En 1984, Paul Libo a été remplacé à la présidence de la FIVB par le Dr Ruben Acosta, un avocat mexicain. A l'initiative de Ruben Acosta, de nombreuses modifications ont été apportées aux règles du jeu visant à accroître le divertissement de la compétition. A la veille des Jeux Olympiques de 1988, le 21e Congrès de la FIVB s'est tenu à Séoul, au cours duquel des modifications ont été adoptées dans le règlement du cinquième set décisif : il doit désormais être joué selon le système des « points de ralliement » (« tirage au sort »). indiquer"). Depuis 1998, ce système de notation est appliqué à l'ensemble du match, et la même année est apparu le rôle de libéro.

Au début des années 1980, le service sauté est apparu et le service latéral a presque cessé d'être utilisé, la fréquence des tirs offensifs depuis la ligne arrière a augmenté, des changements se sont produits dans les méthodes de réception du ballon - la technique auparavant impopulaire par le bas est devenue dominante et la réception d'en haut avec une chute a quasiment disparu. Les fonctions de jeu des volleyeurs se sont rétrécies : par exemple, si auparavant les six joueurs étaient impliqués dans la réception, alors depuis les années 1980, la mise en œuvre de cet élément est devenue la responsabilité de deux joueurs finissants.

Le jeu est devenu plus puissant et plus rapide. Le volleyball a accru les exigences en matière de taille et d'entraînement athlétique des athlètes. Si dans les années 1970, il n'y avait pas un seul joueur mesurant plus de 2 mètres dans l'équipe, depuis les années 1990, tout a changé. Dans les équipes de haut niveau mesurant moins de 195-200 cm, il n'y a généralement qu'un passeur et un libéro.

Depuis 1990, se joue la Ligue mondiale de volleyball, un cycle annuel de compétitions conçues pour accroître la popularité de ce sport dans le monde entier. Depuis 1993, une compétition similaire est organisée pour les femmes : le Grand Prix.

3. État actuel

Depuis 2006, la FIVB a fédéré 220 fédérations nationales de volley-ball, le volley-ball étant l'une des plus types populaires le sport sur Terre. En août 2008, le Chinois Wei Jizhong a été élu nouveau président de la FIVB.

Le volleyball est le sport le plus développé dans des pays comme la Russie, le Brésil, la Chine, l'Italie, les États-Unis, le Japon et la Pologne. L'actuel champion du monde chez les hommes est l'équipe nationale brésilienne (2006), chez les femmes - l'équipe nationale russe (2006).

Le 8 novembre 2009, l'actuel vainqueur de la Ligue des champions d'Europe de volleyball, l'Italien Trentino, a remporté un autre trophée, devenant ainsi champion du monde des clubs.

4. Développement du volleyball en Russie

Au printemps 1932, une section de volleyball fut créée sous l'égide du Conseil pansyndical de la culture physique de l'URSS. En 1933, lors d'une session du Comité exécutif central, un match d'exhibition fut joué entre les équipes de Moscou et de Dnepropetrovsk sur la scène du Théâtre Bolchoï devant les dirigeants du parti au pouvoir et du gouvernement de l'URSS. Et en un an, des championnats ont lieu régulièrement Union soviétique, officiellement appelé « Festival de volleyball de toute l’Union ». Devenus leaders du volleyball national, les athlètes moscovites ont eu l’honneur de le représenter sur la scène internationale, lorsque les athlètes afghans étaient invités et rivaux en 1935. Malgré le fait que les matchs se sont déroulés selon les règles asiatiques, les volleyeurs soviétiques ont remporté une victoire convaincante - 2:0 (22:1, 22:2).

Les compétitions pour le championnat d'URSS se déroulaient exclusivement dans des espaces ouverts, le plus souvent après des matchs de football à côté des stades, et les plus grandes compétitions, comme la Coupe du monde de 1952, se déroulaient dans les mêmes stades avec des tribunes bondées.

Les volleyeurs soviétiques sont 6 fois champions du monde, 12 fois champions d'Europe et 4 fois vainqueurs de la Coupe du monde. L'équipe féminine de l'URSS a remporté les Championnats du monde 5 fois, les Championnats d'Europe 13 fois et la Coupe du monde 1 fois.

La Fédération panrusse de volleyball (VFV) a été fondée en 1991. Le président de la fédération est Nikolai Patrushev. L'équipe masculine russe est vainqueur de la Coupe du monde 1999 et de la Ligue mondiale 2002. L'équipe féminine a remporté les Championnats du monde 2006, les Championnats d'Europe (1993, 1997, 1999, 2001), le Grand Prix (1997, 1999, 2002) et la Coupe des champions du monde 1997.

Nom complet - « Académique d'État Grand Théâtre Russie" (SABT).

Histoire de l'opéra

L'un des plus anciens théâtres musicaux russes, le principal théâtre d'opéra et de ballet russe. Le Théâtre Bolchoï a joué un rôle exceptionnel dans l’établissement des traditions nationales réalistes de l’opéra et du ballet et dans la formation de l’école russe de musique et de théâtre. L'histoire du Théâtre Bolchoï remonte à 1776, lorsque le procureur provincial de Moscou, le prince P.V. Ouroussov, reçut le privilège gouvernemental « d'être propriétaire de toutes les représentations théâtrales de Moscou... ». Depuis 1776, des représentations ont été organisées dans la maison du comte R.I. Vorontsov à Znamenka. Urusov, avec l'entrepreneur M.E. Medox, a construit un bâtiment spécial bâtiment de théâtre(au coin de la rue Petrovka) - « Théâtre Petrovsky » ou « Opéra », où ont eu lieu des représentations d'opéra, de théâtre et de ballet en 1780-1805. Ce fut le premier théâtre permanent de Moscou (il brûla en 1805). En 1812, un incendie détruisit un autre bâtiment du théâtre, celui d'Arbat (architecte K. I. Rossi), et la troupe se produisit dans des locaux temporaires. Le 6 (18) janvier 1825, le Théâtre Bolchoï (conçu par A. A. Mikhailov, architecte O. I. Bove), construit sur le site de l'ancien Petrovsky, a été inauguré avec le prologue « Le Triomphe des Muses » avec la musique de A. N. Verstovsky et A. A. Alyabyev. La salle - la deuxième plus grande d'Europe après le théâtre La Scala de Milan - a été considérablement reconstruite après l'incendie de 1853 (architecte A.K. Kavos), les défauts acoustiques et optiques ont été corrigés, salle divisé en 5 niveaux. L'inauguration eut lieu le 20 août 1856.

Les premières pièces folkloriques russes ont été représentées au théâtre. comédies musicales- "Le Meunier - un sorcier, un trompeur et un entremetteur" de Sokolovsky (1779), "Le Gostiny Dvor de Saint-Pétersbourg" de Pashkevitch (1783) et d'autres. Le premier ballet pantomime, The Magic Shop, a été présenté en 1780 le jour de l'ouverture du Théâtre Petrovsky. Parmi les représentations de ballet, les représentations spectaculaires fantastiques et mythologiques conventionnelles prédominaient, mais des représentations ont également été organisées, incluant des représentations russes. Danses folkloriques, qui ont connu un grand succès auprès du public (« Fête du Village », « Peinture villageoise", "La capture d'Ochakov", etc.). Le répertoire comprenait également les opéras les plus marquants compositeurs étrangers XVIIIe siècle (G. Pergolesi, D. Cimarosa, A. Salieri, A. Grétry, N. Daleirac, etc.).

Fin XVIIIe - début XIXe siècles chanteurs d'opéra joués dans des représentations dramatiques et des acteurs dramatiques joués dans des opéras. La troupe du Théâtre Petrovsky était souvent reconstituée par des acteurs et actrices serfs talentueux, et parfois par des groupes entiers de théâtres serfs, que la direction du théâtre achetait aux propriétaires fonciers.

La troupe de théâtre comprenait des acteurs serfs d'Urusov, des acteurs des troupes de théâtre de N. S. Titov et de l'Université de Moscou. Parmi les premiers acteurs figuraient V. P. Pomerantsev, P. V. Zlov, G. V. Bazilevich, A. G. Ozhogin, M. S. Sinyavskaya, I. M. Sokolovskaya, plus tard E. S. Sandunova et d'autres. danseurs de ballets- les élèves de l'Orphelinat (où une école de ballet fut fondée en 1773 sous la direction du chorégraphe I. Walberch) et les danseurs serfs des troupes d'Urusov et E. A. Golovkina (dont : A. Sobakina, D. Tukmanova, G. Raikov, S . Lopukhin et autres).

En 1806, de nombreux acteurs serfs du théâtre reçurent leur liberté ; la troupe fut mise à la disposition de la Direction des Théâtres impériaux de Moscou et transformée en théâtre de cour, directement subordonné au ministère de la Cour. Cela a déterminé les difficultés rencontrées dans le développement de l'art musical russe avancé. Le répertoire domestique était initialement dominé par les vaudevilles, très populaires : « Le Philosophe du village » d'Alyabyev (1823), « Professeur et élève » (1824), « Humpster » et « Le plaisir du calife » (1825) d'Alyabyev et Verstovsky, etc. Dès la fin du XXe siècle Dans les années 1980, le Théâtre Bolchoï met en scène des opéras de A. N. Verstovsky (inspecteur de la musique des théâtres de Moscou depuis 1825), marqués par des tendances national-romantiques : « Pan Tvardovsky » (1828), « Vadim ou les douze vierges endormies » (1832), « La tombe d'Askold » (1835), resté longtemps au répertoire du théâtre, « Le mal du pays » (1839), « Churova Dolina » (1841), « Brise-tonnerre » (1858). Verstovsky et le compositeur A. E. Varlamov, qui travailla au théâtre en 1832-44, contribuèrent à l'éducation des chanteurs russes (N. V. Repina, A. O. Bantyshev, P. A. Bulakhov, N. V. Lavrov, etc.). Le théâtre a également mis en scène des opéras allemands, français et Compositeurs italiens, dont « Don Giovanni » et « Les Noces de Figaro » de Mozart, « Fidelio » de Beethoven, « Le Tireur magique » de Weber, « Fra Diavolo », « Fenella » et « Le Cheval de bronze » d'Ober, « Robert le Diable" de Meyerbeer , " Barbier de Séville"Rossini, "Anna Boleyn" de Donizetti, etc. En 1842, l'administration du théâtre de Moscou devint subordonnée à la direction de Saint-Pétersbourg. L'opéra de Glinka «Une vie pour le tsar» («Ivan Susanin»), mis en scène en 1842, s'est transformé en un magnifique spectacle mis en scène lors des jours fériés solennels de la cour. Grâce aux efforts des artistes de la Troupe de l'Opéra russe de Saint-Pétersbourg (transférée à Moscou en 1845-50), cet opéra a été joué sur la scène du Théâtre Bolchoï dans une production incomparablement meilleure. Dans la même représentation, l'opéra Ruslan et Lyudmila de Glinka fut mis en scène en 1846 et Esmeralda de Dargomyzhsky en 1847. En 1859, le Théâtre Bolchoï met en scène "La Sirène". L'apparition des opéras de Glinka et Dargomyzhsky sur la scène du théâtre a marqué une nouvelle étape dans son développement et a été d'une grande importance dans la formation de principes réalistes de l'art vocal et scénique.

En 1861, la Direction des Théâtres impériaux loua le Théâtre Bolchoï à une troupe d'opéra italienne, qui se produisit 4 à 5 jours par semaine, laissant en fait 1 jour pour l'opéra russe. La compétition entre les deux groupes a apporté un certain bénéfice aux chanteurs russes, les obligeant à améliorer constamment leurs compétences et à emprunter certains principes de l'école vocale italienne, mais la négligence de la Direction des Théâtres Impériaux d'approuver le répertoire national et la position privilégiée de les Italiens ont rendu difficile le travail de la troupe russe et ont empêché l'opéra russe d'acquérir une reconnaissance publique. Nouveau russe Théâtre d'opéra n'a pu naître que dans la lutte contre la manie italienne et les tendances du divertissement pour l'affirmation de l'identité nationale de l'art. Déjà dans les années 60 et 70, le théâtre était contraint d'écouter les voix des personnalités progressistes de la culture musicale russe et les exigences du nouveau public démocratique. Les opéras « Rusalka » (1863) et « Ruslan et Lyudmila » (1868), bien établis dans le répertoire du théâtre, furent repris. En 1869, le Théâtre Bolchoï met en scène le premier opéra de P. I. Tchaïkovski, « La Voevoda », et en 1875, « L’Oprichnik ». En 1881, « Eugène Onéguine » est mis en scène (la deuxième production, 1883, s’impose dans le répertoire du théâtre).

Depuis le milieu des années 80 du XIXe siècle, il y a eu un tournant dans l'attitude de la direction du théâtre à l'égard de l'opéra russe ; des productions d'œuvres marquantes de compositeurs russes ont été réalisées : « Mazepa » (1884), « Cherevichki » (1887), « Dame de pique"(1891) et "Iolanta" (1893) de Tchaïkovski, sont apparus pour la première fois sur la scène du Théâtre Bolchoï de l'opéra des compositeurs de "Mighty Handful" - "Boris Godounov" de Moussorgski (1888), "La Fille des Neiges " de Rimski-Korsakov (1893), "Prince Igor" de Borodine (1898).

Mais l'attention principale dans le répertoire du Théâtre Bolchoï de ces années était encore portée aux opéras français (J. Meyerbeer, F. Aubert, F. Halévy, A. Thomas, C. Gounod) et italiens (G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi) compositeurs. En 1898, « Carmen » de Bizet est jouée pour la première fois en russe, et en 1899, « Les Troyens à Carthage » de Berlioz. L'opéra allemand est représenté par les œuvres de F. Flotow, The Magic Shooter de Weber et des productions uniques de Tannhäuser et Lohengrin de Wagner.

Parmi les chanteurs russes du milieu et de la seconde moitié du XIXe siècle figurent E. A. Semyonova (la première interprète moscovite des rôles d'Antonida, Lyudmila et Natasha), A. D. Alexandrova-Kochetova, E. A. Lavrovskaya, P. A. Khokhlov (qui a créé des images d'Onéguine et le Démon), B. B. Korsov, M. M. Koryakin, L. D. Donskoy, M. A. Deisha-Sionitskaya, N. V. Salina, N. A. Preobrazhensky, etc. Il y a un changement non seulement dans le répertoire, mais aussi dans la qualité des productions et des interprétations musicales des opéras. En 1882-1906, le chef d'orchestre du Théâtre Bolchoï était I.K. Altani, en 1882-1937, le chef de chœur était U.I. P. I. Tchaïkovski et A. G. Rubinstein ont dirigé leurs opéras. Une attention plus sérieuse est accordée à la conception décorative et à la culture scénique des spectacles. (En 1861-1929, K. F. Waltz a travaillé comme décorateur et mécanicien au Théâtre Bolchoï).

À la fin du XIXe siècle, se prépare une réforme du théâtre russe, son tournant décisif vers la profondeur de la vie et vérité historique, au réalisme des images et des sentiments. Le Théâtre Bolchoï entre dans son apogée et devient l'un des plus grands centres de culture musicale et théâtrale. Le répertoire du théâtre comprend les meilleures œuvres de l'art mondial, mais l'opéra russe occupe une place centrale sur sa scène. Pour la première fois, le Théâtre Bolchoï a mis en scène les opéras de Rimski-Korsakov « La Femme de Pskov » (1901), « Pan-voevoda » (1905), « Sadko » (1906), « Le Conte de la ville invisible de Kitezh ». (1908), "Le Coq d'Or" (1909), ainsi que "L'Invité de Pierre" de Dargomyzhsky (1906). Parallèlement, le théâtre met en scène des œuvres aussi importantes de compositeurs étrangers que « La Walkyrie », « Le Hollandais volant », « Tannhäuser » de Wagner, « Les Troyens à Carthage » de Berlioz, « Pagliacci » de Leoncavallo, « Honor Rusticana ». » de Mascagni, « La Bohème » de Puccini, etc.

L’épanouissement de l’école d’art russe du spectacle s’est produit après une lutte longue et intense pour les classiques de l’opéra russe et est directement lié à la profonde maîtrise du répertoire national. Au début du XXe siècle, une constellation de grands chanteurs est apparue sur la scène du Théâtre Bolchoï - F. I. Chaliapine, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova. Des chanteurs exceptionnels ont joué avec eux : E. G. Azerskaya, L. N. Balanovskaya, M. G. Gukova, K. G. Derzhinskaya, E. N. Zbrueva, E. A. Stepanova, I. A. Alchevsky, A V. Bogdanovich, A. P. Bonachich, G. A. Baklanov, I. V. Gryzunov, V. R. Petrov, G. S. Pirogov, L. F. Savransky. En 1904-06, S. V. Rachmaninov dirigea au Théâtre Bolchoï, donnant une nouvelle interprétation réaliste des classiques de l'opéra russe. Depuis 1906, V. I. Suk en devient le chef d'orchestre. La chorale dirigée par U. I. Avranek acquiert des compétences pointues. Des artistes de premier plan sont impliqués dans la conception des performances - A. M. Vasnetsov, A. Ya Golovin, K. A. Korovin.

La Grande Révolution socialiste d'Octobre a ouvert une nouvelle ère dans le développement du Théâtre Bolchoï. Dans les années difficiles Guerre civile la troupe de théâtre a été entièrement préservée. La première saison débuta le 21 novembre (4 décembre) 1917 avec l'opéra « Aïda ». Un programme spécial a été préparé pour le premier anniversaire d'octobre, qui comprenait le ballet « Stepan Razin » sur la musique du poème symphonique de Glazounov, la scène « Veche » de l'opéra « Pskovite » de Rimski-Korsakov et le tableau chorégraphique « Prométhée ». sur la musique de A. N. Scriabine. Au cours de la saison 1917/1918, le théâtre donna 170 représentations d'opéra et de ballet. Depuis 1918, l'Orchestre du Théâtre Bolchoï donne des cycles de concerts symphoniques avec la participation de solistes. Parallèlement, des concerts d'instruments de chambre et des concerts de chanteurs ont eu lieu. En 1919, le Théâtre Bolchoï reçut le titre d'universitaire. En 1924, une succursale du Théâtre Bolchoï ouvre ses portes dans les locaux de l'ancien opéra privé de Zimin. Des représentations ont été jouées sur cette scène jusqu'en 1959.

Dans les années 20, des opéras apparaissent sur la scène du Théâtre Bolchoï Compositeurs soviétiques- « Trilby » de Yurasovsky (1924, 2e production 1929), « Décembristes » de Zolotarev et « Stepan Razin » de Triodine (tous deux en 1925), « L'Amour des trois oranges » de Prokofiev (1927), « Ivan le Soldat » de Korchmarev (1927), « Le Fils du Soleil » de Vasilenko (1928), « Zagmuk » de Crane et « Breakthrough » de Pototsky (tous deux en 1930), etc. gros travail sur les classiques de l'opéra. De nouvelles productions d'opéras de R. Wagner ont eu lieu : « Das Rheingold » (1918), « Lohengrin » (1923), « Die Meistersinger of Nuremberg » (1929). En 1921, l'oratorio « La Damnation de Faust » de G. Berlioz est joué. La production de l’opéra « Boris Godounov » (1927) de M. P. Moussorgski, joué pour la première fois dans son intégralité avec des scènes, revêtit une importance fondamentale. Sous Kromy Et À Saint-Basile(ce dernier, orchestré par M. M. Ippolitov-Ivanov, a depuis été inclus dans toutes les productions de cet opéra). En 1925, eut lieu la première de l'opéra « La Foire Sorochinskaya » de Moussorgski. Parmi les œuvres marquantes du Théâtre Bolchoï de cette période : « Le Conte de la ville invisible de Kitezh » (1926) ; « Les Noces de Figaro » de Mozart (1926), ainsi que les opéras « Salomé » de R. Strauss (1925), « Cio-Cio-san » de Puccini (1925), etc., mis en scène pour la première fois en Moscou.

Événements importants dans histoire créative Le Théâtre Bolchoï des années 30 est associé au développement de l’opéra soviétique. En 1935, l'opéra « Katerina Izmailova » de D. D. Chostakovitch (basé sur l'histoire « Lady Macbeth » de N. S. Leskov) a été mis en scène. District de Msensk"), alors " Don tranquille"(1936) et "Virgin Soil Upturned" de Dzerzhinsky (1937), "Battleship Potemkin" de Chishko (1939), "Mother" de Zhelobinsky (d'après M. Gorky, 1939), etc. Des œuvres de compositeurs sont mises en scène républiques soviétiques- "Almast" de Spendiarov (1930), "Abesalom et Eteri" de Z. Paliashvili (1939). En 1939, le Théâtre Bolchoï relance l'opéra Ivan Susanin. La nouvelle production (livret de S. M. Gorodetsky) a révélé l'essence folk-héroïque de cette œuvre ; Les scènes de chœur de masse ont acquis une signification particulière.

En 1937, le Théâtre Bolchoï reçoit l'Ordre de Lénine et ses plus grands maîtres reçoivent le titre d'Artiste du peuple de l'URSS.

Dans les années 20-30, des chanteurs exceptionnels se sont produits sur la scène du théâtre - V. R. Petrov, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova, N. A. Obukhova, K. G. Derzhinskaya, E. A. Stepanova, E. K. Katulskaya, V. V. Barsova, I. S. Kozlovsky, S. Ya Lemeshev, A. S. Parmi les chefs d'orchestre du théâtre figurent Pirogov, M. D. Mikhailov, M. O. Reizen, N. S. Khanaev, E. D. Kruglikova, N. D. Shpiller, M. P. Maksakova, V. A. Davydova, A. I. Baturin, S. I. Migai, L. F. Savransky, N. N. Ozerov, V. R. Slivinsky et d'autres. V. I. Suk, M. M. Ippolitov-Ivanov, N. S. Golovanov, A. M. Pazovsky, S. A. Samosud, Yu. F. Fayer, L. P. Steinberg, V. V. Nebolsin. Les spectacles d'opéra et de ballet du Théâtre Bolchoï ont été mis en scène par les metteurs en scène V. A. Lossky, N. V. Smolich ; le chorégraphe R.V. Zakharov ; les chefs de chœur U. O. Avranek, M. G. Shorin ; artiste P.W. Williams.

Pendant la Grande Guerre patriotique (1941-45), une partie de la troupe du Théâtre Bolchoï fut évacuée vers Kuibyshev, où eut lieu en 1942 la première de l'opéra Guillaume Tell de Rossini. Sur la scène de la succursale (le bâtiment principal du théâtre a été endommagé par une bombe), en 1943, l'opéra « En feu » de Kabalevsky a été mis en scène. DANS années d'après-guerre La troupe d'opéra s'est tournée vers l'héritage classique des peuples des pays socialistes : les opéras « La Fiancée vendue » de Smetana (1948) et « Pebble » de Moniuszko (1949) ont été mis en scène. Les représentations "Boris Godunov" (1948), "Sadko" (1949), "Khovanshchina" (1950) se distinguent par la profondeur et l'intégrité de l'ensemble musical et scénique. Les ballets « Cendrillon » (1945) et « Roméo et Juliette » (1946) de Prokofiev sont des exemples frappants de classiques du ballet soviétique.

Depuis le milieu des années 40, le rôle de la mise en scène dans la révélation contenu idéologique et l’incarnation de l’intention de l’auteur de l’œuvre, dans la formation d’un acteur (chanteur et danseur de ballet) capable de créer des images profondément significatives et psychologiquement véridiques. Le rôle de l'ensemble dans la résolution des problèmes idéologiques et artistiques du spectacle devient plus important, grâce à la grande compétence de l'orchestre, du chœur et d'autres troupes de théâtre. Tout cela a déterminé le style d’interprétation du Théâtre Bolchoï moderne et lui a valu une renommée mondiale.

Dans les années 50 et 60, le travail du théâtre sur les opéras de compositeurs soviétiques s'est intensifié. En 1953, l'opéra épique monumental «Décembristes» de Shaporin est mis en scène. L'opéra Guerre et Paix de Prokofiev (1959) a été inclus dans le fonds d'or du théâtre musical soviétique. Les productions étaient « Nikita Vershinin » de Kabalevsky (1955), « La Mégère apprivoisée » de Chebalin (1957), « Mère » de Khrennikov (1957), « Jalil » de Zhiganov (1959), « L'histoire d'un vrai "Homme" de Prokofiev (1960), "Destin" de Dzerjinski (1961), "Pas seulement l'amour" de Shchedrin (1962), "Octobre" de Muradeli (1964), "Le Soldat inconnu" de Molchanov (1967), "Tragédie optimiste" de Kholminov (1967), "Semyon Kotko" de Prokofiev (1970 ).

Depuis le milieu des années 50, le répertoire du Théâtre Bolchoï s'est enrichi d'opéras étrangers modernes. Pour la première fois, des œuvres des compositeurs L. Janacek (Sa belle-fille, 1958), F. Erkel (Bank-Ban, 1959), F. Poulenc (La voix humaine, 1965), B. Britten (Le Songe d'un été) ont été mises en scène. nuit", 1965). Le répertoire classique russe et européen s'est élargi. Parmi les œuvres marquantes du groupe d'opéra figure Fidelio de Beethoven (1954). Des opéras ont également été mis en scène : « Falstaff » (1962), « Don Carlos » (1963) de Verdi, « Le Hollandais volant » de Wagner (1963), « Le Conte de la ville invisible de Kitezh » (1966), « Tosca » (1971), "Ruslan" et Lyudmila" (1972), "Troubadour" (1972); ballets - "Casse-Noisette" (1966), " Le lac des cygnes" (1970). La troupe d'opéra de cette époque comprenait les chanteurs I. I. et L. I. Maslennikov, E. V. Shumskaya, Z. I. Andzhaparidze, G. P. Bolshakov, A. P. Ivanov, A. F. Krivchenya, P. G. Lisitsian, G. M. Nelepp, I. I. Petrov et d'autres. des représentations - A. Sh. Melik-Pashaev, M. N. Zhukov, G. N. Rozhdestvensky, E. F. Svetlanov ; réalisateurs - L. B. Baratov, B. A. Pokrovsky ; le chorégraphe L. M. Lavrovsky ; artistes - P. P. Fedorovsky, V. F. Ryndin, S. B. Virsaladze.

Les principaux maîtres des troupes d’opéra et de ballet du Théâtre Bolchoï se sont produits dans de nombreux pays du monde. La troupe d'opéra tourne en Italie (1964), au Canada, en Pologne (1967), en Allemagne de l'Est (1969), en France (1970), au Japon (1970), en Autriche et en Hongrie (1971).

En 1924-59, le Théâtre Bolchoï avait deux scènes : la scène principale et une scène secondaire. La scène principale du théâtre est un auditorium à cinq niveaux pouvant accueillir 2 155 places. La longueur de la salle, y compris la coque de l'orchestre, est de 29,8 m, largeur - 31 m, hauteur - 19,6 m, profondeur de la scène - 22,8 m, largeur - 39,3 m, taille du portail de scène - 21,5 × 17,2 m. 1961, le Théâtre Bolchoï reçoit une nouvelle scène - Palais du Kremlin conventions (auditorium de 6 000 places ; dimensions de la scène en plan - 40x23 m et hauteur jusqu'à la grille - 28,8 m, portail de scène - 32x14 m ; la planche de scène est équipée de seize plates-formes de levage et d'abaissement). Le Théâtre Bolchoï et le Palais des Congrès accueillent des cérémonies, des congrès, des décennies d'art, etc.

Littérature: Le Théâtre Bolchoï de Moscou et une revue des événements qui ont précédé la fondation du propre théâtre russe, M., 1857 ; Kashkin N.D., Scène d'opéra du Théâtre impérial de Moscou, M., 1897 (dans la région : Dmitriev N., Scène d'opéra impérial de Moscou, M., 1898) ; Chayanova O., « Triomphe des Muses », Mémo de souvenirs historiques pour le centenaire du Théâtre Bolchoï de Moscou (1825-1925), M., 1925 ; le sien, Théâtre Medox à Moscou 1776-1805, M., 1927 ; Théâtre Bolchoï de Moscou. 1825-1925, M., 1925 (collection d'articles et de matériaux) ; Borisoglebsky M., Matériaux sur l'histoire du ballet russe, vol. 1, L., 1938 ; Glushkovsky A.P., Mémoires d'un chorégraphe, M.-L., 1940 ; Théâtre académique d'État du Bolchoï de l'URSS, M., 1947 (recueil d'articles) ; S. V. Rachmaninov et l'opéra russe, collection. articles édités par I.F. Belzy, M., 1947 ; « Théâtre », 1951, n° 5 (dédié au 175e anniversaire du Théâtre Bolchoï) ; Shaverdyan A.I., Théâtre Bolchoï de l'URSS, M., 1952 ; Polyakova L.V., Jeunesse scène d'opéra Théâtre Bolchoï, M., 1952 ; Khripunov Yu., Architecture du Théâtre Bolchoï, M., 1955 ; Théâtre Bolchoï de l'URSS (recueil d'articles), M., 1958 ; Grosheva E. A., Théâtre Bolchoï de l'URSS dans le passé et le présent, M., 1962 ; Gozenpud A. A., Théâtre musical en Russie. Des origines à Glinka, L., 1959 ; son, Théâtre de l'Opéra soviétique russe (1917-1941), L., 1963 ; par lui, Théâtre de l'Opéra russe du XIXe siècle, vol. 1-2, L., 1969-71.

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Encyclopédie musicale, éd. Yu.V.Keldysh, 1973-1982

Histoire du ballet

Leader russe Théâtre musical, qui a joué un rôle exceptionnel dans la formation et le développement des traditions nationales de l'art du ballet. Son émergence est associée à l'épanouissement de la culture russe dans la 2e moitié du XVIIIe siècle, à l'émergence et au développement du théâtre professionnel.

La troupe a commencé à se former en 1776, lorsque le prince philanthrope moscovite P. V. Urusov et l'entrepreneur M. Medox ont reçu le privilège du gouvernement pour développer le secteur du théâtre. Les représentations ont été données dans la maison de R.I. Vorontsov à Znamenka. En 1780, Medox construisit à Moscou au coin de la rue. Bâtiment du théâtre Petrovka, devenu connu sous le nom de théâtre Petrovsky. Des représentations de théâtre, d'opéra et de ballet ont eu lieu ici. C'était le premier théâtre professionnel permanent de Moscou. Sa troupe de ballet fut bientôt reconstituée avec des étudiants de l’école de ballet de l’orphelinat de Moscou (qui existait depuis 1773), puis avec des acteurs serfs de la troupe d’E. A. Golovkina. Le premier spectacle de ballet fut « The Magic Shop » (1780, chorégraphe L. Paradise). Elle a été suivie par : « Le triomphe des plaisirs du sexe féminin », « La mort feinte d'Arlequin ou le pantalon trompé », « La maîtresse sourde » et « La colère feinte de l'amour » - toutes des productions du chorégraphe F. Morelli (1782); « Animation matinale du village au réveil du soleil » (1796) et « Le Meunier » (1797) - chorégraphe P. Pinucci ; "Médée et Jason" (1800, selon J. Nover), "Les toilettes de Vénus" (1802) et "La vengeance de la mort d'Agamemnon" (1805) - chorégraphe D. Solomoni, etc. Ces performances étaient basées sur le principes du classicisme, dans les ballets comiques (« The Deceived Miller », 1793 ; « Cupid's Deceptions », 1795), des traits de sentimentalisme ont commencé à apparaître. Parmi les danseurs de la troupe, G. I. Raikov, A. M. Sobakina et d'autres se sont démarqués.

En 1805, le bâtiment du théâtre Petrovsky brûle. En 1806, la troupe passa sous la juridiction de la Direction des Théâtres Impériaux et joua dans diverses salles. Sa composition s'est reconstituée, de nouveaux ballets ont été mis en scène : « Les Soirées Gishpan » (1809), « L'École de Pierrot », « Les Algériens ou les voleurs de mer vaincus », « Zéphyr, ou l'Anémone devenue permanente » (tous - 1812), "Semik ou festivités à Maryina Roshcha" (sur une musique de S. I. Davydov, 1815) - le tout mis en scène par I. M. Abletz ; « La nouvelle héroïne ou la femme cosaque » (1811), « Célébration dans le camp des armées alliées à Montmartre » (1814) - tous deux sur la musique de Kavos, chorégraphe I. I. Valberkh ; « Festival sur la colline des moineaux » (1815), « Triomphe des Russes ou bivouac près de Krasny » (1816) - tous deux sur la musique de Davydov, chorégraphe A. P. Glushkovsky ; « Cosaques sur le Rhin » (1817), « Promenade dans la Neva » (1818), « Jeux anciens ou soirée de Noël » (1823) - le tout sur la musique de Scholz, le chorégraphe est le même ; « Swing russe sur les rives du Rhin » (1818), « Camp de gitans » (1819), « Festival à Petrovsky » (1824) - tous chorégraphiés par I. K. Lobanov, etc. La plupart de ces représentations étaient des divertissements largement utilisés. rituels folkloriques Et danse des personnages. Les performances étaient particulièrement importantes dédié aux événements Guerre patriotique de 1812 - les premiers ballets sur un thème moderne de l'histoire de la scène moscovite. En 1821, Glushkovsky créa le premier ballet basé sur l'œuvre de A. S. Pouchkine (« Ruslan et Lyudmila » sur la musique de Scholz).

En 1825, avec le prologue « Le Triomphe des Muses », mis en scène par F. Gyullen-Sor, les représentations commencent dans le nouveau bâtiment du Théâtre Bolchoï (architecte O. I. Bove). Elle a également mis en scène les ballets « Fenella » sur la musique de l'opéra du même nom d'Ober (1836), « Tom Thumb » (« Le garçon rusé et le cannibale ») de Varlamov et Guryanov (1837), etc. la troupe de ballet de cette époque Glushkovskaya, D. S. Lopukhina, A. I. Voronina-Ivanova, T. S. Karpakova, K. F. Bogdanov et d'autres dans les années 1840. Le ballet du Théâtre Bolchoï a été fortement influencé par les principes du romantisme (les activités de F. Taglioni et J. Perrot à Saint-Pétersbourg, les tournées de M. Taglioni, F. Elsler, etc.). Les danseurs exceptionnels de cette direction sont E. A. Sankovskaya, I. N. Nikitin.

Les productions au Théâtre Bolchoï des opéras « Ivan Susanin » (1842) et « Ruslan et Lyudmila » (1846) de Glinka ont été d'une grande importance pour la formation des principes réalistes de l'art scénique. rôle dramatique. Ces principes idéologiques et artistiques se sont poursuivis dans « Rusalka » de Dargomyzhsky (1859, 1865), « Judith » de Serov (1865), puis dans les productions d’opéras de P. I. Tchaïkovski et des compositeurs de « La Grande Poignée ». Dans la plupart des cas, les danses des opéras étaient chorégraphiées par F. N. Manokhin.

En 1853, un incendie détruit tout l’intérieur du Théâtre Bolchoï. Le bâtiment a été restauré en 1856 par l'architecte A.K. Kavos.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le ballet du Théâtre Bolchoï était nettement inférieur à celui de Saint-Pétersbourg (il n'y avait ni un metteur en scène aussi talentueux que M. I. Petipa, ni les mêmes conditions matérielles favorables au développement). Le Petit Cheval bossu de Pugni, mis en scène par A. Saint-Léon à Saint-Pétersbourg et transféré au Théâtre Bolchoï en 1866, connaît un énorme succès ; Cela a révélé la tendance de longue date du ballet de Moscou vers le genre, la comédie, les caractéristiques quotidiennes et nationales. Mais peu de performances originales ont été créées. Un certain nombre de productions de K. Blazis (« Pygmalion », « Deux jours à Venise ») et S.P. Sokolov (« Fougère ou la nuit sous Ivan Kupala », 1867) indiquaient un certain déclin des principes créatifs du théâtre. Le seul événement marquant fut la pièce « Don Quichotte » (1869), mise en scène sur la scène de Moscou par M. I. Petipa. L'aggravation de la crise est associée aux activités des chorégraphes V. Reisinger (La Pantoufle magique, 1871 ; Kashchei, 1873 ; Stella, 1875) et J. Hansen (La Vierge de l'Enfer, 1879) invités de l'étranger. La production du « Lac des Cygnes » de Reisinger (1877) et Hansen (1880) fut également un échec, car ils ne parvinrent pas à comprendre l’essence innovante de la musique de Tchaïkovski. Pendant cette période, la troupe comptait de solides interprètes : P. P. Lebedeva, O. N. Nikolaeva, A. I. Sobeshchanskaya, P. M. Karpakova, S. P. Sokolov, V. F. Geltser, et plus tard L. N. Gaten, L. A. Roslavleva, A. A. Dzhuri, A. N. Bogdanov, V. E. Polivanov, I. N. Khlustin et d'autres ; des acteurs mime talentueux ont travaillé - F.A. Reishausen et V. Vanner, les meilleures traditions ont été transmises de génération en génération dans les familles des Manokhin, Domashov, Ermolov. La réforme menée en 1882 par la Direction des Théâtres Impériaux entraîna une réduction de la troupe de ballet et aggravait la crise (se manifestant notamment dans les productions éclectiques du chorégraphe J. Mendes invité de l'étranger - « Inde », 1890 ; « Daita » , 1896, etc.).

La stagnation et la routine ne furent surmontées qu'avec l'arrivée du chorégraphe A. A. Gorsky, dont l'œuvre (1899-1924) marqua toute une époque dans le développement du ballet du Théâtre Bolchoï. Gorsky cherchait à libérer le ballet des mauvaises conventions et clichés. Enrichissant le ballet des réalisations du théâtre dramatique et des beaux-arts modernes, il met en scène de nouvelles productions de Don Quichotte (1900), Le Lac des Cygnes (1901, 1912) et d'autres ballets de Petipa, crée le mime dramatique La Fille de Gudula de Simon (basé sur La Cathédrale Notre Dame de Paris"V. Hugo, 1902), le ballet "Salammbô" d'Arends (d'après le roman du même nom de G. Flaubert, 1910), etc. Dans sa recherche de la plénitude dramatique de la représentation du ballet, Gorsky exagère parfois le rôle du scénario et de la pantomime, et parfois sous-estimé de la musique et de la danse symphonique efficace. Parallèlement, Gorsky fut l'un des premiers metteurs en scène de ballets sur une musique symphonique non destinée à la danse : « L'amour est rapide ! sur la musique de Grieg, « Schubertien » sur la musique de Schubert, le divertissement « Carnaval » sur la musique de divers compositeurs - tous 1913, « La Cinquième Symphonie » (1916) et « Stenka Razin » (1918) sur la musique de Glazounov. Dans les performances de Gorsky, le talent de E. V. Geltser, S. V. Fedorova, A. M. Balashova, V. A. Coralli, M. R. Reisen, V. V. Krieger, V. D. Tikhomirova, M. M. Mordkina, V. A. Ryabtseva, A. E. Volinina, L. A. Zhukova, I. E. Sidorova et d'autres.

Fin 19 - début. 20e siècles Les représentations de ballet du Théâtre Bolchoï ont été dirigées par I. K. Altani, V. I. Suk, A. F. Arends, E. A. Cooper, le décorateur de théâtre K. F. Waltz, les artistes K. A. Korovin, A. ont participé à la conception des représentations.

La Grande Révolution socialiste d'Octobre a ouvert de nouvelles voies au Théâtre Bolchoï et a déterminé son épanouissement en tant que compagnie d'opéra et de ballet leader dans la vie artistique du pays. Pendant la guerre civile, la troupe de théâtre, grâce à l'attention de l'État soviétique, a été préservée. En 1919, le Théâtre Bolchoï rejoint le groupe théâtres académiques. En 1921-22, des représentations au Théâtre Bolchoï furent également données au Nouveau Théâtre. Une succursale du Théâtre Bolchoï a ouvert ses portes en 1924 (fonctionnée jusqu'en 1959).

Dès les premières années du pouvoir soviétique, la troupe de ballet était confrontée à l'une des tâches créatives les plus importantes : préserver l'héritage classique et le faire connaître à un nouveau public. En 1919, « Casse-Noisette » est mis en scène pour la première fois à Moscou (chorégraphe Gorsky), puis de nouvelles productions de « Le Lac des Cygnes » (Gorsky, avec la participation de V. I. Nemirovich-Danchenko, 1920), « Giselle » (Gorsky, 1922 ), "Esmeralda" "(V.D. Tikhomirov, 1926), "La Belle au bois dormant" (A.M. Messerer et A.I. Chekrygin, 1936), etc. Parallèlement, le Théâtre Bolchoï a cherché à créer de nouveaux ballets - des œuvres en un acte ont été mises en scène pour musique symphonique (« Capriccio espagnol » et « Shéhérazade », chorégraphe L. A. Zhukov, 1923, etc.), les premières expériences ont été faites pour mettre en œuvre thème moderne(extravagance de ballet pour enfants « Fleurs éternellement vivantes » sur la musique d'Asafiev et autres, chorégraphe Gorsky, 1922 ; ballet allégorique « Smerch » de Bera, chorégraphe K. Ya. Goleizovsky, 1927), développement du langage chorégraphique (« Joseph le Beautiful" Vasilenko, ballet Goleizovsky, 1925; "Footballer" d'Oransky, ballet de L. A. Lashchilin et I. A. Moiseev, 1930, etc.). La pièce « Le coquelicot rouge » (chorégraphe Tikhomirov et L.A. Lashchilin, 1927) a acquis une importance historique, dans laquelle la présentation réaliste d'un thème moderne était basée sur la mise en œuvre et le renouvellement des traditions classiques. La recherche créative du théâtre était indissociable des activités des artistes - E. V. Geltser, M. P. Kandaurova, V. V. Krieger, M. R. Reizen, A. I. Abramova, V. V. Kudryavtseva, N. B. Podgoretskaya, L. M. Bank, E. M. Ilyushenko, V. D. Tikhomirova, V. A. Ryabtseva, V. V. sova, N. I. Tarasova, V. I. Tsaplina, L. A. Zhukova et autres .

années 1930 dans le développement du ballet du Théâtre Bolchoï ont été marqués par des succès majeurs dans l'incarnation du thème historique et révolutionnaire (La Flamme de Paris, ballet de V. I. Vainonen, 1933) et des images de classiques littéraires (La Fontaine Bakhchisaraï, ballet de R. V. Zakharov, 1936) . Une direction qui l'a rapproché de la littérature et de la littérature a triomphé dans le ballet. théâtre dramatique. L’importance de la mise en scène et du jeu d’acteur a augmenté. Les performances se distinguaient par l'intégrité dramatique du développement de l'action et le développement psychologique des personnages. En 1936-39, la troupe de ballet était dirigée par R.V. Zakharov, qui travaillait au Théâtre Bolchoï en tant que chorégraphe et directeur d'opéra jusqu'en 1956. Des spectacles sur un thème moderne ont été créés - "La Petite Cigogne" (1937) et "Svetlana" (1939) de Klebanova (tous deux par le danseur de ballet A. I. Radunsky, N. M. Popko et L. A. Pospekhin), ainsi que " Prisonnier du Caucase"Asafiev (d'après A.S. Pouchkine, 1938) et "Taras Bulba" de Soloviev-Sedoy (d'après N.V. Gogol, 1941, tous deux du danseur de ballet Zakharov), "Trois gros hommes" d'Oransky (d'après Yu. K. Olesha, 1935, ballet par I. A. Moiseev) et d'autres Au cours de ces années, l'art de M. T. Semyonova, O. V. Lepeshinskaya, A. N. Ermolaev, M. M. Gabovich, A. M. Messerer a prospéré au Théâtre Bolchoï, les activités de S. N. Golovkina, M. S. Bogolyubskaya, I. V. Tikhomirnova, V. A. Preobrazhensky, Yu. Les artistes G. Kondratov, S. G. Koren et d'autres ont participé à la conception des spectacles de ballet. Dmitriev, P. V. Williams et Yu.

Pendant la Grande Guerre patriotique, le Théâtre Bolchoï fut évacué vers Kuibyshev, mais une partie de la troupe restée à Moscou (dirigée par M. M. Gabovich) reprit bientôt ses représentations dans une branche du théâtre. En plus de montrer l'ancien répertoire, un nouveau spectacle a été créé " Voiles écarlates"Yurovsky (chorégraphe de ballet A. I. Radunsky, N. M. Popko, L. A. Pospekhin), mis en scène en 1942 à Kuibyshev, transféré en 1943 sur la scène du Théâtre Bolchoï. Des brigades d'artistes se rendirent à plusieurs reprises au front.

En 1944-64 (avec interruptions), la troupe de ballet était dirigée par L. M. Lavrovsky. Ont été mis en scène (les noms des chorégraphes entre parenthèses) : « Cendrillon » (R.V. Zakharov, 1945), « Roméo et Juliette » (L.M. Lavrovsky, 1946), « Mirandolina » (V.I. Vainonen, 1949), " Cavalier de bronze"(Zakharov, 1949), "Red Poppy" (Lavrovsky, 1949), "Shurale" (L. V. Yakobson, 1955), "Laurencia" (V. M. Chabukiani, 1956), etc. Le Théâtre Bolchoï a contacté à plusieurs reprises des reprises de classiques - "Giselle" (1944) et "Raymonda" (1945) mis en scène par Lavrovsky, etc. Dans les années d'après-guerre, la fierté de la scène du Théâtre Bolchoï était l'art de G. S. Ulanova, dont les images de danse captivaient par leur expressivité lyrique et psychologique . Une nouvelle génération d'artistes a grandi ; parmi eux M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, M. V. Kondratyeva, L. I. Bogomolova, R. K. Karelskaya, N. V. Timofeeva, Yu. T. Zhdanov, G. K. Farmanyants, V. A. Levashov, N. B. Fadeechev, Ya.

Au milieu des années 1950. Dans les productions du Théâtre Bolchoï, les conséquences négatives de la passion des chorégraphes pour la dramatisation unilatérale d'un spectacle de ballet (quotidien, prédominance de la pantomime, sous-estimation du rôle de la danse efficace) ont commencé à se faire sentir, ce qui s'est particulièrement reflété dans les représentations. "Le conte de la fleur de pierre" de Prokofiev (Lavrovsky, 1954), "Gayane" (Vainonen, 1957), "Spartak" (I. A. Moiseev, 1958).

Une nouvelle période s’ouvre à la fin des années 50. Le répertoire comprenait des représentations marquantes du ballet soviétique de Yu. N. Grigorovich - « La Fleur de pierre » (1959) et « La Légende de l'amour » (1965). Dans les productions du Théâtre Bolchoï, l'éventail des images et des problèmes idéologiques et moraux s'est élargi, le rôle du principe de la danse s'est accru, les formes de théâtre se sont diversifiées, le vocabulaire chorégraphique s'est enrichi et des recherches intéressantes ont commencé à être menées dans l'incarnation de thèmes modernes. Cela s'est manifesté dans les productions des chorégraphes : N. D. Kasatkina et V. Yu Vasilyov - « Vanina Vanini » (1962) et « Géologues » (« Poème héroïque », 1964) de Karetnikov ; O. G. Tarasova et A. A. Lapauri - « Sous-lieutenant Kizhe » sur la musique de Prokofiev (1963) ; K. Ya. Goleizovsky - « Leyli et Majnun » de Balasanyan (1964) ; Lavrovsky - "Paganini" sur la musique de Rachmaninov (1960) et " Ville de nuit"sur la musique de The Marvelous Mandarin de Bartok (1961).

En 1961, le Théâtre Bolchoï a reçu une nouvelle scène - le Palais des Congrès du Kremlin, qui a contribué aux activités plus larges de la troupe de ballet. Aux côtés des maîtres matures - Plisetskaya, Struchkova, Timofeeva, Fadeechev et d'autres - la position de leader a été occupée par des jeunes talentueux venus au Théâtre Bolchoï au tournant des années 50-60 : E. S. Maksimova, N. I. Bessmertnova, N. I. Sorokina. , E. L. Ryabinkina, S. D. Adyrkhaeva, V. V. Vasiliev, M. E. Liepa, M. L. Lavrovsky, Yu. V. Vladimirov, V. P. Tikhonov et autres.

Depuis 1964 chorégraphe en chef Théâtre Bolchoï - Yu. N. Grigorovich, qui a consolidé et développé les tendances progressistes dans les activités de la troupe de ballet. Presque chaque nouvelle représentation au Théâtre Bolchoï est marquée par des explorations créatives intéressantes. Ils sont apparus dans « Le Sacre du Printemps » (ballet de Kasatkina et Vasilev, 1965), « Carmen Suite » de Bizet - Shchedrin (Alberto Alonso, 1967), « Aseli » de Vlasov (OM Vinogradov, 1967), « Icare » de Slonimsky (V.V. Vasiliev, 1971), « Anna Karénine » de Shchedrin (M.M. Plisetskaya, N.I. Ryzhenko, V.V. Smirnov-Golovanov, 1972), « Love for Love » de Khrennikov (V. Boccadoro, 1976), « Chippolino » de K. Khachaturyan (G. Mayorov, 1977), « Ces sons enchanteurs... » sur la musique de Corelli, Torelli, Rameau, Mozart (V.V. Vasiliev, 1978), « Ballade des hussards » de Khrennikov ( O. M. Vinogradov et D. A. Bryantsev), « La Mouette » de Shchedrin (M. M. Plisetskaya, 1980), « Macbeth » de Molchanov (V. V. Vasiliev, 1980), etc. Elle a acquis une importance exceptionnelle dans le développement du ballet soviétique « Spartacus » (Grigorovitch, 1968 ; Prix Lénine 1970). Grigorovitch a mis en scène des ballets sur les thèmes de l'histoire russe (« Ivan le Terrible » sur la musique de Prokofiev, arrangé par M. I. Chulaki, 1975) et de la modernité (« Angara » d'Eshpai, 1976), qui synthétisent et généralisent les recherches créatives des périodes précédentes. dans le développement du ballet soviétique. Les performances de Grigorovitch se caractérisent par une profondeur idéologique et philosophique, une richesse de formes chorégraphiques et de vocabulaire, une intégrité dramatique et un large développement d'une danse symphonique efficace. À la lumière de nouveaux principes créatifs, Grigorovitch met également en scène des productions du patrimoine classique : « La Belle au bois dormant » (1963 et 1973), « Casse-Noisette » (1966), « Le Lac des Cygnes » (1969). Ils ont acquis une lecture plus approfondie des concepts idéologiques et figuratifs de la musique de Tchaïkovski (« Casse-Noisette » a été entièrement mis en scène, dans d'autres représentations la chorégraphie principale de M. I. Petipa et L. I. Ivanov a été préservée et l'ensemble artistique a été décidé en conséquence).

Les représentations de ballet du Théâtre Bolchoï ont été dirigées par G. N. Rozhdestvensky, A. M. Zhiuraitis, A. A. Kopylov, F. Sh. Mansurov et d'autres. Le concepteur de toutes les performances mises en scène par Grigorovitch est S. B. Virsaladze.

La troupe de ballet du Théâtre Bolchoï a effectué des tournées en Union soviétique et à l'étranger : en Australie (1959, 1970, 1976), en Autriche (1959. 1973), en Argentine (1978), en Égypte (1958, 1961). Grande-Bretagne (1956, 1960, 1963, 1965, 1969, 1974), Belgique (1958, 1977), Bulgarie (1964), Brésil (1978), Hongrie (1961, 1965, 1979), Allemagne de l'Est (1954, 1955, 1956). , 1958 ), Grèce (1963, 1977, 1979), Danemark (1960), Italie (1970, 1977), Canada (1959, 1972, 1979), Chine (1959), Cuba (1966), Liban (1971), Mexique (1961, 1973, 1974, 1976), Mongolie (1959), Pologne (1949, 1960, 1980), Roumanie (1964), Syrie (1971), États-Unis (1959, 1962, 1963, 1966, 1968, 1973, 1974, 1975, 1979), Tunisie (1976), Turquie (1960), Philippines (1976), Finlande (1957, 1958), France. (1954, 1958, 1971, 1972, 1973, 1977, 1979), Allemagne (1964, 1973), Tchécoslovaquie (1959, 1975), Suisse (1964), Yougoslavie (1965, 1979), Japon (1957, 1961, 1970, 1973, 1975, 1978, 1980).

Encyclopédie "Ballet" éd. Yu. N. Grigorovitch, 1981

Le 29 novembre 2002, la Nouvelle Scène du Théâtre Bolchoï a été inaugurée avec la première de l'opéra « La Fille des Neiges » de Rimski-Korsakov. Le 1er juillet 2005, la scène principale du Théâtre Bolchoï a été fermée pour travaux de reconstruction, qui ont duré plus de six ans. Le 28 octobre 2011 a eu lieu l'inauguration de la scène historique du Théâtre Bolchoï.

Publications

État actuel

Depuis 2006, la FIVB a réuni 220 fédérations nationales Volley-ball, le volley-ball est l'un des sports les plus populaires au monde. En août 2008, le Chinois Wei Jizhong a été élu nouveau président de la FIVB.

Le volleyball est le sport le plus développé dans des pays comme la Russie, le Brésil, la Chine, l'Italie, les États-Unis, le Japon et la Pologne. L'actuel champion du monde chez les hommes est l'équipe nationale brésilienne (2006), chez les femmes - l'équipe nationale russe (2006).

Développement du volleyball en Russie

Comme le note la publication « All about Sports » (1978), le volleyball est né à l'étranger, mais au début, il était un beau-fils sur le continent américain. « Notre pays est devenu sa véritable patrie. C'est en Union Soviétique que le volleyball a acquis ses remarquables qualités. Il est devenu athlétique, rapide, agile, comme nous le connaissons aujourd’hui.

En URSS, avant la guerre, le volley-ball était appelé en plaisantant « le jeu des acteurs ». Après tout, à Moscou, les premiers terrains de volley-ball sont apparus dans les cours des théâtres Meyerhold, Kamerny, Revolution, Vakhtangov. Le 28 juillet 1923, le premier match officiel eut lieu dans la rue Myasnitskaya, au cours duquel les équipes des Ateliers supérieurs de théâtre d'art (VKHUTEMAS) et de l'École nationale de cinématographie (GShK) se rencontrèrent. De cette rencontre commence la chronologie de notre volley-ball. Les pionniers du nouveau sport étaient des maîtres d'art, futurs artistes folkloriques URSS Nikolai Bogolyubov, Boris Shchukin, Anatoly Ktorov et Rina Zelenaya, futur artistes célèbres Georgy Nissky et Yakov Romas. Le niveau de compétence des acteurs à cette époque n'était pas inférieur à celui du sport - le club "Rabis" (syndicat des travailleurs des arts) a battu l'équipe de la société sportive "Dynamo" (Moscou).

En janvier 1925, le Conseil d'éducation physique de Moscou élabora et approuva les premiers règlements officiels des compétitions de volleyball. Selon ces règles, les championnats de Moscou sont régulièrement organisés depuis 1927. Un événement important dans le développement du volleyball dans notre pays a été le championnat disputé lors de la première Spartakiade de toute l'Union en 1928 à Moscou. Y ont participé des équipes masculines et féminines de Moscou, d'Ukraine, Caucase du Nord, Transcaucasie, Extrême-Orient. La même année, un collège permanent de juges est créé à Moscou.

Pour le développement du volley-ball grande importance des compétitions de masse ont été organisées sur les sites des parcs culturels et récréatifs de nombreuses villes de l'URSS. Ces jeux sont également devenus une bonne école pour les invités étrangers : au début des années 30, des règles de compétition ont été publiées en Allemagne sous le nom de « Volleyball - un jeu folklorique russe ».

Au printemps 1932, une section de volleyball fut créée sous l'égide du Conseil pansyndical de la culture physique de l'URSS. En 1933, lors d'une session du Comité exécutif central, un match d'exhibition fut joué entre les équipes de Moscou et de Dnepropetrovsk sur la scène du Théâtre Bolchoï devant les dirigeants du parti au pouvoir et du gouvernement de l'URSS. Et un an plus tard, les championnats de l'Union soviétique étaient régulièrement organisés, officiellement appelés « Festival de volley-ball de toute l'Union ». Devenus leaders du volleyball national, les athlètes moscovites ont eu l’honneur de le représenter sur la scène internationale, lorsque les athlètes afghans étaient invités et rivaux en 1935. Malgré le fait que les matchs se sont déroulés selon les règles asiatiques, les volleyeurs soviétiques ont remporté une victoire convaincante - 2:0 (22:1, 22:2).

Pendant la Grande Guerre patriotique, le volley-ball a continué à être pratiqué dans les unités militaires. Déjà en 1943, les terrains de volley-ball à l'arrière commençaient à prendre vie. Depuis 1945, les championnats d'URSS ont repris, le volley-ball dans notre pays devient l'un des plus espèces de masse des sports. Le nombre de personnes impliquées dans le volley-ball était estimé entre 5 et 6 millions (et selon certaines sources, plusieurs fois plus). Comme le note le légendaire entraîneur Viatcheslav Platonov dans son livre « L'équation avec six célèbres », « ces années-là sont inimaginables sans le volleyball. Le ballon volant à travers un filet tendu entre deux piliers (arbres, râteliers) avait un effet magique sur les adolescents, sur les garçons et les filles, sur les valeureux guerriers revenant des champs de bataille, sur ceux qui étaient attirés les uns par les autres. Et puis tout le monde était attiré les uns par les autres. Le volley-ball se jouait dans les cours, les parcs, les stades, sur les plages... Aux côtés d'amateurs, des maîtres reconnus - Anatoly Chinilin, Anatoly Eingorn, Vladimir Ulyanov - n'hésitaient pas à aller au filet. Grâce à une telle participation massive, les écoliers qui ont ramassé un ballon pour la première fois sont rapidement devenus de véritables stars du volleyball soviétique et mondial.

Les compétitions pour le championnat d'URSS se déroulaient exclusivement dans des espaces ouverts, le plus souvent après des matchs de football à côté des stades, et les plus grandes compétitions, comme la Coupe du monde de 1952, se déroulaient dans les mêmes stades avec des tribunes bondées.

En 1947, les volleyeurs soviétiques entrent sur la scène internationale. Lors du premier Festival mondial de la jeunesse à Prague, un tournoi de volley-ball a eu lieu, auquel a participé l'équipe de Léningrad, renforcée, comme c'était alors la coutume, par des Moscovites. L'équipe était dirigée par les entraîneurs légendaires Alexey Baryshnikov et Anatoly Chinilin. Nos athlètes ont remporté 5 matchs avec un score de 2:0, et seulement le dernier 2:1 (13:15, 15:10, 15:7) contre l'équipe hôte, l'équipe nationale tchécoslovaque. Le premier voyage « féminin » a eu lieu en 1948 - l'équipe de la capitale « Lokomotiv » s'est rendue en Pologne, complétée par des collègues du « Dynamo » et du « Spartak » de Moscou et de l'équipe du Spartak de Leningrad. Dans le même 1948, la section All-Union Volleyball est devenue membre de la Fédération internationale de volleyball (et non américaine, mais nos règles du jeu constituaient la base des règles internationales), et en 1949, nos joueurs ont participé à des compétitions internationales officielles pour la première fois. Les débuts se sont avérés « en or » : l'équipe féminine de l'URSS a remporté le titre de championne d'Europe et l'équipe masculine a remporté le championnat du monde. En 1959, la Fédération de volleyball de l'URSS est créée.

Notre équipe masculine est également devenue la première championne olympique à Tokyo en 1964. Elle a remporté les Jeux olympiques de Mexico (1968) et de Moscou (1980). Et l'équipe féminine a remporté le titre de championne olympique à quatre reprises (1968, 1972, 1980 et 1988).

Les volleyeurs soviétiques sont 6 fois champions du monde, 12 fois champions d'Europe et 4 fois vainqueurs de la Coupe du monde. L'équipe féminine de l'URSS a remporté les Championnats du monde 5 fois, les Championnats d'Europe 13 fois et la Coupe du monde 1 fois.

La Fédération panrusse de volleyball (VFV) a été fondée en 1991. Le président de la fédération est Nikolai Patrushev. L'équipe masculine russe est vainqueur de la Coupe du monde 1999 et de la Ligue mondiale 2002. L'équipe féminine a remporté les Championnats du monde 2006, les Championnats d'Europe (1993, 1997, 1999, 2001), le Grand Prix (1997, 1999, 2002) et la Coupe des champions du monde 1997.

Sous les auspices de la FIVB

Les Jeux Olympiques ont lieu tous les 4 ans. Le Championnat du monde a également lieu tous les 4 ans. La Coupe des Champions du Monde a lieu tous les 4 ans. La Ligue mondiale a lieu une fois par an. Le Grand Prix a lieu une fois par an. Sous les auspices du CEV, le Championnat d'Europe a lieu tous les 2 ans.