Aujourd'hui, nous rencontrerons l'un des les meilleurs maîtres Nature morte luxueuse hollandaise PAR WILLEM KALF 1619-1693
Willem Kalf était le sixième enfant de la famille d'un riche marchand de draps de Rotterdam et membre du conseil municipal de Rotterdam. Le père de Willem est décédé en 1625, alors que le garçon avait 6 ans. La mère poursuit l’entreprise familiale, mais sans grand succès.
Il n'y a aucune information sur l'artiste avec lequel Kalf a étudié ; peut-être que son professeur était Hendrik Poth de Haarlem, où vivaient les parents des Kalf. Peu de temps avant la mort de sa mère en 1638, Willem quitta sa ville natale et s'installa à La Haye, puis en 1640-41. installé à Paris.
Là, grâce à leur " intérieurs paysans", écrit dans la tradition flamande, proche de l'œuvre de David Teniers et d'autres artistes du XVIIe siècle, Kalf se fait rapidement connaître.
Dans ses intérieurs rustiques, les figures humaines étaient davantage à l'arrière-plan et toute l'attention du spectateur était concentrée sur des fruits, des légumes et divers articles ménagers bien éclairés, colorés et astucieusement disposés.
Ici, il a créé une nouvelle forme de nature morte astucieusement regroupée avec des objets coûteux et richement décorés (principalement des bouteilles, des assiettes, des verres) fabriqués à partir de matériaux réfléchissant la lumière - or, argent, étain ou verre. Le talent de cet artiste a atteint son apogée pendant la période d'Amsterdam de son travail dans le fascinant " NATURE MORTE DE LUXE»
Nature morte avec une corne à boire appartenant à la Guilde des Archers de Saint-Sébastien, un homard et des verres - Willem Kalf. Vers 1653.
Cette nature morte est l’une des plus célèbres.
Il a été créé en 1565 pour la guilde des archers d'Amsterdam. Lorsque l'artiste a travaillé sur cette nature morte, le cor était encore utilisé lors des réunions de guilde.
Ce magnifique récipient est en corne de buffle, la fixation est en argent, si vous regardez attentivement, vous pouvez voir des figures miniatures de personnes dans le dessin de la corne - cette scène nous raconte les souffrances de Saint-Pierre. Sébastien, patron des archers.
La tradition consistant à ajouter du citron pelé au vin du Rhin vient du fait que les Néerlandais considéraient ce type de vin trop sucré.
Le homard, la corne à vin avec son bord en filigrane d'argent étincelant, les verres transparents, le citron et le tapis turc sont rendus avec un soin si étonnant qu'il donne l'illusion qu'ils sont réels et peuvent être touchés avec la main.
L'emplacement de chaque élément est choisi avec un tel soin que le groupe dans son ensemble forme une harmonie de couleur, de forme et de texture. La lumière chaude qui enveloppe les objets leur confère la dignité de bijoux précieux, et leur rareté, leur splendeur et leur fantaisie reflètent les goûts raffinés des collectionneurs hollandais du XVIIe siècle, époque où les natures mortes étaient extrêmement populaires.
Nature morte à la cruche et aux fruits. 1660
En 1646, Willem Kalf retourna quelque temps à Rotterdam, puis s'installa à Amsterdam et Hoorn, où en 1651 il épousa Cornelia Plouvier, fille d'un pasteur protestant.
Cornelia était une célèbre calligraphe et poétesse, elle était amie avec Constantijn Huygens, le secrétaire personnel des trois stathouders de la jeune République néerlandaise, un poète respecté et probablement l'expert le plus expérimenté dans les arts théâtraux et musicaux mondiaux de son époque.
En 1653 un couple marié a déménagé à Amsterdam, où ils ont eu quatre enfants. Malgré sa richesse, Kalf n’a jamais acquis sa propre maison.
Nature morte à la théière.
Durant la période d'Amsterdam, Kalf commença à inclure des objets exotiques dans ses natures mortes parfaites : vases chinois, coquillages et objets inédits. fruits tropicaux- des oranges et citrons mi-pelés. Ces objets étaient importés d'Amérique aux Pays-Bas ; ils étaient des objets de prestige préférés des riches bourgeois, qui affichaient leur richesse.
Nature morte au nautile et au bol chinois.
Les Néerlandais aimaient et comprenaient un bon intérieur, une table confortable, où tout ce dont vous avez besoin est à portée de main, des ustensiles pratiques - dans le monde matériel qui entoure une personne.
Au centre on voit une élégante coupe en nautile réalisée à partir d'une coquille, ainsi qu'un beau vase chinois, à l'extérieur il est décoré de huit figures en relief représentant les huit immortels du taoïsme, le cône sur le couvercle est le contour d'un bouddhiste. lion.
Cette nature morte est complétée par un tapis persan traditionnel Kalfa et un citron avec une fine spirale d'écorce.
La pyramide d'objets se noie dans une brume crépusculaire, parfois seuls les reflets lumineux indiquent la forme des choses. La nature a créé une coquille, un artisan l'a transformée en gobelet, un artiste a peint une nature morte, et nous profitons de toute cette beauté. Après tout, être capable de voir la beauté est aussi un talent.
Nature morte au gobelet en verre et aux fruits 1655.
Comme toutes les natures mortes de cette époque, les créations de Kalf étaient destinées à exprimer l'idée iconographique de la fragilité - « memento mori » (« souviens-toi de la mort »), pour servir d'avertissement que toutes choses, vivantes et inanimées, sont finalement transitoires.
Nature morte aux fruits et à la coupe de nautile.1660g
Mais pour Kalf, autre chose était important. Toute sa vie, il s'est vivement intéressé aux jeux de lumière et aux effets de lumière sur divers matériaux, de la texture des tapis de laine à l'éclat éclatant des objets métalliques en or, argent ou étain, à la douce lueur de la porcelaine et des couleurs multicolores. coquillages, et se termine par le miroitement mystérieux des bords des plus beaux verres et vases de style vénitien.
Nature morte à la soupière chinoise.
Dessert.
Avant d'entrer à l'Ermitage en 1915, le tableau « Dessert » faisait partie de la collection du célèbre géographe et voyageur russe P. P. Semenov-Tyan-Shansky, grand connaisseur et amateur d'art hollandais et flamand.
Un rayon de lumière éclatant sort de la pénombre un bol de fruits, une pêche sur un plateau argenté et une nappe blanche froissée. Les gobelets en verre et en argent reflètent toujours la lumière, et la fine flûte remplie de vin se fond presque dans le décor.
L'artiste transmet magistralement la texture de chaque objet : un verre, une assiette en faïence peinte, un gobelet doré, un tapis oriental, une serviette blanche comme neige. Dans l’image, on sent la forte influence que la peinture de Rembrandt a eue sur Kalfa : les objets sont présentés sur un fond sombre, la lumière vive semble les raviver, les enveloppant de la chaleur des rayons dorés.
Nature morte au vase en porcelaine, à l'aiguière en vermeil et aux verres
Nature morte Pronk avec bol Holbein, coupe Nautilus, gobelet en verre et plat de fruits
La composition des natures mortes de Kalf, pensée dans les moindres détails, est assurée non seulement par des règles précises, mais aussi par une mise en scène unique et complexe.Sveta.
Des objets de valeur – des gobelets coupés, souvent à moitié remplis de vin – apparaissent progressivement, après un certain temps, dans l'obscurité du fond. Souvent, leur forme n'est étonnamment devinée que par la réflexion des rayons de lumière. Personne, à l'exception de Kalf, n'a réussi à montrer de manière aussi réaliste la lumière pénétrant à travers la coquille du nautile. À juste titre, Kalf est surnommé le « Vermeer de la nature morte » et, à certains endroits, Kalf l'a surpassé.
Depuis 1663, Kalf écrit moins, il se lance dans le commerce de l'art et devient un expert en art recherché.
Willem Kalf est décédé à l'âge de 74 ans, blessé lors d'une chute alors qu'il rentrait chez lui après une visite.
Grâce à ses capacités visuelles uniques, associées à son excellente éducation et à ses connaissances approfondies des sciences naturelles, il a considérablement élargi les possibilités illusionnistes de la nature morte. Ses créations sont des exemples inégalés de cet art.
Après avoir traversé une série d'étapes, dont chacune avait sa signification spécifique et originale, la nature morte hollandaise a largement embrassé le monde des choses et de la nature organique. De la première étape du travail des artistes du début du siècle, avec l'enregistrement des choses exposées comme exposées, les peintres de la génération suivante sont passés à de modestes « petits déjeuners » avec des objets en métal et en verre regroupés sur une nappe blanche. (Klas, Héda). Ces « petits déjeuners » se distinguent par la simplicité des objets représentés : un petit pain, des plats en étain, des récipients en verre - tels sont les principaux composants des images, conçues dans une palette colorée grisâtre. Plusieurs poissons dans les peintures d'Ormea et Putter, une nature morte de cuisine des artistes de Rotterdam reflètent les goûts puritains modestes des couches démocratiques de la première moitié du siècle.
Mais à mesure que le système républicain s'établissait et que le pouvoir de la classe bourgeoise se renforçait, puis son aristocratisation progressive, les exigences de l'art changèrent également. La nature morte perd son caractère modeste et simple. Les « petits déjeuners » deviennent plus luxueux et luxuriants, frappant par leur richesse de couleurs. Ils sont désormais construits sur une combinaison de tons chauds de nappes de moquette et de fruits orange, jaunes, rouges disposés sur des plats en faïence de Delft ou en porcelaine de Chine, égayés par l'éclat des gobelets dorés et des verres en verre, à la surface desquels joue la lumière. Témoignant d'une maîtrise complète du transfert de matière et de l'éclairage, saturées de couleurs, les natures mortes de Kalf, Beyeren, Streck caractérisent l'époque de la plus haute floraison de la nature morte.
Non seulement le temps a influencé le thème et le développement de la nature morte, mais aussi bien plus encore : les caractéristiques locales, la structure économique typique d'une ville particulière déterminent souvent le thème et même l'interprétation du travail d'un artiste local. Ce n'est pas un hasard si dans Haarlem en développement rapide avec ses fortes associations de citoyens, le type de nature morte tonale a été le premier à se développer, et au centre de la vie économique et culturelle de la Hollande - Amsterdam - les activités des créateurs de les desserts luxueux Kalf et Streck ont eu lieu. La proximité de la côte de Scheveningen a inspiré Beyeren, qui vit à La Haye, à créer une nature morte avec du poisson, et dans le centre universitaire - Leiden - une nature morte réfléchie est apparue avec l'image d'un crâne et d'un sablier, destinée à rappeler la fragilité de l'existence terrestre. Les peintures représentant un scientifique entouré de tomes, de globes et d’autres objets scientifiques, occupant souvent tout le premier plan, étaient également très répandues.
Une division stricte des natures mortes en genres est impossible, car plusieurs motifs étaient souvent combinés dans une seule image. Cependant, les genres les plus courants peuvent être identifiés.
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Les sous-titres
Nature morte aux fleurs
Dans les natures mortes de fleurs, les artistes représentaient des tulipes, des roses, des glaïeuls, des jacinthes, des œillets, des lys, des iris, du muguet, des myosotis, des violettes, des altos, des marguerites, des nigelles, du romarin, des anémones, du calendula, des giroflées, des mauves et d'autres fleurs.
L'un des premiers artistes du XVIIe siècle à peindre des vases fleuris fut Jacob (Jacques) de Ghein le Jeune (1565-1629). Son œuvre se caractérise par un format de peinture vertical allongé, une disposition de fleurs à plusieurs niveaux avec une alternance de grandes et de petites plantes, ainsi que par l'utilisation de techniques qui deviendront très populaires parmi les artistes de ce genre : incruster un bouquet de fleurs dans une niche et représentant des petits animaux à côté d'un vase.
L'apparition d'insectes, d'animaux, d'oiseaux et de coquillages comme détails auxiliaires dans les natures mortes florales est le reflet de la tradition consistant à utiliser les significations cachées des objets représentés qui ont une signification symbolique. Divers symboles apparaissent dans des natures mortes de tous genres.
Les disciples de Jacob de Geyn le Jeune étaient Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) et Jacob Wouters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg a peint des bouquets de tulipes, de jonquilles, de roses et de physalis, tandis que dans ses peintures il y a des motifs de « vanité des vanités » et de « tromperie » classique.
Caractéristique Les peintures de Vosmar présentent également un motif de « vanité des vanités » sous la forme d'une rose tombante. Il a souvent représenté dans des natures mortes une mouche, un troglodyte, un papillon du chou, une libellule et une abeille.
Le fondateur de toute une dynastie de maîtres de natures mortes avec fleurs et fruits fut Ambrosius Bosschaert l'Ancien (1573-1621). La dynastie comprenait trois fils (Johannes, Abraham et Ambrosius), deux beaux-frères (Johannes et Balthasar van der Asty) et un gendre (Jérôme Swerts).
Bosshart a peint de petites natures mortes avec un bouquet dans un vase (dans certains cas, il s'agissait d'un vase en porcelaine chinoise), placé dans une niche ou sur le rebord d'une fenêtre. Outre les petits animaux, les coquillages sont également utilisés comme entourage dans ses peintures.
Parmi les fils de Bosschaert, le talent de l'artiste s'est le plus clairement manifesté chez Johannes Bosschaert (1610/11 - après 1629). Caractéristiques distinctives sa créativité - la disposition des objets en diagonale dans l'image et la couleur métallique mate.
Ambrosius Bosschaert le Jeune (1609-1645) a utilisé les techniques de modelage en clair-obscur des caravagesques d'Utrecht.
Abraham Bosshart (1612/1613 - 1643) a copié les techniques de ses frères.
Les frères de l'épouse d'Ambrosius Bosschaert, Johannes et Balthasar van der Asta, perpétuent les traditions de Bosschaert.
Un seul tableau de Johannes van der Ast est connu.
L'œuvre de l'aîné des frères, Balthasar van der Ast (1593/1594 - 1657), qui a laissé un riche héritage créatif - plus de 125 peintures, a été d'une grande importance pour le développement de la nature morte. Il aimait représenter un panier de fleurs ou un plat de fruits sur la table, et au premier plan le long du bord de la table, il plaçait des coquillages, des fruits et des papillons. Certaines de ses peintures représentent des perroquets.
Roelant Saverey (1576-1639) appartient à l'école d'Ambrosius Bosshart l'Ancien. Ses natures mortes sont construites sur le principe d'un bouquet de fleurs situé dans une niche. Il ajoute à ses peintures des motifs de « vanité des vanités » ; le scarabée fossoyeur, la mouche du fumier, le papillon tête de mort et d'autres insectes, ainsi que des lézards, sont utilisés comme entourage.
L'œuvre d'Ambrosius Bosschaert a influencé des artistes tels qu'Anthony Claes I (1592-1636), son homonyme Antoni Claes II (1606/1608 - 1652) et le gendre d'Ambrosius Bosschaert l'Ancien, Hieronymus Swerts.
Dans les œuvres de Hans Bollongier (vers 1600 - après 1670), les techniques du caravagesme d'Utrecht étaient largement utilisées. Utilisant le clair-obscur, l’artiste a mis en valeur les fleurs sur fond de crépuscule.
Le développement ultérieur de la nature morte florale a été observé dans le travail des maîtres de Middelburg : Christoffel van den Berghe (vers 1590 - après 1642), qui a représenté des éléments de « vanité des vanités » dans des natures mortes florales : une bouteille de vin, une tabatière, une pipe, des cartes à jouer et un crâne ; et Johannes Goodart, qui a largement utilisé les insectes et les oiseaux comme environnement.
L'école des maîtres de la nature morte florale de Dordrecht comprend Bartholomeus Abrahams Asstein (1607(?) - 1667 ou plus tard), Abraham van Kalrath (1642-1722), le père du célèbre peintre paysagiste et animalier Albert Cuyp, Jacob Gerrits Cuyp ( 1594-1651/1652). Leur travail se caractérise par une utilisation intensive du clair-obscur.
« Tables servies » (« Petits déjeuners », « Desserts », « Banquets »)
Le lieu de naissance et le centre des « tables dressées » était Haarlem. La condition préalable à la création de ce type de nature morte était la large diffusion au XVIe siècle de portraits de membres de corporations de tir lors d'un banquet. Peu à peu, l'image d'une table dressée est devenue un genre indépendant.
L'ensemble des objets formant la nature morte comprenait initialement des produits traditionnels hollandais : fromage, jambon, brioches, fruits, bière. Cependant, plus tard, dans les natures mortes, des plats typiques des grandes occasions ou des tables des riches citadins commencèrent à apparaître de plus en plus : gibier, vin, tartes (la plus chère était la tarte aux mûres). En plus du hareng traditionnel, des homards, des crevettes et des huîtres sont apparus.
Des plats coûteux en argent et en porcelaine chinoise, des cruches et des tatsas ont également commencé à être utilisés. Attention particulière Les artistes ont utilisé des verres : Roemer, Berkemeier, verre à passe, verre à flûte, verre vénitien, verre akeley. La plus exquise était la coupe Nautilus.
Les attributs fréquents des natures mortes étaient une salière et un couteau de table. Le citron à moitié pelé était souvent utilisé comme tache colorée.
L'une des premières natures mortes montrant une table hollandaise est The Table Set de Nicholas Gillies (vers 1580 - après 1632). L'artiste utilise un point de vue élevé dans ses peintures.
Les natures mortes de Floris Gerrits van Schouten (vers 1590 - après 1655) se caractérisent par leur complexité, il utilisait un grand nombre d'objets et le sujet principal était souvent un tas de fromages. Dans un certain nombre de cas, il a utilisé la technique consistant à éloigner l'accent du groupe de natures mortes du centre géométrique de l'image.
Floris van Dyck (1575-1651) est une figure importante de ce type de natures mortes. Le centre de ses peintures était une pyramide de fromages, l'arrière-plan se dissolvant en brume.
Clara Peters (1594-1657) s'est spécialisée dans ce même type de nature morte. Elle représentait souvent de la vaisselle coûteuse et exquise, des homards et des huîtres. Dans certaines de ses natures mortes, elle utilise un point de vue plus bas, presque au niveau de la table.
Des compositions proches de Peters ont été créées par Hans van Essen (1587/1589 - après 1648).
Roelof Coots (1592/1593 - 1655) utilisait la technique de la négligence délibérée, l'assiette ou le couteau de ses tableaux pendait à mi-hauteur du bord de la table. Il fut l'un des premiers à créer des toiles représentant non pas une table dressée, mais une table avec des traces du petit-déjeuner fini, introduisant dans les peintures des motifs de « vanité des vanités » : horloges, livres, raisins tombés.
Au début de son œuvre, Peter Klas a également créé des peintures de ce genre.
Nature morte tonale
La nature morte tonale hollandaise a été dirigée par Pieter Claes et Willem Claes Heda, qui vivaient à Haarlem.
La tradition de représenter la maîtresse de maison, la cuisinière ou les domestiques a été préservée, même si elles sont de plus en plus passées au second plan. Au premier plan se trouvaient les ustensiles de cuisine et la viande, le poisson et de nombreux légumes apportés en cuisine : potiron, navets, rutabaga, choux, carottes, pois, haricots, oignons et concombres. Les gens les plus riches avaient sur leur table du chou-fleur, des melons, des artichauts et des asperges.
Pieter Cornelis van Ryck (1568-1628) peint dans la tradition du XVIe siècle, avec parfois des scènes bibliques en arrière-plan.
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643) utilisait un point de vue élevé et aimait placer les ustensiles de cuisine au premier plan.
A écrit des scènes de cuisine et maître célèbre« dresser les tables » de Floris Gerrits van Schoten, il inclut parfois des motifs de genre dans ses natures mortes.
Cornelis Pieters Begi (1631/1632 - 1664) va encore plus loin en incluant dans la nature morte un satyre venu rendre visite aux paysans.
Le peintre de genre et portraitiste Gottfried Schalcken (1643-1706) a représenté un cellier avec des tonneaux de vin et des provisions.
Un groupe de maîtres du genre quotidien, les frères Cornelis et Hermann Saftleven (1607/1608 - 1681 et 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) et Ecbert van der Poel (1621 -1664) écrivent également des natures mortes « de cuisine » avec des motifs de genre, mais les objets ménagers dominent toujours dans leurs peintures.
Les natures mortes du célèbre maître des « petits déjeuners paysans » Philips Angel sont également proches des œuvres des peintres de genre de Rotterdam.
Contrairement aux artistes qui représentaient les cuisines d'un riche bourgeois avec leur propreté et leur ordre, François Reykhals (après 1600 - 1647) peignait des cuisines de paysans pauvres.
Le célèbre maître des natures mortes « luxueuses » Willem Kalf a consacré plus de 60 de ses œuvres au thème de la nature morte en cuisine.
Nature morte "Poisson"
La Haye est devenue le berceau de la nature morte aux poissons. La proximité de Scheveningen a encouragé les artistes non seulement à peindre des marinas, mais aussi à créer type spécial peinture de natures mortes - peintures représentant des poissons et des animaux marins.
Les fondateurs de ce type de nature morte étaient : Pieter de Putter, Pieter van Schijenborg et Pieter van Noort.
Pieter de Putter (1600-1659) a choisi un point de vue élevé d'où la table avec les poissons était clairement visible ; parfois un filet était ajouté à la nature morte ;
Pieter van Schijenborg (? - après 1657) peint des poissons sur fond gris ou jaune-brun.
Les peintures de Pieter van Noort (environ 1600 - ?), qui transmettaient de manière colorée l'éclat des écailles, avaient une couleur particulière.
Le principal représentant de cette direction de la peinture était Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), qui travailla dans de nombreux autres genres de natures mortes et peigna également des marinas. Il a représenté des poissons aussi bien sur la table qu'au bord de la mer.
L'élève de van Beyeren était peut-être Isaac van Duinen (1628 - 1677/1681).
Le paysagiste Albert Cuyp (1620-1691) compte également parmi les maîtres de la nature morte « aux poissons ».
Les maîtres d'Utrecht Willem Ormea (1611-1673) et son élève Jacob Gillig (environ 1630 - 1701) étaient friands de natures mortes « aux poissons ».
« Vanité des vanités » (Vanitas, Memento mori, nature morte « scientifique »)
Une place importante dans la peinture hollandaise était occupée par la nature morte philosophique et moralisatrice, qui reçut le nom latin « vanitas » (« vanité des vanités »).
« Les fondements idéologiques de ce mouvement mêlent de manière unique les idées médiévales sur la fragilité de toutes les choses terrestres, les tendances moralisatrices du calvinisme et l’idéal humaniste d’un homme sage luttant pour la vérité et la beauté. »
Les symboles de mortalité les plus courants dans les natures mortes « vanité des vanités » étaient : un crâne, une bougie éteinte, une horloge, des livres, instruments de musique, fleurs fanées, vaisselle renversée ou cassée, cartes à jouer et dés, pipes, bulles de savon, timbres, globe, etc. Parfois l’artiste incluait dans l’œuvre une feuille de parchemin avec un dicton latin sur le thème « vanité des vanités ».
La première nature morte du XVIIe siècle qui nous soit parvenue, appartenant au genre « vanité des vanités », a été peinte par Jacob de Geyn le Jeune.
« Dans la partie supérieure de la niche, sur les chapiteaux des pylônes qui la flanquent, se trouvent des images sculpturales de figures féminines et masculines, et sur la clé de voûte de l'arc de la niche est gravée une inscription latine : « HUMANA VANA », ce qui peut être traduit par « la vanité humaine est vaine ». Cette devise nous permet de comprendre la symbolique des figures, dont la première, comme pour mettre en garde contre l'éphémère de la sphère du savon, la montre du doigt, et la seconde, comme pour réfléchir sur la futilité des actions humaines, en pensée posait sa tête sur son bras plié au niveau du coude. La validité du dicton latin est confirmée par l'image d'un crâne - symbole de mort, supprimant à la fois les bonnes et les mauvaises actions humaines, et par une bulle de savon, exprimant destin tragique matière naturelle, vouée à disparaître dans le tourbillon de l'existence."
Jacob de Geyn le Jeune vivait à Leyde, la ville où fut ouverte la première université néerlandaise et qui était le centre de l'imprimerie de livres. C'est Leiden qui est devenue le centre de la nature morte « scientifique ».
Le développement des natures mortes du type « vanité des vanités » a été fortement influencé par les activités du résident de Leiden David Bayley et des maîtres regroupés autour de lui.
Le pionnier d'un nouveau type de nature morte fut Jan Davids de Hem (1606-1684). Il s'est essayé dans divers genres: natures mortes florales, scientifiques, de cuisine. En 1636, l'artiste s'installe à Anvers et subit l'influence de la peinture flamande. Il commence à créer des natures mortes luxueuses, surchargées de fruits vifs et colorés, de homards, de perroquets... Les natures mortes de fleurs avaient également une nette trace flamande, distinguée par une symphonie baroque de couleurs.
Jan Davids de Hem a animé un atelier avec un grand nombre d'étudiants et d'assistants. Outre le fils du maître Cornelis de Hem, ses élèves directs étaient Pieter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Borman, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis, Cornelis Kik. À son tour, Kik a élevé des étudiants doués - Elias van den Broek et Jacob van Walskapelle.
Les techniques de Jan Davids de Hem étaient bien maîtrisées par son fils Cornelis de Hem (1631-1695). En même temps, il y a plus d’air dans ses tableaux.
L'élève le plus doué de Jan Davids de Hem fut Pieter de Ring (1615-1660). Particularité ses natures mortes comportaient la présence indispensable d’une chevalière, faisant allusion au nom de famille de l’artiste (ring en néerlandais).
Un autre élève remarquable de Jan Davids de Hem fut Nicholas van Gelder (1623/1636 - vers 1676), qui créa ses natures mortes sous l'influence de l'œuvre de Willem Kalf.
Plus simples et intimes sont les natures mortes des disciples de Jan Davids de Hem - Johannes Bormann et Martinus Nellius (? - après 1706).
Simon Lüttihuis (1610 - ?) créa également de luxueuses natures mortes, en y ajoutant des motifs de « vanité des vanités ».
Un autre élève de Jan Davids de Hem, Cornelis Kick (1631/1632 - 1681), a utilisé des croquis en plein air dans ses peintures. Il transmet ses techniques du plein air à ses élèves Elias van den Broek (1650-1708) et Jacob van Walskapelle (1644-1727), dont les natures mortes se caractérisent par un rendu subtil de l'environnement lumière-air.
De l'atelier de Jan Davids de Hem sont également issus le maître des natures mortes de vanités Maria van Oosterwijk, ainsi que deux maîtres des natures mortes florales tardives, Jacob Rotius (1644 - 1681/1682) et Abraham Mignon.
Lors des premières natures mortes « luxueuses » de Jan Davids de Heem, quelques ouvrages sur ce sujet furent également écrits par François Reichals.
Le désir de couleur est caractéristique des natures mortes luxueuses d'Abraham van Beyeren. Un attribut indispensable de ces peintures était une montre de poche.
L'un des rares disciples de Beyeren, Abraham Susenir, aimait représenter des plats en argent.
Les natures mortes « luxueuses » de Willem Kalf (1619-1693) ont eu une grande influence sur les artistes. Kalf y utilisait souvent des récipients en or, en argent et en porcelaine chinoise. Parallèlement, les tableaux étaient équipés de symboles de la « vanité des vanités » : un chandelier et une montre de poche. Kalf choisit souvent un format vertical. Son travail se décompose en périodes de séjour en France et de retour à Amsterdam. La période tardive se caractérise par une diminution du nombre d'objets représentés sur l'image et un fond sombre.
Les disciples de Kalf étaient Jurian van Streek, son fils Hendrik van Streek (1659 - ?), Christian Jans Streep (1634-1673) et Barent van der Meer (1659 - à 1702).
Un autre disciple de Kalf, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698), a choisi de rapprocher les natures mortes « luxueuses » des natures mortes « trompeuses ».
Avec Alost, Matthaus Bloom est l'un des pionniers de la nature morte aux trophées de chasse.
Un certain nombre de peintures sur ce sujet ont été réalisées par Nicholas van Gelder (1623/1636 - vers 1676).
Melchior de Hondecoeter a également représenté des trophées de chasse.
Le thème de la nature morte de chasse a été abordé par le célèbre maître paysagiste Jan Baptist Venix (1621-1660), qui a représenté des chevreuils et des cygnes tués. Son fils Jan Weniks a créé au moins une centaine de tableaux avec des images de lièvres abattus sur fond de niche en pierre ou de paysage de parc.
Un autre élève de Jan Baptist Weenix était Willem Frederik van Rooyen (1645/1654 - 1742), qui incorpora également des images d'animaux dans le paysage.
Dirk de Bray était également un partisan de la nature morte de chasse cérémoniale, comme Alost et Royen. Il représentait les trophées de la fauconnerie, le divertissement des aristocrates et des riches bourgeois.
Parallèlement aux toiles décoratives de « trophées de chasse », les natures mortes de chasse « de chambre » se sont également répandues. Jan Vonk (vers 1630 - 1660 ?), Cornelis Lelienberg (1626 - après 1676), l'élève d'Alost Willem Gau Ferguson (vers 1633 - après 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - après 1694) et Pieter Harmens Verelst (1618- 1678), ainsi que son fils Simon Peters Verelst (1644-1721).
Les natures mortes de chasse « de chambre » ont été créées par des peintres qui ont travaillé dans d'autres genres de natures mortes : Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Le célèbre peintre paysagiste Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), qui a écrit « Nature morte au gibier tué » (1661) et « Trophées de chasse » (1662), et le peintre de genre, élève d'Adrian van Ostade, Cornelis Dusart ( 1660-1704) rendait hommage à la nature morte de chasse.
Nature morte avec des animaux
Les fondateurs du genre furent Otto Marceus van Scrieck (1619/1620 - 1678) et Matthias Withos (1627-1703).
Skrik a commencé un terrarium sur son domaine avec des insectes, des araignées, des serpents et d'autres animaux, qu'il a représentés dans ses peintures. Il aimait créer des compositions complexes avec des plantes et des animaux exotiques, en y introduisant des connotations philosophiques. Par exemple, dans le tableau de Dresde « Le serpent au nid d’oiseau », les papillons récoltent le nectar des fleurs, une grive attrape des papillons et les donne à manger à son poussin, un autre poussin est avalé par un serpent, qui est chassé par une hermine.
Vithos préférait représenter des chardons et d'autres plantes au premier plan de ses peintures, parmi lesquels rampent des serpents, des lézards, des araignées et des insectes. En arrière-plan, il représente un paysage italien, souvenir d'un voyage en Italie.
Christian Jans Streep a peint des chardons et des taupes à la manière de Skrick.
Abraham de Heus a représenté très soigneusement et proche de la vie diverses espèces de taupes, de lézards, de serpents et de papillons.
Willem van Aalst possède plusieurs peintures dédiées à la représentation d'animaux. Son élève Rachel Reusch carrière créative a commencé avec des imitations de Skrik, mais a ensuite développé propre style, qui se caractérise par l'image de petits animaux sur fond de paysage doré.
La nature morte hollandaise des XVIe et XVIIe siècles est une sorte de jeu intellectuel dans lequel le spectateur est invité à démêler certains signes. Ce qui était facilement compris par les contemporains n'est pas clair pour tout le monde aujourd'hui et pas toujours.
Que signifient les objets représentés par les artistes ?
Jean Calvin (1509-1564, théologien français, réformateur de l'Église, fondateur du calvinisme) a enseigné que les choses du quotidien ont des significations cachées et que derrière chaque image devrait se cacher une leçon de morale. Les objets représentés dans les natures mortes ont de multiples significations : ils sont dotés de connotations édifiantes, religieuses ou autres. Par exemple, les huîtres étaient considérées comme un symbole érotique, ce qui était évident pour les contemporains : les huîtres auraient stimulé la puissance sexuelle et Vénus, la déesse de l'amour, est née d'une coquille. D'une part, les huîtres faisaient allusion aux tentations du monde, d'autre part, une coquille ouverte signifiait une âme prête à quitter le corps, c'est-à-dire qu'elle promettait le salut. Bien sûr, il n'y avait pas de règles strictes sur la façon de lire une nature morte, et le spectateur devinait exactement les symboles sur la toile qu'il voulait voir. De plus, il ne faut pas oublier que chaque objet faisait partie de la composition et pouvait être lu de différentes manières - selon le contexte et le message global de la nature morte.Nature morte florale
Jusqu'au XVIIIe siècle, un bouquet de fleurs symbolisait généralement la fragilité, car les joies terrestres sont aussi éphémères que la beauté d'une fleur. Le symbolisme des plantes est particulièrement complexe et ambigu, et les livres d'emblèmes, populaires en Europe aux XVIe et XVIIe siècles, ont permis d'en saisir le sens, où les illustrations allégoriques et les devises étaient accompagnées de textes explicatifs. Les compositions florales n’étaient pas faciles à interpréter : une même fleur avait plusieurs significations, parfois directement opposées. Par exemple, le narcisse indiquait le narcissisme et était en même temps considéré comme un symbole de la Mère de Dieu. Dans les natures mortes, en règle générale, les deux sens de l'image étaient préservés et le spectateur était libre de choisir l'un des deux sens ou de les combiner.
Les compositions florales étaient souvent complétées par des fruits, de petits objets et des images d'animaux. Ces images exprimaient l'idée principale de l'œuvre, soulignant le motif de la fugacité, de la décadence, du péché de tout ce qui est terrestre et de l'incorruptibilité de la vertu.
Jan Davids de Heem.
Fleurs dans un vase.
Dans le tableau de Jan Davids de Heem, à la base du vase, l'artiste représente des symboles de fragilité : des fleurs fanées et cassées, des pétales émiettés et des gousses de pois séchées. Voici un escargot - il est associé à l'âme d'un pécheur. Au centre du bouquet se trouvent des symboles de modestie et de pureté : fleurs sauvages, violettes et myosotis. Ils sont entourés de tulipes, symbolisant une beauté fanée et un gaspillage insensé (la culture des tulipes en Hollande était considérée comme l'une des activités les plus vaines et, de plus, coûteuses) ; des roses et des coquelicots luxuriants, rappelant la fragilité de la vie. La composition est couronnée de deux grandes fleurs qui ont une signification positive. L'iris bleu représente la rémission des péchés et indique la possibilité du salut par la vertu. Le coquelicot rouge, traditionnellement associé au sommeil et à la mort, a changé d'interprétation en raison de sa place dans le bouquet : il signifie ici le sacrifice expiatoire du Christ.
D’autres symboles du salut sont les épis de pain, et un papillon posé sur une tige représente l’âme immortelle.
Jan Bauman.
Des fleurs, des fruits et un singe. Première moitié du XVIIe siècle.
Le tableau de Jan Bauman « Des fleurs, des fruits et un singe » est un bon exemple de la signification à plusieurs niveaux et de l'ambiguïté d'une nature morte et des objets qui s'y trouvent. À première vue, la combinaison de plantes et d’animaux semble aléatoire. En fait, cette nature morte nous rappelle également le caractère éphémère de la vie et le caractère pécheur de l’existence terrestre. Chaque objet représenté véhicule une certaine idée : un escargot et un lézard dans dans ce cas indiquer la mortalité de tout ce qui est terrestre ; une tulipe posée près d'un bol de fruits symbolise une décoloration rapide ; des coquillages éparpillés sur la table suggèrent un gaspillage d'argent imprudent ; et le singe à la pêche indique le péché originel et la dépravation. De l'autre côté, un papillon flottant et des fruits : des grappes de raisin, des pommes, des pêches et des poires parlent de l'immortalité de l'âme et du sacrifice expiatoire du Christ. À un autre niveau allégorique, les fruits, fruits, fleurs et animaux présentés dans l'image représentent quatre éléments : coquilles et escargots - eau ; papillon - air; fruits et fleurs - terre ; singe - feu.
Nature morte dans une boucherie
Peter Aartsen.
La boucherie ou la cuisine avec la scène de la Fuite en Égypte. 1551
L'image d'une boucherie est traditionnellement associée à l'idée de vie physique, personnification de l'élément terre, ainsi qu'à la gourmandise. Peint par Peter Aartsen
Presque tout l’espace est occupé par une table chargée de nourriture. Nous voyons de nombreux types de viandes : volailles tuées et carcasses habillées, foie et jambon, jambons et saucisses. Ces images symbolisent l'excès, la gourmandise et l'attachement aux plaisirs charnels. Tournons maintenant notre attention vers le contexte. Sur le côté gauche du tableau, dans l'ouverture de la fenêtre, se trouve une scène évangélique de la fuite en Égypte, qui contraste fortement avec la nature morte au premier plan. La Vierge Marie remet la dernière miche de pain à une mendiante. A noter que la fenêtre est située au dessus du plat, où reposent deux poissons en croix (symbole de la crucifixion) - symbole du christianisme et du Christ. A droite en arrière-plan se trouve une taverne. Un groupe joyeux s'assoit à une table près du feu, boit et mange des huîtres qui, on s'en souvient, sont associées à la luxure. Une carcasse dépecée pend à côté de la table, indiquant l’inévitabilité de la mort et la nature éphémère des joies terrestres. Un boucher en chemise rouge dilue le vin avec de l'eau. Cette scène fait écho à l'idée principale de la nature morte et fait référence à la Parabole de fils prodigue. La scène de la taverne, ainsi que la boucherie pleine de plats, parlent d'une vie oisive, dissolue, attachée aux plaisirs terrestres, agréables pour le corps, mais destructrices pour l'âme. Dans la scène de la fuite en Egypte, les personnages tournent pratiquement le dos au spectateur : ils s'enfoncent plus profondément dans le tableau, s'éloignant de la boucherie. C'est une métaphore pour échapper à une vie dissolue pleine de plaisirs sensuels. Y renoncer est l’un des moyens de sauver l’âme.
Nature morte dans une poissonnerie
La nature morte aux poissons est une allégorie de l’élément eau. Ces types d'œuvres, comme les boucheries, faisaient souvent partie du soi-disant cycle des éléments primordiaux et étaient généralement créés pour décorer les salles à manger des palais. Au premier plan du tableau "La poissonnerie" de Frans Snyders, de nombreux poissons sont représentés. On y trouve des perches et des esturgeons, des carassins, des poissons-chats, du saumon et d'autres fruits de mer. Certains sont déjà découpés, d'autres attendent leur tour. Ces images de poissons ne portent aucun sous-texte : elles glorifient la richesse de la Flandre.
Frans Snyders.
Poissonnerie. 1616
À côté du garçon, nous voyons un panier contenant des cadeaux qu'il a reçus pour la Saint-Nicolas. Ceci est indiqué par les sabots rouges en bois attachés au panier. En plus des bonbons, des fruits et des noix, le panier contient des bâtonnets - comme une allusion à l'éducation avec « la carotte et le bâton ». Le contenu du panier parle des joies et des peines de la vie humaine, qui se remplacent constamment. La femme explique à l'enfant que les enfants obéissants reçoivent des cadeaux et que les mauvais enfants reçoivent des punitions. Le garçon recula d'horreur : il pensait qu'au lieu de bonbons, il recevrait des coups de verge. Sur la droite, nous voyons une fenêtre s'ouvrant par laquelle nous pouvons voir la place de la ville. Un groupe d'enfants se tient sous les fenêtres et accueille joyeusement le bouffon des marionnettes sur le balcon. Le bouffon fait partie intégrante des festivités des fêtes folkloriques.
Nature morte à la table dressée
Dans de nombreuses variantes de décorations de table sur les toiles des maîtres hollandais, nous voyons du pain et des tartes, des noix et des citrons, des saucisses et du jambon, des homards et des écrevisses, des plats à base d'huîtres, de poisson ou de coquilles vides. Ces natures mortes peuvent être comprises en fonction de l'ensemble des objets.
Gerrit Willems Heda.
Jambon et couverts. 1649
Dans le tableau de Gerrit Willems Heda, nous voyons un plat, une cruche, un grand gobelet en verre et un vase renversé, un moutardier, un jambon, une serviette froissée et un citron. C'est l'ensemble traditionnel et préféré de Heda. La disposition des objets et leur choix ne sont pas aléatoires. Argenterie symbolise les richesses terrestres et leur futilité, le jambon - les plaisirs charnels, attrayants en apparence et aigre à l'intérieur, le citron personnifie la trahison. Une bougie éteinte indique la fragilité et la fugacité de l'existence humaine, un désordre sur la table indique la destruction. Un grand verre « flûte » en verre (au XVIIe siècle, ces verres servaient de récipient à mesurer avec des marques) est fragile, comme vie humaine, et symbolise en même temps la modération et la capacité d’une personne à contrôler ses impulsions. En général, dans cette nature morte, comme dans bien d'autres « petits déjeuners », le thème de la vanité et de l'absurdité des plaisirs terrestres se joue à l'aide d'objets.
Pierre Claes.
Nature morte au brasero, au hareng, aux huîtres et à la pipe fumante. 1624
La plupart des objets représentés dans la nature morte de Peter Claes sont des symboles érotiques. Les huîtres, la pipe, le vin renvoient à des plaisirs charnels brefs et douteux. Mais ce n’est qu’une option pour lire une nature morte. Regardons ces images sous un angle différent. Ainsi, les coquilles sont des symboles de la fragilité de la chair ; une pipe, avec laquelle ils fumaient non seulement, mais aussi soufflaient des bulles de savon, est un symbole de la soudaineté de la mort. Le contemporain de Claes, le poète néerlandais Willem Godschalk van Fockenborch, a écrit dans le poème « Mon espoir est fumée » :
Comme vous pouvez le constater, être, c'est comme fumer la pipe,
Et je ne sais vraiment pas quelle est la différence :
L’un n’est qu’un jeu d’enfant, l’autre n’est qu’une fumée.
Le thème de la fugacité de l’existence humaine s’oppose à l’immortalité de l’âme, et les signes de fragilité se révèlent soudain être des symboles de salut. Le pain et le verre de vin en arrière-plan sont associés au corps et au sang de Jésus et indiquent le sacrement du sacrement. Le hareng - un autre symbole du Christ - nous rappelle le jeûne et la nourriture du Carême. Et les coquilles ouvertes d'huîtres peuvent changer leur signification négative en exactement le contraire, indiquant l'âme humaine séparé du corps et prêt à entrer dans la vie éternelle.
Différents niveaux d'interprétation des objets indiquent subtilement au spectateur qu'une personne est toujours libre de choisir entre le spirituel, l'éternel et le terrestre, transitoire.
Vanitas, ou nature morte "Scientifique"
Le genre de la nature morte dite « scientifique » s'appelait vanitas - traduit du latin, cela signifie « vanité des vanités », en d'autres termes - « memento mori » (« souviens-toi de la mort »). C'est le type de nature morte le plus intellectuel, une allégorie de l'éternité de l'art, de la fragilité de la gloire terrestre et de la vie humaine.
Jurian van Streck.
Vanité. 1670
L'épée et le casque avec un panache luxueux dans le tableau de Jurian van Streck indiquent la nature éphémère de la gloire terrestre. Le cor de chasse symbolise une richesse qui ne peut pas être emportée avec vous dans une autre vie. Dans les natures mortes « scientifiques », on trouve souvent des images de livres ouverts ou de papiers posés négligemment avec des inscriptions. Ils invitent non seulement à réfléchir sur les objets représentés, mais permettent également de les utiliser conformément à leur destination : lire des pages ouvertes ou jouer de la musique écrite dans un cahier. Van Streck a représenté un croquis d'une tête de garçon et un livre ouvert : c'est la tragédie Electre de Sophocle, traduite en néerlandais. Ces images indiquent que l'art est éternel. Mais les pages du livre sont gondolé et le dessin est froissé. Ce sont des signes du début de la corruption, laissant entendre qu'après la mort, même l'art ne sera plus utile. Le crâne parle également de l'inévitabilité de la mort, mais l'épi de grain entrelacé autour de lui symbolise l'espoir de la résurrection et de la vie éternelle. Au milieu du XVIIe siècle, un crâne entrelacé avec un épi de grain ou du lierre à feuilles persistantes deviendrait un sujet obligatoire pour les représentations dans les natures mortes de style vanité.
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Ainsi, en 1581, les habitants du nord des Pays-Bas, après de nombreuses années de guerre pour se libérer de la domination espagnole, proclamèrent la République indépendante des Provinces-Unies. Parmi eux, la Hollande était le leader économique et culturel, c'est pourquoi tout le pays a rapidement commencé à être appelé ainsi. La structure sociale des nouveaux Pays-Bas a peu changé par rapport au XVIe siècle, mais des changements importants ont suivi dans la vie spirituelle. Le calvinisme est devenu la religion d'État. Cette doctrine ne reconnaissait pas les icônes et l'art religieux en général (ce mouvement du protestantisme porte le nom de son fondateur, le théologien français Jean Calvin (1509-1564).
Les artistes néerlandais durent inévitablement abandonner les thèmes religieux et en chercher de nouveaux. Ils se tournèrent vers la réalité qui les entourait, vers les événements quotidiens qui se déroulaient jour après jour dans la pièce voisine ou dans la rue voisine. Et les clients – le plus souvent des nobles, mais des bourgeois peu instruits – appréciaient avant tout les œuvres d’art parce qu’elles étaient « comme la vie ».
Les tableaux devenaient des biens marchands et le bien-être du peintre dépendait entièrement de sa capacité à plaire au client. Par conséquent, l’artiste a passé toute sa vie à s’améliorer dans un certain genre. L'ambiance qui imprègne les œuvres école néerlandaise, et même leur petit format, en règle générale, suggère que beaucoup d'entre eux n'étaient pas destinés aux palais, mais à des salons modestes et étaient adressés à l'homme du commun.
Nature morte hollandaise du XVIIe siècle. surprend par sa richesse thématique. Dans chaque centre artistique du pays, les peintres préféraient leurs propres compositions : à Utrecht - à partir de fleurs et de fruits, à La Haye - à partir de poisson. À Haarlem, ils ont écrit des petits-déjeuners modestes, à Amsterdam - des desserts luxueux et à l'université de Leiden - des livres et autres objets pour étudier la science ou des symboles traditionnels de la vanité du monde - un crâne, une bougie, un sablier.
Dans les natures mortes du début du XVIIe siècle, les objets sont disposés dans un ordre strict, comme les objets exposés dans une vitrine de musée. Dans de telles peintures, les détails sont dotés d'une signification symbolique. Les pommes rappellent la chute d'Adam et les raisins rappellent le sacrifice expiatoire du Christ. Une coquille est une coquille laissée par une créature qui y vivait autrefois ; les fleurs fanées sont un symbole de mort. Un papillon né d'un cocon signifie la résurrection. Telles sont par exemple les peintures de Balthasar van der Ast (1590-1656).
Pour les artistes de la prochaine génération, les choses ne rappellent plus tant des vérités abstraites, mais servent plutôt à créer des œuvres indépendantes. images artistiques. Dans leurs peintures, les objets familiers acquièrent une beauté particulière, jusqu'alors inaperçue. Le peintre de Haarlem Pieter Claes (1597-1661) souligne avec subtilité et habileté le caractère unique de chaque plat, verre, pot, trouvant le quartier idéal pour chacun d'entre eux. Les natures mortes de son compatriote Willem Claes Heda (vers 1594 - vers 1680) sont remplies d'un désordre pittoresque. Le plus souvent, il écrivait « petits déjeuners interrompus ». Une nappe froissée, des plats de service mélangés, des aliments à peine touchés, tout ici rappelle la présence récente d'une personne. Les peintures sont animées par diverses taches de lumière et des ombres multicolores sur le verre, le métal et la toile (« Petit-déjeuner au crabe », 1648).
Dans la seconde moitié du XVIIe siècle. La nature morte hollandaise, comme le paysage, devient plus spectaculaire, complexe et multicolore. Les peintures d'Abraham van Beyeren (1620 ou 1621-1690) et de Willem Kalf (1622-1693) représentent de grandioses pyramides de plats coûteux et de fruits exotiques. On y trouve de l'argent ciselé, des faïences blanches et bleues, des gobelets faits de coquillages, de fleurs, de grappes de raisin et de fruits à moitié pelés.
On peut dire que le temps a agi comme un objectif de caméra : avec un changement de distance focale, l'échelle de l'image changeait jusqu'à ce que seuls les objets restent dans le cadre, et l'intérieur et les personnages soient expulsés de l'image. Les « cadres de natures mortes » se retrouvent dans de nombreuses peintures Artistes néerlandais XVIe siècle Il est facile de le représenter sous la forme peinture indépendante une table dressée du « Portrait de famille » de Martin van Heemskerck (vers 1530. Musées d'État de Kassel) ou un vase de fleurs de la composition de Jan Brueghel l'Ancien. Jan Brueghel lui-même a fait quelque chose de similaire en écrivant au tout début du XVIIe siècle. les premières natures mortes de fleurs indépendantes. Ils sont apparus vers 1600 – cette époque est considérée comme la date de naissance du genre.
A ce moment-là, il n’y avait pas de mot pour le définir. Le terme « nature morte » est né en France au XVIIIe siècle. et traduit littéralement signifie « nature morte », « nature morte » (nature morte). En Hollande, les peintures représentant des objets étaient appelées « stilleven », ce qui peut être traduit à la fois par « nature morte, modèle » et par « vie tranquille », ce qui traduit avec beaucoup plus de précision les spécificités de la nature morte hollandaise. Mais ce concept général n'est entré en vigueur qu'à partir de 1650, et avant cette époque, les peintures étaient appelées selon le sujet de l'image : blumentopf - un vase avec des fleurs, banketje - une table dressée, fruytage - des fruits, toebackje - des natures mortes avec du tabac. accessoires, doodshoofd - peintures représentant un crâne . Cette liste montre déjà à quel point la variété des objets représentés était grande. En effet, tout le monde objectif qui les entourait semblait se répandre sur les peintures des artistes hollandais.
Dans le domaine de l'art, cela signifiait une révolution tout aussi grande que celle que les Néerlandais ont faite dans le domaine économique et social, en obtenant leur indépendance du pouvoir de l'Espagne catholique et en créant le premier État démocratique. Alors que leurs contemporains d'Italie, de France et d'Espagne se concentraient sur la création d'immenses compositions religieuses pour les autels d'églises, de peintures et de fresques sur des sujets de la mythologie antique pour les salles des palais, les Néerlandais peignaient de petites peintures avec des vues de coins de leur paysage natal, des danses à un rythme fête de village ou concert à domicile dans une maison bourgeoise, scènes dans une taverne rurale, dans la rue ou dans une maison de réunion, tables dressées avec petit-déjeuner ou dessert, c'est-à-dire une nature « basse », sans prétention, non éclipsée par l'ancienne ou Tradition poétique de la Renaissance, sauf peut-être la poésie hollandaise contemporaine. Le contraste avec le reste de l’Europe était saisissant.
Les peintures étaient rarement créées sur commande, mais étaient pour la plupart vendues librement sur les marchés pour tout le monde et étaient destinées à décorer les pièces des maisons des citadins, et même des ruraux - ceux qui étaient les plus riches. Plus tard, aux XVIIIe et XIXe siècles, lorsque la vie en Hollande devint plus difficile et plus maigre, ces collections de peintures domestiques furent largement vendues aux enchères et achetées avec empressement pour les collections royales et aristocratiques de toute l'Europe, d'où elles migrèrent finalement vers les plus grands musées des Pays-Bas. monde. Au milieu du 19ème siècle. les artistes du monde entier se sont tournés vers la représentation de la réalité qui les entourait, des peintures de maîtres hollandais du XVIIe siècle. leur a servi de modèle dans tous les genres.
Fonctionnalité Peinture hollandaise il y avait une spécialisation des artistes par genre. Dans le genre des natures mortes, il y avait même une division en thèmes distincts, et différentes villes avaient leurs propres types de natures mortes préférés, et si un peintre déménageait dans une autre ville, il changeait souvent radicalement son art et commençait à peindre ces variétés. du genre qui étaient populaires à cet endroit.
Haarlem est devenue le berceau du type de nature morte hollandaise le plus caractéristique : le « petit-déjeuner ». Les peintures de Peter Claes représentent une table dressée avec des plats et des plats. Une assiette en fer blanc, un hareng ou du jambon, un petit pain, un verre de vin, une serviette froissée, un citron ou une branche de raisin, des couverts - la sélection maigre et précise des articles donne l'impression d'une table dressée pour une personne. La présence d'une personne est indiquée par le désordre « pittoresque » introduit dans l'agencement des choses, et par l'atmosphère d'un intérieur résidentiel cosy, obtenue par la transmission d'un environnement lumière-air. Le ton gris-brunâtre dominant unit les objets en une seule image, tandis que la nature morte elle-même devient le reflet des goûts et du style de vie individuels d’une personne.
Un autre habitant de Haarlem, Willem Heda, a travaillé dans la même veine que Klas. La coloration de ses tableaux est encore plus subordonnée à l'unité tonale ; elle est dominée par un ton gris-argenté, fixé par l'image d'ustensiles en argent ou en étain. En raison de cette sobriété colorée, les peintures ont commencé à être appelées « petits déjeuners monochromes ».
À Utrecht, des natures mortes florales luxuriantes et élégantes se sont développées. Ses principaux représentants sont Jan Davids de Heem, Justus van Huysum et son fils Jan van Huysum, devenu particulièrement célèbre pour son écriture soignée et ses couleurs claires.
A La Haye, centre de la pêche maritime, Pieter de Putter et son élève Abraham van Beijeren ont perfectionné la représentation des poissons et autres habitants de la mer, la couleur de leurs peintures scintille de l'éclat des écailles, dans lesquelles des taches de rose, rouge, couleurs bleues. L'Université de Leiden a créé et amélioré le type de nature morte philosophique « vanitas » (vanité des vanités). Dans les tableaux de Harmen van Steenwijk et de Jan Davids de Heem, des objets incarnant la gloire et la richesse terrestres (armures, livres, attributs de l'art, ustensiles précieux) ou les plaisirs sensuels (fleurs, fruits) sont juxtaposés à un crâne ou un sablier en guise de rappel. de la fugacité de la vie. Une nature morte de « cuisine » plus démocratique est née à Rotterdam dans l'œuvre de Floris van Schoten et François Reykhals, et ses meilleures réalisations sont associées aux noms des frères Cornelis et Herman Saftleven.
Au milieu du siècle, le thème des « petits déjeuners » modestes se transforme dans les œuvres de Willem van Aalst, Jurian van Streck et surtout Willem Kalf et Abraham van Beyeren en luxueux « banquets » et « desserts ». Gobelets dorés, porcelaines chinoises et faïences de Delft, nappes en tapis, fruits du sud soulignent le goût de la grâce et de la richesse qui s'est imposé dans la société néerlandaise au milieu du siècle. En conséquence, les petits-déjeuners « monochromes » sont remplacés par une saveur juteuse, riche en couleurs et dorée. L'influence du clair-obscur de Rembrandt fait briller les couleurs des peintures de Kalf de l'intérieur, poétisant ainsi le monde objectif.
Les maîtres de la représentation des « trophées de chasse » et des « enclos à volailles » étaient Jan-Baptiste Wenix, son fils Jan Wenix et Melchior de Hondecoeter. Ce type de nature morte s'est surtout répandu dans la seconde moitié - fin du siècle à l'occasion de l'aristocratisation des bourgeois : création de domaines et divertissement de la chasse. La peinture des deux derniers artistes montre une augmentation du caractère décoratif, de la couleur et un désir d'effets extérieurs.
L'étonnante capacité des peintres hollandais à transmettre le monde matériel dans toute sa richesse et sa diversité a été appréciée non seulement par les contemporains, mais aussi par les Européens des XVIIIe et XIXe siècles, qu'ils ont vu dans les natures mortes, d'abord et seulement cette brillante maîtrise de l'art ; véhiculer la réalité. Cependant, pour les Hollandais eux-mêmes au XVIIe siècle, ces peintures étaient pleines de sens ; elles offraient de la nourriture non seulement pour les yeux, mais aussi pour l'esprit. Les peintures sont entrées dans un dialogue avec le public, leur racontant des vérités morales importantes, leur rappelant la tromperie des joies terrestres, la futilité des aspirations humaines, orientant leurs pensées vers des réflexions philosophiques sur le sens de la vie humaine.
Les artistes néerlandais ont réalisé de grandes réalisations en créant un art d'une direction réaliste, représentant naturellement la réalité, précisément parce que cet art était en demande dans la société néerlandaise.
Pour les artistes néerlandais, la peinture sur chevalet était importante dans l’art. Les toiles des Néerlandais de cette époque n'ont pas les mêmes dimensions que les œuvres de Rubens, et ne résolvent de préférence pas des tâches monumentales et décoratives ; les clients des peintres hollandais étaient des envoyés de la direction dirigeante de l'organisation, mais aussi de la seconde classe. - les bourgeois et les artisans.
L'une des principales préoccupations des peintres néerlandais était l'homme et l'environnement. La place principale dans la peinture hollandaise était le genre quotidien et le portrait, le paysage et la nature morte. Plus les peintres représentaient le monde naturel de manière impartiale et profonde, plus les sujets significatifs et exigeants de leur œuvre étaient nombreux.
peintres hollandais Ils réalisaient des travaux pour la vente et vendaient leurs tableaux dans des foires. Leurs œuvres étaient achetées principalement par des personnes issues des couches supérieures de la société – de riches paysans, artisans, commerçants et propriétaires d’usines. Les gens ordinaires ne pouvaient pas se le permettre et regardaient et admiraient les peintures avec plaisir. La disposition générale de l'art à l'apogée du XVIIe siècle a privé des consommateurs aussi puissants que la cour, la noblesse et l'Église.
Les œuvres ont été réalisées dans un petit format, conçues pour s'adapter aux meubles modestes et de petite taille des maisons hollandaises. La peinture sur chevalet est devenue l'un des passe-temps favoris des Néerlandais, car elle était capable de représenter la réalité des actions avec une grande fiabilité et diversité. Les peintures des Hollandais représentaient près d'eux la réalité de leur pays ; ils voulaient voir ce qui leur était très familier - la mer et les navires, la nature de leur terre, leur maison, l'action de la vie quotidienne, les choses qui les entourait partout.
Un attrait important pour l’apprentissage environnement est apparu dans la peinture hollandaise sous des formes si naturelles et avec une continuité aussi claire que nulle part ailleurs dans l'art hollandais de cette époque. À cet égard, la profondeur de son échelle est également liée : des portraits et des paysages, des natures mortes et des genres de la vie quotidienne s'y sont formés. Quelques-unes d'entre elles, la nature morte et la peinture quotidienne, furent les premières à apparaître sous des formes matures en Hollande et prospérèrent à tel point qu'elles devinrent le seul exemple de ce genre.
Au cours des deux premières décennies, l'ambiance principale était de rechercher les principaux artistes néerlandais, contrecarrant la droite directions artistiques, - l'attrait pour la reproduction correcte de la réalité, pour l'exactitude de son expression. Ce n’est pas un hasard si les artistes hollandais ont été attirés par l’art du Caravage. Le travail des caravagistes d'Utrecht - G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen - a eu un impact sur la culture artistique néerlandaise.
Les peintres hollandais des années 20 et 30 du XVIIe siècle ont créé vue principale une peinture à petits personnages appropriée représentant des scènes de la vie de paysans ordinaires et de leurs activités quotidiennes. Dans les années 40 et 50, la peinture de tous les jours était l'un des genres principaux dont les auteurs ont acquis dans l'histoire le nom de « petit Hollandais », soit à cause de la naïveté de l'intrigue, soit à cause de la petite taille des peintures, ou peut-être pour les deux. Les images de paysans dans les peintures sont couvertes de traits d'humour bon enfant Adriana van Ostade. C'était un écrivain démocrate de la vie quotidienne et un conteur divertissant. Jan Steen.
L'un des principaux portraitistes de Hollande, le fondateur du portrait réaliste hollandais fut Franz Hals. Il a créé sa renommée grâce à des portraits de groupe de guildes de tir, dans lesquels il a exprimé les idéaux de la jeune république, les sentiments de liberté, d'égalité et de camaraderie.
Le summum de la créativité du réalisme néerlandais est Harmens van Rijn Rembrandt, qui se distingue par sa vitalité et son émotivité extraordinaires, la profonde humanité de ses images et sa grande largeur thématique. Il a peint des peintures, des portraits et des paysages historiques, bibliques, mythologiques et quotidiens, a été l'un des les plus grands maîtres gravure et dessin. Mais quelle que soit la technologie dans laquelle il travaillait, le centre de son attention était toujours la personne, son monde intérieur. Il trouvait souvent ses héros parmi les pauvres Néerlandais. Dans ses œuvres, Rembrandt combine la force et la pénétration des caractéristiques psychologiques avec une maîtrise exceptionnelle de la peinture, dans laquelle les tons soignés du clair-obscur acquièrent la principale importance.
Au cours du premier tiers du XVIIe siècle, les vues du paysage réaliste hollandais ont émergé et ont prospéré au milieu du siècle. Le paysage des maîtres hollandais n'est pas la nature en général, comme dans les peintures des classiques, mais un paysage national, spécifiquement hollandais : des moulins à vent, des dunes du désert, des canaux sur lesquels glissent des bateaux en été et des patineurs en hiver. Les artistes ont cherché à transmettre l'atmosphère de la saison, l'air humide et l'espace.
La nature morte s'est développée de manière frappante dans la peinture hollandaise et se distingue par sa petite taille et son caractère. Pierre Claes Et Willem Héda le plus souvent, ils représentaient ce qu'on appelle des petits-déjeuners : des plats avec du jambon ou de la tarte sur une table relativement modestement servie. La présence récente d'une personne est palpable dans le désordre et le naturel avec lesquels sont disposées les choses qui viennent de lui servir. Mais ce désordre n’est qu’apparent, puisque la composition de chaque nature morte est soigneusement pensée. Dans un agencement savant, les objets sont montrés de telle manière qu'on peut ressentir la vie intérieure des choses ; ce n'est pas pour rien que les Hollandais appelaient la nature morte « still leven » - « vie tranquille », et non « nature morte » - « nature morte ».
Nature morte. Peter Claes et Willem Heda
La subtilité et la véracité dans la recréation de la réalité sont combinées par les maîtres hollandais avec sens aigu la beauté révélée dans chacun de ses phénomènes, même les plus discrets et quotidiens. Ce trait du génie artistique hollandais s'est peut-être manifesté le plus clairement dans la nature morte ; ce n'est pas un hasard si ce genre était un favori en Hollande.
Les Néerlandais appelaient la nature morte « stilleven », ce qui signifie « vie tranquille », et ce mot exprime incomparablement plus précisément le sens que les peintres hollandais donnent à la représentation des choses que « nature morte » - nature morte. Dans les objets inanimés, ils ont vu une vie spéciale et cachée associée à la vie d'une personne, à son mode de vie, à ses habitudes et à ses goûts. Les peintres hollandais ont créé l'impression d'un « désordre » naturel dans l'agencement des choses : ils ont montré une tarte coupée, un citron pelé dont la peau pendait en spirale, un verre de vin inachevé, une bougie allumée, un livre ouvert - cela semble toujours que quelqu'un a touché ces objets, les a simplement utilisés, la présence invisible d'une personne se fait toujours sentir.
Les principaux maîtres de la nature morte hollandaise de la première moitié du XVIIe siècle étaient Pieter Claes (1597/98-1661) et Willem Heda (1594-vers 1680). Un thème favori de leurs natures mortes est celui des « petits déjeuners ». Dans « Petit-déjeuner au homard » de V. Kheda, les objets diverses formes et les matériaux - cafetière, verre, citron, plat en faïence, assiette en argent, etc. - sont comparés les uns aux autres afin de révéler les caractéristiques et l'attractivité de chacun. Grâce à diverses techniques, Heda restitue parfaitement la matière et la spécificité de sa texture ; Ainsi, les reflets de la lumière jouent différemment sur la surface du verre et du métal : sur le verre - clair, aux contours nets, sur le métal - pâle, mat, sur un verre doré - brillant, lumineux. Tous les éléments de la composition sont unis par la lumière et la couleur - une palette de couleurs vert grisâtre.
Dans « Nature morte à la bougie » de P. Klass, non seulement la précision de la reproduction des qualités matérielles des objets est remarquable, mais la composition et l'éclairage leur confèrent une grande expressivité émotionnelle.
Les natures mortes de Klass et Kheda sont remplies d'une ambiance particulière qui les rapproche - c'est une ambiance d'intimité et de confort, donnant naissance à l'idée dela vie bien établie et calme d'une maison bourgeoise , où règne la prospérité et où le soin des mains humaines et les yeux attentifs du propriétaire se ressentent en tout. Les peintres hollandais affirment la valeur esthétique des choses, et la nature morte, pour ainsi dire, glorifie indirectement le mode de vie auquel leur existence est inextricablement liée. Par conséquent, il peut être considéré comme l’une des incarnations artistiques d’un thème important de l’art néerlandais – le thème de la vie d’une personne privée. Elle a reçu sa décision principale en image de genre.[&&] Rotenberg I. E. Europe occidentale art XVII V. Moscou, 1971 ;
Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, des changements surviennent dans la société néerlandaise : le désir d’aristocratie de la bourgeoisie s’accroît. Les « petits déjeuners » modestes de Klas et Heda cèdent la place aux riches « desserts » Abraham van Beijern Et Willem Kalf, qui comprenait des plats en faïence spectaculaires, des récipients en argent, des gobelets précieux et des coquillages dans des natures mortes. Les structures de composition deviennent plus complexes et les peintures deviennent plus décoratives. Par la suite, la nature morte perd sa démocratie, son intimité, sa spiritualité et sa poésie. Il se transforme en une magnifique décoration pour les maisons de clients de haut rang. Malgré tout leur caractère décoratif et leur maîtrise d'exécution, les natures mortes tardives anticipent le déclin de la grande peinture réaliste hollandaise, qui a commencé au début du XVIIIe siècle et a été provoqué par la dégénérescence sociale de la bourgeoisie hollandaise dans le dernier tiers du XVIIe siècle. siècle, la diffusion de nouvelles tendances artistiques liées à l'attirance de la bourgeoisie pour les goûts de la noblesse française. L'art néerlandais perd ses liens avec la tradition démocratique, perd son fondement réaliste, perd son identité nationale et entre dans une période de déclin à long terme.
La nature morte (« Stilleven » – qui signifie « vie tranquille » en néerlandais) – est une branche unique et très populaire de la peinture néerlandaise. La peinture de natures mortes hollandaises du XVIIe siècle se caractérise par la spécialisation étroite des maîtres hollandais dans ce genre. Le thème « Fleurs et Fruits » comprend généralement une variété d'insectes. Les "trophées de chasse" sont avant tout des trophées de chasse - oiseaux et gibiers tués. "Petits déjeuners" et "Desserts", ainsi que des images de poissons - vivants et endormis, divers oiseaux - ne sont que quelques-uns des plus sujets célèbres natures mortes. Prises ensemble, ces parcelles individuelles caractérisent le vif intérêt des Néerlandais pour les parcelles Vie courante, et leurs activités favorites, et leur passion pour l'exotisme des terres lointaines (les compositions contiennent des coquillages et des fruits extravagants). Souvent, dans les œuvres comportant des motifs de nature « vivante » et « morte », il existe un sous-texte symbolique facilement compréhensible pour un spectateur instruit du XVIIe siècle.
Ainsi, la combinaison d'objets individuels pourrait servir d'indice de la fragilité de l'existence terrestre : des roses fanées, un brûle-encens, une bougie, une horloge ; ou associés à des habitudes condamnées par la morale : éclats de bois, pipes fumantes ; ou a indiqué une histoire d'amour; écriture, instruments de musique, brasero. Il ne fait aucun doute que la signification de ces compositions est bien plus large que leur contenu symbolique.
Les natures mortes hollandaises attirent avant tout par leur expressivité artistique, leur exhaustivité et leur capacité à révéler la vie spirituelle du monde objectif. Préférant les peintures de grand format avec une abondance d'objets de toutes sortes, les peintres hollandais se limitent à quelques objets de contemplation, s'efforçant d'obtenir la plus grande unité de composition et de couleur.
La nature morte est l'un des genres dans lesquels les néerlandais traits nationaux est apparu particulièrement clairement. Des natures mortes représentant des ustensiles d'usage modeste, si courantes dans la peinture hollandaise et très rares dans la peinture flamande, ou des natures mortes avec des objets ménagers des classes aisées. Les natures mortes de Pieter Claes et Willem Heda, enveloppées d'une lumière froide et diffuse, aux couleurs presque monochromes, ou les natures mortes plus tardives de Willem Kalf, où, au gré de l'artiste, un éclairage doré fait revivre les formes et les couleurs vibrantes de objets du crépuscule. Ils sont tous caractérisés par des traits nationaux communs qui ne permettront pas de les mélanger avec des peintures d'une autre école, y compris celle flamande qui lui est apparentée. Dans les natures mortes hollandaises, il y a toujours un sentiment de contemplation calme et un amour particulier pour la transmission de formes réelles du monde matériel et tangible.
De Heem a acquis une reconnaissance mondiale pour ses magnifiques images de fleurs et de fruits. Il a combiné le détail de l'image jusque dans les moindres détails avec un choix brillant de couleurs et un goût raffiné dans la composition. Il a peint des fleurs dans des bouquets et des vases, dans lesquels flottaient souvent des papillons et des insectes, des couronnes de fleurs dans des niches, des fenêtres et des images de madones dans des tons gris, des guirlandes de fruits, des natures mortes avec des verres remplis de vin, de raisins et d'autres fruits et produits. Hem a utilisé magistralement les possibilités de la couleur et a atteint un haut degré de transparence ; ses images de la nature inanimée sont tout à fait réalistes. Ses peintures se trouvent dans presque toutes les grandes galeries d'art. La peinture de natures mortes, qui se distinguait par son caractère, se généralisa en Hollande au XVIIe siècle. Les artistes hollandais ont choisi une grande variété d'objets pour leurs natures mortes, ont su les agencer parfaitement et révéler les caractéristiques de chaque objet et sa vie intérieure, inextricablement liée à la vie humaine. Les peintres hollandais du XVIIe siècle Pieter Claes (vers 1597 - 1661) et Willem Heda (1594 - 1680/1682) ont peint de nombreuses versions de « petits déjeuners », représentant des jambons, des petits pains dorés, des tartes aux mûres, des verres en verre fragiles à moitié remplis de vin sur le dessus. table, avec une habileté étonnante à transmettre la couleur, le volume, la texture de chaque élément. La présence récente d'une personne se remarque dans le désordre, le hasard de la disposition des choses qui viennent de lui servir. Mais ce désordre n’est qu’apparent, puisque la composition de chaque nature morte est strictement pensée et trouvée. Une palette sobre de tons gris-or olive unit les objets et donne une sonorité particulière à ces couleurs pures qui soulignent la fraîcheur d'un citron fraîchement coupé ou la douce soie d'un ruban bleu. Au fil du temps, les « petits déjeuners » des maîtres de natures mortes, les peintres Claes et Heda cèdent la place aux « desserts » des artistes hollandais Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) et Willem Kalf (1622-1693). Les natures mortes de Beyeren sont d'une composition stricte, riches en émotions et colorées. Tout au long de sa vie, Willem Kalf a peint de manière libre et démocratique des « cuisines » - des pots, des légumes et des natures mortes aristocratiques dans la sélection d'objets précieux exquis, pleins d'une noblesse retenue, comme des récipients en argent, des tasses, des coquilles saturées de la combustion interne de couleurs. DANS la poursuite du développement la nature morte suit le même chemin que tout l'art hollandais, perdant sa démocratie, sa spiritualité et sa poésie, son charme. La nature morte se transforme en décoration pour la maison de clients de haut rang. Malgré tout leur caractère décoratif et leur exécution habile, les natures mortes tardives anticipent le déclin de la peinture hollandaise. La dégénérescence sociale et l'aristocratisation bien connue de la bourgeoisie hollandaise dans le dernier tiers du XVIIe siècle ont donné lieu à une tendance à la convergence avec les vues esthétiques de la noblesse française, conduisant à l'idéalisation des images artistiques et à leur réduction. L’art perd ses liens avec la tradition démocratique, perd son fondement réaliste et entre dans une période de déclin à long terme. Gravement épuisée par les guerres avec l’Angleterre, la Hollande perd sa position de grande puissance commerciale et de centre artistique majeur.
Willem Heda (vers 1594 - vers 1682) fut l'un des premiers maîtres de la nature morte hollandaise au XVIIe siècle, dont le travail était très apprécié par ses contemporains. Ce type de peinture appelé « petit-déjeuner » était particulièrement populaire en Hollande. Ils ont été créés pour tous les goûts : des riches aux plus modestes. Le tableau « Petit-déjeuner au crabe » se distingue par sa grande taille, ce qui n'est pas caractéristique d'une nature morte hollandaise (Annexe I). La palette de couleurs globale de l’œuvre est froide, gris argenté avec quelques taches rosées et brunes. Kheda a représenté de manière exquise une table dressée sur laquelle les éléments qui composent le petit-déjeuner sont disposés dans un désordre soigneusement pensé. Sur le plateau se trouve un crabe, représenté avec toutes ses particularités, à côté se trouve un citron jaunissant dont l'écorce gracieusement coupée, s'enroulant, pend. À droite, des olives vertes et un délicieux petit pain à la croûte dorée. Les récipients en verre et en métal ajoutent de la solidité à la nature morte ; leur couleur se confond presque avec la palette globale.