Lorsque les hommes d'affaires discutent de l'avenir d'une entreprise ou des avantages d'un produit, ils donnent sens spécial idéaux et idéologie - des concepts tels que « augmentation des ventes », « service de qualité » ou « développement durable » sont entendus. Et étant donné que les employés d'une organisation, comme ses clients, sont souvent des personnes ayant des points de vue et des tempéraments différents, il peut sembler que de telles constructions abstraites soient tout à fait appropriées, car elles créent une compréhension commune.
Mais une telle théorisation porte atteinte à l’un des principes fondamentaux de la communication : elle n’apporte pas de clarté. Les managers doivent parler des stratégies de développement de manière à ce que leurs subordonnés aient une idée claire en tête. Au lieu de phrases philosophiques, les vendeurs les plus efficaces communiquent leurs idées en utilisant des mots clairs et clairs basés sur des images.
Que sont les images verbales ?
En bref, ce sont des phrases qui décrivent des objets ayant des propriétés distinctes (comme les enfants) et des actions facilement reconnaissables (comme sourire et rire). Les images transmettent des informations sensorielles et brossent ainsi un tableau vivant dans l'imagination - il est très facile pour les auditeurs d'imaginer de quoi parle l'orateur. Nous pouvons dire que la vision véhiculée à travers des images verbales est la plus proche du sens littéral du mot « vision » lui-même.
Un discours riche en images est bien plus efficace qu’un reportage à travers lequel l’orateur tente d’expliquer des concepts abstraits aux auditeurs. Andrew Carton, avec Chad Murphy de l'Université de l'Oregon et Jonathan Clark de Penn State, ont découvert que les patients hospitalisés réagissaient mieux aux travailleurs médicaux qui utilisent des images dans leur travail et leur communication avec les patients que des médecins qui recourent à l'aide d'idées abstraites.
Une autre étude, dans laquelle des équipes ont été invitées à développer un prototype de jouet pour enfants, a révélé que les discussions utilisant des images émotionnelles (« nos jouets... feront rire l'enfant et ses parents sourire ») recevaient de bien meilleures réponses que les expressions neutres (« nos jouets… feront rire l'enfant et ses parents sourire »). nos jouets... plairont à tous les acheteurs").
Les images verbales et les métaphores colorées donnent littéralement vie à vos auditeurs : elles sont inspirées par une compréhension cristalline de vos idées.
Images inspirantes du futur
Il convient de mentionner une autre étude qui a confirmé les avantages de l’utilisation d’images verbales. Ainsi, Cynthia Emrich de l'Université Purdue et ses collègues ont découvert que les présidents américains qui utilisaient des métaphores frappantes étaient et sont considérés comme plus charismatiques que les présidents qui parlaient de manière plus abstraite.
Vous avez sûrement entendu parler d’études et d’opinions similaires. Ce que tous les discours inspirants prononcés aux moments les plus critiques de l’histoire ont en commun, c’est que les orateurs ont fait appel à l’imagination de leurs auditeurs. De Winston Churchill, qui envisageait avec vivacité un avenir proche où les Alliés « se battraient dans les champs et dans les rues », et John Kennedy, qui voulait « mettre un homme sur la lune », à Martin Luther King, avec son rêve d'un époque où « les fils d’esclaves et les fils de propriétaires d’esclaves pouvaient s’asseoir à la même table ».
Les images verbales étaient également activement utilisées par les révolutionnaires du monde des affaires. Pensez à Bill Gates et à son « ordinateur sur chaque bureau de chaque maison », ou au rêve d’Henry Ford d’une voiture « assez grande pour toute la famille ». Plus récemment, je me souviens du chimiste britannique Paul Thomas et de son discours selon lequel « le jour viendra où nous pourrons détecter une tumeur au poumon si nous demandons simplement à une personne de souffler dans un tube ».
Plus de détails
Dans leur livre Made to Stick : Why Some Ideas Survive and Others Die, les frères Heath (Chip et Dan Heath) soutiennent que les gens ont tendance à faire confiance aux images concrètes parce que la vie elle-même est concrète. Les jours de notre vie sont remplis de symboles visuels, de sons et d'odeurs. Par conséquent, les images verbales traduisent parfaitement la réalité.
Ces images constituent en particulier la meilleure option à long terme, car l’avenir est souvent vague. Lorsque l’événement ne s’est pas encore produit, les gens réagissent mieux non pas à des concepts comme « maximiser le cours de l’action » ou « fournir un excellent service », mais à des expressions qui transmettent l’essence à travers des métaphores, des sensations ou même des sons.
Dans le même temps, les gens eux-mêmes ne sont pas enclins à peindre dans leur imagination des images vivantes de l’avenir. Nira Liberman de l'Université de Tel Aviv et Jacob Troup de l'Université de New York ont découvert que plus l'événement est lointain, plus la pensée d'une personne devient générale.
Par exemple, lorsqu’on demandait aux sujets d’imaginer le processus de lecture d’un livre, ils étaient beaucoup plus susceptibles de le décrire comme « acquérir des connaissances » plutôt que comme « suivre les lignes imprimées » – s’ils parlaient de lire « l’année prochaine » plutôt que de « suivre les lignes imprimées ». "demain." C'est cette tendance qui explique le fait que plus de 90 % des managers communiquent avec leurs subordonnés sans utiliser images lumineuses.
Ceux qui tentent d'inverser la tendance décrite ci-dessus et parlent d'un avenir lointain en termes plus concrets ont souvent recours à des chiffres pour illustrer leur objectif - par exemple, parlent du cours des actions, de la part de marché ou du retour sur investissement. Et cela se comprend : une telle analyse est obligatoire pour toute entreprise. Nous utilisons également des données spécifiques pour organiser le chaos qui nous entoure, pour inscrire une réalité complexe dans un certain cadre. Nous réalisons des diagnostics pour suivre les évolutions.
Des recherches ont montré que fixer des objectifs chiffrés précis augmente la motivation des employés, en grande partie parce que les attentes deviennent beaucoup plus claires. L’importance de quantifier la réalité n’a fait que croître à l’ère numérique. Cependant, les images verbales présentent des avantages dont les rapports, même avec des chiffres exacts, ne peuvent se vanter.
2 avantages principaux
Une autre étude a confirmé que les présentations utilisant des images verbales présentent deux avantages indéniables. Premièrement, les messages contenant des chiffres et des statistiques risquent de rester incompris s’ils ne sont pas derrière eux une histoire intéressante, qui est presque toujours présente dans les messages contenant une abondance d’images. Deuxièmement, Deborah A. Small et ses collègues ont découvert que l’histoire d’une fillette de 7 ans affamée au Malawi motive les gens à donner deux fois plus. plus d'argent, que de signaler « une famine au Malawi affectant plus de trois millions d’enfants ».
Les deux principes décrits sont faciles à illustrer avec des exemples.
Dans le premier cas, nous parlons d'accessibilité à la perception. Par exemple, l’entreprise vise à augmenter son utilisation d’énergies renouvelables de 25 %. Pour ce faire, elle devra s’assurer que les gens connaissent tout de cette forme d’énergie et comprennent comment son utilisation peut être accrue. Mais la phrase : « Des villes avec des panneaux solaires sur chaque toit, des biocarburants dans chaque voiture et des éoliennes sur chaque colline » est compréhensible pour tous les auditeurs - indépendamment de leur éducation et de leurs connaissances techniques.
Pour démontrer le deuxième principe (impact émotionnel), on peut prendre le programme municipal de la ville de New York, dont l'objectif était de réduire le nombre annuel de piétons tués de 200 à 0. Du point de vue des compilateurs du programme, zéro certainement semble être une cible efficace. Mais des mots brillants et mémorables pourraient mieux montrer ce qui changerait après avoir atteint l'objectif - par exemple, comment chaque année 200 personnes recevraient le don de la vie et le bonheur de rencontrer les levers et couchers de soleil avec leurs proches.
Bien que les chiffres soient plus spécifiques que des expressions générales comme « maximiser le cours des actions », il est facile de croire qu’ils inciteront le cerveau à réfléchir plus rapidement ou à activer l’imagination.
En fait, tout est exactement le contraire : les nombres réduisent la capacité de l'auditeur à percevoir des informations figuratives. Pour vérifier l’exactitude de cet argument, tournons-nous vers les recherches dans le domaine de l’anatomie cérébrale.
Selon Seymour Epstein et ses collègues, l’un pense de manière logique (analytique ou « moi rationnel »), et l’autre perçoit les informations sensorielles du monde qui nous entoure (empirique ou « moi sensoriel »). Les chiffres sont traités dans un système analytique et ne contribuent pas à la formation d'une image globale. Et les images verbales entrent dans le système empirique et se transforment instantanément en une « vision » spécifique.
Il est très difficile de faire fonctionner les deux systèmes cognitifs en même temps. Quand l’un travaille, l’autre se repose. Alors que les informations quantitatives (données, statistiques, mesures, etc.) activent le système analytique, une autre partie du cerveau chargée de créer des images vives attend son tour. Les chiffres sont littéralement l’ennemi mortel de l’imagination.
Un titre un peu étrange pour cette leçon, n'est-ce pas ? Habituellement, les images sont dessinées avec de la peinture ou des crayons. Eh bien, en dernier recours, vous pouvez créer une image verbale : décrire avec des mots la beauté de la nature ou un événement, en d'autres termes, en parler de manière colorée. Tout est correct. Mais aujourd'hui, vous apprendrez ce que vous pouvez représenter à l'aide de sons.
À propos, nous avons déjà examiné un exemple d'image musicale : dans la leçon 2, vous et moi avons écouté la pièce « Clowns » de D. Kabalevsky interprétée par le petit pianiste Georgy Dorodnov. À l'aide de sons, le compositeur a créé l'image de drôles de clowns qui se produisent dans le cirque et amusent les enfants, tandis qu'ils peuvent chanter, danser et culbuter...
Et dans la leçon 3, nous avons écouté la pièce de Sher « Butterfly » interprétée par un petit violoniste. Image papillon léger Créez des sons de violon lorsque l'archet ne touche que légèrement les cordes.
Bien sûr, une image musicale est plus difficile à comprendre que, par exemple, une image peinte. Sur une photo ordinaire, tout est immédiatement visible. Et pour comprendre une image musicale, il faut être capable de faire beaucoup de choses : être capable d'écouter attentivement la musique, avoir au moins un peu d'imagination et de fantaisie, comprendre le tempo de la musique (rapide ou lent), faire attention à le titre de la pièce... Essayons de comprendre l'image musicale ?
Nous écoutons à nouveau des pièces de « l'album pour enfants » de P.I. Tchaïkovski. Les noms des pièces attirent l'attention : « Baba Yaga », « Nouvelle poupée », « La maladie de la poupée », « La marche des soldats de bois », etc. Comment le compositeur a-t-il pu dessiner de telles images en utilisant la musique ?
Mais écoutons.
« La maladie de la poupée » tirée de « l’Album pour enfants » de Tchaïkovski. Qu'en pensez-vous : si nous parlons de maladie, alors quel genre de musique devrait être - joyeuse ou triste ?
La poupée est malade
La poupée Masha est tombée malade.
Le médecin a dit que c'était mauvais.
Masha souffre, Masha souffre.
Tu ne peux pas l'aider, la pauvre.
Masha nous quittera bientôt.
C'est malheur, c'est malheur, malheur,
malheur, malheur, malheur, malheur...
Tu sais déjà ce que peuvent être les sons haut et bas. Les sons aigus de la pièce véhiculent les gémissements d'une poupée malade, ses cris. Ensuite, la musique devient progressivement de plus en plus silencieuse - la poupée malade s'endort. Et bien que Tchaïkovski ait écrit les pièces de cet album pour petits pianistes, il existe également des arrangements pour orchestre. Et ce sont les sons du violon qui transmettent plus naturellement les gémissements et les cris de la poupée malade. Regardons et écoutons.
La chanson de mariage transcarpathienne « Oh, Vasily, Vasilyochka » vous aidera à faire une pause dans une leçon sérieuse : bougez au rythme de la musique, inventez certains de vos propres mouvements, en observant le rythme de la musique.
Continuons maintenant la conversation sur les films musicaux.
Piotr Ilitch Tchaïkovski dans « L'Album pour enfants » a non seulement montré par des images sonores la vie ordinaire d'un enfant de cette époque, mais il a également fait un voyage avec les enfants. A noter que de nombreuses pièces de théâtre portent les noms de différents pays : « Chanson italienne », « Chanson ancienne française », « Chanson allemande », « Chanson napolitaine ». Il voulait que les enfants apprennent à comprendre la culture non seulement de leur propre pays, mais aussi de celle des autres peuples. De plus, l'album contient des danses folkloriques : « Mazurka » est une danse polonaise ; « Kamarinskaya » – chanson de danse folklorique russe ; "Polka" - tchèque danse folklorique.
Vous voyez tout ce que vous pouvez dire à travers la musique !
Écoutons la « Chanson napolitaine » de « l'Album pour enfants » de Tchaïkovski. Le compositeur était en Italie, est tombé amoureux de la musique italienne et a utilisé une partie de cette musique dans ses œuvres. Par exemple, il a inclus la danse napolitaine dans son ballet Le Lac des Cygnes.
Écoutez comment le petit pianiste l'interprète.
Répondez aux questions:
De quel instrument joue la fille ?
Dans quelle autre représentation avons-nous entendu cette pièce ?
Quelle prestation avez-vous préféré ?
Et en voici un autre image musicale: pièce du compositeur allemand Robert Schumann "The Bold Rider". Écoutons-le, puis parlons des sons que le compositeur a utilisés pour décrire le courageux cavalier.
Les sons de cette pièce saccadé, assez rapide- ils semblent illustrer (c'est-à-dire répéter, montrer) la facilité de course du cheval. Le garçon souligne (met en valeur) en jouant sons individuels, en soulignant le rythme. Et vous pouvez répéter ce rythme avec un crayon, comme nous l'avons déjà fait. Très probablement, le cheval est petit et il y a un petit cavalier courageux dessus, car Schumann a également écrit cette pièce pour les enfants et pour que les enfants la jouent. Vous pouvez même dessiner un cavalier courageux tel qu'il vous est apparu en écoutant de la musique.
Courageux cavalier
Questions de révision
1) Rappelez-vous les noms de toutes les pièces que vous avez écoutées aujourd'hui et leurs auteurs (compositeurs).
2) Maintenant, il est clair qu'à l'aide de sons, vous pouvez représenter tous les sentiments d'une personne : tristesse, joie, bonne humeur, et même dessiner une image musicale ?
3) Quels sont les sons ? Complétez les caractéristiques des sons que vous connaissez avec ceux que nous avons appris aujourd'hui.
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Kartinous avons créé à l'aide de sons
perception des étudiants créatifs en musique
· Apprendre aux étudiants à écouter et analyser des œuvres musicales
· Attacher à de diverses manières activité musicale
· Développer pensée musicale Et perception créativeétudiants
Pendant les cours
Les enfants entrent dans la classe au son de la musique. Dis bonjour ( salutation musicale"Bonjour gars").
Les gars, rappelons-nous ce que nous avons appris dans la dernière leçon ?
1. Quels sons y a-t-il ? (bruit et musique)
2. À quoi pourrait ressembler votre nom, applaudissez-le pour moi.
Il s'avère qu'avec l'aide de la musique, nous pouvons représenter de nombreux objets et événements différents. Et dans la leçon d'aujourd'hui, nous apprendrons à dessiner avec l'aide de la musique. Des invités sont venus à notre cours, devinez qui ils sont (montrant des peluches : un chat et un ours). Je veux vous parler de l'un d'eux histoire intéressante(lecture de « L’histoire d’un chat » p. 21)
1. Dites-moi, de qui parle ce conte de fées ?
2. Comment le chat s’est-il comporté ?
4. Quel genre de musique pouvez-vous inventer pour ce conte de fées ? (fort, calme, joyeux, triste)
5. La musique de notre conte de fées est-elle la même ou différente ? (divers)
Rencontrons maintenant un autre de nos invités (montrant l'ours). S'il vous plaît, dites-moi quel genre de voix l'ours a ? (impolis, bas). L'ours peut grogner. Imaginons que notre ours se promène quelque part loin dans la forêt. Comment il va grogner (doucement). Je vais vous montrer avec ma main comment grogne un ours (je dessine un petit cercle dans les airs avec ma main). Répétons avec moi (les enfants dessinent un petit cercle avec leurs mains). Et maintenant, l'ours s'approche de notre école et sa voix devient de plus en plus forte (je dessine des cercles plus grands. Les enfants répètent). Et enfin. Il est venu dans notre classe (Les enfants grognent très fort et dessinent le plus grand cercle avec leurs mains).
Bien joué. Et maintenant nous allons écouter comment, en utilisant sons musicaux vous pouvez dessiner n’importe quelle image. En écoutant « Flight of the Bumblebee » de N.I. Rimski-Korsakov. Une image d'un bourdon est montrée.
· Quels sons le compositeur utilise-t-il pour nous peindre une image du vol ?
· Quelle ambiance cette musique nous fait-elle ressentir ?
· Quelle image pouvez-vous dessiner en écoutant ce passage ?
Les gars, vous êtes probablement fatigués, dansons un peu
"La danse des canetons"
4. Chanter : « Coqs » Répétition : « Musicien joyeux" Travailler la diction.
Apprendre du nouveau matériel. « Pluie » (p. 105) Nous montrons le mouvement de la mélodie avec notre main.
5. Résumé de la leçon.
· Qu'avez-vous appris de nouveau pendant la leçon ?
· Comment vous sentez-vous à la fin de la leçon ?
· Quelle chanson avons-nous apprise ?
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La musique est l'art du sens entonné. Autrement dit, il n'y a pas de mots, mais il y a un sens. En extrayant des combinaisons de sons de différentes hauteurs et durées à partir d'instruments de musique, une personne est capable de parler d'une autre manière, différente du verbal - d'exprimer ses pensées et ses sentiments, de partager ses fantasmes.
Nous avons sélectionné des compositions instrumentales populaires créées par des musiciens célèbres du passé et avons donné de brefs commentaires. Beaucoup de ces œuvres ont des titres d'auteur, des épigraphes et des explications verbales qui font référence à la source littéraire, révèlent le contenu de la musique ou au moins y font allusion (après tout, les compositeurs eux-mêmes voulaient être compris !) - une telle musique est appelée logiciel. . Dans d'autres cas, des indices peuvent être trouvés dans le son musical— c’est intéressant d’en discuter et d’essayer de les entendre. Cela pourrait être la clé de musique classique pour un enfant.
Toccata et Fugue en ré mineur
Jean-Sébastien Bach
Sainte Cécile joue de l'orgue. Miniature de l'antiphonaire. Pays-Bas, 1510 Bibliothèque gratuite de PhiladelphieL'orgue était l'un des principaux instruments de la musique religieuse de l'époque baroque (XVIIe - première moitié du XVIIIe siècle). Et bien plus qu'un simple instrument : les orgues n'ont pas été fabriqués, mais construits de manière majestueuse structures architecturales. Plusieurs rangées de touches pour les mains, une rangée de pédales pour les pieds et des centaines de tuyaux étincelants - la puissance du son de l'orgue ressemble à un immense orchestre : changeant de timbres, il peut imiter une flûte, un hautbois, une trompette, un trombone... . Bach aimait tellement l'orgue pour cette variété. Vous touchez les touches de l'orgue (« tocca-ta » - de l'italien toccare, "toucher"), et une exclamation puissante secoue tout autour - le son de la toccata est parfois comparé à la voix de Dieu.
Interprété par : Karl Richter
Prélude en do majeur du cycle « Le Clavier bien tempéré », tome 1
Jean-Sébastien Bach
Annonciation. Peinture de Fra Beato Angelico. Florence, vers 1426 Musée du Prado / Wikimedia Commons Le prélude est une introduction avant quelque chose d'important. Le musicien semble essayer un instrument : il pince les cordes d'un luth, d'une harpe, d'une guitare, les touches d'un clavecin, d'un piano et d'un piano à queue. C'est ainsi que naît la musique. Les experts en symbolisme de la musique ancienne associent le Prélude en do majeur et affirment que Bach y a représenté le battement d’ailes d’un ange. Plus précisément, l'archange Gabriel, qui descend sur terre pour informer la jeune Vierge Marie qu'elle deviendra la mère du Christ.
Interprété par : Ton Kopman
"Coucou"
Louis-Claude Daquin
Famille au clavecin. Peinture de Cornelis Trost. 1739 Musée du Rijksmuseum Un des meilleurs exemples onomatopée en musique. Le compositeur lui-même a donné un titre à cette pièce et a ainsi suggéré ce qu'elle représente : le bruit de la forêt, la voix d'un coucou au loin. De plus, dans « Cuckoo », vous pouvez également entendre des échos de l’époque où la composition a été créée. La première moitié du XVIIIe siècle en France est l'ère rococo (la rocaille est un élément décoratif en forme de boucle de coquillage). Aux réceptions royales On sait que Louis Claude Daquin, à l'âge de six ans, s'est produit devant Louis XIV lui-même, le « Roi Soleil »., dans les salons, décorés selon les goûts de l'époque (tourbillons d'ornements sur les murs, meubles élégants sur pieds pliés), résonnait un clavecin - une mélodie en dentelle avec la même abondance de décorations. En concurrence avec des plats délicieux et des conversations divertissantes, le musicien a tenté d'attirer l'attention des auditeurs avec des inventions amusantes. « Le Coucou » de Daquin, comme les pièces d'autres grands clavecinistes français (« Papillons" Et " Petits moulins à vent«François Couperin,» Tambourin"Jean-Philippe Rameau), correspondait à l'atmosphère de "luxe et beauté joyeuse".
Interprété par : Robert Aldwinkle (clavecin)
Concerto n°4 en fa mineur (« L'Hiver ») du cycle « Les Saisons »
Antonio Vivaldi
Paysage d'hiver. Peinture artiste inconnu. Italie, XVIIIe siècle Portefeuille Mondadori / Getty Images Le compositeur italien Antonio Vivaldi a écrit plus de 500 concertos Concert - un morceau de musique, généralement pour un instrument solo avec un orchestre.. Environ la moitié d'entre eux sont destinés à un orchestre à cordes avec violon solo. Ce n’est pas surprenant : après tout, il était lui-même un violoniste virtuose brillant et très capricieux. Les plus populaires furent quatre concerts, pour lesquels, vraisemblablement, le compositeur lui-même écrivit des commentaires poétiques sous forme de sonnets. Les sonnets nous apprennent que la musique représente des images de la nature et des scènes de la vie des gens correspondant aux quatre saisons. Sonnet pour le concert « Hiver » :
Engourdi par la neige fraîche,
Sous le vent violent qui souffle dans le tuyau,
Courez en tamponnant vos bottes,
Et frissonner et frissonner de froid.
Et je trouve toujours la flamme salvatrice
Et, après vous être échauffé, oubliez les ennuis.
Et encore une fois dépêchez-vous à pas incertains, Glissez jusqu'à tomber sur la glace.
Flet, lève-toi et retombe
Sur le plan de la calotte glaciaire,
Et tout le monde aspire au foyer, à la maison.
Et écoutez là, réchauffant votre âme dans le confort,
Comme les Boréens volant depuis des portes de fer...
Il y a encore de la joie en hiver !
(traduit par David Samoilov). Comme chaque concert comporte trois mouvements (rapide, lent, rapide à nouveau), Vivaldi a représenté douze scènes de ce type au total. D’une part, cette musique peut être perçue comme une pure expression, une expression d’émotions. Mais il est intéressant de noter que le compositeur a assumé un contenu plus spécifique et, en plus des sonnets, a accompagné les notes de remarques. Ainsi, dans la première partie du concert « Winter », il est dit directement : vos dents claquent à cause du froid, mais vous tapez du pied pour vous réchauffer. La deuxième partie est la chaleur maison confortable, feu dans la cheminée et s'endormir. La troisième partie - les vents froids et chauds se poussent dans le ciel.
Interprété par : Orchestre Philharmonique de Berlin, Nigel Kennedy (violon)
Solo de flûte de l'opéra "Orphée et Eurydice"
Christoph Willibald Gluck
Orphée et Eurydice. Peinture d'Edward John Poynter. Angleterre, 1862 Wikimédia Commons Le mythe d’Orphée et d’Eurydice ne parle pas seulement du pouvoir de l’amour essayant de vaincre la mort, mais aussi du puissant pouvoir de la musique. Les dirigeants du royaume des morts sont captivés par la beauté enchanteresse de la voix d'Orphée et les sons de sa lyre et lui permettent l'incroyable : ramener sa jeune épouse, décédée des suites d'une morsure de serpent, dans le monde des vivants. . La mélodie la plus tendre pour la flûte retentit au moment où l'entrée de l'Elysée s'ouvre enfin devant Orphée - l'ancien paradis, où l'ombre désincarnée de la belle Eurydice pleure en se séparant de sa bien-aimée. Contrairement au mythe, l'opéra a une fin heureuse, typique de l'ère du classicisme.
Interprété par : Orchestre de chambre de la Philharmonie de Leningrad, chef d'orchestre Viktor Fedotov
Symphonie n°40 en sol mineur, partie 1
Wolfgang Amadeus Mozart
Quel est le secret de cette musique si mémorable et si populaire ? Dans de nombreuses mélodies, vous pouvez entendre les intonations de la parole humaine, ici c'est la parole d'une personne excitée. C’est ainsi que nous parlons – avec hésitation, à plusieurs reprises – lorsque nous sommes submergés de sentiments. Et cette symphonie commence de façon étonnante. Sans introduction, sans préparation, sans accords forts qui attirent l'attention, mais immédiatement, tout d'un coup - avec la confiance et la sincérité caractéristiques des enfants et des amoureux (ce n'est pas un hasard si cette mélodie est proche de l'air de Cherubino - le jeune page amoureux de l'opéra de Mozart « Les Noces de Figaro »).
Ouverture de l'opéra « Les Noces de Figaro »
Wolfgang Amadeus Mozart
Scène des Noces de Figaro. Dessin de Thomas Charles Naudet. Fin du XVIIIe siècle Bibliothèque nationale de France L'ouverture est une introduction orchestrale à l'opéra ; elle nous prépare à la représentation à venir. À l'opéra bouffe Opéra bouffe ( italien opera buffa - « opéra-comique ») est la désignation italienne de l'opéra-comique. L'ouverture des Noces de Figaro crée une atmosphère d'agitation joyeuse et d'anticipation des vacances. Il contient de nombreux héros, chacun avec son propre caractère et ses propres intentions - romantiques ou mercantiles. L'intrigue est compliquée, mais elle se développe rapidement, tout aussi rapidement que l'ouverture. Cette musique reflète également le caractère du personnage principal, qui pousse l'action avec persistance et impatience pour la mener à une fin heureuse.
Interprété par : Solistes baroques anglais, sous la direction de John Eliot Gardiner
Symphonie n°5 en do mineur, partie 1
Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven. Peinture de Joseph Karl Stieler. 1820 Maison Beethoven / Wikimedia Commons Interprète : Claudio Arrau
Mazurka en la mineur, op. 68, n° 2
Frédéric Chopin
Mazurka. Lithographie en couleurs. Allemagne, années 1850 Bibliothèque publique de New York La Mazurka est une danse folklorique polonaise, rapide, énergique, avec des virevoltes et des sauts. Au XIXe siècle, on commença à le jouer dans tous les bals européens. Enfant, vivant en Pologne, Chopin a observé à plusieurs reprises comment la mazurka était dansée pendant les vacances à la campagne au son d'un petit orchestre de village. Le destin du compositeur fut tel qu’il passa toute sa vie d’adulte séparé de son pays natal et qu’il lui manqua beaucoup. Se souvenant de la Pologne, il compose de plus en plus de mazurkas ; Il y en a environ 60 au total, et ils ont des caractères très différents : tantôt ils imitent un ensemble d'instruments de village, tantôt un orchestre de bal. Mais beaucoup de mazurkas de Chopin sont profondément tristes, comme la Mazurka en la mineur. Il ne s’agit plus tant d’une danse que d’un souvenir lyrique de celle-ci.
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Interprété par : Boston Symphony Orchestra, dirigé par Seiji Ozawa
Joue "Pierrot" et "Arlequin" du cycle "Carnaval"
Robert Schumann
Pierrot et Arlequin. Peinture de Paul Cézanne. France, 1888-1890 Musée d'État Beaux-Arts nommé d'après. A.S. Pouchkine Schumann - maître de la création portraits musicaux. Dans le cycle des miniatures pour piano Vignette - une courte pièce en une partie. Dans "Carnaval", il a présenté toute une série de personnages dont les caractères s'expriment, entre autres, à travers leur manière de se déplacer. Voici Pierrot - il est si pensif et triste qu'il ne remarque pas comment il trébuche encore et encore sur ses manches longues. Mais Arlequin est agile, rapide et clignote ici et là, réussissant à faire des sauts périlleux en courant. De vraies personnes cohabitent avec des personnages masqués. Le cycle contient les pièces « Chopin » et « Paganini », dans lesquelles Schumann a véhiculé les images de ses contemporains exceptionnels, imitant leur style musical.
Interprété par : Evgeny Kisin
Ouverture de l'opéra "Carmen"
Georges Bizet
Scénographie de l'opéra "Carmen". Dessin d'Alexandre Golovine. 1908 Musée d'État russe / DIOMEDIA Lumière aveuglante du soleil de midi, Espagne. La foule bien habillée rassemblée pour la corrida est bruyante en attendant le principal participant aux événements. Et le voici, un beau torero, un héros et un favori du public : déjà dans la première partie rapide de l'ouverture, le célèbre thème de sa marche est énoncé. La célébration de la vie se fait sentir avec encore plus d'acuité lorsqu'elle frise le risque mortel - la deuxième partie, lente, marque l'invasion de la tragédie.
Interprété par : Orchestre Symphonique de Vienne, chef d'orchestre Herbert von Karajan
La pièce « Dans la grotte du roi de la montagne » de la suite « Peer Gynt » d'après le drame d'Henrik Ibsen
Edvard Grieg
Illustration d'Arthur Rackham pour la pièce de Henrik Ibsen, Peer Gynt. Angleterre, 1936 Wikimédia Commons Les trolls et les esprits des montagnes sont les personnages principaux du folklore norvégien, patrie du compositeur Edvard Grieg. Les trolls sont féroces, cruels, têtus et hostiles aux humains. C’est exactement ainsi qu’ils apparaissent dans l’œuvre orchestrale la plus célèbre du compositeur, « Dans la grotte du roi de la montagne ».
Le Seigneur Troll marche, entouré de sa suite, vers son trône. Le cortège avance de loin. En chemin, de plus en plus de trolls la rejoignent, ils apparaissent de chaque crevasse, de derrière chaque rebord rocheux. Dans l’obscurité de la grotte, la flamme des torches s’enflamme. Et maintenant ce n'est plus une procession, mais une danse effrénée. Les trolls louent leur roi avec des cris sauvages. C'est effrayant... Mais comme c'est simple : la mélodie est répétée invariablement, mais le nombre d'instruments s'ajoute, le volume augmente et le tempo s'accélère.
La pièce "Nuages" du cycle "Nocturnes"
Claude Debussy
Prairie. Peinture d'Alfred Sisley. France, 1875 Galerie nationale d'art, Washington Debussy a écrit un court programme littéraire pour cette petite pièce orchestrale Programme(V. musique instrumentale) — présentation verbale du contenu d'une œuvre musicale.. Il n'a ni intrigue ni personnages, rien n'est dit sur les expériences humaines : « « Nuages » est une image immobile du ciel avec des nuages gris qui flottent et fondent lentement et mélancoliquement ; s’éloignant, ils sortent, doucement ombragés par une lumière blanche. Debussy cherchait un moyen de transmettre en musique le changement de couleur, la différence d'éclairage, il essayait de rapprocher la musique des peintures des impressionnistes. Vous ne devriez pas chercher de belles mélodies prolongées dans la pièce (après tout, la mélodie exprime des sentiments humains, mais il n'y a personne ici). Les appels à motivations courtes sont comme les voix de la nature elle-même. Le son impressionniste naît des combinaisons colorées d'accords et de la répartition particulière des timbres des instruments : les cordes jouent un rôle de fond inhabituel, de courts motifs sont attribués aux bois et aux cors d'harmonie. L’unisson de la flûte et de la harpe au milieu de la pièce se détache comme un nuage blanc.
Interprété par : Boston Symphony Orchestra, chef d'orchestre Claudio Abbado
Marche de Tchernomor de l'opéra « Ruslan et Lyudmila »
Mikhaïl Glinka
Conception des costumes de Chernomor pour l'opéra « Ruslan et Lyudmila ». Dessin de Victor Hartmann. 1871 Musée d'État de A.S. Pouchkine / DIOMEDIA La marche de Chernomor dans l'opéra "Ruslan et Lyudmila" accompagne l'entrée cérémonielle du méchant sorcier nain (et le retrait de sa barbe miraculeuse !). L'image fantastique de Pouchkine était parfaitement incarnée dans la musique de Glinka. En marche, ça arrive transformations étonnantes: ce qui est exagérément menaçant devient soudain petit et drôle, et encore menaçant, et encore drôle. Le son puissant de tout l'orchestre est responsable de l'horreur ( tutti- de l'italien. "tout") et fanfares de trompettes, pour les magiques - les cloches, et pour les comiques - "ça" les accords des bois aigus et le grincement d'une flûte piccolo. Avoir peur ou ne pas avoir peur, telle est la question !
Interprété par : Orchestre du Théâtre Bolchoï, chef d'orchestre Yuri Simonov
« Danses polovtsiennes » de l'opéra « Prince Igor »
Alexandre Borodine
"Danses polovtsiennes" mises en scène par le Théâtre Bolchoï. Moscou, 1964 Léon Dubilt / RIA Novosti « Danses polovtsiennes » est une scène de l'opéra « Prince Igor », qui est souvent interprétée séparément en tant qu'œuvre de concert. Selon l'intrigue, Khan Konchak organise des vacances en l'honneur du prince Igor capturé afin de mettre fin à l'hostilité avec la Russie. Nuit. La chaleur estivale s'apaise progressivement et une action d'une beauté et d'un luxe sans précédent se déroule devant le prince russe. La danse séduisante et langoureuse des esclaves aux mouvements fluides et flexibles est remplacée par une danse frénétique des hommes, démontrant leur force débridée (l'auteur lui-même a qualifié cette danse de « sauvage »), puis par des garçons de danse Kim encore plus rapides et légers. Les danseurs se remplacent encore et encore, pour finalement s'unir dans une danse commune avec des cris de louange au khan. Parmi la série de mélodies de renommée mondiale contenues dans ce fragment, la première qui accompagne la danse des esclaves se démarque particulièrement - un exemple d'une combinaison unique de styles. Une mélodie triste avec une abondance de virages flexibles pourrait être russe chanson populaire(ce qui est cohérent avec l'intrigue - après tout, ce ne sont pas les beautés polovtsiennes qui dansent, mais les captives : dans l'opéra, la danse est accompagnée de chants chœur de femmes avec les mots « Envole-toi sur les ailes du vent vers ta terre natale, notre chanson natale... »). Cependant, l'accompagnement au rythme syncopé Syncope - déplacer l'accent d'un rythme fort vers un rythme faible. et les sons épicés sont conçus dans un style nettement oriental.
Interprété par : Orchestre Philharmonique de Berlin, chef d'orchestre Herbert von Karajan
"Promenade", "Gnome", "Vieux Château", "Ballet des poussins non éclos", "Deux Juifs, riches et pauvres", "Baba Yaga" et d'autres pièces de la série "Tableaux d'une exposition"
Modeste Moussorgski
Création de costumes pour le ballet "Trilby". Dessin de Victor Hartmann. 1871 Wikimédia Commons Moussorgski a écrit le cycle pour piano « Tableaux d'une exposition » après avoir visité l'exposition posthume d'un de ses amis artistes, Victor Hartmann. D'où l'exceptionnelle variété du contenu (des portraits de personnages de contes de fées alternent avec des croquis de la vie réelle, des scènes comiques avec des réflexions sur la mort, et des catacombes romaines de Paris nous sommes transportés à la « Porte Bogatyr » de Kiev). Le cycle commence par une « Promenade », qui se répète après chaque morceau suivant : dans ce thème, le compositeur se représente lui-même se déplaçant d'image en image. Si vous écoutez attentivement, vous remarquerez que le caractère de la « Promenade » change en fonction des impressions de l’auteur sur ce qu’il a vu. Puisque la peinture capture des moments figés et que la musique se déroule dans le temps, Moussorgski crée des scènes à partir d'images. Baba Yaga pousse avec force son mortier du sol, accélère et s'envole. Le nain boitille et boitille. Sous les murs du vieux château, le Troubadour chante une chanson. Les poussins - ou les enfants habillés en poussins - se précipitent et gazouillent de façon amusante (dans les croquis de Hartmann pour le ballet des enfants du Théâtre Bolchoï Le ballet "Trilby" de Julius Gerber mis en scène par Marius Petipa à Théâtre Bolchoï(1871).- costumes en forme de coquilles non ouvertes). Et dans la pièce "Samuel Goldenberg et Shmuile" (dans les éditions soviétiques - "Deux Juifs, riches et pauvres") Moussorgski a combiné les deux héros de portraits séparés de Hartmann : ici vous pouvez entendre le babillage plaintif du pétitionnaire, interrompu par le grossier réprimande de l'homme riche.
Il existe des dizaines d'adaptations de « Pictures » pour des orchestres de compositions diverses, des groupes de jazz et des groupes de rock. Le plus célèbre appartient à Maurice Ravel - créé près de 50 ans après l'original, c'est elle qui a contribué à la popularité mondiale de l'œuvre de Moussorgski.
Interprété par : Sviatoslav Richter
Symphonie n°1 (« Rêves d'hiver »), partie 1
Piotr Tchaïkovski
Route d'hiver. Peinture de Lev Kamenev. 1866 Wikimédia Commons Tchaïkovski a appelé sa Première Symphonie « Rêves d'hiver » et a donné à son premier mouvement une désignation légèrement plus détaillée : « Rêves sur une route d'hiver ». Derrière l'image des « rêves » se cachent des souvenirs personnels et toute une série de poèmes « d'hiver » de poètes russes Avant d’écouter, vous pouvez lire « route d'hiver" et les "Démons" de Pouchkine - alors la musique de Tchaïkovski acquerra le sous-texte nécessaire., chansons folkloriques et des romances sur des étendues enneigées sans fin, une troïka se précipitant à travers elles et un sentiment lyrique douloureux dans lequel l'âme plonge sous le doux tintement « fatiguant » d'une cloche. L'image d'un espace sans limites est véhiculée par le basson et la flûte, se dupliquant à une distance de deux octaves. La « mélancolie sincère » de la mélodie initiale laisse place à des harmonies blizzardes : un motif saccadé et caustique envahit le mouvement fluide. Staccato- exécution brusque des sons..
Danse de la Fée Dragée du ballet « Casse-Noisette »
Piotr Tchaïkovski
Danse de la Fée Dragée du ballet « Casse-Noisette » mis en scène par le New York City Ballet. 1974 Martha Swope/Bibliothèque publique de New York La Danse de la Fée Dragée est l'un des fragments les plus célèbres du ballet ; elle a reçu une vie distincte de la représentation et est entendue dans concerts symphoniques, films d'animation et programmes télévisés. La Fée Dragée est la maîtresse du pays des bonbons, la maîtresse du palais magique de Confiturenburg. Dès les premiers sons de sa danse nous sommes transportés dans un monde enchanté monde féérique, où il n'y a pas de place pour quoi que ce soit de sombre, de lugubre et de maléfique. Le doux tintement cristallin du célesta promet miracles et bonheur (même le nom de cet instrument vient de l'italien célesta traduit par « céleste »). Lors de la première du ballet, l'effet du miracle a été encore renforcé par le fait que personne n'avait entendu de célesta en Russie auparavant : Tchaïkovski a apporté de Paris ce nouvel instrument pour l'époque et plus d'un an J'ai demandé à mes amis de garder le secret. Semblable à un piano miniature, mais avec des plaques de métal ou de verre à l'intérieur, le célesta a pris racine dans l'orchestre symphonique. Le son, rappelant le tintement des cloches, est devenu un symbole du fabuleusement beau, surnaturel.
Interprété par : Orchestre Philharmonique, chef d’orchestre John Lanchbury
Suite Symphonique « Schéhérazade », partie 1
Nicolas Rimski-Korsakov
Conception des costumes de la Sultane bleue pour le ballet "Schéhérazade". Dessin de Lev Bakst. 1910 Wikimédia Commons Le prototype littéraire d'un essai est un recueil contes arabes"Mille et une nuits". Il est curieux que Rimski-Korsakov ait pour la première fois intitulé les quatre parties de la suite Suite- une œuvre musicale composée de plusieurs parties indépendantes, contrastées les unes par rapport aux autres, mais unies par un concept commun., puis supprimé les titres, ne voulant pas priver l'auditeur de la liberté d'imagination. Le compositeur a laissé un commentaire introductif qui raconte brièvement l'histoire de Shéhérazade et du sultan Shahriyar.
Au début et à la fin de chaque mouvement, une mélodie reconnaissable du violon solo résonne, rappelant les motifs complexes de tissus orientaux luxueux, les mouvements flexibles d'une danseuse orientale et le discours oriental tranquille décoré de nombreuses épithètes - c'est le leitmotiv Leitmotiv(du leitmotiv allemand — « motif principal et principal ») — un motif qui revient de manière répétée tout au long de l'œuvre en lien avec les caractéristiques d'un personnage, d'un sentiment, d'une situation, d'un objet, etc. Shéhérazade. Le leitmotiv de Shahryar, menaçant et imposant, ouvre l'œuvre. Et lui, calmé, sonne à la toute fin - She-he-razada a trouvé comment apaiser le tempérament colérique du sultan.
Aujourd'hui, les noms des parties, connus du livre des mémoires de Rimski-Kor-sakov « Chronique de mon vie musicale", sont presque toujours communiqués à l'auditeur, même si le caractère pittoresque de la musique permet de se passer d'explications. La première partie est le premier conte de fées, « La mer et le bateau de Sinbad ». L’élément eau y apparaît vivant et changeant. Les vagues roulent lentement et paresseusement, moussent sur la crête, se dispersent en petites éclaboussures scintillantes au soleil et le navire glisse le long de la surface. Mais bien qu'apparemment douce au début, la mer peut montrer sa formidable puissance à tout moment - et maintenant, vague après vague, elle déferle et s'effondre. Rimski-Korsakov, ancien gar-demarin, a représenté la mer comme aucun autre.
Interprété par : Orchestre Symphonique Académique d'État de l'URSS, chef d'orchestre Evgeny Svetlanov
Conte de fées symphonique "Kikimora"
Anatoly Liadov
Kikimora. Dessin d'Ivan Bilibine. 1934 Wikimédia Commons Anatoly Lyadov aimait beaucoup tout ce qui était magique et fantastique. À quel point était-ce fantaisiste ? personnage de conte de fées, plus il l'aimait. Tout en divertissant ses enfants, le compositeur lui-même a même imaginé et dessiné de drôles de monstres de contes de fées. Inspiré par la description de Kikimora tirée du livre « Contes du peuple russe », Lyadov a décidé de la représenter en musique. Lyadov a préfacé sa pièce orchestrale du texte suivant, emprunté aux « Contes du peuple russe » d'Ivan Sakharov : « Kikimora vit et grandit avec un magicien dans les montagnes de pierre. Du matin au soir il amuse Kikimora chat Baiyun, disent les contes étrangers. Du soir au grand jour, Kikimora est bercée dans un berceau de cristal. Exactement sept ans plus tard, Kikimora grandira. C'est une Kikimora mince aux cheveux noirs, mais sa tête est aussi petite qu'un dé à coudre et son corps ne peut être comparé à une paille. Kikimora frappe et tonne du matin au soir ; Kikimora siffle et siffle du soir jusqu'à midi ; de minuit jusqu'au grand jour, il file l'étoupe de chanvre, tord le fil de chanvre et tord la chaîne de soie. Kikimora garde le mal à l’esprit pour toutes les personnes honnêtes.. Dans une petite pièce pour orchestre, le compositeur raconte toute une biographie créature de conte de fées. La lente section initiale est l’enfance de Kikimora. Sombre Paysage de montagne, où le soleil ne pénètre presque jamais. Le motif magique de la berceuse du chat Bayun est une paix qui semble durer éternellement. Mais bébé Kiki-Mora se fait déjà connaître : son couinement perçant (flûte piccolo et go-boy) fait trembler tout autour d'elle... Et se fige à nouveau. On n'entend que le léger tintement du berceau de cristal dans lequel est bercé Kikimora (les mêmes sons de céles que dans la danse de la Fée Dragée de Tchaïkovski). La musique rapide et impétueuse de la deuxième section dépeint un Kikimora mûr. Elle court dans la forêt et fait des farces : coups, hochets (ici le compositeur utilise un xylophone, ce qui est rare pour un orchestre), fait peur à tous ceux qui la croisent... Et pourtant, la Kiki-Mora de Lyadov n'est pas méchante. Juste décalé et étrange, à l’image du monde dans lequel elle habite.
Version : Russe orchestre national, chef d'orchestre Mikhaïl Pletnev
Musique pour le ballet "Petrouchka"
Igor Stravinsky
Scénographie du ballet "Petrouchka". Dessin d'Alexandre Benois. 1911 Wikimédia Commons Le ballet « Petrouchka » est une unité de musique de Stravinsky, de scénographie d'Alec-Saint-dra Benois, de chorégraphie de Mikhaïl Fokine et d'interprétation de Vaslav Nijinsky. Bien qu'écouter de la musique séparément ne soit pas moins intéressant que regarder un ballet, il convient néanmoins d'en connaître l'intrigue. Saint-Pétersbourg au début du siècle dernier. La célébration de Maslenitsa est une foule élégante, bruyante et joyeuse. Il y a beaucoup d'animations sur la spacieuse place du Champ de Mars : des orgues de Barbarie jouent, des ballerines mécaniques dansent, les cris des aboyeurs se font entendre de différents côtés, essayant d'attirer les spectateurs dans leurs cabines - la couleur des scènes folkloriques de masse est destiné à mettre en valeur l’essence dramatique de l’œuvre. L'apparition du Magicien attire l'attention de tous, le bruit hétéroclite s'apaise et une musique mystérieuse retentit : le Magicien donne vie à ses poupées, et le spectateur se retrouve dans une autre histoire. Une pièce dans la pièce se joue : Petrouchka souffre d'un amour non partagé pour la ballerine (son leitmotiv ressemble à un cri lyrique triste). La belle poupée insensible lui préfère l'Arabe élégant, quoique grossier. Dans la bataille avec Arab, Persley meurt. Mais c'est juste spectacle de marionnettes— les festivités continuent. Vous pouvez entendre le grattement d'un accordéon et des bribes de chansons de la ville (« Le long de Piterskaya », « Oh toi, la canopée, ma canopée »). Un homme joue de la flûte en exhibant un ours dressé, un diable masqué fait peur aux passants en plaisantant, un marchand se met à danser avec les gitans. Tout cela est visible et tangible. Avez-vous toujours pitié de Petrouchka ? Pas besoin de s'inquiéter! Le magicien emporte la poupée cassée, mais la drôle de tête de Petrouchka apparaît dans la foule, faisant un pied de nez à tout le monde : le leitmotiv du héros achève le ballet.
Interprété par : Orchestre symphonique de Columbia. Chef d'orchestre : Igor Stravinsky
Marche de l'opéra « L'amour des trois oranges »
Sergueï Prokofiev
Couverture du magazine de théâtre « L'amour des trois oranges ». 1915 Wikimédia Commons Cette marche exprime le mieux le caractère d'une comédie de conte de fées - d'une gaieté provocante, excentrique, incontrôlable, tout comme le personnage de l'un de ses héros - le bouffon jamais ennuyeux Truffa l'homme des glaces : selon l'intrigue, il doit certainement faire le Prince rit et met l'ambiance. Et en effet, le rythme élastique de la marche est tel qu'il est impossible de rester assis : le motif audacieux de la trompette, le battement distinct de la caisse claire - il est difficile d'imaginer une musique plus vivifiante. Elle reflétait fidèlement l'attitude de Sergei Sergueïevitch Prokofiev
Chambre d'enfant Arzamas
Dans d'autres formes d'art et ses techniques
Méthode de mise en œuvre travaux littéraires
Ch une analyse incisive d'une œuvre littéraire se construit sur les lois non seulement scientifiques, mais aussi créativité artistique. Nous parlerons ici des techniques créatives pour traduire un texte littéraire dans d’autres formes d’art. Ces techniques permettent d'exprimer la position du lecteur, de former et de développer la capacité de concrétisation figurative et de généralisation figurative, et elles sont donc pertinentes pour l'école primaire.
Le dessin verbal (oral et écrit) est une description d’images ou d’images qui sont apparues dans l’esprit du lecteur lors de la lecture d’une œuvre littéraire. L'image de mot s'appelle différemment illustration verbale.
Cette technique vise principalement développer la capacité de concrétiser des images verbales(imagination). De plus, la parole et la pensée logique de l’enfant se développent. Lorsqu'il dessine verbalement, le lecteur doit, sur la base des images verbales créées par l'écrivain, détaillez votre propre vision dans une image visuelle, qu'il reproduit et décrit oralement ou par écrit.
Au même moment apparaissent deux dangers: tu peux te perdre récit direct le texte de l'auteur, et avec une imagination involontaire trop active "oublier" la peinture de l'auteur et commencez à décrire le vôtre.
Ce réception nécessite un certain nombre d'opérations : lire, imaginer, préciser, sélectionner des mots et des expressions exactes à décrire, construire logiquement votre énoncé. De plus, la technique implique une description dans une image statique relations difficiles héros.
Cette technique dirige l'attention des enfants sur le texte: ils relisent ses fragments individuels, car seuls les détails stylistiques sémantiques et visuels les aideront à clarifier les images verbales, à les clarifier et à présenter ce que l'auteur décrit en détail. L'étudiant « entre » progressivement dans le monde du travail et commence le voir à travers les yeux de l'auteur ou de l'un des personnages(selon le point de vue duquel l'image est recréée), c'est-à-dire rejoint l’action, ce qui signifie qu’il pourra compléter l’image de l’auteur avec ses propres détails. Ensuite, le résultat du travail, basé sur l'analyse du texte, ne sera pas un récit ou une description séparée de l'intention de l'auteur, mais une image créative adéquate à l'intention de l'auteur, mais plus détaillée et nécessairement évaluative émotionnellement. .
Formation réception fuites dans plusieurs étapes .
1. Regarder des illustrations graphiques. Tout d'abord, l'enseignant organise l'observation de la manière dont l'illustrateur transmet l'intention de l'auteur, ce qui aide l'artiste à créer une ambiance et à exprimer son attitude envers les personnages. Au cours de ce travail, les enfants se familiarisent avec le concept de « composition d'images », avec la signification des couleurs, des colorations et des lignes. Ce travail peut également être réalisé en classe. arts visuels, et en classe lecture extrascolaire.
2. Choisissez parmi plusieurs options d'illustration le plus adapté à l'épisode de l'œuvre considérée avec la motivation de sa décision.
3. Illustration collective à partir de figures toutes faites consiste en la disposition des personnages (la composition du tableau), le choix de leurs poses, leurs expressions faciales.
4. Auto-illustration l'épisode que vous avez aimé et une description verbale de ce que vous avez dessiné. Cette technique peut être complexifiée en demandant aux enfants de décrire des illustrations réalisées par leurs camarades de classe.
5. Analyse d'illustrations réalisées avec un écart évident par rapport au texte de l'ouvrage. Les enfants se voient proposer des illustrations dans lesquelles la disposition des personnages ou d'autres images de l'œuvre est perturbée, certains détails de l'auteur manquent ou ont été remplacés par d'autres, la coloration est perturbée, les poses et expressions faciales des personnages sont déformées, etc. Après visionnage, les enfants comparent leur perception du texte avec celle de l'illustration.
6. Dessin oral collectif d'illustrations- des scènes de genre. A ce stade, les enfants choisissent la palette de couleurs de l’illustration.
7. Dessin graphique indépendant d'un paysage et sa description orale ou la description du paysage par l'artiste.
8. Verbal dessin oral d'un paysage en détail texte.
9. Oral collectif Description détaillée héros dans un épisode spécifique(comment voyez-vous le héros : ce qui se passe ou s'est passé, l'humeur du héros, ses sentiments, sa posture, ses cheveux, ses expressions faciales (yeux, lèvres), ses vêtements, si c'est important, etc.) L'enseignant aide les enfants à créer une description avec des questions.
10. Verbal collectif et indépendant dessin oral du héros d'abord dans une situation précise, et plus tard - dans différents.
11. Illustration orale verbale indépendante et comparaison de l'illustration orale créée avec le graphique.
Il est naturel que pour maîtriser la technique dessin de mots n'est possible qu'après avoir maîtrisé les compétences de base de l'analyse des illustrations d'une œuvre. Cependant, en tant que propédeutique, dès les tout premiers stades de l'étude des œuvres littéraires, il convient de poser aux enfants des questions telles que : « Quel genre de héros imaginez-vous ? ?», « Comment voyez-vous le décor de l’action ? », « Que voyez-vous en lisant ce texte ? " Et ainsi de suite.
Exemples d'organisation du dessin verbal oral en classe :
Fragment d'une leçon en 1ère année sur un conte de fées « Bouillie d'une hache »
Étape de relecture du texte et de son analyse
- Lisons le conte de fées jusqu'à la fin et observons comment le soldat a agi. Élaborons un plan pour ses actions.
Les enfants relisent le conte de fées par parties, en numérotant les événements avec un crayon. Ensuite, les résultats du travail sont discutés et ceux écrits à l'avance au tableau sont ouverts. les actions du soldat: j'ai remarqué une hache; proposé de cuisiner du porridge avec une hache ; demandé d'apporter la chaudière; J'ai lavé la hache, je l'ai mise dans le chaudron, j'ai versé de l'eau et je l'ai mise sur le feu ; agité et goûté; s'est plaint qu'il n'y avait pas de sel; je l'ai salé, je l'ai goûté, je me suis plaint que ce serait bien d'y ajouter quelques céréales ; j'ai ajouté des céréales, remué, goûté, loué et plaint que ce serait bien d'ajouter de l'huile ; huile ajoutée; J'ai commencé à manger du porridge. Nous combinons de petites actions en de plus grandes : prévu de tromper la vieille femme; prépare la hache pour la cuisson et commence à la cuire ; en remuant et en dégustant, l'un après l'autre demande du sel, des céréales et du beurre ; mange du porridge.
Maintenant regardons comment la vieille femme s'est comportéeà chaque instant que nous avons.
- Son humeur et son comportement ont-ils changé ? Quelles sont les raisons de ces changements ?
Nous invitons les enfants à imaginer quelles illustrations peut-on réaliser pour ce conte de fées ? et décrire le soldat et la vieille femme à chaque instant de l'action (dessin oral).
Nous aidons avec des questions:
- Dans quel contexte l’action se déroule-t-elle ?? (Cabane, mobilier dans la cabane, poêle, ustensiles, etc.)
- Où se tient le soldat, comment se tient-il, où regarde-t-il ?(sur la vieille femme, dans le chaudron, à côté, etc. .), que fait-il en ce moment ? Quelle est son humeur ? A quoi pense-t-il ? Quelle est son expression faciale ?
Nous proposons de décrire la vieille femme du conte de fées « Porridge from an Axe » à différents moments de l'action. Nous aidons avec des questions directrices similaires.
Alors discuter de l'illustration dans le lecteur(Fig. 13 V.O. Anikin. « Porridge à la hache »).
- Est-il possible de déterminer quel moment du conte de fées a été représenté par l'artiste V.O. Anikin ? Qu’est-ce qui aide (ou, au contraire, gêne) cela ?