Grands compositeurs russes. Chansons et mélodies folkloriques russes dans les œuvres de compositeurs classiques Mélodies de compositeurs russes

01.08.2019

Publications dans la section Musique

Trouvez et n'abandonnez pas

Grâce aux histoires de personnages formidables, nous connaissons non seulement de grands succès, mais aussi les défaites qu'ils ont dû subir sur le chemin de leurs rêves. "Kultura.RF" raconte les tournants de la vie de célèbres compositeurs russes.

Mikhaïl Glinka et « Ruslan et Lyudmila »

Ilya Repin. Portrait de Mikhaïl Glinka. 1887. Galerie nationale Tretiakov

Fragment de l'opéra "Ruslan et Lyudmila". Photo : kremlinpalace.org

Après le succès retentissant de l'opéra Une vie pour le tsar en 1836, Mikhaïl Glinka, fondateur de l'école de musique russe, fut captivé par l'idée d'un opéra basé sur le poème de Pouchkine Rouslan et Lyudmila. Le compositeur a mis toutes ses forces spirituelles et créatrices dans l'œuvre, mais le public de Saint-Pétersbourg l'a accueillie extrêmement froidement.

« A la fin de l'acte 5, la famille impériale quitte le théâtre. Quand le rideau est tombé, ils ont commencé à m’appeler, mais ils ont applaudi de manière très hostile, pendant qu’ils s’affairaient à me faire taire., a rappelé le compositeur dans ses notes.

Outre les critiques du livret écrit sans la participation d’Alexandre Pouchkine, ainsi que de la performance des artistes, le public a également accueilli la musique de Glinka avec scepticisme. Dans ce document, il a utilisé une oreille innovante et inhabituelle techniques musicales, différente des écoles d'opéra traditionnelles italiennes et françaises, pour lesquelles le public n'était pas prêt. Pendant que les partisans de Glinka défendaient nouveau genre- L'opéra épique russe - et l'appelant la musique des générations futures, les critiques ont continué à s'indigner, à s'indigner, "pourquoi alors leur est-il proposé, à leurs contemporains".

« Ruslana et Lyudmila » a longtemps été considérée comme une œuvre « hors scène » ; la partition de l'œuvre a été retravaillée et raccourcie. Plus tard, l'un des défenseurs de l'opéra de Glinka, célèbre critique musical Vladimir Stassov l'a qualifiée de « martyre de notre temps ».

Le compositeur lui-même a durement pris cet échec. Il part à l'étranger, où il continue à écrire, inspiré par des motifs français et espagnols. En 1848, à Varsovie, Glinka revient aux racines de la musique russe et écrit une fantaisie symphonique « Kamarinskaya » sur les thèmes de deux chansons : les paroles de mariage « À cause des montagnes, hautes montagnes » et une chanson de danse entraînante. Alors Glinka l'a déposé nouveau genre russe musique symphonique, qui combinait une variété de rythmes, de personnages et d’ambiances. Piotr Tchaïkovski a ensuite admis : « Toute l'école symphonique russe, comme un chêne entier dans un gland, est contenue dans la fantaisie symphonique « Kamarinskaya ».

Piotr Tchaïkovski et le Lac des Cygnes

Vassili Svarog. Portrait de Piotr Tchaïkovski. 1940. Salle de concert eux. PI. Tchaïkovski

Fragment du ballet " Le lac des cygnes" Photo : belcanto.ru

Fragment du ballet "Le Lac des Cygnes". Photo : aveclassics.net

Étonnamment, du vivant de Tchaïkovski, son œuvre la plus célèbre et la plus populaire aujourd’hui, le ballet Le Lac des Cygnes, n’a pas été appréciée du public et des critiques. Et bien que ce dernier ait principalement réprimandé le chorégraphe de la première représentation, Wenzel Reisinger, et la ballerine Polina Karpakova, le compositeur l'a également compris. Le critique Hermann Laroche lui attribue notamment « un amour excessif pour les cuivres et surtout les instruments à percussion » et « une faiblesse inhérente pour les sonorités fortes ».

En cinq saisons, le premier ballet de Tchaïkovski n'a été joué que 39 fois, après quoi il a été retiré du répertoire. Les critiques extrêmement négatives ont également convaincu le compositeur lui-même des défauts du Lac des Cygnes, à propos duquel il a déclaré : « De pures conneries, je ne m’en souviens pas sans un sentiment de honte. »

Cependant, la principale raison de l'échec du ballet était l'imperfection de la première production : un décor médiocre, une chorégraphie faible et un orchestre qui n'avait jamais traité auparavant une partition aussi complexe. Les ballets suivants de Tchaïkovski, La Belle au Bois Dormant et Casse-Noisette, connurent un sort différent : grâce au tandem soudé du personnage de théâtre Ivan Vsevolozhsky et du chorégraphe Marius Petipa, ils furent immédiatement reconnus.

Après la mort de Tchaïkovski, le frère du compositeur Modest retravailla le livret du Lac des Cygnes. Et lorsqu'en 1895 le même Marius Petipa et le chorégraphe Lev Ivanov reprirent la chorégraphie, le ballet fut un succès inconditionnel.

Nikolaï Rimski-Korsakov et « La nuit avant Noël »

Ilya Répine. Portrait de Nikolaï Rimski-Korsakov. 1893. Musée d'État russe

Fragment de l'opéra "La nuit avant Noël". Photo : premiera.biz

Nikolaï Rimski-Korsakov, dont le Conservatoire de Saint-Pétersbourg porte aujourd'hui le nom, a créé 15 opéras au cours de sa vie. Il avait un emploi permanent au conservatoire et était l'un des rares compositeurs russes à rester serein face aux crises créatives. Ainsi, dans la première moitié des années 1890, Rimski-Korsakov se consacrait exclusivement à la rédaction d'articles et à l'édition d'ouvrages antérieurs. Mais surtout, j'avais une idée de longue date : écrire un opéra basé sur « La nuit avant Noël » de Nikolaï Gogol. Le compositeur a préparé indépendamment le livret, le remplissant croyances populaires et la mythologie.

En 1895, le public du Théâtre Mariinsky reçut la première de l'opéra plus que froidement, et celui-ci fut bientôt retiré du répertoire. Les professeurs du Conservatoire Alexander Glazunov et Vladimir Stasov, dont Rimski-Korsakov appréciait beaucoup les opinions, ne l'aimaient pas non plus. Glazunov a souligné la brièveté des tournures mélodiques, tandis que Stasov a critiqué la dramaturgie : «Je regrette qu'il ait été écrit et qu'il soit mis en scène. Ils le donneront deux ou trois fois et commenceront à parler. Il n'y a absolument aucun opéra ici.<...>Il n’y a presque pas de chœurs particulièrement remarquables ou vraiment importants.. En fin de compte, Rimski-Korsakov lui-même a reconnu son échec et a continué à travailler sereinement.

Sa prochaine œuvre - l'opéra "Sadko" - n'a pas été autorisée à être mise en scène dès le début Théâtre Mariinsky, et l’empereur lui-même a conseillé au compositeur de « chercher quelque chose de plus amusant à mettre en scène ». Puis, sur les conseils du critique musical Kruglikov, Rimski-Korsakov a proposé l'opéra au Théâtre privé Mamontov de Moscou - il a été accueilli avec brio.

Sergueï Rachmaninov et la Première Symphonie

Sergueï Rachmaninov. Photo de : myzuka.me

Sergueï Rachmaninov. Photo : chtoby-pomnili.com

Sergueï Rachmaninov. Photo : meloman.ru

Le 15 mars 1897, la Première Symphonie de Rachmaninov est jouée pour la première fois à Saint-Pétersbourg. Le jeune compositeur l'a créé longuement et douloureusement et croyait avoir trouvé de nouvelles voies musicales dans la symphonie.

Le musicien de 24 ans, remarqué par Tchaïkovski lui-même, était déjà bien connu et aimé à cette époque. Cependant, la critique musicale de Saint-Pétersbourg n'a pas réagi avec éloge à la Première Symphonie.

« Dès les premiers sons de sa symphonie, Rachmaninov se blottit avec horreur sur l'escalier tournant et, se bouchant les oreilles avec ses paumes, resta assis là jusqu'à la toute fin. Et puis il s'est précipité dans la rue. Des murmures désapprobateurs se firent entendre dans la salle. La symphonie fut un échec désastreux. », - a déclaré Evgeny Svetlanov, le chef d'orchestre le plus célèbre du XXe siècle.

Les jugements acerbes des critiques, qui ont qualifié la musique d'infernale, monotone, ennuyeuse, décadente et dépourvue de tout ce qui est nationalement russe, et de son créateur - une nature déséquilibrée, douloureuse et perverse, ont offensé Rachmaninov. Et ils l'ont même forcé à changer sa propre opinion sur l'essai :

« Avant la représentation de la Symphonie, j’en avais une opinion exagérément élevée. Après la première écoute, j'ai radicalement changé d'avis... Il y a là de la bonne musique, mais il y a aussi beaucoup de musique faible, enfantine, forcée, pompeuse... Je ne montrerai pas la symphonie et dans ma volonté je le ferai interdire les visites… »

Après l'échec, le compositeur était profondément déprimé, n'a rien écrit pendant trois ans et a même fait appel aux services d'hypnose du célèbre psychothérapeute Nikolai Dahl. C'est à lui qu'il dédie ensuite le Concerto n°2, qui connaît un grand succès. Rachmaninov est revenu aux symphonies seulement 12 ans après l'échec, étant déjà un compositeur reconnu.

Les échecs du cinéma obligent Chostakovitch à se tourner vers le théâtre. Il a collaboré avec le Théâtre Vsevolod Meyerhold et a travaillé sur les ballets « L'Âge d'Or » et « Bolt ». Mais ils ont également été retirés du répertoire en raison de mauvaises critiques dans la presse. Et puis Chostakovitch est revenu au cinéma, malgré l'affirmation selon laquelle il n'était pas nécessaire de le forcer à le faire. Il devient ainsi le premier compositeur de films sonores. Ses compositions pour les films « Les Montagnes d'Or » et « Le Compteur » des années 1930 sont toujours considérées comme des chefs-d'œuvre.

Après avoir écrit de nombreuses symphonies et un opéra qui lui a valu une renommée mondiale - «Lady Macbeth de Mtsensk» - Chostakovitch n'a toujours pas quitté le cinéma. De plus, il a changé son attitude auparavant sceptique à son égard et a commencé à défendre la nécessité du développement de la musique de film, arguant que « la musique au cinéma ne devrait sonner que là où elle est absolument nécessaire » et non être simplement un fond. Au total, le compositeur de films Chostakovitch a créé 36 musiques, notamment pour les films « La Jeune Garde » de Sergueï Gerasimov et « Rencontre sur l'Elbe » de Grigori Alexandrov.

Monde musique classique impensable sans les œuvres des compositeurs russes. La Russie, un grand pays doté d'un peuple talentueux et d'un héritage culturel propre, a toujours été l'un des principaux moteurs du progrès mondial et de l'art, y compris de la musique. russe école de composition, dont les traditions ont été les successeurs des écoles soviétiques et russes d'aujourd'hui, a commencé au XIXe siècle avec des compositeurs qui ont unifié l'Europe. art musical avec des mélodies folkloriques russes, reliant la forme européenne et l'esprit russe.

Vous pouvez en dire beaucoup sur chacun de ces personnages célèbres ; ils ont tous eu des difficultés, et parfois même destins tragiques, mais dans cette revue, nous avons essayé de donner seulement une brève description de la vie et de l'œuvre des compositeurs.

1.Mikhaïl Ivanovitch GLINKA (1804—1857)

Mikhaïl Ivanovitch Glinka est le fondateur de la musique classique russe et le premier compositeur classique russe à atteindre une renommée mondiale. Ses œuvres, basées sur les traditions séculaires de la musique folklorique russe, constituaient un nouveau mot dans l'art musical de notre pays.
Né dans la province de Smolensk, il a fait ses études à Saint-Pétersbourg. La formation de la vision du monde et de l'idée principale du travail de Mikhaïl Glinka a été facilitée par la communication directe avec des personnalités telles que A.S. Pouchkine, V.A. Joukovski, A.S. L'élan créatif de ses œuvres a été ajouté par un voyage de plusieurs années en Europe au début des années 1830 et des rencontres avec les plus grands compositeurs de l'époque - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn et plus tard avec G. Berlioz, J. Meyerbeer. Le succès est venu à M.I. Glinka après la production de l'opéra « Ivan Susanin » (« La vie pour le tsar ») (1836), qui a été accueilli avec enthousiasme par tous dans la musique du monde, l'art choral russe et l'opéra symphonique et européen ; la pratique s'est organiquement combinée, et un héros comme Susanin est apparu, dont l'image résume les meilleurs traits du caractère national. V.F. Odoevsky a décrit l'opéra comme « un nouvel élément de l'art, et une nouvelle période commence dans son histoire - la période de la musique russe ».
Le deuxième opéra est l'épopée «Ruslan et Lyudmila» (1842), dont le travail a été réalisé dans le contexte de la mort de Pouchkine et dans les conditions de vie difficiles du compositeur, en raison du caractère profondément innovant de l'œuvre, il a été reçu de manière ambiguë par le public et les autorités et a apporté des expériences difficiles à M.I. Glinka. Par la suite, il voyage beaucoup, vivant alternativement en Russie et à l'étranger, sans cesser de composer. Son héritage comprend des romances, des œuvres symphoniques et de chambre. Dans les années 1990, la « Chanson patriotique » de Mikhaïl Glinka était l’hymne officiel de la Fédération de Russie.

Citation de M.I. Glinka : « Pour créer de la beauté, vous devez vous-même être pur d'âme. »

Citation sur M.I. Glinka : « Toute l'école symphonique russe, comme un chêne entier dans un gland, est contenue dans la fantaisie symphonique « Kamarinskaya ». P.I. Tchaïkovski

Fait intéressant : Mikhaïl Ivanovitch Glinka n'était pas différent bonne santé, malgré cela, il était très facile à vivre et connaissait très bien la géographie ; peut-être que s'il n'était pas devenu compositeur, il serait devenu voyageur ; Il en connaissait six langues étrangères, y compris le persan.

2. Alexandre Porfirievitch BORODINE (1833—1887)

Alexandre Porfirievitch Borodine, l'un des principaux compositeurs russes de la seconde moitié du XIXe siècle, en plus de son talent de compositeur, était chimiste, médecin, enseignant, critique et possédait un talent littéraire.
Né à Saint-Pétersbourg, dès son enfance, tout le monde autour de lui a remarqué son activité inhabituelle, sa passion et ses capacités dans diverses directions, principalement en musique et en chimie. A.P. Borodine est une pépite de compositeur russe, il n'avait pas de professeurs de musiciens professionnels, toutes ses réalisations musicales sont dues à travail indépendant sur la maîtrise des techniques de compositing. La formation d'A.P. Borodine a été influencée par les travaux de M.I. Glinka (comme d'ailleurs tous les compositeurs russes du XIXe siècle), et l'impulsion pour une étude intensive de la composition au début des années 1860 a été donnée par deux événements : d'une part, sa connaissance et son mariage avec le talentueux pianiste E.S. Protopopova, et d'autre part, une rencontre avec M.A. Balakirev et rejoint la communauté créative des compositeurs russes, connue sous le nom de « Mighty Handful ». À la fin des années 1870 et dans les années 1880, A.P. Borodine voyage et tourne beaucoup en Europe et en Amérique, rencontre les plus grands compositeurs de son temps, sa renommée grandit et devient à la fin du XIXe l'un des compositeurs russes les plus célèbres et les plus populaires d'Europe. siècle.
La place centrale dans l'œuvre d'A.P. Borodine est occupée par l'opéra « Prince Igor » (1869-1890), qui est un exemple de nationalisme. épopée héroïque en musique et qu'il n'a pas eu le temps de terminer lui-même (il a été complété par ses amis A.A. Glazunov et N.A. Rimsky-Korsakov). Dans "Prince Igor", sur fond d'images majestueuses d'événements historiques, l'idée principale de toute l'œuvre du compositeur se reflète - le courage, la grandeur calme, la noblesse spirituelle du meilleur peuple russe et la force puissante de l'ensemble Le peuple russe s'est manifesté dans la défense de sa patrie. Malgré le fait qu'A.P. Borodine ait laissé un nombre relativement restreint d'œuvres, son œuvre est très diversifiée et il est considéré comme l'un des pères de la musique symphonique russe, qui a influencé de nombreuses générations de compositeurs russes et étrangers.

Citation sur A.P. Borodine : « Le talent de Borodine est tout aussi puissant et étonnant dans la symphonie, l'opéra et la romance. Ses principales qualités sont une force et une ampleur gigantesques, une envergure colossale, une rapidité et une impétuosité, combinées à une passion, une tendresse et une beauté incroyables. » V.V. Stassov

Fait intéressant : nommé d'après Borodine réaction chimique sels d'argent d'acides carboxyliques avec des halogènes, donnant lieu à des hydrocarbures halogénés, qu'il étudia pour la première fois en 1861.

3. Modeste Petrovitch MOUSORGSKI (1839—1881)

Modeste Petrovitch Moussorgski est l'un des compositeurs russes les plus brillants du XIXe siècle, membre de la « Grande Poignée ». Le travail novateur de Moussorgski était bien en avance sur son temps.
Né dans la province de Pskov. Comme beaucoup de personnes talentueuses, il a montré des aptitudes musicales dès son enfance, a étudié à Saint-Pétersbourg et était, selon la tradition familiale, un militaire. L'événement décisif qui a déterminé que Moussorgski n'était pas né pour service militaire, et pour la musique, ce fut sa rencontre avec M.A. Balakirev et son adhésion au « Mighty Handful ». Moussorgski est génial parce que dans ses œuvres grandioses - les opéras "Boris Godounov" et "Khovanshchina" - il a capturé des jalons dramatiques de la musique histoire russe avec une nouveauté radicale que la musique russe n'avait pas connue avant lui, montrant en elles une combinaison de scènes folkloriques de masse et une richesse diversifiée de types, le caractère unique du peuple russe. Ces opéras, dans de nombreuses éditions, tant par l'auteur que par d'autres compositeurs, comptent parmi les opéras russes les plus populaires au monde. Une autre œuvre remarquable de Moussorgski est le cycle de pièces pour piano « Tableaux d'une exposition », des miniatures colorées et inventives imprégnées du thème-refrain russe et de la foi orthodoxe.

La vie de Moussorgski avait tout - à la fois grandeur et tragédie, mais il s'est toujours distingué par une véritable pureté spirituelle et un altruisme. Ses dernières années ont été difficiles - vie instable, manque de reconnaissance de la créativité, solitude, dépendance à l'alcool, tout cela l'a déterminé mort précoceà 42 ans, il laisse relativement peu d’œuvres, dont certaines sont complétées par d’autres compositeurs. La mélodie spécifique et l'harmonie innovante de Moussorgski anticipaient certaines caractéristiques développement musical 20e siècle et a joué un rôle important dans la formation des styles de nombreux compositeurs du monde.

Citation de M.P. Moussorgski : « Les sons de la parole humaine, en tant que manifestations extérieures de la pensée et du sentiment, doivent, sans exagération ni violence, devenir une musique véridique, précise, mais artistique, hautement artistique. »

Citation du député Moussorgski : « Les sons russes originaux dans tout ce que Moussorgski a créé » N.K. Roerich

Fait intéressant : à la fin de sa vie, Moussorgski, sous la pression de ses « amis » Stasov et Rimski-Korsakov, a renoncé aux droits d'auteur sur ses œuvres et en a fait don à Tertius Filippov.

4. Pierre Ilitch Tchaïkovski (1840—1893)

Piotr Ilitch Tchaïkovski, peut-être le plus grand compositeur russe du XIXe siècle, a élevé l'art musical russe à des sommets sans précédent. Il est l'un des compositeurs les plus importants de la musique classique mondiale.
Originaire de la province de Viatka, bien que ses racines paternelles soient en Ukraine, Tchaïkovski a montré des capacités musicales dès son enfance, mais sa première formation et son travail ont été dans le domaine de la jurisprudence. Tchaïkovski fut l'un des premiers compositeurs « professionnels » russes ; il étudia le solfège et la composition au nouveau Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Tchaïkovski était considéré comme un compositeur « occidental », par opposition aux figures populaires de la « Grande Poignée », avec qui il entretenait de bonnes relations créatives et amicales, mais son œuvre n'en est pas moins imprégnée de l'esprit russe, il a réussi à combiner de manière unique le L'héritage symphonique occidental de Mozart, Beethoven et Schumann avec les traditions russes héritées de Mikhaïl Glinka.
Le compositeur a dirigé vie active- était professeur, chef d'orchestre, critique, personnalité publique, a travaillé dans deux capitales, a fait des tournées en Europe et en Amérique. Tchaïkovski était une personne plutôt instable émotionnellement : enthousiasme, découragement, apathie, tempérament colérique, colère violente - toutes ces humeurs changeaient assez souvent en lui ; étant une personne très sociable, il recherchait toujours la solitude.
Pour souligner quelque chose de meilleur dans l'œuvre de Tchaïkovski - tâche difficile, il possède plusieurs œuvres de taille égale dans presque toutes genres musicaux- opéra, ballet, symphonie, musique de chambre. Le contenu de la musique de Tchaïkovski est universel : avec une mélodicité inimitable, elle embrasse des images de la vie et de la mort, de l'amour, de la nature, de l'enfance, elle révèle d'une manière nouvelle les œuvres de la littérature russe et mondiale et reflète les processus profonds de la vie spirituelle.

Citation du compositeur :
«Je suis un artiste qui peut et doit faire honneur à ma patrie. Je ressens en moi une grande force artistique, je n'ai pas encore fait le dixième de ce que je peux faire et je veux le faire de toute la force de mon âme. .»
"La vie n'a de beauté que lorsqu'elle est faite d'alternance de joies et de peines, de lutte entre le bien et le mal, de lumière et d'ombre, en un mot de diversité dans l'unité."
"Un grand talent nécessite un travail acharné."

Citation sur le compositeur : "Je suis prêt à monter une garde d'honneur jour et nuit sous le porche de la maison où vit Piotr Ilitch - c'est dire à quel point je le respecte." A.P.Tchekhov

Fait intéressant : l'Université de Cambridge a décerné à Tchaïkovski le titre de docteur en musique par contumace et sans soutenir de thèse, tout comme l'Académie de Paris. Beaux-Arts l'a élu membre correspondant.

5. Nikolaï Andreïevitch RIMSKI-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov est un compositeur russe talentueux, l'une des figures les plus importantes dans la création d'un patrimoine musical russe inestimable. Son monde unique et son culte de la beauté éternelle et englobante de l'univers, son admiration pour le miracle de l'existence, son unité avec la nature n'ont pas d'analogue dans l'histoire de la musique.
Né dans la province de Novgorod, selon la tradition familiale, il devint officier de marine et visita de nombreux pays d'Europe et des deux Amériques sur un navire de guerre. Éducation musicale reçu d'abord de sa mère, puis prenant des cours particuliers auprès du pianiste F. Canille. Et encore une fois, grâce à M.A. Balakirev, l'organisateur de « Mighty Handful », qui a introduit Rimski-Korsakov dans la communauté musicale et influencé son travail, le monde n'a pas perdu de compositeur talentueux.
La place centrale dans l'héritage de Rimski-Korsakov est constituée d'opéras - 15 œuvres démontrant la diversité des solutions de genre, stylistiques, dramatiques, compositionnelles du compositeur, ayant néanmoins un style particulier - avec toute la richesse de la composante orchestrale, les principales sont des lignes vocales mélodiques. Deux directions principales distinguent l’œuvre du compositeur : la première est l’histoire russe, la seconde est le monde des contes de fées et des épopées, pour lesquels il a reçu le surnom de « conteur ».
En plus des indépendants directs activité créative N.A. Rimsky-Korsakov est connu comme publiciste, compilateur de recueils de chansons folkloriques, pour lesquels il a montré un grand intérêt, ainsi que comme auteur des œuvres de ses amis - Dargomyzhsky, Moussorgski et Borodine. Rimski-Korsakov fut le créateur d'une école de composition ; en tant que professeur et directeur du Conservatoire de Saint-Pétersbourg, il forma environ deux cents compositeurs, chefs d'orchestre et musicologues, parmi lesquels Prokofiev et Stravinsky.

Citation sur le compositeur : « Rimski-Korsakov était un homme très russe et un compositeur très russe. Je crois que son essence originellement russe, sa profonde base folk-russe doit être particulièrement appréciée aujourd'hui. » Mstislav Rostropovitch

L'œuvre des compositeurs russes de la fin du XIXe et de la première moitié du XXe siècle est une continuation holistique des traditions de l'école russe. Dans le même temps, le concept d'une approche de l'affiliation « nationale » de telle ou telle musique a été nommé ; il n'y a pratiquement pas de citation directe de mélodies folkloriques, mais la base intonationnelle russe, l'âme russe, demeure.

6. Alexandre Nikolaïevitch SKRYABINE (1872 - 1915)

Alexandre Nikolaïevitch Scriabine - compositeur et pianiste russe, l'une des personnalités les plus brillantes de Russie et du monde culture musicale. La créativité originale et profondément poétique de Scriabine s'est imposée comme innovante même dans le contexte de la naissance de nombreuses nouvelles tendances artistiques associées aux changements de la vie publique au tournant du 20e siècle.
Né à Moscou, sa mère est décédée prématurément, son père ne pouvait pas prêter attention à son fils, puisqu'il était ambassadeur en Perse. Scriabine a été élevé par sa tante et son grand-père et a fait preuve de talent musical dès son enfance. Au début, il a étudié dans le corps des cadets, a suivi des cours particuliers de piano et, après avoir obtenu son diplôme, il est entré au Conservatoire de Moscou. Son camarade de classe était S.V. Rachmaninov. Après avoir obtenu son diplôme du conservatoire, Scriabine se consacre entièrement à la musique : en tant que pianiste-compositeur concertiste, il effectue des tournées en Europe et en Russie, passant la plupart de son temps à l'étranger.
L'apogée de la créativité compositionnelle de Scriabine fut les années 1903-1908, lorsque la Troisième Symphonie (" Poème divin"), symphoniques "Poème d'Extase", poèmes pour piano "Tragiques" et "Sataniques", 4e et 5e sonates et autres œuvres. "Poème d'Extase", composé de plusieurs thèmes-images, concentrés idées créatives Sryabin est son chef-d'œuvre le plus brillant. Il combine harmonieusement l'amour du compositeur pour la puissance d'un grand orchestre et le son lyrique et aérien des instruments solistes. Incarné dans le "Poème de l'Extase", il est colossal Énergie vitale, la passion ardente, la puissance volontaire font une impression irrésistible sur l'auditeur et aujourd'hui conserve la puissance de son impact.
Un autre chef-d'œuvre de Scriabine est "Prométhée" ("Poème du feu"), dans lequel l'auteur a complètement mis à jour son langage harmonique, s'éloignant du système tonal traditionnel, et pour la première fois dans l'histoire, cette œuvre était censée être accompagnée de musique en couleur. , mais la première, pour des raisons techniques, s'est déroulée sans effets de lumière.
Le dernier « Mystère » inachevé était le plan de Scriabine, un philosophe rêveur et romantique, de faire appel à toute l’humanité et de l’inspirer pour créer un nouvel ordre mondial fantastique, l’union de l’Esprit Universel avec la Matière.

Citation de A.N. Scriabine : « Je vais leur dire (aux gens) - pour qu'ils... n'attendent rien de la vie sauf ce qu'ils peuvent créer pour eux-mêmes... Je vais leur dire qu'il n'y a rien pour s'affliger, qu'il n'y ait pas de perte Pour qu'ils n'aient pas peur du désespoir, qui seul peut donner lieu au véritable triomphe Fort et puissant est celui qui a connu le désespoir et l'a vaincu.

Citation sur A.N. Scriabine : « L’œuvre de Scriabine était son époque, exprimée en sons, mais lorsque le temporaire et le passager trouve son expression dans l’œuvre d’un grand artiste, il acquiert une signification permanente et devient durable. » G. V. Plekhanov

7. Sergueï Vassilievitch Rahmaninov (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rachmaninov est le plus grand compositeur mondial du début du XXe siècle, un pianiste et chef d'orchestre talentueux. L'image créative du compositeur Rachmaninov est souvent définie par l'épithète « le compositeur le plus russe », soulignant dans cette brève formulation ses mérites dans l'unification des traditions musicales des écoles de composition de Moscou et de Saint-Pétersbourg et dans la création de son propre style unique, qui se démarque dans la culture musicale mondiale.
Né dans la province de Novgorod, il commence à l'âge de quatre ans à étudier la musique sous la direction de sa mère. Il a étudié au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, après 3 ans d'études, il a été transféré au Conservatoire de Moscou et a obtenu une grande médaille d'or. Il se fait rapidement connaître comme chef d'orchestre et pianiste et compose de la musique. La première désastreuse de la Première Symphonie innovante (1897) à Saint-Pétersbourg a provoqué une crise chez les compositeurs créatifs, dont Rachmaninov est sorti au début des années 1900 avec un style formé qui unissait le chant religieux russe, laissant Romantisme européen, l'impressionnisme moderne et le néoclassicisme - et tout cela est plein d'un symbolisme complexe. En cela période créative ses meilleures œuvres sont nées, dont les 2e et 3e concertos pour piano, la Deuxième Symphonie et son œuvre préférée - le poème "Cloches" pour chœur, solistes et orchestre.
En 1917, Rachmaninov et sa famille furent contraints de quitter notre pays et de s'installer aux États-Unis. Pendant près de dix ans après son départ, il n'a rien composé, mais a fait de nombreuses tournées en Amérique et en Europe et a été reconnu comme l'un des plus grands pianistes de l'époque et un chef d'orchestre majeur. Malgré toute son activité intense, Rachmaninov est resté une personne vulnérable et peu sûre d'elle, luttant pour la solitude et même la solitude, évitant l'attention agaçante du public. Il aimait sincèrement sa patrie et lui manquait, se demandant s'il avait commis une erreur en la quittant. Il s'intéressait constamment à tous les événements qui se déroulaient en Russie, lisait des livres, des journaux et des magazines et aidait financièrement. Ses dernières œuvres - Symphonie n° 3 (1937) et "Danses symphoniques" (1940) sont le résultat de son parcours créatif, incorporant tout le meilleur de son style unique et un triste sentiment de perte irréparable et de nostalgie de sa patrie.

Citation de S.V. Rachmaninov :
"Je me sens comme un fantôme errant seul dans un monde qui m'est étranger."
"Le plus haute qualité Tout art est sa sincérité. »
"Les grands compositeurs ont toujours et avant tout prêté attention à la mélodie en tant que principe directeur de la musique. La mélodie est la musique, la base principale de toute musique... L'ingéniosité mélodique, au sens le plus élevé du terme, est le principal objectif de la vie de le compositeur.... Par C'est la raison pour laquelle les grands compositeurs du passé ont montré tant d'intérêt pour les mélodies folkloriques de leurs pays.

Citation sur S.V. Rachmaninov :
"Rachmaninov a été créé à partir d'acier et d'or : l'acier est dans ses mains, l'or est dans son cœur. Je ne peux pas penser à lui sans larmes. J'ai non seulement admiré le grand artiste, mais j'ai aussi aimé la personne en lui." I. Hoffmann
"La musique de Rachmaninov est l'Océan. Ses vagues - musicales - commencent si loin au-delà de l'horizon, et vous élèvent si haut et vous abaissent si lentement... que vous ressentez cette Puissance et ce Souffle." A. Konchalovsky

Fait intéressant : pendant la Grande Guerre patriotique, Rachmaninov a donné plusieurs concerts de charité dont il a reversé les bénéfices au Fonds de l'Armée rouge pour combattre les occupants nazis.

8. Igor Fedorovitch STRAVINSKI (1882-1971)

Igor Fedorovich Stravinsky est l'un des compositeurs mondiaux les plus influents du XXe siècle, un leader du néoclassicisme. Stravinsky est devenu un « miroir » de l’époque musicale ; son œuvre reflète une multiplicité de styles, constamment entrecroisés et difficiles à classer. Il combine librement les genres, les formes, les styles, les choisissant parmi des siècles d'histoire musicale et les soumettant à ses propres règles.
Né près de Saint-Pétersbourg, il a étudié à la Faculté de droit de l’Université de Saint-Pétersbourg, a étudié de manière indépendante les disciplines musicales et a suivi des cours particuliers auprès de N. A. Rimsky-Korsakov. C’était la seule école de composition de Stravinsky, grâce à laquelle il maîtrisait parfaitement la technique de composition. Il a commencé à composer professionnellement relativement tard, mais son ascension a été rapide - une série de trois ballets : « L'Oiseau de feu » (1910), « Petrouchka » (1911) et « Le Sacre du printemps » (1913) l'ont immédiatement amené au rang de compositeurs de première grandeur.
En 1914, il quitta la Russie presque pour toujours (en 1962, il y eut des tournées en URSS). Stravinsky est un cosmopolite, ayant été contraint de changer de pays – Russie, Suisse, France, et finalement resté vivre aux États-Unis. Son œuvre est divisée en trois périodes - « russe », « néoclassique », américaine « production de masse », les périodes ne sont pas divisées par l'époque de sa vie en différents pays, mais selon "l'écriture" de l'auteur.
Stravinsky était une personne très instruite, sociable, dotée d'un merveilleux sens de l'humour. Son cercle de connaissances et de correspondants comprenait des musiciens, des poètes, des artistes, des scientifiques, des hommes d'affaires et des hommes d'État.
La dernière réalisation la plus élevée de Stravinsky - "Requiem" (Hymnes funéraires) (1966) a absorbé et combiné l'expérience artistique antérieure du compositeur, devenant la véritable apothéose de l'œuvre du maître.
Une caractéristique unique se démarque dans l'œuvre de Stavinsky - « l'unicité », ce n'est pas pour rien qu'on l'appelle « le compositeur aux mille et un styles », changement constant de genre, de style, d'orientation de l'intrigue - chacune de ses œuvres est unique, mais il revient constamment à des dessins dans lesquels on peut voir origine russe, les racines russes se font entendre.

Citation de I.F. Stravinsky : « J'ai parlé russe toute ma vie, j'ai une syllabe russe. Peut-être que cela n'est pas immédiatement visible dans ma musique, mais cela lui est inhérent, c'est sa nature cachée. »

Citation de I.F. Stravinsky : « Stravinsky est un compositeur véritablement russe... L'esprit russe est indestructible au cœur de ce talent vraiment grand et aux multiples facettes, né de la terre russe et étroitement lié à elle... » D. Chostakovitch

Fait intéressant (fable) :
Une fois à New York, Stravinsky prend un taxi et est surpris de lire son nom de famille sur le panneau.
-Es-tu un parent du compositeur ? - il a demandé au chauffeur.
- Existe-t-il un compositeur avec un tel nom de famille ? - le chauffeur a été surpris. - Écoutez-le pour la première fois. Cependant, Stravinsky est le nom du propriétaire du taxi. Je n'ai rien à voir avec la musique - mon nom de famille est Rossini...

9. Sergueï Sergueïevitch PROKOFIEV (1891—1953)

Sergueï Sergueïevitch Prokofiev est l'un des plus grands compositeurs, pianiste et chef d'orchestre russe du XXe siècle.
Né dans la région de Donetsk, il s'intéresse à la musique dès son enfance. Prokofiev peut être considéré comme l'un des rares (sinon le seul) « prodiges » musicaux russes, dès l'âge de 5 ans il s'est engagé dans la composition, à l'âge de 9 ans il a écrit deux opéras (bien sûr, ces œuvres sont encore immatures, mais ils montrent une envie de créer), à l'âge de 13 ans, il réussit les examens du Conservatoire de Saint-Pétersbourg, parmi ses professeurs se trouvait N.A. Rimsky-Korsakov. Le début de sa carrière professionnelle a suscité une tempête de critiques et d'incompréhensions à l'égard de son style particulier, fondamentalement antiromantique et extrêmement moderniste ; le paradoxe est que, tout en détruisant les canons académiques, la structure de ses compositions est restée fidèle aux principes classiques et est devenue par la suite une référence. force restrictive du scepticisme moderniste qui nie tout. Dès le début de sa carrière, Prokofiev a beaucoup joué et tourné. En 1918, il entreprend une tournée internationale, notamment en URSS, et retourne finalement dans son pays natal en 1936.
Le pays a changé et la créativité « libre » de Prokofiev a été contrainte de céder aux réalités des nouvelles exigences. Le talent de Prokofiev s'est épanoui avec une vigueur renouvelée - il a écrit des opéras, des ballets, de la musique pour des films - une musique pointue, volontaire et extrêmement précise avec de nouvelles images et idées, a jeté les bases de la musique classique et de l'opéra soviétiques. En 1948, trois événements tragiques se produisent presque simultanément : sa première épouse espagnole est arrêtée parce qu'elle est soupçonnée d'espionnage et exilée dans des camps ; une résolution du Poliburo du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union a été publiée dans laquelle Prokofiev, Chostakovitch et d'autres ont été attaqués et accusés de « formalisme » et de méfaits de leur musique ; La santé du compositeur s'est fortement détériorée ; il s'est retiré dans sa datcha et n'en a pratiquement jamais quitté, mais a continué à composer.
Certaines des œuvres les plus marquantes de la période soviétique étaient les opéras « Guerre et Paix » et « L'histoire d'un vrai homme » ; les ballets « Roméo et Juliette » et « Cendrillon », qui sont devenus un nouveau standard de la musique de ballet mondiale ; oratorio « Gardien de la paix » ; musique des films « Alexandre Nevski » et « Ivan le Terrible » ; symphonies n°5,6,7 ; œuvres pour piano.
L’œuvre de Prokofiev surprend par sa polyvalence et l’étendue de ses thèmes, son originalité pensée musicale, la fraîcheur et l'originalité ont constitué toute une époque dans la culture musicale mondiale du XXe siècle et ont eu un impact puissant sur de nombreux compositeurs soviétiques et étrangers.

Citation de S.S. Prokofiev :
« Un artiste peut-il se tenir à l'écart de la vie ?.. J'adhère à la conviction qu'un compositeur, comme un poète, un sculpteur, un peintre, est appelé à servir l'homme et le peuple... Il est avant tout obligé d'être un citoyen dans son art, pour glorifier la vie humaine et conduire les hommes vers un avenir radieux..."
"Je suis une manifestation de la vie, qui me donne la force de résister à tout ce qui n'est pas spirituel"

Citation à propos de S.S. Prokofiev : "... toutes les facettes de sa musique sont belles. Mais il y en a une complètement chose inhabituelle. Apparemment, nous avons tous des échecs, des doutes, juste de la mauvaise humeur. Et dans de tels moments, même si je ne joue pas ou n’écoute pas Prokofiev, mais que je pense simplement à lui, je reçois une incroyable charge d’énergie, je ressens une grande envie de vivre et d’agir.

Fait intéressant : Prokofiev aimait beaucoup les échecs et a enrichi le jeu de ses idées et de ses réalisations, y compris le jeu d'échecs « neuf » qu'il a inventé - un échiquier de 24 x 24 sur lequel neuf séries de pièces sont placées.

10. Dmitri Dmitrievitch CHOSTAKOVITCH (1906 - 1975)

Dmitry Dmitrievich Chostakovitch est l'un des compositeurs les plus importants et les plus interprétés au monde. Son influence sur la musique classique moderne est incommensurable. Ses créations sont de véritables expressions du drame humain intérieur et une chronique des événements difficiles du XXe siècle, où le profondément personnel est étroitement lié à la tragédie de l'homme et de l'humanité, au sort de son pays natal.
Né à Saint-Pétersbourg, le premier leçons de musique reçu de sa mère, il est diplômé du Conservatoire de Saint-Pétersbourg, à son entrée duquel son recteur Alexandre Glazunov l'a comparé à Mozart - il a donc étonné tout le monde par son excellente mémoire musicale, son oreille fine et son don pour la composition. Déjà au début des années 20, à la fin du conservatoire, Chostakovitch avait un bagage composé de ses propres œuvres et devenait l'un des meilleurs compositeurs du pays. La renommée mondiale est revenue à Chostakovitch après avoir remporté le 1er Compétition internationale Chopin en 1927.
Jusqu'à une certaine période, notamment avant la production de l'opéra "Lady Macbeth de Mtsensk", Chostakovitch a travaillé comme un artiste libre - une "avant-garde", expérimentant les styles et les genres. La démolition brutale de cet opéra, organisée en 1936, et les répressions de 1937 marquèrent le début de la lutte interne constante de Chostakovitch pour exprimer ses opinions par ses propres moyens dans un contexte d’imposition étatique des tendances artistiques. Dans sa vie, la politique et la créativité sont étroitement liées, il a été loué et persécuté par les autorités, a occupé des postes élevés et en a été démis, lui et ses proches ont été récompensés et étaient sur le point d'être arrêtés.
Personne douce, intelligente, délicate, il a trouvé sa propre forme d'expression principes créatifs dans des symphonies, où il pouvait dire la vérité sur le temps aussi ouvertement que possible. De toute la créativité de Chostakovitch dans tous les genres, ce sont les symphonies (15 œuvres) qui occupent la place centrale ; les plus dramatiquement intenses sont les 5, 7, 8, 10, 15 symphonies, qui sont devenues le summum de la musique symphonique soviétique. Un Chostakovitch complètement différent se révèle dans la musique de chambre.
Malgré le fait que Chostakovitch lui-même était un compositeur « local » et n'a pratiquement jamais voyagé à l'étranger, sa musique, d'essence humaniste et de forme véritablement artistique, s'est rapidement et largement répandue dans le monde entier et a été interprétée les meilleurs chefs d'orchestre. L'ampleur du talent de Chostakovitch est si immense que la pleine compréhension de ce phénomène unique de l'art mondial est encore à venir.

Citation de D.D. Chostakovitch : « La vraie musique est capable d’exprimer uniquement des sentiments humains, uniquement des idées humaines avancées. »

J'écris généralement des articles lorsque quelque chose me fait penser que ce serait bien d'écrire à ce sujet. Cette fois, c’est exactement ce qui s’est passé. L'autre jour, j'ai regardé la dernière version d'Anna Karénine, réalisée par Joe Wright avec une magnifique musique de Dario Marionelli. J'ai vraiment aimé la photo. Mais maintenant, la conversation ne porte plus sur elle. Le fait est que Dario Marionelli utilise la mélodie familière « Il y avait un bouleau dans le champ » dans la musique du film. C'est ce qui m'a poussé à écrire ce post.
Il serait juste de commencer par les paroles de D.B. Kabalevsky, qui a déclaré que « la chanson populaire, comme une fabuleuse source d'eau vive, a donné aux compositeurs force et inspiration, leur a appris la beauté et le talent, leur a appris à aimer la vie et les gens ».
La musique classique est étroitement liée à la musique folklorique. Les Russes se nourrissaient également d’airs folkloriques. classiques musicaux. Les chants lyriques folkloriques ont eu une forte influence sur le travail des compositeurs russes. Les compositeurs ont largement utilisé les mélodies lyriques des chansons folkloriques existantes et les ont traitées. Souvent, la mélodie, née de l’imagination du compositeur, ressemblait à une mélodie folklorique. Les compositeurs russes aimaient le chant lyrique, en tiraient des leçons et en chantaient la beauté dans leurs chefs-d'œuvre.
L'histoire de la musique classique russe commence avec la créativité M.I.Glinka. Glinka est entré dans l'histoire de la culture musicale non seulement comme un grand compositeur, mais aussi comme le fondateur du style national et de la nationalité dans la musique russe.
La société aristocratique de son époque traitait les chansons folkloriques avec dédain, y voyant le produit de l'imagination grossière et grossière des roturiers. En remettant en question ces idées préconçues, le compositeur a fait preuve à la fois d’un courage créatif et d’une véritable innovation. Ayant incarné l'esprit et l'intonation d'une chanson paysanne dans ses œuvres, Glinka l'a élevé à un niveau supérieur art de haute qualité, a montré sa beauté et sa puissance incroyables.

MI. Glinka. "Kamarinskaïa"

Ses meilleures œuvres écrites sur le folklore comprennent fantaisie symphonique"Kamarinskaya", dans lequel, selon le compositeur P. I. Tchaïkovski, "comme un chêne entier dans un gland", est contenue toute l'école symphonique russe. Glinke disait que « les gens écrivent de la musique et nous, compositeurs, ne faisons que l’arranger ». Le compositeur écoutait des chansons interprétées par des paysans et « s’imprégna de leur structure unique ». Des exemples sont des fragments de l'opéra « Ivan Susanin » (la chanson de Vanya de l'acte III « Comment la mère a été tuée par un petit poussin... » ; l'air de Susanin de l'acte III « Tu te lèveras, mon aube »).

MI. Glinka. L'air d'Ivan Susanin « Tu te lèveras, mon aube » de l'opéra « Ivan Susanin »

D'autres compositeurs russes remarquables se sont également précipités sur la voie du « folklore » tracée par Glinka : A. P. Borodine, M. P. Moussorgski, P. I. Tchaïkovski. N.A. Rimski-Korsakov, S.V. Rachmaninov. Certains d'entre eux ont créé de brillants arrangements de chansons folkloriques, tandis que d'autres ont décoré leurs compositions de mélodies folkloriques.

A.P. Borodine. Opéra "Prince Igor". "Tu es seule, chère Lada, Toi seule ne blâmeras pas, Avec un cœur sensible tu comprendras tout...")

A.P. Borodine continue les traditions de M.I. Glinka. Un exemple frappant l'utilisation des paroles dans la créativité - un fragment de la mélodie lyrique de la section II de l'opéra "Prince Igor" ("Tu es seul, chère Lada, Toi seul ne blâmeras pas, Avec un cœur sensible tu comprendras tout..." ). A.A.Rimski - Korsakov affirme les textes folkloriques et les mélodies de la musique classique. Souvent, le compositeur compose « dans le genre des airs folkloriques persistants ». Un exemple est la chanson de Sadko « Oh, toi chêne foncé » de l'opéra « Sadko ». La mélodie expressive de la chanson contient des chants typiques des chansons lyriques folkloriques.

PI. Tchaïkovski "Andante cantabile" du Quatuor à cordes n°1

Dans le genre des airs folkloriques persistants, il crée des œuvres et P.I. Tchaïkovski. Quand quelqu’un entend pour la première fois la romance de Tchaïkovski, basée sur les poèmes de I. Sourikov « J’étais dans un champ mais pas une herbe… », il la prend souvent pour une chanson folklorique. Chanson folklorique dans les œuvres de P.I. Tchaïkovski est un « invité fréquent ».

PI. Chaïkovski. Symphonie n°4 - finale

Par exemple, dans le finale des 1re et 4e symphonies de Tchaïkovski, on entend les chansons russes « Les fleurs fleuries » et « Dans le champ du bouleau de la table ». Vous vous souvenez de son Andante cantabile du "Quatuor à cordes n° 1", dont le thème principal est la chanson "Vanya était assise", la romance "J'étais dans le champ mais il n'y avait pas d'herbe...", une chanson ukrainienne« Sortez, sortez, Ivanka » dans le final du premier concerto pour piano du compositeur.

S.V. Rachmaninov. Concerto pour piano n°3 (espagnol Van Cliburn)

Dans le merveilleux 3ème concert pour piano et orchestre S.V.Rachmaninov le piano, tel un soliste, chante simplement et doucement sa mélodie, qui est ensuite, tel un chœur, reprise par l'orchestre. «Je voulais», écrit Rachmaninov, «chanter une mélodie au piano, comme la chantent les chanteurs».
On peut énumérer les caractéristiques de la chanson lyrique russe - chant large, énigmes de symboles, flexibilité et beauté. langage musical. Les mêmes caractéristiques - expressivité, mélodie, consonance des voix et mélodies instrumentales - sont présentes dans la musique des compositeurs russes.
Les mélodies folkloriques, pourrait-on dire, sont à la base de nombreuses œuvres de compositeurs classiques. Par conséquent, on peut supposer avec un degré de probabilité élevé que les personnes qui aiment la musique folklorique aiment aussi la musique classique, et vice versa. Il est impossible d’aborder entièrement le sujet de l’utilisation de chansons et mélodies folkloriques russes dans les œuvres de compositeurs classiques, tant il est vaste.
Mon post n'est pas une leçon sur ce sujet, mais quand même, pour ceux qui souhaitent consolider le matériel, vous pouvez contacter

Les compositeurs classiques sont connus dans le monde entier. Chaque nom d'un génie musical est une individualité unique dans l'histoire de la culture.

Qu'est-ce que la musique classique

La musique classique est constituée de mélodies enchanteresses créées par des auteurs talentueux, appelés à juste titre compositeurs classiques. Leurs œuvres sont uniques et seront toujours recherchées par les interprètes et les auditeurs. Le classique, d'une part, est généralement appelé une musique stricte et profondément significative qui n'est pas liée aux genres suivants : rock, jazz, folk, pop, chanson, etc. période de la fin du XIIIe - début du XXe siècle, appelée classicisme.

Les thèmes classiques se distinguent par une intonation sublime, une sophistication, une variété de nuances et une harmonie. Ils ont un effet positif sur la vision émotionnelle du monde des adultes et des enfants.

Étapes de développement de la musique classique. Leur brève description et leurs principaux représentants

Dans l'histoire du développement de la musique classique, on peut distinguer les étapes suivantes :

Renaissance ou Renaissance - début XIVe - dernier quart du XVIe siècle. En Espagne et en Angleterre, la période de la Renaissance dure jusqu'au début du XVIIe siècle.
Baroque - a remplacé la Renaissance et a duré jusqu'au début du XVIIIe siècle. Le centre du style était l’Espagne.
Le classicisme est la période de développement de la culture européenne du début du XVIIIe au début du XIXe siècle.
Le romantisme est une direction opposée au classicisme. A duré jusqu'au milieu du 19e siècle.
Classiques du 20ème siècle - ère moderne.

Brève description et principaux représentants des périodes culturelles

1. Renaissance - une longue période de développement de tous les domaines de la culture. - Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria ont composé et laissé des créations immortelles pour la postérité.

2. Baroque - à cette époque de nouvelles formes musicales apparaissent : polyphonie, opéra. C’est durant cette période que Bach, Haendel et Vivaldi créent leurs œuvres célèbres. Les fugues de Bach sont construites selon les exigences du classicisme : respect obligatoire des canons.

3. Classicisme. Compositeurs classiques viennois qui ont créé leurs créations immortelles à l'ère du classicisme : Haydn, Mozart, Beethoven. La forme sonate apparaît et la composition de l'orchestre s'agrandit. et Haydn se distinguent des œuvres lourdes de Bach par la simplicité de construction et l'élégance des mélodies. C'était encore un classique, une recherche de perfection. Les œuvres de Beethoven constituent la frontière entre les styles romantique et classique. Dans la musique de L. van Beethoven, il y a plus de sensualité et d'ardeur que de canon rationnel. Ce qui suit s'est démarqué genres importants, en symphonie, sonate, suite, opéra. Beethoven a donné naissance à la période romantique.

4. Romantisme. Les œuvres musicales sont caractérisées par la couleur et le drame. Différents genres de chansons se forment, par exemple les ballades. Les œuvres pour piano de Liszt et Chopin ont été reconnues. Les traditions du romantisme ont été héritées par Tchaïkovski, Wagner et Schubert.

5. Classiques du XXe siècle - caractérisés par le désir des auteurs d'innover dans les mélodies ; les termes aléatoires, atonalisme sont apparus. Les œuvres de Stravinsky, Rachmaninov, Glass sont classées dans le format classique.

Compositeurs classiques russes

Tchaïkovski P.I. - Compositeur russe, critique musical, personnalité publique, professeur, chef d'orchestre. Ses compositions sont les plus interprétées. Ils sont sincères, faciles à percevoir, reflètent l'originalité poétique de l'âme russe, peintures scéniques Nature russe. Le compositeur a créé 6 ballets, 10 opéras, plus d'une centaine de romances, 6 symphonies. Le ballet de renommée mondiale « Le Lac des Cygnes », l'opéra « Eugène Onéguine », « Album pour enfants ».

Rachmaninov S.V. - travaux compositeur exceptionnelémouvants et joyeux, et certains ont un contenu dramatique. Leurs genres sont variés : des petites pièces de théâtre aux concerts et opéras. Les œuvres généralement reconnues de l'auteur : les opéras « Le Chevalier avare », « Aleko » d'après le poème de Pouchkine « Les Tsiganes », « Francesca da Rimini » d'après une intrigue empruntée à « Comédie divine» Dante, poème « Les Cloches » ; suite « Danses Symphoniques » ; concerts de piano; vocalise pour voix avec accompagnement au piano.

Borodine A.P. était compositeur, professeur, chimiste et médecin. La création la plus significative est l'opéra « Prince Igor » de travail historique«Le Conte de la campagne d'Igor», que l'auteur a écrit pendant près de 18 ans. De son vivant, Borodine n'a pas eu le temps de le terminer ; après sa mort, l'opéra a été achevé par A. Glazunov et N. Rimsky-Korsakov. Grand compositeur est le fondateur de quatuors et de symphonies classiques en Russie. La Symphonie « Bogatyr » est considérée comme la couronne de la symphonie héroïque mondiale et nationale russe. Les quatuors instrumentaux de chambre, les premier et deuxième quatuors, ont été reconnus comme exceptionnels. L'un des premiers à introduire des figures héroïques de la littérature russe ancienne dans les romans.

Grands musiciens

Le député Moussorgski, dont on peut dire, est un grand compositeur réaliste, un innovateur courageux qui aborde des problèmes sociaux aigus, un magnifique pianiste et un excellent chanteur. Le plus significatif oeuvres musicales sont les opéras « Boris Godounov » basés sur l'œuvre dramatique d'A.S. Pouchkine et "Khovanshchina" - drame musical folklorique, principal personnage agissant ces opéras sont un peuple rebelle issu de différentes couches sociales ; cycle créatif « Tableaux d'une exposition », inspiré des œuvres de Hartmann.

Glinka M.I. - célèbre compositeur russe, fondateur du mouvement classique dans la culture musicale russe. Il a achevé le processus de création d'une école de compositeurs russes, basée sur la valeur de la musique folklorique et professionnelle. Les œuvres du maître sont empreintes d’amour pour la patrie et reflètent l’orientation idéologique du peuple de cette patrie. époque historique. Le drame populaire de renommée mondiale « Ivan Susanin » et l'opéra-conte « Ruslan et Lyudmila » sont devenus de nouvelles tendances dans l'opéra russe. Les œuvres symphoniques « Kamarinskaya » et « Ouverture espagnole » de Glinka constituent les fondements du symphonisme russe.

Rimsky-Korsakov N.A. est un talentueux compositeur, officier de marine, professeur et publiciste russe. Deux courants peuvent être tracés dans son œuvre : historique (« La fiancée du tsar", "Pskovite") et les contes de fées ("Sadko", "Snow Maiden", suite "Scheherazade"). Particularité les œuvres du compositeur : originalité fondée sur des valeurs classiques, homophonie dans la structure harmonique des premières œuvres. Ses compositions ont le style de l'auteur : des solutions orchestrales originales avec des partitions vocales inhabituellement construites, qui sont les principales.

Les compositeurs classiques russes ont tenté de refléter dans leurs œuvres la pensée cognitive et le folklore caractéristiques de la nation.

culture européenne

Les compositeurs classiques célèbres Mozart, Haydn et Beethoven vivaient dans la capitale de la culture musicale de l'époque - Vienne. Les génies sont unis par une performance magistrale, d'excellentes solutions de composition et l'utilisation de différents styles musicaux : des airs folkloriques aux développements polyphoniques. thèmes musicaux. Les grands classiques se caractérisent par une activité mentale créative complète, une compétence et une clarté dans la construction. formes musicales. Dans leurs œuvres, l'intelligence et les émotions, les composantes tragiques et comiques, l'aisance et la prudence sont organiquement liées.

Beethoven et Haydn se tournaient vers les compositions instrumentales, Mozart réussissait magistralement dans les compositions d'opéra et d'orchestre. Beethoven était un créateur inégalé œuvres héroïques, Haydn appréciait et utilisait avec succès les genres humoristiques et folkloriques dans son œuvre, Mozart était un compositeur universel.

Mozart est le créateur de la forme instrumentale sonate. Beethoven l'a amélioré et l'a amené à des sommets inégalés. La période est devenue une période d’apogée du quatuor. Haydn, suivi de Beethoven et Mozart, ont apporté une contribution significative au développement de ce genre.

Maîtres italiens

Giuseppe Verdi - un musicien exceptionnel du 19ème siècle, a développé le traditionnel opéra italien. Il avait un talent impeccable. Le point culminant de son activité de compositeur fut les œuvres d'opéra "Il Trovatore", "La Traviata", "Othello", "Aida".

Niccolo Paganini - né à Nice, l'une des personnalités musicales les plus douées des XVIIIe et XIXe siècles. Il était un maître du violon. Il compose des caprices, des sonates, des quatuors pour violon, guitare, alto et violoncelle. Il a écrit des concertos pour violon et orchestre.

Gioachino Rossini - a travaillé au 19ème siècle. Auteur de musique sacrée et de chambre, a composé 39 opéras. Les œuvres remarquables sont « Le Barbier de Séville », « Othello », « Cendrillon », « La Pie voleuse », « Semiramis ».

Antonio Vivaldi est l'un des plus grands représentants de l'art violonistique du XVIIIe siècle. A acquis une renommée grâce à ses plus œuvre célèbre- 4 concerts de violon "Les Saisons". A vécu une vie incroyablement fructueuse vie créative, composé 90 opéras.

De célèbres compositeurs classiques italiens ont laissé un héritage musical éternel. Leurs cantates, sonates, sérénades, symphonies, opéras feront le plaisir de plus d'une génération.

Particularités de la perception de la musique par un enfant

Écouter de la bonne musique a un effet positif sur le développement psycho-émotionnel d'un enfant, selon les psychologues pour enfants. La bonne musique initie les gens à l’art et façonne le goût esthétique, disent les enseignants.

De nombreuses créations célèbres ont été créées par des compositeurs classiques pour les enfants, en tenant compte de leur psychologie, de leur perception et des spécificités de leur âge, c'est-à-dire pour l'écoute, tandis que d'autres ont composé diverses pièces pour les petits interprètes, facilement perçues à l'oreille et techniquement accessibles pour eux.

«Album pour enfants» de P.I. Tchaïkovski. pour les petits pianistes. Cet album est une dédicace à mon neveu qui aimait la musique et était un enfant très doué. La collection contient plus de 20 pièces de théâtre, certaines basées sur des matériaux folkloriques : motifs napolitains, danses russes, mélodies tyroliennes et françaises. Collection « Chansons pour enfants » de P.I. Tchaïkovski. conçu pour la perception auditive des enfants. Chansons d'humeur optimiste sur le printemps, les oiseaux, un jardin fleuri (« Mon jardin »), sur la compassion pour le Christ et Dieu (« Le Christ avait un jardin lorsqu'il était enfant »).

Classiques pour enfants

De nombreux compositeurs classiques ont travaillé pour les enfants, dont la liste des œuvres est très diversifiée.

Prokofiev S.S. "Pierre et le loup" - conte symphonique pour les enfants. Grâce à ce conte de fées, les enfants se familiarisent avec les instruments de musique orchestre symphonique. Le texte du conte de fées a été écrit par Prokofiev lui-même.

Schumann R. « Scènes d'enfants » sont de courtes histoires musicales avec une intrigue simple, écrites pour des interprètes adultes, des souvenirs d'enfance.

Le cycle pour piano de Debussy "Le coin des enfants".

Ravel M. « Mother Goose » d'après les contes de C. Perrault.

Bartok B. « Premiers pas au piano. »

Cycles pour enfants Gavrilova S. « Pour les plus petits » ; « Héros des contes de fées » ; "Les gars, à propos des animaux."

Chostakovitch D. «Album de pièces pour piano pour enfants».

Bakh I.S. "Le livre de musique d'Anna Magdalena Bach." Tout en enseignant la musique à ses enfants, il a créé des pièces et des exercices spéciaux pour leur permettre de développer leurs compétences techniques.

Haydn J. est l'ancêtre de la symphonie classique. Il a créé une symphonie spéciale appelée « Enfants ». Les instruments utilisés : un rossignol en argile, un hochet, un coucou – lui confèrent une sonorité insolite, enfantine et ludique.

Saint-Saëns K. imagine une fantaisie pour orchestre et 2 pianos intitulée « Carnaval des Animaux », dans laquelle moyens musicaux a magistralement transmis le caquetement des poulets, le rugissement d'un lion, la complaisance d'un éléphant et sa manière de se déplacer, un cygne d'une grâce touchante.

En composant des compositions pour enfants et jeunes, les grands compositeurs classiques ont pris soin d'intéressants scénariosœuvre, la disponibilité du matériel proposé, en tenant compte de l'âge de l'interprète ou de l'auditeur.

La musique classique mondiale est impensable sans les œuvres des compositeurs russes. La Russie, un grand pays doté d'un peuple talentueux et d'un héritage culturel propre, a toujours été l'un des principaux moteurs du progrès mondial et de l'art, y compris de la musique. L'école de composition russe, dont les traditions étaient les écoles soviétiques et russes d'aujourd'hui, a débuté au XIXe siècle avec des compositeurs qui combinaient l'art musical européen avec des mélodies folkloriques russes, reliant ainsi la forme européenne et l'esprit russe.

On peut dire beaucoup de choses sur chacun de ces personnages célèbres ; ils ont tous connu des destins difficiles et parfois tragiques, mais dans cette revue, nous avons essayé de donner seulement une brève description de la vie et de l'œuvre des compositeurs.

Citation du compositeur :
«Je suis un artiste qui peut et doit faire honneur à ma patrie. Je ressens en moi une grande force artistique, je n'ai pas encore fait le dixième de ce que je peux faire et je veux le faire de toute la force de mon âme. .»
"La vie n'a de beauté que lorsqu'elle est faite d'alternance de joies et de peines, de lutte entre le bien et le mal, de lumière et d'ombre, en un mot de diversité dans l'unité."
"Un grand talent nécessite un travail acharné."

Citation sur le compositeur : "Je suis prêt à monter une garde d'honneur jour et nuit sous le porche de la maison où vit Piotr Ilitch - c'est dire à quel point je le respecte." A.P.Tchekhov

Fait intéressant : l'Université de Cambridge a décerné à Tchaïkovski le titre de docteur en musique par contumace et sans soutenir de thèse, et l'Académie des Beaux-Arts de Paris l'a élu membre correspondant.

P.I. Tchaïkovski. "Marche slave"