Le grand personnage, scientifique et artiste de la Renaissance Léonard de Vinci a dit : « La peinture est une poésie qui se voit, et la poésie est une peinture qui s'entend ». Et on ne peut qu'être d'accord avec lui. Vous percevez véritablement le véritable art sous tous les angles. Nous voyons, contemplons, entendons et stockons dans notre âme les œuvres d'art que nous aimons. Et les chefs-d'œuvre du monde restent dans notre mémoire pendant de nombreuses années.
Genres et types de peinture
Lorsqu'il dessine un tableau, le maître l'exécute dans un certain état, un caractère spécial. Les travaux ne seront pas terminés, Digne d'amour et attention s'il ne représente que la forme et la couleur. L'artiste est obligé de doter les objets d'une âme, les gens de charisme, d'étincelles, peut-être de mystère, la nature de sentiments uniques et les événements d'expériences réelles. Et les genres et les types de peinture aident le créateur en cela. Ils vous permettent de transmettre correctement l'ambiance d'une époque, d'un événement, d'un fait et de mieux capturer idée principale, image, paysage.
Parmi les principaux, on peut citer les suivants :
- Historique- représentation de faits, de moments de l'histoire de différents pays et époques.
- Bataille- transmet des scènes de batailles.
- Domestique- des scènes de la vie quotidienne.
- Paysage- ce sont des images de nature vivante. Il y a des paysages de mer, de montagne, fantastiques, lyriques, ruraux, urbains et cosmiques.
- Nature morte- illustre des objets inanimés : ustensiles de cuisine, armes, légumes, fruits, plantes, etc.
- Portrait- C'est l'image d'une personne, d'un groupe de personnes. Souvent, les artistes aiment peindre des autoportraits ou des toiles représentant leurs amants.
- Animaliste- des photos d'animaux.
Séparément, nous pouvons distinguer le genre thématique de l'intrigue et inclure ici des œuvres dont le sujet sont des mythes, des légendes, des épopées, ainsi que des images de la vie quotidienne.
Les types de peinture en impliquent également des séparés. Ils aident l'artiste à atteindre la perfection dans la création d'une toile, lui indiquent dans quelle direction se déplacer et travailler. Les options suivantes existent :
- Panorama- image de la zone en grand format, vue générale.
- Diorama- une image semi-circulaire de batailles et d'événements spectaculaires.
- Miniature- manuscrits, portraits.
- Peinture monumentale et décorative- peinture sur murs, panneaux, abat-jour, etc.
- Iconographie- des peintures sur des thèmes religieux.
- Peinture décorative- création de décors artistiques au cinéma et au théâtre.
- Peinture sur chevalet- en d'autres termes, des peintures.
- Peinture décorative d'objets de la vie quotidienne.
En règle générale, chaque maître des beaux-arts choisit pour lui-même un genre et un type de peinture qui lui sont les plus proches dans l'esprit et n'y travaille principalement que. Par exemple, Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) a travaillé à la manière d'un paysage marin. Ces artistes sont également appelés peintres de marine (de « marina », qui signifie « mer » en latin).
Techniciens
La peinture est une certaine manière d'exécuter une intrigue, sa perception à travers le monde des couleurs et des traits. Et bien entendu, une telle reproduction ne peut être réalisée sans l’utilisation de certaines techniques, modèles et règles. Le concept même de « technique » dans les beaux-arts peut être défini comme un ensemble de techniques, de normes et de connaissances pratiques à l'aide desquelles l'auteur transmet l'idée et l'intrigue de l'image de la manière la plus précise et la plus proche de la réalité.
Le choix de la technique de peinture dépend également du type de matériaux et du type de toile qui seront utilisés pour créer l’œuvre. Parfois, un artiste peut adopter une approche individuelle de son travail, en utilisant un mélange de styles et de tendances différents. L'approche de cet auteur nous permet de créer des œuvres d'art vraiment uniques - des chefs-d'œuvre mondiaux.
Techniquement, il existe plusieurs options pour peindre. Examinons-les plus en détail.
Peinture des temps anciens
L’histoire de la peinture commence avec les peintures rupestres de l’homme primitif. A cette époque, les peintures ne se distinguaient pas par la vivacité de leurs intrigues ou l'émeute des couleurs, mais elles avaient une émotion particulière. Et les histoires de ces années nous informent clairement sur l’existence de la vie dans un passé lointain. Les lignes sont extrêmement simples, les thèmes sont prévisibles, les orientations sont sans ambiguïté.
Dans les temps anciens, le contenu des dessins devenait plus diversifié, ils représentaient plus souvent des animaux, des choses diverses et des biographies entières étaient réalisées sur tout le mur, surtout si les images étaient créées pour les pharaons, ce qui était très cru à cette époque. Après environ deux mille ans, les peintures murales commencent à acquérir des couleurs.
La peinture ancienne, en particulier le vieux russe, est bien véhiculée et conservée dans les icônes anciennes. Ils constituent un sanctuaire et le meilleur exemple qui transmet la beauté de l’art de Dieu. Leur couleur est unique et leur fonction est parfaite. Une telle peinture transmet l'irréalité de l'existence, des images et inculque à une personne l'idée du principe divin, de l'existence d'un art idéal qu'il faut imiter.
Le développement de la peinture ne s'est pas passé sans laisser de trace. Au fil du temps, l'humanité a réussi à accumuler de véritables reliques et un héritage spirituel de plusieurs siècles.
Aquarelle
La peinture à l'aquarelle se distingue par l'éclat de ses couleurs, la pureté de la couleur et la transparence de l'application sur papier. Oui, c'est sur une surface en papier qu'il est préférable de travailler dans cette technique des beaux-arts. Le motif sèche rapidement et acquiert ainsi une texture plus légère et plus mate.
L'aquarelle ne permet pas d'obtenir des reflets intéressants en utilisant des nuances sombres et monochromes, mais elle modélise parfaitement la couleur si les couches sont appliquées les unes sur les autres. Dans ce cas, il s'avère que des options complètement nouvelles et inhabituelles sont difficiles à obtenir avec d'autres techniques artistiques.
Difficultés à travailler avec des aquarelles
La difficulté de travailler avec une technique comme l’aquarelle est qu’elle ne pardonne pas les erreurs et ne permet pas l’improvisation avec des changements radicaux. Si vous n’aimez pas le ton appliqué ou si vous avez obtenu une couleur complètement différente de celle souhaitée, il est peu probable qu’elle soit corrigée. Toute tentative (lavage à l'eau, grattage, mélange avec d'autres couleurs) peut conduire soit à une teinte plus intéressante, soit à une contamination complète du tableau.
Changer l’emplacement d’une figure, d’un objet ou toute amélioration de la composition avec cette technique est essentiellement impossible à réaliser. Mais grâce au séchage rapide des peintures, la peinture est idéale pour dessiner. Et en termes de représentation de plantes, de portraits, de paysages urbains, elle peut rivaliser avec les œuvres réalisées à l'huile.
Huile
Chacune des variétés techniques de la peinture a ses spécificités. Cela s'applique à la fois au mode d'exécution et au rendu artistique de l'image. La peinture à l’huile est l’une des techniques préférées de nombreux artistes. Il est difficile d'y travailler, car cela nécessite un certain niveau de connaissances et d'expérience : de la préparation des objets et matériaux nécessaires à l'étape finale - recouvrir la peinture obtenue d'une couche protectrice de vernis.
L’ensemble du processus de peinture à l’huile demande beaucoup de travail. Quel que soit le support que vous choisissez : toile, carton ou panneau dur (panneau de fibres), il doit d'abord être recouvert d'un apprêt. Cela permettra à la peinture d’adhérer et de bien adhérer, sans qu’aucune huile ne s’en échappe. Cela donnera également au fond la texture et la couleur souhaitées. Il existe de nombreux types et recettes pour différents sols. Et chaque artiste préfère le sien, un certain auquel il est habitué et qu'il considère comme la meilleure option.
Comme mentionné ci-dessus, le travail se déroule en plusieurs étapes et la dernière étape consiste à recouvrir le tableau de vernis. Ceci est fait afin de protéger la toile de l'humidité, des fissures (maille) et autres dommages mécaniques. La peinture à l'huile ne tolère pas le travail sur papier, mais grâce à toute une technologie d'application de peintures, elle permet de conserver les œuvres d'art saines et sauves pendant des siècles.
Beaux-arts chinois
Attention particulière Je voudrais prêter attention à l'époque de la peinture chinoise, car elle occupe une page particulière de l'histoire. La direction orientale de la peinture s'est développée sur plus de six mille ans. Son évolution est étroitement liée à d'autres métiers, changement social et les conditions qui surviennent dans la vie des gens. Par exemple, après l’introduction du bouddhisme en Chine, les peintures murales religieuses ont acquis une grande importance. Au cours de la période (960-1127), les peintures à caractère historique sont devenues populaires, racontant également la vie quotidienne. La peinture de paysage s'est imposée comme une direction indépendante dès le IVe siècle après JC. e. Des images de la nature ont été créées dans des couleurs bleu-vert et à l’encre de Chine. Et au IXe siècle, les artistes ont de plus en plus commencé à peindre des tableaux dans lesquels ils représentaient des fleurs, des oiseaux, des fruits, des insectes, des poissons, incarnant en eux leurs idéaux et le caractère de l'époque.
Caractéristiques de la peinture chinoise
La peinture traditionnelle chinoise se distingue par son style particulier, ainsi que par les matériaux utilisés pour peindre, qui, à leur tour, influencent les méthodes et les formes de l'art oriental. Premièrement, les peintres chinois utilisent un pinceau spécial pour créer des peintures. Il ressemble à de l'aquarelle et possède une pointe particulièrement pointue. Un tel outil permet de créer des œuvres sophistiquées et, comme vous le savez, le style de calligraphie est encore largement utilisé en Chine. Deuxièmement, l'encre est utilisée partout comme peinture - l'encre de Chine (parfois avec d'autres couleurs, mais elle est également utilisée comme peinture indépendante). Cela se produit depuis deux mille ans. Il convient également de noter qu’avant l’avènement du papier, la peinture était réalisée sur soie en Chine. Aujourd'hui, les maîtres de l'art modernes réalisent leurs œuvres à la fois sur papier et sur surface en soie.
Ce ne sont pas toutes les capacités techniques de la peinture. En plus de celles mentionnées ci-dessus, il en existe bien d'autres (gouache, pastel, détrempe, fresque, acrylique, cire, peinture sur verre, porcelaine, etc.), y compris des versions originales d'œuvres d'art.
Époques de peinture
Comme toute forme d’art, la peinture a sa propre histoire de formation. Et surtout, il se caractérise par différentes étapes de développement, des styles aux multiples facettes et des orientations intéressantes. Les époques de la peinture jouent ici un rôle important. Chacun d'eux n'affecte pas seulement un morceau de la vie d'un peuple et pas seulement le temps de certains événements historiques, mais toute une vie ! Parmi les périodes les plus célèbres de l'art de la peinture figurent : la Renaissance et les Lumières, l'œuvre des artistes impressionnistes, l'Art nouveau, le surréalisme et bien d'autres. En d’autres termes, la peinture est une illustration visuelle d’une certaine époque, une image de la vie, une vision du monde à travers les yeux de l’artiste.
Le concept de « peinture » signifie littéralement « peindre la vie », représenter la réalité de manière vivante, magistrale et convaincante. Transmettre sur votre toile non seulement chaque détail, chaque petite chose, chaque instant, mais aussi l'ambiance, les émotions, la saveur d'une époque particulière, le style et le genre de l'ensemble de l'œuvre d'art.
La peinture fait partie des arts anciens qui, au cours de plusieurs siècles, ont évolué depuis les peintures rupestres du Paléolithique jusqu'aux dernières tendances du 20e et même du 21e siècle. Cet art est né presque avec l'avènement de l'humanité. Les peuples anciens, sans même se réaliser pleinement en tant qu’humains, ressentaient le besoin de représenter le monde qui les entourait à la surface. Ils peignaient tout ce qu'ils voyaient : les animaux, la nature, les scènes de chasse. Pour peindre, ils utilisaient quelque chose de similaire aux peintures à base de matériaux naturels. C'étaient des peintures à la terre, du fusain, de la suie noire. Les pinceaux étaient fabriqués à partir de poils d'animaux ou simplement peints avec les doigts.
À la suite de ces changements, de nouveaux types et genres de peinture sont apparus. A la période antique succède celle de l’Antiquité. Il y avait un désir parmi les peintres et les artistes de reproduire la vie réelle qui nous entoure, telle qu'elle apparaît aux humains. Le désir d'exactitude de la transmission a fait émerger les fondements de la perspective, les fondements des constructions d'ombre et de lumière de diverses images et leur étude par les artistes. Et ils ont tout d’abord étudié comment représenter l’espace volumétrique sur le plan d’un mur, dans la fresque. Certaines œuvres d'art, comme l'espace volumétrique, le clair-obscur, ont commencé à être utilisées pour décorer des pièces, des centres religieux et des sépultures.
La prochaine période importante du passé de la peinture est le Moyen Âge. À cette époque, la peinture était de nature plus religieuse et la vision du monde commençait à se refléter dans l’art. La créativité des artistes visait la peinture d'icônes et d'autres mélodies religieuses. Les principaux points importants que l'artiste devait souligner n'étaient pas tant le reflet fidèle de la réalité, mais plutôt la transmission de la spiritualité, même dans une grande variété de peintures. Les toiles des maîtres de cette époque émerveillaient par l'expressivité des contours, de la couleur et de la couleur. La peinture médiévale nous paraît plate. Tous les personnages des artistes de cette époque sont sur la même ligne. C'est pourquoi de nombreuses œuvres nous semblent quelque peu stylisées.
La période du Moyen Âge gris a été remplacée par la période plus lumineuse de la Renaissance. La Renaissance marque à nouveau un tournant dans le développement historique de cet art. De nouvelles ambiances dans la société, une nouvelle vision du monde ont commencé à dicter à l'artiste : quels aspects de la peinture révéler plus pleinement et plus clairement. Les genres de peinture tels que le portrait et le paysage deviendront des styles indépendants. Les artistes expriment les émotions de l'homme et de ses monde intérieurà travers de nouvelles façons de peindre. Les XVIIe et XVIIIe siècles voient un essor encore plus important de la peinture. Au cours de cette période, l'Église catholique perd de son importance et les artistes dans leurs œuvres reflètent de plus en plus les véritables points de vue des gens, de la nature et de la vie quotidienne. Au cours de cette période, des genres tels que le baroque, le rococo, le classicisme et le maniérisme se sont également formés. Le romantisme émerge, qui est ensuite remplacé par un style plus spectaculaire : l'impressionnisme.
Au début du XXe siècle, la peinture a radicalement changé et une nouvelle direction de l'art moderne est apparue : la peinture abstraite. L'idée de cette direction est de transmettre l'accord entre l'homme et l'art, de créer une harmonie dans les combinaisons de lignes et de reflets de couleurs. C'est de l'art sans objectivité. Elle ne recherche pas le rendu fidèle d’une image réelle, mais au contraire, elle transmet ce qui est dans l’âme de l’artiste, ses émotions. Les formes et les couleurs jouent un rôle important dans cette forme d'art. Son essence est de transmettre d'une manière nouvelle des objets auparavant familiers. Ici, les artistes bénéficient d'une totale liberté d'imagination. Cela a donné une impulsion à l'émergence et au développement de tendances modernes telles que l'art avant-gardiste, underground et abstrait. De la fin du XXe siècle à nos jours, la peinture n’a cessé de se transformer. Mais malgré toutes les nouvelles réalisations et technologies modernes, les artistes restent fidèles à l'art classique - la peinture à l'huile et à l'aquarelle, créant leurs chefs-d'œuvre à l'aide de peintures et de toiles.
Natalia Martynenko
Histoire des beaux-arts
L’histoire de la peinture est une chaîne sans fin qui commence avec les toutes premières peintures réalisées. Chaque style est issu des styles qui l’ont précédé. Chaque grand artiste ajoute quelque chose aux réalisations des artistes antérieurs et influence les artistes ultérieurs.
Nous pouvons apprécier la peinture pour sa beauté. Ses lignes, ses formes, ses couleurs et sa composition (agencement des pièces) peuvent faire appel à nos sens et rester gravés dans nos mémoires. Mais le plaisir de l’art augmente lorsque nous apprenons quand, pourquoi et comment il a été créé.
L'histoire de la peinture a été influencée par de nombreux facteurs. La géographie, la religion, les caractéristiques nationales, les événements historiques, le développement de nouveaux matériaux, tout cela contribue à façonner la vision de l'artiste. Tout au long de l’histoire, la peinture a reflété l’évolution du monde et nos idées à ce sujet. À leur tour, les artistes ont fourni certains des meilleurs témoignages du développement de la civilisation, révélant parfois plus que les mots écrits.
Peinture préhistorique
Les habitants des cavernes furent les premiers artistes. Des dessins colorés d'animaux datant de 30 000 à 10 000 avant JC ont été découverts sur les parois de grottes du sud de la France et de l'Espagne. Beaucoup de ces peintures sont remarquablement bien conservées car les grottes ont été scellées pendant de nombreux siècles. Les premiers gens dessinaient des images des animaux sauvages qu’ils voyaient autour d’eux. Des figures humaines très grossières réalisées en positions de vie, ont été trouvés en Afrique et dans l’est de l’Espagne.
Les artistes rupestres ont rempli les parois de la grotte de dessins aux couleurs riches et vibrantes. Certaines des plus belles peintures se trouvent dans la grotte d'Altamira, en Espagne. Un détail montre un buffle blessé, incapable de se tenir debout, probablement victime d'un chasseur. Il est peint dans une couleur brun rougeâtre et est souligné simplement, mais habilement, en noir. Les pigments utilisés par les artistes rupestres sont l'ocre (oxydes de fer dont la couleur varie du jaune clair à l'orange foncé) et le manganèse (un métal sombre). Ils étaient broyés en une poudre fine, mélangés à un lubrifiant (éventuellement de l'huile grasse) et appliqués sur la surface avec une sorte de pinceau. Parfois, les pigments prenaient la forme de bâtons, semblables à des crayons de couleur. La graisse mélangée à des pigments en poudre donnait une peinture liquide et les particules de pigment restaient collées ensemble. Les habitants des cavernes fabriquaient des pinceaux à partir de poils d'animaux ou de plantes et des outils tranchants en silicium (pour dessiner et gratter).
Il y a 30 000 ans déjà, les hommes ont inventé les outils et matériaux de base pour la peinture. Les méthodes et les matériaux furent affinés et améliorés au cours des siècles suivants. Mais les découvertes de l’homme des cavernes restent fondamentales pour la peinture.
Peinture égyptienne et mésopotamienne (3400-332 avant JC)
L'une des premières civilisations est apparue en Égypte. On sait beaucoup de choses sur leur vie grâce aux documents écrits et aux œuvres d'art laissées par les Égyptiens. Ils croyaient que le corps devait être préservé afin que l'âme puisse vivre après la mort. Les grandes pyramides étaient des tombeaux élaborés destinés aux dirigeants égyptiens riches et puissants. Une grande partie de l’art égyptien a été créée pour les pyramides et les tombeaux des rois et d’autres personnages importants. Pour être absolument sûrs que l’âme continuerait d’exister, les artistes ont créé des images d’un mort dans la pierre. Ils reproduisaient également des scènes de la vie humaine sur des peintures murales des chambres funéraires.
Les techniques artistiques égyptiennes sont restées inchangées depuis des siècles. Dans une méthode, la peinture aquarelle était appliquée sur des surfaces argileuses ou calcaires. Dans un autre processus, les contours ont été sculptés dans les murs de pierre et peints à l’aquarelle. Un matériau appelé gomme arabique était probablement utilisé pour faire adhérer la peinture à la surface. Heureusement, le climat sec et les tombes scellées ont empêché certaines de ces aquarelles d'être détruites par l'humidité. De nombreuses scènes de chasse provenant des murs des tombes de Thèbes, datant d'environ 1450 avant JC, sont bien conservées. Ils montrent comment les chasseurs chassent les oiseaux ou les poissons. Ces sujets peuvent encore être identifiés aujourd’hui car ils ont été peints avec soin et minutie.
La civilisation mésopotamienne, qui a duré de 3200 à 332 avant JC, était située dans la vallée située entre le Tigre et l'Euphrate, au Moyen-Orient. Les maisons en Mésopotamie étaient construites principalement en argile. À mesure que l'argile est ramollie par la pluie, leurs bâtiments se sont effondrés en poussière, détruisant toutes les peintures murales qui auraient pu être très intéressantes. Ce qui subsiste sont des poteries décorées (peintes et cuites) et des mosaïques colorées. Même si les mosaïques ne peuvent pas être considérées comme de la peinture, elles l’influencent souvent.
Civilisation égéenne (3000-1100 avant JC)
Le troisième grand culture ancienne il y avait une civilisation égéenne. Les Égéens vivaient sur les îles au large des côtes grecques et sur la péninsule d’Asie Mineure à peu près en même temps que les anciens Égyptiens et Mésopotamiens.
En 1900, les archéologues ont commencé à fouiller le palais du roi Minos à Knossos, sur l'île de Crète. Les fouilles ont mis au jour des œuvres d'art peintes vers 1500 avant JC. dans le style inhabituellement libre et gracieux de l’époque. Apparemment, les Crétois étaient un peuple insouciant et amoureux de la nature. Parmi leurs thèmes artistiques préférés figuraient la vie marine, les animaux, les fleurs, les sports et les processions de masse. À Cnossos et dans d'autres palais de la mer Égée, les peintures étaient réalisées sur des murs en plâtre humide, à l'aide de peintures à base de substances minérales, de sable et d'ocres de terre. La peinture a pénétré dans le plâtre humide et est devenue une partie permanente du mur. Ces peintures furent plus tard appelées fresques (du mot italien signifiant « frais » ou « nouveau »). Les Crétois aimaient les couleurs jaune vif, rouge, bleu et vert.
Peinture classique grecque et romaine (1100 avant JC – 400 après JC)
Les Grecs de l’Antiquité décoraient les murs des temples et des palais de fresques. À partir de sources littéraires anciennes et de copies romaines de l’art grec, on peut dire que les Grecs peignaient de petits tableaux et réalisaient des mosaïques. Les noms des maîtres grecs et peu de choses sur leur vie et leurs œuvres sont connus, même si très peu de peinture grecque a survécu aux siècles et aux conséquences des guerres. Les Grecs n’écrivaient pas beaucoup dans les tombes, leurs œuvres n’étaient donc pas protégées.
Les vases peints sont tout ce qui reste aujourd’hui de la peinture grecque. La fabrication de poterie était une industrie importante en Grèce, notamment à Athènes. Les conteneurs étaient très demandés, exportés, ainsi que l'huile et le miel, et destinés à des usages domestiques. La première peinture sur vase était réalisée avec des figures et des ornements géométriques (1100-700 avant JC). Les vases étaient également décorés de figures humaines en glaçure brune sur argile claire. Au VIe siècle, les artistes de vase peignaient souvent des figures humaines noires sur de l'argile rouge naturelle. Les détails ont été sculptés dans l'argile avec un outil pointu. Cela a permis au rouge d'apparaître dans les profondeurs du relief.
Le style à figures rouges a finalement remplacé le style noir. C'est-à-dire vice versa : les chiffres sont rouges et le fond est noir. L’avantage de ce style était que l’artiste pouvait utiliser un pinceau pour créer des contours. Le pinceau produit une ligne plus lâche que l'outil métallique utilisé sur les vases à figures noires.
Des peintures murales romaines ont été trouvées principalement dans des villas (maisons de campagne) à Pompéi et à Herculanum. En 79 après JC, ces deux villes furent complètement ensevelies par l’éruption du Vésuve. Les archéologues qui ont fouillé la région ont pu en apprendre beaucoup sur la vie romaine antique grâce à ces villes. Presque toutes les maisons et villas de Pompéi avaient des peintures sur les murs. Les peintres romains préparaient soigneusement la surface du mur en appliquant un mélange de poussière de marbre et de plâtre. Ils ont poli les surfaces pour obtenir une finition en marbre. La plupart des peintures sont des copies de peintures grecques du IVe siècle avant JC. Les poses gracieuses des personnages peints sur les murs de la Villa des Mystères de Pompéi ont inspiré les artistes du XVIIIe siècle lors des fouilles de la ville.
Les Grecs et les Romains peignaient également des portraits. Un petit nombre d'entre eux, pour la plupart des portraits de momies réalisés dans le style grec par des artistes égyptiens, survivent autour d'Alexandrie, dans le nord de l'Égypte. Fondée au IVe siècle avant JC par Alexandre le Grand de Grèce, Alexandrie est devenue un centre majeur de la culture grecque et romaine. Les portraits ont été peints selon la technique de l'encaustique sur bois et installés sous la forme d'une momie après la mort de la personne représentée. Les peintures à l'encaustique réalisées avec de la peinture mélangée à de la cire d'abeille fondue durent très longtemps. En effet, ces portraits semblent encore frais, même s'ils ont été pris au IIe siècle avant JC.
Peinture paléochrétienne et byzantine (300-1300)
L'Empire romain déclina au IVe siècle après JC. Dans le même temps, le christianisme gagnait en force. En 313, l’empereur romain Constantin reconnut officiellement la religion et se convertit lui-même au christianisme.
L’émergence du christianisme a grandement influencé l’art. Des artistes furent chargés de décorer les murs des églises avec des fresques et des mosaïques. Ils réalisaient des panneaux dans les chapelles des églises, illustraient et décoraient les livres paroissiaux. Sous l'influence de l'Église, les artistes étaient censés communiquer les enseignements du christianisme aussi clairement que possible.
Les premiers chrétiens et les artistes byzantins ont continué à utiliser la technique de la mosaïque apprise des Grecs. De petits morceaux plats de verre coloré ou de pierre étaient posés sur du ciment ou du plâtre humide. Parfois, d’autres matériaux durs étaient utilisés, comme des morceaux d’argile cuite ou des coquillages. Dans la mosaïque italienne, les couleurs sont particulièrement profondes et pleines. Des artistes italiens ont réalisé le fond avec des morceaux de verre doré. Ils représentaient des figures humaines aux couleurs riches sur un fond d’or étincelant. L’effet global était plat, décoratif et peu réaliste.
Les mosaïques des artistes byzantins étaient souvent encore moins réalistes et encore plus décoratives que les motifs des premiers chrétiens. « Byzantin » est le nom donné au style d'art qui s'est développé autour de ville antique Byzance (aujourd'hui Istanbul, Turquie). La technique de la mosaïque convenait parfaitement au goût byzantin pour les églises magnifiquement décorées. Les célèbres mosaïques de Théodora et Justinien, réalisées vers 547 après J.-C., témoignent d'un goût pour la richesse. Les bijoux des personnages scintillent et les robes de cour colorées scintillent sur fond d'or scintillant. Les artistes byzantins utilisaient également l’or sur des fresques et des panneaux. L'or et d'autres matériaux précieux étaient utilisés au Moyen Âge pour séparer les objets spirituels du monde quotidien.
Peinture médiévale (500-1400)
La première partie du Moyen Âge, du VIe au XIe siècle environ, est généralement appelée l'Âge des Ténèbres. Pendant cette période de troubles, l’art était principalement conservé dans les monastères. Au 5ème siècle après JC Les tribus Warran du nord et du centre de l’Europe parcouraient le continent. Pendant des centaines d’années, ils ont dominé l’Europe occidentale. Ces personnes ont produit des œuvres d’art dont l’élément principal est le motif. Ils étaient particulièrement fascinés par les structures de dragons et d’oiseaux entrelacés.
Le meilleur de l’art celtique et saxon se trouve dans des manuscrits des VIIe et VIIIe siècles. L’illustration de livres, l’enluminure et la peinture miniature, pratiquées depuis la fin de l’époque romaine, se sont répandues au Moyen Âge. L'éclairage est la décoration du texte, des majuscules et des marges. De l'or, de l'argent et des couleurs vives ont été utilisés. Une miniature est une petite image, souvent un portrait. Le terme était à l’origine utilisé pour décrire le bloc décoratif entourant les premières lettres d’un manuscrit.
Charlemagne, qui fut couronné empereur du Saint-Empire au début du IXe siècle, tenta de faire revivre l'art classique de la fin de l'époque romaine et du début du christianisme. Sous son règne, les peintres miniatures imitaient l’art classique, mais ils transmettaient également des sentiments personnels à travers leurs sujets.
Très peu de peintures murales ont survécu du Moyen Âge. Les églises construites à l'époque romane (XIe-XIIIe siècles) possédaient de grandes fresques, mais la plupart d'entre elles ont disparu. Dans les églises de la période gothique (XIIe-XVIe siècles), il n'y avait pas assez d'espace pour les peintures murales. L’illustration de livres était l’œuvre principale du peintre gothique.
Parmi les manuscrits les mieux illustrés figuraient les livres d'heures - recueils de calendriers, de prières et de psaumes. Une page d'un manuscrit italien montre des initiales élaborées et une scène marginale finement détaillée de Saint Georges terrassant un dragon. Les couleurs sont brillantes et semblables à des bijoux, comme du vitrail, et l'or scintille sur la page. Des motifs de feuilles et de fleurs gracieusement subtils bordent le texte. Les artistes utilisaient probablement des loupes pour produire des œuvres aussi complexes et détaillées.
Italie : Cimabue et Giotto
Les artistes italiens de la fin du XIIIe siècle travaillaient encore dans le style byzantin. Les figures humaines étaient plates et décoratives. Les visages étaient rarement expressifs. Les corps étaient en apesanteur et semblaient flotter plutôt que de rester fermement au sol. A Florence, l'artiste Cimabue (1240-1302) tenta de moderniser certaines des anciennes techniques byzantines. Les anges de Madonna Inthroned sont plus actifs que d’habitude dans les peintures de l’époque. Leurs gestes et leurs visages témoignent d'un sentiment un peu plus humain. Cimabue a ajouté un nouveau sentiment de monumentalité ou de splendeur à ses peintures. Cependant, il a continué à suivre de nombreuses traditions byzantines, telles que le fond doré et la disposition à motifs des objets et des personnages.
C'est le grand artiste florentin Giotto (1267-1337) qui rompit réellement avec la tradition byzantine. Sa série de fresques dans la chapelle Arena de Padoue laisse loin derrière elle l’art byzantin. Il y a une réelle émotion, une tension et un naturalisme dans ces scènes de la vie de Marie et du Christ. Toutes les qualités de chaleur et de sympathie humaines sont présentes. Les gens ne semblent pas complètement irréels ou paradisiaques. Giotto a ombré les contours des personnages et a placé des ombres profondes dans les plis des vêtements pour donner une impression de rondeur et de solidité.
Pour ses petits panneaux, Giotto utilisait de la détrempe pure à l'œuf, un médium perfectionné par les Florentins au 14ème siècle. La clarté et l'éclat de ses couleurs ont dû grandement influencer les personnes habituées aux couleurs sombres des panneaux byzantins. Les peintures à la détrempe donnent l’impression que la douce lumière du jour tombe sur la scène. Ils ont un aspect presque plat, contrairement au brillant de la peinture à l'huile. La détrempe à l’œuf est restée la peinture principale jusqu’à ce que l’huile la remplace presque complètement au XVIe siècle.
Peinture de la fin du Moyen Âge au nord des Alpes
Au début du XVe siècle, les artistes d'Europe du Nord travaillaient dans un style complètement différent de la peinture italienne. Artistes du Nord atteint le réalisme en ajoutant d'innombrables détails à leurs peintures. Tous les cheveux étaient gracieusement définis et chaque détail des draperies ou du revêtement de sol était positionné avec précision. L’invention de la peinture à l’huile a rendu les détails plus faciles.
L'artiste flamand Jan van Eyck (1370-1414) a grandement contribué au développement de la peinture à l'huile. Lorsque la détrempe est utilisée, les couleurs doivent être appliquées séparément. Ils ne peuvent pas bien s’ombrer car la peinture sèche rapidement. Avec une huile qui sèche lentement, l’artiste peut réaliser des effets plus complexes. Ses portraits de 1466 à 1530 ont été exécutés selon la technique flamande à l'huile. Tous les détails et même les reflets du miroir sont clairs et précis. La couleur est durable et présente une surface dure semblable à de l’émail. Le panneau de bois apprêté a été préparé de la même manière que Giotto préparait ses panneaux pour la détrempe. Van Eyck a créé le tableau avec des couches de couleurs fines appelées glaçure. La détrempe était probablement utilisée dans les sous-bois d'origine et pour les rehauts.
Renaissance italienne
À l’époque où van Eyck travaillait dans le Nord, les Italiens entraient dans un âge d’or de l’art et de la littérature. Cette période est appelée Renaissance, ce qui signifie renaissance. Les artistes italiens se sont inspirés de la sculpture des anciens Grecs et Romains. Les Italiens voulaient faire revivre l'esprit de l'art classique, qui glorifie l'indépendance et la noblesse humaines. Les artistes de la Renaissance continuent à peindre des scènes religieuses. Mais ils mettaient également l’accent sur la vie terrestre et les réalisations humaines.
Florence
Les réalisations de Giotto au début du XIVe siècle marquent le début de la Renaissance. italien artistes XVII des siècles l'ont continué. Masaccio (1401-1428) fut l'un des dirigeants de la première génération d'artistes de la Renaissance. Il vécut à Florence, une riche ville commerçante où commença l’art de la Renaissance. Au moment de sa mort à la fin des années vingt, il avait révolutionné la peinture. Dans sa célèbre fresque murale « The Tribute Money », il place d'imposantes figures sculpturales dans un paysage qui semble s'étendre au loin. Masaccio a peut-être étudié la perspective auprès de l'architecte et sculpteur florentin Brunelleschi (1377-1414).
La technique de la fresque était très populaire à la Renaissance. Il convenait particulièrement aux grandes peintures murales car les couleurs de la fresque sont sèches et parfaitement plates. L'image peut être visualisée sous n'importe quel angle sans éblouissement ni reflet. Des fresques sont également accessibles. Habituellement, les artistes avaient plusieurs assistants. Les travaux ont été réalisés par parties car ils devaient être terminés alors que l'enduit était encore humide.
Le style « tridimensionnel » de Masaccio était typique du nouveau mouvement progressiste du XVe siècle. Le style de Fra Angelico (1400-1455) est une approche plus traditionnelle utilisée par de nombreux artistes début de la renaissance. Il était moins préoccupé par la perspective que par le design décoratif. Son « Couronnement de la Vierge » est un exemple de la plus belle tempera. Des couleurs amusantes et riches sur fond d'or et rehaussées d'or. L'image ressemble à une miniature agrandie. Les personnages longs et étroits ont peu de points communs avec Masaccio. La composition est organisée en grandes lignes de mouvement entourant les figures centrales du Christ et de Marie.
Un autre Florentin qui travaillait dans un style traditionnel était Sandro Botticelli (1444-1515). Des lignes rythmiques fluides relient des sections du Printemps de Botticelli. La figure du Printemps, portée par le vent d'Ouest, passe par la droite. Les Trois Grâces dansent en cercle, les plis fluides de leurs robes et les mouvements gracieux de leurs mains exprimant les rythmes de la danse.
Léonard de Vinci (1452-1519) étudie la peinture à Florence. Il est connu pour ses recherches et inventions scientifiques, ainsi que pour ses peintures. Très peu de ses peintures survivent, en partie parce qu'il expérimentait souvent avec différentes façons créer et appliquer de la peinture plutôt que d’utiliser des méthodes éprouvées. La Cène (peinte entre 1495 et 1498) a été réalisée à l'huile, mais malheureusement Léonard l'a peinte sur un mur humide, ce qui a fait craquer la peinture. Mais même en mauvais état (avant restauration), le tableau avait la capacité de susciter des émotions chez tous ceux qui le voient.
L'une des caractéristiques distinctives du style de Léonard était sa méthode de représentation des lumières et des ténèbres. Les Italiens appelaient son éclairage tamisé « sfumato », ce qui signifie enfumé ou brumeux. Les personnages de la Madone aux Rochers sont voilés dans une atmosphère de sfumato. Leurs formes et leurs traits sont doucement ombragés. Léonard a obtenu ces effets en utilisant des gradations très subtiles de tons clairs et sombres.
Rome
L'apogée de la peinture de la Renaissance s'est produite au XVIe siècle. Dans le même temps, le centre artistique et culturel se déplace de Florence vers Rome. Sous le pape Sixte IV et son successeur Jules II, la ville de Rome fut glorieusement et richement décorée par des artistes de la Renaissance. Certains des projets les plus ambitieux de cette période furent lancés sous la papauté de Jules II. Jules a chargé le grand sculpteur et peintre Michel-Ange (1475-1564) de peindre le plafond de la chapelle Sixtine et de sculpter une sculpture pour le tombeau du pape. Jules invita également le peintre Raphaël (1483-1520) à participer à la décoration du Vatican. Avec ses assistants, Raphaël a peint quatre pièces des appartements du Pape au Palais du Vatican.
Michel-Ange, florentin de naissance, a développé un style de peinture monumental. Les personnages de sa peinture sont si forts et volumineux qu'ils ressemblent à des sculptures. Le plafond Sixtine, qui a pris 4 ans à Michel-Ange, se compose de centaines de figures humaines de l'Ancien Testament. Pour achever cette fresque grandiose, Michel-Ange a dû s'allonger sur le dos sur un échafaudage. Le visage pensif de Jérémie parmi les prophètes qui entourent le plafond est considéré par certains experts comme un autoportrait de Michel-Ange.
Raphaël est arrivé à Florence depuis Urbino alors qu'il était encore un très jeune homme. À Florence, il s'imprègne des idées de Léonard et de Michel-Ange. Au moment où Raphaël se rendit à Rome pour travailler au Vatican, son style était devenu l'un des plus grands en termes de beauté d'exécution. Il aimait particulièrement ses magnifiques portraits de la Vierge à l'Enfant. Ils ont été reproduits par milliers et peuvent être vus partout. Sa Madonna del Granduca connaît un succès dû à sa simplicité. Intemporel par sa paix et sa pureté, il nous séduit autant qu'il l'était pour les Italiens de l'époque de Raphaël.
Venise
Venise était la principale ville du nord de l'Italie de la Renaissance. Il a été visité par des artistes de Flandre et d'autres régions qui connaissaient les expériences flamandes avec la peinture à l'huile. Cela a stimulé l’utilisation précoce de la technologie pétrolière dans la ville italienne. Les Vénitiens ont appris à peindre sur des toiles tendues plutôt que sur des panneaux de bois couramment utilisés à Florence.
Giovanni Bellini (1430-1515) fut le plus grand artiste vénitien du XVe siècle. Il fut également l'un des premiers artistes italiens à utiliser l'huile sur toile. Giorgione (1478-1151) et Titien (1488-1515), qui est le plus célèbre de tous les artistes vénitiens, furent apprentis dans l'atelier de Bellini.
Maître de la peinture à l'huile, Titien a peint d'immenses toiles aux couleurs chaudes et riches. Dans ses peintures de la maturité, il sacrifie les détails pour créer des effets époustouflants, comme dans la Madone de Pesaro. Il utilisait de gros pinceaux pour réaliser de grands traits. Ses couleurs sont particulièrement riches car il crée patiemment des émaux de couleurs contrastées. En règle générale, les émaux étaient appliqués sur une surface trempée brune, ce qui donnait à la peinture un ton uniforme.
Un autre grand artiste vénitien du XVIe siècle fut le Tintoret (1518-1594). Contrairement à Titien, il travaillait généralement directement sur toile, sans esquisses ni esquisses préalables. Il déformait souvent ses formes (les tordait) pour des raisons de composition et de drame de l'intrigue. Sa technique, qui comprend de larges coups de pinceau et des contrastes spectaculaires de lumière et d'obscurité, semble très moderne.
L'artiste Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) était connu sous le nom d'El Greco (« Le Grec »). Né sur l'île de Crète occupée par l'armée vénitienne, El Greco a été formé par des artistes italiens. Jeune homme, il part étudier à Venise. L'influence combinée de l'art byzantin, qu'il a vu autour de lui en Crète, et de l'art de la Renaissance italienne, a rendu l'œuvre d'El Greco exceptionnelle.
Dans ses peintures, il déformait les formes naturelles et utilisait des couleurs encore plus étranges et surnaturelles que le Tintoret, qu'il admirait. Plus tard, El Greco s'installe en Espagne, où la noirceur de l'art espagnol influence son travail. Dans sa vision dramatique de Tolède, une tempête fait rage sur le silence mortel de la ville. Des bleus froids, des verts et des teintes bleu-blanc répandent un froid sur le paysage.
Renaissance en Flandre et en Allemagne
L'âge d'or de la peinture en Flandre (qui fait aujourd'hui partie de la Belgique et du nord de la France) se situe au XVe siècle, à l'époque de van Eyck. Au XVIe siècle, de nombreux artistes flamands imitèrent les artistes italiens de la Renaissance. Cependant, certains Flamands perpétuent la tradition flamande du réalisme. Puis se répandit la peinture de genre, des scènes de la vie quotidienne, tantôt charmantes, tantôt fantastiques. Hieronymus Bosch (1450-1515), qui précéda les peintres de genre, possédait une imagination particulièrement vive. Il a imaginé toutes sortes de créatures étranges et grotesques pour La Tentation de Saint-Pierre. Antoine." Pieter Bruegel l'Ancien (1525-1569) a également travaillé dans la tradition flamande, mais a ajouté de la perspective et d'autres caractéristiques de la Renaissance à ses scènes de genre.
Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein le Jeune (1497-1543) et Lucas Cranach l'Ancien (1472-1553) comptent parmi les artistes allemands les plus importants du XVIe siècle. Ils ont beaucoup contribué à adoucir le réalisme sinistre des débuts de la peinture allemande. Dürer s'est rendu au moins une fois en Italie, où il a été impressionné par les peintures de Giovanni Bellini et d'autres Italiens du nord. Grâce à cette expérience, il a inculqué à la peinture allemande une connaissance de la perspective, un sens de la couleur et de la lumière et une nouvelle compréhension de la composition. Holbein a absorbé encore plus de réalisations italiennes. Son dessin sensible et sa capacité à sélectionner uniquement les détails les plus importants ont fait de lui un maître portraitiste.
Peinture baroque
Le XVIIe siècle est connu dans l’art comme la période baroque. En Italie, les artistes Caravage (1571-1610) et Annibale Carracci (1560-1609) représentent deux points de vue contrastés. Le Caravage (de son vrai nom Michelangelo Merisi) s'est toujours inspiré directement des réalités de la vie. L’une de ses principales préoccupations était de copier au plus près la nature sans la glorifier d’aucune manière. Carrache, quant à lui, suivait l’idéal de beauté de la Renaissance. Il a étudié sculpture ancienne et des œuvres de Michel-Ange, Raphaël et Titien. Le style du Caravage admirait de nombreux artistes, notamment l'Espagnol Ribera et le jeune Velazquez. Carracci a inspiré Nicolas Poussin (1594-1665), célèbre peintre français du XVIIe siècle.
Espagne
Diego Velazquez (1599-1660), peintre de la cour du roi Philippe IV d'Espagne, fut l'un des plus grands artistes espagnols. Fan du travail de Titien, il maîtrisait parfaitement l'utilisation de couleurs riches et harmonieuses. Aucun artiste ne pourrait mieux créer l’illusion de tissus riches ou de peau humaine. Portrait petit Prince Philippa Prospera démontre cette compétence.
Flandre
Les peintures de l'artiste flamand Peter Paul Rubens (1577-1640) représentent l'incarnation du style baroque tout en couleur. Ils regorgent d’énergie, de couleurs et de lumière. Rubens rompt avec la tradition flamande de la peinture de petits tableaux. Ses toiles sont immenses, remplies de figures humaines. Il a reçu plus de commandes, toi grands tableaux que je pourrais accomplir. Par conséquent, il ne dessinait souvent qu’un petit croquis en couleur. Ses assistants transférèrent ensuite l'esquisse sur une grande toile et achevèrent le tableau sous la direction de Rubens.
Hollande
Les réalisations du peintre hollandais Rembrandt (1606-1669) comptent parmi les plus remarquables de l'histoire. Il avait le don merveilleux de capturer et de transmettre avec précision les émotions humaines. Comme Titien, il a longtemps travaillé à la création de peintures à plusieurs niveaux. Les couleurs de la terre – ocre jaune, marron et brun-rouge – étaient ses préférées. Ses peintures sont réalisées principalement dans des couleurs sombres. L'importance des pièces sombres multicouches rend sa technique inhabituelle. L'accent est mis sur un éclairage clair dans des zones relativement claires.
Jan Vermeer (1632-1675) faisait partie d'un groupe d'artistes hollandais qui peignaient des scènes modestes de la vie quotidienne. Il était passé maître dans l'art de peindre n'importe quelle texture : satin, tapis persans, croûtes de pain, métal. L'impression générale de l'intérieur de Vermeer est celle d'une pièce ensoleillée et joyeuse remplie d'objets ménagers emblématiques.
peinture du XVIIIe siècle
Au XVIIIe siècle, Venise a produit plusieurs beaux artistes. Le plus célèbre fut Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Il décora les intérieurs des palais et autres bâtiments de grandes fresques colorées représentant des scènes de richesse. Francesco Guardi (1712-1793) était très habile avec le pinceau et, avec seulement quelques taches de couleur, il pouvait évoquer l'idée d'une petite silhouette dans un bateau. Des vues spectaculaires Antonio Canaletto (1697-1768) a chanté les gloires passées de Venise.
France : style rococo
En France, le goût pour les couleurs pastel et la décoration complexe conduit au développement du style rococo au début du XVIIIe siècle. Jean Antoine Watteau (1684-1721), peintre de la cour du roi Louis XV, puis François Boucher (1703-1770) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806) furent associés aux tendances rococo. Watteau a écrit des visions rêveuses, une vie où tout est amusant. Le style est basé sur les pique-niques dans les parcs et les fêtes en forêt, où des messieurs joyeux et des dames élégantes s'amusent dans la nature.
D’autres artistes du XVIIIe siècle ont représenté des scènes de la vie ordinaire de la classe moyenne. Comme le Hollandais Vermeer, Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779) appréciait les sujets domestiques simples et les natures mortes. Ses couleurs sont sobres et calmes par rapport à Watteau.
Angleterre
Au XVIIIe siècle, les Britanniques développèrent pour la première fois une école de peinture distincte. Le noyau était principalement constitué de portraitistes, influencés par les artistes vénitiens de la Renaissance. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) et Thomas Gainsborough (1727-1788) sont les plus célèbres. Reynolds, qui a voyagé en Italie, a suivi les idéaux de la peinture de la Renaissance. Ses portraits, bien que charmants et émouvants, ne sont pas particulièrement intéressants en couleur ou en texture. Gainsborough, en revanche, avait un talent pour le génie. Les surfaces de ses peintures brillent de couleurs éclatantes.
peinture du 19ème siècle
Le XIXe siècle est parfois considéré comme la période durant laquelle l’art moderne a commencé à prendre forme. L’une des raisons importantes de la soi-disant révolution de l’art à cette époque fut l’invention de l’appareil photo, qui obligea les artistes à reconsidérer le but de la peinture.
Un développement plus important a été l’utilisation généralisée de peintures préfabriquées. Jusqu'au 19e siècle, la plupart des artistes ou leurs assistants fabriquaient leurs propres peintures en broyant des pigments. Les premières peintures commerciales étaient inférieures aux peintures manuelles. Les artistes de la fin du XIXe siècle ont découvert que les bleus et les bruns foncés des peintures antérieures devenaient noirs ou gris en quelques années. Ils ont recommencé à utiliser des couleurs pures pour préserver leur travail, et parfois parce qu'ils essayaient de refléter plus fidèlement la lumière du soleil dans les scènes de rue.
Espagne : Goya
Francisco Goya (1746-1828) fut le premier grand artiste espagnol à émerger depuis le XVIIe siècle. Artiste favori de la cour espagnole, il réalise de nombreux portraits de la famille royale. Les personnages royaux sont équipés de vêtements élégants et de bijoux raffinés, mais sur certains de leurs visages, tout ce qui se reflète n'est que vanité et cupidité. En plus des portraits, Goya peint des scènes dramatiques comme le 3 mai 1808. Ce tableau représente un groupe de rebelles espagnols exécutés par des soldats français. Des contrastes audacieux de couleurs claires et sombres, entrelacés de touches de rouge, évoquent une sombre horreur du spectacle.
Bien que la France ait été un grand centre artistique au XIXe siècle, les paysagistes anglais John Constable (1776-1837) et Joseph Mallord William Turner (1775-1851) ont apporté de précieuses contributions à la peinture du XIXe siècle. Tous deux s’intéressaient à la peinture de la lumière et de l’air, deux aspects de la nature que les artistes du XIXe siècle ont pleinement explorés. Le gendarme a utilisé une méthode connue sous le nom de division ou couleur brisée. Il a utilisé des couleurs contrastées par rapport à la couleur de fond principale. Il utilisait souvent un couteau à palette pour appliquer la couleur de manière serrée. Le tableau "Hay Wain" le rendit célèbre après avoir été exposé à Paris en 1824. Il s’agit d’une simple scène de fenaison dans un village. Les nuages dérivent sur les prairies couvertes de taches de soleil. Les peintures de Turner sont plus dramatiques que celles de Constable, qui a peint les spectacles majestueux de la nature - les tempêtes, paysages marins, couchers de soleil flamboyants, hautes montagnes. Souvent, une brume dorée obscurcit partiellement les objets de ses peintures, leur donnant l’impression de flotter dans un espace infini.
France
La période du règne de Napoléon et de la Révolution française marque l'émergence de deux courants opposés dans l'art français : le classicisme et le romantisme. Jacques Louis David (1748-1825) et Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) se sont inspirés de l'art grec et romain antique et de la Renaissance. Ils ont mis l’accent sur les détails et utilisé la couleur pour créer des formes solides. En tant qu'artiste préféré du gouvernement révolutionnaire, David a souvent peint des événements historiques de cette période. Dans ses portraits, comme celui de Madame Récamier, il s'efforce d'atteindre la simplicité classique.
Théodore Guéricault (1791-1824) et le romantique Eugène Delacroix (1798-1863) se rebellent contre le style de David. Pour Delacroix, la couleur était l’élément le plus important de la peinture et il n’avait aucune patience pour imiter les statues classiques. Au contraire, il admirait Ruben et les Vénitiens. Il a choisi des thèmes colorés et exotiques pour ses peintures, pétillantes de lumière et pleines de mouvement.
Les artistes de Barbizon faisaient également partie du mouvement romantique général, qui dura environ 1820 à 1850. Ils travaillaient près du village de Barbizon en lisière de la forêt de Fontainebleau. Ils ont trouvé l'inspiration dans la nature et ont réalisé les peintures dans leurs ateliers.
D'autres artistes ont expérimenté des objets quotidiens et ordinaires. Les paysages de Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) reflètent son amour de la nature, et ses études du corps humain témoignent d'une sorte de calme équilibré. Gustave Courbet (1819-1877) se disait réaliste parce qu'il dépeint le monde tel qu'il le voit, même dans ses côtés durs et désagréables. Il a limité sa palette à quelques couleurs sombres. Edouard Manet (1832-1883) s'inspire également du monde environnant pour ses sujets. Les gens ont été choqués par ses contrastes colorés et ses techniques inhabituelles. Les surfaces de ses peintures ont souvent une texture plate et modelée par des coups de pinceau. Les méthodes utilisées par Manet pour appliquer les effets de la lumière à la forme ont influencé les jeunes artistes, notamment les impressionnistes.
Travaillant dans les années 1870 et 1880, un groupe d’artistes connus sous le nom d’impressionnistes souhaitait représenter la nature exactement telle qu’elle était. Ils sont allés bien plus loin que Constable, Turner et Manet dans l’étude des effets de la lumière sur la couleur. Certains d’entre eux ont développé des théories scientifiques sur la couleur. Claude Monet (1840-1926) peint souvent la même vue à différents moments de la journée pour montrer comment elle change dans le temps. conditions différenteséclairage Quel que soit le sujet, ses peintures sont constituées de centaines de petits coups de pinceau placés les uns à côté des autres, souvent dans des couleurs contrastées. À distance, les traits se mélangent pour créer l’impression de formes solides. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) a utilisé des techniques impressionnistes pour capturer la célébration de la vie parisienne. Dans sa Danse au Moulin de la Galette, des gens vêtus de vêtements aux couleurs vives se rassemblaient et dansaient joyeusement. Renoir a peint le tableau entier par petits traits. Les points et les traits de peinture créent une texture sur la surface d'un tableau qui lui donne un type particulier. Les foules semblent se dissoudre sous la lumière du soleil et les couleurs chatoyantes.
peinture du 20ème siècle
Un certain nombre d'artistes sont rapidement devenus mécontents de l'impressionnisme. Des artistes comme Paul Cézanne (1839-1906) estimaient que l'impressionnisme ne décrivait pas la solidité des formes dans la nature. Cézanne aimait peindre des natures mortes car elles lui permettaient de se concentrer sur la forme des fruits ou d'autres objets et leur disposition. Les sujets de ses natures mortes semblent solides car il les réduit à de simples formes géométriques. Sa technique consistant à placer côte à côte des éclaboussures de peinture et de courts traits de couleurs riches montre qu'il a beaucoup appris des impressionnistes.
Vincent Van Gogh (1853-90) et Paul Gauguin (1848-1903) répondent au réalisme des impressionnistes. Contrairement aux impressionnistes, qui disaient considérer la nature de manière objective, Van Gogh se souciait peu de l’exactitude. Il déformait souvent les objets pour exprimer ses pensées de manière plus créative. Il a utilisé des principes impressionnistes pour placer des couleurs contrastées les unes à côté des autres. Parfois, il pressait la peinture des tubes directement sur la toile, comme dans « Yellow Corn Field ».
Gauguin n'aimait pas la couleur marbrée des impressionnistes. Il appliquait la couleur avec fluidité sur de grandes zones planes, qu'il séparait les unes des autres par des lignes ou des bords sombres. Les peuples tropicaux colorés ont fourni une grande partie de son sujet.
La méthode de Cézanne pour créer de l'espace à l'aide de formes géométriques simples a été développée par Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) et d'autres. Leur style est devenu connu sous le nom de Cubisme. Les cubistes peignaient les objets comme s'ils pouvaient être vus sous plusieurs angles à la fois, ou comme s'ils avaient été démontés et remontés sur une toile plate. Souvent, les objets se sont révélés différents de tout ce qui existe dans la nature. Parfois, les cubistes découpaient des figures dans du tissu, du carton, du papier peint ou d'autres matériaux et les collaient sur une toile pour réaliser un collage. Les textures étaient également variées en ajoutant du sable ou d'autres substances à la peinture.
Les tendances plus récentes ont consisté à accorder moins d’importance à ce sujet. La composition et la technique de l’image ont commencé à recevoir une plus grande importance.
Le mot « peinture » vient des mots russes « vivre » et « écrire », ce qui donne l'expression « lettre vivante ». La peinture désigne une image du monde réel, dessinée à l'aide de matériaux improvisés (crayons, peintures, pâte à modeler, etc.) sur des surfaces planes. On peut dire que la projection du monde réel à travers le prisme de l’imaginaire de l’artiste est aussi
Types de peinture
Celui-ci regorge d’une variété de types et de techniques de représentation de la réalité, qui dépendent non seulement de la technique d’exécution du travail de l’artiste et des matériaux utilisés, mais également du contenu et du message sémantique de la créativité. Afin de transmettre des sentiments, des émotions et des pensées, l'artiste utilise tout d'abord les règles du jeu avec la couleur et la lumière : le rapport des nuances de couleurs et le jeu des reflets et des ombres. Grâce à ce secret, les tableaux ressortent vraiment vivants.
Pour obtenir cet effet, vous devez utiliser habilement des matériaux colorés. Ainsi, la peinture, dont les types dépendent de la technique de dessin et des types de peinture, peut utiliser l'aquarelle, l'huile, la détrempe, le pastel, la gouache, la cire, l'acrylique, etc. Tout dépend du désir de l'artiste.
Dans les beaux-arts, on distingue les principaux types de peinture suivants :
1. Peinture monumentale. Le nom même de ce type d’art suggère que la création vivra plusieurs siècles. Ce type implique une symbiose entre l'architecture et les beaux-arts. La peinture monumentale est le plus souvent visible dans les temples religieux : ce sont des murs, des voûtes, des arcs et des plafonds peints. Lorsque le dessin et le bâtiment lui-même ne font plus qu’un, ces œuvres revêtent une signification profonde et portent une valeur culturelle mondiale. Les fresques relèvent plus souvent de ce type de peinture. En règle générale, ils sont fabriqués non seulement avec des peintures, mais aussi avec des carreaux de céramique, du verre, des pierres colorées, des coquillages, etc.
2. Peinture sur chevalet. Les types de ces beaux-arts sont très courants et accessibles à tout artiste. Pour qu'un tableau soit considéré comme un chevalet, le créateur aura besoin d'une toile (chevalet) et d'un cadre pour celui-ci. Ainsi, le tableau sera de nature indépendante et peu importe où et dans quelle structure architecturale il se trouve.
3. Les types et les formes d'expression de la créativité sont illimités et ce type d'art peut servir de preuve. existe depuis des milliers d'années : il s'agit de décorations pour la maison, de peinture de vaisselle, de création de souvenirs, de peinture de tissus, de meubles, etc. L'essence de la créativité est que l'objet et le design qu'il contient deviennent un tout. Il est considéré comme de mauvais goût lorsqu’un artiste représente un dessin totalement inapproprié sur un objet.
4. implique la conception visuelle des représentations théâtrales ainsi que du cinéma. Ce type d'art permet au spectateur de comprendre et d'accepter plus précisément l'image d'une pièce de théâtre, d'un spectacle ou d'un film.
Genres de peinture
Dans la théorie de l'art, il est également important de distinguer les genres de peinture, chacun ayant ses propres caractéristiques :
Portrait.
Nature morte.
Iconographie.
Animalisme.
Histoire.
Ce sont les principaux qui existent depuis longtemps dans l’histoire de l’art. Mais les progrès ne s’arrêtent pas. Chaque année, la liste des genres s'allonge et s'allonge. Ainsi sont apparus l'abstraction et la fantaisie, le minimalisme, etc.
Contour - les contours linéaires de la figure représentée, son contour.
Art abstrait - l'une des tendances formalistes des beaux-arts apparues à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Les abstractionnistes ont abandonné la représentation d'objets et de phénomènes du monde objectif (d'où un autre nom pour l'abstractionnisme - art non objectif). Leur travail est une tentative d'exprimer leurs sentiments et leurs pensées à travers des combinaisons de couleurs de points ou de lignes, sans représenter d'objets et d'objets réels. Les abstractionnistes ont abandonné le dessin, la perspective, la couleur et tous les autres moyens du langage visuel de l'art de la peinture. Ils violaient ainsi les fondements professionnels de la peinture et détruisaient ses véritables possibilités artistiques. L'abstraction défigure les goûts esthétiques des gens et les empêche de comprendre la beauté de la nature et de la vie.
Adaptation - la capacité de l'œil à s'adapter à certaines conditions d'éclairage. Il existe des adaptations à la lumière, à l'obscurité et à la couleur. La particularité de ce dernier réside dans la capacité d'adaptation de l'œil à ne pas remarquer la couleur de l'éclairage sur les objets.
Au crépuscule et généralement dans des conditions de faible luminosité, les terminaisons nerveuses (photorécepteurs) appelées bâtonnets dans l'œil sont les plus sensibles à la lumière. Avec leur aide, l'œil perçoit les dégradés de noir et de blanc. En cas de forte lumière diurne, d'autres photorécepteurs, les cônes, à travers lesquels la couleur est perçue, sont plus sensibles. Lors de l'adaptation à la lumière, la sensibilité visuelle diminue et lors de l'adaptation à l'obscurité, elle augmente. Lorsque l’œil s’adapte à l’obscurité, nous commençons à distinguer clairement les détails du paysage. En raison de la sensibilité accrue de l'œil à l'obscurité par temps nuageux et au crépuscule, l'artiste novice perd de vue le niveau d'éclairage général, qui dans ces conditions est bien plus faible que par une journée ensoleillée ou gris clair. Au crépuscule, les objets lumineux ne lui semblent pas diminuer en luminosité au point que l'éclairage soit devenu inférieur à l'éclairage diurne précédent. Il ne remarque pas non plus les relations tonales plus étroites caractéristiques du crépuscule et du jour gris. De plus, malgré l'assombrissement, l'artiste débutant distingue dans la nature (ou l'ombre) des gradations très subtiles d'ombre et de lumière sur les objets et permet une panachure et une fragmentation excessives. Ainsi, au début, il n'est pas en mesure d'évaluer et de transmettre avec précision les changements réels de luminosité et de couleur qui se produisent dans la nature.
L'adaptation est basée sur divers changements qui se produisent dans notre œil lorsque l'intensité de l'éclairage change. Par exemple, pendant la journée, la pupille diminue de 1 à 2 mm, ce qui fait que peu de lumière passe dans l'œil. Dans l'obscurité, il se dilate de 8 à 10 mm, laissant passer beaucoup de lumière. Sachant que l'aire de la pupille est proportionnelle au carré du diamètre, on peut établir que si la pupille double de taille, alors la quantité de lumière qu'elle transmet est multipliée par quatre ; si la pupille s'agrandit quatre fois, la quantité de lumière qu'elle transmet augmente de 16 fois. C’est en partie la raison pour laquelle on distingue les principaux rapports lumineux au crépuscule. Le réflexe pupillaire à la lumière et à l'obscurité compense ainsi dans une certaine mesure la diminution de l'éclairage.
Académisme - un terme évaluatif lié aux mouvements artistiques dont les représentants sont entièrement orientés vers les autorités artistiques établies, croient que le progrès de l'art moderne n'est pas dans un lien vivant avec la vie, mais dans son rapprochement le plus étroit des idéaux et des formes d'art des époques passées, et défendre la norme absolue, indépendante du lieu et du temps, de la beauté. Historiquement, l'académisme est associé aux activités des académies qui formaient de jeunes artistes dans un esprit de suivi irraisonné des modèles artistiques de l'Antiquité et de la Renaissance italienne. Née pour la première fois à l'Académie de Bologne au XVIe siècle, cette tendance s'est largement développée dans les académies des époques ultérieures ; c'était également caractéristique de l'Académie russe des arts au XIXe siècle, ce qui provoqua une lutte avec l'académie des artistes réalistes avancés. En canonisant les méthodes et les sujets classiques, l’académisme a isolé l’art de la modernité, le déclarant « bas », « vil », indigne du « grand » art.
Le concept d’académisme ne peut être identifié à toutes les activités des académies d’art du passé. Le système éducatif universitaire présentait de nombreux avantages. En particulier, basée sur une longue tradition, une haute culture du dessin, qui était l'un des aspects les plus forts de l'enseignement académique.
Peintures à l'aquarelle - adhésif à base d'eau à base de pigments finement broyés mélangés à de la gomme, de la dextrine, de la glycérine, parfois du miel ou du sirop de sucre ; Ils sont produits secs - sous forme de carreaux, semi-bruts - dans des tasses en porcelaine ou semi-liquides - dans des tubes.
À l'aquarelle, vous pouvez peindre immédiatement sur du papier sec ou humide, en couleur, et vous pouvez travailler avec des glacis, clarifiant progressivement les relations chromatiques de la nature. Il faut savoir que l'aquarelle ne tolère ni les corrections, ni les tortures, ni les nombreuses repeintures avec des peintures mélangées.
Souvent, les peintres utilisent la technique de l'aquarelle en combinaison avec d'autres matériaux : gouache, détrempe, fusain. Cependant, dans ce cas, les principales qualités de l'aquarelle sont perdues - saturation, transparence, pureté et fraîcheur, c'est-à-dire exactement ce qui distingue l'aquarelle de toute autre technique.
Accent - la technique consistant à souligner par une ligne, un ton ou une couleur de tout objet expressif, les détails de l'image sur lesquels il est nécessaire d'attirer l'attention du spectateur.
Alla prima -- technique technique en aquarelle ou en peinture à l'huile, qui consiste dans le fait qu'un croquis ou un tableau est peint sans marquages ni sous-couches préalables, parfois en une seule fois, en une seule séance.
Peintre animalier - un artiste qui a principalement consacré son œuvre à la représentation d'animaux.
Couleurs achromatiques - blanc, gris, noir ; Ils ne diffèrent que par la légèreté et le manque de tonalité de couleur. En revanche, il existe des couleurs chromatiques, qui ont une nuance de couleur de luminosité et de saturation différentes.
Cliquez sur - un élément de clair-obscur, l'endroit le plus lumineux de la surface éclairée (principalement brillante) d'un objet. Avec un changement de point de vue, la surbrillance change d'emplacement sur la forme de l'objet.
Valeur - un terme de pratique artistique qui définit le côté qualitatif d'un ton séparé, à dominante lumière et ombre, dans sa relation avec les tons environnants. Dans la peinture réaliste, les propriétés matérielles du monde objectif se transmettent principalement par des relations tonales objectivement régulières. Mais afin de reproduire de manière vivante et holistique la matérialité, la plasticité et la couleur d'un objet dans un certain état d'éclairage et dans une certaine situation, l'artiste doit atteindre une très grande précision et expressivité dans les relations de tons ; la richesse et la subtilité des relations entre les transitions conduisant à l'expressivité de la peinture sont les principales caractéristiques de la valeur. Parmi les plus grands maîtres des XVIIe-XIXe siècles. - comme Vélasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - la peinture est toujours riche en valeur.
La vision est pittoresque - vision et compréhension des relations entre les couleurs de la nature, en tenant compte de l'influence de l'environnement et de l'état général d'éclairage, caractéristique de la nature au moment de sa représentation. Grâce à une telle vision, la véracité des relations entre la lumière et les couleurs, la richesse des nuances chaudes et froides, leur unité et leur harmonie de couleurs apparaissent dans le croquis, véhiculant la nature avec tout le respect de la vie. Dans ce cas, ils parlent du pittoresque d'un croquis ou d'un tableau.
Vision artistique - la capacité de donner l'évaluation esthétique nécessaire des qualités inhérentes à la nature. Avant de représenter la nature, l'artiste voit déjà dans ses principales caractéristiques sa solution de peinture figurative, prenant en compte une certaine matière.
Vitrail - la peinture sur verre avec des peintures transparentes ou un ornement constitué de morceaux de verre multicolores fixés par une reliure métallique, utilisé pour remplir les ouvertures des fenêtres et des portes. Les rayons de lumière pénétrant à travers le verre acquièrent une luminosité accrue et forment un jeu de reflets de couleurs à l'intérieur.
Perspective aérienne - des changements apparents dans certaines caractéristiques des objets sous l'influence de l'air et de l'espace. Tous les objets proches sont perçus clairement, avec de nombreux détails et textures, tandis que les objets éloignés sont perçus de manière générale, sans détails. Les contours des objets proches semblent nets, tandis que ceux des objets distants semblent doux. À une grande distance, les objets clairs semblent plus sombres et les objets sombres plus clairs. Tous les objets proches ont un clair-obscur contrasté et semblent tridimensionnels, tous les objets éloignés ont un clair-obscur faible et semblent plats. En raison de la brume aérienne, les couleurs de tous les objets éloignés deviennent moins saturées et acquièrent la couleur de cette brume - bleu, laiteux pâle ou violet. Tous les objets proches apparaissent multicolores, tandis que les objets distants apparaissent monochromes. L'artiste prend en compte tous ces changements pour transmettre l'espace et l'état d'éclairage - qualités importantes de la peinture en plein air.
Perception visuelle - le processus de réflexion des objets et phénomènes de la réalité dans toute la diversité de leurs propriétés qui affectent directement les organes de la vision. Outre les sensations visuelles, l'expérience passée des connaissances et des idées sur un objet particulier participe également à la perception. Il n'est possible de comprendre et de comprendre l'essence de ce qui est perçu que si les objets et phénomènes observés sont comparés à ceux vus précédemment (perception visuelle constante et constante). A cela, il faut ajouter que la perception visuelle s'accompagne de sentiments associatifs, d'un sentiment de beauté, qui sont associés à expérience personnelle expériences sensorielles sous l’influence de l’environnement.
Gamme de couleurs - les couleurs qui prédominent dans une œuvre donnée et déterminent la nature de sa structure chromatique. On dit : une gamme de nuances de couleurs froides, chaudes, pâles, etc.
Harmonie - connexion, proportionnalité, cohérence. Dans les beaux-arts - une combinaison de formes, la relation de pièces ou de couleurs. En peinture, c'est la correspondance des détails avec l'ensemble, non seulement en taille, mais aussi en couleur (unité de couleur, gamme de nuances apparentées). La source de l'harmonie réside dans les modèles de changements de couleur des objets naturels sous l'influence de la force et de la composition spectrale de l'éclairage. L'harmonie de la structure des couleurs d'un croquis ou d'un tableau dépend également des caractéristiques de la physiologie et de la psychologie de la perception visuelle de la lumière et des qualités chromatiques du monde objectif (interaction contrastée des couleurs, phénomène de halo, etc.).
Gravure- reproduction imprimée d'un dessin découpé ou gravé sur planche de bois (gravure sur bois), linoléum (linogravure), plaque de métal (gravure), pierre (lithographie), etc. Une particularité d'une gravure est la possibilité de sa réplication : à partir d'un planche gravée par l'artiste, vous pouvez imprimer un grand nombre d'estampes multicolores (timbres). En fonction de la nature du traitement de la forme d'impression (carton ou plaque) et de la méthode d'impression, une distinction est faite entre la gravure convexe et la gravure en profondeur.
Arts graphiques - un des types des beaux-arts, proche de la peinture dans le contenu et la forme, mais ayant ses propres tâches et possibilités artistiques. Contrairement à la peinture, le principal moyen visuel du graphisme est un dessin monochromatique (c'est-à-dire un trait, un clair-obscur) ; le rôle de la couleur y reste relativement limité. Côté technique, le graphisme comprend le dessin au sens propre du terme dans toutes ses variétés. En règle générale, les œuvres graphiques sont exécutées sur papier et d’autres matériaux sont parfois utilisés.
Selon le but et le contenu, les graphiques sont divisés en graphiques de chevalet, qui comprennent des œuvres d'importance indépendante (qui ne nécessitent pas un lien indispensable avec le texte littéraire pour révéler leur contenu et ne se limitent pas à un objectif pratique restreint et strictement défini), le graphisme du livre, qui forme une unité idéologique et artistique avec le texte littéraire ou d'accompagnement et en même temps destiné à la conception décorative et artistique d'un livre, une affiche, qui est le type d'art le plus répandu, destiné à réaliser des activités politiques, propagande, production artistique ou tâches appliquées par des moyens artistiques (labels, certificats, timbres-poste, etc.).
Grisaille - image en peinture noir et blanc (ou monochrome, par exemple marron) ; Il est souvent utilisé à des fins auxiliaires lors de la réalisation de sous-couches ou de croquis, ainsi qu'à des fins pédagogiques lors de la maîtrise des techniques d'images tonales réalisées à l'aquarelle ou à l'huile. L'image est créée sur la base uniquement des relations tonales (légèreté) des objets dans le cadre grandeur nature.
Amorçage - une fine couche d'une composition spéciale (adhésif, huile, émulsion) appliquée sur la toile ou le carton afin de conférer à leur surface les propriétés de couleur et de texture souhaitées et limiter une absorption excessive du liant (huile). Si vous travaillez avec des peintures à l'huile sur un support non apprêté (par exemple une toile), les peintures n'adhèrent pas, elles sèchent, l'huile de la peinture est absorbée par le tissu, détruisant la toile et la couche de peinture. En fonction de la composition du liant, on distingue les apprêts : huileux, adhésifs, émulsion, synthétiques. Par couleur - teinté et coloré. L'apprêt, en règle générale, se compose de 3 éléments : une fine couche de colle qui recouvre toute la surface de la toile d'un film (c'est-à-dire un encollage) et plusieurs couches de peinture d'apprêt, dont une fine couche de finition. Encollage - une fine couche de colle (menuiserie, caséine ou gélatine) - protège la toile de la pénétration de la peinture d'apprêt ou de l'huile dans le tissu ou sur l'envers de la toile, et lie fermement les couches ultérieures d'apprêt à la toile. La peinture d'apprêt nivelle la surface de la toile, crée la couleur requise (généralement blanche) et assure une forte connexion de la couche de peinture avec l'apprêt.
Apprêt - en technologie de peinture : procédé d'application d'un apprêt sur une surface destinée à être peinte.
Gouache - peinture à l'eau avec un grand pouvoir couvrant. Les peintures s'éclaircissent rapidement après séchage et une expérience considérable est nécessaire pour anticiper dans quelle mesure leur ton et leur couleur changeront. Ils utilisent de la gouache pour écrire sur du papier, du carton et du contreplaqué. Les œuvres ont une surface mate et veloutée.
Détails - étude minutieuse des détails de la forme des objets dans l'image. Selon la tâche que l'artiste se fixe, le degré de détail peut varier.
Couleurs supplémentaires - deux couleurs qui produisent du blanc lorsqu'elles sont mélangées optiquement (rouge et vert bleuâtre, orange et bleu, jaune et bleu, violet et jaune verdâtre, vert et violet). Lorsque ces paires de couleurs complémentaires sont mélangées mécaniquement, on obtient des nuances à saturation réduite. Les couleurs complémentaires sont souvent appelées couleurs contrastées.
Genre - une division interne historiquement établie dans tous les types d'art ; le type d'une œuvre d'art dans l'unité des propriétés spécifiques de sa forme et de son contenu. Le concept de « genre » généralise les traits caractéristiques d'un vaste groupe d'œuvres de toute époque, nation ou art mondial en général. Chaque forme d'art a son propre système de genres. Aux beaux-arts - en fonction du sujet de l'image (portrait, nature morte, paysage, peinture historique et de bataille), et parfois de la nature de l'image (caricature, dessin animé).
Peinture - l'un des principaux types d'art. Une transmission fidèle de l'apparence extérieure d'un objet, de ses caractéristiques extérieures, est également possible par des moyens graphiques - lignes et tons. Mais seule la peinture peut rendre compte de toutes les couleurs extraordinairement diverses du monde qui nous entoure.
Selon la technique d'exécution, la peinture se divise en huile, détrempe, fresque, cire, mosaïque, vitrail, aquarelle, gouache, pastel. Ces dénominations proviennent du liant ou des moyens matériels et techniques utilisés. Le but et le contenu d'un tableau nécessitent le choix de tels arts visuels, à l’aide duquel l’intention idéologique et créative de l’artiste peut s’exprimer le plus pleinement.
Par genre, la peinture est divisée en chevalet, monumentale, décorative, théâtrale et décorative et miniature.
Peinture décorative n'a pas de signification indépendante et sert de décoration à l'extérieur et à l'intérieur des bâtiments sous forme de panneaux colorés qui, avec des images réalistes, créent l'illusion d'une « percée » du mur, augmentant la taille de la pièce ou, au contraire. , aux formes volontairement aplaties, ils rétrécissent visuellement et ferment l'espace. Les motifs, couronnes, guirlandes et autres types de décors qui ornent les œuvres de peinture et de sculpture monumentales relient tous les éléments de l'intérieur, soulignant leur beauté et leur cohérence avec l'architecture. La peinture décorative décore aussi les choses : coffrets, coffrets, plateaux, coffres, etc. Ses thèmes et ses formes sont subordonnés à la destination des choses.
Peinture miniature a connu un grand développement au Moyen Âge, avant l'invention de l'imprimerie. Les livres manuscrits étaient décorés des plus belles coiffes, fins, illustrations détaillées et miniatures. Les artistes russes de la première moitié du XIXe siècle ont habilement utilisé la technique de la peinture des miniatures pour créer de petits portraits (principalement à l'aquarelle). Les couleurs pures et profondes de l’aquarelle, leurs combinaisons exquises et la finesse exquise de l’écriture distinguent ces portraits.
Peinture monumentale - un type de peinture particulier grande échelle décoration des murs et plafonds des structures architecturales (fresque, mosaïque, panneau). Il révèle le contenu des principaux phénomènes sociaux qui ont eu un impact positif sur le développement de la société, les glorifie et les perpétue. La sublimité du contenu de la peinture monumentale, la taille importante de ses œuvres et le lien avec l'architecture nécessitent de grandes masses de couleurs, une stricte simplicité et un laconisme de la composition, la clarté des silhouettes et la généralité de la forme plastique.
Peinture sur chevalet - le nom vient de la machine (chevalet) sur laquelle le tableau est réalisé. La base matérielle utilisée est le bois, le carton, le papier, mais le plus souvent la toile tendue sur châssis. Le tableau est inséré dans un cadre et est perçu comme une œuvre d'art indépendante, indépendante de son environnement. À cet égard, pour créer des œuvres peinture sur chevalet des moyens artistiques légèrement différents sont utilisés, des relations de couleurs et de tons plus subtiles et détaillées sont données, et une caractérisation psychologique plus complexe et détaillée des personnages est donnée.
Théâtre et peinture décorative - décors, costumes, maquillages, accessoires, réalisés d'après les croquis de l'artiste ; aider à révéler plus profondément le contenu de la performance. Les conditions théâtrales particulières de la perception de la peinture nécessitent de prendre en compte les multiples points de vue du public, sa plus grande distance, l'influence de l'éclairage artificiel et des rehauts de couleurs. Le décor donne une idée du lieu et du moment de l’action, et active la perception du spectateur de ce qui se passe sur scène. Dans les croquis de costumes et de maquillage, le décorateur de théâtre s'efforce d'exprimer avec acuité le caractère individuel des personnages, leur statut social, style de l'époque et bien plus encore.
Peinture académique - tableau réalisé dans un but pédagogique quelconque.
Peinture sur mouillé - technique technique de la peinture à l'huile et à l'aquarelle. Lorsque vous travaillez avec des huiles, il est nécessaire de terminer le travail avant que les peintures ne sèchent et d'exclure des étapes telles que la sous-couche, le vitrage et la repeinture. La peinture à l'état brut présente des avantages bien connus : la fraîcheur de la couche picturale, une bonne conservation et la simplicité relative de la technique d'exécution.
À l'aquarelle, avant de commencer à travailler sur du papier humide, le papier est uniformément humidifié avec de l'eau. Lorsque l'eau est absorbée par le papier et sèche un peu (au bout de 2-3 minutes), ils commencent à écrire ; des traits de peinture, posés sur une surface humide, se brouillent, se confondent, créant des transitions douces. Ainsi, vous pouvez obtenir de la douceur dans la transmission des contours des objets, de la légèreté et de la spatialité de l'image.
Flétrissement - des modifications indésirables de la couche de peinture en train de sécher, à cause desquelles la peinture perd sa fraîcheur, perd son éclat, la sonorité des couleurs, s'assombrit et devient noirâtre. La raison de la sécheresse est une réduction excessive de l'huile de liant dans la peinture, absorbée par le sol ou la couche de peinture sous-jacente, ainsi que l'application de peintures sur une couche précédente de peintures à l'huile qui n'a pas complètement séché.
exhaustivité .- une telle étape du travail sur un croquis ou un tableau lorsque la plus grande complétude de l'incarnation du concept créatif a été atteinte, ou lorsqu'une certaine tâche visuelle a été accomplie.
« Lots » de peintures de base - préparation préalable sur la palette d'un mélange de couleurs qui correspondent aux relations tonales et chromatiques de base des objets naturels (paysage). Au cours du processus de travail, diverses variations de nuances sont introduites dans ces mélanges de base et de nouvelles couleurs sont ajoutées. Cependant, les couleurs des objets principaux préparés sur la palette ne permettent pas de tomber dans une coloration excessive et ne permettent pas de perdre le caractère des relations de couleurs de base. A l'aquarelle, ces « mélanges » supports sont réalisés dans des gobelets séparés.
Esquisser - un dessin d'après nature, réalisé principalement en dehors de l'atelier dans le but de rassembler du matériel pour un travail plus important, dans un souci d'exercice, et parfois dans un but particulier (par exemple, sur instruction d'un journal, d'un magazine). Contrairement à un croquis techniquement similaire, l’exécution d’un croquis peut être très détaillée.
Idéalisation dans l'art - un écart par rapport à la vérité de la vie dû à l’embellissement intentionnel ou involontaire par l’artiste du sujet de l’image. L'idéalisation se manifeste généralement par l'exagération et l'absolutisation du principe positif comme une sorte de perfection ultime, soi-disant déjà atteinte ; en aplanissant les contradictions et les conflits de la vie ; dans l'incarnation d'un idéal abstrait, supra-vital, etc. L'idéalisation signifie toujours une rupture avec les principes du réalisme et s'avère d'une manière ou d'une autre associée à l'idéologie des classes réactionnaires qui sont enclines à s'éloigner de l'image véridique de la vie et remplacer l'étude de la réalité par des idées subjectivement embellies à son sujet.
Il faut distinguer de l'idéalisation le reflet dans l'art réaliste d'un certain idéal de vie socialement progressiste, qui, étant un aspect important du contenu idéologique de toute image artistique réaliste, peut parfois être le principe déterminant dans la solution artistique de l'image.
L'idée du tableau - l'idée principale de l'œuvre, déterminant son contenu et sa structure figurative, exprimée sous la forme appropriée.
Illusoire - similitude de l'image avec la nature ; à la limite de l’illusion d’optique. En raison de la nature illusoire, l'expressivité artistique de l'œuvre et la profondeur de son contenu peuvent être perdues si, dans l'image, le désir de similitude extérieure obscurcit l'essentiel - son intention.
Impressionnisme - une direction artistique du dernier tiers du XIXe - début du XXe siècle, dont les représentants cherchaient à capturer le plus naturellement et le plus impartialement le monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre leurs impressions éphémères. L'impressionnisme a commencé dans les années 1860. dans Peinture française. E. Manet, O. Renoir, E. Degas ont introduit dans l'art la fraîcheur et la spontanéité de la perception de la vie, la représentation de mouvements et de situations instantanés, apparemment aléatoires, le déséquilibre apparent, la composition fragmentaire, les points de vue inattendus, les angles, les sections de figures . En 1870-80 L'impressionnisme a émergé dans le paysage français. C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley ont développé un système de plein air cohérent. Outre les peintres, les sculpteurs (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) s'intéressent au mouvement instantané et à la forme fluide.
L'impressionnisme a développé les principes réalistes de l'art, mais le travail de ses adeptes s'est souvent reflété dans un écart par rapport à l'étude des phénomènes fondamentaux de la réalité sociale, des qualités constantes et stables du monde matériel. Cette direction de la créativité a conduit les derniers impressionnistes au formalisme.
Intérieur - vue interne locaux. Représenter un intérieur nécessite une connaissance approfondie de la perspective. Il est important de trouver un endroit à partir duquel vous pouvez composer l'image d'une manière plus intéressante. Image terminée de l'intérieur, sauf composition intéressante, une construction de perspective correcte, le placement des objets dans l'espace, devraient donner une idée de l'éclairage.
Peinture - une œuvre de peinture sur chevalet qui incarne fidèlement l'intention de l'artiste, se distinguant par l'importance de son contenu, la véracité et l'exhaustivité de la forme artistique. Le tableau est le résultat de longues observations et réflexions de l’artiste sur la vie. Il est précédé de croquis, d'esquisses, d'esquisses, dans lesquels l'artiste enregistre des phénomènes individuels de la vie, rassemble du matériel pour le futur tableau et recherche les bases de sa composition et de sa coloration. Lorsqu'il crée un tableau, l'artiste s'appuie sur la nature, en procède comme dans plan général, et dans des détails individuels. L'observation, l'imagination et le design jouent un rôle important dans ce processus. Le tableau porte à sa manière un certain concept idéologique et figuratif, et les formes d'expression sont visuellement fiables. Chaque détail, chaque partie est corrélé au tout, chaque élément exprime une image. Les tendances formalistes décadentes se caractérisent par une crise de l'intrigue et de l'image thématique, un rejet des questions idéologiques importantes et du psychologisme. Non seulement le sujet est expulsé des tableaux, mais il y a aussi une rupture avec l’image du sujet en général. Selon la forme de l'image, le tableau devient inutile, abstrait.
Peintures adhésives - des peintures sèches, réalisées en poudres et mélangées par l'artiste lui-même avec de l'eau-colle. Bien broyés, ils sont parfois utilisés par les artistes pour décorer des reproductions originales en guise de substituts. peintures à la gouache. Le plus souvent, ils sont utilisés pour des décorations théâtrales.
Harceler - un type de gomme douce utilisée dans les cas où vous devez alléger le ton des ombres dans les dessins au crayon. Le bourrin est doux et se pétrit facilement avec les doigts ; le crayon n'est pas effacé avec, mais est légèrement pressé contre les parties du dessin qu'on éclaircit : le graphite colle à la marque et est retenu par elle une fois retiré du papier. Si les zones à éclaircir sont très petites, le bourrin prend l'apparence d'un cône pointu.
Le bourrin peut être réalisé comme suit. Une gomme ordinaire est placée dans de l'essence (ou du kérosène) pendant deux à trois jours, puis elle est conservée pendant encore deux jours. Après cela, le caoutchouc ramolli est pétri avec de la farine de pomme de terre (amidon), la farine doit être prise par pincées et la viscosité du pétrissage doit être ajustée en fonction de sa quantité.
Couleur (étude ou peinture) - la nature de la relation de tous les éléments de couleur de l'image, sa structure de couleur. Son principal avantage réside dans la richesse et la cohérence des couleurs qui correspondent à la nature elle-même, véhiculant, en unité avec le clair-obscur, les propriétés objectives et l'état d'éclairage du moment représenté. La coloration du croquis est déterminée par : 1) la cohérence des relations de couleurs proportionnelles à la nature, en tenant compte de l'état général de tonalité et de couleur de l'éclairage, 2) la richesse et la variété des réflexes de l'environnement lumière-air et objet, 3) l'interaction contrastée des nuances chaudes et froides, 4) l'influence de la couleur de l'éclairage, qui unit les couleurs de la nature, les rend subordonnées et liées.
Un véritable reflet de l’état des conditions d’éclairage réelles affecte les sentiments du spectateur, crée une ambiance et évoque des expériences esthétiques appropriées.
Pinceaux . Les pinceaux sont disponibles en pinceaux Kolinsky, en écureuil et en poils. Les pinceaux à poils sont conçus pour travailler avec des peintures à l'huile, mais peuvent être utilisés pour peindre avec des peintures à la détrempe et à la gouache. Les pinceaux écureuil et kolinsky sont utilisés dans les aquarelles. Les formes sont plates et rondes. La taille du pinceau est indiquée par un chiffre. Le nombre de brosses plates et de brosses flûtes correspond à leur largeur en millimètres, et le nombre de brosses rondes correspond à leur diamètre (exprimé également en millimètres).
Après avoir travaillé avec des peintures à l'huile, lavez les pinceaux avec de l'eau tiède et du savon. Ne lavez pas les brosses à l’acétone : cela abîmerait vos cheveux. Les pinceaux aquarelle sont lavés à l’eau claire après utilisation. Les pinceaux ne doivent en aucun cas sécher, surtout après avoir travaillé avec des peintures à l'huile ; placez les pinceaux dans le pot avec les cheveux vers le bas, car les cheveux se déformeront. Le pinceau lavé doit être enveloppé dans du papier, il conservera alors sa forme.
Composition - construction d'un croquis ou d'un tableau, coordination de ses parties. Lors de la représentation d'après nature : sélection et placement des objets, choix du meilleur point de vue, éclairage, détermination du format et de la taille de la toile, identification du centre de composition, lui subordonnant les parties secondaires de l'œuvre. Lors de la création d'un tableau : choisir un thème, développer une intrigue, trouver le format et la taille de l'œuvre, les caractéristiques des personnages, leurs relations entre eux, les poses, les mouvements et les gestes, l'expressivité des visages, l'utilisation des contrastes et des rythmes - tous ces éléments constituent la structure compositionnelle du tableau, servant la meilleure incarnation du plan de l'artiste. Dans une telle composition, tout est pris en compte : les masses d'objets et leurs silhouettes, le rythme avec lequel ils sont posés sur la toile, la perspective, la ligne d'horizon imaginaire et le point de vue de ce qui est représenté, la couleur du tableau. , le regroupement des personnages, l'orientation de leurs regards, l'orientation de la ligne de perspective, réduction des objets, répartition des clairs-obscurs, des poses et des gestes, etc.
Constance de la perception visuelle - la tendance à percevoir un objet, sa taille, sa forme, sa légèreté, sa couleur comme stable et inchangé, quels que soient les changements qui lui surviennent (distance du spectateur, changements d'éclairage, influences environnementales, etc.) - Constance de la taille - la tendance percevoir la taille d'un objet comme constante, malgré le changement de distance par rapport à lui. En règle générale, les dessinateurs débutants ne remarquent aucun changement prometteur.
Constance de la forme - la tendance à percevoir la forme réelle, même si l'objet est tourné de telle sorte que son image sur la rétine diffère de la forme réelle. (Par exemple, une feuille de papier carrée posée sur une table apparaît carrée même si sa projection sur la rétine n'est pas carrée.)
Constance de la luminosité - la tendance à percevoir la luminosité d'un objet comme constante, malgré les changements d'éclairage ; dépend principalement du rapport constant de l’intensité de la lumière réfléchie par l’objet et son environnement.
Constance des couleurs - la tendance à percevoir la couleur d'un objet (sa couleur locale) quelles que soient les conditions d'éclairage changeantes, sa force et sa composition spectrale (jour, soir, artificielle).
En raison du phénomène de constance, la perception et la transmission en peinture d'objets et de phénomènes exactement tels qu'ils apparaissent à l'œil dans des conditions d'éclairage spécifiques, dans un certain environnement et à une certaine distance, posent une certaine difficulté au début de l'apprentissage. Un artiste débutant, bien qu'il sache que la couleur change en fonction des conditions d'éclairage, la voit inchangée et n'ose pas, par exemple, peindre des arbres verts dans les rayons du soleil couchant comme rougeâtres ou ciel bleuécrire un ocre rose complexe, tel qu'il apparaît au coucher du soleil.
Pour un peintre inexpérimenté, il semble qu'un objet blanc soit blanc dans toutes ses parties et qu'un objet sombre soit sombre. Pendant ce temps, dans un environnement à grande échelle, la surface d'un objet sombre faisant face à la lumière reflétera plus de rayons lumineux que la partie ombre d'un objet blanc, et donc l'ombre d'un objet blanc sera plus sombre que la partie claire d'un objet sombre. objet.
En travaillant sur une esquisse de paysage, un peintre inexpérimenté ne remarque pas à quel point le crépuscule approche, bien que l'éclairage ait considérablement diminué.
Les objets environnants peuvent être éclairés par une lumière de composition spectrale différente, ce qui modifie la composition spectrale de la lumière réfléchie par les objets. Cependant, l’œil d’un artiste novice ne remarque même pas ce changement de couleur.
La constance de la perception peut augmenter et s'intensifier pour de nombreuses raisons. Plus l'éclairage chromatique est fort et plus la distance à laquelle l'objet est observé est grande, plus la manifestation de la constance est faible. La capacité de la surface d'un objet à réfléchir fortement les rayons lumineux contribue également à une perception constante : les objets de couleur claire montrent plus clairement l'influence de la couleur de l'éclairage. Les adaptations de la lumière et des couleurs améliorent la constance de la perception. En observant un paysage hivernal par temps nuageux, on ne remarque que des nuances grisâtres complexes. Si vous regardez le même motif hivernal depuis la fenêtre d’une pièce éclairée électriquement, le paysage à l’extérieur de la fenêtre sera perçu comme intensément bleuté. Si vous quittez la pièce à ciel ouvert, après quelques minutes ton bleu le paysage disparaîtra. De même, une constance nulle dans le public apparaît sous l'éclairage coloré de la scène du théâtre ; une fois que l'éclairage électrique chaleureux du hall s'est estompé, le rideau s'est ouvert et le spectateur est ravi de la scène hivernale, lunaire ou d'autres conditions d'éclairage.
Grâce à la pratique, l'artiste acquiert la capacité de remarquer les changements de couleur d'un objet dans la nature en raison de l'environnement et de l'éclairage, voit et transmet toute la richesse et la diversité du monde extérieur, une grande variété de dégradés de couleurs. En conséquence, un éclairage convaincant apparaît sur la toile, la couleur semble compliquée et enrichie par l'environnement et l'éclairage. De nombreux artistes et enseignants ont réalisé des exercices spéciaux, créant des modèles visuels afin de comprendre les caractéristiques coloristiques des différentes conditions d'éclairage. K.. Monet, par exemple, a écrit une série d'études représentant le même objet (une botte de foin), et a ainsi étudié le changement de couleur dans différentes conditions d'éclairage dans la nature. Pour développer une perception constante, N.N. Krymov a placé un cube blanc, peint d'un côté avec de la peinture noire, et l'a éclairé de ce côté avec une lampe puissante, laissant le côté blanc dans l'ombre. En même temps, ses élèves étaient convaincus que la face noire et éclairée du cube était plus claire que la face blanche, dans l’ombre. Krymov a invité les étudiants à créer un petit paravent accordéon en carton dont les plans étaient peints de différentes couleurs et éclairés de deux côtés : d'un côté par une lampe électrique, de l'autre par la lumière du jour. Les rayons de la lampe étaient dirigés vers les zones peintes avec des couleurs froides, tandis que les couleurs chaudes étaient dirigées vers la lumière du jour. Les étudiants sont devenus convaincus que les conditions d'éclairage modifient considérablement les couleurs des objets et se sont ainsi libérés de la perception constante des couleurs.
Un peintre débutant doit se débarrasser de la constance de la perception et être capable de percevoir la forme d'un objet, sa légèreté et sa couleur, déterminées par l'environnement lumineux, l'éclairage et l'espace.
Conception - dans les beaux-arts, une essence, un trait caractéristique de la structure d'une forme, suggérant une relation naturelle entre les parties de la forme et ses proportions.
Contraste - 1) une différence marquée, l'opposition de deux grandeurs : la taille, la couleur (claire et foncée, chaude et froide, riche et neutre), le mouvement, etc. ; 2) contraste lumineux et chromatique - un phénomène dans lequel la différence perçue est nettement supérieure à la base physique. Sur un fond clair, la couleur d'un objet apparaît plus foncée ; sur un fond sombre, elle apparaît plus claire. Le contraste lumineux apparaît plus clairement à la frontière des surfaces sombres et claires. Le contraste chromatique est un changement de teinte et de saturation sous l'influence des couleurs environnantes (contraste simultané) ou sous l'influence de couleurs précédemment observées (contraste séquentiel). Par exemple : le vert à côté du rouge augmente sa saturation. La couleur grise sur fond rouge prend une teinte verdâtre. Le contraste chromatique est plus fort lorsque les couleurs en interaction sont à peu près égales en luminosité.
Copier - le processus d'obtention de copies d'un dessin ou d'un dessin ; peut être produit différentes façons: en pinçant, traçant, pressant, redessinant à la lumière, en redessinant sur une grille, ainsi qu'à l'aide d'un pantographe et d'un épidiascope.
Peeling - une méthode de copie sans changement d'échelle : l'original est posé sur une feuille de papier vierge et, à l'aide d'une fine aiguille, tous les points caractéristiques de l'image ou du dessin sont piqués, à travers lesquels des traits de crayon sont ensuite tracés sur le papier piqué .
Tracé - une méthode de copie sans changement d'échelle. Du papier calque est appliqué sur l'original, sur lequel une image est dessinée au crayon ou à l'encre ; La surface de travail du papier calque doit d'abord être dégraissée - essuyée avec de la poudre de craie ou du carbonate de magnésium.
Pressant - un mode de copie sans changement d'échelle : du papier transfert sec est placé sous l'original ou sa copie sur papier calque ; une aiguille aiguisée est dessinée le long des lignes de l'image originale, grâce à quoi table rase L'image traduite est imprimée sur papier. Le verso de l'original (papier calque) peut être frotté avec un crayon doux, auquel cas l'image transférée devient plus claire.
Redessiner à contre-jour - une méthode de copie sans changement d'échelle. L'original est placé sur une vitre et recouvert de papier propre ou de papier calque ; derrière la vitre se trouve une source de lumière (lumière du jour ou électrique) ; Les lignes de l'original apparaissant à travers le papier sont tracées au crayon. Il existe des photocopieurs spéciaux adaptés à cet effet.
Redessiner sur la grille - une méthode de copie avec changement d'échelle possible (augmentation ou diminution de l'image) à l'aide d'une grille de coordonnées réalisée sur l'original et d'une feuille de papier vierge. L'image est dessinée « en cellules ». Les cellules sont construites de manière carrée ou rectangulaire. Le redessinage dans les cellules demande beaucoup de travail et ne peut pas transmettre avec précision les lignes de l'original, car il est effectué à l'œil nu et à la main.
Bande de peinture carrosserie (pâteuse) - exécution d'un croquis ou d'un tableau avec une couche de peinture à l'huile dense, opaque, relativement épaisse, présentant souvent une texture en relief.
Crocos - une esquisse rapide d'après nature, moins souvent une fixation superficielle d'un concept de composition sous la forme d'un dessin. Le terme « croki » n'est pas couramment utilisé ; dans son sens général, il est proche du terme plus large « esquisse ».
Gravure sur bois - la gravure sur bois, principale variété technique de la gravure en relief, la plus ancienne technique de gravure en général. La gravure sur bois est réalisée en découpant sur une planche, généralement en bois de poirier ou de hêtre, les parties du motif gravé appliqué dessus qui doivent rester blanches. En gravure longitudinale ou sur tranche, les fibres de la planche sont parallèles à sa surface, et le travail s'effectue principalement avec des couteaux pointus. Les capacités de cette technique sont relativement limitées, mais les difficultés sont importantes (puisque la résistance du matériau fibreux au couteau est inégale selon différentes directions). La gravure en bout est réalisée sur une planche avec le grain perpendiculaire à la surface ; son instrument principal est le gravier, ce qui permet une technique très subtile et variée.
Contrairement à tout type de gravure en profondeur, la gravure sur bois peut être imprimée avec la composition sur une presse à imprimer ordinaire et est donc souvent utilisée dans l'illustration de livres.
Chanceux . Les artistes vernissent les sols pour les protéger de la pénétration des huiles des peintures, introduisent des vernis dans la composition du liant de peinture, les appliquent sur la couche de peinture durcie avant la poursuite des travaux (pour une meilleure adhérence des couches) et, enfin, vernissent les travaux terminés. Dans le même temps, le vernis rehausse la richesse des couleurs. Le film de vernis protège la peinture du contact direct avec les gaz atmosphériques nocifs, la poussière et la suie présentes dans l'air. Les vernis contenus dans la peinture à l'huile permettent un séchage plus uniforme et plus rapide, et les couches de peinture adhèrent mieux au sol et entre elles. Il est préférable d'enduire les tableaux avec des vernis à la térébenthine qu'avec des vernis à l'huile (ils foncent alors moins). Le vernis fixateur fixe les œuvres réalisées au fusain, à la sanguine, aux pastels et à l'aquarelle.
Modéliser la forme avec la couleur - le processus de modélisation d'un objet, identifiant son volume et sa matière avec des nuances de couleurs, en tenant compte de leurs changements de luminosité et de saturation.
glaçage - une des techniques de la technique de peinture, consistant à appliquer des couches très fines de peintures durables et translucides sur une couche dense et séchée d'autres peintures. Dans ce cas, une légèreté et une sonorité particulières des couleurs sont obtenues, résultat de leur mélange optique.
Linogravure - la gravure sur linoléum, type de gravure en relief. En termes de technique et de moyens artistiques, la linogravure s'apparente à la gravure sur bois et n'en diffère souvent par l'impression que par l'absence de détails fins.
Lithographie - dans les beaux-arts, un type de technique graphique très répandu associé au travail de la pierre (calcaire dense) ou d'une plaque métallique la remplaçant (zinc, aluminium).
L'artiste réalise une lithographie en dessinant sur la surface granuleuse ou lisse d'une pierre avec un crayon lithographique épais et une encre spéciale. Après avoir gravé la pierre avec de l'acide (en agissant sur une surface non recouverte de graisse), le motif est lavé : à la place, de l'encre d'imprimerie est appliquée, qui n'adhère qu'aux particules non gravées de la pierre qui correspondent exactement au motif. La peinture est roulée au rouleau sur la pierre humidifiée ; l'impression est effectuée sur une machine spéciale.
Couleur locale - une couleur caractéristique d'un objet donné (sa couleur) et n'ayant subi aucune modification. En réalité, cela n’arrive pas. La couleur d'un objet change constamment sous l'influence de la force et de la couleur de l'éclairage, de l'environnement, de la distance spatiale, et elle n'est plus appelée locale, mais conditionnée. Parfois, la couleur locale ne signifie pas la couleur d'un objet, mais une tache homogène d'une couleur conditionnée, prise dans des relations fondamentales avec les couleurs voisines, sans révéler une mosaïque de réflexes colorés, sans nuances de ces taches principales.
Manière - en ce qui concerne la pratique artistique : la nature ou le mode d'exécution en tant que caractéristique purement technique (par exemple « manière large »).
Dans l’histoire de l’art, le terme « manière » désigne parfois les propriétés générales d’exécution caractéristiques d’un artiste ou d’un artiste. école d'art dans une certaine période de développement créatif (par exemple, la « manière tardive de Titien »).
Manérité - dans la pratique artistique : propriétés d'approche et d'exécution qui manquent de simplicité et de naturel, conduisant à des résultats prétentieux, farfelus ou conventionnels. Le plus souvent, le maniérisme est appelé une dépendance à toute manière extérieurement spectaculaire et mémorisée et à toutes sortes de biais techniques artistiques, une tendance à la stylisation. L'expression extrême du maniérisme est donnée par la pratique formaliste de l'art bourgeois moderne.
Peinture à l'huile - colorants mélangés à de l'huile végétale : huile de lin (principalement), de pavot ou de noix ; Les peintures à l'huile durcissent progressivement lorsqu'elles sont exposées à la lumière et à l'air. De nombreux supports (toile, bois, carton) sont préalablement apprêtés pour pouvoir être travaillés avec des peintures à l'huile. L'apprêt le plus couramment utilisé est le suivant : le matériau est enduit de colle à bois liquide, et lorsqu'il sèche, il est essuyé avec de la pierre ponce, après quoi il est enduit d'une fine poudre de craie mélangée à de l'eau de colle jusqu'à la consistance de la crème sure. Pour nettoyer les pinceaux, lavez-les au kérosène, à la térébenthine ou à l'essence et enfin à l'eau tiède et au savon, en essorant la peinture de la racine du pinceau, puis rincez à l'eau claire.
Matérialité Les objets représentés sont véhiculés principalement par la nature du clair-obscur. Les objets constitués de différents matériaux présentent des dégradés caractéristiques de lumière et d’ombre. L'objet cylindrique en gypse présente des transitions douces de la lumière à la pénombre, à l'ombre et au réflexe. Le récipient cylindrique en verre ne présente pas de dégradés prononcés de lumière et d’ombre. Il n'y a que des reflets et des reflets sur sa forme. Les objets métalliques se caractérisent également principalement par des éblouissements et des reflets. Si vous transmettez la nature du clair-obscur dans le dessin, les objets auront l'air matériels. Autre, encore plus condition importante, dont dépend la représentation des qualités matérielles des objets, est la cohérence dans un dessin ou une esquisse picturale des relations tonales et chromatiques proportionnelles à la nature entre les objets. Lors de la perception des qualités matérielles des objets, notre conscience s'appuie principalement sur leurs relations tonales et chromatiques (différences). Par conséquent, si la nature du clair-obscur, les relations tonales et chromatiques sont véhiculées selon l'image visuelle de la nature, nous obtenons une image véridique des qualités matérielles des objets de nature morte ou des objets paysagers.
Peinture multicouche - la variété technique la plus importante de la peinture à l'huile, nécessitant la division du travail en plusieurs étapes successives (support, repérage, glaçage), séparées par des pauses pour le séchage complet de la peinture. Lors de la réalisation d'une grande composition thématique, ainsi que lors de travaux de longue durée en général, la peinture multicouche est la seule technique complète de peinture à l'huile. Avant milieu du 19ème V. tous les grands artistes avancés du passé ont utilisé cette technique comme principale. Plus tard, les impressionnistes et leurs adeptes l'abandonnèrent.
D'un point de vue technologique étroit, sans rapport avec la technique des maîtres anciens, la notion de peinture multicouche ne peut correspondre qu'à un dépôt sur une couche de peinture séchée (sans sous-couche ni vitrage).
La modélisation - aux beaux-arts : le transfert des propriétés volumétriques-plastiques et spatiales du monde objectif à travers les dégradés de lumière et d'ombre (peinture, graphisme) ou la plasticité correspondante des formes tridimensionnelles (sculpture, notamment relief). Le modelage est généralement réalisé en tenant compte de la perspective, et en peinture en plus, à l'aide de dégradés de couleurs inextricablement liés au clair-obscur. Les tâches de modélisation ne se limitent pas à la simple reproduction du monde objectif : en participant aux caractéristiques idéologiques et figuratives d'un objet, elle généralise, valorise et révèle ce qu'il y a de plus essentiel et de caractéristique.
Modernisme - désignation générale des tendances de l'art et de la littérature de la fin des XIXe-XXe siècles. (cubisme, dadaïsme, surréalisme, futurisme, expressionnisme, art abstrait, etc.). Les principales caractéristiques du modernisme : déni du rôle cognitif et social de l'art, de sa nature idéologique, de sa nationalité, remplacement de l'art par toutes sortes d'astuces, distorsion totale ou méconnaissance des traditions professionnelles du patrimoine artistique réaliste.
Mosaïque - une variété technique particulière de peinture monumentale, basée sur l'utilisation de solides multicolores - smalt, pierres de couleur naturelle, émaux colorés sur terre cuite, etc. comme matériau artistique principal. L'image est constituée de morceaux de tels matériaux, bien ajustés les uns aux autres, montés sur du ciment ou du mastic spécial puis polis. Selon la méthode dite de prise directe, la mosaïque est réalisée par la face avant - à l'endroit qui lui est destiné (mur, voûte, etc.) ou sur une dalle séparée, qui est ensuite encastrée dans le mur. Lors de la pose inversée, les pièces colorées ne sont visibles par l'artiste que de dos, puisqu'elles sont collées avec la face avant sur une fine doublure provisoire (retirée après le transfert de la mosaïque sur le mur). La première de ces méthodes est relativement complexe et longue, mais plus parfaite d’un point de vue artistique.
Chevalet - une machine (d'où la définition de « peinture sur chevalet »), nécessaire à l'artiste pour maintenir l'inclinaison souhaitée du tableau tout en travaillant. La principale exigence d’un chevalet est la stabilité.
Monotype - un type particulier de technique graphique associée au processus d'impression, mais nettement différente de tout type de gravure en l'absence totale d'influences mécaniques ou techniques sur la surface du carton. Les peintures sont appliquées à la main sur une surface lisse puis imprimées sur une machine. L'impression résultante est la seule
et unique.
Mmonumentalité dans les œuvres de chevalet, la peinture est déterminée par la signification sociale du sujet de la peinture, son pathétique héroïque, la profondeur et la puissance d'incarnation des idées dans des images appropriées - simples, strictes, majestueuses et expressives.
Esquisse en couleur - un croquis de petite taille, exécuté couramment et rapidement. L'objectif principal d'un tel croquis est d'acquérir la capacité de percevoir la nature de manière holistique, de trouver et de transmettre les relations de couleurs correctes de ses objets principaux. On sait que la structure picturale à part entière d'une image est déterminée par le transfert proportionnel des différences entre les principales taches de couleur de la nature. Sans cela, aucune étude minutieuse des détails, des réflexes, des mosaïques de nuances de couleurs ne conduira à une image picturale à part entière.
Nationalité - lien entre l'art et le peuple, conditionnalité phénomènes artistiques la vie, la lutte, les idées, les sentiments et les aspirations des masses, l'expression dans l'art de leurs intérêts et de leur psychologie. L'un des principes fondamentaux du réalisme socialiste.
Nature - dans la pratique des beaux-arts, ce sont tous phénomène naturel, objets et objets que l'artiste représente en observant directement le modèle. En règle générale, seuls un croquis, un croquis, un croquis, un portrait et parfois un paysage sont réalisés d'après nature.
Naturalisme - dans les arts visuels, elle s'exprime indépendamment des larges généralisations, des idées idéologiques et conduit à une méthode de copie purement externe de tout ce qui se trouve dans le champ de vision. Les peintres débutants pensent aussi parfois qu'une représentation fiable de la nature tout en transmettant ses qualités volumétriques, matérielles et spatiales est l'objectif absolu des beaux-arts. Bien entendu, il est nécessaire de maîtriser l’alphabétisation visuelle et les techniques techniques de la peinture. Cependant, il est tout aussi important de développer simultanément la capacité de voir la réalité à travers les yeux d’un artiste. Une image picturale n’est pas une image miroir de la nature. "La peinture", a déclaré I. I. Levitan, "n'est pas un protocole, mais une explication de la nature par des moyens picturaux". Le peintre sélectionne et résume dans la diversité colorée de la nature les éléments qui peuvent transmettre de manière expressive le concept idéologique et figuratif. Il essaie de révéler l'essence de ce qui est représenté, montre ce qui l'a excité. Cela révèle la personnalité de l’artiste, sa vision du monde, ainsi que son goût et son expérience pratique dans l’utilisation de matériaux et de techniques colorés.
Nature morte - l'un des genres des beaux-arts, dédié à la reproduction d'articles ménagers, de fruits, de légumes, de fleurs, etc. La tâche de l'artiste représentant une nature morte à travers la peinture est de transmettre la beauté coloristique des objets entourant une personne, leur essence volumétrique et matérielle, et aussi pour exprimer son attitude envers ce qui est représenté . L'image d'une nature morte est particulièrement utile dans la pratique pédagogique pour maîtriser les compétences en peinture. Dans la nature morte, l'artiste comprend les lois de l'harmonie des couleurs et acquiert l'habileté technique du modelage pictural des formes.
Généralisation artistique - la capacité de l'artiste à connaître la réalité objective, en identifiant les éléments principaux et essentiels des objets et des phénomènes par comparaison, analyse et synthèse. Une œuvre d'art est le résultat de l'expressivité du général, tout en préservant toute la singularité de l'image visuelle concrète.
Dans une compréhension professionnelle étroite, la généralisation est la dernière étape du processus de dessin ou de peinture d'après nature, qui suit l'élaboration détaillée de la forme. A ce stade du travail, les détails sont généralisés afin de créer une image holistique de la nature basée sur sa perception visuelle intégrale.
Image artistique - une forme spécifique de reflet de la réalité sous une forme concrètement sensuelle et visuellement perçue. La création d'une image artistique est étroitement liée à la sélection des plus caractéristiques, en mettant l'accent sur les aspects essentiels d'un objet ou d'un phénomène au sein de la nature unique et individuelle de ces objets et phénomènes. On sait que la conscience humaine reflète non seulement l'image visuelle objective d'un objet ou d'un phénomène, mais également les qualités émotionnelles de leur perception. Par conséquent, l'image artistique en peinture contient non seulement les caractéristiques réelles de l'objet représenté, mais également sa signification sensorielle et émotionnelle. Chaque image est à la fois un reflet fidèle de la réalité objective et une expression des sentiments esthétiques de l’artiste, de son attitude individuelle et émotionnelle envers ce qui est représenté, ses goûts et son style.
Perspective inversée - une technique erronée pour dessiner la perspective, dont l'essence est que les lignes parallèles et horizontales dans l'espace dans l'image sont représentées non pas convergentes, mais divergentes ; se produit assez souvent dans la peinture d’icônes anciennes, en raison de la méconnaissance par les artistes des règles élémentaires de construction de la perspective (dans certains cas, une violation délibérée des règles de construction de la perspective est autorisée).
État de nature général des tons et des couleurs - le résultat de différentes intensités d'éclairage. Pour transmettre l'état de différents éclairages (le matin, l'après-midi, le soir ou par une journée grise), lors de la construction de la structure des couleurs du croquis, les couleurs claires et lumineuses de la palette ne sont pas toujours utilisées. Dans certains cas, l'artiste construit une relation dans une gamme réduite de luminosité et de force de couleur (jour gris, pièce sombre), dans d'autres cas avec des couleurs claires et lumineuses (par exemple, une journée ensoleillée). De cette manière, l'artiste maintient les relations tonales et chromatiques de l'esquisse dans différentes gammes de tons et de couleurs (échelles). Cela permet de transmettre l'état d'éclairage, ce qui est particulièrement important dans la peinture de paysage, car c'est cet état qui détermine son impact émotionnel (voir l'échelle de tons et de couleurs de l'image).
Volume - image d'une forme tridimensionnelle sur un plan. Elle est réalisée avant tout par la construction constructive et perspective correcte du sujet. Un autre moyen important de transmettre le volume sur un plan est la gradation de la lumière et de l'ombre, exprimée en couleur : haute lumière, lumière, pénombre, ombre propre et tombante, réflexe. L'image du volume sur le plan pictural est également facilitée par le sens du trait ou de l'ombrage, leur mouvement dans le sens de la forme (sur les surfaces planes ils sont droits et parallèles, sur les surfaces cylindriques et sphériques ils sont arqués).
Halo - un phénomène également appelé « irradiation » ; se produit à la suite de la diffusion d’une lumière vive dans le liquide transparent remplissant le globe oculaire. En raison de la sensibilité accrue de l’œil dans l’obscurité, il réagit fortement lors de l’observation de sources lumineuses vives (un feu ou une lampe allumée). Pendant la journée, ils ne semblent pas brillants, mais au crépuscule ou la nuit, ils peuvent aveugler les yeux. Les yeux ne perçoivent presque pas la couleur des sources de lumière vive, mais il y a un halo autour corps lumineux Or les objets fortement éclairés ont une couleur plus prononcée. La flamme de la bougie apparaît presque blanche et le halo qui l'entoure apparaît jaune. Un fort reflet sur une surface brillante apparaît blanc et le halo qui l'entoure prend la propriété de couleur de la source lumineuse. Les troncs d'arbres minces sur le fond du ciel sont complètement enveloppés dans un halo, c'est-à-dire qu'ils semblent bleus, et sur le fond d'un coucher de soleil jaune, ils apparaissent orange ou rouge. Lorsqu'un halo est véhiculé dans une image, l'œil perçoit les objets comme lumineux (bougies, fenêtres lumineuses jour et nuit, étoiles dans le ciel, etc.). Représentés sans auréole, compagnon indispensable de la lumière vive, le tronc d'arbre et sa cime ressemblent à une application dure sur fond de ciel clair, les étoiles sans auréole donnent l'impression de taches de peinture pulvérisées sur un fond sombre, des reflets lumineux sans halo sur le fond d'une cruche ressemblent à des taches claires.
La base - en technologie de peinture : le matériau sur lequel sont appliqués l'apprêt et la couche de peinture de la peinture. Le type de support le plus courant est la toile, le bois (c'était le support le plus courant dans l'Antiquité, au Moyen Âge et à la Renaissance) ; le carton, le papier, le métal, le verre, le linoléum, etc. sont moins couramment utilisés dans certains types de peinture. (par exemple, fresque, aquarelle et etc.) la base s'utilise sans préparation particulière.
La lessive - 1) technique de l'aquarelle utilisant de la peinture ou de l'encre très liquide. Pour peindre une surface relativement grande avec un ton clair, colorez environ un demi-verre d'eau avec de la peinture, laissez la peinture se déposer (il est préférable de la filtrer plus tard) et utilisez un pinceau pour prélever la « solution » par le haut, sans toucher la surface. fond du verre; 2) éclaircir la peinture ou la retirer du papier à l'aide d'un pinceau imbibé d'eau propre, et récupérer la peinture imbibée avec du papier buvard (la procédure est répétée plusieurs fois).
Les relations sont colorées - les différences de luminosité et de couleur des objets : ce qui est de nature plus claire, ce qui est plus foncé, plus les différences de couleur et de saturation.
Teinte (nuance) - une petite différence, souvent à peine perceptible, de couleur, de luminosité ou de saturation des couleurs.
Gravure - la gravure à l'aiguille ou au trait, type technique de gravure en profondeur sur métal largement utilisé. Travailler une gravure en grattant le fond de gravure avec des aiguilles spéciales, généralement en utilisant la technique du dessin au trait libre. La durée inégale de gravure des détails de l’image avec des acides entraîne des différences dans la force et la richesse du trait. La technique de gravure se caractérise par une relative simplicité et une grande flexibilité.
Sensation visuelle - le résultat de l'interaction de l'énergie rayonnante avec l'organe de la vision et de la perception de cette interaction par la conscience. En conséquence, une personne reçoit une variété de sensations de lumière et de couleur, de riches gradations de couleurs qui caractérisent la forme des objets et des phénomènes naturels dans diverses conditions d'éclairage, d'environnement et d'espace.
Palette - 1) une petite planche fine de forme quadrangulaire ou ovale sur laquelle l'artiste mélange les peintures tout en travaillant ; 2) une liste exacte des peintures qu'un artiste particulier utilise dans sa pratique créative.
Panorama - une toile à peindre en forme de ruban circulaire fermé. Divers objets accessoires réels sont placés sur la toile devant l'image picturale, ce qui crée l'illusion d'une transition directe de l'espace réel du premier plan dans l'espace pictural de l'image. Le panorama est situé dans une salle d'images spécialement construite avec une plate-forme d'observation centrale, généralement sombre. Contrairement à un panorama, un diorama est peinture scénique sous la forme d'un ruban semi-circulaire incurvé.
Des exemples inégalés jusqu'à présent sont les panoramas créés par l'artiste F. A. Rubo « Défense de Sébastopol » (1902-1904) et « Bataille de Borodino » (1911).
Pastel - des crayons de couleur sans monture à base de poudre colorée. Ils sont obtenus en mélangeant de la poudre de peinture avec un adhésif (colle de cerise, dextrine, gélatine, caséine). Ils travaillent le pastel sur papier, carton ou toile. Les peintures sont appliquées par traits, comme dans le dessin, ou frottées avec les doigts avec des ombrages, ce qui permet d'obtenir les nuances colorées les plus fines et des transitions de couleurs délicates, une surface mate et veloutée. Lorsque vous travaillez avec du pastel, vous pouvez facilement enlever ou recouvrir des couches de peinture, car elles sont librement grattées du sol. Les œuvres réalisées au pastel sont généralement fixées avec une solution spéciale.
Pastosité - 1) dans la technique de la peinture à l'huile : une épaisseur importante de la couche picturale, utilisée comme support artistique. Agissant comme une caractéristique technique, l'empâtement reste toujours perceptible à l'œil et se manifeste par une certaine irrégularité de la couche picturale, par un « trait en relief », etc. Dans un sens étroit et purement technologique, l'empâtement est parfois appelé peinture en couche épaisse. avec une surface plane, dans laquelle l'empâtement peut être invisible (body painting) ; 2) une propriété particulière de la plasticité du matériau de la peinture, qui permet à la peinture à l'huile non liquéfiée de conserver complètement la forme que lui donne le pinceau.
Paysage - vue, image de n'importe quelle zone ; en peinture et en graphisme, un genre et une œuvre à part entière dans laquelle le sujet principal de l'image est la nature. Des vues de villes et de complexes architecturaux (paysage architectural), ainsi que des vues sur la mer (marina) sont souvent représentées.
Panachure (fragmentation) de l'image - les défauts d'un dessin ou d'une esquisse qui surviennent lorsqu'un artiste débutant dessine ou peint la nature par parties, « à bout portant ». En conséquence, la forme des objets est surchargée de détails, leurs contours sont nets, de nombreux objets et leurs surfaces se ressemblent en termes de ton et de force de couleur. Cela se produit parce que l'artiste inexpérimenté, bien qu'il comparait les objets par ton et leur couleur, les regardait alternativement, séparément. Lorsqu'un artiste développe l'habileté de vision (globale) simultanée et de comparaison d'objets selon trois propriétés de couleur (couleur, luminosité, saturation), la diversité tonale de l'image disparaît.
Plans d'aménagement - des zones d'espace conditionnellement séparées et situées à différentes distances de l'observateur. Il y a plusieurs plans sur la photo : premier, deuxième, troisième, ou devant, milieu, arrière. L'espace sur le plan de la toile ou du papier est véhiculé principalement par une construction de perspective correcte. Si des objets ou des volumes sur des plans spatiaux sont dessinés sans respecter strictement leurs changements de perspective, la palette de couleurs ne contribuera pas à représenter l'espace. Le transfert des qualités spatiales de l'image est également facilité par la nature du trait (dans le dessin - la nature du trait). La technique d'ombrage des objets au premier plan est plus définie, rigide et dense. Le trait de peinture est plus pâteux, gaufré, fractionné. Les plans lointains sont transmis avec un toucher plus doux, une fine couche de peinture vernissée.
Plastique - l'harmonie, l'expressivité et la flexibilité des formes, des lignes, remarquées par l'artiste dans la nature représentée.
Peinture en plein air - peinture sous à ciel ouvert. Les changements de couleurs de la nature sous l'influence de la lumière et de l'air sont d'une importance active dans l'écriture d'un croquis en plein air. Une attention particulière doit être portée à l'état général des tons et des couleurs de la nature (en fonction de l'intensité et de la couleur de l'éclairage) ainsi qu'au phénomène de perspective aérienne. Le moment déterminant dans la peinture en plein air est la cohérence de l'échelle de tons et de couleurs lors de la construction des relations tonales et chromatiques de l'esquisse (voir échelle de tons et de couleurs de l'image) :
Sous-couche - l'étape préparatoire du travail sur un tableau, réalisée selon la technique de la peinture à l'huile. La sous-couche est généralement réalisée avec une fine couche de peinture et peut être monochrome ou multicolore.
Tendeur. La toile sur laquelle l'artiste peint est tendue sur un châssis. Son but est de maintenir la toile tendue. Ceci est assuré par une fixation non rigide des planches de bois du faux-châssis. Si les coins du châssis sont bien fixés, il est difficile de corriger l'affaissement de la toile dû à l'humidité. Des biseaux sont réalisés sur les lattes du faux-châssis, dirigés vers l'intérieur du faux-châssis. Dans le cas contraire, aux points de contact de la toile avec les nervures internes du châssis, la toile se déforme, et les nervures internes du châssis apparaissent sur elle. Les grands châssis sont réalisés avec une croix qui les protège des déformations diagonales et des déflexions des lattes.
Pénombre - une des gradations d'ombre et de lumière à la surface d'un objet tridimensionnel, intermédiaire entre la lumière et l'ombre (aussi bien dans la nature que dans l'image).
Portrait - une image qui capture l'apparence d'une personne en particulier, ses caractéristiques individuelles. L’art du portrait exige qu’en plus de la ressemblance extérieure, l’apparence d’une personne reflète ses intérêts spirituels, son statut social et les caractéristiques typiques de l’époque à laquelle elle appartient. L’attitude personnelle de l’artiste envers les personnes représentées, sa vision du monde et l’empreinte de sa manière créative doivent également être présentes dans le portrait.
Primitivisme - l'un des mouvements formalistes des beaux-arts. Elle se caractérise par un rejet complet des acquis du réalisme au profit de l'imitation des formes d'art des époques dites primitives (tribus primitives), en empruntant délibérément les caractéristiques des dessins d'enfants, etc.
Inscriptions - dans la technique de la peinture à l'huile, étape principale d'exécution d'une grande toile, qui suit la sous-couche, précédant l'émail. Le nombre d’inscriptions dépend de l’avancement du travail de l’artiste ; chacun d'eux se termine par un séchage complet de la peinture. Au sens large et imprécis du terme, la sous-couche est parfois appelée sous-couche, ainsi que tout traitement d'une toile déjà achevée ou de ses détails.
Proportions - le rapport des tailles des objets ou de leurs parties entre eux et à l'ensemble. Dans le dessin ou la peinture, ces relations sont véhiculées dans une correspondance proportionnelle, c'est-à-dire similaire, réduite ou augmentée du même nombre de fois. Le respect des proportions est crucial, car elles constituent l'élément le plus caractéristique du sujet et constituent la base d'une image véridique et expressive.
Proportionnalité des relations - la loi de la peinture réaliste, qui détermine le rapport de chaque tache claire du croquis avec les autres, proportionnelle à l'image visuelle de la nature, condition importante pour une image véridique et holistique de la réalité. Notre perception visuelle et notre reconnaissance de la forme, de la couleur, du matériau des objets et de l'état d'éclairage sont basées sur leurs relations tonales et chromatiques. Les caractéristiques de ton et de couleur ne sont pas perçues visuellement de manière isolée, mais en fonction de l'environnement, avec d'autres tons et couleurs. Ainsi, l'artiste reproduit les différences de tons et de couleurs de la nature dans un croquis, ainsi que les dimensions en perspective des objets, en utilisant la méthode de correspondance proportionnelle entre l'image et l'image visuelle de la nature. On obtient ainsi l'état d'éclairage du croquis, une véritable modélisation forme volumétrique, la matérialité, la profondeur spatiale et d'autres qualités picturales de l'image.
Le processus de peinture d’après nature implique un ordre de travail particulier au début, au milieu et à la phase finale. Ce processus va de l'élaboration générale à l'élaboration détaillée de la forme et se termine par la généralisation - mettant en évidence l'essentiel et lui subordonnant le secondaire. En peinture, les tâches spécifiques suivantes sont résolues à ces étapes : 1) trouver les relations entre les principales taches de couleur, en tenant compte de l'état tonal et chromatique de l'éclairage (sa force et sa composition spectrale), 2) les « étirements » des tons de couleur au sein des relations de base trouvées, modélisation des couleurs de la forme volumétrique des objets individuels, 3) au stade de la généralisation - adoucir les contours nets des objets, atténuer ou améliorer le ton et la couleur des objets individuels, mettre en évidence l'essentiel, subordonner le secondaire à cela. En fin de compte, l'ensemble de l'image picturale est amené à l'intégrité et à l'unité, à l'impression que reçoit la vision en voyant la nature dans son ensemble.
Diluants . Pour les peintures à l'aquarelle et à la gouache, le seul diluant est l'eau. Pour diluer les peintures à l'huile, on utilise des compositions d'origine térébenthine (pinène n°4) ou des produits pétroliers mélangés à de l'alcool ou de l'huile de lin (diluants n°1, 2). Ajouter, par exemple, du pinène à peinture à l'huile favorise leur séchage plus rapide. De plus, pour assurer une meilleure adhérence des couches de peinture, la surface durcie de la couche de peinture est essuyée au pinen avant réenregistrement.
Angle - réduction en perspective de la forme d'un objet, entraînant une modification de sa forme habituelle ; contractions prononcées qui se produisent lors de l'observation d'un objet d'en haut ou d'en bas.
Cadre. Un tableau créé par un artiste a un cadre. Il complète la composition, lui donne de l’unité et oriente l’attention du spectateur vers l’œuvre elle-même. Le plus souvent, la monture a une forme rectangulaire, parfois ronde ou ovale. Souvent, les lattes du cadre ont des profils fins, comme des marches, descendant jusqu'au tableau lui-même. Ils aident l’œil du spectateur à s’immerger plus facilement dans le monde de ce qui est représenté. Les artistes considèrent le cadre comme un élément essentiel de la composition picturale et le peignent avec légèreté et couleurs sombres différentes nuances. Il existe des cadres aux riches motifs plastiques, aux ornements floraux ou géométriques conventionnels.
Le réalisme - une méthode de créativité artistique basée sur une connaissance approfondie de la vie et une réflexion figurative de son essence et de sa beauté. Le réalisme en peinture repose sur la représentation de la vie dans les formes de vie elle-même. L'artiste étudie constamment la vie avec un crayon et un pinceau à la main et maîtrise parfaitement l'art de représenter fidèlement les objets et les objets de la réalité. Sans connaissance organique et généralisation de la vie, d'une part, et sans la capacité d'incarner tout cela dans une image visuelle spécifique, d'autre part, l'image artistique de l'image se transforme en un diagramme dépourvu de force de persuasion réaliste.
Réalisme socialiste - une méthode d'art socialiste visant à un reflet véridique et historiquement spécifique de la réalité dans son développement révolutionnaire dans le but d'éduquer idéologiquement et esthétiquement le peuple dans l'esprit du socialisme et du communisme.
Réflexe - un reflet lumineux ou coloré qui apparaît sur une forme suite à la réflexion des rayons lumineux des objets environnants. Les couleurs de tous les objets sont interconnectées par des réflexes. Plus la différence de luminosité et de couleur entre deux objets adjacents est grande, plus les réflexes sont visibles. Sur les surfaces rugueuses et mates, ils sont plus faibles ; sur les surfaces lisses, leurs contours sont plus visibles et plus distincts. Sur les surfaces polies, ils sont particulièrement distincts (dans ce cas, ils sont renforcés par la réflexion spéculaire).
Dessin -1) reproduction complète du monde objectif : modélisation volumétrique-spatiale, proportions correctes, expression véridique, caractère clairement exprimé, etc. C'est la base d'une représentation réaliste de la réalité en général - par tous moyens et techniques techniques. Apprendre à dessiner est la partie la plus importante de la formation professionnelle d’un peintre, graphiste et sculpteur ; 2) un type de graphisme artistique basé sur des moyens techniques et des capacités de dessin. Contrairement à la peinture, le dessin se fait principalement avec une substance colorante solide (crayon, fusain, sanguine, etc.), en règle générale, au moyen d'un trait et d'un trait, avec le rôle auxiliaire de la couleur ; 3) un travail distinct du type de graphisme correspondant.
Rythme et cadence - la répétabilité de certains éléments compositionnels d'une œuvre, leur proportionnalité particulière, conduisant à une cohérence harmonieuse et naturelle de l'ensemble. Le rythme peut se manifester à travers des contrastes et des correspondances de groupements de figures, d'objets, de lignes, de mouvements, de lumières et d'ombres et de taches de couleur, de plans spatiaux, etc.
Lumière - un élément de gradations de coupure, utilisé pour indiquer la partie éclairée de la surface des objets.
Légèreté (ton) - degré comparatif de différence par rapport au foncé : plus la couleur est éloignée du foncé, plus la couleur est claire.
Ouverture - le degré de légèreté d'un objet, sa tonalité. L'ouverture dépend de la présence d'autres tons (adjacents), ainsi que de la couleur des objets.
Clair-obscur - des gradations régulières de clair et d'obscurité sur la forme tridimensionnelle d'un objet, grâce auxquelles, tant en nature qu'en dessin, des propriétés d'objet telles que le volume et la matière sont perçues par l'œil. Les principales gradations du clair-obscur : haute lumière, lumière, pénombre, ombre appropriée, réflexe, ombre tombante.
Propriétés des couleurs - tonalité de couleur, ou nuance : rouge, bleu, jaune, jaune-vert, luminosité et saturation (le degré de différence avec le gris, c'est-à-dire le degré de proximité avec la couleur spectrale pure). Au cours du processus de peinture, les couleurs du décor grandeur nature sont comparées sur la base de ces trois propriétés, leurs différences de couleur sont trouvées et transférées au croquis dans des relations proportionnelles.
Classeur - il s'agit d'une substance astringente (colle, huile, chaux éteinte, jaune d'œuf de poule), à l'aide de laquelle les particules de pigment sont reliées les unes aux autres et fixées à la surface du sol, formant une couche picturale. Les types de peinture - fresque, peinture à l'huile, détrempe - diffèrent précisément par la composition du liant, bien que le pigment soit généralement le même.
Silhouette - une image plate sombre d'une couleur sur fond clair. personne, animal ou objet. Le terme vient du nom du ministre français des Finances du XVIIIe siècle. E. de Silhouette, caricaturé sous la forme d'un profil d'ombre.
Symbole. - une image qui exprime allégoriquement un concept large ou une idée abstraite. Dans le cas où le lien d'un symbole avec le concept qu'il exprime découle de la similitude interne du contenu, de la relation entre l'objet représenté et sa signification allégorique, l'utilisation du symbole devient appropriée et possible dans les beaux-arts réalistes. Un symbole est utilisé lorsqu'ils souhaitent exprimer un concept large et multi-contenants sous une forme laconique et concise.
Contenu et forme dans l'art - des catégories inextricablement liées et interdépendantes, dont l'une indique ce qui est exactement reflété et exprimé dans l'œuvre (contenu), et la seconde indique comment, par quels moyens cela est réalisé (forme). Le rôle principal et déterminant appartient au contenu. Cela devient un certain phénomène de la vie, conscient et esthétiquement appréhendé par l'artiste dans le processus de travail créatif. La catégorie de forme artistique dans les beaux-arts comprend : l'intrigue, la composition, le type, le dessin, la structure des couleurs, le volume, la spatialité, la structure de la lumière et des ombres, etc. Il convient de noter que les mérites artistiques d'une œuvre dépendent directement du degré de professionnalisme l'artiste est préparé à utiliser des formes d'expression. Sans maîtrise pratique de la culture de l’utilisation de la couleur, il est impossible d’exprimer le contenu figuratif au moyen de la peinture sur un certain matériau.
Comparaison - une méthode pour déterminer les proportions, les relations entre les tons et les couleurs, etc. Les propriétés et les qualités sont reconnues par notre conscience par comparaison. Vous pouvez comprendre la nature de la forme d'un objet, déterminer son ton et sa couleur uniquement en le comparant avec d'autres objets. Afin de représenter fidèlement la nature, l'artiste doit créer dans le croquis des différences d'objets en taille, ton et couleur qui sont proportionnelles à la nature. Ce n'est que par la méthode de comparaison (avec une perception complète de la nature) que l'on peut déterminer dans la nature les relations de couleurs entre les objets et les transmettre sur toile ou sur papier.
Stylisation - 1) imitation délibérée d'un style artistique, caractéristique d'un auteur, d'un genre, d'un mouvement, pour l'art et la culture d'un certain milieu social, nationalité, époque. Implique généralement une interprétation libre du contenu et du style de l’art qui a servi de prototype ; 2) dans les beaux-arts et principalement dans les arts décoratifs et le design, généralisation des figures et objets représentés à l'aide de techniques conventionnelles ; la stylisation est particulièrement caractéristique de l'ornement, où elle transforme l'objet de l'image en un motif.
Style - 1) la communauté des caractéristiques idéologiques et artistiques des œuvres d'art d'une certaine époque. L'émergence et le changement des styles sont déterminés par le cours du développement historique de la société (par exemple, le classicisme, le baroque, etc.) ; 2) particularité nationale art (style chinois, mauresque, etc.). Ils parlent également du style d'un groupe d'artistes ou d'un artiste, si leur travail se distingue par des caractéristiques individuelles brillantes.
Pinceau sec - en peinture et en graphisme, technique technique auxiliaire consistant à travailler avec des pinceaux durs et faiblement saturés de peinture. En tant que technique indépendante, le brossage à sec est principalement utilisé dans les arts décoratifs.
Sfumato - en peinture et en graphisme, terme associé à la peinture de la Renaissance italienne à partir de Léonard de Vinci et désignant la douceur de l'exécution, l'insaisissable des contours des objets résultant d'une certaine démarche artistique.
Parcelle - 1) un événement ou un phénomène spécifique représenté dans l'image. Le même thème peut être exploré dans de nombreuses histoires ; 2) Parfois, une intrigue est comprise comme tout objet de la nature vivante ou le monde objectif pris pour la représentation. Souvent, l'intrigue remplace la notion de motif qui sous-tend l'œuvre (notamment un paysage).
Processus créatif (créativité) - le processus de création d'une œuvre d'art, depuis la création d'un concept imaginatif jusqu'à sa mise en œuvre, le processus de traduction des observations de la réalité en une image artistique. En peinture, la créativité consiste à créer une œuvre sous des formes visibles directement fiables.
Sujet - un cercle de phénomènes choisis par l'artiste pour représenter et révéler l'idée de l'œuvre.
Peintures à la détrempe - peintures adhésives à l'eau préparées à partir de poudres sèches mélangées à du jaune d'œuf dilué avec de l'eau adhésive. Actuellement, on produit également des peintures semi-liquides, enfermées dans des tubes et préparées avec du jaune, de l'œuf entier ou une émulsion d'huile végétale avec de l'œuf et de la colle. Avec les peintures à la détrempe, vous pouvez peindre en couche épaisse, comme la peinture à l'huile, et en couche fine, comme l'aquarelle, en les diluant avec de l'eau. Ils sèchent plus lentement que la gouache. L'inconvénient est la différence de nuances de peinture humide et séchée. Les tableaux peints à la détrempe ont une surface mate, ils sont donc parfois recouverts d'un vernis spécial qui élimine cette matité.
Ombre - élément de clair-obscur, les zones les plus faiblement éclairées de la nature et de l'image. Une distinction est faite entre les ombres naturelles et tombantes. Les ombres appropriées sont celles qui appartiennent à l'objet lui-même. Les chutes sont des ombres projetées par le corps sur les objets environnants.
Couleurs chaudes et froides . Les couleurs chaudes sont classiquement associées à la couleur du feu, du soleil, des objets incandescents : rouge, rouge-orange, jaune-vert. Les couleurs froides sont associées à la couleur de l'eau, de la glace et d'autres objets froids : vert-bleu, bleu, bleu-bleu, bleu-violet. Ces qualités de couleur sont relatives et dépendent de la localisation d'une autre couleur à proximité. L'outremer, par exemple, est froid en soi, mais à côté du bleu de Prusse, il fera chaud et le kraplak rouge semblera plus froid que le cinabre rouge.
L’apparence des couleurs de la nature visible contient toujours des nuances chaudes et froides. Ces nuances chaudes et froides reposent principalement sur des contrastes de couleurs naturels dans l’ombre et la lumière. Dans la nature, il arrive souvent que les couleurs des objets soient froides et que leurs ombres soient chaudes, et vice versa. Le phénomène de froideur est également facilité par la perception visuelle dite contrastée des couleurs : de la présence d'une couleur chaude dans la nature perçue, l'impression d'une couleur froide apparaît sur la rétine des yeux, bien que ce ne soit pas le cas. dans la nature. La chaleur et le froid en peinture sont un phénomène naturel et une qualité intégrale d'une représentation picturale d'une esquisse de la nature ou d'une peinture.
Technique - dans le domaine de l'art : un ensemble de compétences et de techniques particulières grâce auxquelles une œuvre d'art est réalisée. La notion de « technique » au sens étroit du terme correspond généralement au résultat direct et immédiat du travail de l'artiste avec un matériau et un outil particuliers, la capacité d'utiliser les capacités artistiques de ce matériau ; dans un sens plus large, cette notion recouvre également les éléments correspondants d'ordre pictural - le transfert de la matérialité des objets, la sculpture d'une forme tridimensionnelle, la modélisation des relations spatiales, etc. Sans exception, tous les moyens techniques doivent conduire à un résultat artistique connu, au moins modeste.
Les moyens techniques de l'art ne restent pas neutres par rapport au contenu. Les principales caractéristiques de la technique réaliste sont déterminées avant tout par sa subordination à la structure idéologique et figurative de l'œuvre.
Ttechnique de peinture - voir peinture à l'huile, aquarelle, gouache, tempera, peinture à la colle, pastel, encaustique, fresque, mosaïque.
Ton (non accompagné du mot « couleur ») - dans la terminologie des artistes, cela équivaut au concept de légèreté de la couleur (peinture). Toute couleur chromatique ou achromatique peut avoir une luminosité différente. On peut dire du ton d’une seule couleur, comme le rouge, « un ton clair de peinture rouge » ou « un ton sombre de peinture ». Parfois, le terme « ton » est utilisé en relation avec la couleur, par exemple « ton doré d'un panneau », « ton marron d'un tableau ». Les artistes utilisent souvent le terme « légèreté » ou « ouverture » de couleur au lieu du terme « tonalité » d’une couleur.
Clé - un terme signifiant fonctionnalités externes coloration ou clair-obscur dans les œuvres de peinture et de graphisme. Il est plus couramment utilisé en relation avec la couleur et coïncide avec le terme « gamme de couleurs ».
Échelle de tons et de couleurs de l'image . Le transfert de relations de tons et de couleurs proportionnel à la nature peut être réalisé dans différentes gammes de luminosité et de saturation des couleurs de la palette. Cela dépend de l'état général de l'intensité de l'éclairage de la nature et de sa distance par rapport au peintre. Pour transmettre cet état, avant de commencer chaque œuvre d'après nature, l'artiste découvre d'abord quel type de lumière et de couleur renforcent la lumière et les points lumineux. de la nature sera dans le croquis. L'artiste peut prendre les couleurs les plus claires et les plus saturées de la nature dans un croquis ou en pleine force de la lumière et couleurs vives palettes, soit seulement la moitié de leurs capacités. C'est ainsi que l'échelle de tons et de couleurs de l'image est conservée, dans laquelle sont reflétées les relations de tons et de couleurs des objets dans le cadre à grande échelle.
Image tonique - une image avec différentes transitions tonales de la lumière à l'ombre, c'est-à-dire avec des zones qui ont des forces tonales différentes. Un exemple typique Une image tonique est une photographie, un dessin à l'huile ou à l'aquarelle d'une seule couleur (grisaille), ainsi qu'un dessin au crayon réalisé en ombré.
Relations tonales . La reconnaissance de la forme tridimensionnelle des objets et de leur matériau se produit dans notre conscience sur la base de la perception visuelle de leurs relations lumineuses. L’artiste doit donc reproduire les relations lumineuses du dessin en utilisant la méthode de la similarité. Par des dégradés de lumière et d'ombre sur une forme volumétrique et le transfert de relations tonales proportionnelles à la nature entre la coloration (matière) des objets, l'artiste réalise une véritable modélisation volumétrique de la forme, expression de la matérialité, de la profondeur spatiale et de l'état d'éclairage (tonal dessin, peinture selon la technique de la grisaille).
Texture - les traits caractéristiques de la surface des objets constitués de matériaux divers, tant dans leur nature que dans l'image (relief de la couche picturale des traits). La texture peut être lisse, rugueuse, en relief. La texture de la lettre dépend en grande partie des propriétés du matériau coloré, des caractéristiques de l'objet naturel représenté par l'artiste, ainsi que de la tâche et du matériau d'exécution. À l’aquarelle, la texture dépend en grande partie de la surface du papier. L'écriture individuelle de l'artiste se révèle dans la texture de la lettre.
Fas (visage intégral) - face avant, vue de face. Ce terme indique que le modèle (la tête d'une personne ou un objet) est positionné frontalement, parallèlement au plan de l'image.
Arrière-plan - tout support ou plan situé derrière l'objet image.
Formulaire - 1) apparence, contour ; suppose la présence de volume, de structure, de proportions ; 2) dans les beaux-arts, la forme artistique est un moyen artistique utilisé pour créer une image et révéler un contenu (voir contenu et forme).
Formalisme - une appellation générale pour de nombreuses*>1X écoles et courants antiréalistes des beaux-arts : cubisme, futurisme, constructivisme, surréalisme, suprématisme, purisme, dadaïsme, art abstrait, pop art, etc. Tous ces types de formalisme s'appuient sur la séparation contre nature de la forme d'art du contenu, sur la reconnaissance de l'indépendance et de l'autonomie de la forme, prétendant à tort créer des œuvres d'art à travers diverses combinaisons de lignes ou de couleurs « pures ». Une image formaliste déforme grossièrement la réalité, perd la capacité de comprendre visuellement le monde et se transforme parfois en expériences charlatanes dénuées de sens.
Format - la forme du plan sur lequel l'image est réalisée. Elle est déterminée par les contours généraux de la nature, le rapport hauteur/largeur. Le choix du format dépend du contenu et correspond à la composition de l'image. Pour une structure figurative, le format est essentiel.
Fresque - le type technique le plus important de peinture monumentale, utilisant la chaux comme liant principal.
La couleur en peinture. La couleur en général est la propriété des objets d'évoquer une certaine sensation visuelle en fonction de la composition spectrale des rayons réfléchis. Dans la vie de tous les jours, chaque élément ou objet se voit attribuer une couleur spécifique. Cette couleur est dite sujette ou locale (l'herbe est verte, le ciel est bleu, l'eau de mer est bleue, etc.). Les peintres débutants ont généralement une vision prédominante de la couleur, ce qui conduit à une coloration amateur. D'un point de vue pictural, il n'est possible de représenter correctement un objet que si vous transmettez non pas la couleur de l'objet, mais la couleur modifiée par l'éclairage et environnement. La couleur d'un objet change à mesure que l'intensité de la lumière augmente et diminue. Cela varie également en fonction de la composition spectrale de l'éclairage. L'environnement dans lequel se trouve l'objet reflète également des rayons de couleur qui, lorsqu'ils frappent la surface d'autres objets, forment sur ceux-ci des reflets de couleur. La couleur change également en raison de l'interaction du contraste. Ainsi, la couleur d'un objet est toujours une mosaïque composée de taches de couleur et d'ombre et de lumière (réflexes et reflets), et dans ce cas elle est dite non pas objective, mais conditionnelle. Cette couleur est l’un des principaux moyens visuels de la peinture réaliste.
Il est généralement admis que la couleur elle-même peut avoir certains effets sur une personne. Parfois, les gens pensent que les couleurs sombres et claires créent une ambiance joyeuse ; le gris et le noir provoquent un sentiment de découragement, etc. Des recherches et des expériences sont menées en psychologie sur ce sujet, mais certains modèles en la matière n'ont pas encore été identifiés. Le peintre n'utilise pas les valeurs de couleurs ci-dessus. La règle générale de l’impact émotionnel de la couleur sur « différents cas"Il n'en a pas. Il n’est absolument pas nécessaire de peindre un tableau dans une couleur sombre ou dure si son thème est tragique ou triste, et pour des sujets joyeux, une couleur vive n’est pas nécessaire. Par exemple, les intrigues des tableaux de Surikov « Menchikov à Berezovo » et « Boyarina Morozova » sont consacrées au sort tragique de personnes de forte volonté et convictions. La coloration de la première image est dominée par des tons sombres. Le deuxième tableau est basé sur de riches combinaisons de couleurs de peinture en plein air d’un paysage hivernal, de vêtements clairs de la foule et de colorations festives de « tapis ». La nature du sujet naturel et l’état d’éclairage déterminaient la coloration de ces œuvres. Ainsi, la couleur de l’image est créée par un système de relations de couleurs visant à représenter les conditions et les paramètres de la vie réelle. La couleur est un moyen de représenter la forme tridimensionnelle d'un objet, sa matérialité, ses qualités spatiales, l'état coloristique d'éclairage de la nature, et ce n'est qu'en révélant ainsi le contenu sémantique de l'image qu'elle a l'impact émotionnel nécessaire.
Unité de couleur et affinité des peintures. La couleur de l'éclairage, sa composition spectrale, influence ainsi les différentes couleurs des objets et des objets de la nature, les subordonnant à une certaine gamme. Le résultat est une unité coloristique de couleurs. Un reflet fidèle de ces qualités rend une esquisse d’après nature particulièrement véridique et harmonieuse en termes de peinture.
Relations de couleurs - différences de couleurs naturelles par teinte (nuance), luminosité et saturation. Dans la nature, la couleur est toujours perçue par rapport aux couleurs qui l’entourent, avec lesquelles elle est en stricte interaction et dépendance. Par conséquent, les relations de couleurs du croquis doivent être transmises proportionnellement aux relations de couleurs de la nature. C'est la loi du transfert coloristique des couleurs de nature visible sur la gamme de couleurs de la palette ; elle est déterminée par la psychophysiologie de notre perception visuelle et de notre pensée.
Intégrité des images - le résultat d'un travail d'après nature utilisant la méthode des relations (comparaisons) avec une vision holistique de la nature, grâce à laquelle l'artiste se débarrasse des défauts d'un dessin ou d'une esquisse tels que la fragmentation et la panachure.
Intégrité de la perception - la capacité de l’artiste à voir les objets de la nature en même temps, d’un seul coup. Ce n'est que grâce à une perception visuelle intégrale que l'on peut déterminer correctement les proportions des objets, les relations tonales et chromatiques et atteindre l'intégrité de l'image d'une production à grande échelle. L'intégrité de la perception réside dans la capacité professionnelle à voir et dans le « positionnement de l'œil » de l'artiste.
Il existe un certain nombre de conseils pour percevoir pratiquement la nature dans son ensemble : 1) au moment de l'observation, lors de la détermination des relations de couleurs, plissez les yeux ou « ouvrez » les yeux sur la nature entière, 2) P. P. Chistyakov a conseillé « d'avoir mentalement en devant vous, pour ainsi dire, du verre plat, ça donne des relations", 3) R. Falk, pour l'intégrité de la vision, recommandait de découper un trou rectangulaire (2X1 cm) dans un morceau de carton et de regarder la nature dans l'avion de cette fenêtre (l'œil reçoit une structure picturale holistique des relations de couleurs fondamentales de la nature, semblable à une mosaïque de pierres précieuses) ; 4) vous pouvez également percevoir la nature de manière holistique et comprendre ses relations de couleurs à l'aide d'un « miroir noir » (si vous peignez un côté d'un verre transparent avec de la peinture noire, vous obtiendrez un miroir dans lequel, en plein soleil, vous pourrez voir des objets du paysage dans luminosité réduite. Dans un tel miroir, les objets réfléchis dans un plan sous une forme réduite peuvent être vus tous en même temps. Cela vous permettra de capturer plus précisément les relations tonales et chromatiques de la nature).
Extérieur (par opposition à l'intérieur) - une représentation de l'extérieur d'un bâtiment.
Encaustique - La peinture à la cire est une technique de peinture actuellement peu utilisée, basée sur l'utilisation de la cire comme liant. La meilleure méthode de peinture à la cire en termes de résultats et de durabilité est l’encaustique antique. Ses avantages résident dans les qualités exceptionnelles d'une cire spécialement préparée, qui ne craint pratiquement pas le temps ni l'humidité, ne se fissure jamais et conserve sa couleur inchangée.
Esquisser - une esquisse préparatoire d'un croquis ou d'un tableau. Dans le processus de travail d'après nature, les croquis sont utilisés comme matériel auxiliaire ; Ils développent des options pour les compositions d'une feuille de papier ou d'une toile. Les croquis sont réalisés à la fois sous forme de croquis rapides au crayon et dans le matériau.
Étude - une image auxiliaire de taille limitée, réalisée d'après nature pour son étude minutieuse. A travers le croquis, l'artiste améliore ses compétences professionnelles. Le but principal travail de croquis il reste toujours une incarnation véridique et vivante du concept pictural, la création d'un tableau. Dans l’art réaliste, l’esquisse joue toujours un rôle secondaire.
Étude est le résultat d’une surestimation du rôle du croquis, elle conduit inévitablement à un appauvrissement du contenu idéologique et figuratif. Il est généralement admis que le dessin est généré par l’impressionnisme, qui limite l’activité du peintre à un travail superficiel sur le vif, remplaçant le croquis par une peinture.
effet Purkine - modification de la luminosité relative des couleurs à mesure que l'éclairage augmente ou diminue. Par exemple, pendant la journée, la luminosité relative du rouge et du jaune semble forte, et au crépuscule, le vert et couleurs bleues. Le fait est que pendant la journée, sous un éclairage normal, notre œil voit à travers certaines cellules de la rétine, appelées cônes, et sous une lumière très faible, à travers d'autres - les bâtonnets. Les cônes sont plus sensibles au jaune et au rouge, tandis que les bâtonnets sont plus sensibles au bleu-vert. Léonard de Vinci a également noté : « Le vert et le bleu rehaussent leurs couleurs à l’ombre partielle, tandis que le rouge et le jaune gagnent en couleur dans les endroits les plus éclairés. »
Ce n’est un secret pour personne, la peinture a sa propre typologie et se divise en genres. Ce phénomène est né en Europe au XVe siècle, lorsque le concept de peinture de première classe s'est formé, qui comprenait des peintures de nature mythologique et historique, et que les peintures de seconde classe comprenaient des paysages, des portraits et des natures mortes. Mais cette répartition a perdu de sa pertinence vers 1900, lorsqu'il y avait trop de genres et de styles et qu'il aurait été trop démodé d'utiliser une division claire entre ces deux groupes uniquement. C'est pourquoi je veux parler aujourd'hui des types de peinture actuels.
Nature morte (nature morte- "nature morte") - images de choses inanimées. Ce genre est né au XVe siècle et a gagné son indépendance au XVIIe grâce aux artistes hollandais. Le genre est devenu indépendant grâce à l'avènement de l'âge d'or en Hollande ; les artistes ont été gâtés par l'abondance de nourriture et d'autres choses qui étaient auparavant considérées comme des objets de luxe et de richesse ; c'est sur cette base qu'est né un genre aussi restreint que le néerlandais ; la nature morte est apparue. De nos jours, la nature morte est un type de peinture très répandu et très demandée par les acheteurs de tableaux.
Portrait- une personne ou un groupe de personnes représenté sur la photo. La portée de ce style est très vague ; le portrait chevauche souvent d'autres styles, comme le paysage ou la nature morte. Les portraits peuvent également être historiques, posthumes ou religieux. Il y a aussi un autoportrait, où l'artiste se dessine.
Paysage- un genre très important en peinture. L’artiste y peint une nature ou un terrain intact ou transformé par l’homme. Elle a depuis longtemps dépassé les vues habituelles sur la mer ou la montagne et constitue aujourd’hui l’un des types de peinture les plus populaires. Les paysages peuvent être urbains, ruraux, marins, montagnards, etc. Auparavant, les paysages étaient peints uniquement en plein air, lorsque l'artiste peignait d'après nature ce qu'il voyait. De nos jours, cette pratique est de moins en moins courante et les artistes modernes préfèrent travailler à partir de photographies.
Marina- la même nature morte marine, seulement avec le nom correct. Les marinas représentent des événements qui se déroulent en mer, des batailles, de grosses vagues, des cargos, etc. Ivan Aivazovsky était un représentant éminent de ce genre.
Peinture d'histoire- est née d'une nécessité : à la Renaissance, les artistes peignaient d'importants événements culturels et historiques. Les peintures historiques ne sont pas toujours basées sur l’histoire ; elles incluent également divers types de peinture, comme la mythologie, l’Évangile et les événements bibliques.
Peinture de bataille- un sujet qui révèle le thème de la guerre et de la vie militaire. L'artiste tente de représenter un moment important, épique et clé d'une bataille ou d'une bataille. Dans le même temps, la fiabilité peut progressivement passer au second plan.
