air, nos yeux se voient présenter un espace fermé au premier plan.
string(5796) "Mise en valeur du PAYSAGE URBAIN dans genre distinct apporté par le paysage architectural. Les maîtres de ce mouvement, qui s'est développé sous l'influence de la théorie de la perspective linéaire, ont vu leur Tâche principale dans la construction d'une composition complexe et soigneusement conçue, en tenant compte d'un point de vue principal. Une grande contribution au développement de ce genre a été apportée par Artistes italiens Renaissance - Raphaël, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Presque simultanément avec paysage architectural Une autre direction s'est également développée : la représentation de paysages urbains. Les peintres allemands, hollandais et français des XVIe et XVIIe siècles ont rapporté de leurs voyages de nombreux albums contenant des croquis d'après nature. Au milieu du XVIIe siècle, le PAYSAGE VILLE occupe fermement sa position de genre indépendant, devenant un sujet de prédilection des artistes néerlandais. En représentant des coins d'Amsterdam, Delft, Haarlem, les artistes ont cherché à combiner la clarté géométrique des bâtiments urbains avec des épisodes et des paysages quotidiens. De véritables vues de la ville peuvent être trouvées chez des artistes hollandais majeurs du XVIIe siècle tels que J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer de Delft. L'un des exemples les plus frappants et les plus réussis de PAYSAGE VILLE de cette période est « Vue de la ville de Delft » de Vermeer de Delft, qui a fait l'éloge poétique de l'image. ville natale. Au XVIIIe siècle, un type particulier de genre paysager s'est formé, étroitement lié au PAYSAGE URBAIN - la veduta. Veduta, selon la nature de la reproduction de l'espace urbain, était divisée en réelle, idéale ou fantastique. Dans la vraie veduta, l’artiste a représenté avec diligence et scrupule des bâtiments réels dans un paysage réel ; dans le paysage idéal, de vrais bâtiments ont été représentés entourés d’un paysage fictif ; la veduta fantastique était entièrement l’imagination de l’auteur ; L'apogée de ce type de peinture était la Veduta vénitienne, et le chef de l'école de la Veduta vénitienne était l'artiste Antonio Canaletto. À l’époque du romantisme, les artistes restaient intéressés par la représentation de monuments archéologiques, d’antiquités et de temples antiques. Au milieu du XIXe siècle, les peintres paysagistes se tournent vers scènes de genre. DES PAYSAGES DE LA VILLE représentant des vues de Londres apparaissent dans des gravures artiste français Gustave Doré. Un autre artiste français, maître des PAYSAGES URBAINS, Honoré Daumier, s'intéressait également aux vues de la ville, même s'il s'agissait de Paris. Nouvelle page dans l'histoire du PAYSAGE URBAIN ont été découverts par des artistes impressionnistes. Leur attention a été attirée sur le tracé des rues à différents moments de la journée, les gares, les silhouettes et les contours des bâtiments. Le désir de transmettre le rythme de la vie urbaine, de capturer l'état en constante évolution de l'atmosphère et de l'éclairage a conduit les impressionnistes à découvrir de nouveaux moyens expression artistique.
La section de peintures dédiée au PAYSAGE VILLE présente des objets représentant diverses villes, monuments architecturaux, les rues et les attractions. Dans cette section, vous trouverez des vues de Moscou, de Saint-Pétersbourg, ainsi que de Rome et de nombreuses autres villes. Nous vous proposons d'acheter des articles de la section PAYSAGE VILLE de notre Commission Antique Store. La section CITY LANDSCAPE est constamment mise à jour, restez à l'écoute des nouveautés. "
CITY LANDSCAPE est un genre d’art plastique dont le sujet principal est l’image de la ville, de ses rues et de ses bâtiments. Au départ, CITY LANDSCAPE n’était pas un genre indépendant ; les artistes médiévaux utilisaient les paysages urbains uniquement comme cadre pour des scènes bibliques. Le PAYSAGE DE LA VILLE a été repensé d'une manière nouvelle par les vieux maîtres hollandais, qui ont capturé le monde qui les entoure avec un soin et un amour particuliers.
Le paysage architectural a contribué à la séparation du PAYSAGE URBAIN en un genre à part. Les maîtres de ce mouvement, qui s'est développé sous l'influence de la théorie de la perspective linéaire, ont vu leur tâche principale dans la construction d'une composition complexe et soigneusement conçue, prenant en compte un point de vue principal. Les artistes italiens de la Renaissance - Raphaël, Piero della Francesca, Andrea Mantegna - ont grandement contribué au développement de ce genre. Presque simultanément avec le paysage architectural, une autre direction s'est développée : la représentation des paysages urbains. Les peintres allemands, hollandais et français des XVIe et XVIIe siècles ont rapporté de leurs voyages de nombreux albums contenant des croquis d'après nature. Au milieu du XVIIe siècle, le PAYSAGE VILLE occupe fermement sa position de genre indépendant, devenant un sujet de prédilection des artistes néerlandais. En représentant des coins d'Amsterdam, Delft, Haarlem, les artistes ont cherché à combiner la clarté géométrique des bâtiments urbains avec des épisodes et des paysages quotidiens. De véritables vues de la ville peuvent être trouvées chez des artistes hollandais majeurs du XVIIe siècle tels que J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer de Delft. L'un des exemples les plus frappants et les plus réussis de PAYSAGE VILLE de cette période est « Vue de la ville de Delft » de Vermeer de Delft, qui glorifiait poétiquement l'image de sa ville natale. Au XVIIIe siècle, un type particulier de genre paysager s'est formé, étroitement lié au PAYSAGE URBAIN - la veduta. Veduta, selon la nature de la reproduction de l'espace urbain, était divisée en réelle, idéale ou fantastique. Dans la veduta réelle, l’artiste a représenté avec diligence et scrupule des bâtiments réels dans un paysage réel ; dans la veduta idéale, les bâtiments réels ont été représentés entourés d’un paysage fictif ; la veduta fantastique était entièrement l’imagination de l’auteur ; L'apogée de ce type de peinture était la Veduta vénitienne, et le chef de l'école de la Veduta vénitienne était l'artiste Antonio Canaletto. À l’époque du romantisme, les artistes maintenaient un intérêt pour la représentation de monuments archéologiques, d’antiquités et de temples antiques. Au milieu du XIXe siècle, les peintres paysagistes se tournent vers les scènes de genre. DES PAYSAGES DE LA VILLE représentant des vues de Londres se retrouvent dans les gravures de l'artiste français Gustave Doré. Un autre artiste français, maître des PAYSAGES URBAINS, Honoré Daumier, s'intéressait également aux vues de la ville, même s'il s'agissait de Paris. Les artistes impressionnistes ont ouvert une nouvelle page de l'histoire du PAYSAGE URBAIN. Leur attention a été attirée sur le tracé des rues à différents moments de la journée, les gares, les silhouettes et les contours des bâtiments. Le désir de transmettre le rythme de la vie urbaine, de capturer l'état en constante évolution de l'atmosphère et de l'éclairage a conduit les impressionnistes à découvrir de nouveaux moyens d'expression artistique.
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