L'origine de la musique pop russe. Histoire des styles de variétés musicales Types de variétés de divertissement théâtral

Mot "variété" ( du latin couches) signifie - revêtement de sol, plate-forme, colline, plate-forme.

La définition la plus précise du pop art en tant qu'art qui unit divers genres, donné dans le dictionnaire de D.N. Ouchakov : " Scène est l'art des petites formes, le domaine des performances spectaculaires et musicales sur scène ouverte. Sa spécificité réside dans sa facilité d'adaptation à conditions différentes démonstration publique et action de courte durée, par des moyens artistiques et expressifs, art qui contribue à l'identification vivante individualité créative interprète, dans l'actualité, pertinence socio-politique aiguë des sujets abordés, dans la prédominance des éléments d'humour, de satire, de journalisme."

L'encyclopédie soviétique définit la musique pop comme étant originaire du français estrade - un type d'art qui comprend de petites formes d'art dramatique et vocal, de la musique, de la chorégraphie, du cirque, de la pantomime, etc. Dans les concerts, il existe des numéros complets séparés unis par un spectacle et une intrigue. Il apparaît comme un art indépendant à la fin du XIXe siècle.

Il existe également la définition suivante de la scène :

Une zone de scène, permanente ou temporaire, pour les concerts d'un artiste.

Le pop art a ses racines dans un passé lointain, tracées dans l'art de l'Égypte ancienne et Grèce antique. Bien que l’art des variétés interagisse étroitement avec d’autres arts, comme la musique, le théâtre dramatique, la chorégraphie, la littérature, le cinéma, le cirque, la pantomime, il s’agit d’un type d’art indépendant et spécifique. La base du pop art est « le numéro de Sa Majesté » - comme le disait N. Smirnov-Sokolsky 1.

Nombre- une petite représentation d'un ou plusieurs artistes, avec sa propre intrigue, son point culminant et son dénouement. La spécificité de la performance est la communication directe de l'artiste avec le public, en son nom propre ou à partir d'un personnage.

Dans l'art médiéval des artistes itinérants, des théâtres de farces en Allemagne, des bouffons en Russie, du théâtre des masques en Italie, etc. il y avait déjà une adresse directe de l'artiste au public, ce qui permettait à l'artiste suivant de devenir un participant direct à l'action. La courte durée de la représentation (pas plus de 15 à 20 minutes) nécessite une concentration extrême des moyens d'expression, du laconisme et de la dynamique. Les numéros de variétés sont classés selon leurs caractéristiques en quatre groupes. Le premier groupe de type comprend les numéros conversationnels (ou vocaux). Viennent ensuite les numéros musicaux, plastiques-chorégraphiques, mixtes, « originaux ».

L'art de la comédie s'est construit sur un contact ouvert avec le public del-arte (mascarade) XVI- p.p.XVIIe siècle.

Les performances étaient généralement improvisées sur la base de scènes d'intrigue standard. Le son musical sous forme d'interludes (insertions) : chants, danses, numéros instrumentaux ou vocaux - était la source directe du numéro de variétés.

Au XVIIIe siècle, ils apparaissent opéra comique Et vaudeville. Les vaudevilles étaient des spectacles passionnants avec de la musique et des blagues. Leurs héros principaux - les gens ordinaires - ont toujours vaincu des aristocrates stupides et vicieux.

Et au milieu du 19ème siècle, le genre est né opérette(littéralement petit opéra) : vue arts théâtraux, qui combinait chant et musique instrumentale, danse, ballet, éléments de pop art, dialogues. L'opérette apparaît comme genre indépendant en France en 1850. Le « père » de l’opérette française, et de l’opérette en général, était Jacques Offenbach(1819-1880). Plus tard, le genre se développe dans la « comédie des masques » italienne.

La scène est étroitement liée à la vie quotidienne, au folklore, aux traditions. De plus, ils sont repensés, modernisés et « popularisés ». Différentes formes l'art variétal est utilisé comme passe-temps divertissant.

Ce n'est pas une coïncidence. En Angleterre pubs(établissements publics publics) sont apparus au XVIIIe siècle et sont devenus les prototypes des music-halls (music hall). Les pubs sont devenus des lieux de divertissement pour de larges couches démocratiques de la population. Contrairement aux salons aristocratiques, où l'on jouait principalement de la musique classique, dans les pubs étaient interprétés des chants et des danses accompagnés d'un piano, des comédiens, des mimes, des acrobates étaient exécutés, des scènes de spectacles populaires composés d'imitations et de parodies étaient montrées. Un peu plus tard, dans la première moitié du XIXe siècle, ils se sont généralisés cafés-concerts, qui étaient à l'origine des cafés littéraires et artistiques où poètes, musiciens et acteurs jouaient leurs improvisations. Sous diverses modifications, ils se sont répandus dans toute l'Europe et sont devenus connus sous le nom de cabaret(courgettes). Le divertissement n'exclut pas le facteur de spiritualité ; la position civique est particulièrement importante pour un artiste pop.

L’adaptation facile du pop art au public comporte le danger de flirter avec le public et de céder au mauvais goût. Afin de ne pas tomber dans l'abîme de la vulgarité et de la vulgarité, un artiste a besoin de vrai talent, de goût et de flair. Le réalisateur a formé un programme à partir de numéros pop individuels, qui étaient également un puissant moyen d'expression. Connexion d'installation gratuite de petites formes, séparées de différents types créativité artistique et guéri tout seul, ce qui a conduit à la naissance de l'art coloré spectacle de variété. L’art des spectacles de variétés est étroitement lié au théâtre et au cirque, mais contrairement au théâtre, il ne nécessite pas d’action dramatique organisée. Le caractère conventionnel de l'intrigue, le manque de développement de l'action (le drame principal) sont également caractéristiques d'une grande performance revue(du français - critique). Les différentes parties de la revue sont liées par une idée commune de performance et de société. Comme une comédie musicale genre dramatique La revue combine des éléments de cabaret, de ballet et de spectacle de variétés. Le spectacle de la revue est dominé par la musique, le chant et la danse. L'émission de variétés a ses propres modifications :

- spectacle de variétés à partir de numéros séparés

- spectacle de variétés

- cabaret dansant

- revoir

Au XXe siècle, la revue est devenue un spectacle de divertissement somptueux. Des variétés de revues sont apparues aux États-Unis, appelées montrer.

La scène musicale incluse différents genres musique légère : chansons, extraits d'opérettes, comédies musicales, spectacles de variétés dans des adaptations pop d'œuvres instrumentales. Au XXe siècle, la scène s'enrichit du jazz et de la musique populaire.

Ainsi, le pop art est passé long-courrier, et aujourd'hui nous pouvons observer ce genre sous une forme et une performance différentes, ce qui suggère que son développement ne s'arrête pas.

Thème 6. Panorama des principales tendances dans le domaine du divertissement mondial

Thème 7 Musique pop dans les années 90 et au début du 21e siècle

Cours d'essai

SECTION III. Culture rock
Thème 1. La musique rock comme phénomène de la culture musicale du XXe siècle.

Thème 2. Musique rock américaine des années 1950.

Thème 4. Revue des tendances de la musique rock des années 1970-1980.

Thème 5. Revue des tendances de la musique rock des années 1990.

Thème 6. Revue des tendances de la musique rock du 21e siècle.

Thème 7. La musique rock en URSS

Thème 8. Panorama des principales orientations du rock domestique moderne

Section IV Genres de masse du théâtre musical

Sujet

Thème 4. Musique rock

Thème 5. Opéra rock

Rapports des étudiants

Crédit différencié

TOTAL:

1. 3. CONDITIONS DE MISE EN ŒUVRE DU PROGRAMME DE DISCIPLINE

3.1. Exigences logistiques minimales

Un établissement d'enseignement mettant en œuvre un programme de formation de spécialistes de niveau intermédiaire dans la spécialité de l'enseignement professionnel secondaire doit disposer d'une base matérielle et technique qui assure le déroulement de tous types de cours pratiques, de formations disciplinaires, interdisciplinaires et modulaires, de pratiques pédagogiques, prévues pour programme d'études établissement d'enseignement. La mise en œuvre du programme de discipline nécessite la présence d'une salle de classe pour les cours collectifs.

Matériel de classe : tables, chaises (selon le nombre d'élèves), tableau de démonstration, matériel vidéo et audio (TV, lecteur DVD, lecteur vinyle et CD, projecteur, ordinateur portable, piano)

Supports techniques pédagogiques : TV, lecteur DVD, lecteur vinyle et CD, projecteur, ordinateur portable (accès Internet)

1. 3.2. Support informationnel pour la formation

2. Références

1. Konen V. La naissance du jazz.-M., 1984.
2. Menchikov V. Encyclopédie de la musique rock. – Tachkent, 1992.
3. Sargent W. Jazz.-M., 1987.
4. Feofanov O. La musique rock d'hier et d'aujourd'hui - M., 1978.
5. Schneerson G. Chanson américaine.-M., 1977.
6. Guy Erisman. Chanson française.-M., 1974.

Thème 1. Le jazz comme phénomène art musical

Définition du jazz. Caractère mixte de la culture jazz. Conditions historiques, sociales et artistiques de l'émergence du jazz. Périodisation de l'histoire du jazz.

Ouverture communicative de la culture jazz. Interaction avec la musique académique (« Troisième Courant »), avec le folklore des peuples du monde (« Quatrième Courant »).

L'utilisation des moyens d'expression et des techniques du jazz par les compositeurs académiques.

Thème 2. Origines du jazz

Le caractère mixte des origines de la musique jazz.

Racines nègres (création musicale improvisée, organisation rythmique particulière - swing, techniques spécifiques d'intonation vocale - labile. Tons durs, effets de coupure, de grognement, de cri).

Traditions européennes du jazz (tradition de la musique de concert, compositions performatives, harmonie tonale, organisation métro-rythmique, squareité des structures compositionnelles)

La culture quotidienne américaine. Théâtre des ménestrels.

Thème 3. Genres du folklore afro-américain

Les caractéristiques communes du genre sont le principe du répondeur, l'intonation labile, le rôle du début rythmique.

Genres spirituels – spirituals, gospel, ring-shout, jubilés.

Chants de travail - chant de travail : rue, champ, plantation.

Thème 4 Blues : étapes de développement du genre

Le blues archaïque (« rural ») est un genre folk de nature improvisée.

Blues classique – caractéristiques du genre (contenu figuratif, forme du blues, mode blues, intonation du blues, zone bleue, harmonie carrée du blues). Interprètes de blues - B. Smith, I. Cox, A. Hunter et autres.

Le blues dans le jazz moderne. Blues instrumental; développement du genre dans divers styles jazz moderne.

Sujet 5. Ragtime

Origines du genre ; musique rag, promenade en gâteaux.

Caractéristiques du genre: « une mélodie syncopée sur fond de mouvement métronomiquement précis en croches dans l'accompagnement », principe de « suite » d'organisation de la forme. Caractéristiques de la technique d'exécution.

Compositeurs de Ragtime : Scott Joplin, Thomas Tarpen, James Scott et autres.

Développement du ragtime – genres Advanced, Novetly.

Opéra Ragtime. "Trimonisha" (S. Joplin)

Thème 6. Premiers styles de jazz

La migration des Afro-Américains des zones rurales vers les villes et la formation des premiers centres de jazz (Nouvelle-Orléans, Chicago, Kansas City, New York).

À la Nouvelle-Orléans. Marching Band, leur rôle dans la formation des premiers ensembles de jazz. Composition instrumentale d'orchestres de jazz, fonctions des instruments.

Les travaux de D. R. Morton, S. Bechet, L. Armstrong.

La diffusion du jazz sur la côte Est et le Midwest (Kansas City, Memphis, etc.)

À la manière de Chicago. Dixieland et son rôle dans le développement du jazz. Activités du "Original Dixieland Jazz Band" (leader Jack Lane). Style maison en tonneau. Genre boogie-woogie.

Thème 7. 1920-1930. L'essor du jazz. L'ère du swing

Années 1920 - « L'ère du jazz » (F. S. Fitzgerald). Déplacement du centre du développement du jazz à New York.

Le jazz symphonique, comme exemple du rapprochement du jazz avec les traditions de la musique académique. L'ouvrage de J. Gershwin. Porgy and Bess est le premier opéra écrit à partir du folklore noir.

La musique douce est une direction du jazz de danse et de divertissement. Les travaux de J. Kern, K. Porter et autres.

Années 1930 – « l’ère du swing ». Élargir la sphère d'existence du jazz (salles de danse, restaurants, hôtels ; accompagnement musical de spectacles, comédies musicales, films). La fonction de danse et de divertissement de la musique jazz, conséquence de sa commercialisation.

La position prédominante des big bands. Principes de regroupement sectionnel des instruments. Fonctions d'arrangeur et d'improvisateur. "Standardisation" langage musical.

« Nommez » les big bands (F. Henderson, C. Basie, D. Ellington, B. Goodman, G. Miller, V. Herman, etc.)

Thème 8. Le début de l'ère du jazz moderne. années 1940. Style be-bop.

Raisons sociopolitiques de la formation du bebop - le premier style du jazz moderne. Réorientation du jazz du domaine de la culture de masse vers le statut d'art d'élite.

L'accent est mis sur la création de musique de chambre, ce qui aboutit à la formation de petits groupes d'interprètes - des combos. Renforcer le rôle de l'improvisation.

Compliquer le système des moyens d'expression musicale du jazz en « empruntant » les acquis de la musique académique moderne. Reprise des traditions d'intonation folklorique labile et de leur manifestation dans le domaine harmonique du jazz.

Sommités du Bebop - D. Gillespie, C. Parker, T. Monk.

Thème 9. Années 1950. Style Kul et autres mouvements

Cool (cool) - en réaction au bebop au style chaud. Le développement des tendances dans les années 40 - une tendance à la création musicale intime, à l'actualisation du langage musical, au renforcement du principe d'improvisation. Intellectualisation du jazz, le rapprochant de la musique de la tradition académique.

Les représentants du style cool sont D. Brubeck, P. Desmond, B. Evans. "Quatuor de jazz moderne".

Le style progressif est un style de concert jazz basé sur les traditions du swing big band. Chefs d'orchestre S. Kenton, V. German, B. Raeburn et autres.

Thème 10. Années 1960. Styles de jazz d'avant-garde

Le free jazz est le premier style de jazz d’avant-garde. Conditions sociales préalables à l'émergence du style. Tendance à utiliser des moyens modernes et complexes du langage musical avec une attitude libre envers la formation, la thématicité, la « grille » harmonique, la pulsation métrique uniforme.

Le jazz « modal », comme type de free jazz. Le cadre principal du style est l'improvisation à une échelle sélectionnée.

Représentants du free jazz - O. Cowellman, J. Coltrane, C. Mingus, A. Shepp et autres.

Thème 11. Styles de jazz des années 1960-1970

L'interaction du jazz avec diverses cultures musicales, afin de trouver des sources d'enrichissement du langage jazz.

Styles ethniques. Afrocuba et bossa nova - musique jazz aux saveurs latino-américaines. Les traits caractéristiques sont le rythme du genre dansant, l'expansion du groupe de percussions grâce à l'utilisation de divers instruments exotiques.

Le jazz-rock est un mouvement basé sur la synthèse du jazz avec le style rock. Enrichissement du son jazz grâce à l'utilisation d'instruments électromusicaux spécifiques. Jazz-rock dans la musique de M. Davis, C. Corea et autres.

Le « troisième mouvement » est un mouvement qui combine les traditions musicales académiques (« premier mouvement ») avec le jazz (« deuxième mouvement »). L'accent est mis sur l'écriture de compositions orchestrales sous de grandes formes, laissant l'improvisation au second plan. Représentants du « troisième mouvement » - G. Schuller, « Swingle Singers ».

« Le quatrième courant » ou « musiques du monde » est une nouvelle vague d'ethno-jazz depuis les années 1970. Il est basé sur le folklore national original du monde. Les œuvres de John McLaughlin, Jan Garbarek, John Zorn, Sun Ra.

Thème 18. Jazz dans Russie soviétique

Années 1920 en Russie – « boom du jazz ». Tournées de groupes de jazz étrangers et de solistes de jazz en URSS. Les premiers groupes de jazz : « Excentric Jazz Band of V. Parnakh » (1922), A. Tsfasman Orchestra (1926), Tea Jazz de L. Utesov-Ya. Skomorovski (1929). Vulgarisation du jazz par le cinéma (« Jolly Fellows » de G. Alexandrov, avec l'orchestre de L. Utesov). Création du State Jazz de l'URSS (sous la direction de M. Blanter et V. Knushevitsky) et de l'Orchestre de Jazz de la Radio All-Union (sous la direction de A. Varlamov, plus tard - A. Tsfasman)

Orientation variété et divertissement de la musique jazz dans les années 1930-1940 ; rapprochement avec le chant de masse soviétique. "Chanson Jazz". Activités des orchestres sous la direction de O. Lundstrem, E. Rosner. L'œuvre des compositeurs I. Dunaevsky, N. Bogoslovsky et autres.

Les années 1940-1950 furent une période de critiques acerbes et d’interdiction du jazz, reflet de l’idéologie de l’État et de la politique étrangère de l’URSS. Jazz "underground". Créativité de Yu. Saulsky.

Années 1950-1960 - le « Dégel de Khrouchtchev » - l'époque de la création des clubs de jazz, de l'organisation des festivals de jazz. Tournées de jazzmen étrangers. Participation de musiciens soviétiques à des festivals de jazz étrangers.

Légalisation progressive du jazz dans les années 1980. L'émergence du premier club de jazz indépendant à Léningrad (1986), publications sur le jazz dans le magazine " Vie musicale", sortie du film "We are from Jazz" (réalisé par K. Shakhnazarov) avec la participation d'un orchestre dirigé par A. Kroll (1983).

Thème 19. Le jazz dans la Russie post-soviétique

Jazzmen nationaux apparus dans les années 1960-1980 : A. Kuznetsov, A. Kozlov, G. Golshtein, I. Bril, L. Chizhik, D. Kramer, V. Ganelin, V. Chekasin, A. Kondakov et autres. Chanteurs : L. Dolina, I. Otieva, V. Ponomareva.

La variété des styles dans les activités des groupes et solistes nationaux des années 1980 : styles rétro (Leningrad Dixieland), bebop (D. Goloshchekin), cool jazz (G. Lukyanov et son ensemble « Kadans »), free jazz (V. Gaivoronsky , V. Volkov).

L'émergence de nouvelles figures du jazz national dans les années 1990 - A. Rostotsky, A. Shilkloper, V. Tolkachev, N. Kondakov, A. Podymkin et autres.

Section 2

Thème 1. Genre de chanson populaire en tant que composante de la musique pop

La chanson est l’un des genres pop les plus courants. Les origines de la chanson populaire. Chronologie de l'évolution du genre : Époque antique(synthèse de poésie et de musique), Moyen Âge (chants de troubadours, trouvères, minnesingers, ménestrels, etc.), Renaissance (chants avec accompagnement instrumental en art professionnel et musique quotidienne), seconde moitié des XVIIIe-XXe siècles. - une émanation du genre de la chanson romantique du XIXe siècle. divisant le genre de la chanson en deux directions – pop (orientée vers un public de masse) et « sérieuse » (la sphère d'activité des compositeurs académiques).

Les caractéristiques spécifiques du genre sont la communication, la démocratie et les caractéristiques textuelles (« poésie chantée »). Variété de genres de chansons :

· par formes d'existence (enfant, étudiant, militaire, ville, etc.)

· selon les directives du genre (hymne, lamentation, hymne, etc.)

La place centrale du genre musical dans la culture scène musicale

Thème 2. Chanson française

Les origines de la chanson se trouvent dans les chansons folkloriques, dans les œuvres des troubadours et des trouvères. Aux XVe-XVIe siècles. La chanson est une chanson polyphonique qui résume les traditions nationales de la musique française.

XVIIe siècle - interprétation de chants de ville par des musiciens professionnels - Gros Guillaume, Jean Salomon, etc.) Thèmes variés.

XVIIIe siècle – activité des « théâtres chansonniers ». Interprètes de chansons - Jean Joseph Vade, Pierre-Jean-Gara et autres.

Le XIXe siècle est l'œuvre d'un chansonnier. Une variété de masques artistiques - « country boy » (Chevalier), « dandy » (Frant), etc. L'accent dans le style d'interprétation n'est pas tant mis sur l'art vocal, mais sur le talent artistique.

XXe siècle - chanson dans les œuvres de Jacques Brel, Gilbert Becaud, Charles Aznavour, Edith Piaf, Yves Montand. Traditions de la chanson dans les œuvres de Joe Dassin et Mireille Mathieu.

Thème 3. Chant de masse soviétique

Le rôle du genre chanté dans l'art musical soviétique des années 1920-1930.

Le chant de messe comme exemple d'ordre social ; un moyen de propagande de masse. Démocratie du genre, grande distribution. Le cinéma comme moyen de massification des genres. « Chansons de film » de I. Dunaevsky.

Le sens du chant de messe pendant les Grandes Années Guerre patriotique et la période d'après-guerre.

Années 1950-1060. Renforcer l'influence du genre chanté sur le domaine des genres académiques (opéra-chant) et de la musique de masse (chanson jazz).

Le travail des compositeurs et auteurs-compositeurs soviétiques - M. Blanter, S. Tulikov, V. Solovyov-Sedoy, Y. Frenkel, A. Pakhmutova et autres.

Thème 4. Genre de chanson pop : étapes de développement de la musique pop nationale

L'émergence du genre au tournant des XIXe-XXe siècles. Les premiers genres de variété musicale en Russie étaient les distiques, les romances « cruelles » et gitane. Chanteurs populaires de la première moitié du XXe siècle - I. Yuryeva, A. Vyaltseva, P. Leshchenko et autres.

Le développement de la chanson pop en Russie soviétique se trouve dans les œuvres de L. Utesov, M. Bernes, M. Kristallinskaya, E. Piekha et d'autres interprètes. Créativité de VIA (« Earthlings », « Electroclub », « Jolly Fellows »). Les groupes se sont concentrés sur le style rétro (« Bravo », « Docteur Watson »), sur la spécificité folklorique des républiques fédérées (« Yalla », « Pesnyary », « Mziuri »).

Interprètes de chansons pop modernes - A. Pugacheva, S. Rotaru, L. Vaikule, F. Kirkorov, V. Leontyev et autres. L'attitude déterminante dans les spectacles pop modernes, la luminosité et l'efficacité visuelles, la dévalorisation des compétences vocales (chanter sur une bande sonore).

La chanson d'auteur comme alternative au pop art. Performance de chambre, proximité maximale avec l'auditeur. Les interprètes de la chanson originale sont Alexander Galich, Yuri Vizbor, Novella Matveeva, Sergei et Tatyana Nikitin, Alexander Dolsky, Yuliy Kim et d'autres.

L'œuvre de Boulat Okudjava. « Thème de Moscou » ; chansons-souvenirs, chansons-stylisations.

L'originalité de la créativité musicale de Vladimir Vysotsky ; émotivité extrême, caractérisation vivante des personnages, satire. «Cyclicité» des chansons – militaires, historiques, quotidiennes et autres.

Thème 6. Panorama des principales tendances dans le domaine de la musique pop moderne nationale

Le genre de la chanson est dominant dans la musique pop moderne. La principale orientation des auteurs-compositeurs est la chanson à succès ; langage musical stéréotypé et simplifié. Changements dans la spécificité de genre de la chanson de l'auteur sous l'influence de la pop (A. Rosenbaum, O. Mityaev), de la « chanson russe » (M. Shufutinsky, A. Novikov). Chanson pop moderne comme arrière-plan de la vie quotidienne.

Une manière alternative de développer la chanson pop est le « théâtre de la chanson » d'E. Kamburova, en synthèse avec le folk rock (I. Zhelannaya).

Section 3

Thème 1. Le rock comme phénomène de la culture musicale du XXe siècle

La culture rock comme phénomène socioculturel ; une forme de folklore urbain moderne qui offre la possibilité de s’exprimer. Les moyens spécifiques de la musique rock reposent sur des modèles (country, blues, musique commerciale), mais en même temps le contenu est problématique, le désir de profondeur des thèmes et des images.

Les instruments électroniques comme définissant un son rock spécifique.

Thème 2. Musique rock américaine des années 1950

L'« explosion » du rock and roll aux États-Unis dans les années 1950. Origines : rythme et blues, country, western.

Artistes de rock and roll - B. Haley, J. Lewis, E. Presley. La spécificité du style réside dans sa composition timbrée (trois guitares électriques et batterie), son orientation danse.

Sujet 3. Beat britannique des années 1960

La musique beat est l'une des formes de danse et de musique de divertissement pour les jeunes des années 1960. Caractéristiques musicales de la beat music.

Types de musique rythmée (hard beat, soft beat, mainstream beat et autres). Distribution aux USA et en Europe.

L'œuvre des Beatles. Formation d'un style d'interprétation original. Tendances créatives qui ont déterminé les principales directions du développement des roches.

Thème 4. Revue des tendances de la musique rock des années 1970-1980

La fin des années 1960-1970 est une période de maturité dans le développement de la musique rock. "Branchage" des tendances créatives.

Le rock psychédélique comme reflet de l'idéologie hippie. Compositions méditatives, complication du langage musical. Créativité du groupe "Pink Floyd".

Le rock progressif est un thème de protestation contre la politique gouvernementale, le racisme, la guerre et le chômage. Album "Pink Floyd"

"Le Mur".

L'art rock est une direction caractérisée par la complication du langage musical due à la convergence avec les traditions de la musique académique et du jazz. Créativité des groupes « Emerson, Lake & Palmer », « King Crimson ».

"Hard rock" - son électronique accru, rythme dur, lourdeur du son. Créativité des groupes « Uriah Heep » « Black Sabbath ».

Le glam rock est une direction du rock associée à un divertissement accru et à la théâtralisation des concerts. Représentants du glam rock - Freddie Mercury, Frank Zappa.

Thème 5. La musique rock en URSS

La fin des années 1960 marque la pénétration de la musique rock occidentale en URSS. La perception du rock comme forme de protestation contre idéologie officielle système étatique.

Rock « légalisé » interprété par la philharmonie VIA (« Jolly Fellows », « Singing Guitars », « Pesnyary ») ; thème lyrique, orientation danse et divertissement des chansons.

L'opposition au « rock philharmonique » est le groupe « Time Machine ».

Direction folklorique dans la culture rock - "Pesnyary", "Syabry", "Yalla".

VIA et théâtre musical. "Guitares chantantes" - "Orphée et Eurydice" (musique de A. Zhurbin), "Ariel" - "Le conte d'Emelyan Pugachev" (musique de V. Yarushin), "Araks" - "L'étoile et la mort de Joaquin Murrieta" (musique de A. Rybnikov), « Rock Studio » - « Juno and Avos » (musique de A. Rybnikov).

Rock underground - clubs de Leningrad (groupes "Aquarium", "Alisa", "Kino"), Moscou ("Zvuki Mu", "Brigade S"), Ufa "DDT" et d'autres villes. Sverdlovsk est l'un des centres du rock national (groupes « Urfin Juice », « Nautilus Pompilius », « Chaif ​​», « Agatha Christie », « Sansara », « Sahara », « Semantic Hallucinations » et autres).

Thème 6. Panorama des principales tendances du rock moderne.

Les ramifications des tendances rock modernes. L'influence de la technologie informatique sur le développement de la culture rock. Standardisation du langage musical, nivellement de l'origine de l'auteur, domination des formes musicales de studio sur les formes de concert.

Tendances technologiques modernes :

Le hip-hop est une direction qui combine des peintures murales - graffitis, breakdance et une direction musicale - rap.

La house est un mouvement basé sur une combinaison de musique techno et disco. Il repose sur un mélange de basse percussive texturée (disco) et de son électronique « lourd » (basse, beats, bruitages divers, etc.)

Rave est une tendance qui représente un mode de vie en général. Rave party - discothèque massive. La rave est un type de musique techno, caractérisé par la domination du rythme sur la mélodie et le volume maximum.

Article 4

Thème 1. Musical : histoire d'origine, étapes de développement du genre

La comédie musicale est l'un des principaux genres de théâtre musical de masse. Les origines du genre sont le théâtre de ménestrels, la revue, le vaudeville, le music-hall, les sketchs musicaux. Une variété de genres de moyens d'expression utilisés dans la comédie musicale (opérette, vaudeville, culture pop et rock moderne, chorégraphie). Le rôle de l'art du jazz dans la formation spécificité du genre musical.

Étapes de développement du genre (années 1920-1930, 1930-1960, 1970-1980, comédie musicale moderne).

La formation du genre dans les années 1920, reflet de la demande croissante du public pour la culture du divertissement. Les caractéristiques de l'art de masse dans une comédie musicale sont une intrigue schématique, un divertissement, un langage « cliché » et un vocabulaire simplifié.

Caractéristiques de la dramaturgie d'une comédie musicale classique en utilisant l'exemple des œuvres de J. Gershwin (« Lady, Be Kind »), J. Kern (« Excellent, Eddie »), K. Porter « Kiss Me, Kat »), I. Blakey et autres.

Thème 3. L'essor du genre musical (années 1940-1960)

Nouvelles fonctionnalités de genre

Expansion des sujets ; « maîtriser » les intrigues du classique œuvres littéraires– K. Porter « Kiss Me, Kate » (d'après « The Taming of the Shrew » de W. Shakespeare, F. Lowe « My Fair Lady » (d'après « B. Shaw's Pygmalion »)), L. Bernstein « West Side Story » (basé sur « Roméo et Juliette » de W. Shakespeare), etc.

Renforcer le rôle de la danse. Implication de chorégraphes célèbres dans la production : B. Fosse dans « Chicago » et « Cabaret », J. Robbins et P. Gennaro dans « West Side Story »

Films musicaux - transférer une comédie musicale théâtrale au cinéma, ainsi que créer une comédie musicale basée sur un film (« Oliver ! », « My Fair Lady », « Man of La Mancha »)

Thème 4. Opéra rock

1960-1070 - l'émergence de l'opéra rock. La tradition de combiner des compositions basées sur un seul scénarioà l'album (« The Wall » de Pink Floyd).

Premiers opéras rock - "Hair" de G. McDermott, "Salvation" de T. Lean, etc.

Les spécificités d'un opéra rock à l'exemple de « Jesus Christ Superstar » d'E. L. Webber. D'autres opéras rock du compositeur sont "Evita", "Cats", "Le Fantôme de l'Opéra".

Thème 5. Comédies musicales rock

Comédies musicales rock en Russie - « Orphée et Eurydice » de A. Zhurbin, « L'étoile et la mort de Joaquin Murrieta », « Juno et Avos » de A. Rybnikov, « Giordano » de L. Quint et autres.

Le jazz contemporain et musique pop est en constante évolution. Il comprend à la fois des genres et des formes musicales établies, ainsi que de nouvelles tendances stylistiques. Par conséquent, ce cours est constamment complété et mis à jour avec du matériel. Le programme est divisé en plusieurs sections. La première section est consacrée au développement de la musique jazz. Les étudiants doivent comprendre les principales étapes du développement de la musique jazz, comprendre les schémas généraux de développement de ses styles, se familiariser avec les meilleurs exemples de classiques du jazz étrangers et nationaux, ainsi que le travail des compositeurs, arrangeurs et interprètes de jazz exceptionnels. La deuxième partie du programme est consacrée à un aperçu des principales orientations de la créativité de la chanson pop. Dans la troisième section, nous retracerons le développement de la musique rock et dans la quatrième, dernière opéra et comédie musicale rock.

L'objectif du cours « Histoire des styles de variétés musicales » au niveau secondaire professionnel est établissement d'enseignement est d'élargir les horizons artistiques des étudiants, ainsi que de développer leur capacité à naviguer dans divers styles et directions musicales dans leur pratique artistique. Par conséquent, la principale exigence pour travail indépendant L'étudiant doit étudier la littérature recommandée et écouter le matériel audio pour la leçon.

Cette matière complète le cycle des disciplines spéciales et théoriques. Étudier le cours "Histoire des styles musicaux pop» implique des liens interdisciplinaires avec des disciplines telles que littérature musicale, spécialité, ensemble, orchestre.

La maîtrise de la matière contribue au développement de la pensée créative des élèves. Mise en œuvre planifiée et systématique devoirs contribuera à révéler le potentiel créatif de l’étudiant et à élargir ses horizons.

1. Travailler avec le questionnaire.
2. Travailler avec de la littérature supplémentaire recommandée par l'enseignant (implique la prise de notes).
3. Remplir des résumés.
4. Écouter de la musique.

1. 4. CONTRÔLE ET ÉVALUATION DES RÉSULTATS DE LA MAÎTRISE DE LA DISCIPLINE

1. Le suivi et l'évaluation des résultats de la maîtrise de la discipline sont effectués par l'enseignant dans le cadre de la conduite de cours pratiques et de travaux de laboratoire, de tests, ainsi que par les étudiants effectuant des devoirs individuels, des projets et des recherches.

5. LISTE DE LA LITTÉRATURE DE BASE ET SUPPLÉMENTAIRE

Littérature de base

1. Ovchinnikov, E. Histoire du jazz : manuel. En 2 numéros. / E. Ovchinnikov. – Moscou : Musique, 1994. – Numéro. 1.
2. Klitin, S. Art des variétés des XIXe-XXe siècles / S. Klitin. – Saint-Pétersbourg : SPbGATI, 2005.
3. Konen, V. La naissance du jazz / V. Konen. – Moscou : compositeur soviétique, 1990.
4. La musique rock en URSS : l'expérience d'une encyclopédie populaire / comp. A. Troitski. – Moscou : Livre, 1990.

Lectures complémentaires

1. Ayvazyan A. Rock 1953/1991.- Saint-Pétersbourg, 1992
2. Batashev A. Jazz soviétique.-M., 1972.
3. Benson Ross. Paul McCartney. Personnalité et mythe. – M., 1993.
4. Bril I. Guide pratique sur l'improvisation jazz.-M., 1979.
5. Bychkov E. Pink Floyd (Légendes du rock) - Karaganda, 1991.
6. Vorobyova T. Histoire de l'ensemble des Beatles.-L., 1990.
7. Dmitriev Yu. Leonid Utesov.-M., 1983.
8. Davis Hunter. Les Beatles. Biographie autorisée.-M., 1990.
9. Kozlov, A. Rock : histoire et développement / A. Kozlov. – Moscou : Syncopa, 2001.
10. Kokorev, A. Punk rock de A à Z/A. Kokorev. – Moscou : Musique, 1991.
11. Collier J. Louis Armstrong. M., 1987
12. Collier J. La formation du jazz.-M., 1984.
13. Korolev, O. Kratky dictionnaire encyclopédique musique jazz, rock et pop : termes et concepts / O. Korolev. – Moscou : Musique, 2002 Collier J. Duke Ellington. M., 1989
14. Kurbanovsky A. Carnet Rock. Saint-Pétersbourg, 1991
15. Markhasev L. Dans le genre léger.-L., 1984.
16. Menchikov V. Encyclopédie de la musique rock. –Tachkent, 1992
17. Moshkov, K. Blues. Introduction à l'histoire / K. Moshkov. – Saint-Pétersbourg : Lan, 2010
18. Moshkov, K. L'industrie du jazz en Amérique / K. Moshkov. – Saint-Pétersbourg : Lan, 2008
19. Musique de nos jours / éd. D. Volokhin – Moscou : Avanta+, 2002
20. Panasier Sud. Histoire du jazz authentique.-M., 1990
21. Pereverzev L. Essais sur l'histoire du jazz. // Vie musicale.-1966.-№3,5,9,12
22. Pereverzev L. Duke Ellington et son orchestre // Vie musicale.-1971.-No.22.
23. Pereverzev L. Charlie Parker.// Vie musicale.-1984.-No 10.
24. Pereverzev L. Oleg Lundstrem Orchestra // Vie musicale.-1973.-No.12.
25. Parlons jazz : réflexions de grands musiciens sur la vie et la musique/trans. de l'anglais Yu. Vermenich. – Rostov-sur-le-Don : Phoenix, 2009.
26. Sargent W. Jazz.-M., 1987.
27. Simonenko P. Mélodies du jazz.-Kiev, 1984
28. Ciel Rick. Freddie Mercury.-M., 1993.
29. Jazz soviétique : problèmes. Événements. Master.-M., 1987.
30. Troitsky A. Musique jeunesse des années 80 // Vie musicale.-1980.-No 12.
31. Fedorov E. Rock à plusieurs visages.-M., 1989.
32. Feiser L. Un livre sur le jazz. Traduction de Yu. Vermenich. Voronej, 1971
33. Feofanov O. Musique de révolte.-M., 1975.
34. Feyertag, V. Jazz en Russie. Bref ouvrage de référence encyclopédique / V. Feyertag. – Saint-Pétersbourg : SKIFIA, 2009.
35. Fischer, A. Le style jazz Bebop et ses sommités : manuel de formation) / A. Fischer, L. Shabalina. – Tioumen : RIC TGAKIST, 2010.
36. Chugunov Y. Harmonie dans le jazz.-M., 1980.
37. Schmiedel G. Beatles. Vie et chants.-M., 1977.

1. Discographie sélectionnée par cours

1. "AVVA" s60-08353-54
2. Ensemble "Arsenal". Deuxième vent s60-2369002
3. Anthologie du jazz soviétique. Premiers pas M6045827006
4. Armstrong Louis. s60-05909-10
5. Basie Count et sept de Kansas City s60-10279-80
6. Comte de base. Quand le soleil se couche. M60-47075-009
7. Comte de base. 14 mélodies dorées (2pl). s60-18653-4
8. Les Beatles. Goût de miel. s60-26581-006
9. Les Beatles. Soirée d'une dure journée. s60-23579-008
10. Les Beatles. Chansons d'amour VTA 1141/42
11. Bril Igor, ensemble de jazz. L'orchestre est arrivé du 60-14065-66
12. Brubeck Dave à Moscou (2pl.) p60-301903007, p60-30195-001
13. Gershwin George. Mélodies populaires s60-08625-26
14. Discothèque-9. Compositions jazz s60-19673-000
15. Goloshchekin David. Ensemble de Jazz de Léningrad. 15 ans plus tard. s60-20507-007
16. Bonhomme Benny. Que peut-il faire clair de lune. M6047507006
17. Davis Miles et les géants du jazz moderne M60-48821-006
18. James Harry et son orchestre. L'homme que j'aime M60-49229-006
19. Violet profond. Dans la roche P91-00221-2
20. John Elton. Un clochard de la ville. s60-24123-002
21. John Elton. Votre chanson s60-26003-002
22. John Elton. Celui BL1027
23. Dorothy Donegans60-20423-005
24. "Reine." Les plus grands succès A60-00703-001
25. "Crédence", groupe. Orchestre itinérant. S60-27093-009
26. Groupe Led Zeppelin. Escalier vers le paradis s60-27501-005
27. Oleg Lundstrem et son orchestre. À la mémoire de Duke Ellington s60-08473-74
28. Léningrad Dixieland 33SM02787-88
29. Oleg Lundstrem et son orchestre. Dans des couleurs riches s60-1837-74
30. Oleg Lundstrem et son orchestre. Sérénade de Sun Valley p60-18651-52
31. McCartney Paul. De retour en URSS. А6000415006
32. Miller Glenn et son orchestre. Dans l'ambiance M60-47094-002
33. Magasin de musique. À la mémoire de L. Utesov M6044997-001
34. Parker Charlie. M60-48457-007
35. Pink Floyd. Direct A60 00543-007
36. Peterson Oscar et Dizzy Gillespie s60-10287-88
37. Peterson-Oscar. Trio O. Peterson. s60-16679-80
38. Presley Elvis. Tout va bien M60-48919-003
39. Groupe des Rolling Stones. Jouer avec le feu M60 48371 000
40. Groupe des Rolling Stones. Dame Jane s60 27411-006
41. Ross Diana s60-12387-8
42. Whiteman Paul, orchestre p/u M60 41643-44
43. Wonder StevieSun de ma vie S60 26825-009
44. Fitzgerald Ella S60-06017-18
45. Fitzgerald Ella chante les œuvres de Duke Ellington C90 29749004
46. Fitzgerald Ella. Danser en Savoie. C6027469006
47. Hendrix Barbara. Spirituels nègres A 1000185005
48. Tsfasman Alexandre. Réunions et séparations M6047455-008
49. Webber Andrew Lloyd. Jésus-Christ - superstar P9100029
50. Hiver Paul. Concert Terre s6024669003
51. Charles Ray. Chansons sélectionnées. TVA 11890
52. Ellington Duke rencontre Coleman Hawkins c60-10263-64
53. Ellington Duke et son orchestre. Concert (pl.2) с6026783007

Annexe 2

Questionnaire

1. Racines afro-américaines du jazz.
2. Qu’est-ce que l’improvisation ?
3. Périodisation de l'évolution stylistique du jazz.
4. Spirituels :

Moment de l'événement ;

Définition;

1. Premier folklore afro-américain :

2 groupes ;

Brève description des genres ;

1. Chansons ouvrières
2. Images poétiques(textes) spirituels.
3. Style musical ou traits de genre caractéristiques des spirituels.
4. Gospel:

Brève description ;

Différence avec les spirituels ;

1. Interprètes de chants ouvriers et spirituels.
2. Rag-time:

Définition;

Caractéristiques (occurrence, heure) ;

1. "Vie sportive" :

Signification du mot ;

1. Scott Joplin
2. Quand le ragtime « Maple Leaf » a-t-il été publié ?

Expliquez l'apparence.

1. Quartiers de divertissement de la Nouvelle-Orléans, Chicago,

New York.

1. Caractéristiques de la scène du ménestrel (noir).
2. Quelles danses ont complété l'évolution du ragtime.
3. Dans lequel fonctionne musique classique des traits de spirituel et de ragtime apparaissent.
4. Énumérez les genres et les noms des spirituels.
5. La signification du mot « blues ».
6. L’époque de l’émergence du blues précoce.
7. Variétés de blues (classement).
8. Représentants et interprètes célèbres du blues rural.
9. Caractéristiques du blues rural.
10. Caractéristiques du blues urbain (moment d'apparition).
11. Le premier chanteur de blues.
12. « Rois » et « Reines » du Blues.
13. Caractéristiques du blues urbain (époque d'origine).
14. La différence entre le blues et les spirituals.
15. Caractéristiques de genre du blues.
16. Images poétiques du blues et de son contenu.
17. Des artistes de blues.
18. Les premiers bleus imprimés. Compositeurs. Titres.
19. Le titre d'une œuvre de J. Gershwin qui utilise des thèmes de blues.
20. Modifications de genre et de style du blues. Représentants.
21. Jazz - sens du mot. Origine.
22. La ville est le « berceau du jazz ».
23. Les premiers styles de jazz. Différences.
24. Type de musique jazz euro-américaine. Dixieland. Représentants.
25. Fanfares et orchestres de rue de la Nouvelle-Orléans.
26. Jazzmen nouvelle génération ( La Nouvelle-Orléans,Chicago).
27. Jazz de rue :

Moment de l'événement ;

Caractéristiques;

Représentants ;

Annexe 3

Liste de termes pour la dictée terminologique

SECTION I. L'art du jazz

Blues archaïque, jazz archaïque, musique afro-américaine, harmonie barbershop, style baril house, big beat, big band, block chords, walking bass, blues, blues mode, fanfare, break, bridge, boogie-woogie, background, Harlem jazz , growl, ground beat, tons sales, jazzing, forme jazz, style jungle, Dixieland, cake walk, blues classique, chorus, théâtre de ménestrels, contre-temps, tons décalés, riff, swing, jazz symphonique, style stride

Jazz d'avant-garde, jazz afro-cubain, jazz baroque, bebop, version, jazz de la côte ouest, combo, mainstream, progressif, scat, modern jazz, technique stop-time, « troisième mouvement », folk jazz, forceful beat, free jazz , fusion, hard bop, ohler, hot jazz, « quatrième courant », Chicago jazz, shuffle, jazz électronique, « jazz era ».

SECTION II. Musique pop

SECTION III. Culture rock

Rock avant-gardiste, rock alternatif, rock underground, art rock, beatniks, black metal, breakdance, gutter rock, glam rock, grunge, rock industriel, rock intellectuel, rock mainstream, punk rock, rock progressif, rythme et blues, rockabilly, rock and roll, reggae, rave, rap, rock symphonique, folk rock, hard rock, heavy metal,

Annexe 4

Exemples de billets pour classements différenciés

Billet n°1

1. Origines de la musique jazz

2. Chanson française

Billet numéro 2

1. Genres du folklore afro-américain

2. Étapes de développement de la chanson pop dans la musique pop nationale et étrangère

Billet numéro 3.

1. Ragtime

2. Musique rock américaine des années 1950-1960

Billet n°4

1. Blues : étapes de développement du genre

2. Chant de masse soviétique

Billet n°5

1. Jazz classique. Style balançoire

2. La musique rock en URSS

Billet numéro 6

1. Style cool et autres mouvements jazz des années 1950

Billet numéro 7

1. Styles jazz 1960-1970

2. Le rythme britannique des années 1960

Billet numéro 8

1. Style be-bop.

2. Opéra rock et comédie musicale rock

Billet numéro 9

1. Les voies du développement du jazz dans la Russie post-soviétique

2. Comédie musicale classique (années 1920-1930)

Billet numéro 10

1. Styles de jazz d’avant-garde. Jazz libre

2. Comédie musicale classique (années 1920-1930)

Billet n°11

1. Le jazz en Russie soviétique

2. Genre musical : histoire d'origine, étapes de développement

Annexe 5

Critères d'évaluation des réponses des étudiants lors du test :

Une note « excellent » est attribuée si la réponse au matériel théorique est significative, logiquement structurée, révèle la question en discussion de manière suffisamment détaillée, est basée sur l'interprétation correcte de la terminologie et est accompagnée d'exemples musicaux et illustratifs.

Une note « bonne » est attribuée si la réponse au matériel théorique n'est pas suffisamment détaillée et s'il y a des erreurs mineures dans l'utilisation de la terminologie.

Une note « satisfaisant » est attribuée si la réponse théorique est basée sur des informations présentées discrètement qui ne donnent pas une image complète de la question à l'étude et si une mauvaise connaissance de la terminologie est révélée.

Scène- un type d'art du spectacle qui implique genre distinct ainsi qu'une synthèse des genres : chant, danse, performance originale, art du cirque, illusions.

Musique pop- un type d'art musical divertissant adressé au public le plus large.

Ce type de musique a connu son plus grand développement au XXe siècle. Il comprend généralement de la musique de danse, des chansons diverses, des œuvres pour orchestres pop-symphoniques et des ensembles vocaux-instrumentaux.

Souvent, la musique pop est identifiée au concept existant de « musique légère», c'est-à-dire facile à comprendre, accessible au public. DANS historiquement La musique légère comprend celles dont le contenu est simple et qui ont acquis une popularité universelle. œuvres classiques, par exemple, les pièces de F. Schubert et J. Brahms, F. Lehár et J. Offenbach, les valses de J. Strauss et A. K. Glazunov, « Little Night Serenade » de W. A. ​​​​​​Mozart.

Dans ce champ de créativité musicale vaste, mais également extrêmement diversifié en termes de caractère et de niveau esthétique, d'une part, les mêmes moyens d'expression sont utilisés que dans la musique sérieuse, et d'autre part, leurs propres moyens spécifiques.

Le terme « orchestre pop » a été proposé par L. O. Utesov à la fin des années 40, ce qui a permis de séparer deux notions :
la musique pop et jazz elle-même.

La musique pop moderne et le jazz ont toute une série caractéristiques générales : la présence d'une pulsation rythmique constante réalisée par la section rythmique ; caractère majoritairement dansant des œuvres interprétées par des groupes pop et jazz. Mais si la musique jazz se caractérise par l'improvisation, une propriété rythmique particulière - le swing, et que les formes du jazz moderne sont parfois assez difficiles à percevoir, alors la musique pop se distingue par l'accessibilité du langage musical, de la mélodie et de l'extrême simplicité rythmique.

L'un des types les plus courants de compositions instrumentales pop est l'orchestre symphonique pop (ESO) ou jazz symphonique. Dans notre pays, la formation et le développement de l'ESO sont associés aux noms de V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu. V. Silantyev. Le répertoire des orchestres symphoniques pop est extrêmement vaste : des pièces orchestrales originales et des fantaisies sur des thèmes connus jusqu'à l'accompagnement de chansons et d'opérettes.

En plus de l'indispensable section rythmique et du composition en laiton big band (groupe de saxophones et groupe de cuivres) l'ESO comprend des groupes traditionnels d'instruments d'orchestre symphonique - bois, cors et cordes (violons, altos, violoncelles). Le ratio des groupes de l'ESO se rapproche de celui d'un orchestre symphonique : groupe de chaînes domine, ce qui est dû à la nature essentiellement mélodique de la musique de l'ESO ; Les instruments à vent jouent un grand rôle ; Le principe d'orchestration lui-même est très proche de celui adopté dans un orchestre symphonique, même si la présence d'une section rythmique constamment pulsée et le rôle plus actif du groupe de cuivres (et parfois des saxophones) ressemblent parfois au son d'un orchestre de jazz. Un rôle coloristique important dans ESO est joué par la harpe, le vibraphone et les timbales.

Les ESO sont très populaires dans notre pays. Leurs performances sont diffusées à la radio et à la télévision ; ils interprètent le plus souvent de la musique de film et participent à de grands concerts et festivals pop. De nombreux compositeurs soviétiques écrivent de la musique spécifiquement pour l'ESO. Il s'agit de A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter -letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky et d'autres.

Le genre de la musique pop comprend différents types de chansons pop : romance traditionnelle, chanson lyrique moderne, chanson aux rythmes de danse avec accompagnement instrumental développé. La principale chose qui unit de nombreux types de chansons pop est le désir de leurs auteurs de garantir la plus grande accessibilité et mémorisation de la mélodie. Les racines d’une telle démocratie se trouvent dans la romance ancienne et le folklore urbain moderne.

Une chanson pop ne se limite pas au pur divertissement. Ainsi, les chansons pop soviétiques contiennent des thèmes sur la citoyenneté, le patriotisme, la lutte pour la paix, etc. Ce n'est pas pour rien que les chansons de I. O. Dunaevsky, V. P. Solovyov-Sedoy, M. I. Blanter, A. N. Pakhmutova, D. F. Tukhmanov et d'autres Soviétiques les compositeurs sont appréciés non seulement dans notre pays, mais aussi bien au-delà de ses frontières. La chanson « Les soirées de Moscou » de Solovyov-Sedoy a reçu une véritable reconnaissance mondiale. Au 20ème siècle Différents types de musique de danse se sont remplacés. Ainsi, le tango, la rumba, le foxtrot ont été remplacés par le rock and roll, ils ont été remplacés par le twist and shake, les rythmes de la samba et de la bossa nova étaient très populaires. Pendant plusieurs années, le style disco s'est répandu dans la musique pop et dance. Il est né d'une fusion de musique instrumentale noire avec des éléments de chant et de plasticité, caractéristiques des chanteurs pop d'Amérique latine, en particulier de l'île de Jamaïque. Étroitement liée en Europe occidentale et aux États-Unis à l'industrie du disque et à la pratique des discothèques, la musique disco s'est avérée être l'une des tendances les plus dynamiques de la musique pop et dance de la 2e moitié du 20e siècle.

Parmi les compositeurs soviétiques qui ont imposé des traditions nationales dans le genre de la musique de danse figurent A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky et d'autres.

La musique rock moderne peut être classée comme musique pop. DANS culture musicale Europe occidentale et les USA sont un mouvement très varié dans son niveau idéologique et artistique et principes esthétiques. Il est représenté à la fois par des œuvres exprimant une protestation contre l'injustice sociale, le militarisme, la guerre, et par des œuvres prêchant l'anarchisme, l'immoralité et la violence. Le style musical des ensembles représentant ce mouvement est également hétérogène. Cependant, ils ont une base commune et certaines particularités.

L'une de ces caractéristiques est l'utilisation du chant, du solo et de l'ensemble et, par conséquent, du texte, qui porte un contenu indépendant, et de la voix humaine comme coloration particulière du timbre. Les membres d'ensembles ou de groupes cumulent souvent les fonctions d'instrumentistes et de chanteurs. Les principaux instruments sont les guitares, ainsi que divers claviers et, moins souvent, les instruments à vent. Le son des instruments est amplifié par divers convertisseurs de son et amplificateurs électroniques. La musique rock diffère de la musique jazz par sa structure métro-rythmique plus subdivisée.

Dans notre pays, des éléments de la musique rock se reflètent dans le travail des ensembles vocaux et instrumentaux (VIA).

En raison de son attrait pour le grand public et de sa grande popularité, la musique pop soviétique a joué un rôle important dans l’éducation esthétique de la jeune génération.

Les racines du pop art remontent à un passé lointain, retrouvées dans l'art de l'Égypte, de la Grèce, de Rome ; ses éléments sont présents dans les performances de comédiens-bouffons ambulants (Russie), shpilmanov (Allemagne), jongleurs (France), dandys (Pologne), mascarades (Asie centrale), etc.

Satire sur la vie et la morale urbaines, plaisanteries acerbes sur des sujets politiques, attitude critique envers le pouvoir, distiques, scènes comiques, blagues, jeux, pantomime de clown, jonglage et excentricités musicales furent les prémices des futurs genres pop, nés dans le bruit du carnaval. et des divertissements carrés.

Les aboyeurs, qui, à l'aide de plaisanteries, de bons mots et de distiques amusants, vendaient n'importe quel produit sur les places et les marchés, devinrent plus tard les prédécesseurs de l'artiste. Tout cela était d'une nature massive et intelligible, condition indispensable à l'existence de tous les genres pop. Tous les artistes du carnaval médiéval n'ont pas présenté de spectacles.

En Russie, les origines des genres pop se sont manifestées dans le plaisir des bouffons, le plaisir et la créativité de masse, les festivals folkloriques. Leurs représentants sont les farceurs du raus à la barbe obligatoire, qui amusaient et invitaient le public depuis la plate-forme supérieure du stand du raus, les joueurs de persil, les raeshniks, les chefs des ours « savants », les acteurs bouffons exécutant des « sketches » et des « reprises » parmi eux. la foule, jouant de la flûte, de la harpe, renifle et amuse les gens.

L'art des variétés se caractérise par des qualités telles que l'ouverture, le laconisme, l'improvisation, la festivité, l'originalité et le divertissement.

Se développant comme un art de loisir festif, la musique pop a toujours recherché l'insolite et la diversité. Le sentiment même de fête a été créé grâce aux divertissements extérieurs, aux jeux de lumière, au changement de décor pittoresque, au changement de forme de la scène, etc. Malgré le fait que la scène se caractérise par une variété de formes et de genres, elle peut être divisée en trois groupes :

La scène de concert (anciennement appelée « divertissement ») regroupe tous types de représentations dans des concerts de variétés ;

Scène théâtrale (représentations de chambre de théâtres miniatures, théâtres de cabaret, cafés-théâtres ou revues de concerts à grande échelle, music-halls, avec une grande distribution et une technologie scénique de premier ordre) ;

Scène festive (fêtes folkloriques, fêtes dans les stades, pleines de spectacles sportifs et de concerts, ainsi que bals, carnavals, mascarades, festivals, etc.).

Il y a aussi ceux-ci :

3. 1. THÉÂTRES DE VARIÉTÉS

3.1.1.SALONS DE MUSIQUE

Si la base d'une représentation de variété est un numéro complet, alors la revue, comme toute action dramatique, exigeait la subordination de tout ce qui se passe sur scène à l'intrigue. Ceci, en règle générale, ne s'est pas combiné de manière organique et a conduit à un affaiblissement de l'une des composantes de la performance : soit le nombre, soit les personnages, soit l'intrigue. Cela s'est produit lors de la production des "Miracles du 20e siècle" - la pièce s'est divisée en un certain nombre d'épisodes indépendants et vaguement connectés. Seuls la troupe de ballet et plusieurs numéros de cirque de premier ordre ont eu du succès auprès du public. L'ensemble de ballet, mis en scène par Goleizovsky, a interprété trois numéros : « Hé, allons-y ! », « Moscou sous la pluie » et « 30 filles anglaises ». La performance de « Snake » était particulièrement impressionnante. Parmi les numéros de cirque, les meilleurs étaient : Tea Alba et les « Australian Lumberjacks » Jackson et Laurer. Alba a écrit simultanément différents mots à la craie sur deux tableaux avec ses mains droite et gauche. Au fond de la pièce, des bûcherons couraient pour abattre deux grosses bûches. L'Allemand Strodi a fait preuve d'un excellent équilibre sur le fil. Il a effectué des sauts périlleux sur un fil. Parmi les artistes soviétiques, comme toujours, Smirnov-Sokolsky et les chansons V. Glebova et M. Darskaya ont eu un grand succès. Parmi les numéros de cirque, le numéro de Zoe et Martha Koch sur deux fils parallèles s'est démarqué.

En septembre 1928, eut lieu l'ouverture du Leningrad Music Hall.

3. 1.2. THÉÂTRE DES MINIATURES - une troupe de théâtre qui travaille principalement sur de petites formes : petites pièces de théâtre, sketches, opéras, opérettes ainsi que des numéros de variétés (monologues, distiques, parodies, danses, chansons). Le répertoire est dominé par l'humour, la satire, l'ironie et le lyrisme n'est pas exclu. La troupe est petite, un théâtre d'un ou deux comédiens est possible. De conception laconique, les performances sont conçues pour un public relativement restreint et présentent une sorte de toile de mosaïque.

3.1.3. GENRES CONVERSATIONNELS sur scène - un symbole pour les genres associés principalement aux mots : artiste de spectacle, spectacle, sketch, sketch, histoire, monologue, feuilleton, microminiature (blague mise en scène), burime.

Artiste - l'artiste peut être en couple, seul ou en masse. Genre conversationnel construit selon les lois de « l'unité et de la lutte des contraires », c'est-à-dire le passage de la quantité à la qualité selon le principe satirique.

Un monologue varié peut être satirique, lyrique ou humoristique.

Interlude est une scène comique ou une pièce musicale à contenu humoristique, interprétée comme un numéro indépendant.

Un sketch est une petite scène où l'intrigue se développe rapidement, où l'intrigue la plus simple est construite sur des situations inattendues, drôles et poignantes, des tournants, permettant à toute une série d'absurdités de surgir au cours de l'action, mais où tout se termine généralement par un dénouement heureux. 1-2 acteurs(mais pas plus de trois).

La miniature est le genre parlé le plus populaire sur scène. Sur scène aujourd'hui, une blague populaire (non publiée, non imprimée - du grec) est une courte histoire orale d'actualité avec une fin spirituelle inattendue.

Un jeu de mots est une blague basée sur l'utilisation comique de mots à consonance similaire mais à consonance différente pour jouer sur la similitude sonore de mots ou de combinaisons équivalents.

La reprise est le genre conversationnel court le plus courant.

Les distiques sont l’un des types de genre conversationnel les plus intelligibles et les plus populaires. Le coupletiste cherche à ridiculiser tel ou tel phénomène et à exprimer son attitude à son égard. Doit avoir le sens de l'humour

Les genres musicaux et conversationnels comprennent le distique, la chansonnette, la chansonette et le feuilleton musical.

Une parodie courante sur scène peut être « conversationnelle », vocale, musicale ou dansante. À une certaine époque, les genres de discours comprenaient les récitations, les récitations mélodiques, les montages littéraires et la « lecture artistique ».

Il est impossible de donner une liste précise des genres de parole : des synthèses inattendues de mots avec la musique, la danse, les genres originaux (transformation, ventrologie, etc.) donnent naissance à de nouvelles formations de genres. La pratique vivante fournit continuellement toutes sortes de variétés ; ce n'est pas un hasard si sur les affiches anciennes il était d'usage d'ajouter « dans son genre » au nom de l'acteur.

Chacun des genres de discours ci-dessus a ses propres caractéristiques, sa propre histoire et sa propre structure. L'évolution de la société et les conditions sociales ont dicté l'émergence d'un genre ou d'un autre. En fait, seuls les artistes nés dans le cabaret peuvent être considérés comme un genre « variété ». Le reste provenait des stands, des théâtres et des pages de magazines humoristiques et satiriques. Les genres de discours, contrairement à d'autres qui tendent à embrasser les innovations étrangères, se sont développés conformément à la tradition nationale, en lien étroit avec le théâtre et la littérature humoristique.

Le développement des genres de discours est associé au niveau de littérature. Derrière l’acteur se trouve l’auteur qui « meurt » dans l’interprète. Et pourtant, la valeur intrinsèque du jeu d’acteur n’enlève rien à l’importance de l’auteur, qui détermine en grande partie la réussite de l’acte. Les artistes eux-mêmes deviennent souvent les auteurs. Les traditions de I. Gorbunov ont été reprises par des conteurs pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov et d'autres ont créé leur propre répertoire. Des acteurs qui n'avaient pas de talent littéraire ont demandé de l'aide à des auteurs qui écrivaient dans l'attente d'une performance orale, en prenant en compte. compte du masque de l'artiste. Ces auteurs, en règle générale, sont restés « anonymes ». Depuis de nombreuses années, la presse discute de la question de savoir si une œuvre écrite pour être jouée sur scène peut être considérée comme de la littérature. Au début des années 80, l'Association pan-syndicale puis l'Association panrusse des auteurs pop ont été créées, ce qui a contribué à légitimer ce type d'activité littéraire. L'« anonymat » de l'auteur appartient au passé ; d'ailleurs, les auteurs eux-mêmes sont montés sur scène. À la fin des années 70, sort le programme « Dans les coulisses du rire », composé comme un concert, mais exclusivement à partir de performances d'auteurs pop. Si, au cours des années précédentes, seuls des écrivains individuels (Averchenko, Ardov, Laskin) présentaient leurs propres programmes, ce phénomène s'est désormais généralisé. Le phénomène de M. Zhvanetsky a grandement contribué au succès. Ayant débuté dans les années 60 en tant qu'auteur du Théâtre des Miniatures de Leningrad, il, contournant la censure, a commencé à lire ses courts monologues et dialogues lors de soirées fermées dans les Maisons de l'Intelligentsia Créatrice, qui, comme les chansons de Vysotsky, se sont répandues dans tout le pays.

3. JAZZ SUR STAND

Le terme « jazz » est communément compris comme : 1) un type d'art musical basé sur l'improvisation et une intensité rythmique particulière, 2) des orchestres et ensembles interprétant cette musique. Les termes « groupe de jazz », « ensemble de jazz » (indiquant parfois le nombre d'interprètes - trio de jazz, quatuor de jazz, « orchestre de jazz », « big band ») sont également utilisés pour désigner des groupes.

4. CHANSON SUR STAND

Miniature vocale (vocale-instrumentale), largement répandue dans la pratique du concert. Sur scène, il est souvent résolu comme un « jeu » miniature à l'aide de plastiques, de costumes, de lumière, de mise en scène (« théâtre de chansons ») ; La personnalité, les caractéristiques du talent et la compétence de l'interprète, qui devient dans certains cas un « co-auteur » du compositeur, deviennent d'une grande importance.

Les genres et les formes de la chanson sont variés : romance, ballade, chanson folklorique, couplet, chansonnette, chansonette, etc. ; Les modalités d'interprétation sont également variées : solo, ensemble (duos, chœurs, ensembles vocaux-instrumentaux).

Il existe également un groupe de composition parmi les musiciens pop. Il s'agit d'Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk, etc. La chanson précédente était principalement une chanson de compositeur, la chanson actuelle est celle d'un "interprète".

De nombreux styles, mœurs et tendances coexistent - du kitsch sentimental et de la romance urbaine au punk rock et au rap. Ainsi, la chanson d'aujourd'hui est un panel multicolore et multistyle, comprenant des dizaines de directions, allant des imitations du folklore national aux infusions de cultures afro-américaines, européennes et asiatiques.

5. DANSE SUR STAND

Il s'agit d'un court numéro de danse, en solo ou en groupe, présenté lors de concerts pop nationaux, de spectacles de variétés, de music-halls et de théâtres miniatures ; accompagne et complète le programme des chanteurs, des numéros de genres originaux et même de discours. Il s'est formé sur la base de la danse folklorique, quotidienne (de salon), du ballet classique, de la danse moderne, de la gymnastique sportive, de l'acrobatie et du croisement de toutes sortes d'influences étrangères et de traditions nationales. La nature de la plasticité de la danse est dictée par les rythmes modernes et se forme sous l'influence des arts connexes : musique, théâtre, peinture, cirque, pantomime.

Les danses folkloriques étaient initialement incluses dans les représentations des troupes de la capitale. Le répertoire comprenait des spectacles de divertissement théâtral sur la vie villageoise, urbaine et militaire, des suites vocales et de danse du russe chansons folkloriques et danser.

Dans les années 90, la danse sur scène s'est fortement polarisée, comme pour revenir à la situation des années 20. Les groupes de danse impliqués dans le show business, comme Erotic Dance et d'autres, s'appuient sur l'érotisme - les spectacles dans les boîtes de nuit dictent leurs propres lois.

6. MARIONNETTES SUR PIED

Depuis l'Antiquité, l'artisanat est apprécié en Russie, les jouets sont appréciés et jeu amusant avec une poupée. Petrouchka a eu affaire à un soldat, à un policier, à un prêtre et même à la mort elle-même, a courageusement brandi une massue, a mis à mort ceux que le peuple n'aimait pas, a renversé le mal et a affirmé la moralité du peuple.

Les joueurs de persil erraient seuls, parfois ensemble : marionnettiste et musicien, ils composaient eux-mêmes des pièces de théâtre, ils étaient eux-mêmes acteurs, ils étaient eux-mêmes metteurs en scène - ils essayaient de conserver les mouvements des marionnettes, la mise en scène et la marionnette astuces. Les marionnettistes étaient persécutés.

Il y avait d'autres spectacles dans lesquels des marionnettes jouaient. Sur les routes de Russie, on pouvait voir des camionnettes chargées de poupées attachées à des ficelles - des marionnettes. Et parfois avec des boîtes avec des fentes à l'intérieur, à travers lesquelles les poupées étaient déplacées par le bas. De telles boîtes étaient appelées crèches. Les marionnettes maîtrisaient l'art de l'imitation. Ils aimaient se faire passer pour des chanteurs, ils copiaient des acrobates, des gymnastes et des clowns.

7. PARODIE SUR SCÈNE

Il s'agit d'un numéro ou d'une performance basée sur une imitation ironique (imitation) à la fois de la manière individuelle, du style, des traits caractéristiques et des stéréotypes de l'original, ainsi que de mouvements et genres artistiques entiers. L'amplitude du comique : du fortement satirique (péjoratif) au humoristique (dessin animé sympathique) est déterminée par l'attitude du parodiste envers l'original. La parodie trouve ses racines dans l’art ancien ; en Russie, elle est présente depuis longtemps dans les jeux bouffons et les spectacles farfelus.

8. THÉÂTRES DE PETITES FORMES

Création de théâtres cabaret en Russie "La Chauve-souris", " Miroir tordu"etc.

"The Crooked Mirror" et "The Bat" étaient des groupes d'acteurs professionnellement forts, dont le niveau de culture théâtrale était sans aucun doute plus élevé que dans de nombreux théâtres miniatures (parmi ceux de Moscou, Petrovsky se distinguait plus que d'autres, le directeur était D.G. Gutman , Mamonovsky, cultivant l'art décadent, où Alexander Vertinsky a fait ses débuts pendant la Première Guerre mondiale, Nikolsky - artiste et réalisateur A.P. Petrovsky Parmi les Saint-Pétersbourg - Troitsky A.M. Fokina - réalisateur V.R Rappoport, où avec des chansons et. artiste du théâtre artistique, joué avec succès en tant qu'artiste.

4. Genres musicaux sur scène. Principes de base, techniques et mise en scène.

On distingue les genres pop :

1 musique latino-américaine

La musique latino-américaine (Spanish musica latinoamericana) est un nom généralisé pour les styles et genres musicaux des pays d'Amérique latine, ainsi que pour la musique des personnes de ces pays qui vivent de manière compacte sur le territoire d'autres États et forment de grandes communautés latino-américaines (par exemple exemple, aux USA). DANS discours familier le nom abrégé « musique latine » (espagnol : musica latina) est souvent utilisé.

La musique latino-américaine, dont le rôle dans la vie quotidienne de l'Amérique latine est très importante, est une fusion de nombreuses cultures musicales, mais elle repose sur trois composantes : les cultures musicales espagnole (ou portugaise), africaine et indienne. En règle générale, les chansons latino-américaines sont interprétées en espagnol ou en portugais, moins souvent en français. Les artistes latino-américains vivant aux États-Unis sont généralement bilingues et utilisent souvent des paroles en anglais.

En réalité, la musique espagnole et portugaise n'appartient pas à la musique latino-américaine, étant cependant étroitement liée à cette dernière par un grand nombre de connexions ; De plus, l’influence des musiques espagnole et portugaise sur la musique latino-américaine est mutuelle.

Malgré le fait que la musique latino-américaine soit extrêmement hétérogène et que chaque pays d'Amérique latine a ses propres caractéristiques, sur le plan stylistique, elle peut être divisée en plusieurs styles régionaux principaux :

* Musique andine ;

* Musique d'Amérique centrale ;

* Musique caribéenne ;

* Musique argentine ;

* Musique mexicaine ;

* Musique brésilienne.

Il faut cependant garder à l’esprit qu’une telle division est très arbitraire et que les frontières de ces styles musicaux sont très floues.

Le blues (blues anglais de blue devils) est un genre musical qui s'est répandu dans les années 20 du 20e siècle. C'est l'une des réussites de la culture afro-américaine. Il est né de mouvements musicaux ethniques de la société afro-américaine tels que le « chant de travail », le « spirituel » et le choléra. À bien des égards, il a influencé la musique populaire moderne, en particulier des genres tels que le « pop » (musique pop anglaise), le « jazz » (jazz anglais) et le « rock and roll » (rock'n'roll anglais). La forme prédominante du blues est le 4/4, où les 4 premières mesures sont souvent jouées sur l'harmonie tonique, 2 chacune sur la sous-dominante et la tonique, et 2 chacune sur la dominante et la tonique. Cette alternance est également connue sous le nom de progression blues. Le rythme des triolets de croches avec une pause est souvent utilisé - ce qu'on appelle le shuffle. Un trait caractéristique du blues sont les « notes bleues ». Souvent, la musique est construite sur une structure « questions-réponses », exprimée à la fois dans le contenu lyrique de la composition et dans le contenu musical, souvent construit sur un dialogue entre instruments. Le blues est une forme d'improvisation du genre musical, où les compositions utilisent souvent uniquement le « cadre » principal de support, qui est joué par des instruments solistes. Le thème original du blues est construit sur la composante sociale sensuelle de la vie de la population afro-américaine, ses difficultés et les obstacles qui se présentent sur le chemin de chaque personne noire.

Le jazz (English Jazz) est une forme d'art musical née à la fin du XIXe et au début du XXe siècle aux États-Unis à la suite de la synthèse de l'Afrique et du Cultures européennes et s'est ensuite généralisée. Les traits caractéristiques du langage musical du jazz étaient initialement l'improvisation, la polyrythmie basée sur des rythmes syncopés et un ensemble unique de techniques pour exécuter une texture rythmique - le swing. Le développement ultérieur du jazz s'est produit grâce au développement de nouveaux modèles rythmiques et harmoniques par les musiciens et compositeurs de jazz.

La musique country combine deux types de folklore américain : la musique des colons blancs installés dans le Nouveau Monde aux XVIIe et XVIIIe siècles et les ballades de cow-boy du Far West. Cette musique possède un fort héritage des madrigaux élisabéthains, irlandais et écossais. musique folklorique. Les principaux instruments de musique de ce style sont la guitare, le banjo et le violon.

"The Little Old Log Cabin in the Lane" est la première chanson country "documentée", écrite en 1871 par Will Heiss du Kentucky. 53 ans plus tard, Fiddin John Carson a enregistré cette composition sur disque. En octobre 1925, le programme de radio Grand Ole Opry a commencé à fonctionner, qui diffuse encore aujourd'hui des concerts en direct de stars de la country.

Pays comme industrie de la musique, a commencé à prendre de l’ampleur à la fin des années 1940. grâce au succès de Hank Williams (1923-53), qui non seulement a donné l'image d'un chanteur country pour plusieurs générations à venir, mais a également souligné les thèmes typiques du genre - l'amour tragique, la solitude et les difficultés de la vie professionnelle. Déjà à cette époque, il existait différents styles dans la country : le western swing, qui reprenait les principes d'arrangement du Dixieland - ici le roi du genre était Bob Wills et ses Texas Playboys ; le bluegrass, dominé par le fondateur Bill Monroe ; Le style de musiciens comme Hank Williams s'appelait alors hillbilly. Au milieu des années 1950. la musique country, ainsi que des éléments d'autres genres (gospel, rythme et blues), ont donné naissance au rock and roll. Un genre limite a immédiatement émergé - le rockabilly - c'est avec lui que des chanteurs comme Elvis Presley, Carl Perkins et Johnny Cash ont commencé leur carrière créative - ce n'est pas un hasard s'ils ont tous enregistré dans le même studio de Memphis, Sun Records. Grâce au succès de l'album Gunfighter Ballads and Trail Songs de Marty Robbins (1959), le genre country et western, dominé par les histoires de la vie du Far West, est devenu un genre.

La chanson (chanson française - « chanson ») est un genre de musique vocale ; le mot est utilisé dans deux sens :

2) Chanson pop française de style cabaret (en russe ça penche).

La chanson Blatna?ya (folklore blatnoy, blatnyak) est un genre de chanson qui glorifie la vie et les coutumes du milieu criminel, conçue à l'origine pour l'environnement des prisonniers et des personnes proches du monde criminel. Il est originaire de l’Empire russe et s’est répandu en Union soviétique puis dans les pays de la CEI. Au fil du temps, des chansons ont commencé à être écrites dans le genre de la musique criminelle, qui dépassent le thème criminel, mais conservent ses traits caractéristiques (mélodie, jargon, narration, vision du monde). Depuis les années 1990, la chanson criminelle de l'industrie musicale russe est commercialisée sous le nom de « chanson russe » (cf. la radio et les récompenses du même nom).

La romance en musique est une composition vocale écrite sur un court poème au contenu lyrique, principalement amoureux.

La chanson d'auteur, ou musique de barde, est un genre de chanson apparu au milieu du XXe siècle en URSS. Le genre s'est développé dans les années 1950 et 1960. des performances amateurs, quelle que soit la politique culturelle des autorités soviétiques, et a rapidement acquis une grande popularité. L'accent est mis principalement sur la poésie du texte.

6 Musique électronique

La musique électronique (de l'anglais Electronic music, familièrement aussi « électronique ») est un vaste genre musical qui fait référence à la musique créée à l'aide d'instruments de musique électroniques. Bien que les premiers instruments électroniques soient apparus au début du 20e siècle, la musique électronique en tant que genre s'est développée dans la seconde moitié du 20e siècle et au début du 21e siècle et comprend des dizaines de variétés.

7 Musique rock

La musique rock est un nom général désignant un certain nombre de domaines de la musique populaire. Le mot "rock" - se balancer - dans dans ce cas indique les sensations rythmiques caractéristiques de ces directions, associées à une certaine forme de mouvement, par analogie avec « rouler », « torsion », « balancer », « secouer », etc. Des signes de la musique rock comme l'utilisation d'instruments de musique électriques , l’autosuffisance créative (les musiciens de rock interprètent généralement leurs propres compositions) sont secondaires et souvent trompeuses. Pour cette raison, l’identité de certains styles de musique comme rock est contestée. De plus, le rock est un phénomène sous-culturel particulier ; les sous-cultures telles que les mods, les hippies, les punks, les metalheads, les goths, l'emo sont inextricablement liées à certains genres de musique rock.

La musique rock a grand nombre directions : des genres légers comme le dance rock and roll, le pop rock, la Britpop aux genres brutaux et agressifs - le death metal et le hardcore. Le contenu des chansons varie de léger et décontracté à sombre, profond et philosophique. La musique rock est souvent comparée à la musique pop et à ce qu'on appelle. « pop », bien qu'il n'y ait pas de frontière claire entre les concepts de « rock » et de « pop », et de nombreux phénomènes musicaux s'équilibrent à la frontière entre eux.

Les origines de la musique rock se trouvent dans le blues, d'où sont issus les premiers genres rock - le rock and roll et le rockabilly. Les premiers sous-genres de la musique rock sont apparus en lien étroit avec la musique folk et pop de l'époque - principalement le folk, la country, le skiffle et le music-hall. Au cours de son existence, il y a eu des tentatives pour combiner la musique rock avec presque tous les types de musique possibles - avec la musique académique (art rock, apparaît à la fin des années 60), le jazz (le jazz rock, apparaît à la fin des années 60 - début des années 70), le latin musique (rock latin, apparaît à la fin des années 60), musique indienne (raga rock, apparaît au milieu des années 60). Dans les années 60-70, presque tous les grands genres de la musique rock sont apparus, dont les plus importants, outre ceux répertoriés, sont le hard rock, le punk rock et le rock d'avant-garde. À la fin des années 70 et au début des années 80, des genres de musique rock tels que le post-punk, la new wave, le rock alternatif sont apparus (bien que les premiers représentants de cette direction soient déjà apparus à la fin des années 60), le hardcore (un sous-genre important du punk rock), comme ainsi que des sous-genres brutaux du métal - death metal, black metal. Dans les années 90, les genres grunge (apparu au milieu des années 80), Britpop (apparu au milieu des années 60) et métal alternatif (apparu à la fin des années 80) se sont largement développés.

Les principaux centres d'émergence et de développement de la musique rock sont les États-Unis et l'Europe occidentale (notamment la Grande-Bretagne). La plupart des paroles sont en anglais. Cependant, même si, en règle générale, avec un certain retard, la musique rock nationale est apparue dans presque tous les pays. La musique rock de langue russe (appelée rock russe) est apparue en URSS déjà dans les années 1960-1970. et a atteint son apogée dans les années 1980, pour continuer à se développer dans les années 1990.

8 Ska, stable comme le roc, reggae

Le ska est un style musical apparu en Jamaïque à la fin des années 1950. L'émergence du style est liée [source non précisée 99 jours] à l'avènement des sound system, qui permettaient de danser directement dans la rue.

Les installations sonores ne sont pas seulement des enceintes stéréo, mais une forme particulière de discothèques de rue, avec des DJ et leurs systèmes stéréo mobiles, avec une concurrence croissante entre ces DJ pour meilleur son, meilleur répertoire et ainsi de suite.

Le style se caractérise par un rythme swingant à 2/4, la guitare jouant sur les battements de batterie pairs et la contrebasse ou la guitare basse soulignant les battements impairs. La mélodie est interprétée par des instruments à vent tels que la trompette, le trombone et le saxophone. Parmi les mélodies ska, vous trouverez des mélodies jazz.

Rocksteady (« rock stable », « rocksteady ») est un style musical qui existait en Jamaïque et en Angleterre dans les années 1960. La base du style est constituée de rythmes caribéens en 4/4, avec une attention accrue aux claviers et aux guitares.

Le reggae (reggae anglais, autres orthographes « reggae » et « reggae »), musique populaire jamaïcaine, a été mentionné pour la première fois à la fin des années 1960. Parfois utilisé comme nom général pour toute la musique jamaïcaine. Étroitement lié à d'autres genres jamaïcains - rocksteady, ska et autres.

Dub (doublage anglais) - genre musical, né au début des années 1970 en Jamaïque. Initialement, les enregistrements de ce genre étaient des chansons reggae dont les voix (parfois partiellement) étaient supprimées. Depuis le milieu des années 1970, le dub est devenu un phénomène indépendant, considéré comme une forme expérimentale et psychédélique du reggae. Les développements musicaux et idéologiques du dub ont donné naissance à la technologie et à la culture des remixes, et ont également influencé directement ou indirectement le développement nouvelle vague et des genres tels que le hip-hop, la house, la drum and bass, le trip-hop, le dub-techno, le dubstep et autres.

La musique pop (anglais : Pop-music from Popular music) est une direction de la musique moderne, un type de culture de masse moderne.

Le terme « musique pop » a un double sens. Au sens large, il s'agit de toute musique de masse (y compris le rock, l'électronique, le jazz, le blues). Au sens étroit, il s'agit d'un genre distinct de musique populaire, la musique pop elle-même présentant certaines caractéristiques.

Les principales caractéristiques de la musique pop en tant que genre sont la simplicité, la mélodie, le recours au chant et au rythme avec moins d'attention portée à la partie instrumentale. La chanson est la principale et pratiquement la seule forme de composition dans la musique pop. Les paroles de musique pop traitent généralement de sentiments personnels.

La musique pop comprend des sous-genres tels que l'euro pop, le latin, le disco, l'électropop, la musique dance et autres.

dixRap (Hip-Hop)

Le hip-hop est un mouvement culturel né au sein de la classe ouvrière de New York le 12 novembre 1974. DJ Afrika Bambaataa a été le premier à définir les cinq piliers de la culture hip-hop : MCing, DJing, break, graffiti writing et knowledge. . D'autres éléments incluent le beatboxing, la mode hip-hop et l'argot.

Originaire du sud du Bronx, le hip-hop est devenu partie intégrante de la culture des jeunes dans de nombreux pays du monde dans les années 1980. Depuis la fin des années 1990, d'un street underground à forte orientation sociale, le hip-hop s'est progressivement transformé en une partie de l'industrie musicale, et au milieu de la première décennie de ce siècle, la sous-culture était devenue « à la mode » et « grand public". Cependant, malgré cela, de nombreuses personnalités du hip-hop poursuivent toujours leur « ligne principale » : protester contre les inégalités et l'injustice, s'opposer au pouvoir en place.

On sait que la réalisation d'une émission de variétés se divise en la réalisation d'un spectacle de variétés et la réalisation d'un numéro de variétés.

La méthodologie de travail sur un spectacle de variétés (concert, revue, spectacle), en règle générale, n'inclut pas la tâche de créer les numéros qui le composent. Le metteur en scène réunit des numéros prêts à l'emploi avec un scénario, un thème unique, construit l'action de bout en bout du spectacle, organise sa structure tempo-rythmique et résout les problèmes de conception musicale, scénographique et d'éclairage. Autrement dit, il est confronté à toute une série de problèmes artistiques et organisationnels qui nécessitent une résolution dans le programme dans son ensemble et ne sont pas directement liés au numéro de variétés lui-même. Cette position est confirmée par la thèse du célèbre directeur d'émissions de variétés I. Sharoev, qui a écrit que « le plus souvent, le metteur en scène accepte des représentations de spécialistes de divers genres, puis crée à partir d'eux un programme de variétés. La chambre a une grande indépendance.

Travailler sur un numéro de variétés oblige le réalisateur à résoudre un certain nombre de problèmes spécifiques qu'il ne rencontre pas lors de la mise en scène d'un grand programme. C'est avant tout la capacité de révéler l'individualité de l'artiste, de construire la dramaturgie de l'acte, de travailler la reprise, le truc, le gag, de connaître et de prendre en compte la nature des moyens d'expression spécifiques de l'acte, et bien plus encore. plus.

De nombreux postulats méthodologiques pour créer un spectacle reposent sur des principes fondamentaux communs qui existent dans le théâtre, le théâtre musical et le cirque. Mais ensuite, des structures complètement différentes sont construites sur les fondations. Il existe une spécificité notable dans la mise en scène, qui est avant tout déterminée par la typologie de genre du numéro de variétés.

Sur scène, le metteur en scène, en tant que créateur, atteint dans une performance le but ultime de tout art : la création d'une image artistique, qui constitue le côté créatif du métier. Mais en train de mettre en scène un spectacle, un spécialiste travaille sur la technologie des moyens d'expression. Cela est dû à la nature même de certains genres : disons que la plupart des sous-genres du sport et du cirque nécessitent un travail de répétition et d’entraînement avec un entraîneur sur les éléments sportifs et les figures spéciales ; travailler sur un numéro vocal est impossible sans les cours d'un professeur de chant spécialisé ; Dans le genre chorégraphique, le rôle du chorégraphe-tuteur est essentiel.

Parfois, ces spécialistes techniques s'appellent bruyamment metteurs en scène, bien que leur activité se limite en fait à la construction d'une cascade spéciale ou d'un élément technique de la routine - peu importe qu'il s'agisse d'acrobaties, de danse ou de chant. Ici, il est exagéré de parler de création d’une image artistique. Lorsque les grands maîtres de la pop (notamment dans les genres originaux) partagent les secrets de leur savoir-faire dans les œuvres imprimées, ils décrivent principalement les techniques de tours de magie, d'acrobaties, de jonglerie, etc.

Je voudrais souligner une fois de plus que la structure artistique d’un numéro de variétés est complexe, diversifiée et souvent conglomérative. Par conséquent, mettre en scène un numéro de variétés est l’une des activités les plus difficiles d’un réalisateur. « C'est très difficile de faire une bonne performance, même si cela ne dure que quelques minutes. Et il me semble que ces difficultés sont sous-estimées. C’est peut-être pour cela que je respecte et apprécie tant l’art de ceux que l’on appelle parfois de manière quelque peu désobligeante les artistes du spectacle, leur attribuant une place peu honorable dans l’échelle non écrite des professions. Ces propos de S. Yutkevich confirment une fois de plus l'importance d'analyser la structure artistique d'un numéro de variétés dans le but ultime d'étudier les fondamentaux de la méthodologie de sa création, notamment en termes de travail de mise en scène et de mise en scène.

Conclusion.

L'ART DES VARIÉTÉS (du français estrade - plate-forme, élévation) est un type synthétique d'art scénique qui combine de petites formes de drame, de comédie, de musique, ainsi que de chant, d'art. lecture, chorégraphie, excentricité, pantomime, acrobatie, jonglerie, illusionnisme, etc. Malgré son caractère international, il conserve ses racines folkloriques, qui lui confèrent une saveur nationale particulière. Originaire de la Renaissance sur la scène de rue et commençant par le clown, les farces primitives, la bouffonnerie, E. et. dans différents pays, il a évolué différemment, privilégiant l'un ou l'autre genre, l'une ou l'autre image de masque. Dans les programmes de variétés des salons, cercles et clubs apparus plus tard, dans les kiosques, les music-halls, les cafés, les cabarets, les théâtres miniatures et dans les jardins de variétés survivants, l'humour joyeux, les parodies et les dessins animés pleins d'esprit, la satire communautaire caustique, l'hyperbole pointue et la bouffonnerie prévaut, l'ironie grotesque et ludique, les paroles émouvantes, la danse à la mode et les rythmes musicaux. Des numéros individuels de la variété polyphonique du divertissement sont souvent réunis sur scène par un artiste ou une simple intrigue, et des théâtres d'un ou deux acteurs, des ensembles (ballet, musical, etc.) - par un répertoire original, leur propre dramaturgie. L'art des variétés s'adresse au public le plus large et repose principalement sur l'habileté des interprètes, leur technique de transformation, leur capacité à créer un divertissement spectaculaire en utilisant des moyens laconiques et un caractère brillant - souvent comique-négatif que positif. En exposant ses antihéros, il se tourne vers des traits et des détails métaphoriques, vers l'entrelacement bizarre de vraisemblance et de caricature, réel et fantastique, contribuant ainsi à créer une atmosphère de rejet de leurs prototypes de vie, d'opposition à leur prospérité dans la réalité. L'art populaire se caractérise par l'actualité, une combinaison dans les meilleurs exemples de divertissement avec un contenu sérieux, des fonctions éducatives, lorsque le plaisir est complété par une variété de palette émotionnelle, et parfois par un pathos socio-politique et civil. Le show business, généré par la culture de masse bourgeoise, manque de cette dernière qualité. Presque toutes les variétés opérationnelles « petites », « légères », y compris le « chou » commun, se caractérisent par une durée de vie relativement courte, une dépréciation rapide des masques, qui dépend de l'épuisement de la pertinence du sujet, de la mise en œuvre des ordres sociaux, changements dans l’intérêt et les besoins du public. Étant l'une des formes d'art les plus dynamiques, à la fois les arts les plus anciens, le pop art est soumis à la maladie de l'estampage, à une diminution de la valeur artistique et esthétique des trouvailles talentueuses, jusqu'à leur transformation en kitsch. Le développement est fortement influencé par les arts « techniques » comme le cinéma et surtout la télévision, qui incluent souvent des émissions de variétés et des concerts dans leurs programmes. Grâce à cela, les formes et techniques traditionnelles de la scène acquièrent non seulement une plus grande ampleur et une plus grande prévalence, mais aussi une profondeur psychologique (l'utilisation de gros plans, d'autres moyens visuels et expressifs des arts de l'écran) et un divertissement vivant.

Dans le système des arts du spectacle, la musique pop occupe aujourd'hui fermement une place à part, représentant un phénomène indépendant de la culture artistique. La popularité de la musique pop auprès des publics les plus larges et les plus divers l'oblige à répondre aux besoins esthétiques contradictoires de divers groupes de la population selon leur composition sociale, leur âge, leur éducation et même leur nationalité. Cette caractéristique du pop art explique en grande partie la présence d'aspects négatifs dans les mérites professionnels, esthétiques et de bon goût des œuvres pop. La taille massive du public pop d'hier et d'aujourd'hui, son hétérogénéité, la nécessité de combiner les fonctions de divertissement et d'éducation dans le pop art, imposent des exigences spécifiques aux créateurs d'œuvres du pop art et leur imposent une responsabilité particulière.

La complexité de l'étude des œuvres pop, ainsi que du développement d'approches méthodologiques de leur création, est due au fait qu'il s'agit dans son ensemble d'un conglomérat de divers arts. Il synthétise le jeu d'acteur, la musique instrumentale, le chant, la chorégraphie, la peinture (par exemple, le genre « artiste instantané ») Le sport (actes acrobatiques et gymnastiques) et la science sont coincés dans cette synthèse des arts (parmi les genres pop, il y a un acte mathématique). - « machine à compter en direct »). De plus, il existe des genres de variétés basés sur la composante cascade, qui nécessitent la manifestation des capacités et capacités uniques d'une personne (par exemple, un certain nombre de sous-genres de variétés et de cirque, l'hypnose, les expériences psychologiques). La multiplicité des moyens d'expression, leurs combinaisons inattendues et inhabituelles dans diverses formes synthétiques sur scène sont souvent plus diverses que dans d'autres arts du spectacle.

Liste de la littérature utilisée.

Bermont E. Concours de variétés. //Théâtre. 1940, n° 2, p.75-78

Birzhenyuk G.M., Buzene L.V., Gorbunova N.A.

Kober. Le point culminant du programme : Trad. avec lui. L., 1928. S. 232-233 ; Stanishevsky Yu. Numéro et culture de sa présentation // SEC. 1965. N° 6.

Konnikov A. Le monde de la variété. M., 1980.

Ozhegov S.I. et Shvedova N.Yu. Dictionnaire explicatif de la langue russe : 80 000 mots et expressions phraséologiques

Rozovsky M. Directeur du spectacle. M., 1973.

Scène soviétique russe // Essais sur l'histoire. représentant éd. doc. prétendre, prof. E. Ouvarova. Dans 3 T.M., 1976, 1977,1981.

Uvarova E. Théâtre de variétés : Miniatures, revues, music-halls (1917-1945). M., 1983 ; Arkadi Raïkine. M., 1986 ; Comment ils s'amusaient dans les capitales russes. Saint-Pétersbourg, 2004.

Sharoev I. Mise en scène et représentations de masse. M., 1986 ; Les multiples visages de la scène. M., 1995.

Page 1

Mot "variété" (

du latin couches

signifie – revêtement de sol, plate-forme, colline, plate-forme.

La définition la plus précise du pop art en tant qu'art combinant différents genres est donnée dans le dictionnaire de D.N. Ouchakov : " Scène

C'est l'art des petites formes, le domaine des performances spectaculaires et musicales sur scène ouverte. Sa spécificité réside dans sa facilité d'adaptation aux diverses conditions de démonstration publique et de courte durée d'action, dans les moyens artistiques et expressifs, un art qui contribue à l'identification vivante de l'individualité créatrice de l'interprète, dans l'actualité, la pertinence socio-politique aiguë de les sujets abordés, dans la prédominance des éléments d'humour, de satire et de journalisme." .

L'encyclopédie soviétique définit la musique pop comme étant originaire du français estrade

un type d'art qui comprend de petites formes d'art dramatique et vocal, de la musique, de la chorégraphie, du cirque, de la pantomime, etc. Dans les concerts, il existe des numéros complets séparés unis par un spectacle et une intrigue. Il apparaît comme un art indépendant à la fin du XIXe siècle.

Il existe également la définition suivante de la scène :

Une zone de scène, permanente ou temporaire, pour les concerts d'un artiste.

Le pop art a ses racines dans un passé lointain, remontant à l’art de l’Égypte ancienne et de la Grèce antique. Bien que l’art des variétés interagisse étroitement avec d’autres arts, comme la musique, le théâtre dramatique, la chorégraphie, la littérature, le cinéma, le cirque, la pantomime, il s’agit d’un type d’art indépendant et spécifique. La base du pop art est « le numéro de Sa Majesté » - comme le disait N. Smirnov-Sokolsky1.

Nombre

Une petite représentation d'un ou plusieurs artistes, avec sa propre intrigue, son point culminant et son dénouement. La spécificité de la performance est la communication directe de l'artiste avec le public, en son nom propre ou à partir d'un personnage.

Dans l'art médiéval des artistes itinérants, des théâtres de farces en Allemagne, des bouffons en Russie, du théâtre des masques en Italie, etc. il y avait déjà une adresse directe de l'artiste au public, ce qui permettait à l'artiste suivant de devenir un participant direct à l'action. La courte durée de la représentation (pas plus de 15 à 20 minutes) nécessite une concentration extrême des moyens d'expression, du laconisme et de la dynamique. Les numéros de variétés sont classés selon leurs caractéristiques en quatre groupes. Le premier groupe de type comprend les numéros conversationnels (ou vocaux). Viennent ensuite les numéros musicaux, plastiques-chorégraphiques, mixtes, « originaux ».

L'art de la commedia del-arte (théâtre des masques) des XVIe et XVIIe siècles s'est construit au contact ouvert du public.

Les performances étaient généralement improvisées sur la base de scènes d'intrigue standard. Le son musical sous forme d'interludes (insertions) : chants, danses, numéros instrumentaux ou vocaux - était la source directe du numéro de variétés.

Au XVIIIe siècle apparaissent l’opéra-comique et le vaudeville. Les vaudevilles étaient des spectacles passionnants avec de la musique et des blagues. Leurs héros principaux - les gens ordinaires - ont toujours vaincu des aristocrates stupides et vicieux.

Et au milieu du XIXe siècle, le genre de l'opérette (littéralement petit opéra) est né : un type d'art théâtral qui combine musique vocale et instrumentale, danse, ballet, éléments du pop art et dialogues. L'opérette apparaît comme genre indépendant en France en 1850. Le « père » de l’opérette française, et de l’opérette en général, était Jacques Offenbach(1819-1880). Plus tard, le genre se développe dans la « comédie des masques » italienne.

La scène est étroitement liée à la vie quotidienne, au folklore, aux traditions. De plus, ils sont repensés, modernisés et « popularisés ». Diverses formes de créativité pop sont utilisées comme passe-temps divertissant.