Français le romantisme
Mouvement artistique né à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. d'abord en littérature (Allemagne, Grande-Bretagne, autres pays d'Europe et d'Amérique), puis en musique et autres arts. Le concept de « romantisme » vient de l'épithète « romantique » ; jusqu'au 18ème siècle il a souligné certaines caractéristiques travaux littéraires, écrit en langues romanes (c'est-à-dire pas dans les langues de l'Antiquité classique). Il s'agissait de romans (roman espagnol), ainsi que de poèmes et de romans sur les chevaliers. En con. 18ème siècle « Romantique » est compris plus largement : non seulement comme aventureux, divertissant, mais aussi comme un folk ancien et original, lointain, naïf, fantastique, spirituellement sublime, fantomatique, ainsi qu'étonnant, effrayant. « Les romantiques ont romancé tout ce qu'ils aimaient du passé récent et ancien », a écrit F. Blume. Ils perçoivent comme « les leurs » les œuvres de Dante et W. Shakespeare, P. Calderon et M. Cervantes, J. S. Bach et J. W. Goethe, très anciennes ; Ils sont également attirés par la poésie du Dr. Minnesingers orientaux et médiévaux. Sur la base des caractéristiques mentionnées ci-dessus, F. Schiller a qualifié sa « Pucelle d'Orléans » de « tragédie romantique », et dans les images de Mignon et du Harpiste, il voit le roman des « Années d'enseignement de Wilhelm Meister » de Goethe.
Le romantisme en tant que terme littéraire apparaît pour la première fois dans Novalis et en tant que terme musical chez E. T. A. Hoffmann. Cependant, dans son contenu, elle n'est pas très différente de l'épithète correspondante. Le romantisme n’a jamais été un programme ou un style clairement défini ; Il s'agit d'un large éventail de tendances idéologiques et esthétiques dans lesquelles la situation historique, le pays et les intérêts de l'artiste ont créé certains accents et déterminé divers objectifs et moyens. Cependant, l'art romantique de différentes formations présente également d'importantes caractéristiques communes liées à la fois à la position idéologique et au style.
Ayant hérité de nombreux traits progressistes du siècle des Lumières, le romantisme est en même temps associé à une profonde déception à la fois à l'égard des Lumières elle-même et des succès de la nouvelle civilisation dans son ensemble. Pour les premiers romantiques, qui ne connaissaient pas encore les résultats de la Grande Révolution française, le processus général de rationalisation de la vie, sa subordination à la « raison » sobre moyenne et à l’aspect pratique sans âme était décevant. Par la suite, surtout pendant les années de l’Empire et de la Restauration, la signification sociale de la position des romantiques – leur antibourgeoisisme – est devenue de plus en plus claire. Selon F. Engels, « les institutions sociales et politiques établies par la victoire de la raison se sont révélées être une caricature maléfique et amèrement décevante des brillantes promesses des Lumières » (Marx K. et Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, p.387).
Dans les œuvres des romantiques, le renouveau de la personnalité, l'affirmation de sa force spirituelle et de sa beauté se conjuguent avec la révélation du royaume des philistins ; le pleinement humain et créatif contraste avec le médiocre, l'insignifiant, embourbé dans la vanité, la vanité et les calculs mesquins. À l'époque de Hoffmann et J. Byron, V. Hugo et George Sand, G. Heine et R. Schumann, la critique sociale du monde bourgeois était devenue l'un des principaux éléments du romantisme. À la recherche de sources de renouveau spirituel, les romantiques idéalisaient souvent le passé et tentaient d'insuffler une nouvelle vie aux mythes religieux. C'est ainsi qu'est née une contradiction entre l'orientation générale progressiste du romantisme et les tendances conservatrices qui ont surgi dans son sillage. Ces tendances n'ont pas joué un rôle notable dans le travail des musiciens romantiques ; ils se manifestaient principalement dans les motifs littéraires et poétiques de certaines œuvres, mais dans l'interprétation musicale de ces motifs, le principe vivant et réel de l'homme l'emportait généralement.
Le romantisme musical, qui s'est manifesté de manière significative dans la deuxième décennie du XIXe siècle, était un phénomène historiquement nouveau et révélait en même temps des liens profonds et continus avec les classiques de la musique. Création compositeurs exceptionnels de l'époque précédente (comprenant non seulement les classiques viennois, mais aussi la musique des XVIe et XVIIe siècles) a servi de support au développement d'un rang artistique élevé. C'est ce genre d'art qui devint le modèle des romantiques ; selon Schumann, « seule cette source pure peut nourrir les forces de l'art nouveau » (« De la musique et des musiciens », vol. 1, M., 1975, p. 140). Et cela est compréhensible : seuls les nobles et les parfaits peuvent être opposés avec succès aux bavardages musicaux du salon profane, à la virtuosité spectaculaire de la scène et de l'opéra et au traditionalisme indifférent des musiciens artisans.
Les classiques musicaux de l'ère post-Bach ont servi de base au romantisme musical et en relation avec son contenu. À partir de C. F. E. Bach, l'élément sentimental se manifeste de plus en plus librement, la musique maîtrise de nouveaux moyens qui permettent d'exprimer à la fois la force et la subtilité de la vie émotionnelle, le lyrisme dans sa version individuelle. Ces aspirations rapprochent de nombreux musiciens dans la 2e moitié du XVIIIe siècle. avec le mouvement littéraire Sturm und Drang. L’attitude d’Hoffmann envers K.V. Gluck, W.A. Mozart et surtout L. Beethoven en tant qu’artistes de type romantique était tout à fait naturelle. De telles évaluations reflétaient non seulement le biais de la perception romantique, mais aussi l'attention portée aux caractéristiques du « pré-romantisme » réellement inhérentes à compositeurs majeurs 2e moitié du XVIIIe - début du XIXe siècle.
Le romantisme musical a été historiquement préparé par le mouvement qui l'a précédé romantisme littéraire en Allemagne parmi les romantiques de « Jena » et de « Heidelberg » (W. G. Wackenroder, Novalis, les frères F. et A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, etc.), parmi un écrivain proche à eux, Jean Paul, plus tard avec Hoffmann, en Grande-Bretagne avec les poètes de ce qu'on appelle. L’« école du lac » (W. Wordsworth, S. T. Coleridge, etc.) s’est déjà pleinement développée principes généraux romantisme, qui ont ensuite été interprétés et développés en musique à leur manière. Par la suite, le romantisme musical a été considérablement influencé par des écrivains tels que Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz et d'autres.
Les domaines de créativité les plus importants des musiciens romantiques comprennent les paroles, la fantaisie, l'originalité folklorique et nationale, le naturel et la caractéristique.
L'importance primordiale des paroles dans la littérature romantique. l’art, notamment la musique, s’en basait fondamentalement. théoriciens R. Pour eux, « romantique » est avant tout « musical » (dans la hiérarchie de l'art, la musique a reçu la place la plus honorable), car dans la musique le sentiment règne en maître, et donc l'œuvre d'un artiste romantique trouve sa place. objectif le plus élevé. La musique, ce sont donc des paroles. Dans l'aspect abstrait-philosophique, selon la théorie de la littérature. R., permet à une personne de fusionner avec « l'âme du monde », avec « l'univers » ; Dans l’aspect de la vie concrète, la musique est par nature l’antipode du prosaïque. en réalité, elle est la voix du cœur, capable de raconter avec la plus grande intégralité une personne, sa richesse spirituelle, sa vie et ses aspirations. C'est pourquoi dans le domaine de la musique lyrique. R. a le mot le plus brillant. Le lyrisme, la spontanéité, l'expression et l'individualisation du lyrisme réalisés par les musiciens romantiques étaient nouveaux. déclarations, transmission de données psychologiques le développement d'un sentiment plein de nouveaux détails précieux à toutes ses étapes.
La fiction comme contraste avec la prose. la réalité s’apparente aux paroles et est souvent liée à ces dernières, notamment en musique. La fiction elle-même révèle différents visages, tout aussi essentiel pour R. Il agit à la fois comme liberté d'imagination, libre jeu des pensées et des sentiments. comme liberté de connaissance, se précipitant hardiment dans le monde de « l’étrange », du merveilleux, de l’inconnu, comme au mépris du sens pratique philistin, du misérable « bon sens ». La fantaisie est aussi un type de beauté romantique. En même temps, la science-fiction permet, sous une forme indirecte (et donc avec un maximum de généralité artistique), de faire entrer en collision le beau et le laid, le bien et le mal. Dans les arts. R. a grandement contribué au développement de ce conflit.
L'intérêt des romantiques pour la vie « à l'extérieur » est inextricablement lié au concept général de concepts tels que les caractéristiques folkloriques et nationales originales, naturelles. C'était un désir de recréer l'authenticité, la primauté et l'intégrité perdues dans la réalité environnante ; d’où l’intérêt pour l’histoire, le folklore, le culte de la nature, interprétée comme nature primordiale, comme l’incarnation la plus complète et la plus intacte de « l’âme du monde ». Pour un romantique, la nature est un refuge contre les troubles de la civilisation ; elle console et guérit une personne agitée. Les romantiques ont apporté une énorme contribution au savoir et aux arts. renaissance des gens poésie et musique des époques passées, ainsi que des pays « lointains ». Selon T. Mann, R. est « une nostalgie du passé et en même temps une reconnaissance réaliste du droit à l'originalité pour tout ce qui a réellement existé avec sa propre saveur locale et sa propre atmosphère » (Œuvres collectives, vol. . 10 , M., 1961, p. 322), En Grande-Bretagne, cela a commencé au XVIIIe siècle. rassemblement national le folklore s'est poursuivi au 19e siècle. W.Scott ; En Allemagne, ce sont les romantiques qui ont été les premiers à collectionner et à rendre publics les trésors du peuple. créativité de son pays (le recueil de L. Arnim et C. Brentano « Le cor magique du garçon », « Contes d'enfants et de famille » des frères Grimm), qui était d'une grande importance pour la musique. Le désir de la transmission fidèle du national-national. arts le style (« couleur locale ») est une caractéristique commune aux musiciens romantiques de différents pays et écoles. On peut en dire autant de la musique. paysage. Créé dans ce domaine par des compositeurs du XVIIIe - début. 19ème siècles largement dépassé par les romantiques. En musique dans l'incarnation de la nature, R. a atteint un caractère concret figuratif jusqu'alors inconnu ; Cela était dû aux expressions nouvellement découvertes. moyens de musique, principalement harmonique et orchestrale (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).
« Caractéristique » a attiré les romantiques dans certains cas comme distinctifs, intégraux, originaux, dans d'autres - comme étranges, excentriques, caricaturaux. Remarquer la caractéristique, l'exposer, signifie briser le voile gris nivelant de la perception ordinaire et toucher la vie réelle, bizarrement colorée et bouillonnante. Dans la poursuite de cet objectif, un art littéraire typique des romantiques s’est développé. et de la musique portrait. Un tel art était souvent associé à la critique de l’artiste et conduisait à la création de portraits parodiques et grotesques. De Jean Paul et Hoffmann, le penchant pour les portraits caractéristiques s'est transmis à Schumann et Wagner. En Russie, non sans l'influence du romantisme. traditions musicales Le portrait s'est développé parmi les compositeurs nationaux. réaliste. écoles - de A. S. Dargomyzhsky à M. P. Mussorgsky et N. A. Rimsky-Korsakov.
R. a développé des éléments de dialectique dans l'interprétation et la réflexion du monde, et à cet égard il était proche de son allemand contemporain. classique philosophie. L'art renforce la compréhension de la relation entre l'individu et le général. Selon F. Schlegel, romantique. la poésie est « universelle », elle « contient tout ce qui est poétique, depuis le plus grand système des arts, qui comprend lui aussi des systèmes entiers, jusqu'au soupir, au baiser, tels qu'ils s'expriment dans le chant naïf d'un enfant » (« Fr. Schlegels Jugendschriften», hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Variété infinie avec intérieur caché. l’unité est ce que les romantiques apprécient, par exemple. dans Don Quichotte de Cervantès ; F. Schlegel appelle le tissu hétéroclite de ce roman « la musique de la vie » (ibid., p. 316). Il s'agit d'un roman aux « horizons ouverts », note A. Schlegel ; selon son observation, Cervantes recourt à des « variations infinies », « comme s'il était un musicien sophistiqué » (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Tellement artistique. Ce poste suscite une attention particulière tant au sein du département. impressions, et à leurs connexions, à la création d'un concept commun. Directement en musique. l'effusion du sentiment devient philosophique, paysage, danse, scène de genre, portrait s'imprègnent de lyrisme et conduisent à des généralisations. R. montre un intérêt particulier pour le processus de la vie, pour ce que N. Ya Berkovsky appelle « le flux direct de la vie » (« Le romantisme en Allemagne », Leningrad, 1973, p. 31) ; cela s'applique également à la musique. Pour les musiciens romantiques, il est typique de s'efforcer de transformer sans fin la pensée originale, de développer un développement « sans fin ».
Puisque R. voyait dans toutes les revendications un seul sens et un seul chapitre. le but est de fusionner avec l'essence mystérieuse de la vie, l'idée de synthèse de l'art a acquis un nouveau sens. « L’esthétique d’un art est l’esthétique d’un autre ; seul le matériau est différent », note Schumann (« De la musique et des musiciens », vol. 1, M., 1975, p. 87). Mais la combinaison de « différents matériaux » augmente la puissance impressionnante de l’ensemble artistique. Dans la fusion profonde et organique de la musique avec la poésie, avec le théâtre, avec la peinture, de nouvelles opportunités se sont ouvertes à l'art. Dans le domaine des outils musique, le principe de programmaticité acquiert un rôle important, c'est-à-dire l'inclusion à la fois dans le projet du compositeur et dans le processus de perception de la musique. et d'autres associations.
R. est particulièrement largement représenté dans la musique d'Allemagne et d'Autriche. À un stade précoce - les travaux de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner ; puis l'école de Leipzig, principalement F. Mendelssohn-Bartholdy et R. Schumann ; en 2ème mi-temps. 19ème siècle - R. Wagner, J. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. En France, R. apparaît déjà dans les opéras de A. Boildieu et de F. Aubert, puis sous une forme beaucoup plus développée et originale chez Berlioz. En Italie, c'est romantique. les tendances se reflétaient sensiblement chez G. Rossini et G. Verdi. paneuropéen La créativité des ordinateurs polonais a gagné en importance. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, italien. - N. Paganini (les œuvres de Liszt et Paganini ont également montré le summum de l'interprétation romantique), allemand. - J. Meyerbeer.
Dans les conditions nationales Les écoles de R. conservaient beaucoup de points communs et montraient en même temps une originalité notable dans les idées, les intrigues, les genres préférés ainsi que dans le style.
Dans les années 30 des créatures ont été découvertes. désaccords entre lui. et français écoles. Il existe différentes idées sur la mesure stylistique acceptable. innovation; La question de l'admissibilité de l'esthétique était également controversée. les compromis de l’artiste pour plaire aux goûts de la « foule ». L'antagoniste de l'innovation de Berlioz était Mendelssohn, qui défendait fermement les normes du style modéré « classique-romantique ». Schumann, qui défendait avec ardeur Berlioz et Liszt, n'acceptait toujours pas ce qui lui semblait les extrêmes des Français. écoles; Il préférait Chopin, beaucoup plus équilibré, à l'auteur de la « Symphonie fantastique » ; il évaluait Mendelssohn et ses proches compositeurs A. Henselt, S. Heller, W. Taubert, W. S. Bennett et d'autres avec une critique extraordinaire de Meyerbeer. acuité, ne voyant dans sa théâtralité spectaculaire que la démagogie et la poursuite du succès. Heine et Berlioz apprécient au contraire le dynamisme de l'auteur des Huguenots. musique dramaturgie. Wagner développe la critique. Les motivations de Schumann, cependant, dans son œuvre, s'éloignent largement des normes du romantisme modéré. style; adhérant (contrairement à Meyerbeer) à des critères esthétiques stricts. sélection, il suit la voie de réformes audacieuses. Tout R. 19ème siècle en opposition à l'école de Leipzig, la soi-disant. Nouvelle école allemande ou de Weimar ; Liszt en devint le centre pendant ses années de Weimar (1849-61) ; parmi ses adeptes figuraient R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff et d'autres. Les « Weimariens » étaient des partisans de la musique à programme, des muses. des drames de type wagnérien et d'autres types de musique nouvelle radicalement réformés. procès Depuis 1859, les idées de la nouvelle école allemande étaient représentées par le « General German Verein » et la revue créée en 1834 par Schumann. « Neue Zeitschrift für Musik », la Crimée était dirigée par K. F. Brendel à partir de 1844. Dans le camp opposé, à côté du critique E. Hanslick, du violoniste et compositeur J. Joachim et d'autres, il y avait J. Brahms ; ce dernier ne recherchait pas la polémique et ne défendait ses principes que dans son œuvre (en 1860, Brahms apposa pour la seule fois sa signature sous un article polémique - une déclaration collective contre certaines idées des « Weimarites », publiée dans le magazine berlinois « Écho"). Ce que les critiques avaient tendance à considérer comme du conservatisme dans l’œuvre de Brahms était en fait un art vivant et original, où le romantique. la tradition se renouvelle, subissant une nouvelle influence puissante du classique. musique du passé. Les perspectives de cette voie ont été montrées par le développement de l’Europe. musique ensuite décennies (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneyev, etc.). Les idées des « Weimariens » se sont révélées tout aussi prometteuses. Par la suite, les conflits entre les deux écoles deviennent historiquement obsolètes.
Depuis, il y a eu une recherche réussie du national dans le lit de la rivière. authenticité, sociale et psychologique. vérité, les idéaux de ce mouvement étaient étroitement liés à l’idéologie du réalisme. Ce type de lien est évident, par exemple, dans les opéras de Verdi et de Bizet. Le même complexe est typique pour un certain nombre de nationalités. musique écoles du 19ème siècle En russe Musique romantique les éléments sont déjà clairement représentés chez M.I. Glinka et A.S. Dargomyzhsky, en 2ème mi-temps. 19ème siècle - des compositeurs de "The Mighty Handful" et de P. I. Tchaïkovski, plus tard de S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Les jeunes muses se sont développées sous la forte influence de R. cultures de Pologne, République tchèque, Hongrie, Norvège, Danemark, Finlande (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I . Sibelius et autres), ainsi que l'espagnol. musique 2ème mi-temps 19 - début 20e siècles (I. Albéniz, E. Granados, M. de Falla).
Musique R. a activement contribué au développement des paroles vocales de chambre et de l'opéra. Conformément aux idéaux de R. dans la réforme du wok. musique ch. l’approfondissement de la synthèse de l’art joue un rôle. Wok. la mélodie répond avec sensibilité à l'expressivité de la poétique. les mots deviennent plus détaillés et individuels. Instr. la fête perd son caractère d’« accompagnement » neutre et est de plus en plus saturée de contenu figuratif. Dans les œuvres de Schubert, Schumann, Franz, Wolf, on peut tracer le chemin d'une chanson basée sur l'intrigue à la « musique ». poème." Parmi les woks. genres, le rôle de la ballade, du monologue, de la scène, du poème augmente ; chansons au pluriel les cas sont regroupés en cycles. En romantique opéra, qui s'est développé dans divers directions, le lien entre la musique, les paroles et le théâtre se renforce progressivement. Actions. Cet objectif est servi par : un système de musique. caractéristiques et leitmotivs, développement des intonations de la parole, fusion de la logique de la musique. et scène développement, utilisation de riches opportunités symphonie. orchestre (les partitions de Wagner appartiennent aux plus hautes réalisations de l'opéra symphoniste).
Dans l'instruction. En musique, les compositeurs romantiques sont particulièrement enclins au php. miniature. Une courte pièce de théâtre devient une fixation souhaitée d'un moment pour un artiste romantique : une esquisse rapide d'une ambiance, d'un paysage, d'une image caractéristique. Il est valorisé et respecté. la simplicité, la proximité avec les sources vitales de la musique - le chant, la danse, la capacité de capturer une saveur fraîche et originale. Variétés populaires de romantique. pièces courtes : « chanson sans paroles », nocturne, prélude, valse, mazurka, ainsi que des pièces avec titres de programme. Dans l'instruction. la miniature atteint un contenu élevé et des images en relief ; tandis que la forme est compressée, elle se distingue par son expression lumineuse. Comme dans un wok. paroles, il y a ici une tendance à combiner les départements. pièces en cycles (Chopin - Préludes, Schumann - "Scènes d'enfants", Liszt - "Années d'errances", etc.) ; dans certains cas, il s'agit de cycles d'une structure « de bout en bout », où entre les cycles individuels, ils sont relativement indépendants. différentes pièces se présentent. genre d'intonation connexions (Schumann - « Papillons », « Carnaval », « Kreisleriana »). De tels cycles « de bout en bout » donnent déjà une idée des grandes tendances du romantisme. interprétations d'instruments majeurs formes. D'une part, il met l'accent sur le contraste et la diversité des départements. les épisodes, en revanche, l’unité de l’ensemble est renforcée. Sous le signe de ces tendances, une nouvelle créativité se donne. interprétation du classique sonates et cycles de sonates; les mêmes aspirations déterminent la logique des formes « libres » en un seul mouvement, qui combinent généralement les caractéristiques d'un allegro de sonate, d'un cycle de sonate et d'une variation. Les formes « gratuites » étaient particulièrement pratiques pour la musique à programme. Dans leur développement, dans la stabilisation du genre de la « symphonie » en un seul mouvement. poème", un grand mérite revient à Liszt. Le principe constructif qui sous-tend les poèmes de Liszt - la libre transformation d'un thème (monothématicisme) - crée une expression. contrastes et assure en même temps une unité maximale de l'ensemble de la composition («Préludes», «Tasso», etc.).
Dans le style de la musique. R. les moyens modaux et harmoniques acquièrent le rôle le plus important. La recherche d'une nouvelle expressivité est associée à deux processus parallèles et souvent interconnectés : au renforcement de la dynamique fonctionnelle. côtés d'harmonies et avec mode-harmonique accru. couleur. Le premier de ces processus est la saturation croissante des accords avec des altérations et des dissonances, ce qui a exacerbé leur instabilité et leur tension accrue, qui ont nécessité une résolution harmonieuse à l'avenir. mouvement. De telles propriétés d'harmonie la meilleure façon Ils exprimaient la « langueur » typique de R., un flux de sentiments se développant « sans fin », qui s'incarnait avec une intégralité particulière dans le « Tristan » de Wagner. Des effets colorés étaient déjà évidents dans l’utilisation des capacités du système de modes majeur-mineur (Schubert). De nouvelles palettes de couleurs très diversifiées. les nuances ont été extraites de ce qu'on appelle. modes naturels, à l'aide desquels la langue vernaculaire a été mise en valeur. ou archaïque la nature de la musique ; Un rôle important - en particulier dans la science-fiction - a été attribué aux modes avec des gammes de tons entiers et « tons-demi-tons ». Les propriétés colorées se sont également révélées dans des accords dissonants et chromatiquement compliqués, et c'est à ce moment-là que les processus mentionnés ci-dessus sont clairement entrés en contact. De nouveaux effets sonores ont également été obtenus grâce à dif. comparaisons d'accords ou de modes au sein du diatonique. échelle.
En romantique Les chapitres suivants étaient en vigueur dans la mélodie. tendances : dans la structure - le désir d'ampleur et de continuité du développement, en partie pour « l'ouverture » de la forme ; en rythme - surmonter les traditions. métrique de régularité accents et tout automatique répétition; en intonation composition - détaillant, remplissant d'expressivité non seulement les motifs initiaux, mais aussi l'ensemble de la mélodique. dessin. L'idéal de la « mélodie sans fin » de Wagner incluait toutes ces tendances. L'art des plus grands mélodistes du XIXe siècle y est également lié. Chopin et Tchaïkovski. Musique R. a grandement enrichi et individualisé les moyens de présentation (texture), ce qui en fait l'un des éléments les plus importants de la musique. imagerie. Il en va de même pour l’utilisation des outils. compositions, notamment symphoniques. orchestre. R. a développé le colorisme. moyens de l'orchestre et dramaturgie de l'orchestre. développement à une hauteur inconnue de la musique des époques précédentes.
Musique tardive R. (fin du XIXe - début du XXe siècle) donnait encore des « pousses riches » et ses plus grands successeurs avaient une attitude romantique. la tradition exprimait encore les idées progressistes et humanistes. art (G. Mahler, R. Strauss, C. Debussy, A. N. Scriabine).
La nouvelle créativité est associée au renforcement et à la transformation qualitative des tendances de R.. réalisations en musique. Une imagerie nouvellement détaillée est cultivée - à la fois dans le domaine des impressions extérieures (couleurs impressionnistes) et dans le transfert extrêmement subtil des sentiments (Debussy, Ravel, Scriabine). Les possibilités de la musique s'élargissent. figurativité (R. Strauss). Le raffinement, d'une part, et l'expressivité accrue, d'autre part, créent une échelle plus large d'expressivité émotionnelle de la musique (Scriabin, Mahler). Parallèlement, à la fin de R., étroitement liée aux nouvelles tendances du tournant des XIXe et XXe siècles. (impressionnisme, expressionnisme), les symptômes de crise se sont accrus. Au début. 20ième siècle L'évolution de R. révèle une hypertrophie du principe subjectif, une dégénérescence progressive de la sophistication vers l'amorphisme et l'immobilité. La musique a été une réaction polémiquement vive à ces phénomènes de crise. anti-romantisme des années 10-20. (I. F. Stravinsky, le jeune S. S. Prokofiev, compositeurs des « Six » français, etc.) ; feu R. s'opposait au désir d'objectivité du contenu et de clarté de la forme ; une nouvelle vague de « classicisme » surgit, le culte des maîtres anciens, ch. arr. ère pré-Beethoven. Milieu du 20e siècle a cependant montré la viabilité des traditions les plus précieuses de R. Malgré les tendances destructrices croissantes de la musique occidentale, R. a conservé sa base spirituelle et s'est enrichie de nouveaux styles. éléments, a été développé par beaucoup. compositeurs marquants du XXe siècle. (D.D. Chostakovitch, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok, etc.).
Littérature: Asmus V., Esthétique musicale du romantisme philosophique, « SM », 1934, n° 1 ; Nef K., Histoire de la musique d'Europe occidentale, traduction du français. B.V. Asafieva, M., 1938 ; Sollertinsky I., Le romantisme, son esthétique générale et musicale, dans son livre : Etudes historiques, L., 1956, vol. 1, 1963 ; Jitomirsky D., Notes sur le romantisme musical (Chopin et Schumann), « SM », 1960, n° 2 ; le sien, Schumann et le romantisme, dans son livre : Robert Schumann, M., 1964 ; Vasina-Grossman V., Chanson romantique du XIXe siècle, M., 1966 ; Konen V., Histoire des musiques étrangères, vol. 3, M., 1972 ; Mazel L., Problèmes d'harmonie classique, M., 1972 (chapitre 9 - Sur l'évolution historique de l'harmonie classique au XIXe siècle et au début du XXe siècle) ; Skrebkov S., Principes artistiques styles musicaux, M., 1973 ; L'esthétique musicale de la France au XIXe siècle. Comp. textes, introduction. article et introduction essais de E. F. Bronfin, M., 1974 (Monuments musical et esthétique pensées); Musique d'Autriche et d'Allemagne du XIXe siècle, livre. 1, M., 1975 ; Druskin M., Histoire des musiques étrangères, vol. 4, M., 1976.
D. V. Jitomirski
Un mouvement idéologique et artistique qui s'est développé dans tous les pays d'Europe et du Nord. L'Amérique en escroquerie. 18 - 1er étage. 19ème siècles R. a exprimé le mécontentement de la société bourgeoise. changements, s'opposant au classicisme et aux Lumières. F. Engels a noté que « ... les institutions sociales et politiques établies par la « victoire de la raison » se sont révélées être une caricature maléfique et amèrement décevante des brillantes promesses des Lumières. » La critique du nouveau mode de vie, apparue dans le sillage des Lumières parmi les sentimentaux, se manifesta encore plus chez les romantiques. Le monde leur semblait manifestement déraisonnable, plein de gens mystérieux, incompréhensibles et hostiles. personnalité. Pour les romantiques, les aspirations élevées étaient incompatibles avec le monde qui les entourait, et la discorde avec la réalité s'est avérée presque la plus grande. caractéristique de R. Bassesse et vulgarité monde réel R. opposait la religion, la nature, l'histoire, la fantaisie. et exotique sphères, adv. la créativité, mais surtout la vie intérieure d'une personne. Les idées de R. à son sujet étaient extrêmement enrichies. Si l'idéal du classicisme était l'Antiquité, alors R. était guidé par l'art du Moyen Âge et des temps modernes, considérant A. Dante, W. Shakespeare et J. V. Goethe comme ses prédécesseurs. R. affirmait l'art, non prévu par des modèles, mais créé par le libre arbitre de l'artiste, incarnant son monde intérieur. N'acceptant pas la réalité environnante, R. l'a en fait comprise plus profondément et plus pleinement que le classicisme. La musique, en tant qu'incarnation de l'élément libre de la vie, est devenue pour R. l'art le plus élevé. Elle a connu un énorme succès à cette époque. R. fut également une période de développement inhabituellement rapide et significatif du ballet. Les premiers pas sont romantiques. des ballets ont été réalisés en Angleterre, en Italie, en Russie (C. Didelot, A. P. Glushkovsky, etc.). Cependant, R. s'est formé de manière plus complète et cohérente en français. théâtre de ballet dont l'influence se fait sentir dans d'autres pays. L'une des conditions préalables à cela était le fort développement de la technologie classique en France à cette époque. danse, surtout féminine. Très clairement romantique. des tendances apparaissent dans les ballets de F. Taglioni (La Sylphide, 1832, etc.), où l'action se déroule généralement en parallèle dans le monde réel et fantastique. La science-fiction a libéré la danse du besoin de justifications privées quotidiennes, a ouvert la voie à l'utilisation de la technologie accumulée et à son développement ultérieur afin de révéler dans la danse les propriétés essentielles des personnages représentés. Dans la danse féminine, qui a pris la première place dans le ballet de R., le saut a été de plus en plus introduit, la danse sur pointes, etc. est apparue, ce qui correspondait parfaitement à l'apparition de créatures surnaturelles - jeeps, sylphes. La danse dominait le ballet de R. De nouvelles formes de composition classiques sont apparues. Danse, le rôle de la danse féminine à l'unisson du corps de ballet s'est fortement accru. Développement de danses d'ensemble, de duo et de solo. Le rôle de la ballerine principale s'est accru, à commencer par M. Taglioni. La tunique apparaissait comme le costume permanent du danseur. Le rôle de la musique s'est accru, auparavant souvent celui d'une équipe nationale. La danse symphonique a commencé. Actions. Le summum du romantisme ballet - "Giselle" (1841), mis en scène J. Coralli et J. Perrault. L'œuvre de Perrault marque une nouvelle étape dans le ballet R. La représentation s'appuie désormais fortement sur la lumière. la source originale ("Esmeralda" selon Hugo, "Corsair" selon Byron, etc.), et par conséquent, la danse était plus dramatisée, le rôle des compositions efficaces (pas d'action) augmentait et la danse était plus largement utilisée. folklore. Similaire les aspirations se sont manifestées dans le travail des dates les plus marquantes. balletm. Août. Bournonville. Les danseurs F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Gran, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya se sont manifestés.
Type romantique la performance, qui s'est développée dans les ballets de Taglioni, Perrot, Bournonville, a continué d'exister jusqu'au bout. 19ème siècle Cependant, la structure interne de ces représentations réside avant tout dans le travail des ballets. M.I. Petipa, transformé.
Le désir d'un renouveau romantique. le ballet sous sa forme originale est apparu dans le travail de certains chorégraphes du XXe siècle. M. M. Fokin a donné à R. de nouvelles caractéristiques de l'impressionnisme au ballet.
Ballet. Encyclopédie, SE, 1981
À l’époque du romantisme, la musique occupait une place primordiale dans le système artistique. Cela s'explique par sa spécificité, qui permet de refléter au mieux les expériences émotionnelles en utilisant tout l'arsenal de moyens d'expression.
Le romantisme en musique apparaît au XIXe siècle dans les œuvres de F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Un peu plus tard, ce style se reflète dans les œuvres de F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi et d'autres compositeurs.
Le romantisme est né en Europe au début du XIXe siècle. C'est devenu une sorte d'opposition au classicisme. Le romantisme permettait à l'auditeur de pénétrer dans le monde magique des légendes, des chansons et des contes. Le principe directeur de cette direction est l'opposition (rêves et vie quotidienne, monde idéal et vie quotidienne), créée par l'imagination créatrice du compositeur. Ce style était populaire auprès Des gens créatifs jusqu'aux années quarante du 19ème siècle.
Le romantisme en musique reflète les problèmes de l'homme moderne, son conflit avec monde extérieur et sa solitude. Ces thèmes deviennent centraux dans le travail des compositeurs. Étant douée et différente des autres, une personne ressent constamment une incompréhension de la part des autres. Son talent devient la raison de sa solitude. C'est pourquoi les héros préférés des compositeurs romantiques sont les poètes, les musiciens et les artistes (R. Schumann « L'amour d'un poète » ; Berlioz - le sous-titre « Un épisode de la vie d'un artiste » pour la « Symphonie fantastique », etc. ).
Transmettant le monde des expériences intérieures d’une personne, le romantisme en musique a souvent une teinte d’autobiographie, de sincérité et de lyrisme. Les thèmes de l'amour et de la passion sont largement utilisés. Par exemple, compositeur célèbre R. Schumann a dédié plusieurs de ses pièces pour piano à sa bien-aimée Clara Wieck.
Le thème de la nature est également assez courant dans les œuvres des romantiques. Souvent, les compositeurs l’opposent à l’état d’esprit d’une personne, le colorant de nuances de disharmonie.
Le thème de la fantaisie est devenu une véritable découverte pour les romantiques. Ils travaillent activement à la création de personnages de contes de fées et de fantaisie et transmettent leurs images à travers divers éléments du langage musical (La Flûte enchantée de Mozart - Reine de la nuit).
Souvent, le romantisme musical se tourne également vers l’art populaire. Les compositeurs utilisent dans leurs œuvres une variété d'éléments folkloriques (rythmes, intonations, modes anciens) tirés de chansons et de ballades. Cela permet d'enrichir considérablement le contenu des morceaux musicaux.
L'utilisation de nouvelles images et de nouveaux thèmes a nécessité la recherche de formes appropriées. Ainsi, dans les œuvres romantiques, apparaissent des intonations de parole, des modes naturels, des contrastes de différentes tonalités et des parties solos (voix).
Le romantisme en musique incarnait l'idée d'une synthèse des arts. Un exemple en est les œuvres programmatiques de Schumann, Berlioz, Liszt et d'autres compositeurs (la symphonie « Harold en Italie », le poème « Préludes », le cycle « Années d'errance », etc.).
Le romantisme russe s'est vivement reflété dans les œuvres de M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodine, Ts. Balakirev, P. Tchaïkovski et d'autres.
Dans ses œuvres, A. Dargomyzhsky exprime les multiples facettes images psychologiques(« Sirène », romans). Dans l'opéra « Ivan Susanin », M. Glinka peint des tableaux de la vie des Russes ordinaires. Les œuvres des compositeurs du célèbre « Mighty Handful » sont à juste titre considérées comme le summum. Ils ont utilisé des moyens d'expression et les intonations caractéristiques inhérentes aux chansons folkloriques russes, à la musique de tous les jours, discours familier.
Par la suite, A. Scriabine (prélude « Rêves », poème « À la flamme ») et S. Rachmaninov (études-images, opéra « Aleko », cantate « Printemps ») se sont également tournés vers ce style.
Essai Par discipline académique"Culturologie"
sur le thème : "Le romantisme en musique".
Plan
1. Introduction.
2. Caractéristiques caractéristiques de l'ère du romantisme en musique.
3. Géographie de la musique romantique.
5. Conclusion.
6. Liste des références.
1. Introduction.
Romantisme - nouveau mouvement artistique XIXème siècle. Il a remplacé le classicisme et ses signes ont commencé à apparaître dès la fin du XVIIIe siècle. Le berceau du romantisme est l’Allemagne, mais il s’est rapidement répandu et a pénétré dans d’autres pays européens, ainsi qu’en Russie et en Amérique. Le terme « romantisme » lui-même est apparu pour la première fois dans la littérature, grâce aux travaux de l'écrivain allemand Novalis (1772 - 1801). Il a été introduit dans la musique par E.T. A. Hoffmann (1776 - 1882). Le romantisme s'est développé dans la lutte et en même temps en étroite interaction avec ses prédécesseurs - le classicisme et le sentimentalisme. C'est au plus profond de ces mouvements littéraires qu'elle est née. Les écrivains classiques étaient convaincus que seuls ceux qui le comprennent clairement, qui sont capables de maîtriser leurs passions - intérêts et aspirations personnels, peuvent remplir leur devoir civique. Mais cela, pensaient-ils, était le lot de quelques personnes « nobles », principalement des nobles. Ils devaient être prêts à servir leur patrie de manière altruiste et sacrificielle. Le devoir civique, à leur avis, consiste avant tout en un noble honneur et une vertu.
Les romantiques cherchaient à romantiser tout ce qui les entourait, tous les phénomènes de la vie. Ils ont adopté certains principes de l'ère précédente du classicisme, mais l'essence même du romantisme est une protestation contre les principes des Lumières, une déception à leur égard. Les représentants du romantisme ne pouvaient accepter le culte de la raison, du rationalisme, de la logique et de l'aspect pratique. Pour eux, l'âme et l'individualité d'une personne, ses sentiments étaient importants.
L'originalité du romantisme réside aussi dans le fait qu'ils ne cherchaient pas à une division claire de l'art en types et en genres. Ils ont été impressionnés par l’idée d’une synthèse des arts et l’ont mise en œuvre avec succès. Le romantisme appartient à l’une des époques culturelles les plus intéressantes et les plus fécondes.
2. Caractéristiques caractéristiques de l'ère du romantisme en musique.
Le romantisme a régné dans la culture musicale pendant plus de cent ans (1800 - 1910). C'est dans cet art qu'il s'est avéré être un foie long, alors qu'en littérature et en peinture, il n'a pu durer que cinquante ans. Cela ne peut pas être qualifié d’accident. Dans la compréhension des romantiques, la musique est l’art le plus spirituel et celui qui possède la plus grande liberté. L’une des caractéristiques les plus importantes de la musique de l’époque romantique est sa synthèse avec d’autres formes d’art. De plus, les romantiques n’étaient pas partisans d’une division stricte et claire des genres.
Les catégories esthétiques étaient également mélangées. La tragédie coexistait facilement avec la comédie ; le laid avec le beau ; le banal avec le sublime. De tels contrastes ne semblaient ni peu convaincants ni artificiels. Le dispositif artistique le plus important - l'ironie romantique - a permis de relier l'incompatible. Grâce à elle, une image particulière du monde a émergé, inhérente au romantisme.
Malgré la tendance au mélange des genres, nombre d'entre eux ont bien sûr eu droit à une existence indépendante et ont réussi à se développer de manière significative au cours de cette période ; Des genres spécifiques ont également émergé. Tout d'abord, il s'agit du genre du poème musical et de la ballade romantique (le représentant le plus brillant est F. Schubert) ; Chansons; miniatures pour piano.
Une mention spéciale doit être faite à la miniature du piano. Il s'agissait de transmettre une image qui impressionnait l'auteur ou son humeur. Une miniature pour piano pourrait avoir une spécification de genre : valse, chanson, chanson sans paroles, mazurka, nocturne. Les compositeurs se tournaient souvent vers la musique à programme et combinaient leurs œuvres en cycles.
Le célèbre cycle pour piano de R. Schumann « Carnaval » est caractéristique de l'ère du romantisme, reflétant le caractère libre de l'esthétique du romantisme. "Carnival" contient vingt et un numéros. Ce sont des croquis qui se remplacent, différant les uns des autres par leur humeur, leurs images, leurs portraits, mais beaucoup d'entre eux sont unis par une seule intrigue. Le compositeur peint une fête imaginaire à laquelle sont conviés des invités masqués. Parmi eux se trouvent les personnages habituels du carnaval - le timide Pierrot, l'espiègle Arlequin, Columbine et Pantalone qui se grognent (tout cela est superbement transmis par des moyens musicaux).
« Carnaval » regorge d'un concept très original. Le compositeur lui-même a appelé son cycle « scènes miniatures sur 4 notes », puisque toute la mélodie est construite sur elles. Le compositeur a pris quatre notes dans diverses séquences et combinaisons et, par conséquent, elles ont formé un semblant de thème sous-jacent à chaque morceau.
Du point de vue de la composition, Carnival démontre le plus haut degré de compétence en composition. Toutes les chansons du cycle se distinguent par une finition parfaite, un éclat et une virtuosité. En général, l'ensemble du cycle est un exemple de combinaison harmonieuse et d'intégrité.
Si nous parlons plus en détail de la musique à programme, nous pouvons ici souligner une caractéristique telle que le lien avec d'autres genres : littérature, peinture. La forme de l'essai dépend de l'intrigue. À cet égard, des poèmes symphoniques, des concerts en un mouvement et des sonates naissent ; symphonies en plusieurs mouvements. Ainsi, à l’ère du romantisme, la musique de chambre vocale et la musique de chambre instrumentale se sont développées.
L'opéra est également devenu spécial durant cette période. Elle commence à se tourner vers le symphonisme ; il existe un lien étroit et justifiable entre le texte et la musique ; L’action sur scène avait pour eux une importance égale.
Les romantiques avaient des thèmes de prédilection. La majorité des intrigues étaient basées sur le thème de la solitude et de l'amour, car au centre de l'esthétique du romantisme se tenait une personne fière et solitaire, dans l'âme de laquelle faisait rage des passions fortes. Le héros romantique a toujours été opposé à la société, au monde entier. Il est donc tout à fait logique qu'à l'époque du romantisme, les auteurs se soient tournés vers des thèmes proches de l'image d'un tel héros : le thème de la mort, le thème de la route et de l'errance, le thème de la nature. Dans les œuvres romantiques, une grande place était consacrée aux éléments de fantaisie envahissant le monde matériel ennuyeux.
Les compositeurs qui ont travaillé à l’époque du romantisme avaient leur propre langage musical. Ils accordaient une grande attention à la mélodie, en mettant l'accent sur le sens du mot, expression artistique(la dernière remarque s'applique également à l'accompagnement).
L'harmonie s'est sensiblement transformée et enrichie. A travers l'harmonie, les passions, la langueur, le contraste des humeurs, la tension et le début fantastique des œuvres ont été véhiculés. Ainsi, la mélodie, la texture et l’harmonie sont d’égale importance.
Ainsi, les principales caractéristiques de la musique de l’époque romantique peuvent être qualifiées de synthèse des arts et des genres ; expressivité particulière et relation étroite entre mélodie, accompagnement et harmonie ; contraste; fantastique; une émotivité et une expression accrues.
3. Géographie de la musique romantique.
Le romantisme couvrait un territoire assez large : de l'Europe et de la Russie à l'Amérique, et partout son développement s'effectuait de manière spécifique. En Europe, l'art musical de cette période présentait dans certains pays à la fois des points communs et des différences culturelles. Par exemple, la musique autrichienne et allemande s’est développée à peu près dans la même direction. Le romantisme musical de ces pays a été influencé par la Vienne École de musique, littérature puissamment manifestée. Un langage commun les rapprochait également. Le romantisme germano-autrichien se distinguait non seulement par des œuvres avancées de divers genres, mais aussi par une illumination active. La caractéristique déterminante du romantisme allemand et autrichien est la chanson.
Le romantisme en Pologne est une combinaison de vocalité et d'instrumentalité - un trait caractéristique de la musique folklorique polonaise. Ainsi, dans les intonations de F. Chopin, des échos de genre épique Musique folklorique polonaise - Douma polonaise. Ce genre dans la période de maturité de son développement se caractérise par un lent refrain épique, souvent d'un ton triste. Et des épisodes ultérieurs d'une intensité dramatique, alternant avec le retour de la mélodie du refrain initial. Il ne fait aucun doute que ce sont les dumas slaves occidentaux qui ont servi de prototype aux ballades et œuvres similaires de Chopin. Ainsi, la base du romantisme polonais réside art folklorique.
Le romantisme italien connaît un épanouissement sans précédent art de l'opéra; Décollage du Bel Canto. Ainsi, l'opéra italien est devenu le leader dans ce sens à travers le monde. En France aussi, l'opéra acquiert l'une des significations les plus importantes. Le mérite en revient en grande partie à G. Berlioz (1803 - 1869), créateur de tels phénomène intéressant, comme un opéra-comique qui reflétait directement les spécificités nationales de ce pays.
En Russie, le romantisme s'est développé sous l'influence des idées des décembristes, des Grands Révolution française, la guerre avec Napoléon de 1812, c'est-à-dire qu'elle était associée à des événements sociaux mondiaux. Les principes de citoyenneté et de service à la patrie ont été transférés à l'art de la musique, dans lequel l'idée de conscience nationale était clairement entendue. Ainsi, le romantisme musical de tous les pays était uni par des traits communs : le désir d'une haute spiritualité, des rêves de beauté et le reflet de la sphère sensuelle de l'homme.
4. Grands compositeurs et musiciens de l'époque romantique.
Le romantisme a donné à la culture musicale de nombreux compositeurs magnifiques : F. Liszt (1811 - 1886, Hongrie), R. Schumann (1810 - 1856, Allemagne), F. Schubert (1797 - 1828, Autriche), K. Weber (1786 - 1826, Allemagne). ), R. Wagner (1813 - 1883, Allemagne), J. Bizet (1838 - 1875, France), N. Paganini (1782 - 1840, Italie), E. Grieg (1843 - 1907, Norvège), G. Verdi ( 1813 - 1901, Italie), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven ( étape finale créativité, Allemagne), etc. Caractérisons brièvement la créativité de certains d'entre eux.
Franz Liszt, comme W.A. Mozart, était un jeune virtuose et a très tôt fait parler de lui en Europe, se produisant devant le public en tant que pianiste. Son don de compositeur s’est manifesté tout aussi tôt. Par la suite, F. Liszt combine ses activités de tournée et de composition. Il a également réalisé des transcriptions de musique symphonique pour piano et peut à juste titre être considéré comme un grand pédagogue.
Les œuvres originales de F. Liszt se caractérisent par la virtuosité et la profondeur, l'expression et la frénésie. Ce sont ses célèbres œuvres cycliques : « Années d'errance », « Etudes de performance transcendantale », « Grandes études d'après les Caprices de Paganini », « Rhapsodies hongroises ». F. Liszt a apporté une énorme contribution à la vulgarisation et au développement de la culture musicale hongroise.
Franz Schubert est considéré comme le premier compositeur de l’époque romantique à figurer parmi les grands compositeurs. Sa musique est pure, joyeuse, poétique et à la fois triste, froide, désespérée. Comme c'est typique des romantiques, la musique de F. Schubert est contrastée, mais elle étonne par sa liberté et sa facilité, la beauté des mélodies.
F. Schubert a écrit un grand nombre de chansons qui sont de véritables chefs-d'œuvre. Cela est particulièrement vrai pour les œuvres écrites sur des poèmes de V.I. Goethe (« Le roi de la forêt », « Gretchen au rouet ») et bien d'autres.
Le compositeur a également travaillé dans d'autres genres : opéras, œuvres vocales de chambre et instrumentales. Et pourtant, tout d'abord, le nom de F. Schubert est associé à ses chansons et à ses différents cycles : « La belle femme de Miller », « Winter Reise », « Swan Song ».
Le compositeur français Georges Bizet est entré dans l'histoire de la culture mondiale en tant qu'auteur de l'opéra inégalé Carmen. Dès l'âge de dix ans, il entre au Conservatoire de Paris. Le jeune compositeur au début de son chemin créatif Il s'essaye à différents genres, mais l'opéra devient sa véritable passion. En plus de Carmen, il a écrit des opéras tels que The Pearl Fishers, The Beauty of Perth et Jamile. La musique qu'il a écrite pour le drame d'A. Daudet du même nom « Arlésien » se démarque également. J. Bizet est à juste titre considéré comme un compositeur exceptionnel de France.
Edvard Grieg est le compositeur le plus célèbre de Norvège, l'un des symboles de ce pays. Sa musique est un phénomène distinctif et original, démontrant l'individualité unique de la pensée créatrice de ce compositeur. Les œuvres de E. Grieg, dont le « Concerto pour piano », les romances, les « Pièces lyriques », la « Deuxième Sonate pour violon » et, bien sûr, « Peer Gynt » - la musique de la pièce de G. Ibsen - sont devenues la propriété de non seulement du norvégien, mais aussi de la musique du monde.
L'une des personnifications du romantisme est le violoniste et compositeur italien Niccolo Paganini. Les définitions les plus précises de son art sont l'éclat, l'éclat, la frénésie, la rébellion. Il a écrit des œuvres virtuoses et passionnées, qui sont encore présentes aujourd'hui dans le répertoire de violonistes célèbres. Nous parlons des premier et deuxième concertos pour violon, « 24 Capricci », « Carnaval de Venise » et « Perpetual Motion ». De plus, N. Paganini était un excellent improvisateur et réalisait des arrangements et des variations de fragments d'opéras pour violon solo. Il a inspiré de nombreuses figures de l’époque romantique.
Parlant de la musique du remarquable compositeur polonais Fryderyk Chopin (1810 - 1849), il convient tout d’abord de dire qu’il s’agit de « l’âme du peuple polonais », qui a trouvé une expression variée dans l’art de Chopin. Sa musique contient des pages de grandeur épique et d'ascension héroïque. Dans les épisodes tragiques de la musique de Chopin, on peut entendre le chagrin d'un cœur courageux. L'art de Chopin est un art profondément populaire d'un artiste patriotique, un artiste humaniste, inspiré par les idéaux progressistes de l'époque dans laquelle il a dû vivre et créer.
La carrière de Chopin en tant que compositeur a commencé avec la composition de danses quotidiennes polonaises (mazurka, polonaise, valse). Il se tourne également vers les nocturnes. Ses « Ballade en sol mineur », « Scherzo en si mineur » et « Etude en do mineur » se sont avérées révolutionnaires pour la musique pour piano. Les études et préludes de F. Chopin (ainsi que les études de F. Liszt) constituent le summum de la technique pianistique de l'époque romantique.
Le romantisme s’est très bien enraciné sur le sol russe. La nouvelle vision du monde a trouvé une réponse dans les esprits et les âmes de l’intelligentsia. Sa conception de la résistance au mal qui a englouti le monde entier s’est révélée très proche de l’art et de la littérature russes.
L'une des manifestations du romantisme était la prose romantique russe. Apparu dans la première moitié du XIXe siècle, il devient lui-même un phénomène unique. Présenté avec les noms non seulement de grands écrivains russes, mais aussi d'auteurs de second rang. Certaines œuvres de ces auteurs démontrent clairement une tendance au fantastique, une atmosphère inhabituelle et surréaliste, un rebondissement magique et des personnages étranges. Dans ces œuvres, on sent la trace d'Hoffmann, mais réfractée à travers la réalité russe. Comme en Allemagne, la musique russe de cette époque était étroitement liée à la littérature. Cela peut être vu dans l'exemple des travaux de V.F. Odoevsky (1804 - 1869), qui réussit dans les deux domaines.
En général, époque romantique a produit toute une galaxie de compositeurs exceptionnels. Il s'agit de P. I. Tchaïkovski (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodine (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), député. Moussorgski (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Scriabine (1872 - 1915), Ts.A.
Cui (1835 - 1915), S.V.
Rachmaninov (1873 - 1943). Bien entendu, la plupart des compositeurs répertoriés n’étaient que des romantiques. Ils ont apporté une énorme contribution au développement du réalisme dans la culture russe, mais certaines périodes de leur œuvre sont tombées sur la scène du romantisme.
Le représentant de l'idée russe en matière de musique était M.I. Glinka. Son apparition dans la culture musicale russe l’a obligé à emprunter une voie différente. Dans son travail, il a réussi à combiner les traditions nationales européennes et russes. La période romantique de la créativité de M.I. Les Glinka sont de belles romances remplies d'harmonie, de lyrisme et de passion, parfaites dans la forme et le contenu.
Tout d’abord, ils cherchaient à raviver l’intérêt pour l’art populaire russe. Attachant une grande importance à l'originalité nationale de la musique, ils croyaient à juste titre qu'elle ne pourrait être réalisée que si le compositeur se tournait vers les origines des chansons folkloriques. Quiconque n'a été élevé qu'avec des compositions de salon, même les meilleures, ne pourra rien créer de valable. Jusqu'à présent, croyaient les membres du cercle Balakirev, la musique professionnelle, à de rares exceptions près (c'est-à-dire M.I. Glinka, 1804 - 1857), était loin de l'art populaire. Au sens des « kuchkistes », le compositeur est obligé de s'imprégner de l'esprit de la musique folklorique. Ainsi, le romantisme russe est l’art national russe.
5. Conclusion.
Une nouvelle vision romantique du monde dans l'art européen au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Dans le romantisme monde de tous les jours adjacent au monde fantastique, où court le héros dramatique, dans l'espoir d'échapper à la vie quotidienne. Les romantiques croyaient que l’art est un ; La poésie et la musique sont particulièrement proches. La musique est capable de « raconter » la pensée du poète, de peindre l’image d’un héros littéraire, et la poésie surprend bien souvent par sa musicalité. La tendance de l’art nouveau se reflète également dans l’œuvre des grands compositeurs romantiques.
Le romantisme musical avait ses propres héros, ses propres thèmes, ses propres principes esthétiques et son propre langage artistique. Son objectif était une forme libre, non limitée par des frontières de genre ou de type. Le romantisme musical existe depuis très longtemps et porte de riches fruits.
Cependant, le moment de sa crise est arrivé. Cela s’est produit à une époque où l’approche du XXe siècle, avec ses tendances particulières, commençait à détruire les idéaux du romantisme. Et bien qu’il ait finalement été remplacé par le modernisme, le romantisme n’est pas tombé dans l’éternité et ses traditions ont continué à vivre dans l’art du nouveau siècle et même dans nos temps modernes.
6. Liste des références.
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4. Solovtsov A.A. Frédéric Chopin. La vie et l'art. - Maison d'édition musicale d'État/A.A. Solovtsov. - Moscou, 1960. - 504 p.
La musique occupait une place particulière dans l’esthétique du romantisme. Il a été déclaré modèle et norme pour tous les domaines de l'art, car, en raison de sa spécificité, il est capable d'exprimer le plus pleinement les mouvements de l'âme.« La musique commence quand les mots finissent » (G. Heine).
Le romantisme musical en tant que mouvement est apparu au débutXIXèmesiècle et s'est développé en lien étroit avec divers mouvements de la littérature, de la peinture et du théâtre. Première étape le romantisme musical est représenté par les œuvres de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini ; l'étape suivante (années 1830-1850) - les travaux de F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi. Le romantisme tardif s'étend jusqu'à la finXIXèmesiècle. Ainsi, si en littérature et en peinture le mouvement romantique achève fondamentalement son développement au milieuXIXèmesiècle, la vie du romantisme musical en Europe est bien plus longue.
Dans le romantisme musical, ainsi que dans d'autres formes d'art et de littérature, l'opposition du monde des idéaux beaux et inaccessibles et de la vie quotidienne imprégnée de l'esprit du philistinisme et du philistinisme a donné lieu, d'une part, à un conflit dramatique, la domination de motifs tragiques de solitude, de désespoir, d'errance, etc., d'autre part, l'idéalisation et la poétisation du passé lointain, de la vie populaire et de la nature. En écho avec état d'esprit homme, la nature dans les œuvres des romantiques est généralement teintée d’un sentiment de disharmonie.
Comme d’autres romantiques, les musiciens étaient convaincus que les sentiments constituent une couche plus profonde de l’âme que la raison :"L'esprit s'égare, les sentiments jamais" (R. Schumann).
L'intérêt particulier pour la personnalité humaine inhérent à la musique romantique s'exprime dans la prédominance de celle-citon personnel . La révélation d'un drame personnel prenait souvent la connotation deautobiographique, qui a apporté une sincérité particulière à la musique. Par exemple, de nombreuses œuvres pour piano de Schumann sont liées à l'histoire de son amour pour Clara Wieck. Berlioz a écrit la Symphonie Fantastique autobiographique. Wagner a souligné par tous les moyens le caractère autobiographique de ses opéras.
Très souvent mêlé au thème de la « confession lyrique »thème nature .
Une véritable découverte des compositeurs romantiques futthème fantastique. Pour la première fois, la musique a appris à incarner des images fabuleuses et fantastiques par des moyens purement musicaux. Dans les opérasXVIIIe - XVIIIPendant des siècles, des personnages « surnaturels » (comme la Reine de la nuit de « La Flûte enchantée » de Mozart) parlaient dans un langage musical « généralement accepté », se démarquant peu du contexte des personnes réelles. Les compositeurs romantiques ont appris à transmettre monde fantastique comme quelque chose de complètement spécifique (en utilisant des couleurs orchestrales et harmoniques inhabituelles). Un exemple frappant est la « Scène dans la gorge du loup » dans « Le tireur magique » de Weber.
Si XVIIIsiècle fut l'ère des improvisateurs virtuoses de type universel, également compétents dans le chant, la composition et le jeu de divers instruments, puisXIXèmeLe siècle fut une époque de passion sans précédent pour l'art des pianistes virtuoses (K.M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, J. Brahms).
L’ère du romantisme a complètement changé la « géographie musicale du monde ». Sous l'influence de l'éveil actif identité nationale peuples d'Europe, de jeunes écoles de composition de Russie, de Pologne, de Hongrie, de République tchèque et de Norvège sont entrées sur la scène musicale internationale. Compositeurs de ces pays, incarnant les images de la littérature nationale, de l'histoire, nature indigène, s'appuyait sur les intonations et les rythmes du folklore indigène.
DANS plus haut degré la caractéristique du romantisme musical est un intérêt pourart folklorique . Comme les poètes romantiques qui, à travers le folklore, ont enrichi et actualisé langue littéraire, musiciens largement tournés vers le folklore national - chansons folkloriques, ballades, épopées (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). Incarnant des images de la littérature nationale, de l’histoire et de la nature autochtone, ils s’appuyaient sur les intonations et les rythmes du folklore national et faisaient revivre d’anciens modes diatoniques.Sous l’influence du folklore, le contenu de la musique européenne s’est radicalement transformé.
De nouveaux thèmes et images ont nécessité le développement des romantiquesnouveaux moyens de langage musical et principes de construction de forme, d'individualisation de la mélodie et d'introduction des intonations de la parole, d'expansion du timbre et de la palette harmonique de la musique (frettes naturelles, comparaisons colorées du majeur et du mineur, etc.).
Puisque les romantiques ne se concentrent plus sur l'humanité dans son ensemble, mais sur une personne spécifique avec son sentiment unique, en conséquenceet dans les moyens d'expression, le général cède de plus en plus la place à l'individuel, à l'individuel unique. La part des intonations généralisées dans la mélodie, les progressions d'accords couramment utilisées en harmonie, les modèles typiques de texture diminuent - tous ces moyens sont individualisés. En orchestration, le principe des groupes d'ensemble a cédé la place au solo de presque toutes les voix orchestrales.
Le point le plus importantesthétique le romantisme musical étaitidée de synthèse artistique , qui a trouvé son expression la plus frappante dans créativité lyrique Wagner etprogramme musical Berlioz, Schumann, Liszt.
Genres musicaux dans les œuvres des compositeurs romantiques
Dans la musique romantique, trois groupes de genres se dégagent clairement :
- des genres qui occupaient une place subordonnée dans l'art du classicisme (principalement le chant et la miniature pour piano) ;
- genres adoptés par les romantiques de l'époque précédente (opéra, oratorio, cycle sonate-symphonique, ouverture) ;
- genres libres et poétiques (ballades, fantaisies, rhapsodies, poèmes symphoniques). Leur intérêt s'explique par le désir des compositeurs romantiques de libre expression et de transformation progressive des images.
Dans la culture musicale, le romantisme est au premier planchanson comme le genre le plus approprié pour exprimer les pensées les plus intimes de l'artiste (alors que dans le travail professionnel des compositeursXVIIIsiècles, le chant lyrique s'est vu attribuer un rôle modeste - il servait principalement à occuper les loisirs). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg et d'autres ont travaillé dans le domaine de la chanson.
Un compositeur romantique typique crée très directement, spontanément, à la demande de son cœur. La compréhension romantique du monde n’est pas une adhésion philosophique cohérente à la réalité, mais un enregistrement instantané de tout ce qui a touché l’âme de l’artiste. À cet égard, le genre a prospéré à l'ère du romantismeminiatures (indépendant ou combiné avec d'autres miniatures dans un cycle). Ce n'est pas seulement une chanson et une romance, mais aussi des compositions instrumentales -moments musicaux, impromptus, préludes, études, nocturnes, valses, mazurkas (en raison du recours à l'art populaire).
De nombreux genres romantiques doivent leur origine à la poésie et à ses formes poétiques. Ce sont des sonnets, des chansons sans paroles, des nouvelles, des ballades.
L'une des idées maîtresses de l'esthétique romantique - l'idée d'une synthèse des arts - a naturellement mis le problème de l'opéra sur le devant de la scène. Presque tous les compositeurs romantiques se sont tournés vers le genre lyrique à de rares exceptions près (Brahms).
Le ton d'expression personnel et confidentiel inhérent au romantisme transforme complètement genres classiques symphonies, sonates, quatuors. Ils reçoiventinterprétation psychologique et lyrique-dramatique. Le contenu de nombreuses œuvres romantiques est lié àlogiciel (Les cycles pour piano de Schumann, les "Années d'errance" de Liszt, les symphonies de Berlioz, les ouvertures de Mendelssohn).