Les racines du pop art remontent à un passé lointain, retrouvées dans l'art de l'Égypte, de la Grèce, de Rome ; ses éléments sont présents dans les performances de comédiens-bouffons ambulants (Russie), shpilmanov (Allemagne), jongleurs (France), dandys (Pologne), mascarades (Asie centrale), etc.

Satire sur la vie et la morale urbaines, plaisanteries acerbes sur des sujets politiques, attitude critique envers le pouvoir, distiques, scènes comiques, blagues, jeux, pantomime de clown, jonglerie et excentricités musicales furent les prémices des futurs genres pop, nés dans le bruit du carnaval. et des divertissements carrés.

Les aboyeurs, qui, à l'aide de plaisanteries, de bons mots et de distiques amusants, vendaient n'importe quel produit sur les places et les marchés, devinrent plus tard les prédécesseurs de l'artiste. Tout cela était d'une nature massive et intelligible, condition indispensable à l'existence de tous les genres pop. Tous les artistes du carnaval médiéval n'ont pas présenté de spectacles.

En Russie, les origines des genres pop se sont manifestées dans le plaisir des bouffons, le plaisir et la créativité de masse, les festivals folkloriques. Leurs représentants sont les farceurs du raus à la barbe obligatoire, qui amusaient et invitaient le public depuis la plate-forme supérieure du stand du raus, les joueurs de persil, les raeshniks, les chefs des ours « savants », les acteurs bouffons exécutant des « sketches » et des « reprises » parmi eux. la foule, jouant de la flûte, de la harpe, renifle et amuse les gens.

L'art des variétés se caractérise par des qualités telles que l'ouverture, le laconisme, l'improvisation, la festivité, l'originalité et le divertissement.

Se développant comme un art de loisir festif, la musique pop a toujours recherché l'insolite et la diversité. Le sentiment même de fête a été créé grâce aux divertissements extérieurs, aux jeux de lumière, au changement de décor pittoresque, au changement de forme de la scène, etc. Malgré le fait que la scène se caractérise par une variété de formes et de genres, elle peut être divisée en trois groupes :

La scène de concert (anciennement appelée « divertissement ») regroupe tous types de représentations dans des concerts de variétés ;

Scène théâtrale (représentations de chambre de théâtres miniatures, théâtres de cabaret, cafés-théâtres ou revues de concerts à grande échelle, music-halls, avec une grande distribution et une technologie scénique de premier ordre) ;

Scène festive (fêtes folkloriques, fêtes dans les stades, pleines de spectacles sportifs et de concerts, ainsi que bals, carnavals, mascarades, festivals, etc.).

Il y a aussi ceux-ci :

3. 1. THÉÂTRES DE VARIÉTÉS

3.1.1.SALONS DE MUSIQUE

Si la base d'une représentation de variété est un numéro complet, alors la revue, comme toute action dramatique, exigeait la subordination de tout ce qui se passe sur scène à l'intrigue. Ceci, en règle générale, ne s'est pas combiné de manière organique et a conduit à un affaiblissement de l'une des composantes de la performance : soit le nombre, soit les personnages, soit l'intrigue. Cela s'est produit lors de la production des "Miracles du 20e siècle" - la pièce s'est divisée en un certain nombre d'épisodes indépendants et vaguement connectés. Seuls la troupe de ballet et plusieurs numéros de cirque de premier ordre ont eu du succès auprès du public. L'ensemble de ballet, mis en scène par Goleizovsky, a interprété trois numéros : « Hé, allons-y ! », « Moscou sous la pluie » et « 30 filles anglaises ». La performance de « Snake » était particulièrement impressionnante. Parmi les numéros de cirque, les meilleurs étaient : Tea Alba et les « Australian Lumberjacks » Jackson et Laurer. Alba a écrit simultanément différents mots à la craie sur deux tableaux avec ses mains droite et gauche. Au fond de la pièce, des bûcherons couraient pour abattre deux grosses bûches. L'Allemand Strodi a fait preuve d'un excellent équilibre sur le fil. Il a effectué des sauts périlleux sur un fil. Parmi les artistes soviétiques, comme toujours, Smirnov-Sokolsky et les chansons V. Glebova et M. Darskaya ont eu un grand succès. Parmi les numéros de cirque, le numéro de Zoe et Martha Koch sur deux fils parallèles s'est démarqué.

En septembre 1928, eut lieu l'ouverture du Leningrad Music Hall.

3. 1.2. THÉÂTRE DES MINIATURES - une troupe de théâtre qui travaille principalement sur de petites formes : petites pièces de théâtre, sketches, opéras, opérettes ainsi que des numéros de variétés (monologues, distiques, parodies, danses, chansons). Le répertoire est dominé par l'humour, la satire, l'ironie et le lyrisme n'est pas exclu. La troupe est petite, un théâtre d'un ou deux comédiens est possible. De conception laconique, les performances sont conçues pour un public relativement restreint et présentent une sorte de toile de mosaïque.

3.1.3. GENRES CONVERSATIONNELS sur scène - un symbole pour les genres associés principalement au mot : artiste de spectacle, spectacle, sketch, sketch, histoire, monologue, feuilleton, microminiature (blague mise en scène), burime.

Artiste - l'artiste peut être en couple, seul ou en masse. Genre conversationnel construit selon les lois de « l'unité et de la lutte des contraires », c'est-à-dire le passage de la quantité à la qualité selon le principe satirique.

Un monologue varié peut être satirique, lyrique ou humoristique.

Interlude est une scène comique ou une pièce musicale à contenu humoristique, interprétée comme un numéro indépendant.

Un sketch est une petite scène où l'intrigue se développe rapidement, où l'intrigue la plus simple est construite sur des situations, des rebondissements inattendus, drôles et poignants, permettant à toute une série d'absurdités de surgir au cours de l'action, mais où tout se termine généralement par un dénouement heureux. 1-2 acteurs(mais pas plus de trois).

La miniature est le genre parlé le plus populaire sur scène. Sur scène aujourd'hui, une blague populaire (non publiée, non imprimée - du grec) est une courte histoire orale d'actualité avec une fin spirituelle inattendue.

Un jeu de mots est une blague basée sur l'utilisation comique de mots à consonance similaire mais à consonance différente pour jouer sur la similitude sonore de mots ou de combinaisons équivalents.

La reprise est le genre conversationnel court le plus courant.

Les distiques sont l’un des types de genre conversationnel les plus intelligibles et les plus populaires. Le coupletiste cherche à ridiculiser tel ou tel phénomène et à exprimer son attitude à son égard. Doit avoir le sens de l'humour

Les genres musicaux et conversationnels comprennent le distique, la chansonnette, la chansonette et le feuilleton musical.

Une parodie courante sur scène peut être « conversationnelle », vocale, musicale ou dansante. À une époque, les genres de discours comprenaient les récitations, les récitations mélodiques, les montages littéraires et la « lecture artistique ».

Il est impossible de donner une liste précise des genres de discours : des synthèses inattendues de mots avec la musique, la danse, les genres originaux (transformation, ventrologie, etc.) donnent naissance à de nouvelles formations de genres. La pratique vivante fournit continuellement toutes sortes de variétés ; ce n'est pas un hasard si sur les affiches anciennes il était d'usage d'ajouter « dans son genre » au nom de l'acteur.

Chacun des genres de discours ci-dessus a ses propres caractéristiques, sa propre histoire et sa propre structure. L'évolution de la société et les conditions sociales ont dicté l'émergence d'un genre ou d'un autre. En fait, seuls les artistes nés dans le cabaret peuvent être considérés comme un genre « variété ». Le reste provenait des stands, des théâtres et des pages de magazines humoristiques et satiriques. Les genres de discours, contrairement à d'autres qui tendent à embrasser les innovations étrangères, se sont développés conformément à la tradition nationale, en lien étroit avec le théâtre et la littérature humoristique.

Le développement des genres de discours est associé au niveau de littérature. Derrière l’acteur se trouve l’auteur qui « meurt » dans l’interprète. Et pourtant, la valeur intrinsèque du jeu d’acteur n’enlève rien à l’importance de l’auteur, qui détermine en grande partie la réussite de l’acte. Les artistes eux-mêmes deviennent souvent les auteurs. Les traditions de I. Gorbunov ont été reprises par des conteurs pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov et d'autres ont créé leur propre répertoire. Des acteurs qui n'avaient pas de talent littéraire ont demandé de l'aide à des auteurs qui écrivaient dans l'attente d'une performance orale, en prenant en compte. compte du masque de l'interprète. Ces auteurs, en règle générale, sont restés « anonymes ». Depuis de nombreuses années, la presse débat de la question de savoir si une œuvre écrite pour être jouée sur scène peut être considérée comme de la littérature. Au début des années 80, l'Association pan-syndicale puis l'Association panrusse des auteurs pop ont été créées, ce qui a contribué à légitimer ce type. activité littéraire. L'« anonymat » de l'auteur appartient au passé ; d'ailleurs, les auteurs eux-mêmes sont montés sur scène. À la fin des années 70, sort le programme « Dans les coulisses du rire », composé comme un concert, mais exclusivement à partir de performances d'auteurs pop. Si, au cours des années précédentes, seuls des écrivains individuels (Averchenko, Ardov, Laskin) présentaient leurs propres programmes, ce phénomène s'est désormais généralisé. Le phénomène de M. Zhvanetsky a grandement contribué au succès. Ayant débuté dans les années 60 en tant qu'auteur du Théâtre des Miniatures de Leningrad, il, contournant la censure, a commencé à lire ses courts monologues et dialogues lors de soirées fermées dans les Maisons de l'Intelligentsia Créatrice, qui, comme les chansons de Vysotsky, se sont répandues dans tout le pays.

3. JAZZ SUR STAND

Le terme « jazz » est communément compris comme : 1) un type d'art musical basé sur l'improvisation et une intensité rythmique particulière, 2) des orchestres et ensembles interprétant cette musique. Les termes « groupe de jazz », « ensemble de jazz » (indiquant parfois le nombre d'interprètes - trio de jazz, quatuor de jazz, « orchestre de jazz », « big band ») sont également utilisés pour désigner des groupes.

4. CHANSON SUR STAND

Miniature vocale (vocale-instrumentale), largement utilisée dans la pratique du concert. Sur scène, il est souvent résolu comme un « jeu » miniature à l'aide de plastiques, de costumes, de lumière, de mise en scène (« théâtre de chansons ») ; La personnalité, les caractéristiques du talent et la compétence de l'interprète, qui devient dans certains cas un « co-auteur » du compositeur, deviennent d'une grande importance.

Les genres et les formes de la chanson sont variés : romance, ballade, chanson folklorique, couplet, chansonnette, chansonette, etc. ; Les modalités d'interprétation sont également variées : solo, ensemble (duos, chœurs, ensembles vocaux-instrumentaux).

Il existe également un groupe de composition parmi les musiciens pop. Il s'agit d'Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk, etc. La chanson précédente était principalement une chanson de compositeur, la chanson actuelle est celle d'un "interprète".

De nombreux styles, manières et tendances coexistent - du kitsch sentimental et de la romance urbaine au punk rock et au rap. Ainsi, la chanson d'aujourd'hui est un panel multicolore et multistyle, comprenant des dizaines de directions, allant des imitations du folklore national aux infusions de cultures afro-américaines, européennes et asiatiques.

5. DANSE SUR STAND

C'est court numéro de danse, en solo ou en groupe, présenté dans des concerts pop nationaux, des spectacles de variétés, des music-halls, des théâtres miniatures ; accompagne et complète le programme des chanteurs, des numéros de genres originaux et même de discours. Il s'est formé sur la base de la danse folklorique, quotidienne (de salon), du ballet classique, de la danse moderne, de la gymnastique sportive, de l'acrobatie, du croisement de toutes sortes d'influences étrangères et traditions nationales. La nature de la plasticité de la danse est dictée par les rythmes modernes et se forme sous l'influence des arts connexes : musique, théâtre, peinture, cirque, pantomime.

Les danses folkloriques étaient initialement incluses dans les représentations des troupes de la capitale. Le répertoire comprenait des spectacles de divertissement théâtral sur la vie villageoise, urbaine et militaire, des suites vocales et de danse du russe chansons folkloriques et en dansant.

Dans les années 90, la danse sur scène s'est fortement polarisée, comme pour revenir à la situation des années 20. Les groupes de danse impliqués dans le show business, comme Erotic Dance et d'autres, s'appuient sur l'érotisme - les spectacles dans les boîtes de nuit dictent leurs propres lois.

6. MARIONNETTES SUR PIED

Depuis l'Antiquité, en Russie, l'artisanat était valorisé, les jouets étaient appréciés et les jeux amusants avec des poupées étaient respectés. Petrouchka a eu affaire à un soldat, à un policier, à un prêtre et même à la mort elle-même, a courageusement brandi une massue, a mis à mort ceux que le peuple n'aimait pas, a renversé le mal et a affirmé la moralité du peuple.

Les joueurs de persil erraient seuls, parfois ensemble : marionnettiste et musicien, ils composaient eux-mêmes des pièces de théâtre, ils étaient eux-mêmes acteurs, ils étaient eux-mêmes metteurs en scène - ils essayaient de conserver les mouvements des marionnettes, la mise en scène et la marionnette des trucs. Les marionnettistes étaient persécutés.

Il y avait d'autres spectacles dans lesquels des marionnettes jouaient. Sur les routes de Russie, on pouvait voir des camionnettes chargées de poupées attachées à des ficelles - des marionnettes. Et parfois avec des boîtes avec des fentes à l'intérieur, à travers lesquelles les poupées étaient déplacées par le bas. De telles boîtes étaient appelées crèches. Les marionnettes maîtrisaient l'art de l'imitation. Ils aimaient se faire passer pour des chanteurs, ils copiaient des acrobates, des gymnastes et des clowns.

7. PARODIE SUR SCÈNE

Il s'agit d'un numéro ou d'une performance basée sur une imitation ironique (imitation) à la fois de la manière individuelle, du style, des traits caractéristiques et des stéréotypes de l'original, ainsi que de mouvements et genres artistiques entiers. L'amplitude du comique : du fortement satirique (péjoratif) au humoristique (dessin animé sympathique) est déterminée par l'attitude du parodiste envers l'original. La parodie trouve ses racines dans l’art ancien ; en Russie, elle est présente depuis longtemps dans les jeux bouffons et les spectacles farfelus.

8. THÉÂTRES DE PETITES FORMES

Création de théâtres de cabaret en Russie « The Bat », « Curved Mirror », etc.

"The Crooked Mirror" et "The Bat" étaient des groupes d'acteurs professionnellement forts, dont le niveau de culture théâtrale était sans aucun doute plus élevé que dans de nombreux théâtres miniatures (parmi ceux de Moscou, Petrovsky se distinguait plus que d'autres, le directeur était D.G. Gutman , Mamonovsky, cultivant l'art décadent, où Alexander Vertinsky a fait ses débuts pendant la Première Guerre mondiale, Nikolsky - artiste et réalisateur A.P. Petrovsky Parmi les Saint-Pétersbourg - Troitsky A.M. Fokina - réalisateur V.R Rappoport, où avec des chansons et. artiste du théâtre artistique, joué avec succès en tant qu'artiste.

4. Genres musicaux sur scène. Principes de base, techniques et mise en scène.

On distingue les genres pop :

1 musique latino-américaine

La musique latino-américaine (espagnol : musica latinoamericana) est un nom généralisé pour les styles et genres musicaux des pays d'Amérique latine, ainsi que pour la musique des personnes de ces pays qui vivent de manière compacte sur le territoire d'autres États et forment de grandes communautés latino-américaines ( par exemple aux USA). Dans le langage familier, le nom abrégé « musique latine » (espagnol musica latina) est souvent utilisé.

La musique latino-américaine, dont le rôle dans la vie quotidienne de l'Amérique latine est très importante, est une fusion de nombreuses cultures musicales, mais elle repose sur trois composantes : les cultures musicales espagnole (ou portugaise), africaine et indienne. En règle générale, les chansons latino-américaines sont interprétées en espagnol ou en portugais, moins souvent en français. Les artistes latino-américains vivant aux États-Unis sont généralement bilingues et utilisent souvent des paroles en anglais.

En réalité, la musique espagnole et portugaise n'appartient pas à la musique latino-américaine, étant cependant étroitement liée à cette dernière par un grand nombre de liens ; De plus, l’influence des musiques espagnole et portugaise sur la musique latino-américaine est mutuelle.

Malgré le fait que la musique latino-américaine soit extrêmement hétérogène et que chaque pays d'Amérique latine a ses propres caractéristiques, sur le plan stylistique, elle peut être divisée en plusieurs styles régionaux principaux :

* Musique andine ;

* Musique d'Amérique centrale ;

* Musique caribéenne ;

* Musique argentine ;

* Musique mexicaine ;

* Musique brésilienne.

Il faut cependant garder à l’esprit qu’une telle division est très arbitraire et que les frontières de ces styles musicaux sont très floues.

Le blues (blues anglais de blue devils) est un genre musical qui s'est répandu dans les années 20 du 20e siècle. C'est l'une des réussites de la culture afro-américaine. Il a été formé à partir de mouvements musicaux ethniques de la société afro-américaine tels que le « chant de travail », le « spirituel » et le choléra. À bien des égards, il a influencé la musique populaire moderne, en particulier des genres tels que le « pop » (musique pop anglaise), le « jazz » (jazz anglais) et le « rock and roll » (rock'n'roll anglais). La forme prédominante du blues est le 4/4, où les 4 premières mesures sont souvent jouées sur l'harmonie tonique, 2 chacune sur la sous-dominante et la tonique, et 2 chacune sur la dominante et la tonique. Cette alternance est également connue sous le nom de progression blues. Le rythme des triolets de croches avec une pause est souvent utilisé - ce qu'on appelle le shuffle. Un trait caractéristique du blues sont les « notes bleues ». Souvent, la musique est construite sur une structure « questions-réponses », exprimée à la fois dans le contenu lyrique de la composition et dans le contenu musical, souvent construit sur un dialogue entre instruments. Le blues est une forme d'improvisation du genre musical, où les compositions utilisent souvent uniquement le « cadre » principal de support, qui est joué par des instruments solistes. Le thème original du blues est construit sur la composante sociale sensuelle de la vie de la population afro-américaine, ses difficultés et les obstacles qui se présentent sur le chemin de chaque personne noire.

Le jazz est une forme d'art musical apparue en fin XIX- au début du XXe siècle aux USA grâce à la synthèse des cultures africaines et européennes et s'est ensuite généralisée. Les traits caractéristiques du langage musical du jazz étaient initialement l'improvisation, la polyrythmie basée sur des rythmes syncopés et complexe unique techniques pour exécuter une texture rythmique - swing. Le développement ultérieur du jazz s'est produit grâce au développement de nouveaux modèles rythmiques et harmoniques par les musiciens et compositeurs de jazz.

La musique country combine deux types de folklore américain : la musique des colons blancs installés dans le Nouveau Monde aux XVIIe et XVIIIe siècles et les ballades de cow-boy du Far West. Cette musique possède un fort héritage des madrigaux élisabéthains, irlandais et écossais. musique folklorique. Les principaux instruments de musique de ce style sont la guitare, le banjo et le violon.

"The Little Old Log Cabin in the Lane" est la première chanson country "documentée", écrite en 1871 par Will Heiss du Kentucky. 53 ans plus tard, Fiddin John Carson a enregistré cette composition sur disque. En octobre 1925, le programme de radio Grand Ole Opry a commencé à fonctionner, qui diffuse encore aujourd'hui des concerts en direct de stars de la country.

La musique country en tant qu'industrie musicale a commencé à prendre de l'ampleur à la fin des années 1940. grâce au succès de Hank Williams (1923-53), qui non seulement a donné l'image d'un chanteur country pour plusieurs générations à venir, mais a également souligné les thèmes typiques du genre - l'amour tragique, la solitude et les difficultés de la vie professionnelle. Déjà à cette époque, il existait différents styles dans la country : le western swing, qui reprenait les principes d'arrangement du Dixieland - ici le roi du genre était Bob Wills et ses Texas Playboys ; le bluegrass, dominé par le fondateur Bill Monroe ; Le style de musiciens comme Hank Williams s'appelait alors hillbilly. Au milieu des années 1950. la musique country, ainsi que des éléments d'autres genres (gospel, rythme et blues), ont donné naissance au rock and roll. Un genre limite a immédiatement émergé - le rockabilly - c'est avec lui que des chanteurs comme Elvis Presley, Carl Perkins et Johnny Cash ont commencé leur carrière créative - ce n'est pas un hasard s'ils ont tous enregistré dans le même studio de Memphis, Sun Records. Grâce au succès de l'album Gunfighter Ballads and Trail Songs de Marty Robbins (1959), le genre country et western, dominé par les histoires de la vie du Far West, est devenu un genre.

La chanson (chanson française - « chanson ») est un genre de musique vocale ; le mot est utilisé dans deux sens :

2) Chanson pop française de style cabaret (en russe ça penche).

La chanson Blatna?ya (folklore blatnoy, blatnyak) est un genre de chanson qui glorifie la vie et les coutumes du milieu criminel, conçue à l'origine pour l'environnement des prisonniers et des personnes proches du monde criminel. Originaire de Empire russe et s'est répandu en Union soviétique puis dans les pays de la CEI. Au fil du temps, des chansons ont commencé à être écrites dans le genre de la musique criminelle qui dépassent le thème criminel, mais le conservent. caractéristiques(mélodie, jargon, récit, vision du monde). Depuis les années 1990, la chanson criminelle de l'industrie musicale russe est commercialisée sous le nom de « chanson russe » (cf. la radio et les récompenses du même nom).

La romance en musique est une composition vocale écrite sur un court poème au contenu lyrique, principalement amoureux.

La chanson d'auteur, ou musique de barde, est un genre de chanson apparu au milieu du XXe siècle en URSS. Le genre s'est développé dans les années 1950 et 1960. des performances amateurs, quelle que soit la politique culturelle des autorités soviétiques, et a rapidement acquis une grande popularité. L'accent est mis principalement sur la poésie du texte.

6 Musique électronique

La musique électronique (de l'anglais Electronic music, familièrement aussi « électronique ») est un vaste genre musical désignant la musique créée à l'aide d'instruments de musique électroniques. Bien que les premiers instruments électroniques soient apparus au début du XXe siècle, la musique électronique en tant que genre s'est développée dans la seconde moitié du XXe siècle et début XXI siècle comprend des dizaines de variétés.

7 Musique rock

La musique rock est un nom général désignant un certain nombre de domaines de la musique populaire. Le mot "rock" - se balancer - dans dans ce cas indique les sensations rythmiques caractéristiques de ces directions, associées à une certaine forme de mouvement, par analogie avec « rouler », « torsion », « balancer », « secouer », etc. Des signes de la musique rock comme l'utilisation d'instruments de musique électriques , l’autosuffisance créative (les musiciens de rock interprètent généralement leurs propres compositions) sont secondaires et souvent trompeuses. Pour cette raison, l’identité de certains styles de musique comme rock est contestée. De plus, le rock est un phénomène sous-culturel particulier ; les sous-cultures telles que les mods, les hippies, les punks, les metalheads, les goths, l'emo sont inextricablement liées à certains genres de musique rock.

La musique rock a un grand nombre de directions : des genres légers comme le dance rock and roll, le pop rock, la Britpop aux genres brutaux et agressifs - le death metal et le hardcore. Le contenu des chansons varie de léger et décontracté à sombre, profond et philosophique. La musique rock est souvent comparée à la musique pop, etc. « pop », bien qu'il n'y ait pas de frontière claire entre les concepts de « rock » et de « pop », et de nombreux phénomènes musicaux s'équilibrent à la frontière entre eux.

Les origines de la musique rock se trouvent dans le blues, d'où sont issus les premiers genres rock - le rock and roll et le rockabilly. Les premiers sous-genres de la musique rock sont apparus en lien étroit avec la musique folk et pop de l'époque - principalement le folk, la country, le skiffle et le music-hall. Au cours de son existence, il y a eu des tentatives pour combiner la musique rock avec presque tous les types de musique possibles - avec la musique académique (art rock, apparaît à la fin des années 60), le jazz (le jazz rock, apparaît à la fin des années 60 - début des années 70), le latin musique (rock latin, apparaît à la fin des années 60), musique indienne (raga rock, apparaît au milieu des années 60). Dans les années 60-70, presque tous les grands genres de la musique rock sont apparus, dont les plus importants, outre ceux répertoriés, sont le hard rock, le punk rock et le rock d'avant-garde. À la fin des années 70 et au début des années 80, des genres de musique rock tels que le post-punk, la new wave, le rock alternatif sont apparus (bien que les premiers représentants de cette direction soient déjà apparus à la fin des années 60), le hardcore (un sous-genre important du punk rock), comme ainsi que des sous-genres brutaux du métal - death metal, black metal. Dans les années 90, les genres grunge (apparu au milieu des années 80), Britpop (apparu au milieu des années 60) et métal alternatif (apparu à la fin des années 80) se sont largement développés.

Les principaux centres d'émergence et de développement de la musique rock sont les États-Unis et l'Europe occidentale (notamment la Grande-Bretagne). La plupart des paroles sont en anglais. Cependant, même si, en règle générale, avec un certain retard, la musique rock nationale est apparue dans presque tous les pays. La musique rock de langue russe (appelée rock russe) est apparue en URSS déjà dans les années 1960-1970. et a atteint son apogée dans les années 1980, pour continuer à se développer dans les années 1990.

8 Ska, stable comme le roc, reggae

Le ska est un style musical apparu en Jamaïque à la fin des années 1950. L'émergence du style est liée [source non précisée 99 jours] à l'avènement des sound system, qui permettaient de danser directement dans la rue.

Les installations sonores ne sont pas seulement des enceintes stéréo, mais une forme particulière de discothèques de rue, avec des DJ et leurs systèmes stéréo mobiles, avec une concurrence croissante entre ces DJ pour meilleur son, meilleur répertoire et ainsi de suite.

Le style se caractérise par un rythme swingant à 2/4, la guitare jouant sur les battements de batterie pairs et la contrebasse ou la guitare basse soulignant les battements impairs. La mélodie est interprétée par des instruments à vent tels que la trompette, le trombone et le saxophone. Parmi les mélodies ska, vous trouverez des mélodies jazz.

Rocksteady (« rock stable », « rocksteady ») est un style musical qui existait en Jamaïque et en Angleterre dans les années 1960. La base du style est constituée de rythmes caribéens en 4/4, avec une attention accrue aux claviers et aux guitares.

Le reggae (reggae anglais, autres orthographes « reggae » et « reggae »), musique populaire jamaïcaine, a été mentionné pour la première fois à la fin des années 1960. Parfois utilisé comme nom général pour toute la musique jamaïcaine. Étroitement lié à d'autres genres jamaïcains - rocksteady, ska et autres.

Le dub est un genre musical apparu au début des années 1970 en Jamaïque. Initialement, les enregistrements de ce genre étaient des chansons reggae dont les voix (parfois partiellement) étaient supprimées. Depuis le milieu des années 1970, le dub est devenu un phénomène indépendant, considéré comme une forme expérimentale et psychédélique du reggae. Les développements musicaux et idéologiques du dub ont donné naissance à la technologie et à la culture des remixes, et ont également influencé directement ou indirectement le développement nouvelle vague et des genres tels que le hip-hop, la house, la drum and bass, le trip-hop, le dub-techno, le dubstep et autres.

La musique pop (anglais : Pop-music from Popular music) est une direction de la musique moderne, un type de culture de masse moderne.

Le terme « musique pop » a un double sens. Au sens large, il s'agit de toute musique de masse (y compris le rock, l'électronique, le jazz, le blues). Au sens étroit - genre distinct musique populaire, musique directement pop avec certaines caractéristiques.

Les principales caractéristiques de la musique pop en tant que genre sont la simplicité, la mélodie, le recours au chant et au rythme avec moins d'attention portée à la partie instrumentale. La chanson est la principale et pratiquement la seule forme de composition dans la musique pop. Les paroles de musique pop traitent généralement de sentiments personnels.

La musique pop comprend des sous-genres tels que l'euro pop, le latin, le disco, l'électropop, la musique dance et autres.

dixRap (Hip-Hop)

Hip-hop (anglais) hip hop) est un mouvement culturel né au sein de la classe ouvrière de New York le 12 novembre 1974. DJ Afrika Bambaataa fut le premier à définir les cinq piliers de la culture hip-hop (MCing, DJing, break, graffitiwriting) et le savoir. D'autres éléments incluent le beatboxing, la mode hip-hop et l'argot.

Originaire du sud du Bronx, le hip-hop est devenu partie intégrante de la culture des jeunes dans de nombreux pays du monde dans les années 1980. Depuis la fin des années 1990, d'une rue underground à forte orientation sociale, le hip-hop s'est progressivement transformé en partie intégrante de l'industrie musicale, et au milieu de la première décennie de ce siècle, la sous-culture était devenue « à la mode » et « dominante ». ». Cependant, malgré cela, de nombreuses personnalités du hip-hop poursuivent toujours leur « ligne principale » : protester contre les inégalités et l'injustice, s'opposer au pouvoir en place.

On sait que la réalisation d'une émission de variétés se divise en la réalisation d'un spectacle de variétés et la réalisation d'un numéro de variétés.

La méthodologie de travail sur un spectacle de variétés (concert, revue, spectacle), en règle générale, n'inclut pas la tâche de créer les numéros qui le composent. Le metteur en scène réunit des numéros prêts à l'emploi avec un scénario, un thème unique, construit l'action de bout en bout du spectacle, organise sa structure tempo-rythmique et résout les problèmes de conception musicale, scénographique et d'éclairage. Autrement dit, il est confronté à toute une série de problèmes artistiques et organisationnels qui nécessitent une résolution dans le programme dans son ensemble et ne sont pas directement liés au numéro de variétés lui-même. Cette position est confirmée par la thèse du célèbre directeur de spectacles de variétés I. Sharoev, qui a écrit que « le plus souvent, le metteur en scène accepte des représentations de spécialistes de divers genres, puis crée à partir d'eux un programme de variétés. La chambre a une grande indépendance.

Travailler sur un numéro de variétés oblige le réalisateur à résoudre un certain nombre de problèmes spécifiques qu'il ne rencontre pas dans la production. gros programme. C'est avant tout la capacité de révéler l'individualité de l'artiste, de construire la dramaturgie de l'acte, de travailler la reprise, le truc, le gag, de connaître et de prendre en compte la nature des moyens d'expression spécifiques de l'acte, et bien plus encore. plus.

De nombreux postulats méthodologiques pour créer un spectacle reposent sur des principes fondamentaux communs qui existent dans le théâtre dramatique, musical et le cirque. Mais ensuite, des structures complètement différentes sont construites sur les fondations. Il existe une spécificité notable dans la mise en scène, qui est avant tout déterminée par la typologie de genre du numéro de variétés.

Sur scène, le metteur en scène, en tant que créateur, atteint dans une performance le but ultime de tout art : la création d'une image artistique, qui constitue le côté créatif du métier. Mais en train de mettre en scène un spectacle, un spécialiste travaille sur la technologie des moyens d'expression. Cela est dû à la nature même de certains genres : disons que la plupart des sous-genres du sport et du cirque nécessitent un travail de répétition et d’entraînement avec un entraîneur sur les éléments sportifs et les figures spéciales ; travailler sur un numéro vocal est impossible sans les cours d'un professeur de chant spécialisé ; Dans le genre chorégraphique, le rôle du chorégraphe-tuteur est essentiel.

Parfois, ces spécialistes techniques s'appellent bruyamment metteurs en scène, bien que leur activité se limite en fait à la construction d'une cascade spéciale ou d'un élément technique de la routine - peu importe qu'il s'agisse d'acrobaties, de danse ou de chant. Ici, il est exagéré de parler de création d’une image artistique. Lorsque les grands maîtres de la pop (notamment dans les genres originaux) partagent les secrets de leur savoir-faire dans les œuvres imprimées, ils décrivent principalement les techniques de tours de magie, d'acrobaties, de jonglerie, etc.

Je voudrais souligner une fois de plus que la structure artistique d’un numéro de variétés est complexe, diversifiée et souvent conglomérative. Par conséquent, la mise en scène d’un numéro pop est l’une des activités les plus types complexes activités du directeur. « C'est très difficile de faire une bonne performance, même si cela ne dure que quelques minutes. Et il me semble que ces difficultés sont sous-estimées. C’est peut-être pour cela que je respecte et apprécie tant l’art de ceux que l’on appelle parfois de manière quelque peu désobligeante les artistes du spectacle, leur attribuant une place peu honorable dans l’échelle non écrite des professions. Ces propos de S. Yutkevich confirment une fois de plus l'importance d'analyser la structure artistique d'un numéro de variétés dans le but ultime d'étudier les fondamentaux de la méthodologie de sa création, notamment en termes de travail de mise en scène et de production.

Conclusion.

L'ART DES VARIÉTÉS (du français estrade - plate-forme, élévation) est un type synthétique d'art scénique qui combine de petites formes de drame, de comédie, de musique, ainsi que de chant, d'art. lecture, chorégraphie, excentricité, pantomime, acrobatie, jonglerie, illusionnisme, etc. Malgré son caractère international, il conserve ses racines folkloriques, qui lui confèrent une saveur nationale particulière. Originaire de la Renaissance sur la scène de rue et commençant par le clownerie, les farces primitives, la bouffonnerie, E. et. dans différents pays, il a évolué différemment, privilégiant l'un ou l'autre genre, l'une ou l'autre image de masque. Dans les programmes de variétés des salons, cercles et clubs qui ont surgi plus tard, dans les kiosques, les music-halls, les cafés, les cabarets, les théâtres miniatures et dans les jardins de variétés survivants, l'humour joyeux, les parodies et les dessins animés pleins d'esprit, la satire communautaire caustique, l'hyperbole pointue, et le burlesque prédominent, l'ironie grotesque et ludique, les paroles émouvantes, la danse à la mode et les rythmes musicaux. Des numéros individuels de la variété polyphonique du divertissement sont souvent réunis sur scène par un artiste ou une simple intrigue, et des théâtres d'un ou deux acteurs, des ensembles (ballet, musical, etc.) - par un répertoire original, leur propre dramaturgie. L'art des variétés s'adresse au public le plus large et repose principalement sur l'habileté des interprètes, leur technique de transformation, leur capacité à créer un divertissement spectaculaire en utilisant des moyens laconiques et un caractère brillant - souvent comique-négatif que positif. En exposant ses antihéros, il se tourne vers des traits et des détails métaphoriques, vers l'entrelacement bizarre de vraisemblance et de caricature, réel et fantastique, contribuant ainsi à créer une atmosphère de rejet de leurs prototypes de vie, d'opposition à leur prospérité dans la réalité. L'art populaire se caractérise par l'actualité, une combinaison dans les meilleurs exemples de divertissement avec un contenu sérieux, des fonctions éducatives, lorsque le plaisir est complété par une variété de palette émotionnelle, et parfois par un pathos socio-politique et civil. Le show business, généré par la culture de masse bourgeoise, manque de cette dernière qualité. Presque toutes les variétés opérationnelles « petites », « légères », y compris le « chou » commun, se caractérisent par une durée de vie relativement courte, une dépréciation rapide des masques, qui dépend de l'épuisement de la pertinence du sujet, de la mise en œuvre des ordres sociaux, changements dans l’intérêt et les besoins du public. Étant l'une des formes d'art les plus dynamiques, à la fois les arts les plus anciens, le pop art est soumis à la maladie de l'estampage, à une diminution de la valeur artistique et esthétique des trouvailles talentueuses, jusqu'à leur transformation en kitsch. Le développement est fortement influencé par les arts « techniques » comme le cinéma et surtout la télévision, qui incluent souvent des émissions de variétés et des concerts dans leurs programmes. Grâce à cela, les formes et techniques traditionnelles de la scène acquièrent non seulement une plus grande ampleur et une plus grande prévalence, mais aussi une profondeur psychologique (l'utilisation de gros plans, d'autres moyens visuels et expressifs des arts de l'écran) et un divertissement vivant.

Dans le système des arts du spectacle, la musique pop occupe aujourd'hui fermement une place à part, représentant un phénomène indépendant de la culture artistique. La popularité de la musique pop auprès des publics les plus larges et les plus divers l'oblige à répondre aux besoins esthétiques contradictoires de divers groupes de la population selon leur composition sociale, leur âge, leur éducation et même leur nationalité. Cette caractéristique du pop art explique en grande partie la présence d'aspects négatifs dans les mérites professionnels, esthétiques et de bon goût des œuvres pop. La taille massive du public pop d'hier et d'aujourd'hui, son hétérogénéité, la nécessité de combiner les fonctions de divertissement et d'éducation dans le pop art, imposent des exigences spécifiques aux créateurs d'œuvres du pop art et leur imposent une responsabilité particulière.

La complexité de l'étude des œuvres pop, ainsi que du développement d'approches méthodologiques de leur création, est due au fait qu'il s'agit dans son ensemble d'un conglomérat divers arts. Il synthétise le jeu d'acteur, la musique instrumentale, le chant, la chorégraphie, la peinture (par exemple, le genre « artiste instantané ») Le sport (actes acrobatiques et gymnastiques) et la science sont coincés dans cette synthèse des arts (parmi les genres pop, il y a un acte mathématique). - « machine à compter en direct »). De plus, il existe des genres de variétés basés sur la composante cascade, qui nécessitent la manifestation des capacités et capacités uniques d'une personne (par exemple, un certain nombre de sous-genres de variétés et de cirque, l'hypnose, les expériences psychologiques). La multiplicité des moyens d'expression, leurs combinaisons inattendues et inhabituelles dans diverses formes synthétiques sur scène sont souvent plus diverses que dans d'autres arts du spectacle.

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S’il y a un homme trop grand sur le siège devant moi, je commence à avoir l’impression d’avoir du mal à entendre. En tout cas, une telle musique cesse pour moi d’être de la musique pop. Cependant, il arrive aussi que ce qui se passe sur scène soit clairement visible, mais malgré cela, cela ne devient pas un fait du pop art ; après tout, certains artistes et réalisateurs concentrent tous leurs efforts sur le plaisir de nos oreilles, se souciant peu de nos yeux. On est particulièrement souvent confronté à une sous-estimation du côté divertissement du pop art dans genres musicaux, mais des symptômes de la même maladie peuvent être observés chez lecture artistique et dans les conférences.

"Eh bien", dites-vous, "nous parlons encore une fois de choses connues de longue date, du fait que de nombreux artistes pop manquent de culture scénique, que leurs numéros sont parfois dépourvus d'expressivité plastique et visuellement monotones."

En effet, toutes ces lacunes graves, qui n'ont pas encore été surmontées par l'art de la variété, apparaissent souvent dans les revues, les articles problématiques et les discussions créatives. Dans une certaine mesure, ils seront abordés dans cet article. Cependant, je voudrais poser la question de manière plus large. Le problème ici n’est évidemment pas seulement le manque de compétences en tant que tel. Cet inconvénient affecte même les genres pop qui ne font appel qu'à la vision. Acrobates, jongleurs, illusionnistes (même les meilleurs d'entre eux, grands maîtres de leur métier) pèchent le plus souvent avec la même monotonie visuelle, le manque de culture plastique. Toutes les variétés du genre se résument, en règle générale, à l'alternance au sein de l'acte d'environ un cercle de tours et de techniques exécutés. Les clichés qui se développent année après année (par exemple, un couple d'hommes acrobatiques, grands et petits, travaillant à un rythme lent, effectuant des mouvements de puissance, ou un jongleur mélancolique vêtu d'un smoking avec un cigare et un chapeau, etc.) ne font que renforcer et légitimer genres pop spectaculaires de pauvreté. Les traditions, une fois vivantes, deviennent des entraves au développement de l’art.

Permettez-moi de donner un exemple de deux jongleurs - gagnants du récent 3ème Compétition panrusse artistes pop. I. Kojevnikov, lauréat du deuxième prix, expose le type de jongleur qui vient d'être décrit : un chapeau melon, un cigare, une canne composent la palette d'un spectacle exécuté avec une habileté impeccable. E. Shatov, lauréat du premier prix, travaille avec un agrès de cirque - un perchoir au bout duquel se trouve un tube transparent étroit du diamètre d'une balle de tennis. En équilibre sur la tête, Shatov lance des balles dans le tube. À chaque fois, la perche grandit, atteignant progressivement près de dix mètres de hauteur. À chaque nouvelle section de la performance, la performance du numéro devient visuellement plus nette et plus expressive. Enfin, la longueur du perchoir devient telle qu'il ne rentre pas dans la hauteur de la scène (même aussi haute qu'au Théâtre des Variétés). Le jongleur arrive sur le devant de la scène, en équilibre au-dessus de la tête des spectateurs des premiers rangs. La balle s'envole, se perd presque sur le fond du plafond et finit dans le tube. Ce numéro, outre l'extraordinaire pureté avec laquelle il est interprété, est remarquable en ce que l'échelle visuelle, changeant de temps en temps, est perçue par ceux qui sont assis dans la salle dans une unité complète. Cela rend l'effet spectaculaire extraordinaire. De plus, il s’agit d’un divertissement spécifiquement pop. Imaginez le numéro de Chatov à la télé ou au cinéma ! Sans compter que dans une intrigue télévisuelle ou cinématographique filmée à l'avance, sont exclus l'élément d'imprévisibilité (de ce fait, la scène et le cirque ne deviendront jamais organiques à l'écran !), la constance d'échelle, dictée par le la constance de la taille de l'écran et de notre distance de visualisation privera la chambre de Chatov de ses charmes.

L'art de Chatov (dans une bien plus grande mesure que, disons, l'acte de Kojevnikov) perd s'il est transféré dans la sphère d'un autre art. C'est la première preuve de sa véritable variété. Si un tel transfert peut être facilement réalisé sans pertes évidentes, nous pouvons affirmer avec certitude que l'œuvre et son auteur pèchent contre les lois du pop art. C’est particulièrement révélateur pour les genres musicaux et parlés de la radio pop. Beaucoup de nos chanteurs pop et les chanteurs s'écoutent mieux à la radio, où ils sont libérés du besoin de rechercher un équivalent plastique de la mélodie interprétée. Devant un micro de radio, le chanteur, pour qui la scène est un véritable tourment, se sent bien. Un chanteur pop par nature, au contraire, éprouve un certain inconvénient à la radio : il est contraint non seulement par le manque de contact avec le public, mais aussi par le fait que bon nombre des nuances de performance présentes dans le côté visuel de l'image sera absente du son. Cela entraîne bien entendu une diminution de l’effet. Je me souviens des premiers enregistrements des chansons d’Yves Montand, apportés par Sergueï Obraztsov de Paris. Combien plus profond et significatif l'artiste lui-même s'est avéré être quand on l'a vu chanter sur scène : au charme de la musique et des mots s'ajoutait le charme d'un acteur qui crée la plasticité la plus expressive image humaine. Stanislavski aimait répéter : le spectateur va au théâtre pour le sous-texte, il peut lire le texte chez lui. On peut dire quelque chose de similaire à propos de la scène : le spectateur veut voir le spectacle depuis la scène ; il peut apprendre le texte (et même la musique) tout en restant chez lui. Du moins en écoutant la radio. Vaut-il la peine, par exemple, d'aller à un concert pour entendre Yuri Fedorishchev, qui essaie de toutes ses forces de restituer l'interprétation de Paul Robeson de la chanson « Mississippi » ? Je pense que Fedorishchev aurait beaucoup mieux réussi à atteindre son objectif à la radio. En écoutant «Mississippi» à la radio, nous pourrions nous émerveiller de la précision avec laquelle les intonations musicales du chanteur noir ont été capturées, et en même temps nous ne pourrions pas remarquer l'inertie plastique complète de Fedorishchev, qui contredit l'original.

Les réalisateurs du programme dans lequel j'ai entendu Fedorishchev ont tenté d'égayer la monotonie visuelle de son chant. Lors de l'interprétation de la chanson française "Alone at Night", avant le couplet dans lequel commence le thème civil - le thème de la lutte pour la paix, les lumières de la salle s'éteignent soudainement, ne laissant que le rétroéclairage rouge. Dans la partie la plus pathétique de la chanson, qui nécessite des techniques de jeu brillantes, le spectateur est obligé de devenir seulement un auditeur, car tout ce qu'il voit est une silhouette noire immobile sur un fond rouge pâle. Ainsi, la mise en scène, essayant de diversifier la performance pour le public, rend un véritable « mauvais service » à l'interprète et à l'œuvre dans son ensemble. L’étonnante pénurie de techniques d’éclairage, qui dans le cas décrit ci-dessus a conduit à un changement d’orientation, est l’une des maladies de notre scène. Le système d'effets de lumière est construit soit sur un simple principe illustratif (le thème de la lutte pour la paix est certainement associé à la couleur rouge, rien de moins !), soit sur le principe de la beauté en salon (la volonté de « présenter » l'interprète quel que soit le contenu artistique de l'acte, son style) . En conséquence, les possibilités d’éclairage les plus intéressantes ne sont toujours pas exploitées. On peut en dire autant du costume : il sert rarement à rehausser l’image visuelle. S'il existe de bonnes traditions dans l'utilisation d'un costume comme moyen de souligner les origines d'un rôle (par exemple, une veste en velours avec un nœud de N. Smirnov-Sokolsky ou un costume de mime de L. Engibarov), alors un simple et en même temps, contribuer à révéler l'image du costume est extrêmement rare Récemment, j'ai eu l'occasion de constater comment un costume mal choisi affaiblissait considérablement l'impression produite par le numéro. Nous parlons de Kapigolina Lazarenko : une robe rouge vif avec de grandes agitations gênait la chanteuse et ne correspondait clairement pas à la chanson douce et lyrique « Come Back ».

Lumières, costumes et mise en scène sont les trois piliers sur lesquels repose le côté spectaculaire d'un numéro de variétés. Chacun de ces sujets mérite une discussion particulière, à laquelle mon article ne peut naturellement pas prétendre. Ici, je n’aborderai que cet aspect de la mise en scène pop spécifique qui ne peut être recréé de manière adéquate sur les écrans de télévision et de cinéma. La scène a ses propres lois de l'espace et du temps : gros plan, angle de caméra, montage au cinéma (et à la télévision), qui violent l'unité de ces catégories, ou plutôt leur intégrité, créent un nouvel espace et un nouveau temps, pas dans tous les cas. manière adaptée à la scène. La scène a affaire à un plan constant, puisque la distance entre l'interprète et chacun des spectateurs varie légèrement, seulement dans la mesure où l'acteur peut s'enfoncer profondément dans la scène. Il en va de même du montage : il se produit sur scène (si seulement il se produit) au sein de l'ensemble, constamment présent sur scène. Ce montage peut être réalisé soit par l'éclairage (une technique utilisée avec succès dans les représentations du studio de variétés de l'Université d'État de Moscou), soit dans l'esprit du spectateur. En termes simples, il distingue certaines parties dans sa perception de l'image visuelle, tout en gardant l'ensemble dans son champ de vision.

Afin de ne pas paraître infondé, je vais donner un exemple. La pièce « Notre maison est votre maison » du studio de variétés de l'Université d'État de Moscou. Ce groupe mène une recherche très intéressante sur l'expressivité du spectacle. Dans le même temps, la poésie lyrique ou l'allégorie, basée sur des connexions associatives, s'avère souvent être l'élément principal de l'histoire. Mais il est important de noter que la poésie et l’allégorie se transforment en une forme de narration figurative et visuelle dans les performances du studio (par exemple, les figures géométriques peintes dans l’un des numéros aident à révéler la signification satirique de nombreux concepts importants). Dans la scène racontant l'organisation des loisirs de la jeunesse (« Club de la Jeunesse »), quatre hurleurs démagogues, perchés comme sur une tribune, sur quatre piédestaux massifs, prononcent tour à tour des bribes de phrases qui composent ensemble un étonnant abracadabra de bavardages et bureaucratie. L'attention du spectateur est instantanément transférée d'un hurleur à l'autre : l'orateur accompagne ses paroles d'un geste (parfois en contrepoint complexe avec la parole), tandis que les autres restent immobiles. J'imagine cette scène filmée. Son texte et sa mise en scène semblent anticiper immuablement le futur montage. Chaque ligne est un gros plan. Tir de mitrailleuse gros plans, remarques, gestes. Mais il y a ensuite deux pertes importantes. Tout d'abord, le manque d'accompagnement à chaque réplique : les poses figées des autres personnages. Et la seconde est de transformer toutes les lignes en phrases alternées sans déplacer notre attention d'un personnage à l'autre. Le contrepoint, qui devient dans cette scène l'arme la plus puissante des auteurs, disparaît inévitablement du film.

Il serait faux de dire que le décalage, le contrepoint entre le mot et l’image, est l’apanage du seul pop art. Ils le connaissent et scène de théâtre et écran. Mais les moyens d’obtenir cet effet sont différents partout. Et sur scène, ils sont très importants. Ici, le contrepoint est exposé, il se montre comme un choc délibéré des contraires, dans le but de provoquer une étincelle de rire. Je vais donner un exemple d'interprètes qui améliorent constamment, année après année, leur maîtrise de cette arme variée. Je veux dire le quatuor vocal « Yur » (Yu. Osintsev, Yu. Makoveenko, Yu. Bronstein, Yu. Diktovich ; réalisateur Boris Sichkin). Dans la chanson « Business Travel », le quatuor chante, et pendant ce temps les mains des artistes se transforment en attestations de voyage (paume ouverte) et en cachets institutionnels (poing fermé), des timbres sont apposés, de l'argent est distribué, etc. Tout cela n'arrive pas sous la forme d'une illusion -strations du texte, mais parallèles à celui-ci, parfois seulement coïncidant, mais étant le plus souvent dans une série contrapuntique. En conséquence, une signification nouvelle et inattendue naît de la collision inattendue des mots et des gestes. Par exemple, les voyageurs d'affaires voyageant dans des directions différentes n'ont rien d'autre à faire que de jouer aux dominos dans le train. Des mains mélangeant les dominos « recouvrent » le texte, qui dit que l’argent des gens est dépensé de manière imprudente en voyages d’affaires. Cela rend très éloquent le geste des mains mélangeant des os imaginaires dans l’air.

La dernière œuvre du quatuor, « Television », est de loin la plus importante. chance créative dans l'utilisation des moyens d'expressivité visuelle sur scène. Ici, les membres du quatuor agissent à la fois comme parodistes, comme lecteurs, mimes et comme acteurs dramatiques. De plus, ils font preuve d'une extraordinaire habileté chorégraphique : en un mot, nous assistons à un genre synthétique dans lequel la parole, la musique se mêlent étroitement à la pantomime, à la danse, etc. De plus, la liberté de combinaison et les transitions instantanées d'un médium d'affection à un autre est aussi génial qu'il peut l'être uniquement dans le pop art. Au fil du numéro, presque tous les genres qui existent dans le monde passent par la parodie.
télévision. Leur changement, ainsi que celui des moyens utilisés par les artistes, crée un spectacle très pittoresque. La variété appartient sans aucun doute aux formes spectaculaires de l’art. Mais les arts du spectacle sont nombreux : le théâtre, le cinéma, le cirque, et désormais aussi la télévision, qui révèle un potentiel esthétique important. Quelles sont les relations au sein de ce groupe d’arts ? Il semble que le théâtre pop reste encore dans le cadre arts théâtraux, bien qu'il présente de nombreuses similitudes avec d'autres formes. Naturellement, le théâtre (entendu au sens large du terme) change constamment ses frontières, qui deviennent d'une certaine manière trop étroites pour la scène. Cependant, certaines qualités du pop art, malgré une évolution significative, restent inchangées. Il s'agit tout d'abord du principe d'organisation visuelle sous la forme d'un spectacle de variétés. Et si nous parlons de forme, alors l'essentiel de la musique pop moderne (y compris certains genres musicaux) reste l'image.

Dans cet article, il n’a pas été possible d’examiner tous les aspects du sujet. Ma tâche était plus modeste : attirer l'attention sur certains problèmes théoriques du pop art, qui déterminent en grande partie sa position parmi les autres arts et expliquent la nature des recherches créatives de nos maîtres du pop. Les règles théoriques, on le sait, restent des règles qui s'imposent à tous jusqu'au jour où un brillant artiste novateur viendra briser des frontières qui semblaient infranchissables hier encore. Nous assistons aujourd'hui à des genres synthétiques de l'art du divertissement : les canons du passé ne peuvent résister à la pression des nouvelles découvertes. Il est important de noter que les changements en cours reposent sur le principe en constante évolution, mais fondamentalement inébranlable, de la scène en tant que spectacle.

A. VARTANOV, candidat en histoire de l'art

Magazine du cirque soviétique. Mars 1964

Scène- un type d'art scénique qui implique à la fois un genre à part et une synthèse des genres : chant, danse, performance originale, art du cirque, illusions.

Musique pop - un type d'art musical divertissant adressé au public le plus large.

Ce type de musique a connu son plus grand développement au XXe siècle. Il comprend généralement de la musique de danse, des chansons diverses, des œuvres pour orchestres pop-symphoniques et des ensembles vocaux-instrumentaux.

Souvent, la musique pop est identifiée au concept existant de « musique légère », c'est-à-dire facile à comprendre et accessible au public. DANS historiquement La musique légère comprend celles dont le contenu est simple et qui ont acquis une popularité universelle. œuvres classiques, par exemple, les pièces de F. Schubert et J. Brahms, F. Lehár et J. Offenbach, les valses de J. Strauss et A. K. Glazunov, « Little Night Serenade » de W. A. ​​​​​​Mozart.

Dans ce champ de créativité musicale vaste, mais également extrêmement diversifié en termes de caractère et de niveau esthétique, d'une part, les mêmes moyens d'expression sont utilisés que dans la musique sérieuse, et d'autre part, leurs propres moyens spécifiques.

Le terme « orchestre pop » a été proposé par L. O. Utesov à la fin des années 40, ce qui a permis de séparer deux notions :
la musique pop et jazz elle-même.

La musique pop moderne et le jazz présentent un certain nombre de caractéristiques communes : la présence d'une pulsation rythmique constante réalisée par la section rythmique ; caractère majoritairement dansant des œuvres interprétées par des groupes pop et jazz. Mais si la musique jazz se caractérise par l'improvisation, une propriété rythmique particulière - le swing, et que les formes du jazz moderne sont parfois assez difficiles à percevoir, alors la musique pop se distingue par l'accessibilité du langage musical, de la mélodie et de l'extrême simplicité rythmique.

L'un des types les plus courants de compositions instrumentales pop est l'orchestre symphonique pop (ESO) ou jazz symphonique. Dans notre pays, la formation et le développement de l'ESO sont associés aux noms de V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu. V. Silantyev. Le répertoire des orchestres symphoniques pop est extrêmement vaste : des pièces orchestrales originales et des fantaisies sur des thèmes connus jusqu'à l'accompagnement de chansons et d'opérettes.

En plus de l'indispensable section rythmique et de la composition complète de cuivres du big band (groupe de saxophones et groupe de cuivres), l'ESO comprend des groupes d'instruments traditionnels. orchestre symphonique- les bois, cors et cordes (violons, altos, violoncelles). La proportion de groupes à l'ESO est proche d'un orchestre symphonique : le groupe à cordes domine, ce qui est dû à la nature majoritairement mélodique de la musique de l'ESO ; Les instruments à vent jouent un grand rôle ; Le principe d'orchestration lui-même est très proche de celui adopté dans un orchestre symphonique, même si la présence d'une section rythmique constamment pulsée et le rôle plus actif de la section de cuivres (et parfois des saxophones) ressemblent parfois au son d'un orchestre de jazz. Un rôle coloristique important dans ESO est joué par la harpe, le vibraphone et les timbales.

Les ESO sont très populaires dans notre pays. Leurs performances sont diffusées à la radio et à la télévision ; ils interprètent le plus souvent de la musique de film et participent à de grands concerts et festivals pop. De nombreux compositeurs soviétiques écrivent de la musique spécifiquement pour l'ESO. Il s'agit de A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter -letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky et d'autres.

Le genre de la musique pop comprend différents types de chansons pop : romance traditionnelle, chanson lyrique moderne, chanson aux rythmes de danse avec accompagnement instrumental développé. La principale chose qui unit de nombreux types de chansons pop est le désir de leurs auteurs de garantir la plus grande accessibilité et mémorisation de la mélodie. Les racines d’une telle démocratie se trouvent vieille romance et dans le folklore urbain moderne.

Une chanson pop ne se limite pas au pur divertissement. Ainsi, les chansons pop soviétiques contiennent des thèmes sur la citoyenneté, le patriotisme, la lutte pour la paix, etc. Ce n'est pas pour rien que les chansons de I. O. Dunaevsky, V. P. Solovyov-Sedoy, M. I. Blanter, A. N. Pakhmutova, D. F. Tukhmanov et d'autres soviétiques les compositeurs sont appréciés non seulement dans notre pays, mais aussi bien au-delà de ses frontières. La chanson « Les soirées de Moscou » de Solovyov-Sedoy a reçu une véritable reconnaissance mondiale. Au 20ème siècle Différents types de musique de danse se sont remplacés. Ainsi, le tango, la rumba, le foxtrot ont été remplacés par le rock and roll, ils ont été remplacés par le twist and shake, les rythmes de la samba et de la bossa nova étaient très populaires. Pendant plusieurs années, le style disco s'est répandu dans la musique pop et dance. Il est né d'une fusion de musique instrumentale noire avec des éléments de chant et de plasticité, caractéristiques des chanteurs pop d'Amérique latine, en particulier de l'île de Jamaïque. Étroitement liée en Europe occidentale et aux États-Unis à l'industrie du disque et à la pratique des discothèques, la musique disco s'est avérée être l'une des tendances les plus dynamiques de la musique pop et dance de la 2e moitié du 20e siècle.

Parmi les compositeurs soviétiques qui ont imposé des traditions nationales dans le genre de la musique de danse figurent A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky et d'autres.

La musique rock moderne peut être classée comme musique pop. Dans la culture musicale Europe de l'Ouest et les USA sont un mouvement très varié dans son niveau idéologique et artistique et principes esthétiques. Il est représenté à la fois par des œuvres exprimant une protestation contre l'injustice sociale, le militarisme, la guerre, et par des œuvres prêchant l'anarchisme, l'immoralité et la violence. Le style musical des ensembles représentant ce mouvement est également hétérogène. Cependant, ils ont une base commune et certaines particularités.

L'une de ces caractéristiques est l'utilisation du chant, du solo et de l'ensemble et, par conséquent, du texte, qui porte un contenu indépendant, et de la voix humaine comme coloration particulière du timbre. Les membres d'ensembles ou de groupes cumulent souvent les fonctions d'instrumentistes et de chanteurs. Les principaux instruments sont les guitares, ainsi que divers claviers et, moins souvent, les instruments à vent. Le son des instruments est amplifié par divers convertisseurs de son et amplificateurs électroniques. La musique rock diffère de la musique jazz par sa structure métro-rythmique plus subdivisée.

Dans notre pays, des éléments de la musique rock se reflètent dans le travail des ensembles vocaux et instrumentaux (VIA).

En raison de son attrait pour le grand public et de sa grande popularité, la musique pop soviétique a joué un rôle important dans l’éducation esthétique de la jeune génération.

1.1 Histoire du pop art

Le mot « scène » (du latin strata) signifie plancher, plate-forme, élévation, plate-forme.

La définition la plus précise du pop art en tant qu'art combinant divers genres est donnée dans le dictionnaire de D.N. Ouchakov : « La variété est l'art des petites formes, le domaine des performances spectaculaires et musicales sur scène ouverte. Sa spécificité réside dans sa facilité. adaptabilité à diverses conditions de démonstration publique et d'actions de courte durée, dans des moyens artistiques et expressifs, art qui contribue à l'identification vivante individualité créative interprète, dans l'actualité, pertinence socio-politique aiguë des sujets abordés, dans la prédominance des éléments d'humour, de satire, de journalisme."

L'encyclopédie soviétique définit la pop comme originaire de l'estrade française - une forme d'art qui comprend de petites formes d'art dramatique et vocal, de la musique, de la chorégraphie, du cirque, de la pantomime, etc. Dans les concerts, il existe des numéros complets séparés unis par un divertissement et une intrigue. Il apparaît comme un art indépendant à la fin du XIXe siècle.

Il existe également la définition suivante de la scène :

Une zone de scène, permanente ou temporaire, pour les concerts d'un artiste.

Le pop art a ses racines dans un passé lointain et peut être retracé dans l'art L'Egypte ancienne Et La Grèce ancienne. Même si la scène interagit étroitement avec d'autres arts, comme la musique, Théâtre dramatique, chorégraphie, littérature, cinéma, cirque, pantomime, c'est un type d'art indépendant et spécifique. La base du pop art est « le numéro de Sa Majesté » - comme le disait N. Smirnov-Sokolsky 1.

Une représentation est une petite représentation d'un ou plusieurs artistes, avec sa propre intrigue, son point culminant et son dénouement. La spécificité de la performance est la communication directe de l'artiste avec le public, en son nom propre ou à partir d'un personnage.

Dans l'art médiéval des artistes itinérants, des théâtres de farces en Allemagne, des bouffons en Russie, du théâtre des masques en Italie, etc. il y avait déjà une adresse directe de l'artiste au public, ce qui permettait à l'artiste suivant de devenir un participant direct à l'action. La courte durée de la représentation (pas plus de 15 à 20 minutes) nécessite une concentration extrême des moyens d'expression, du laconisme et de la dynamique. Les numéros de variétés sont classés selon leurs caractéristiques en quatre groupes. Le premier groupe de type comprend les numéros conversationnels (ou vocaux). Viennent ensuite les numéros musicaux, plastiques-chorégraphiques, mixtes, « originaux ».

L'art de la comédie s'est construit sur un contact ouvert avec le public del- art (mascarade) XVI- p.p.XVIIe siècle.

Les performances étaient généralement improvisées sur la base de scènes d'intrigue standard. Le son musical sous forme d'interludes (inserts) : chants, danses, numéros instrumentaux ou vocaux - était la source directe du numéro de variétés.

Au XVIIIe siècle, ils apparaissent opéra comique Et vaudeville. Les vaudevilles étaient des spectacles passionnants avec de la musique et des blagues. Leurs personnages principaux sont des gens simples- toujours vaincu des aristocrates stupides et vicieux.

Et au milieu du 19ème siècle, le genre est né opérette(littéralement petit opéra) : type d'art théâtral qui combinait chant et musique instrumentale, danse, ballet, éléments de pop art, dialogues. L'opérette apparaît comme genre indépendant en France en 1850. Le « père » de l’opérette française, et de l’opérette en général, fut Jacques Offenbach (1819-1880). Plus tard, le genre se développe dans la « comédie des masques » italienne.

La scène est étroitement liée à la vie quotidienne, au folklore, aux traditions. De plus, ils sont repensés, modernisés, « extradés ». Formes différentes l'art variétal est utilisé comme passe-temps divertissant.

Ce n'est pas une coïncidence. En Angleterre, les pubs (institutions publiques publiques) sont apparus au XVIIIe siècle et sont devenus les prototypes des music-halls (music-halls). Les pubs sont devenus des lieux de divertissement pour de larges couches démocratiques de la population. Contrairement aux salons aristocratiques, où l'on jouait principalement de la musique classique, dans les pubs étaient interprétés des chants et des danses accompagnés d'un piano, des comédiens, des mimes, des acrobates étaient exécutés, des scènes de spectacles populaires composés d'imitations et de parodies étaient montrées. Un peu plus tard, dans la première moitié du XIXe siècle, les cafés-concerts se généralisent. Il s'agit d'abord de cafés littéraires et artistiques où poètes, musiciens et comédiens interprètent leurs improvisations. Sous diverses modifications, ils se sont répandus dans toute l'Europe et sont devenus connus sous le nom de cabaret (courgettes). Le divertissement n'exclut pas le facteur spiritualité ; la position civique est particulièrement importante pour un artiste pop.

L’adaptation facile du pop art au public comporte le danger de flirter avec le public et de céder au mauvais goût. Afin de ne pas tomber dans l'abîme de la vulgarité et de la vulgarité, un artiste a besoin de vrai talent, de goût et de flair. Le réalisateur a formé un programme à partir de numéros pop individuels, ce qui était également une forte moyens expressifs. Connexion d'installation gratuite de petites formes, séparées de différents types créativité artistique et guéri tout seul, ce qui a conduit à la naissance de l'art coloré spectacle de variété. L’art des spectacles de variétés est étroitement lié au théâtre et au cirque, mais contrairement au théâtre, il ne nécessite pas d’action dramatique organisée. Le caractère conventionnel de l'intrigue, le manque de développement de l'action (le drame principal) sont également caractéristiques d'une grande performance revue(du français - critique). Les différentes parties de la revue sont liées par une idée commune de performance et de société. En tant que genre musical dramatique, la revue combine des éléments du cabaret, du ballet et du spectacle de variétés. Le spectacle de la revue est dominé par la musique, le chant et la danse. L'émission de variétés a ses propres modifications :

- spectacle de variétés à partir de numéros séparés

- spectacle de variété

- cabaret dansant

- revoir

Au XXe siècle, la revue est devenue un spectacle de divertissement somptueux. Des variétés de revues sont apparues aux États-Unis, appelées montrer.

La scène musicale comprenait différents genres de musique légère : chansons, extraits d'opérettes, comédies musicales, spectacles de variétés dans des adaptations variées d'œuvres instrumentales. Au XXe siècle, la scène s'enrichit du jazz et de la musique populaire.

Ainsi, le pop art a parcouru un long chemin et nous pouvons aujourd'hui observer ce genre sous une forme et une performance différentes, ce qui suggère que son développement ne s'arrête pas.

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Les premières représentations théâtrales se déroulaient autrefois dans la rue. Fondamentalement, les représentations étaient mises en scène par des artistes itinérants. Ils pouvaient chanter, danser, revêtir divers costumes, représenter des animaux. Chacun a fait ce qu’il faisait de mieux. Le nouveau genre L'art s'est progressivement développé, les acteurs ont amélioré leurs compétences.

Le premier théâtre du monde

Le mot « théâtre » traduit du grec signifie un lieu où l'on présente des spectacles et le spectacle lui-même. La première institution culturelle de ce type serait née en Grèce. Cela s'est produit aux V-IV siècles avant JC. e. Cette époque était dite « classique ». Il se caractérise par l’harmonie et l’équilibre de tous les éléments et composants. Le théâtre grec antique est né du culte de divers dieux.

Le Théâtre de Dionysos est le plus ancien bâtiment théâtral. Le dieu du vin, de la végétation et de la nature était très vénéré par les anciens Grecs. Des rituels cultes étaient dédiés à Dionysos, qui se transformèrent progressivement en véritables tragédies et comédies. Les célébrations rituelles se sont transformées en véritables représentations théâtrales. La structure était un espace en plein air. Les spectateurs étaient initialement assis sur des sièges en bois. était tellement vénéré dans la Grèce antique que les autorités donnaient de l'argent aux citoyens pauvres pour des spectacles. Il était interdit aux femmes mariées de regarder des productions.

Le premier temple des arts comportait trois parties principales :

• orchestre - des danseurs et une chorale s'y sont produits ;
• auditorium - situé autour de l'orchestre ;
• Bâtiment Skena, où se trouvaient les chambres des artistes.

Il n’y avait ni rideau ni scène habituelle et tous les rôles féminins étaient joués par des hommes. Les acteurs ont changé de rôle plusieurs fois au cours d'une représentation, ils devaient donc danser et chanter parfaitement. L'apparence des acteurs a été modifiée à l'aide de masques. À côté du bâtiment se trouvait le temple de Dionysos.

Le théâtre antique a jeté les bases et l’essence du théâtre moderne. Le genre le plus proche peut être appelé théâtre dramatique. Au fil du temps, de plus en plus de genres différents sont apparus.

Genres théâtraux

Les genres théâtraux du monde moderne sont si divers. Cet art synthétise la littérature, la musique, la chorégraphie, le chant, art. Ils expriment différentes émotions et situations. L'humanité est en constante évolution. À cet égard, différents genres apparaissent. Ils dépendent du pays d'où ils sont originaires, de développement culturel population, sur l'humeur du public et ses demandes.

Listons quelques types de genres : drame, comédie, monodrame, vaudeville, extravagance, parodie, mime, farce, jeu de moralité, pastoral, musical, tragi-comédie, mélodrame et autres.

Les genres de l’art théâtral ne peuvent rivaliser entre eux. Ils sont chacun intéressants à leur manière. Les spectateurs qui aiment le théâtre d'opéra visitent le théâtre de comédie avec non moins de plaisir.

Le plus types populaires les genres théâtraux sont le drame, la comédie, la tragi-comédie, la comédie musicale, la parodie et le vaudeville.

Dans le drame, vous pouvez voir des moments à la fois tragiques et comiques. C'est toujours très intéressant de voir les acteurs travailler ici. Les rôles de ce genre ne sont pas faciles et impliquent facilement le spectateur dans l'empathie et l'analyse.

Les spectacles comiques ont pour objectif principal de faire rire le public. Pour se moquer de certaines situations, les acteurs doivent aussi s'efforcer. Après tout, le spectateur doit les croire ! Les rôles comiques sont tout aussi difficiles à jouer que les rôles dramatiques. L’élément satire rend la performance plus facile à regarder.

La tragédie est toujours associée à une situation de conflit, c'est le sujet de la production. Ce genre fut l'un des premiers à apparaître dans la Grèce antique. Tout comme la comédie.

La comédie musicale a de nombreux fans. C'est toujours une action lumineuse avec de la danse, des chansons, une intrigue intéressante et une dose d'humour. Le deuxième nom de ce genre est la comédie musicale. Il est apparu aux USA à la fin du XIXème siècle.

Variétés

Les types de théâtres sont directement liés aux genres qui y sont présentés. Bien qu’ils n’expriment pas tant un genre qu’une forme de jeu d’acteur. Citons-en quelques-uns :

• opéra;
• spectaculaire;
• pour enfants;
• auteurs;
• théâtre individuel;
• théâtre de lumière ;
• comédie musicale;
• théâtre de satire ;
• théâtre de poésie ;
• théâtre de danse;
• populaire;
• théâtre de robots;
• ballet;
• théâtre animalier;
• théâtre pour handicapés;
• serf;
• théâtre d'ombres;
• théâtre de pantomime;
• théâtre de chansons;
• rue.

Théâtre d'opéra et de ballet

L'opéra et le ballet sont apparus en Italie à la Renaissance. La première parut à Venise en 1637. Le ballet est apparu comme un genre théâtral distinct en France, s'éloignant des danses de cour. Très souvent, ces types de théâtres sont regroupés en un seul endroit.

L'opéra et le ballet sont accompagnés par un orchestre symphonique. La musique devient partie intégrante de ces productions. Il transmet l'ambiance et l'atmosphère de tout ce qui se passe sur scène et met l'accent sur les performances des acteurs. Les chanteurs d'opéra travaillent avec leur voix et leurs émotions, tandis que les danseurs de ballet transmettent tout par le mouvement. Les théâtres d'opéra et de ballet sont toujours les plus belles institutions théâtrales. Ils sont situés dans les bâtiments les plus riches de la ville à l’architecture unique. Un mobilier luxueux, un beau rideau, de grandes fosses d'orchestre - voilà à quoi cela ressemble de l'intérieur.

Théâtre dramatique

Ici la place principale est donnée aux acteurs et au réalisateur. Ce sont eux qui créent la personnalité des personnages, en les transformant en images nécessaires. Le réalisateur transmet sa vision et dirige l'équipe. Le théâtre dramatique est appelé le théâtre des « expériences ». K. S. Stanislavsky a écrit ses œuvres tout en étudiant le travail des acteurs dramatiques. Ils mettent en scène non seulement des spectacles, mais des pièces de théâtre avec des intrigues complexes. Le théâtre dramatique comprend des comédies, des comédies musicales et d'autres spectacles musicaux dans son répertoire. Toutes les productions sont basées uniquement sur la littérature dramatique.

Du théâtre pour tous les goûts

Le théâtre musical est un endroit où vous pouvez regarder n'importe quel acte théâtral. Il accueille des opéras, des comédies, des opérettes, des comédies musicales et tous ces spectacles qui contiennent beaucoup de musique. Des danseurs de ballet, des musiciens et des acteurs travaillent ici. Le théâtre musical combine les théâtres d’opéra, de ballet et d’opérette. Tout type d'art théâtral lié à la musique pop ou classique peut trouver ses fans dans ce théâtre.

Spectacle de marionnettes

c'est un endroit spécial. Ici, vous plongez dans le monde de l'enfance et de la joie. La décoration ici est toujours colorée, attirant l'attention des plus jeunes spectateurs. Le théâtre de marionnettes est souvent le premier théâtre fréquenté par les enfants. Et l’attitude future de l’enfant envers le théâtre dépend de l’impression qu’il produit sur un spectateur inexpérimenté. Une variété d'actions théâtrales repose sur l'utilisation de différents types de marionnettes.

DANS Dernièrement Les acteurs-marionnettistes ne se cachent pas derrière des écrans, mais interagissent avec les marionnettes sur scène. Cette idée appartient au célèbre S.V. Obraztsov. Il a mis dans sa main une marionnette à gaine nommée Tyapa et a superbement joué des miniatures sur scène, agissant comme son père.

Les origines de ce type de théâtre remontent loin dans la Grèce antique. Lors de la création de poupées pour des rituels, les gens ne savaient pas que cela deviendrait un véritable art. Le théâtre de marionnettes n'est pas seulement une initiation à l'art, mais aussi une méthode de correction psychologique pour les plus petits.

Théâtre de comédie

Acteurs combinés qui savent chanter et danser. Ils devraient s'intégrer facilement images comiques et n'ayez pas peur d'être drôle. Très souvent, vous pouvez voir des « Théâtres dramatiques et comiques », des « Théâtres de comédie musicale ». Combiner plusieurs genres dans un même théâtre n'interfère pas avec la préservation de sa saveur. Le répertoire peut comprendre des opérettes, comédies satiriques, comédies musicales, drames, productions musicales pour enfants. Les gens vont au théâtre comique avec plaisir. La salle est toujours pleine.

Théâtre de variétés

Réapprovisionnement des types de théâtres relativement récemment. Et le public est immédiatement tombé amoureux de lui. Le premier théâtre pop est apparu au milieu du siècle dernier. C'est devenu un théâtre à Léningrad, ouvert en 1939. En 2002, il a été nommé « Théâtre de Variétés du nom ». A.I. Raikin." Artistes de variétés inclure des chanteurs, des danseurs et des présentateurs modernes. Les artistes de variétés sont des stars du show business, des danseurs et des showmen, comme on les appelle désormais.

Les théâtres de variétés organisent souvent des concerts solos, des concerts dédiés à des dates mémorables et des représentations d'auteurs contemporains. Les humoristes y organisent des concerts, mettent en scène des pièces de théâtre et des représentations d'œuvres classiques. Le théâtre musical peut proposer des performances similaires.

Théâtre de la satire

Nous aimons beaucoup le public ! Depuis son apparition, il reflète la vie des citadins, en montrant tous les défauts et en les ridiculisant. Les acteurs étaient toujours connus de vue ; ils interprétaient d'excellents rôles comiques non seulement sur scène, mais aussi dans les films. Les théâtres de satire ont toujours été au premier rang de ceux à qui il était interdit de mettre en scène certaines productions. Cela était dû à la censure. Se moquer de côtés négatifs comportement humain, il était souvent possible de franchir la limite de la licéité. Les interdictions n’ont fait qu’attirer encore plus de téléspectateurs. Magnifiques acteurs de théâtre satirique bien connus : A. A. Mironov, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Mikhail Derzhavin, Alexander Shirvindt. Grâce à ces personnes, les théâtres satiriques sont devenus appréciés du public.

Au fil du temps, apparaissent des types de théâtres qui sont soit oubliés depuis longtemps, soit complètement différents de tout ce qui existe.

Nouvelles tendances

Les nouveaux types de temples de l’art surprennent le spectateur le plus sophistiqué. Il n’y a pas si longtemps, le premier Théâtre Robot est apparu en Pologne. Il met en scène des robots acteurs qui transmettent leurs émotions avec leurs yeux et leurs gestes. Les productions sont actuellement destinées à un public d'enfants, mais les responsables du projet entendent élargir constamment le répertoire.

En été, des représentations théâtrales ont lieu à l'extérieur. C'est déjà devenu une tradition. Cette année, de nombreux festivals ont eu lieu en plein air. De petites scènes ont été construites juste à côté des théâtres, sur lesquelles le spectacle était entièrement joué. Même les artistes d'opéra et de ballet vont déjà au-delà du théâtre pour attirer le plus grand nombre de spectateurs possible.