Culture musicale de l'Angleterre aux XVIIIe-XIXe siècles. musique anglaise

16.04.2019

Les origines d'A. m. la culture des tribus celtiques qui habitaient les îles britanniques à partir du 4ème siècle. Des échantillons de l'ancienne tradition orale des chants folkloriques ont été préservés, dont les porteurs étaient des bardes - chanteurs, interprètes et créateurs de chants épiques. et héroïque. Chansons. Pictural survivant, allumé. et les sources folkloriques indiquent que la musique occupe une place importante dans la vie quotidienne et dans les sociétés depuis l'Antiquité. La vie anglaise personnes. Parmi les paysans, les artisans, les marins et les guerriers, existent depuis longtemps des chants de genres variés : des chants ouvriers, liés à l'agriculture. œuvres, chasse, pêche, chants marins romantiques, ainsi que chansons lyriques, d'amour, comiques, humoristiques. Les genres les plus anciens incluent les « chants de Noël » – à l'origine des religions à l'unisson. Refrain des hymnes dont le contenu a pris au fil du temps un caractère plus profane. Grand groupe en anglais le folklore est constitué de « chants-ballades » à caractère épique, glorifiant les exploits du peuple national. héros, la lutte du peuple contre l'oppression féodale. Pendant la période du soulèvement paysan dirigé par Wat Tyler (1381), des chants épris de liberté ont surgi, appelant le peuple à résister aux seigneurs et aux rois féodaux. mercenaires Mn. lyrique les ballades sont dédiées aux gens. héros, ami du pauvre Robin des Bois. Folk A. m. nourri du pluriel. sources. Avec les Britanniques, ils ont créé leur propre musique. art-écossais, irlandais, gallois. Sous national originalité de la musique. langue dans les chants et les danses des peuples habitant la Bretagne. îles, les traits communs sont préservés, se manifestant dans le mode et l'intonation. et rythmé structure mélodique. Pour l'intonation construire des gens A. m. se caractérise par l'utilisation du ch. arr. Modes ionien, dorien et mixolydien. En anglais ancien musique le folklore est dominé par des chants construits sur des gammes pentatoniques ; des éléments de polyphonie sont souvent présents. En règle générale, le divertissement (en particulier les mélodies de danse) est subordonné à un modèle métrique clair. structure. Ch. sont utilisés. arr. tailles simples : 4/4, 6/8, 3/4 ; les complexes - 5/4, 7/8 - sont relativement rares. L'outil est répandu parmi la population. musique issue des airs de bergers, des signaux de chasse, mais ch. sa source était les danses et les processions. Parmi les gens populaires. danses - giga, danse country, hornpipe. Ils étaient accompagnés par le jeu du cornemuse (pipe), de la flûte (flûte à bec), du violon primitif, du tambour (tabor), etc.

Avec adoption au 6ème siècle. Le christianisme est développé par l'Église. musique. Au cours de nombreuses des siècles, la formation du prof. en Angleterre y est associée. musique procès Des bas-reliefs représentant des anges et des moines chantant et jouant de la musique ont été conservés. musique instruments (harpes primitives, lyres, cithares, cornemuses). Église rituel du début du Moyen Âge, qui s'est développé sous l'influence du catholicisme. Rome et réglementait strictement les formes des muses. la vie quotidienne, n'autorisait que le chant à l'unisson sans mesure régulière - ce qu'on appelle. plain-chant. Cette tradition a été introduite au début. 6ème siècle le premier archevêque du monastère de Cantorbéry, Augustin, arrivé en Angleterre en provenance de Rome. Au 9ème siècle Le scientifique anglo-saxon A. Alcuin (surnommé Flaccus) décrit la théorie musicale. fragment de la théorie de la 8ème église. frettes Du 10ème siècle Le chant à l'unisson du chant grégorien est enrichi de techniques à deux voix avec une prédominance de quart-cinquième mouvement parallèle des voix. La chorale se développe. polyphonie. Sur le caractère du Moyen Âge. Refrain La polyphonie est illustrée par des enregistrements non neutres (voir Neums), dont les plus anciens remontent au XIe siècle. Des données plus récentes nous permettent de tirer une conclusion sur la nature intonation-modale de l'anglais. musique culte. Il était basé sur des églises anciennes. ok, ch. arr. Ionien, Mixolydien et Éolien. Au chœur. la polyphonie, ainsi que le mouvement parallèle des voix dans un rapport quart-cinquième, des formes plus libres de combinaisons de wok se généralisent également. parties - Gimel, Faubourdon, permettant des mouvements parallèles de tierces et de sixtes (surtout dans les cadences), voix croisées, mélodiques. ornements. A en juger par l'artisanat. sources conservées dans la cathédrale de Winchester, au début. 12e siècle en catholique Dans la liturgie, il y a des chants à 3 et 4 voix, utilisant des imitations. et harmonieux signifie différent de la métrique du plain-chant. ordre mélodique mouvements.

Avec la conquête de l'Angleterre par les Normands, le processus de féodalisation du pays s'intensifie. L'influence de la culture normande (française) augmente, se manifestant dans l'architecture, la littérature et la musique. Aux XIe-XIIe siècles. un fief est en construction. châteaux, cathédrales, le développement liturgique se développe. musique. Dans le même temps, de nouvelles formes de personnes pénètrent dans A. m. musique la créativité, en particulier l'art des ménestrels. Ces musiciens itinérants n’étaient pas seulement des interprètes de chansons populaires et de ballades épiques et romantiques. et satirique. contenu, mais souvent aussi par leurs auteurs. Les produits qu'ils ont créés. transmis par la tradition orale. Les ménestrels ont contribué à la diffusion des instruments de jeu (harpe, lyre, luth, violon primitif, cornemuse, trompette, divers types de bois, percussions), ainsi qu'à leur perfectionnement. Au service des grands seigneurs féodaux, ils participaient à l'exécution des personnes. religieux mystères et mis en scène des scènes de contes évangéliques. L'Église anglicane interdisait de jouer de la musique. instruments et persécuta brutalement les ménestrels. Les ménestrels se moquaient des prêtres, des moines et de certaines églises. établissements. Dans le traité de l'évêque de Salisbury (1303), dirigé contre le peuple. musiciens, on dit que les ménestrels pourraient constituer une menace directe pour la solidité des fondations de l’Église et de l’État. Cependant, comme en témoignent les historiens, il y avait des exceptions. Ainsi, l'évêque Oldham de Shernborne jouait lui-même de la harpe « païenne » pour attirer les fidèles, et l'évêque Dunstan, dans le même but, construisit une harpe éolienne et la plaça dans le mur de la cathédrale. Peu à peu, tout au long des XIIe-XIIIe siècles, l'attitude de l'Église s'est modifiée. autorités à instr. la musique change. À mesure que la querelle se renforçait. la construction, l'émergence de nouveaux métiers et le développement des montagnes. la vie chez les gens la vie quotidienne commence à se répandre. formes de voc.-instrument libre jouer de la musique. Il existe une tolérance envers la musique profane et ses locuteurs - bardes et ménestrels. Contrairement aux sévères édits papaux et épiscopaux, l'Église a été contrainte d'autoriser l'instr. musique à usage religieux. Le jeu de l'orgue est introduit dans la liturgie. L'un des premiers grands orgues (400 tuyaux) construits au Xe siècle fut celui installé dans la cathédrale de Winchester. Le British Museum contient les archives de deux organisations. pièces appartenant à un auteur anonyme du XIIIe siècle. Avec l'orgue de l'église. Les instruments à cordes (harpe, psaltérium, dulcimer) et à vent (trompettes, flûtes) ont commencé à être utilisés en musique. À mesure que la stricte tutelle de l’Église s’affaiblit, tous les types de art folklorique et surtout de la poésie. Les porteurs de la culture artistique laïque étaient souvent le clergé, qui représentait à cette époque les couches les plus instruites de la population. La poésie héroïque se développe considérablement. et lyrique. contenu, les formes originales des personnes naissent. t-ra. Formation des nationaux la culture s'est déroulée dans un processus de lutte contre les goûts pro-français de la noblesse normande, qui a implanté les Français dans le pays conquis. langue et la littérature. Dans le même temps, l’expansion des liens culturels entre l’Angleterre et la France accroît l’influence mutuelle des muses. cultures des deux pays. Dans la cathédrale de Worcester, le monastère de Losminster, etc., des muses ont été conservées. manuscrits 13 - début XIVe siècle, contenant des œuvres empruntées à la musique. la vie quotidienne de la cathédrale Notre-Dame de Paris. Un excellent exemple de chorale. polyphonie du Moyen Âge - le célèbre « Canon d'été » à 6 voix (« L'été est icumen »), le plus ancien (vers 1280) des échantillons de musique folklorique qui nous sont parvenus. polyphonie; il témoigne du grand professionnalisme du maître inconnu. Dans cette pièce à caractère lyrico-pastoral, selon les Anglais. historiens de la musique, on peut retracer l'influence des Français. polyphonistes. Au 13ème siècle La polyphonie se développe également. la forme d'un motet, généralement sous la forme d'un choral à 3 voix, dans lequel Ch. La partie est dirigée par la voix médiane (ténor). La notation non nominale cède la place à la notation mensurale.

Le début d'un nouveau mouvement dans la société. et culturelle de l'Angleterre, marquée par une anti-feud. des soulèvements et une vague de religions hérétiques. les enseignements qui ont balayé le pays au 14ème siècle se sont reflétés chez tous les types de personnes. créativité et littérature. En production précurseur du premier anglais Renaissance écrivain exceptionnel et le poète J. Chaucer contiennent des références aux temps modernes. pour lui la musique, les musiciens, les muses. instruments. La Renaissance est associée au processus de professionnalisation des musiciens et à la légalisation de leurs droits civiques. En 1469, une guilde de ménestrels est fondée à Londres, qui bénéficie du soutien des montagnes. les autorités. Avec le roi un wok est organisé dans la cour. et instr. chapelles. Musique la créativité cesse d'être anonyme. Une école de prof. compositeurs, polyphonistes, qui s'appuient dans leur travail sur l'expérience des gens. polyphonie et européenne maîtres du contrepoint. Une musique étonnante est enrichie d'une variété de rythmes et de musiques. des formes qui dépassent les limites du style cantus firmus.

Cela signifie aller de l’avant. compositeur, l'un des premiers anglais maître de la polyphonie J. Dunstable, également connu hors d'Angleterre (ses œuvres se trouvaient dans les bibliothèques de Rome, Bologne, Modène). D'après les quelques œuvres conservées. Dunstable peut être jugé par la richesse de son imagination et son haut contrepointalisme. le talent du compositeur. Son œuvre est un exemple du développement audacieux du mélodisme expressif. style, polyphonie pleine, formes contrastées utilisant des variations. développement musical matériel. Le travail de Dunstable était apprécié par ses contemporains ; il travailla sous le règne d'Henri VI (1422-61), qui ne se contentait pas de fréquenter les muses. art, mais aussi composé de musique sacrée. Les compositeurs L. Power et G. Abingdon, qui dirigeèrent le roi à partir de 1455, travaillèrent à sa cour. chapelle. A l'instar du roi. cour, les nobles seigneurs féodaux créaient leurs propres instruments. chapelles, attirant souvent des compositeurs et des interprètes d'Italie, de France et des Pays-Bas.

Avec la croissance du national la conscience de soi, l'intérêt pour les gens surgit. créativité, nationale littérature, ce qui contribue à l’affaiblissement progressif du français. influence. La créativité est renforcée. Postes anglais des compositeurs qui gagnent la sympathie des couches moyennes en faisant appel au traditions, développées par le prof. musique de motifs folkloriques. Les paroles vocales font référence à des images vivantes et à des personnages humains, glorifient la personnalité humaine libre, la joie de vivre. Les outils commencent à occuper une place importante dans la vie quotidienne des citadins. musique, de nouveaux instruments sont développés. genres, les modes d'église cèdent la place au système majeur-mineur, et un système homophonique-harmonique se forme. entrepôt de lettres. Parallèlement, le développement de la polyphonie se poursuit. l'art, enrichi d'une nouvelle poétique. des images, des moyens de muses plus juteux et en même temps raffinés. expressions. Musicien exceptionnel un monument de cette époque est l'artisanat. réunion de wok prod. Anglais compositeurs du XVe siècle, dits "Ancien manuscrit de salle", qui comprend également les œuvres de Dunstable. Bien que toutes les pièces de cette collection ne soient pas exemptes d’influences françaises. style d’écriture de motet, cela signifiait. Les réalisations d'A.M. ont commencé à être reconnues à l'étranger. Cela a été noté en français et en allemand. et italien musique théoriciens de l'époque. J. Tinctoris associe notamment au nom de Dunstable l'émergence de l'ars nova, dont les principes esthétiques et éthiques reposent sur des principes humanistes. idéaux de l'art de la Renaissance.

L’ère de la Réforme (XVIe siècle) met fin au régime laïc des catholiques. des églises. Mn. les monastères furent abolis, les églises. les terres et les propriétés furent confisquées au profit de la cour, de la nouvelle noblesse et de la bourgeoisie. Les nouvelles conditions de vie, mœurs et coutumes émergentes se reflètent dans les montagnes. musique folklore (chants des tisserands, des fileurs, des vendeurs ambulants, etc.), ainsi que dans tous les types de musique profane, de littérature et de théâtre. Dans les salons de la bourgeoisie et de la noblesse, apparaissent des instruments à clavier - petit orgue (portatif), virginel, clavecin. Chez les bottes hautes en fourrure d'Oxford et de Cambridge, les bases de la théorie sont posées. musicologie. Haut niveau de développement de l'anglais. musique la vie et la musique l'éducation attire des étudiants d'Europe à Londres. continent. En retour, un peu d'anglais. les musiciens perfectionnent leur éducation en France, en Italie et en Allemagne.

Au début de la Réforme, l’Église anglicane n’avait pas encore élaboré de normes liturgiques claires. l'usage de la musique, comme ce fut le cas en Allemagne, où M. Luther et ses disciples créèrent sur elle des hymnes et des psaumes. paroles pour chorale représentation des paroissiens. En Angleterre, après la Réforme, la musique religieuse fut longtemps interprétée par le Prof. des chœurs, dans lesquels les parties aiguës étaient chantées par des garçons spécialement formés, et les parties restantes par des hommes. Ce n'est qu'en 1549 que le premier recueil fut publié. psaumes monophoniques en anglais. langage compilé par J. Merbeck; en 1552 - deuxième samedi. (il est encore utilisé dans la pratique musicale de l'Église anglicane).

Chez les Anglais compositeurs du 16ème siècle à l'extérieur du pays, K. Tai, J. Taverner, T. Tallis (« trois grands T », comme les appellent les historiens de la musique anglais) et W. Bird sont devenus célèbres à l'extérieur du pays. Développant les acquis de leurs prédécesseurs, ils cherchèrent à élargir leur expression. moyens, techniques d'imitation complexes largement utilisées, dynamique audacieuse. contrastes, éléments de chromatisme. À l'église de grandes formes apparaissent dans la musique - la messe, le magnificat, les œuvres antiphoniques développées. Musique caractéristique. un monument de cette période est la messe de Taverner « The West Wind », très appréciée en Angleterre (d'après le nom de la mélodie d'une chanson folklorique qui y est utilisée).

L'épanouissement général de la culture et de l'art anglais. La Renaissance, qui a débuté sous le règne de la reine Elizabeth (1558-1603), s'est manifestée dans une moindre mesure dans la musique que dans le théâtre, qui a donné naissance à des maîtres tels que C. Marlowe, W. Shakespeare et B. Johnson. Le plus grand compositeur de « l'âge d'or d'Élisabeth » était W. Bird, qui bénéficiait du patronage constant de la cour, malgré son engagement envers le catholicisme ; cependant, il composa également de la musique religieuse pour l'Église d'Angleterre. Dans la créativité aux multiples facettes de Byrd, qui s'est clairement manifestée dans la musique sacrée et profane, les nouvelles tendances de l'art de la Renaissance se reflétaient le plus pleinement - le rejet de l'ascèse dure du Moyen Âge, l'établissement du culte de la beauté et du plaisir. Dans la préface du cahier « Psaumes, sonets et chants de tristesse et de piété » (1588), Bird exprime le désir que sa musique « porte avec bonheur un peu de tendresse, de repos et d'amusement ». Gravitation vers la plénitude émotionnelle de la musique. la parole a conduit Bird et ses disciples à la recherche d'une poésie expressive vivante. mots. Aux côtés de nombreux écrits de l'Église. destination, il a créé des centaines de woks. pièces basées sur la poésie anglaise poètes (chansons, airs, sonnets). Bird est considéré comme le fondateur de l'école d'anglais. madrigal. La publication de ses premiers madrigaux à Londres marque le début d'une passion pour l'anglais. public et compositeurs avec ce nouveau genre de musique profane pour l'Angleterre, qui fut développé plus tard dans les œuvres de T. Morley (son recueil de madrigaux fut publié en 1594), T. Wilkes et J. Wilby (tous également connus sous le nom de les auteurs de musique pour les pièces de W. Shakespeare et K. Marlowe).

Le désir de liberté lyrique. les déclarations caractéristiques de l’art de la Renaissance trouvent leur expression dans les instruments de chambre. genres. L'Église anglicane, qui cherchait à simplifier la musique religieuse, exigeait l'abandon de la musique contrapuntique. complexités qui ne peuvent être réalisées que par un professionnel. chapelles. Ce fut une incitation à rechercher des moyens de développer la polyphonie. style dans l’art profane. De nombreux instruments sont créés. fantaisies, motets, duos, trios, variations sur nar. thèmes, danse joue pour divers instr. compositions (souvent sans indiquer la composition de l'ensemble). Ces pièces gagnent en popularité parmi l'aristocratie. et bourgeois maisons, souvent parmi des artisans. Jouer du virginel, du clavecin, de la viole et du luth est très répandu. Avec Bird et Morley, J. Baldwin, T. Whitehorn, W. Daman et d'autres écrivent pour ces instruments. La musique familiale devient à la mode. (Dans "A True Gentleman" - un ensemble de règles " bonnes manières"G. Peacham recommande "... non seulement de pouvoir chanter votre rôle en toute confiance, mais aussi de le jouer à la viole ou au luth rien que pour vous-même.")

Le successeur de la reine Elizabeth, Jacques Ier, continue de maintenir le prestige du roi. cour comme centre de musique. culture du pays, protection de la littérature et de l'art. C'est une période de forte croissance de l'art de l'art à la fin du XVIe siècle. A la suite de W. Bird, les ordinateurs sont mis en avant. J. Dowland (auteur de chansons lyriques avec accompagnement de luth), J. Bull (organiste et virginaliste, qui a écrit plus de 150 œuvres pour ces instruments), P. Philips, K. Simpson et d'autres.

Au tournant des XVIe-XVIIe siècles. En anglais musique la vie quotidienne a commencé à inclure ce qu'on appelle consorts (un « commun » composé d'un groupe de musiciens jouant de divers instruments). Les épouses étaient composées de divers nombre d'artistes (jusqu'à 30-40). C'est ainsi que sont nés les originaux. formes d'orchestres à la cour et dans les maisons des riches nobles. Des essais pour des instruments avancés apparaissent. ensembles (fantasies polyphoniques, variations, pièces de danse). En 1599, T. Morley publia «Consort leçons» - recueil. instr. joue divers auteurs. De grands maîtres des outils sont promus. genres utilisant de nouveaux interprètes. opportunités pour les grands ensembles de créer des productions. forme développée, avec des épisodes contrastés, différents. par la nature du mouvement et du rythme. O. Gibbons dans son instr. les fantasmes, caractérisés par une habileté de présentation aiguisée, opposent des images dramatiques à des images humoristiques et quotidiennes. Ce principe, proche de la dramaturgie shakespearienne, reflète une nouvelle tendance dans la musique artistique - une rupture avec le contenu « sans conflit » et l'uniformité de texture typiques du Moyen Âge. motet. Des contributions importantes à la littérature consort ont été apportées par A. Ferrabosco, T. Lupo, W. Lowes et J. Hilton (1re moitié du XVIIe siècle).

Au début 17ème siècle L'anglais se forme. musique t-r, menant son origine du peuple. performances - mystères. Avec l'essor de l'anglais T. A. m. a reçu une nouvelle incitation au développement. Musique à l'origine en anglais. pendant cette période, elle était de nature subordonnée, jouant le rôle d'un « élément revitalisant » dans le Carême. des contes de fées extravagants ou des comédies de tous les jours. Importance dans la formation du style anglais. musique t-ra avait adv. les spectacles - les masques, ainsi que la danse et la pantomime, comprenaient des chants et parfois des récitatifs avec des instruments. accompagnement. Spectaculaire les fonctions de la musique dans ces représentations étaient encore extrêmement limitées en raison du sous-développement du principe homophonique. Les auteurs des textes et des scénarios de certains masques étaient J. Shirley, B. Johnson, T. Carew et d'autres écrivains et dramaturges éminents. Parmi les compositeurs qui ont écrit de la musique pour masques, se distinguent A. Ferrabosco, N. Lanier et les frères G. et W. Laws.

Le développement du genre des masques ne s'est pas arrêté même après l'établissement du pouvoir spirituel des puritains (1640-60), qui ont suivi les Anglais. bourgeois révolution 17ème siècle Dans la lutte contre les « tentations pécheresses », les puritains ont expulsé la musique de l’église. la vie quotidienne, les organes détruits, les muses détruites. instruments, notes brûlées. Le métier de musicien lui-même a été déclaré « païen », ce qui a contraint certains compositeurs à renoncer publiquement à la musique. À la poursuite de l'Église musique, les puritains toléraient cependant les spectacles de masques qui n'étaient pas destinés à un public de masse. Ainsi, durant la période de la République, en 1653, il y avait un jeûne à Londres. masque "Cupidon et la Mort" de Shirley avec la musique de M. Locke et K. Gibbons et autres dans le post de 1656. premier anglais opéra - "Le Siège de Rhodes" du dramaturge W. Davenant et comp. G. Lowes, G. Cook, J. Hudson et C. Coleman (musique non conservée). Bien que l'influence des puritains ait eu un impact négatif sur le développement de l'AM, elle n'a pas pu arrêter le processus global de son développement - les traditions humanistes nationales étaient trop fortes. culture. Fin du XVIIe siècle. L’édition musicale s’est considérablement développée et la musique s’est largement répandue. clubs qui rassemblaient les mélomanes. En 1672, le violoniste J. Banister organise pour la première fois en Europe un concert public à Londres. concerts payants. Anglais la cour attire à nouveau les meilleurs maîtres, Charles II crée, à l'instar des Français. cour à cordes Orchestre "24 Violons du Roi". Sous la main Le musicien expérimenté G. Cook a repris les activités du roi. chapelles. Cependant, malgré l'attirance du roi pour les Français. musique la culture, l'anglais ont été conservés dans sa chapelle. national traditions.

Dans le cadre de la chorale de garçons dirigée par Cook sous le roi. La chapelle était dirigée par Henry Purcell, 9 ans, qui devint plus tard un compositeur majeur. Purcell a créé grande quantité prod. tous les genres, marqués par une richesse mélodique étonnante, une imagination inépuisable, technique. liberté, des décennies en avance sur les temps modernes. lui anglais compositeurs (ses prédécesseurs immédiats et contemporains - P. Humphrey, auteur de nombreux chœurs au contenu spirituel et profane, et J. Jenkins - n'ont guère apporté de nouveauté à la culture musicale du pays). Le plus de moyens. Les réalisations de Purcell sont associées au théâtre. musique. L'opéra « Didon et Enée » (1689) est le plus grand phénomène de l'histoire anglaise. musique t-ra. Sa musique est clairement nationale. le caractère des intonations des chansons folkloriques a été mis en œuvre, l'intrigue elle-même a été retravaillée dans l'esprit de l'anglais. adj. poésie. Les innovations Purcell dans le domaine du wok. la monodie, le récitatif, l'expansion audacieuse des moyens expressifs de la polyphonie chorale, et enfin sa maîtrise universelle de l'écriture instrumentale ont élevé AM à un nouveau niveau de développement. L'œuvre de Purcell complète la période brillante de l'art littéraire à l'époque de Shakespeare et des décennies suivantes. Cependant, Purcell n’a pas eu d’élèves ou de successeurs dignes.

Musique la vie en Angleterre au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles. se soumet de plus en plus à l’esprit du capitalisme. l'entrepreneuriat qui influence divers aspects de la culture et de l’art. De nombreuses personnes émergent à Londres. sociétés d'édition musicale; Les organisateurs de concerts et les mécènes des musiciens sont les propriétaires de théâtres, de clubs et de lieux de divertissement. jardins, pour lesquels la musique est avant tout une source de revenus. Même du vivant de Purcell, un afflux d'étrangers commença à affluer en Angleterre. les musiciens. Parmi eux se trouvent les Français - R. Camber, auteur de l'opéra "Pomona" (1671), L. Grabu, devenu interprète en 1665. Roi chapelles à Londres ; Italiens - violoniste N. Matteis, comp. G. Draghi, le chanteur castrat F. D. Grossi ; Allemands - violoniste T. Baltsar et comp. J. Pépusch ; Tchèque G. Finger. En 1705, un théâtre fut ouvert dans le centre de Londres et les Italiens commencèrent à se produire sur scène chaque année. troupe d'opéra. Sous contrat avec l'Italie. compositeurs - G. Bononcini, F. Amodei, A. Ariosti, F. Veracini, N. Porpora - le théâtre a mis en scène leurs nouveaux opéras. italien l'opéra conquit bientôt l'anglais. public, mettant de côté l’intérêt pour les l'opéra et les œuvres anglaises. compositeurs qui ont perdu leur représentant le plus talentueux en la personne de Purcell. Ainsi prit fin l'apogée de l'AM et commença une période de sa longue crise, qui dura jusqu'à la fin du XIXe siècle.

En anglais musique culture de la 1ère mi-temps. 18ème siècle Les activités de G. F. Handel ont joué un rôle majeur. Haendel vivait à Londres ca. 50 ans (1710-59). Il s'est facilement adapté aux goûts et aux arts. Exigences en anglais public, créant St. 40 opéras en italien. style (interprété par la troupe italienne de Londres en italien). Allemand le compositeur se tenait au centre vie musicale Angleterre. Cela a été facilité non seulement par la brillante créativité. L'individualité de Haendel le réalisera. compétence, mais aussi l'énergie de l'organisateur, démocratique. la direction de sa quête. L'influence de Haendel était particulièrement évidente dans le chœur. musique. Dans ses oratorios, principal. dans l'Antiquité, historique et des héros bibliques. histoires ("Judas Maccabée", "Samson", "Israël en Egypte", etc.), pour la première fois en musique. La lutte pour les idéaux épris de liberté de l’humanité était incarnée dans les images. Ch. le rôle y est attribué aux chœurs représentant le peuple. L'oratorio de Haendel résume les traditions anglaises. culture chorale. En même temps, des éléments de dramaturgie lyrique jouent un rôle important dans ces oratorios. Haendel s'est efforcé d'établir les idéaux démocratiques du peuple dans l'art et s'est fixé des objectifs idéologiques et moraux.

Un coup dur pour la domination italienne. L'opéra a été créé par "The Beggar's Opera", Londres, 1728) par le poète et dramaturge anglais J. Gay et le compositeur allemand J. Pepusch, qui a vécu en Angleterre. "The Beggar's Opera" est une parodie de l'opéra italien et un opéra. satire maléfique sur les mœurs de la société bourgeoise anglaise - elle connut un succès sensationnel auprès du public démocrate (63 représentations lors de la première saison) et resta dans le répertoire du théâtre anglais pendant de nombreuses années. nouveau genre soi-disant "ballade opéra", a ravivé les traditions du peuple. spectacles de ménestrels du XVe siècle.

En nombre, cela signifie le plus. Anglais compositeurs du XVIIIe siècle - T. Arn, qui en a créé beaucoup. prod. pour la musique t-ra, incl. bande dessinée populaire conclura l'opéra "Thomas et Sally" et la musique du masque "Alfred". avec la chanson "Rule, Britannia!" (« Rule Britannia »), qui est très populaire dans les temps modernes. Angleterre; W. Boyce - le premier anglais. compositeur qui a écrit l'oratorio en anglais. texte "Les lamentations de David sur Saul et Jonathan", 1736) ; C. Dibdin - chanteur et compositeur, auteur-compositeur dans l'esprit folk, qui a écrit des chansons et de la musique pour le théâtre, qui a collaboré avec le dramaturge R ; Sheridan. Ces compositeurs, qui ont créé de la musique pour les jardins dramatiques et divertissants de Londres, étaient des musiciens doués, mais leur art était nettement en retard sur les réalisations des grands compositeurs d'Allemagne, d'Autriche et de France. commande d'opéras, d'oratorios et de symphonies. Parmi les compositeurs étrangers du XVIIIe siècle, Bach", le fils de J. S. Bach, qui travailla en Angleterre en 1762-82). Depuis 1767, le pianiste et compositeur italien M. Clementi, considérait le directeur de l'école de clavier anglais, vivait à Londres. Un événement important En anglais musique vie furent les visites de J. Haydn (1791-92 et 1794-95), qui écrivit 12 symphonies en Angleterre (« London Symphonies ») et réalisa 187 arrangements. shotl. Chansons. Le seul anglais compositeur qui a quitté l'Angleterre pour travailler en Europe. continent, - J. Field (irlandais de nationalité), a vécu en Russie dès l'âge de 20 ans. Pianiste et auteur pièces de théâtre et concerts pour fp., Field est considéré comme le créateur genre romantique nocturne pour fp.

Du ser. 18ème siècle Parallèlement à l’école de composition, l’anglais commence à prendre forme. école de musicologues, parmi lesquels les plus célèbres sont C. Burney, l'auteur de l'ouvrage majeur « A general history of music » (« A general history of music », t. 1-4, 1776-89), J. Hawkins , qui a écrit « L'Histoire générale de la théorie et de la pratique musicales » (« Histoire générale de la science et de la pratique de la musique », t. l - 5, 1776), etc.

Musique la vie en Angleterre au XVIIIe siècle. Ch. est apparu arr. dans l'organisation de grands chœurs. festivals qui ont rassemblé de nombreux amateurs et professionnels chanteurs pour interpréter les oratorios de Haendel (depuis 1715). Depuis 1724, des soi-disant événements ont lieu alternativement à Gloucester, Worcester et Hereford. "Festivals de trois chœurs" (église), à partir de 1768 - à Birmingham, à partir de 1770 - à Norwich, à partir de 1772 - à Chester, à partir de 1777 - à Manchester, à partir de 1784 - à Liverpool, etc. En 1784, le premier festival Haendel eut lieu à Londres (à l'abbaye de Westminster, où est enterré le compositeur). Beaucoup se posent. conc. et d'autres musiques. des sociétés qui ont influencé le développement ultérieur de la musique classique : l'Academy of Ancient Music (depuis 1770, la première société de concert à Londres) ; "Catch Club" (depuis 1761), fédérant des chœurs amateurs. chant, la plus grande « Royal Musical Society » (depuis 1762), « Concerts de musique ancienne » (depuis 1776 ; depuis 1783 - « Royal Concerts ») et bien d'autres. etc. En raison de l'intérêt accru pour le clavecin et (plus tard) le fp. (concerts de J. K. Bach, W. A. Mozart, M. Clementi) la production d'instruments à clavier se développe. En 1728, elle fut fondée. la société J. Broadwood (la plus ancienne au monde), qui produisait initialement des clavecins, et à partir de 1773 - des pianos à queue ; en 1760, J. Hill fonda une entreprise de fabrication de cordes. instruments et archets (plus tard Hill and Sons). En 1ère mi-temps. 19ème siècle L'Angleterre n'a pas produit un seul compositeur majeur. Même le meilleur de l'anglais. les musiciens ne pouvaient pas s'élever au-dessus de l'imitation des échantillons musicaux d'autres compositeurs européens. pays, principalement étant les adeptes de leurs muets. et italien enseignants. Aucun d’entre eux n’a pu exprimer dans sa créativité les traits originaux de la nation la plus riche. culture de l'Angleterre. Il est caractéristique que les muses exceptionnelles. prod. basé sur les intrigues de chefs-d'œuvre anglais. arts la littérature a été créée par des étrangers. compositeurs : « Oberon » de Weber, « Othello » de Rossini, « Le Songe d'une nuit d'été » de Mendelssohn, écrits d'après des œuvres. Shakespeare ; "Harold en Italie" de Berlioz, "Manfred" et "La Fiancée de Messine" de Schumann - d'après Byron ; "Lucia di Lammermoor" de Donizetti - d'après W. Scott et autres.

Le répertoire du théâtre londonien « Covent Garden » (fondé en 1732) était principalement composé de de la production auteurs étrangers, ainsi que des programmes de concerts de la Philharmonie. société (fondée en 1813), ch. arr. popularisé la symphonie. musique de Beethoven et d'autres musiques d'Europe occidentale compositeurs.

Créativité anglaise compositeurs ser. 19ème siècle c'était éclectique (G. Bishop et M. Balfe créèrent des œuvres d'opéra peu originales, W. S. Bennett imita Schumann et Mendelssohn). Ils n'ont pas apporté le soutien national l'originalité chez A.M. et C. H. Parry est l'un des fondateurs des sociétés. mouvement pour la renaissance de l’anglais. national musique culture, ni C. Stanford, qui a élevé MP. Anglais compositeurs. Tous deux sont des musiciens très instruits et talentueux, mais sont mieux connus comme enseignants et chercheurs que comme compositeurs.

Les exemples les plus frappants de FA de la fin du XIXe siècle. - les opérettes « Le Mikado » de Sullivan (1885, auteur de 14 opérettes basées sur le livre Charles Gilbert) et « Geisha » de Jones (1896), qui connurent un grand succès dans d'autres pays.

Dans le 19ème siècle Londres est en train de devenir l'un des centres de l'Europe. musique vie. Les suivants ont joué ici : F. Chopin, F. Liszt, F. Mendelssohn, N. Paganini, G. Berlioz, R. Wagner, G. Verdi, C. Gounod, J. Meyerbeer, A. Dvorak, et plus tard - P. I. Tchaïkovski , A.K. Glazunov et d'autres italiens ont joué au théâtre Covent Garden. une troupe réputée pour ses maîtres du bel canto. La concentration a connu un grand développement. vie. En 1852, la Nouvelle Philharmonie fut organisée. société, en 1857 - "Hull Society" à Manchester. Depuis 1857, Londres a commencé à organiser régulièrement

Festivals Haendel (depuis 1859 - au Crystal Palace), dans lesquels le nombre de participants a atteint 4000. Musique. des festivals ont également eu lieu à Leeds (depuis 1874) et dans d'autres villes. Des concours d'esprit sont organisés. orchestres (le premier - à Manchester, en 1853). Du ser. 19ème siècle Il existe un intérêt croissant pour l’interprétation et l’étude de la musique classique. la musique, ainsi qu'à la musique classique ancienne - les sociétés Haendel (en 1843), Bach (1849) et Purcell (1861), la société pour l'étude du Moyen Âge, furent organisées. musique art (Plainsong et société médiévale, 1888).

En anglais musique La vie de cette période semble démocratique. les tendances. En 1878, Nar est créée. une société de concerts qui organisait des concerts populaires pour les habitants des quartiers pauvres de Londres ; au pluriel les villes d'Angleterre surgissent des likes. chorales se produisant dans des églises, des clubs et des scènes ouvertes. Une réussite particulière apprécié les concerts étudiants. Refrain collectifs. Les chœurs se sont réunis en nombre. Refrain société - Société de l'Harmonie Sacrée (depuis 1832), Association des Musiciens de Chœur (depuis 1833), Roi. chorale (depuis 1871), Chœur Bach (depuis 1875) et bien d'autres. etc.

Chœur d'agrandissement. Le mouvement en Angleterre a été facilité par un système de notation musicale simplifiée, ce qu'on appelle. "tonic - sol-fa", qui a été introduit dans tous écoles secondaires. Avec le développement de la musique. dans la vie, il y avait un besoin croissant de les établissements d'enseignement, Moyens. musique élargie éducation. A Londres ont été ouverts : King. Académie de musique (1822), Trinity College (1872), King. musique collège (1883).

Fin du 19ème siècle. la musique se développe. science, y compris musique lexicographie : le 1er volume du « Dictionnaire Grove de la musique et des musiciens », les ouvrages de l'historien de la musique classique D. F. Tovey et du théoricien E. Prout sont publiés.

Dernières décennies du XIXe siècle. Anglais Les historiens de la musique considèrent cela comme le début du « renouveau musical anglais ». Un tournant dans l'histoire d'A. M. - l'interprétation de la musique des scènes du drame lyrique de P. B. Shelley « Prometheus Unbound » (« Prometheus Unbound », 1880) par C. H. Parry pour solistes, chœur et orchestre, dans laquelle il fait revivre les traditions de l'anglais . Refrain polyphonie du XVIIe siècle, et, ch. arr., l'oratorio d'E. Elgar "Le Rêve de Gerontius", chef d'orchestre G. Richter, Birmingham. Musique le public anglais proclama cette dernière comme le début de la formation d'un nouveau national. école de composition. Elgar a réussi à surmonter la « barrière psychologique » de la méfiance des Britanniques à l’égard de leur patrie. moderne musique. Il crée son propre style et est reconnu comme le chef de la nouvelle école. Les œuvres d'Elgar sont marquées par la fraîcheur de sa musique. langage et imagination vivante. Avec "Le Rêve de Gérontius" dans le répertoire de beaucoup. des orchestres et des solistes entrent dans sa symphonie. variations par rapport à l'original. thème "Enigma", concertos pour violon et violoncelle, 2e symphonie.

Au début. 20ième siècle Les motifs folkloriques, négligés par les compositeurs anglais, se sont développés dans la musique américaine. L'un des premiers musiciens à s'adresser au public sources, était F. Dilius - l'opéra « Un village Roméo et Juliette » (1901) et des rhapsodies pour symphonies. orchestre "Brigg fair: an English rhapsody", 1907), "Dance rhapsody", 1908), etc. Cependant, la plupart de ses symphonies colorées. poèmes au contenu élégiaque-pastoral créés sous l'influence du français. impressionnistes et E. Grieg.

Les éléments narratifs ont été utilisés de manière plus organique et créative. Un m. en production G. Holst, maître orc. des lettres. Etude du folklore la musique lui a donné une thématique. matériel pour un certain nombre de chants, symphonie. et instrument de chambre. essais. Parallèlement à cela, dans son œuvre la plus célèbre. - orque. suite (7 pièces) «Les Planètes» (1918) - le penchant du compositeur pour le mysticisme et la passion pour l'astrologie ont émergé.

Thèmes nègres. le folklore s'est développé dans la production. différents genres S. Coleridge-Taylor, chef d'orchestre et compositeur, auteur de « Song of Hiawatha » - une trilogie pour solistes, chœur et orchestre. G. Bantock s'intéresse aux thèmes orientaux et celtiques.

Renouveau du national la musique a contribué à l'apparition d'ouvrages sur la musique. folklore : J. Broadwood - enregistrements de mélodies avec paroles de chants paysans, réalisés par lui en 1843 et publiés par L. Broadwood et J. A. Fuller-Maitland dans des recueils folkloriques. chansons « Chansons du comté anglais » (1893) et « Chansons et chants traditionnels anglais » (1908), et ch. arr. œuvres de S. Sharp, qui a enregistré plus de 3 000 personnes au cours de la période 1903-24. Chansons britanniques et 1600 chansons anglaises. colons des Appalaches (Amérique du Nord). Ce sont des chansons différentes. genres - chansons rituelles, de travail, lyriques, comiques, de contes de fées ou de ballades historiques. contenu. Musique et poétique. la structure de ces chansons capturait les traits de caractère du peuple, figuratifs et phonétiques. caractéristiques du discours anglais.

Les activités de recherche de S. Sharp et de ses disciples (J. A. Fuller-Maitland, M. Karpeles et R. Vaughan-Williams), grâce à la coupe, l'ancien écossais, irlandais. et les Gallois. chansons, ont suscité un intérêt pour la musique. traditions des XVe-XVIIe siècles. et aux peuples anciens. musique procès En 1898, Sharpe fonde la People's Society à Londres. chansons, engagées dans l’étude et la promotion de l’anglais. musique folklore (existant jusque dans les années 70 du 20e siècle). En 1911, la Society of English est créée. adj. danse (transformée en 1932 en Society of English Folk Dance and Song). Intérêt ultérieur pour le national la musique a conduit à la formation de sociétés qui ont popularisé la créativité de leur patrie. compositeurs (British Musical Society, 1918, etc.).

Créatif Réalisations en anglais premiers compositeurs 20e siècle, associé à l'art. mise en œuvre de mesures nationales musique traditions qui plaisent aux gens. musique, témoignait de l'approbation du nouvel anglais. école de composition. Le représentant le plus éminent du « renouveau musical anglais » était R. Vaughan Williams. Etude du folklore l'art a aidé Vaughan Williams à trouver son propre style et à exprimer les caractéristiques des gens. art de la chanson en symphonie. et la musique d'opéra.

Aux côtés de Vaughan Williams, les fervents défenseurs et successeurs des idées du « renouveau musical anglais » étaient J. Ireland, A. Bax et P. Warlock, qui cherchaient à mettre à jour le contenu et le style de la musique musicale à travers le développement de la musique folk. . national traditions. Dans la symphonie et fp. écrits de nationalité irlandaise. musique la base est combinée à l'influence de M. Ravel, C. Debussy et I. F. Stravinsky. Bucks a recréé les images d'Irl. et anglais adj. art dans le programme symphonies, symphonies. poèmes et chants de chambre. production; Warlock réunit en sa personne les muses. scientifique, expert anglais musique antiquité et auteur-compositeur basé sur la poésie anglaise. poètes. Basé sur des histoires anglaises anciennes. légendes et opéras de R. Boughton (pour leur production, il organisa un petit théâtre à Glastonbury). Les compositeurs de cette génération incluent F. Bridge (le professeur de Britten), mais sa musique exquise. langage de production, joué rôle célèbre dans le développement de la musique de chambre, s'adressent à un cercle restreint d'auditeurs.

Musique la vie en Angleterre au tournant des XIXe et XXe siècles. se développe intensément, y compris dans les villes de province où se crée la musique. écoles, orchestres, chorales. à propos de-va; des festivals sont organisés - à Cardiff (1892-1910), Sheffield (1896-1911), à Londres - des festivals Bach (1895-1926), festivals dédiés à. Elgar (en 1904), F. Dilius (en 1929) ; des compétitions sont organisées. L'Association des festivals compétitifs a été fondée en 1905 (en 1921, elle a fusionné avec la Fédération britannique des festivals de musique). Grande importance pour la promotion de la symphonie. la musique avait des « concerts publics » (organisés à Londres depuis 1838), dirigés par G. Wood en 1895-1944. Leur programme comprend différents types de musique. écoles, y compris. oeuvres contemporaines Anglais compositeurs. Ces concerts ont contribué au développement de la symphonie. et oratorio A. m. 20ième siècle

Parallèlement à la renaissance fructueuse du mouvement national pour A. m. traditions dans la musique de certains compositeurs des années 20. Les influences de l’esthétique expressionniste, du constructivisme et du néoclassicisme se font sentir. Une nouvelle étape dans le développement de l'anglais. musique la culture se caractérise non seulement par le renforcement des tendances, mais aussi l'augmentation du prof. compétence. Les affirmations de A. Bliss, W. Walton, A. Bush, A. Benjamin, E. J. Moran, M. Tippett, C. Lambert, E. M. Maconkey, X. Ferguson, E. Rabra et d'autres ont été reconnues à l'étranger. Tous ont continué à développer les traditions du « revival musical anglais ». Leur expérience, ainsi que les réalisations des compositeurs, suivent. générations - M. Arnold, J. Bush, J. Gardner, R. Arnell, A. Milner, P. Dickinson et autres, confirment la présence de leur propre ressortissant en Angleterre. école de composition.

Une place à part parmi les modernes Anglais les compositeurs sont occupés par B. Britten, qui jouit d'une reconnaissance mondiale comme l'un des plus grands musiciens du 20e siècle. Ses œuvres lyriques, oratorio et symphoniques figurent au répertoire des meilleurs théâtres, orchestres et solistes du monde.

Dans les travaux de S. Scott et L. Berkeley, l'influence des Français est perceptible. impressionnistes (le premier a étudié en Allemagne, le second en France). Quelques compositeurs de la jeune génération (P.R. Fricker, H. Searle, R. Bennett, etc.) de la 2ème mi-temps. années 40 s'intéresser à l'école dodécaphonique d'A. Schoenberg (voir Dodécaphonie). Ces compositeurs, et plus tard A. Goehr, ont eu recours à la technique de l'écriture sérielle ; leur musique la langue est privée de national originalité. Le désir d’un compromis entre les dernières techniques d’écriture et stylistiques. caractéristiques de l'anglais ancien. la musique est caractéristique de la quête de P. M. Davis ; D. Bedford est impliqué dans des expériences dans le domaine de la musique électronique.

Au 20ème siècle Le cercle des anglais s'est élargi. musicologues; Certains d'entre eux se sont spécialisés dans un certain domaine de la musique, d'autres ont étudié l'œuvre d'un compositeur : R. Morris (problèmes de contrepoint du XVIe siècle), M. Scott (J. Haydn), S. B. Oldman (W. Mozart) , E. . Newman (R. Wagner et H. Wolf), C. S. Terry (J. S. Bach), M. A. E. Brown (F. Schubert). Parmi les auteurs de la monographie. travaux et scientifiques Recherche - E. Dent, E. Evans, E. Lockspacer, J. A. Westrup, A. Robertson, S. Goldar, J. Mitchell, D. Cook. Étudier le russe la musique a été étudiée par R. Newmarch et J. Abraham. Les travaux des musicologues étaient publiés par le Roi. musique association (depuis 1874), travail sur l'étude instruments anciens- À propos d'eux. Golpin (depuis 1946). Grande contribution à l'anglais. musicologie étaient "Oxford History of Music" de G. K. Colles ("Oxford history of music", 1934), ainsi que les travaux de E. Blom, éditeur des 3e et 4e éditions. Dictionnaire Grove.

Grand artiste Le niveau de performance diffère. Culture anglaise orchestres, dont le London Philharmonic Orchestra et le London Symphony Orchestra, ainsi que la Symphonie. Orchestre de la British Radio Corporation (BBC) et Symph. Orchestre de Manchester.

Elle a beaucoup fait pour populariser les instruments anciens. la famille musicale Dolmech et surtout A. Dolmech ; en 1925, il organise un festival de musique ancienne à Haslemere (Surrey).

Au théâtre musical vie de l'Angleterre 1ère mi-temps. 20ième siècle Le rôle principal appartient toujours à l'opéra de Covent Garden (il fut fermé pendant la Première Guerre mondiale 1914-18 et ce n'est qu'en 1925 qu'il reprit ses activités, de nouveau interrompues par la Seconde Guerre mondiale). Depuis les années 20 20ième siècle son répertoire, comme au XIXe siècle, est constitué d'œuvres. compositeurs étrangers (principalement italiens, français et allemands), interprétés par des étrangers. solistes. Seulement quelques anglais les auteurs ont vu le message. ses opéras sur la scène de ce théâtre : R. Vaughan Williams - « Hugh le bouvier » (1924), « Sir John in love » (1930), etc. ; G. Holst - "À la tête du sanglier", 1925) ; S. Scott - "L'Alchimiste", 1928), etc. Cependant, aucune d'entre elles n'est restée dans le répertoire. De nouvelles troupes d'opéra ont été créées au Sadler's Wells Theatre de Londres. , ainsi que des classiques occidentaux et russes. Il y avait un article "Dido et Enée" de Purcell (1931), "Le diable la prend" de Benjamin, "Macbeth" de Collingwood (1934), "Troilus et Cressida" de Walton ( d'après Chaucer, 1954), " "The Travelling Companion" de C. Stanford (1935), opéra de Vaughan Williams et Britten.

Intérêt pour l'anglais compositeurs au genre ballet, provoqués par la tournée russe. Le ballet ("Les Saisons russes" sous la direction de S. P. Diaghilev, organisé chaque année à Londres en 1911-29), a contribué à la création d'un ballet national.

En 1931, N. de Valois fonde les Anglais. troupe de ballet"Vic Wells Ballet", depuis 1942. "Sadler's Wells Ballet" (son conseil artistique comprend les compositeurs A. Bliss et H. Searle). Voici le message. PL. ballets anglais compositeurs - "Job" de Vaughan Williams (1931), "The Rake's Progress", d'après les peintures de W. Hogarth, 1935) de G. Gordon, etc.

En 1934, grâce au philanthrope J. Christie, un théâtre de 400 places fut construit sur son domaine de Glyndebourne (Sussex), où l'on tenait chaque été festivals d'opéra avec la participation des meilleurs solistes. À l'origine ch. Le chef d'orchestre et directeur des représentations du festival était F. Busch et K. Ebert, émigrés d'Allemagne. Basique Le répertoire était composé d'opéras de W. A. Mozart, puis de K. Gluck, G. Verdi et d'autres compositeurs du XIXe siècle, et parfois modernes. auteurs. Les Festivals de Glyndebourne ont joué un rôle important dans le développement de la culture lyrique de l'Angleterre. Les compétitions spirituelles deviennent de plus en plus populaires. orchestres. En 1930, 200 spiritueux participent au concours de Londres. collectifs.

Dans les années 30-40. développement intensif de la musique. la vie s'est manifestée dans la création de nombreux. aime. et le prof. musique société et associations : Association de Musique de Chambre (1934), Nationale. Fédération de la Musique Society (1935), Society of Record Performers (1937), Commission for the Encouragement of New Music (1943), Renaissance Society (1944), Society of Viola da Gamba (1948) et bien d'autres. etc. Plusieurs personnes travaillent en Angleterre. international musique organisations : Int. société moderne musique (depuis 1922), Int. Conseil du folklore (depuis 1947).

Musique de messe Le travail parmi les travailleurs d'Angleterre est réalisé par la Workers' Music. association (Workers Music Association, créée en 1936), regroupant des chœurs amateurs, des orchestres, édition spéciale. répertoire de chansons populaires, souvent politiques. contenu. Président de l'association (depuis 1941) et auteur de nombreux autres. chorales et chants de masse - prof. Roi Compositeur de l'Académie de musique A. Bush.

Musique pendant la Seconde Guerre mondiale 1939-45. les activités dans le pays n'ont pas été interrompues. A l'initiative et avec la participation du pianiste M. Hess, des concerts ont été organisés dans les sous-sols du National. arts galeries. Après que le meilleur conc. ait été détruit par une bombe en 1941. Queens Hall de Londres, symphonie. les concerts ont été déplacés dans d'autres locaux. En 1951, un nouveau grand concentrateur fut ouvert à Londres. "Festival Hall" (rénové en 1965). Nouvelle conc. des salles furent également construites en province. villes d'Angleterre. Moyens. renouveau en musique La vie du pays est animée par la musique annuelle. festivals organisés à Cheltenham (depuis 1945, dédié à la musique contemporaine), à Édimbourg (depuis 1947, Festival international de musique et de théâtre - un spectacle de troupes d'opéra et d'orchestres symphoniques étrangers), à Londres (depuis 1947), à Aldborough (depuis 1948, organisé par B. Britten et représenté par Modern A.M.), à Bath (I. Menuhin Festival, depuis 1948), à Oxford (depuis 1948), au Mystery Festival et au Art Festival de York (depuis 1951), à Coventry (depuis 1958 ; en 1962 - festival dans la cathédrale de Coventry), ainsi qu'international. musique compétitions à Leeds, etc.

Moyens. impact sur le développement de la musique. culture moderne L'Angleterre est dotée de musique. programmes de radio et de télévision. Dans les années 60 l'instrument vocal pop était populaire. quatuor de jeunes chanteurs, dit les Beatles, qui ont interprété des mélodies caractéristiques (une combinaison d'éléments de jazz noir et de blues), qui ont inspiré l'imitation dans d'autres pays. Dans le domaine de la musique de divertissement (comédies musicales, revues musicales, jazz), l'influence des États-Unis est perceptible ; La musique jazz, qui s'est largement répandue, supplante les muses. vie d'une partie du ressortissant britannique. Anglais chants et danses, ce qui affecte négativement la formation de leurs goûts. Créativité pl. moderne les compositeurs se caractérisent par divers passe-temps. mouvements d'avant-garde, témoignant de la crise idéologique de la culture bourgeoise en Angleterre.

La production de disques phonographiques en Angleterre est à un niveau élevé, l'industrie du phonographe est regroupée en grandes sociétés et la National Record Industry a été organisée en 1936. Fédération des sociétés de gramophone.

Chez les Anglais musiciens du XXe siècle : chefs d'orchestre - J. Barbirolli, T. Beecham, A. S. Boult, G. Wood, R. Kempe, A. Coates, M. Sargent, C. Halle ; pianistes - L. F. Kentner, F. A. Lamond, J. Moore, T. Mattei, B. Moiseivich, J. Ogdon, M. Hess, M. Limpani, X. Cohen ; violonistes - A. Campoli, G. Temyanka ; altistes - U. Primrose, L. Tertis ; harpistes - E. Parish-Alvars ; guitaristes - J. Williams ; chanteurs - J. Vivien, J. Hammond, K. Shacklock, K. Ferrier, K. A. Novello ; chanteurs - J. McCormack, P. Pierce ; musicologues et musiciens écrivains - E. Blom, E. Loxpeiser, M. Montagu-Nathan, E. Newman, H. F. Redlich et autres.

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G.M. Shneerson

Le concept de « compositeur » est apparu pour la première fois au XVIe siècle en Italie, et depuis lors, il est utilisé pour désigner une personne qui compose de la musique.

Compositeurs du 19ème siècle

Dans la Vienne du XIXe siècle école de musique représenté par un compositeur aussi remarquable que Franz Peter Schubert. Il perpétue les traditions du romantisme et influence toute une génération de compositeurs. Schubert a créé plus de 600 romances allemandes, portant le genre à un nouveau niveau.

Franz Peter Schubert

Un autre Autrichien, Johann Strauss, est devenu célèbre pour ses opérettes et musique légère formes de danse. C'est lui qui a le plus fait la valse danse populaireà Vienne, où se déroulent encore les bals. De plus, son héritage comprend des polkas, des quadrilles, des ballets et des opérettes.

Johann Strauss

L’Allemand Richard Wagner était un représentant éminent du modernisme musical de la fin du XIXe siècle. Ses opéras n'ont pas perdu de leur pertinence et de leur popularité à ce jour.

Giuseppe Verdi

Wagner s'oppose à la figure majestueuse du compositeur italien Giuseppe Verdi, qui est resté fidèle aux traditions lyriques et a donné un nouveau souffle à l'opéra italien.

Pierre Ilitch Tchaïkovski

Parmi les compositeurs russes du XIXe siècle, le nom de Piotr Ilitch Tchaïkovski se démarque. Il se caractérise par un style unique qui combine les traditions symphoniques européennes avec l'héritage russe de Glinka.

Compositeurs du 20ème siècle

Sergueï Vassilievitch Rahmaninov

Sergei Vasilievich Rachmaninov est à juste titre considéré comme l'un des compositeurs les plus brillants de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Son style musical était basé sur les traditions du romantisme et existait parallèlement aux mouvements d'avant-garde. C'est pour son individualité et son manque d'analogues que son travail a été très apprécié par les critiques du monde entier.

Igor Fedorovitch Stravinsky

Le deuxième compositeur le plus célèbre du XXe siècle est Igor Fedorovich Stravinsky. Russe d'origine, il émigre en France puis aux USA, où il montre pleinement son talent. Stravinsky est un innovateur qui n’a pas peur d’expérimenter les rythmes et les styles. Son travail montre l'influence des traditions russes, des éléments de divers mouvements d'avant-garde et un style individuel unique, pour lequel il est surnommé « Picasso en musique ».

En 1904, le critique allemand Oscar Adolf Hermann Schmitz publia un livre sur la Grande-Bretagne, l'appelant (à la fois le livre et le pays lui-même) « Le pays sans musique » (Das Land Ohne Musik). Peut-être avait-il raison. Après la mort de Haendel en 1759, la Grande-Bretagne apporta une contribution négligeable au développement de la musique classique. Il est vrai que Schmitz a prononcé sa condamnation au mauvais moment : le XXe siècle a été témoin d'un renouveau de la musique britannique, qui s'est manifesté par la formation d'un nouveau style national. Cette époque a également donné au monde quatre grands compositeurs britanniques.

Édouard Elgar

Il n'a formellement étudié l'art de la composition nulle part, mais a réussi, d'un modeste chef d'orchestre de Worcester et chef d'orchestre de l'hôpital psychiatrique de Worcester, à devenir le premier compositeur britannique en deux cents ans à obtenir une reconnaissance internationale. Après avoir passé son enfance dans la boutique de son père dans la rue principale du Worcestershire, entouré de partitions, d'instruments de musique et de manuels de musique, le jeune Elgar a appris lui-même le solfège. Lors des chaudes journées d'été, il a commencé à emporter des manuscrits hors de la ville pour étudier (dès l'âge de cinq ans, il est devenu accro au vélo). Ainsi, pour lui, était posé le début d’une relation forte entre la musique et la nature. Plus tard, il dira : « La musique, elle est dans l’air, la musique est autour de nous, le monde en est plein, et tu peux en prendre autant qu’il te faut. » À l'âge de 22 ans, il accepte un poste de chef d'orchestre à l'hôpital psychiatrique de Worcester pour les pauvres à Pawick, à cinq kilomètres au sud-ouest de Worcester, une institution progressiste qui croit au pouvoir de guérison de la musique. Sa première œuvre orchestrale majeure, « Variations sur un thème mystérieux » (Enigma Variations, 1899), lui valut une renommée - mystérieuse car chacune des quatorze variations était écrite sur un thème unique que personne n'avait jamais entendu. La grandeur d'Elgar (ou son caractère anglais, comme certains disent) réside dans son utilisation de thèmes mélodiques audacieux qui véhiculent une ambiance de mélancolie nostalgique. Son meilleur essai appelé un oratorio « Le rêve de Gérontius » (1900), et sa Première marche de la pompe et des circonstances n° 1, 1901, également connue sous le nom de « La terre de l'espoir et de la gloire », suscite invariablement un grand plaisir parmi les auditeurs lors des « concerts de promenade » annuels.

Elgar - Le rêve de Gérontius

Gustave Holst

Suédois né en Angleterre, Holst était un compositeur exceptionnellement exceptionnel. Maître de l'orchestration, son œuvre s'inspire de traditions aussi diverses que les chants folkloriques et les madrigaux anglais, le mysticisme hindou et l'avant-gardeisme de Stravinsky et Schoenberg. Il s'intéressait également à l'astrologie et son étude inspira Holst à créer son œuvre la plus célèbre (mais pas la meilleure), la suite symphonique en sept mouvements (Les Planètes, 1914-1916).

Gustav Holst. "Planètes. Vénus"

Ralph Vaughan-Williams

Ralph Vaughan Williams est considéré comme le plus anglais des compositeurs britanniques. Il rejette les influences étrangères, imprégnant sa musique de l'ambiance et des rythmes du folklore national et des œuvres des compositeurs anglais du XVIe siècle. Vaughan Williams est l'un des compositeurs majeurs la première moitié du XXe siècle, qui a joué un rôle important dans le regain d'intérêt pour la musique académique britannique. Son héritage est très vaste : six opéras, trois ballets, neuf symphonies, cantates et oratorios, œuvres pour piano, orgue et ensembles de chambre, arrangements chansons folkloriques et bien d'autres ouvrages. Dans son œuvre, il s'inspire des traditions des maîtres anglais des XVIe et XVIIe siècles (il fait revivre le genre du masque anglais) et musique folklorique. Les œuvres de Williams sont connues pour leur conception à grande échelle, leur mélodisme, leur interprétation vocale magistrale et leur orchestration originale. Vaughan Williams est l'un des fondateurs de la nouvelle école de composition anglaise, la soi-disant « renaissance musicale anglaise ». Vaughan Williams est surtout connu comme l'auteur de A Sea Symphony (1910), "Une Symphonie de Londres" (1913) et la délicieuse romance pour violon et orchestre »(The Lark Ascending, 1914).

Vaughan Williams. "Symphonie de Londres"

Benjamin Britten

Britten était et reste à ce jour le dernier grand compositeur britannique. Son talent et son ingéniosité, notamment en tant que compositeur vocal, lui valent une reconnaissance internationale comparable à celle d'Elgar. Parmi ses meilleures œuvres figure l'opéra Peter Grimes (1945), une œuvre orchestrale "Le Guide de l'Orchestre du Jeune, 1946) et une grande œuvre orchestrale et chorale « War Requiem » (War Requiem, 1961) basée sur des poèmes de Wilfred Owen. L'un des thèmes principaux de l'œuvre de Britten - la protestation contre la violence, la guerre, l'affirmation de la valeur du monde humain fragile et non protégé - a reçu sa plus haute expression dans "War Requiem" (1961). Britten a parlé de ce qui l'a amené au War Requiem : « J'ai beaucoup pensé à mes amis morts au cours des deux guerres mondiales. Je ne prétendrai pas que cet essai soit écrit sur des tons héroïques. Il y a beaucoup de regrets à propos de ce terrible passé. Mais c’est précisément pourquoi Requiem s’adresse au futur. Au vu des exemples d’un passé terrible, nous devons prévenir des catastrophes telles que les guerres. Britten n’était pas un grand fan du « traditionalisme anglais » caractéristique des compositeurs de la génération précédente, même s’il arrangeait des chansons folkloriques pour son partenaire, le ténor Peter Pears. Ni dans ses premières années, ni dans les dernières étapes de son évolution créatrice, Britten ne s'est fixé pour tâche d'inventer de nouvelles techniques techniques de composition ou de justifications théoriques de son œuvre. style individuel. Contrairement à beaucoup de ses pairs, Britten ne s’est jamais laissé emporter par la recherche du « plus récent » et n’a pas non plus cherché à s’appuyer sur les techniques de composition établies héritées des maîtres des générations précédentes. Il est guidé avant tout par le libre vol de l'imagination, de la fantaisie, de l'opportunité réaliste, et non par l'appartenance à l'une des nombreuses « écoles » de notre siècle. Britten accordait plus d’importance à la sincérité créatrice qu’au dogme scolastique, aussi avant-gardiste soit-il. Il a laissé tous les vents de l’époque pénétrer dans son laboratoire de création, le pénétrer, mais pas le contrôler.

Britten. "Guide jeunesse de l'orchestre"

Depuis que Britten a été enterré à Aldborough, dans le Suffolk, en 1976, la musique classique britannique a eu du mal à maintenir son illustre réputation. John Taverner, descendant direct du compositeur du XVIe siècle John Taverner, et Peter Maxwell Davies créent des œuvres qui ont été favorablement accueillies par la critique, mais rien de vraiment remarquable n'est encore paru. La musique classique occupe une certaine niche dans la culture britannique, mais peut-être pas aussi grande que ses fans le souhaiteraient. Elle est présente dans des publicités télévisées et lors de divers événements sportifs, et les Britanniques ordinaires peuvent bien regarder la dernière soirée des Proms à la télévision (s'il n'y a rien de mieux à faire), mais en réalité, la musique classique n'est écoutée que par une très petite partie de la nation. , principalement des gens de la classe moyenne. Une musique respectable pour des gens respectables.

Matériaux utilisés à partir du site : london.ru/velikobritaniya/muzika-v-velik obritanii

Édouard Elgar

Gustave Holst

Ralph Vaughan-Williams

Benjamin Britten

B. Britten est l'un des compositeurs les plus importants du XXe siècle. Son œuvre représente presque tous les genres musicaux : des pièces pour piano et œuvres vocales à l'opéra.

Il a en fait fait revivre la musique anglaise qui, après la mort de Haendel, n'avait pas eu de compositeur d'une telle envergure depuis près de deux cents ans.

Biographie

Période initiale de créativité

Edward Benjamin Britten, compositeur, chef d'orchestre et pianiste britannique , né en 1913 à Lowestoft (Suffolk) dans la famille d'un dentiste. Capacité musicale cela se manifeste très tôt : à l'âge de 6 ans, il commence déjà à composer de la musique. Son premier professeur de piano fut sa mère, puis le garçon apprit à jouer de l'alto.

Collège royal de musique

Au Royal College of Music de Londres, il suit des cours de piano et étudie également la composition. Ses premières œuvres ont immédiatement attiré l'attention du monde musical - il s'agissait de « Hymne à la Vierge » et des variations chorales « Un enfant est né ». Britten est invité dans une société de films documentaires avec laquelle il collabore depuis 5 ans. Il considère cette période comme une bonne école, où il a dû apprendre beaucoup et composer même lorsque l'inspiration s'en va et qu'il ne reste qu'un travail consciencieux.

Durant cette période, il travaille également à la radio : il écrit de la musique pour des émissions de radio, puis se lance dans des activités de concert.

Période de la Seconde Guerre mondiale

Dans les années 1930, il était déjà un compositeur dont les œuvres acquéraient une renommée mondiale : sa musique était entendue en Italie, en Espagne, en Autriche et aux États-Unis, mais la Seconde Guerre mondiale commença Guerre mondiale, et Britten quitte l'Angleterre pour les États-Unis et le Canada. Le compositeur n'est retourné dans son pays natal qu'en 1942. Ses performances ont immédiatement commencé à travers le pays : dans les petits villages, les abris anti-bombes, les hôpitaux et même dans les prisons. Et à la fin de la guerre, il se rend immédiatement en Allemagne, en Belgique, aux Pays-Bas, en Suisse et dans les pays scandinaves avec des concerts.

La créativité d'après-guerre

En 1948, il organise le Festival international annuel de musique à Aldborough, où il s'installe, auquel il consacre beaucoup de temps, d'efforts et d'argent. Lors du premier festival en 1948, sa cantate « Saint Nicolas » est jouée.

Au début des années 1950, Britten participe aux activités de l'Organisation des Figures art musical- partisans de la paix, écrit des opéras et voyage en 1956 en Inde, à Ceylan, en Indonésie et au Japon. Les impressions du voyage se reflètent dans la partition du ballet « Prince des Pagodes ». Cette extravagance de conte de fées devient avant cela le premier « grand » ballet national ; ballets en un acte. Après cela, Britten est revenu à son opéra préféré : L'Arche de Noé est apparu en 1958 et Le Songe d'une nuit d'été est apparu en 1960.

En 1961, Britten crée le « War Requiem », qui devient un monument aux victimes de la guerre. Il a été écrit pour la cérémonie d'inauguration cathédrale dans la ville de Coventry, entièrement détruite par les bombardements allemands. « War Requiem » a été créé pour la première fois en 1962. Le succès fut assourdissant : « Requiem » a vendu 200 000 disques au cours des deux premiers mois, ce qui témoigne du réel succès de l'œuvre.

Ruines de la cathédrale de Coventry

Parallèlement, Britten écrit des œuvres d'un genre nouveau : les opéras paraboliques. Basé sur une histoire japonaise, « Curlew River » a été écrit en 1964. « The Cave Act » (1966) est basé sur un épisode de l'Ancien Testament, et « The Prodigal Son » (1968) est basé sur une parabole évangélique. Britten a écrit la « Cantate de la Miséricorde » pour le 100e anniversaire de la fondation de la Croix-Rouge ; la cantate est basée sur la parabole du Bon Samaritain. Elle fut solennellement jouée à Genève le 1er septembre 1963.

Britten et la Russie

Ayant entendu M. Rostropovitch jouer pour la première fois à Londres, Britten décide de lui écrire une Sonate en cinq mouvements, dont chacun démontre le talent particulier du violoncelliste. En mars 1963, un festival de musique anglaise eut lieu à Moscou et à Léningrad, où cette sonate fut interprétée par Britten lui-même et M. Rostropovitch. Au même moment, les opéras en un acte de Britten étaient représentés pour la première fois en Russie par la Petite Troupe du Covent Garden Theatre. En 1964, Britten a de nouveau visité notre pays, il a noué des relations amicales avec D. Chostakovitch, M. Rostropovitch et G. Vishnevskaya, et même Britten a célébré le Nouvel An 1965 avec Chostakovitch dans sa datcha.

M. Rostropovitch et B. Britten

La musique de Chostakovitch a une influence notable sur l'œuvre de Britten. Il écrit un Concerto pour violoncelle qu’il dédie à Mstislav Rostropovitch, ainsi qu’un cycle de chants basés sur les poèmes de Pouchkine à Galina Vishnevskaya. Chostakovitch dédie sa Quatorzième Symphonie à Britten.

La dernière fois que B. Britten s'est rendu en Russie, c'était en 1971. D. Chostakovitch est décédé en 1975 et Britten en 1976.

Les œuvres de B. Britten

Britten est considéré comme le fondateur de la renaissance de l'opéra en Angleterre. Travailler dans divers genres musicaux, Britten aimait par-dessus tout l'opéra. Il achève son premier opéra, Peter Grimes, en 1945, et sa production marque la renaissance du théâtre musical national. Le livret de l'opéra est basé sur - histoire tragique le pêcheur Peter Grimes, hanté par le destin. La musique de son opéra est de styles variés : il utilise le style de nombreux compositeurs selon le contenu de la scène : il dessine des images de solitude et de désespoir à la manière de G. Mahler, A. Berg, D. Chostakovitch ; scènes de genre réalistes - dans le style de D. Verdi, et paysages marins- dans le goût de K. Debussy. Et tous ces styles sont ingénieusement unis par une seule chose : le style Britten et la saveur britannique.

Le compositeur a passé toute sa vie à composer des opéras. Il crée des opéras de chambre : « La Profanation de Lucrèce » (1946), « Albert Herring » (1947) d'après le récit de G. Maupassant. Dans les années 50-60. crée les opéras « Billy Budd » (1951), « Gloriana » (1953), « Le Tour d'écrou » (1954), « L'Arche de Noé » (1958), « Le Songe d'une nuit d'été » (1960) d'après la comédie de W. Shakespeare, l'opéra de chambre « Carlew River » (1964), l'opéra « Prodigal Son » (1968), dédié à Chostakovitch, et « Mort à Venise » (1970) d'après T. Mann.

Musique pour les enfants

Britten écrit également pour les enfants et conçoit la musique à des fins pédagogiques. Par exemple, dans la pièce « Faisons un opéra » (1949), il présente au public le processus de sa représentation. En 1945, il écrit une variation et une fugue sur un thème de Purcell, « A Young Listener's Guide to the Orchestra », dans laquelle il initie les auditeurs aux timbres de divers instruments. S. Prokofiev a un opéra pour enfants similaire - "Pierre et le loup".

En 1949, Britten crée un opéra pour enfants, « The Little Chimney Sweep », et en 1958, l’opéra « Noah’s Ark ».

B. Britten a beaucoup joué en tant que pianiste et chef d'orchestre, en tournée différents pays paix.