La caractéristique la plus générale des genres, s'adressant directement à leur contenu, est déjà donnée dans les noms : musique lyrique, dramatique, épique. Cela inclut également la musique du programme.
Pour des caractéristiques de genre plus spécifiques, de nombreux noms spéciaux ont été historiquement développés. Sonate, symphonie, ouverture, suite, concerto, poème, fantaisie, ballade, autant de noms de genre d'œuvres plus ou moins grandes.
Opéra, cantate, oratorio, symphonie - il s'agit ici non seulement des moyens d'interprétation, mais aussi de l'essence de ces genres.
Une caractéristique de genre plus spécifique est donnée par les titres doubles. Par exemple, lyrique-psychologique, épique, opéra ou symphonie ; sonate pastorale ou poème dramatique.
Il existe d’innombrables titres de genre pour des œuvres à plus petite échelle. Par exemple, les chansons sans paroles de Mendelssohn ; préludes, études, nocturnes, ballades de Chopin ; Rhapsodies de Liszt ; études-peintures de Rachmaninov, contes de fées de Medtner et Prokofiev.
Certains de ces titres sont de nature générale, tandis que d’autres sont plus spécifiques à un genre. Par exemple, les suites françaises et anglaises de Bach, " Danses norvégiennes"Grieg, "Capriccio italien" de Tchaïkovski, "Jota aragonais" de Glinka.
Dans les œuvres des romantiques, il existe une grande variété de logiciel des titres avec une caractéristique de genre plus individualisée. La programmaticité est le trait le plus caractéristique de l’ère romantique. L'appel à la programmation a été provoqué par le désir des compositeurs romantiques d'exprimer directement une idée, une image, un personnage spécifique dans le langage de la musique et de rapprocher la musique des autres arts, de la littérature et de la peinture. La complexité des phénomènes réfléchis, la nouveauté des moyens et des formes - tout cela nécessitait des instructions de l'auteur qui dirigeraient l'attention et aideraient à comprendre correctement le sens de l'œuvre. Les compositeurs ont incarné ce désir commun de différentes manières. Berlioz lui-même a écrit pour ses symphonies un vaste programme, semblable à un livret d'opéra. Les œuvres de Liszt s'inspirent d'images de la littérature mondiale et portent leurs noms. Par exemple, les symphonies « Faust » (chaque partie a un nom : « Faust », « Gretchen », « Méphistophélès »), « Dante » de « Comédie divine» Dante ; poèmes symphoniques "Orphée" - mythologie ancienne, « Hamlet » d'après Shakespeare, « La Bataille des Huns » d'après une fresque artiste allemand Katzlbach. Schumann a proposé un titre caractéristique d'une pièce donnée, indiquant un contenu spécifique, ou exprimant une idée ou une intention poétique générale dans le titre. Par exemple, les cycles pour piano « Papillons », « Fleurs ». Et parfois, détaillant le contenu, il donne à chaque pièce du cycle un titre individuel. C'est le cas des miniatures « Pierrot », « Agréables Rencontres », « Tendres Confessions », « Coquette », etc., incluses dans le cycle de piano « Carnaval ».
Dans la musique non programmée, les noms des genres de danse sont les plus définis. Chopin dans son créativité pianistique s'est limité uniquement à définir le genre de l'œuvre : nocturne, ballade, polonaise, mazurka, valse.
Le genre, en tant que généralisation de la pratique musicale et sociale, est un moyen d'expression essentiel image artistique V littérature musicale. Par exemple:
Dans les œuvres de Beethoven et Schubert grande importance acheté en mars – genre associé à l'époque de la Révolution française, mouvement révolutionnaire les masses, avec l'époque Guerres Napoléoniennes;
Genres de chants et de danses folkloriques dans les œuvres des compositeurs russes des XIXe-XXe siècles. Par exemple : la danse « mazurka » - comme moyen de créer la couleur nationale - Glinka. Opéra « Ivan Susanin », acte II ; chansons - comme moyen de caractérisation musicale de l'image en relation avec le texte de la chanson - Sviridov. Poème « À la mémoire de S. Yesenin », partie VII « Enfants paysans ».
À mesure que le contenu de la pensée sociale change, les genres musicaux typiques d'une époque donnée changent également - certains disparaissent (par exemple, le chant grégorien, le ricercar) et d'autres apparaissent (la chanson artistique, l'opéra rock).
Une œuvre musicale, comme toute autre forme d’art, est unité de contenu et de forme.
Option I
Contenu musical– affichage de la réalité dans des images musicales spécifiques. Artistique, etc les images musicales n'apparaissent pas dans l'imagination créatrice d'elles-mêmes, mais en conséquence perception réalité. Cette perception ne transfère pas automatiquement les phénomènes de la réalité en art (naturalisme), mais les transforme en images artistiques grâce au traitement créatif des impressions de la vie. Par conséquent, le reflet artistique de la réalité (même dans les beaux-arts) est le reflet de l’attitude généralisée de l’artiste envers la réalité, de sa vision du monde.
Images musicales- le résultat de ce type de généralisation sensorielle, qui a lieu dans le monde spirituel de l'homme et crée la base à la fois de l'imagination créatrice du compositeur et de la perception éthique de l'auditeur. Musique l'image naît sous forme musicale et est perçue comme un phénomène d'ordre musical. Par conséquent, les images musicales ne sont pas seulement un produit de la réalité, mais aussi un produit de la culture musicale avec tous ses moyens d'expression musicaux historiquement développés qui forment un « langage musical ».
Option II
La réalité se reflète dans l'art sous forme images artistiques. Les principales caractéristiques d'une image artistique sont généralement données au début de l'œuvre, mais l'image artistique se révèle pleinement au cours du processus d'élaboration du contenu. La présentation initiale d'une image artistique en musique s'appelle chanson du thème(une construction qui sert de base au processus de développement ultérieur).
Concept forme musicale a deux significations : large, esthétique générale et étroite, technologique.
DANS dans un sens large – la forme représente un système organisé holistique de musique moyens expressifs, à l'aide duquel s'incarne le contenu de l'œuvre (un ensemble de moyens musicaux et expressifs qui révèlent le contenu idéologique et figuratif de l'œuvre). Les composants de la forme musicale dans ce sens ne sont pas seulement la structure (type de composition) de l'œuvre dans son ensemble et de ses parties, mais aussi la texture - la manière de présenter le matériel musical - (mélodie, harmonie, rythme - dans leur unité) , moyens de timbre et de registre, nuances dynamiques, tempo, méthodes de production sonore, etc.
Au sens étroit- structure de l'œuvre (type de composition - la structure d'une œuvre musicale ou autre œuvre artistique, née de la relation entre ses éléments les plus importants. La composition de l'œuvre est intentionnelle et aide à exprimer l'intention du compositeur) ; construction d'une œuvre musicale, la relation de ses parties.
Option I
Développement musical dans l'œuvre en continu. La continuité est maintenue par une dynamique interne, provoquant une anticipation constante du développement ultérieur, jusqu'à son achèvement final.
En même temps, la musique se caractérise articulation, démembrementà travers des cadences, des arrêts de longue durée, des pauses. Ces signes de ponctuation musicale, formant la rondeur et l'exhaustivité des constructions individuelles, sont appelés césures (le moment de division entre n'importe quelle partie de la forme).
En raison de sa similitude à cet égard avec le discours verbal (chapitres, paragraphes, phrases et même mots), le développement musical est appelé discours musical(phrases, phrases, point).
Les principaux signes de césure :
S'arrêter sur un son long ;
Répétition de figures mélodiques et rythmiques ;
Modification des nuances dynamiques, des registres, etc.
La césure est généralement exprimée le plus clairement dans la voix principale.
La partie de la forme délimitée par les césures est appelée construction(quelle que soit la durée - d'un battement à des centaines de battements). Parties du formulaire, c'est-à-dire les constructions séparées les unes des autres par des césures sont en même temps dans l'unité, grâce à laquelle elles forment ensemble ensemble musical.
La division d'une pensée musicale relativement complète en parties et leur subordination les unes aux autres (unité) - syntaxe musicale.
Option II
Syntaxe(grec - composition) est un domaine de grammaire consacré à l'étude des connexions sémantiques dans discours verbal, la doctrine des phrases, des phrases.
En musique, il existe également des liens entre les sons individuels qui forment des phrases musicales et entre les phrases elles-mêmes. Ces connexions naissent sur la base du mode, du rythme de la mesure, de la forme du mouvement mélodique, etc. - tout cela parle de syntaxe du discours musical.
Un morceau de musique peut être comparé à Travail littéraire. Une histoire, un roman, a un plan, une idée et un contenu qui deviennent clairs au fur et à mesure de la présentation. De plus, chaque pensée est exprimée en phrases complètes, séparées les unes des autres par des points. Les parties d'une phrase sont séparées par des virgules.
Dans une œuvre musicale, le contenu n’est pas non plus présenté dans un flux continu de sons. En écoutant de la musique, on y perçoit des moments de division – césure. La césure est le moment où se produit la séparation d’une construction d’une autre. Les césures ont des traits caractéristiques :
Changement de registres, texture, mouvement mélodique, tempo, timbre ;
L'émergence de nouveaux matériel mélodique ou sa répétition;
Césure entre une construction et sa construction littérale ou variée.
Tout comme dans le langage courant, une pensée est exprimée dans des phrases composées de mots individuels, de même dans la mélodie, les phrases sont divisées en structures plus petites - phrases Et motifs(éléments constitutifs des formes musicales, cellules qui constituent la base d'une mélodie).
Motif- la plus petite partie de la mélodie, cellule indivisible de la parole musicale, qui a une certaine signification expressive et qui peut être reconnue lorsqu'elle apparaît.
Mozart. Symphonie n° 40, chapitre ;
Tchaïkovski « Chanson allemande » (d.a.) ;
Chaïkovski. Peut. « Nuits blanches » (da );
Haydn. Menuet;
Mozart. Menuet;
Purcell. Aria;
Mordasov. Ancien motif.
Des séquences de 2-3 motifs forment une structure relativement fermée - phrase musicale. Les phrases, à leur tour, sont combinées et la séquence de 2 phrases constitue une construction encore plus grande, appelée offre. La séquence de 2 phrases constitue une section complète, appelée période - un formulaire simple en une partie.
La plupart des petites pièces sont des pièces d’époque. Mais pour la plupart, les œuvres musicales consistent en une chaîne de périodes.
Ainsi la succession de deux périodes forme un simple formulaire en deux parties (A+A 1, A+B). En musique vocale, cette forme est appelée verset.
- Chaïkovski. Peut. "Nuits Blanches" (d.a.) - A+B;
Maïkapar. A la maternelle - A+B ;
Schumann. Mars - A+B ;
- Shulgin. Mars d'octobre -A+B ;
- Haendel. Menuet - A+A1 ;
- Purcell. Aria - A+A1 ;
- Bach. Aria -A+A1
Formulaire tripartite se compose de trois sections (le plus souvent trois périodes) : les 1ère et 3ème sections sont les mêmes ; milieu - soit continue le développement du matériel thématique de la 1ère partie, soit se construit sur un matériel nouveau, souvent contrasté (A+A1 +A, A+B+A).
Chaïkovski. « Marche des soldats de bois » (d.a.) - A+A1 +A ;
Chaïkovski. "Nouvelle poupée" (d.a.) - A+A1 +A ;
Chaïkovski. "Alouette" (da) - A+A1 +A ;
- Mozart. Menuet - A+A1 +A ;
Chaïkovski. « Doux rêve » (d.a.) - A+B+A ;
- Rubinstein. "Mélodie" - A+B+A ;
- Moussorgski. « Baba Yaga », « Ballet des poussins non éclos » (« Tableaux d'une exposition ») – sl. en 3 parties avec un milieu contrasté ;
Grieg. "Cortège des Nains" - mots en 3 parties avec un milieu contrasté ;
- Prokofiev. Danse des chevaliers - paroles. en 3 parties avec un milieu contrasté ;
-Mozart. Symphonie n° 40, partie III - paroles. 3 parties avec trio
Variantes- une forme musicale constituée d'un thème et de plusieurs répétitions de celui-ci sous une forme modifiée ( A + A 1 + A 2 + A 3...).
- Haendel. Passacaglia g moll – 2957 (basse ostinato) ;
Mozart. Variations sur un thème français. Chansons. – 572 ;
Grieg. Dans la Grotte du Roi de la Montagne – 3641 (soprano ostinato) ;
Effilochage. Boléro – 3139 (variations doubles) ;
Glinka. Kamarinskaya - 3578 (variations doubles)
Chostakovitch. Symphonie n°7, première partie, épisode d'invasion – variations libres sur un thème constant
Rondo(Français – danse en rond, marche en cercle) – une forme musicale consistant en la répétition répétée d'un thème – s'abstenir(le sujet est enseigné au moins 3 fois), avec quelles sections d'autres contenus alternent - épisodes. La forme rondo commence et se termine par un refrain, formant une sorte de cercle vicieux (A+B+A+C+D+A).
Couperin. Chaconne « Bien-aimée » - 2874 ;
Mozart. Arioso Figaro "Frisky Boy...", I d. "Les Noces de Figaro" -
Glinka. Romance "Nuit Guimauve" -
Glinka. Rondo Farlafa, II bâtiment « Rouslan et Lyudmila » –
Borodine. Lamentation de Yaroslavna, IV d. « Prince Igor » -
Prokofiev. "Juliette est une fille" -
Moussorgski. "Tableaux lors d'une exposition" - rondo avec fonctionnalités de suite.
Les grandes œuvres constituées de parties distinctes unies par un concept commun sont classées comme formes cycliques.
Genres musicaux – genres et espèces historiquement établis œuvres musicales, unis par un contenu, une forme, des conditions (lieu) d'exécution et une composition d'artistes interprètes ou exécutants communs.
En science musicale, diverses classifications de genres de créativité compositionnelle se sont développées. Ils dépendent de celui des facteurs déterminant le genre qui est considéré comme le principal. Par composition d'interprètes les genres sont divisés en instrumentaux et vocaux (y compris vocaux-instrumentaux). Tour à tour, dans chaque groupe, on peut distinguer les genres solo, ensemble, orchestral/choral.
Au lieu d'exécution les genres peuvent être la chambre (pour une représentation dans de petites salles par un solo ou un ensemble), le concert (pour une représentation sur scène par un orchestre et/ou une chorale), le théâtre musical. Les genres du quotidien (chant, danse, marche) se distinguent.
L’effet cumulé de ces critères par rapport aux principaux genres de musique académique peut être présenté dans le tableau suivant :
| Genres vocaux | Genres instrumentaux | ||
| Chanson | Marche dansante | Genres du quotidien | |
| Genres solos | Romance | Pièce instrumentale Sonate | Genres de chambre |
| Genres d'ensemble | Duos vocaux, trios, quatuors, etc. | Duos instrumentaux, trios, quatuors, etc. | |
| Genres choraux/orchestres | Cantate Oratorio | Concert instrumental Ouverture symphonique Poème symphonique (photo) Suite symphonique | Genres de concerts |
| Opéra Opérette Musicale | Ballet | Genres musicaux et théâtraux |
Par forme les genres sont divisés en miniatures (petites œuvres en une partie - chansons, romances, pièces de théâtre), grandes œuvres en une partie (ouverture, poème symphonique), cycles (œuvres composées de plusieurs parties - sonate, concert, symphonie, suite).
Par contenu les œuvres musicales, comme les œuvres littéraires, sont lyriques, dramatiques et épiques. Cependant, la classification des genres musicaux selon ce critère est la moins précise, car en musique les qualités de narration, d'expressivité et d'efficacité sont parfois difficiles à différencier. Ainsi, une romance peut dépasser le genre lyrique s'il y a un développement dramatique. Et une symphonie dramatique peut acquérir la qualité d’une déclaration lyrique confessionnelle.
En résumant plusieurs critères, nous pouvons donner les définitions suivantes aux principaux genres musicaux :
La chanson est le genre le plus répandu de musique vocale, folk et professionnelle (d'auteur). Œuvre musicale et poétique solo ou chorale. Il peut être destiné à une représentation à domicile, à une prestation de chambre ou de concert.
Romance est une œuvre vocale de chambre pour voix avec accompagnement instrumental. Miniature lyrique.
La cantate est un genre vocal-instrumental de concert, une œuvre pour un chœur, un ou plusieurs chanteurs solistes et un orchestre. Comprend des airs, des récitatifs et des refrains.
L'Oratorio est une grande œuvre vocale et instrumentale pour chœur, chanteurs solistes et orchestre. Comprend des airs, des récitatifs et des refrains. Elle diffère de la cantate par sa plus grande taille et de l'opéra par le fait qu'elle est destinée à être interprétée en concert.
L'opéra est un genre musical et théâtral basé sur la synthèse des paroles, de l'action scénique et de la musique. Comprend des airs (formes solos avec mélodie chantée), des récitatifs (formes solos avec mélodie se rapprochant de la parole naturelle), des ensembles et des chœurs. S'ouvre sur une ouverture (introduction orchestrale), peut contenir d'autres épisodes instrumentaux (introductions à des actions individuelles, danses)
Une pièce instrumentale est un nom général pour les miniatures instrumentales de chambre, principalement solistes. Il compte des dizaines de variétés de genres et de désignations d'auteurs (nocturne, impromptu, moment musical, « chanson sans paroles », « feuille d'album », etc.)
La sonate est l'un des principaux genres de musique de chambre musique instrumentale, une œuvre pour soliste ou petit ensemble. Un cycle en trois parties (rarement en quatre parties) avec des parties extérieures rapides.
La symphonie est l'un des principaux genres de musique instrumentale de concert, une œuvre pour orchestre symphonique. Le cycle se compose généralement de 4 parties.
Concerto – une œuvre pour un, ou moins souvent plusieurs, instruments solistes avec orchestre symphonique. Un cycle de 3 parties, contrastées en tempo (rapide, lent, rapide). Il existe également des concerts pour un instrument (sans orchestre), pour orchestre (sans solistes), pour voix avec orchestre, pour chœur a capella (sans accompagnement instrumental).
La suite est un genre de musique instrumentale, de chambre et de concert. Œuvre pour instrument soliste, ensemble, orchestre. Cycle composé d'un nombre arbitraire de parties, généralement contrastées par leur tempo, leur rythme et leur caractère.
Compilé par:
Solomonova N.A.
Dans la littérature musicologique, les scientifiques se tournent moins souvent vers le développement de concepts tels que le style et le genre que, par exemple, dans la critique littéraire, comme de nombreux chercheurs l'ont souligné à plusieurs reprises. C'est cette circonstance qui nous a poussé à rédiger ce résumé.
Le concept de style reflète la relation dialectique entre le contenu et la forme d'une œuvre, la communauté des conditions historiques, les visions du monde des artistes et leur méthode de création.
La notion de « style » est née à la fin de la Renaissance, à la fin du XVIe siècle, et elle recouvre de nombreux aspects :
Caractéristiques individuelles créativité de tel ou tel compositeur ;
caractéristiques générales lettres d'un groupe de compositeurs (style scolaire) ;
caractéristiques du travail des compositeurs d'un pays (style national);
caractéristiques des œuvres incluses dans n'importe quel groupe de genre - le style du genre (ce concept a été introduit par A.N. Sokhor dans son ouvrage « La nature esthétique du genre en musique »).
La notion de « style » est largement utilisée en relation avec l'appareil d'interprétation (par exemple, le style vocal de Moussorgski, le style pianistique de Chopin, le style orchestral de Wagner, etc.). Les musiciens et les chefs d'orchestre apportent également leur interprétation unique au style de l'œuvre interprétée, et nous pouvons également reconnaître des interprètes particulièrement doués et brillants par leur interprétation unique, par la nature du son de l'œuvre. Ce sont de grands musiciens comme Richter, Gilels, Sofronitsky, Oistrakh, Kogan, Kheifetz, les chefs d'orchestre Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan et d'autres.
Parmi les études les plus célèbres consacrées aux problèmes du style musical, il faut citer dans cet esprit les ouvrages suivants : « Beethoven et ses trois styles » de A.N. Serov, « Caractéristiques du style de Chostakovitch » (recueil d'articles), « Le style de Prokofiev ». symphonies » de M.E. Tarakanova, « Sur le problème du style de I. Brahms » de E.M. Tsareva, ou « Principes artistiques des styles musicaux » de S.S. Skrebkov, « Le style classique dans la musique du 1111e au début du 19e siècle ; Conscience de soi de l'époque et de la pratique musicale" de L. V. Kirillina, "Recherches sur Chopin" de L. A. Mazel, où il note à juste titre que l'analyse d'une œuvre spécifique est impossible sans prendre en compte les schémas historiques généraux d'un style donné, et révéler le contenu de l'œuvre est impossible sans une compréhension claire du sens expressif de certaines techniques formelles de ce style. Une analyse exhaustive d'une œuvre musicale, revendiquant l'impeccabilité scientifique, selon le scientifique, devrait être une condition préalable à une connaissance approfondie et complète de ce style, de son origine historique et le sens, son contenu et ses techniques formelles.
Les scientifiques proposent un certain nombre de définitions.
Un style musical est un système de pensée artistique, de concepts idéologiques et artistiques, d'images et de moyens de leur mise en œuvre, qui se pose sur une certaine base socio-historique. (L.A. Mazel)
Le style musical est un terme de l'histoire de l'art qui caractérise un système de moyens d'expression qui sert à incarner l'un ou l'autre contenu idéologique (E.M. Tsareva)
Le style est une propriété (caractère) ou des caractéristiques principales par lesquelles on peut distinguer les œuvres d'un compositeur d'un autre ou une œuvre d'une période historique... d'une autre (B.V. Asafiev)
Le style est une propriété particulière, ou plutôt la qualité des phénomènes musicaux. Il est possédé par une œuvre ou sa performance, une édition, une solution de conception sonore, voire une description d'une œuvre, mais seulement dans ceci, cela, le tiers, etc. l'individualité du compositeur, de l'interprète et de l'interprète derrière la musique est directement ressentie et perçue.
Le style musical est une qualité distinctive des créations musicales qui font partie d'une communauté génétique particulière (l'héritage d'un compositeur, d'une école, d'un mouvement, d'une époque, d'un peuple, etc.), qui permet de ressentir, de reconnaître, de déterminer directement leur genèse et leurs manifestations. elle-même dans la totalité sans exclure les propriétés de la musique perçue, unie en un système intégral autour d'un ensemble de traits caractéristiques distinctifs. (E.V.Nazaikinsky).
Selon le scientifique, les moyens et les caractéristiques stylistiques les plus frappants de la musique sont distinctifs et peuvent être attribués aux traits caractéristiques du style.
En règle générale, c’est le style individuel de l’œuvre d’un compositeur qui attire le plus les chercheurs. « Le style en musique, comme dans d’autres formes d’art, est une manifestation du caractère personnalité créative créer de la musique ou l’interpréter » (E.V. Nazaikinsky). Les scientifiques accordent une grande attention à l’évolution du style des compositeurs. En particulier, les trois styles de Beethoven qui ont attiré l’attention de Serov ont été mentionnés ci-dessus. Les chercheurs étudient attentivement le style précoce, mature et tardif de Scriabine, etc.
« L'effet de certitude stylistique » (E. Nazaikinsky) fournit les moyens et les caractéristiques de la musique les plus stylistiquement frappants, qui sont distinctifs et peuvent être attribués aux traits caractéristiques du style. Grâce à eux, les auditeurs reconnaîtront le style d’une œuvre particulière, le style du compositeur et le style d’interprétation d’un interprète particulier. Par exemple, une révolution modale-harmonique caractéristique de Grieg est la transition de la tonalité d'ouverture non pas vers la tonique, mais vers le cinquième degré du mode (Concerto pour piano avec orchestre - accords d'ouverture, la célèbre « Chanson de Solveig » de la suite « Peer Gynt", ou le mouvement descendant du cinquième degré au sixième degré élevé (pièces lyriques, "Valse" en la mineur), ou la célèbre "harmonie Rachmaninov" - un accord formé en mineur par la quatrième, la sixième, la septième élevée et troisièmes degrés avec résolution à la tonique en position mélodique de tierce (phrases initiales de sa célèbre romance « Oh, ne sois pas triste ! » - il y a beaucoup d'exemples, ils peuvent être continués à l'infini.
Très caractéristique importante le style est la fixation et l'expression d'un certain contenu, comme l'ont souligné E.V. Nazaykinsky, M.K. Mikhailov, L.P. Kazantseva, A.Yu.
La spécificité du style national se retrouve principalement dans la façon dont ils se rapportent origines du folklore et composition professionnelle dans le cadre du style national. Comme le note à juste titre E.V. Nazaykinsky, tant le matériel folklorique que les principes de la musique folklorique et ses éléments spécifiques peuvent servir de source d'originalité du style national général. L'étendue et la nature de la conscience d'appartenance à une nation particulière, ainsi que son reflet dans la créativité, dépendent en grande partie de l'interaction de la culture autochtone avec les cultures étrangères et leurs éléments, des autres nations et cultures dans lesquelles une personne entre. contact avec. Même le style individuel le plus fort et le plus brillant, dans le processus de sa formation et de son développement, est influencé par les styles de l'école, de l'époque, de la culture et du peuple. Je me souviens des paroles merveilleuses de V. G. Belinsky : « Si le processus de développement culturel d'un peuple passe par l'emprunt à un autre, il se produit néanmoins au niveau national, sinon il n'y a pas de progrès ».
Analyse langage musical d'une œuvre particulière - les caractéristiques de la mélodie, de l'harmonie, du rythme, de la forme, de la texture sont une condition préalable pour caractériser le style.
Dans la littérature musicologique, de nombreuses théories se sont développées qui décrivent certaines étapes historiques dans la formation de divers styles - baroque, rococo, classicisme, romantisme, impressionnisme, expressionnisme, etc. Le contenu de ces études révèle les principes directeurs et fondamentaux qui sont unis au sein un époque historiqueœuvres musicales créées dans différents pays, différentes écoles nationales, etc. , qui donne une idée de l'esthétique d'une certaine scène historique, du langage musical et de l'époque elle-même dans son ensemble. Dans son célèbre livre « Chronique de ma vie », I.F. Stravinsky écrivait : « chaque doctrine nécessite pour sa mise en œuvre une manière particulière d'expression, et donc une technique particulière ; Il est impossible d’imaginer une technique artistique qui ne découle pas d’un certain système esthétique.
Chaque style a ses propres particularités. Ainsi, le baroque se caractérise par des formes monumentales, notamment des formes cycliques à grande échelle, des contrastes multiformes et une comparaison des principes polyphoniques et homophoniques de l'écriture musicale. La suite de danses baroque, comme l'a noté A.Yu. Kudryashov, représentait généralement le mouvement simultanément sous deux formes - comme l'incarnation des quatre principaux tempéraments humains et comme des étapes dans le flux de la pensée humaine (allemande mélancolique - « thèse », carillon colérique - "développement de la thèse", une sarabande flegmatique est une "antithèse", un concert sanguin est une "réfutation d'une thèse".
Comme l'a noté O. Zakharova, les performances publiques des solistes ont commencé à jouer un rôle important, leur attribution aux premières places visibles du public, tandis que le chœur et l'ensemble instrumental, qui étaient auparavant directement devant les auditeurs, passent au second plan. .
À l'époque baroque, le genre de l'opéra s'est développé rapidement et, comme le note à juste titre V. Martynov, l'opéra est devenu le mode d'existence de la musique, sa substance... Et quand les compositeurs baroques écrivent des messes et des motets, alors leurs messes et motets sont les mêmes des opéras, ou fragments d'opéra, à la seule différence qu'ils s'appuient sur des textes canoniques sacrés, qui deviennent l'objet d'une « interprétation musicale ».
Le cœur de la musique baroque est l’effet, compris à cette époque comme l’expression d’un sentiment contenant l’idée d’éternité. « Le but de la musique est de nous procurer du plaisir et de susciter en nous divers affects », écrit R. Descartes dans son traité « Compendium de musique ». La classification des affects a été faite par A. Kircher - amour, tristesse, courage, délice, modération, colère, grandeur, sainteté, puis - par I. Walter - amour, souffrance, joie, colère, compassion, peur, gaieté, étonnement.
Les compositeurs de l'époque baroque accordaient une grande attention à la prononciation intonative des mots selon les lois de la rhétorique. Selon Y. Lotman, « la rhétorique d'un texte baroque se caractérise par une collision au sein d'un ensemble d'espaces marqués par différents degrés de sémioticité. Dans le choc des langues, l’une d’elles apparaît invariablement comme « naturelle » (pas une langue), et l’autre comme une langue nettement artificielle.
Voici les figures musicales et rhétoriques les plus célèbres de l’art baroque :
le mouvement ascendant de la mélodie (comme symbole d'ascension, de résurrection) ;
le mouvement descendant de la mélodie (comme symbole du péché ou de la transition vers le « monde inférieur ») ;
mouvement circulaire de la mélodie (comme symbole des « tourbillons infernaux » (Dante), ou, au contraire, de l'illumination divine) ;
mouvement ascendant ou descendant de la mélodie à un tempo rapide (comme symbole d'inspiration, d'une part, ou de colère, d'autre part) ;
mouvement de la mélodie le long d'intervalles chromatiques étroits (comme symbole d'horreur, de mal) ;
la mélodie progresse sur un large intervalle chromatique, augmenté ou diminué, ou une pause dans toutes les voix (comme symbole de mort).
Le style rock-coco se caractérise par un monde d'images fragiles, gracieuses ou scherzo d'un caractère galant et de salon, et le langage musical regorge de motifs mélodiques fragmentés, de mélismes et de transparence de texture. Les compositeurs s'efforcent d'incarner non pas des ambiances établies, mais leur développement, en ne déversant pas calmement des émotions, mais des sentiments avec des changements brusques de tension et de relâchement. Pour eux, la clarté verbale de l'expression de la pensée musicale devient habituelle. Les images inébranlables et statiques cèdent la place à la variabilité, la paix au mouvement.
Le klassicisme - selon l'académicien D. Likhachev - est l'un des « grands styles possibles de l'époque ». D'un point de vue esthétique Style classique il est important de souligner l'équilibre soigneusement vérifié entre le sublime sensuel-immédiat, rationnel-logique et idéologique inhérent à l'œuvre, la conscience de soi classique de l'artiste, surmontant le « pouvoir des forces vitales obscures » et se tournant vers « la lumière, beauté sensuelle » (E. Kurt), et donc en phase avec les mêmes exemples classiques de l'art du passé, principalement ancien, dont l'intensification de l'intérêt est l'un des signes révélateurs de la formation de tout classicisme (A.Yu. Kudryashov). Sens spécialà l'ère du classicisme, il y eut la formation d'un cycle sonate-symphonique à quatre voix. Comme le croit M.G. Aranovsky, il définit la sémantique des quatre hypostases principales de la personnalité humaine : une personne active, une personne pensante, une personne jouant, une personne sociale. La structure en quatre parties agit, comme l'écrit N. Zhirmunskaya, comme un modèle universel du monde - spatial et temporel ; elle synthétise le macrocosme - l'univers - et le microcosme - l'homme. « Diverses réfractions de ce modèle sont unies par des connexions emblématiques et symboliques, parfois traduites dans le langage d'images et d'intrigues mythologiques familières : les éléments reflètent symboliquement les saisons, les jours, les périodes de la vie humaine, les pays du monde (par exemple : l'hiver - nuit - vieillesse - nord - terre, etc.) P.)"
Apparaît tout un groupe de figures sémantiques à signification maçonnique, qu'E. Chigareva a identifiées dans l'œuvre de Mozart « Mélodie : montée jusqu'à une sixte majeure - espoir, amour, joie ; détentions, paires de notes jointes - liens de fraternité ; gruppeto - Joie maçonnique ; rythme : rythme pointé,... accords staccato accentués, suivis d'une pause - courage et détermination ; Harmonie : accords parallèles de tierces, sixtes et sixièmes - unité, amour et harmonie ; accords « modaux » (pas de côté – VI, etc.) – sentiments solennels et religieux ; chromatismes, accords de septième diminués, dissonances – ténèbres, superstition, chloé et discorde.
Le complexe de contenu central du monde artistique de Beethoven est la beauté et l'équilibre de la forme, un flux strictement organisé d'éloquence musicale et rhétorique, une idée éthique élevée, un rôle important des contraires - tant au niveau de la syntaxe musicale qu'au niveau de la forme. .
Le romantisme est un style dominant au XIXe siècle. Un des chercheurs romantisme musical, Y. Gabay identifie trois manières d'interpréter le romantisme du XIXe siècle : contrairement au classique, il désigne l'art chrétien ; deuxièmement, il est associé à la tradition linguistique romane, à savoir le roman poétique en vieux français, troisièmement, il définit l'animation véritablement poétique, celle qui rend toujours vivante la grande poésie (dans ce dernier cas Les romantiques, considérant l'histoire comme le miroir de leurs idéaux, les ont trouvés dans Shakespeare, Cervantes, Dante, Homère et Calderon).
Dans le langage musical, les chercheurs notent le rôle expressif et coloré croissant de l'harmonie, le type synthétique de mélodie, l'utilisation de formes libres, le désir de développement de bout en bout et de nouveaux types de pianos et de textures orchestrales. L'idée de Novalis d'une prose romantique, très changeante, merveilleuse, avec des virages spéciaux, des sauts rapides - peut être extrapolée à la musique. Le moyen d'expression musicale le plus important de l'idée de formation et de changement, universel au romantisme, est le chant, le chant et la cantilence accrus présents chez Schubert, Chopin, Brahms, Wagner et d'autres.
La programmation comme phénomène de pensée musicale
époque romantique, implique des moyens particuliers expressivité musicale. Il convient de garder à l’esprit la relation complexe entre musique à programme et musique hors programme, car, comme l’admettait Chopin, « il n’y a pas de vraie musique sans sens caché" Et les Préludes de Chopin - selon les déclarations de ses élèves - sont une confession de leur créateur. Sonate en si bémol mineur avec la célèbre « marche funèbre », selon Schumann, « non pas de la musique, mais quelque chose avec la présence d'un esprit terrifiant », selon A. Rubinstein - « la nuit soufflant du vent sur les cercueils dans le cimetière"...
Dans la musique du XXe siècle, on observe une variété particulière de techniques de composition musicale : atonalité libre, sonorisme indifférencié, effets de timbre-bruit, aléatoire, ainsi que le système dodécaphonique, néomodalité, sérialité, sérialité. L'ouverture des différentes composantes de la musique du XXe siècle est trait distinctif la culture moderne dans son ensemble, comme le disait à juste titre le culturologue français A. Mol : « la culture moderne est une mosaïque,... est composée de nombreux fragments adjacents mais non formants, où il n'y a pas de points de référence, il n'y en a pas un seul vraiment général concept, mais il existe de nombreux concepts, qui ont un grand poids. »
En musique, le thématisme chant-cantilène est détruit, d'autres moyens d'expression musicale sont libérés (Stravinsky, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messiaen, Webern, etc.) et des caractéristiques d'interprétation inhabituelles apparaissent, choquant les contemporains, comme par exemple dans la pièce de H. Cowell « Harmonic Adventures" - l'utilisation de clusters (accords constitués de secondes), les techniques de jeu de piano avec le poing, la paume ou l'avant-bras entier...
De nouvelles tendances modernistes apparaissent dans la musique, provenant de la peinture et d'autres arts. Ainsi, à l'origine d'un phénomène tel que le bruitisme, ou l'art du bruit (du mot français bruit - bruit), se trouvait le peintre italien Luigi Russolo, qui dans son manifeste « L'art du bruit » écrivait que « l'art musical cherche un amalgame des sons les plus dissonants, les plus étranges et les plus aigus... on s'amusera à orchestrer parfaitement les grincements de portes de magasins sur des blocs, les rugissements de la foule, les bruits divers gares ferroviaires, forges, filatures, imprimeries, ateliers électriques et souterrains les chemins de fer... nous ne devons pas oublier les bruits complètement nouveaux de la guerre moderne ..., les transformer en musique et les réguler harmonieusement et rythmiquement"
Un autre mouvement moderniste est le dadaïsme. L'essence moderniste du dadaïsme peut être retracée dans les déclarations de l'artiste G. Gross : « Le dadaïsme a été une percée que nous avons faite en braillant, en nous moquant et en riant, afin de sortir de ce monde fermé, arrogant et arrogant. cercle trop valorisé par nous qui planait au-dessus des classes et était étranger au sens des responsabilités et à la participation à Vie courante. Compositeur et artiste d'origine russe, Efim Golyshev, l'un des champions de la méthode de composition dodécaphonique du XXe siècle, a pris une part active aux travaux du club berlinois Dada. Parmi ses œuvres musicales et scéniques figurent « Dada Dance with Masks », « Chanting Maneuver », « Rubber » pour deux timbales, dix hochets, dix dames et un facteur. Œuvres urbaines de Honegger (« Pacific-231 »), Prokofv (ballet « Steel Leap »), Mosolov (épisode symphonique « Factory. Music of Machines » du ballet « Steel »), Varese (« Ionization » pour quarante et un percussions instruments et deux sirènes) - ces tendances se sont ensuite réfractées dans le sens de l'avant-garde musicale d'après-guerre. Ceci est spécifique et Musique électronique, événements d'ensemble et théâtre instrumental, sonoristique, procédés multimédias (œuvres de P. Schaeffer, K. Stockhausen, M. Kagel, S. Slonimsky, A. Schnittke, S. Gubaidullina, J. Cage, etc.)
A la fin du XIXe siècle, les conditions préalables sont réunies pour l'émergence du néo-classicisme qui, selon L. Raben, est le plus universel des nouveaux systèmes musicaux du XXe siècle.
Des tendances polystylistiques dans la musique apparaissent également. P o l i s t i -
l i s t i c a - une combinaison consciente de diverses caractéristiques stylistiques dans une seule œuvre. « La définition de la polystylistique désigne la combinaison délibérée de divers phénomènes stylistiques dans une même œuvre, l'hétérogénéité stylistique résultant de l'utilisation d'un certain nombre de techniques techniques (un des cas particuliers est le collage) » - ( Encyclopédie de la musique, tome 3, p.338). Un des cas intéressants l'usage de la polystylistique verticale se retrouve dans la « Sérénade » pour cinq instruments de A. Schnittke : dans la partition numéro 17, le motif du Concerto pour violon de Tchaïkovski et le début parti principal son Premier Concerto pour piano, et le numéro 19 combine le leitmotiv de la Reine de Shemakha du « Coq d’Or de Rimski-Korsakov », les accords d’ouverture de la Sonate Pathétique de Beethoven et des passages de la Chaconne pour violon seul de Bach.
Les genres musicaux sont les types d'œuvres musicales qui se sont historiquement développées en relation avec certaines fonctions de la musique, son objectif de vie et les conditions de son exécution et de sa perception. Une définition très complète est donnée par E. Nazaykinsky : « les genres sont des types, classes, genres et types d'œuvres musicales historiquement établis, relativement stables, délimités par un certain nombre de critères dont les principaux sont : a) le but spécifique de la vie (social, tous les jours, fonction artistique), b) les conditions et les moyens d'exécution, c) la nature du contenu et la forme de sa mise en œuvre. Un genre est une structure génétique cumulative (on pourrait même dire génétique) à plusieurs composantes, une sorte de matrice selon laquelle tel ou tel ensemble artistique est créé. Si le mot style nous renvoie à la source, à celui qui a donné naissance à la création, alors le mot genre renvoie au schéma génétique selon lequel l'œuvre s'est formée, née, créée. Un genre est un projet standard holistique, un modèle, une matrice, un canon, avec lequel une musique spécifique est corrélée.
Dans les œuvres de T.V. Popova, la classification des genres repose sur deux critères : les conditions d'existence de la musique et les caractéristiques de l'interprétation. V.A. Tsukkerman identifie trois grands groupes de genres : les genres lyriques, les genres narratifs et épiques et les genres moteurs associés au mouvement. A.N. Sokhor prend les conditions de vie et l'environnement de représentation comme critère principal. Le scientifique identifie quatre grands groupes de genres : culte ou genres rituels, genres populaires, genres de concert, genres théâtraux. La systématisation des genres réalisée par O.V. Sokolov repose sur la connexion de la musique avec d'autres arts ou composantes extra-musicales, ainsi que sur sa fonction. Ce sont la musique pure, la musique interactive, la musique appliquée, la musique interactive appliquée.
T.V. Popova systématise les principaux genres de musique classique comme suit :
Genres vocaux (chanson, hymne, chœur, récitatif, romance, ballade, air, arietta, arioso, cavatina, vocalise, ensemble) ;
Musique de danse. Suite de danse ancienne ;
Genres de musique instrumentale (prélude, invention, étude, toccata, impromptu, moment musical, nocturne, barcarolle, sérénade, scherzo, jujumoresque, capriccio, rhapsodie, ballade, roman) ;
Musique symphonique et de chambre ;
Cycles sonates-symphoniques, Concert, Suite symphonique des XIXe – XXe siècles ;
Genres en un mouvement (non cycliques) des XIXe-XXe siècles (ouverture, fantaisie, poème symphonique, tableau symphonique, sonate en un mouvement ;
Œuvres musicales et dramatiques. Opéra et ballet
Cantate, oratorio, requiem.
Littérature
Principal
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Il existe une grande variété de genres et de tendances musicales. Si vous commencez à énumérer les genres musicaux, la liste sera tout simplement interminable, puisque des dizaines de nouveaux mouvements musicaux apparaissent d'année en année aux frontières de différents styles. Cela est dû au développement des technologies musicales, aux nouveaux développements dans le domaine de la production sonore, de la production sonore, mais avant tout - au besoin des gens d'un son unique, à une soif de nouvelles émotions et sensations. Quoi qu’il en soit, il existe quatre grands mouvements musicaux qui, d’une manière ou d’une autre, ont donné naissance à tous les autres styles. Il n'y a pas non plus de frontières claires entre eux, et pourtant la production d'un produit musical, le contenu des chansons et la structure des arrangements sont sensiblement différents. Alors, quels sont les différents genres de musique vocale, du moins les principaux ?
Populaire
La musique pop n'est pas seulement une direction, mais aussi un tout Culture de masse. La chanson est la seule forme acceptable dans le genre pop.
Les points clés dans la création d'une composition pop sont la présence de la mélodie la plus simple et la plus mémorable, la construction sur le principe couplet-refrain, et le rythme et la voix humaine sont mis en avant dans le son. Le but pour lequel la musique pop est créée est purement le divertissement. Un artiste pop ne peut pas se passer de spectacles de ballet, de performances scéniques et, bien sûr, de clips vidéo coûteux.
La musique pop est un produit commercial, son son change constamment en fonction du style au sommet de sa popularité. Par exemple, lorsque le jazz était en vogue aux États-Unis, des artistes comme Frank Sinatra sont devenus populaires. Et en France, la chanson a toujours été à l'honneur, Mireille Mathieu et Patricia Kaas sont donc des icônes uniques de la pop française. Lorsqu'il y avait une vague de popularité de la musique rock, les artistes pop utilisaient largement des riffs de guitare dans leurs compositions (Michael Jackson), puis il y avait une ère de mélange de pop et disco (Madonna, Abba), pop et hip-hop (Beastie Boys) , etc.
Stars du monde moderne (Madonna, Britney Spears, Beyoncé, Lady Gaga) ont capté la vague du rythme et du blues et l'ont développée dans leur travail.
Rocher
Dans la musique rock, la guitare électrique joue le rôle principal et le point culminant de la chanson est généralement le solo expressif du guitariste. La section rythmique est lourde et le schéma musical est souvent compliqué. Non seulement des voix puissantes sont les bienvenues, mais aussi la maîtrise de la technique du dédoublement, des cris, des grognements et des rugissements de toutes sortes.
Le rock est un domaine d'expérimentation, d'expression de ses propres pensées et parfois de jugements révolutionnaires. Le sujet des textes est assez vaste : la structure sociale, politique et religieuse de la société, les problèmes et expériences personnels. Il est difficile d'imaginer un artiste de rock sans son propre groupe, puisque les performances se font uniquement en direct.
Les genres de musique rock les plus courants - liste et exemples :
- le rock and roll (Elvis Presley, les Beatles) ;
- rock instrumental (Joe Satriani, Frank Zappa) ;
- hard rock (Led Zeppelin, Deep Purple) ;
- glam rock (Aerosmith, Queen);
- punk rock (Sex Pistols, Green Day) ;
- le métal (Iron Maiden, Korn, Deftones) ;
- (Nirvana, Red Hot Chili Peppers, 3 portes vers le bas), etc.
le jazz
Pour décrire les genres musicaux modernes, il vaudrait la peine de commencer par le jazz, car il a eu une énorme influence sur le développement d’autres genres, notamment la pop et le rock. Le jazz est une musique basée sur des motifs africains importés d'Afrique de l'Ouest aux États-Unis par des esclaves noirs. Au cours du siècle de son existence, la direction s'est considérablement transformée, mais ce qui reste inchangé, c'est la passion pour l'improvisation, le rythme libre et l'utilisation généralisée des légendes du jazz : Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Duke Ellington, etc.
Électronique
Le 21e siècle est l'ère de l'électronique, et la direction électronique de la musique occupe aujourd'hui l'une des positions de leader. Ici, les paris ne sont pas placés sur des instruments live, mais sur des synthétiseurs électroniques et des émulateurs sonores informatiques.
Voici les genres de musique électronique les plus populaires et les plus demandés, dont une liste vous donnera une idée générale :
- maison (David Guetta, Benny Benassi) ;
- techno (Adam Beyer, Juan Atkins) ;
- dubstep (Skrillex, Skream) ;
- transe (Paul van Dyk, Armin van Buuren), etc.
Les musiciens ne souhaitent pas adhérer aux limites du style, c'est pourquoi la relation entre les interprètes et les styles est toujours assez arbitraire. Les genres musicaux, dont la liste ne se limite pas aux domaines mentionnés ci-dessus, ont récemment eu tendance à perdre leur caractéristiques: les interprètes mélangent les genres musicaux, il y a toujours de la place pour des découvertes étonnantes et des trouvailles uniques en musique, et l'auditeur souhaite à chaque fois se familiariser avec les dernières nouveautés musicales.
Genres musicaux
Bleus(blues anglais, de blue devils - mélancolie, tristesse) - initialement - une chanson lyrique solo d'Afro-Américains, plus tard - une direction musicale. Le blues apparaît dans la seconde moitié du XIXème siècle. aux États-Unis. La mélodie du blues se caractérise par une structure de questions-réponses et l'utilisation de l'échelle du blues. Les paroles de nombreuses chansons de blues reflètent le thème de l'oppression sociale et raciale.
Musique vocale- il s'agit d'une musique dans laquelle la voix domine ou a les mêmes droits que les instruments, avec accompagnement ou a cappella. Grands genres - œuvre musico-dramatique, oratorio, genres moyens - cantate, cycle vocal, liturgie, concert choral, petite - miniature vocale (chanson, romance).
Gospel(Musique gospel anglaise) est un genre de musique chrétienne spirituelle qui s'est développé dans le premier tiers du 20e siècle. aux États-Unis. Une distinction est généralement faite entre l’évangile noir et l’évangile blanc. Ce qu’ils ont en commun, c’est qu’ils sont tous deux nés parmi les églises méthodistes du sud des États-Unis.
le jazz(Jazz anglais) est une forme d'art musical apparue au début du 20e siècle. aux États-Unis grâce à la synthèse des cultures africaines et européennes et s'est ensuite généralisée. Caractéristiques Le langage musical du jazz est initialement devenu l'improvisation, une polyrythmie basée sur des rythmes syncopés et un ensemble unique de techniques pour exécuter une texture rythmique - le swing. Le développement ultérieur du jazz s'est produit grâce au développement de nouveaux modèles rythmiques et harmoniques par les musiciens et compositeurs de jazz.
Pays(Country anglais, deuxième nom - country et western, country anglais et western) - le type de musique folk américaine le plus courant des résidents blancs (cowboys) du sud et du sud-ouest des États-Unis.
Musique classique- une notion affranchie de toute rigueur terminologique, utilisée, selon le contexte, dans trois sens.
1. Au sens d'une évaluation qualitative : une musique du passé qui a résisté à l'épreuve du temps et qui a un public dans la société moderne. Déjà aujourd'hui, non seulement les sommets du haut art musical, mais aussi les meilleurs exemples de genres de divertissement du passé sont perçus comme classiques : par exemple, les sommets de l'opérette française, viennoise et hongroise du XIXe au début du XXe siècle, les valses de Johann Strauss, etc.
2. Au sens historique étroit : la musique de la seconde moitié XVII- début du 19ème siècle (cette période est traditionnellement corrélée au classicisme). Le concept de classicisme en relation avec la musique n'est pas très largement applicable, donc dans la caractérisation stable de Haydn, Mozart et Beethoven comme des classiques viennois, il y a aussi une quantité considérable d'évaluation qualitative de leur travail comme base pour le développement ultérieur de la composition musicale. .
3. Au sens typologique : la musique dite académique, qui s'inscrit dans la continuité principalement de celles formées en Europe aux XVIIe-XIXe siècles. genres et formes musicaux (opéra, symphonie, sonate, etc.), mélodiques et principes harmoniques et composition instrumentale.
Musical(parfois appelée comédie musicale) est une œuvre musicale et scénique dans laquelle s'entremêlent dialogues, chants, musique et danses, alors que l'intrigue est généralement simple. La comédie musicale a été grandement influencée par de nombreux genres: opérette, opéra comique, vaudeville, burlesque. En tant que genre distinct arts théâtraux n'est pas reconnu depuis longtemps et n'est toujours pas reconnu par tout le monde.
chanson populaire- le type de musique folklorique le plus répandu, produit de la créativité orale collective. Reflète le caractère de chaque nation, les coutumes, les événements historiques et se distingue par l'originalité du contenu du genre, du langage musical et de la structure. La chanson folklorique existe dans de nombreuses versions locales, changeant progressivement.
Opéra(Opéra italien, littéralement - composition, du latin opéra - œuvre, produit, œuvre) - forme artistique et dramatique représentations théâtrales, dans lequel la parole combinée à la musique (chant et accompagnement) et à l'action scénique ont une importance prédominante. D'abord Théâtre d'opéra a été ouvert pour des représentations publiques en 1637 à Venise ; auparavant, l'opéra servait uniquement à divertir la cour. D'abord grand opéra peut être considérée comme « Daphné » de Peri, réalisée en 1597. L'opéra se répandit bientôt dans toute l'Italie puis dans le reste de l'Europe.
Punk rock(punk rock anglais) est un genre de musique rock apparu au milieu des années 1970 aux États-Unis et en Grande-Bretagne, qui combinait protestation sociale et rejet musical des formes de rock d'alors : le jeu délibérément primitif et la ferveur des premiers rock and roll. étaient cultivées.
Musique pop(Musique pop anglaise, issue de la musique populaire) - un type de musique de divertissement moderne. En général, ce terme, notamment dans les pays occidentaux, définit l'ensemble du spectre de la musique de divertissement pop, à l'exclusion, en règle générale, du jazz, du blues et de la country. Bien que la musique rock fasse donc partie intégrante de ce terme, elle est souvent opposée à la musique pop, voyant dans cette dernière la personnification d'une musique purement musique légère, conçu pour un public de masse.
Rock n Roll(eng. rock'n'roll, de rock and roll) est un style de musique populaire né dans les années 1950 aux États-Unis et qui a constitué l'une des premières étapes du développement de la musique rock. Également une danse exécutée sur de la musique rock and roll et une composition musicale dans le style du rock and roll. Dans les pays anglophones, le terme « rock and roll » est souvent utilisé pour désigner de manière générale la musique rock. On pense que le terme « rock and roll » dans son sens moderne a été inventé par Alan Freed, un disc-jockey énergique de Cleveland, Ohio. Le son classique du rock and roll s'est formé en 1954-1955, lorsque Bill Haley, Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard et Fats Domino ont enregistré des chansons qui ont jeté les bases du rock and roll.
Romance- une composition vocale écrite sur un court poème au contenu lyrique, principalement amoureux.
Ská(ska anglais) - style musical, originaire de la Jamaïque à la fin des années 1950. L'émergence du style est associée à l'avènement des sound system, qui permettent de danser directement dans la rue.
Spirituel(eng. spirituals, musique spirituelle) - l'un des premiers genres de musique afro-américaine. Traditionnellement, les chants spirituels sont associés à des thèmes religieux chrétiens. Comment le genre des spirituals a pris forme au cours des dernières années tiers du XIX V. aux États-Unis sous forme de chants d'esclaves modifiés parmi les noirs du sud des États-Unis.
Hip hop(hip-hop anglais) - sous-culture de la jeunesse, apparu aux États-Unis à la fin des années 1970 chez les Afro-Américains. Il se caractérise par sa propre musique (appelée aussi « hip-hop »), son propre jargon, sa propre mode, ses styles de danse (breakdance, etc.), son art graphique (graffiti) et son propre cinéma. La musique hip-hop se compose de deux éléments principaux : le rap (chant rythmé avec des rimes clairement définies) et le rythme fixé par le DJ ; en même temps, les compositions sans chant ne sont pas rares. Dans cette combinaison, les artistes de rap s'appellent « MC » (anglais MC - Microphone Controller ou Master of Ceremony).
Chanson(chanson française) - Chansons pop françaises de la fin du XIX-
XX siècles, joué en style cabaret. Du cabaret, cette modification des chansons est passée à la musique pop française du XXe siècle. (les chansonniers les plus célèbres étaient Maurice Chevalier, Edith Piaf, etc.). Hors de France, presque tous les interprètes pop de chansons francophones sont généralement classés comme chansonniers. Grâce à cette interprétation élargie du terme, P. Dupont, Yves Montand, J. Brassens, C. Aznavour, M. Mathieu, Joe Dassin, P. Kaas entrent dans cette catégorie.
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