समसामयिक जापानी कला दृश्यपूर्णतः वैश्वीकृत प्रतीत होता है। कलाकार टोक्यो और न्यूयॉर्क के बीच घूमते रहते हैं, लगभग सभी ने यूरोपीय या अमेरिकी शिक्षा प्राप्त की है, और वे अंतरराष्ट्रीय कला में अपने काम के बारे में अंग्रेजी में बात करते हैं। हालाँकि, यह तस्वीर पूरी नहीं है।
राष्ट्रीय रूप और रुझान सबसे अधिक मांग वाले सामानों में से एक बन गए हैं जो जापान कलात्मक विचारों और कार्यों के विश्व बाजार में पेश कर सकता है।
विमान संचालन. कैसे सुपरफ्लैट आंदोलन अमेरिकी गीक संस्कृति और पारंपरिक जापानी चित्रकला को जोड़ता है
ताकाशी मुराकामी. "तांग तांग बो"यदि पश्चिमी दुनिया में लगभग सभी के लिए (शायद उत्तर-आधुनिकता के सबसे उत्साही सिद्धांतकारों को छोड़कर) उच्च और जन संस्कृति के बीच की सीमा समस्याग्रस्त होने के बावजूद अभी भी प्रासंगिक बनी हुई है, तो जापान में ये दुनिया पूरी तरह से मिश्रित हैं।
इसका एक उदाहरण ताकाशी मुराकामी हैं, जो दुनिया की सर्वश्रेष्ठ दीर्घाओं में प्रदर्शनियों और स्ट्रीमिंग प्रोडक्शन को सफलतापूर्वक जोड़ते हैं।
मुराकामी प्रदर्शनी "वहाँ हल्की बारिश होगी" के दौरे की रिकॉर्डिंग
हालाँकि, लोकप्रिय संस्कृति के साथ मुराकामी का रिश्ता - और जापान के लिए यह मुख्य रूप से मंगा और एनीमे प्रशंसकों (ओटाकू) की संस्कृति है - अधिक जटिल है। दार्शनिक हिरोकी अज़ुमा एक प्रामाणिक जापानी घटना के रूप में ओटाकू की समझ की आलोचना करते हैं। ओटाकू खुद को 17वीं-19वीं शताब्दी के ईदो काल की परंपराओं से सीधे जुड़ा हुआ मानते हैं - अलगाववाद और आधुनिकीकरण से इनकार का युग। अज़ुमा का तर्क है कि ओटाकू आंदोलन - मंगा, एनीमेशन, ग्राफिक उपन्यास, कंप्यूटर गेम से जुड़ा हुआ है - केवल अमेरिकी संस्कृति के आयात के परिणामस्वरूप युद्ध के बाद के अमेरिकी कब्जे के संदर्भ में उत्पन्न हो सकता है। मुराकामी और उनके अनुयायियों की कला ने पॉप कला विधियों का उपयोग करके ओटाकू को फिर से खोजा और इस परंपरा की प्रामाणिकता के बारे में राष्ट्रवादी मिथक को खारिज कर दिया। यह "जापानीकृत अमेरिकी संस्कृति के पुनः अमेरिकीकरण" का प्रतिनिधित्व करता है।
कला के ऐतिहासिक दृष्टिकोण से, सुपरफ़्लैट प्रारंभिक जापानी उकियो-ए पेंटिंग के सबसे करीब है। सबसे प्रसिद्ध कार्यइस परंपरा में कत्सुशिका होकुसाई (1823-1831) द्वारा लिखित द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा प्रिंट है।
पश्चिमी आधुनिकतावाद के लिए, जापानी चित्रकला की खोज एक सफलता थी। इसने हमें चित्र को एक विमान के रूप में देखने की अनुमति दी और इसकी इस विशेषता को दूर करने का नहीं, बल्कि इसके साथ काम करने का प्रयास किया।
कात्सुशिकी होकुसाई। "कानागावा से महान लहर" प्रदर्शन कला के अग्रदूत. 1950 के दशक की जापानी कला का आज क्या अर्थ है
अकीरा कानायामा और काज़ुओ शिरागा की रचनात्मक प्रक्रिया का दस्तावेजीकरण
सुपरफ़्लैट ने केवल 2000 के दशक में आकार लिया। लेकिन विश्व कला के लिए महत्वपूर्ण कलात्मक घटनाएँ जापान में बहुत पहले शुरू हुईं - और पश्चिम की तुलना में भी पहले।
कला में प्रदर्शनात्मक मोड़ पिछली सदी के 60 और 70 के दशक के अंत में आया। जापान में, प्रदर्शन कला पचास के दशक में दिखाई दी।
पहली बार, गुटाई समूह ने अपना ध्यान आत्मनिर्भर वस्तुओं के निर्माण से हटकर उनके उत्पादन की प्रक्रिया पर केंद्रित किया। यहां से यह एक क्षणिक घटना के पक्ष में कला वस्तु को त्यागने से एक कदम दूर है।
यद्यपि गुटाई के व्यक्तिगत कलाकार (बीस वर्षों में कुल मिलाकर उनमें से 59 थे) अंतरराष्ट्रीय संदर्भ में सक्रिय रूप से मौजूद थे, यह समझते हुए कि वे कैसे सामूहिक गतिविधिजापानी युद्धोत्तर कला आम तौर पर हाल ही में पश्चिम में शुरू हुई। उछाल 2013 में आया: न्यूयॉर्क और लॉस एंजिल्स में छोटी दीर्घाओं में कई प्रदर्शनियाँ, MoMA में "टोक्यो 1955-1970: द न्यू अवंत-गार्डे" और बड़े पैमाने पर ऐतिहासिक पूर्वव्यापीगुगेनहाइम संग्रहालय में "गुटाई: शानदार खेल का मैदान"। मॉस्को द्वारा जापानी कला का आयात इस प्रवृत्ति की लगभग विलंबित निरंतरता प्रतीत होता है।
सदामासा मोटोनागा। गुगेनहाइम संग्रहालय में कार्य (जल)। यह आश्चर्यजनक है कि ये पूर्वव्यापी प्रदर्शनियाँ कितनी समकालीन दिखती हैं। उदाहरण के लिए, गुगेनहेम संग्रहालय में प्रदर्शनी का केंद्रीय उद्देश्य सदामासा मोटोनागा द्वारा निर्मित कार्य (जल) का पुनर्निर्माण है, जिसमें संग्रहालय रोटुंडा के स्तर रंगीन पानी के साथ पॉलीथीन ट्यूबों से जुड़े हुए हैं। वे कैनवास से फाड़े गए ब्रश स्ट्रोक से मिलते जुलते हैं, और "ठोसता" (जैसा कि बैंड का नाम जापानी से अनुवादित है) पर गुटाई के केंद्रीय फोकस का उदाहरण देते हैं, उन वस्तुओं की भौतिकता जिनके साथ कलाकार काम करता है।
कई गुटाई प्रतिभागियों ने शास्त्रीय निहोंगा पेंटिंग से संबंधित शिक्षा प्राप्त की, कई लोग ज़ेन बौद्ध धर्म के धार्मिक संदर्भ, इसकी विशिष्ट जापानी सुलेख से जीवनी रूप से जुड़े हुए हैं। उन सभी को प्राचीन परंपराओं के प्रति एक नया, प्रक्रियात्मक या सहभागी दृष्टिकोण मिला। काज़ुओ शिरागा ने रोशेनबर्ग का अनुमान लगाते हुए, अपने पैरों से अपने मोनोक्रोम पेंटिंग करते हुए खुद के वीडियो रिकॉर्ड किए, और यहां तक कि सार्वजनिक रूप से पेंटिंग भी बनाई।
मिनोरू योशिदा ने जापानी प्रिंट से फूलों को साइकेडेलिक वस्तुओं में बदल दिया - इसका एक उदाहरण उभयलिंगी फूल है, जो दुनिया की पहली गतिज (चलती) मूर्तियों में से एक है।
गुगेनहाइम संग्रहालय में प्रदर्शनी के क्यूरेटर इन कार्यों के राजनीतिक महत्व के बारे में बात करते हैं:
"गुटाई ने सामाजिक निष्क्रियता और अनुरूपता का मुकाबला करने के तरीकों के रूप में स्वतंत्र व्यक्तिगत कार्रवाई, दर्शक अपेक्षाओं की तोड़फोड़ और यहां तक कि मूर्खता के महत्व को प्रदर्शित किया, जिसने कई दशकों से एक सैन्यवादी सरकार को बड़े पैमाने पर प्रभाव हासिल करने, चीन पर आक्रमण करने की अनुमति दी, और फिर द्वितीय विश्व युद्ध में शामिल हों।
अच्छा और बुद्धिमान. 1960 के दशक में कलाकार जापान छोड़कर अमेरिका क्यों चले गये?
युद्ध के बाद जापान में गुटाई नियम का अपवाद था। अवंत-गार्डे समूह हाशिए पर रहे, कला जगत सख्ती से पदानुक्रमित था। मान्यता का मुख्य मार्ग शास्त्रीय कलाकारों के मान्यता प्राप्त संघों द्वारा आयोजित प्रतियोगिताओं में भाग लेना था। इसलिए, कई लोगों ने पश्चिम जाकर अंग्रेजी भाषा की कला प्रणाली में एकीकृत होना पसंद किया।
यह महिलाओं के लिए विशेष रूप से कठिन था। यहां तक कि प्रगतिशील गुटाई में भी उनकी उपस्थिति का हिस्सा पांचवें हिस्से तक भी नहीं पहुंच पाया। पारंपरिक संस्थानों के बारे में हम क्या कहें, जिन तक पहुंच के लिए यह जरूरी था खास शिक्षा. साठ के दशक तक, लड़कियों ने पहले ही इसका अधिकार हासिल कर लिया था, लेकिन कला में प्रशिक्षण (यदि यह सजावटी कला के बारे में नहीं था, जो कौशल सेट का हिस्सा था) रयोसाई केनबो- एक अच्छी पत्नी और बुद्धिमान माँ) एक सामाजिक रूप से अस्वीकृत गतिविधि थी।
योको ओनो. टुकड़ा काटें
टोक्यो से राज्यों में पांच शक्तिशाली जापानी महिला कलाकारों के प्रवास की कहानी मिदोरी योशिमोतो के अध्ययन "इनटू परफॉर्मेंस: जापानी महिला कलाकार इन न्यूयॉर्क" का विषय बन गई। यायोई कुसामा, ताकाको सैतो, मीको शियोमी और शिगेको कुबोटा ने अपने करियर की शुरुआत में न्यूयॉर्क जाने का फैसला किया और वहां काम किया, जिसमें जापानी कला की परंपराओं को आधुनिक बनाना भी शामिल था। केवल योको ओनो संयुक्त राज्य अमेरिका में पली-बढ़ी - लेकिन उसने भी, 1962-1964 में एक छोटे से प्रवास के दौरान टोक्यो के कलात्मक पदानुक्रम से मोहभंग होने के कारण, जानबूझकर जापान लौटने से इनकार कर दिया।
ओनो इन पाँचों में सबसे प्रसिद्ध हुईं - न केवल जॉन लेनन की पत्नी के रूप में, बल्कि वस्तुकरण के लिए समर्पित प्रोटो-नारीवादी प्रदर्शनों की लेखिका के रूप में भी। महिला शरीर. ओनो के कट पीस, जिसमें दर्शक कलाकार के कपड़ों के टुकड़े काट सकते हैं, और "प्रदर्शन की दादी" मरीना अब्रामोविक की "रिदम 0" के बीच स्पष्ट समानताएं हैं।
छोटे पैरों पर. तदाशी सुजुकी का मूल अभिनय प्रशिक्षण कैसे लें
ओनो और गुटाई के मामले में, लेखकों से अलग उनके काम के तरीके और विषय अंतरराष्ट्रीय स्तर पर महत्वपूर्ण हो गए। निर्यात के अन्य रूप भी हैं - जब कलाकार के काम को अंतर्राष्ट्रीय मंच पर रुचि के साथ प्राप्त किया जाता है, लेकिन इसकी विशिष्टता के कारण यह विधि उधार नहीं ली जाती है। सबसे चौंकाने वाला मामला तदाशी सुजुकी की अभिनय प्रशिक्षण प्रणाली है।
सुजुकी थिएटर को रूस में भी पसंद किया जाता है - और यह आश्चर्य की बात नहीं है। पिछली बारउन्होंने 2016 में यूरिपिड्स के ग्रंथों पर आधारित नाटक "द ट्रोजन वुमेन" के साथ हमसे मुलाकात की और 2000 के दशक में वह शेक्सपियर और चेखव की प्रस्तुतियों के साथ कई बार आए। सुज़ुकी ने नाटकों की कार्रवाई को वर्तमान जापानी संदर्भ में स्थानांतरित कर दिया और ग्रंथों की गैर-स्पष्ट व्याख्याओं की पेशकश की: उन्होंने इवानोव में यहूदी विरोधी भावना की खोज की और इसकी तुलना चीनियों के प्रति जापानियों के तिरस्कारपूर्ण रवैये से की, और किंग लियर की कार्रवाई को स्थानांतरित किया। एक जापानी पागलखाने में.
सुज़ुकी ने अपना सिस्टम रूसी सिस्टम के विरोध में बनाया था थिएटर स्कूल. में देर से XIXशताब्दी, तथाकथित मीजी काल के दौरान, आधुनिकीकरण कर रहे शाही जापान ने विपक्षी आंदोलनों में वृद्धि का अनुभव किया। इसका परिणाम पहले से बेहद बंद संस्कृति का बड़े पैमाने पर पश्चिमीकरण था। आयातित रूपों में स्टैनिस्लावस्की प्रणाली थी, जो अभी भी जापान (और रूस में) में मुख्य निर्देशन विधियों में से एक बनी हुई है।
सुजुकी व्यायाम
साठ के दशक में, जब सुज़ुकी ने अपना करियर शुरू किया, तो यह थीसिस तेजी से फैल रही थी कि, अपनी शारीरिक विशेषताओं के कारण, जापानी अभिनेता पश्चिमी ग्रंथों की भूमिकाओं के लिए अभ्यस्त नहीं हो सके, जो तत्कालीन प्रदर्शनों की सूची में थे। युवा निर्देशक सबसे ठोस विकल्प पेश करने में कामयाब रहे।
सुजुकी की व्यायाम प्रणाली, जिसे पैरों का व्याकरण कहा जाता है, में बैठने के दर्जनों तरीके शामिल हैं, यहां तक कि खड़े होने और चलने के तरीके भी शामिल हैं।
उनके अभिनेता आमतौर पर नंगे पैर खेलते हैं और गुरुत्वाकर्षण के केंद्र के कम होने के कारण, जितना संभव हो उतना भारी, जमीन से बंधे हुए दिखाई देते हैं। सुजुकी उन्हें और विदेशी कलाकारों को आधुनिक उपकरणों से भरे प्राचीन जापानी घरों में टोगा गांव में अपनी तकनीक सिखाती है। उनकी मंडली साल में केवल लगभग 70 प्रस्तुतियाँ देती है, और बाकी समय जीवित रहती है, लगभग कभी गाँव नहीं छोड़ती और व्यक्तिगत मामलों के लिए समय नहीं रखती - केवल काम करती है।
टोगा में केंद्र सत्तर के दशक में दिखाई दिया, इसे दुनिया के निदेशक के अनुरोध पर डिजाइन किया गया था प्रसिद्ध वास्तुकारअराता इसोज़ाका। सुज़ुकी की व्यवस्था पितृसत्तात्मक और रूढ़िवादी लग सकती है, लेकिन वह स्वयं विकेंद्रीकरण के आधुनिक संदर्भ में टोगा के बारे में बात करते हैं। 2000 के दशक के मध्य में, सुजुकी ने राजधानी से क्षेत्रों में कला निर्यात करने और स्थानीय उत्पादन बिंदुओं को व्यवस्थित करने के महत्व को समझा। निर्देशक के अनुसार, जापान का थिएटर मानचित्र कई मायनों में रूस के समान है - कला टोक्यो और कई छोटे केंद्रों में केंद्रित है। रूसी रंगमंचऐसी कंपनी का होना भी अच्छा होगा जो नियमित रूप से छोटे शहरों के दौरे पर जाती हो और राजधानी से दूर स्थित हो।
टोगा में SCOT कंपनी केंद्र पुष्प पथ. आधुनिक रंगमंच ने नोह और काबुकी प्रणालियों में किस संसाधन की खोज की है?
सुज़ुकी पद्धति दो प्राचीन जापानी परंपराओं - काबुकी से विकसित हुई है। ऐसा नहीं है कि इस प्रकार के थिएटर को अक्सर चलने की कला के रूप में जाना जाता है, बल्कि अधिक स्पष्ट विवरण भी हैं। सुज़ुकी अक्सर इस नियम का पालन करती है कि सभी भूमिकाएँ पुरुषों द्वारा निभाई जाती हैं, विशिष्ट स्थानिक समाधानों का उपयोग करते हुए, उदाहरण के लिए, काबुकी पैटर्न का हनामिची ("फूलों का पथ") - मंच से पीछे तक फैला एक मंच सभागार. वह फूलों और स्क्रॉल जैसे बहुत पहचाने जाने योग्य प्रतीकों का भी उपयोग करता है।
बेशक, में वैश्विक दुनियाजापानियों को अपने राष्ट्रीय रूपों का उपयोग करने के विशेषाधिकार के बारे में कोई बात नहीं की गई है।
हमारे समय के सबसे महत्वपूर्ण निर्देशकों में से एक, अमेरिकी रॉबर्ट विल्सन का थिएटर उनसे उधार लेकर बनाया गया था।
वह न केवल मुखौटे और मेकअप का उपयोग करता है जो जापान के बड़े पैमाने पर दर्शकों को याद दिलाता है, बल्कि अधिकतम धीमी गति और हावभाव की आत्मनिर्भर अभिव्यक्ति के आधार पर अभिनय के तरीकों को भी उधार लेता है। अत्याधुनिक प्रकाश स्कोर और न्यूनतम संगीत (विल्सन के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक फिलिप ग्लास के आइंस्टीन ऑन द बीच का निर्माण है) के साथ पारंपरिक और अनुष्ठानिक रूपों का संयोजन, विल्सन मूल रूप से उत्पत्ति और प्रासंगिकता के संश्लेषण का उत्पादन करता है जिसके लिए समकालीन कला प्रयास करती है।
रॉबर्ट विल्सन. "आइंस्टीन ऑन द बीच"
नोह और काबुकी से आधुनिक नृत्य के स्तंभों में से एक का उदय हुआ - बुटोह, जिसका शाब्दिक अनुवाद है - अंधेरे का नृत्य। 1959 में कोरियोग्राफर काज़ुओ ओनो और तात्सुमी हिजिकाता द्वारा बनाया गया, जो गुरुत्वाकर्षण के निम्न केंद्र और पैरों पर ध्यान केंद्रित करने पर भी निर्भर थे, बुटोह ने दर्दनाक युद्ध के अनुभवों पर प्रतिबिंबों के भौतिक आयाम में अनुवाद का प्रतिनिधित्व किया।
“उन्होंने एक शरीर दिखाया जो बीमार था, सड़ रहा था, यहाँ तक कि विकराल, राक्षसी भी।<…>चालें कभी धीमी, कभी जानबूझकर तेज़, विस्फोटक होती हैं। इसके लिए, एक विशेष तकनीक का उपयोग किया जाता है, जब कंकाल की हड्डी के लीवर के कारण, मुख्य मांसपेशियों का उपयोग किए बिना आंदोलन किया जाता है, "नृत्य इतिहासकार इरिना सिरोटकिना बुटोह को शरीर की मुक्ति के इतिहास में जोड़ते हुए लिखते हैं यह बैले मानकता से प्रस्थान के साथ है। वह बुटोह की तुलना 20वीं सदी की शुरुआत के नर्तकियों और कोरियोग्राफरों - इसाडोरा डंकन, मार्था ग्राहम, मैरी विगमैन की प्रथाओं से करती है, और बाद के "उत्तर आधुनिक" नृत्य पर प्रभाव के बारे में बात करती है।
बुटोह परंपरा के आधुनिक उत्तराधिकारी कत्सुरा कान के नृत्य का एक अंश
आज, बुटोह अपने मूल रूप में एक अवंत-गार्डे अभ्यास नहीं है, बल्कि एक ऐतिहासिक पुनर्निर्माण है।
हालाँकि, ओनो, हिजिकाटा और उनके अनुयायियों द्वारा विकसित आंदोलन की शब्दावली आधुनिक कोरियोग्राफरों के लिए एक मूल्यवान संसाधन बनी हुई है। पश्चिम में, इसका उपयोग दिमित्रिस पापियोअनौ, एंटोन एडासिंस्की और यहां तक कि द वीकेंड के "बेलोंग टू द वर्ल्ड" के वीडियो में भी किया जाता है। जापान में, बुटोह परंपरा को जारी रखने वाले, उदाहरण के लिए, सबुरो तेशीगवारा हैं, जो अक्टूबर में रूस आएंगे। हालाँकि वह खुद अंधेरे के नृत्य के साथ किसी भी समानता से इनकार करते हैं, आलोचकों को काफी पहचानने योग्य संकेत मिलते हैं: एक प्रतीत होता है कि हड्डी रहित शरीर, नाजुकता और मूक कदम। सच है, उन्हें पहले से ही उत्तर-आधुनिक कोरियोग्राफी के संदर्भ में रखा गया है - इसकी उच्च गति, जॉगिंग, उत्तर-औद्योगिक शोर संगीत के साथ काम के साथ।
सबुरो तेशीगवारा. कायापलट
स्थानीय रूप से वैश्विक. समकालीन जापानी कला पश्चिमी कला के समान कैसे है?
तेशिगवारा और उनके कई सहयोगियों की कृतियाँ सर्वश्रेष्ठ पश्चिमी समकालीन नृत्य उत्सवों के कार्यक्रमों में सहजता से फिट बैठती हैं। यदि आप जापानी थिएटर के सबसे बड़े वार्षिक शो - फेस्टिवल/टोक्यो में दिखाए गए प्रदर्शनों और प्रदर्शनों के विवरण को जल्दी से देखें, तो यूरोपीय रुझानों से बुनियादी अंतर को नोटिस करना मुश्किल होगा।
केंद्रीय विषयों में से एक साइट-विशिष्टता है - जापानी कलाकार गगनचुंबी इमारतों के रूप में पूंजीवाद के झुरमुटों से लेकर ओटाकू एकाग्रता के सीमांत क्षेत्रों तक टोक्यो के स्थानों का पता लगाते हैं।
एक अन्य विषय है अंतर-पीढ़ीगत ग़लतफहमियों का विस्तार, लोगों के सजीव मिलन और संगठित संचार के स्थान के रूप में रंगमंच अलग अलग उम्र. तोशिकी ओकाडा और अकीरा तनयामा द्वारा उन्हें समर्पित परियोजनाओं को प्रदर्शन कला के प्रमुख यूरोपीय त्योहारों में से एक में लगातार कई वर्षों तक वियना में लाया गया था। 2000 के दशक के अंत तक, वृत्तचित्र सामग्री और व्यक्तिगत कहानियों को मंच पर लाने में कुछ भी नया नहीं था, लेकिन वियना महोत्सव के क्यूरेटर ने इन परियोजनाओं को किसी अन्य संस्कृति के साथ लाइव, लक्षित संपर्क के अवसर के रूप में जनता के सामने प्रस्तुत किया।
एक अन्य मुख्य लाइन दर्दनाक अनुभवों के माध्यम से काम करना है। जापानियों के लिए, यह गुलाग या नरसंहार से नहीं, बल्कि हिरोशिमा और नागासाकी पर बमबारी से जुड़ा है। थिएटर इसे लगातार संदर्भित करता है, लेकिन सभी आधुनिक जापानी संस्कृति की उत्पत्ति के क्षण के रूप में परमाणु विस्फोटों के बारे में सबसे शक्तिशाली बयान अभी भी ताकाशी मुराकामी का है।
प्रदर्शनी के लिए "लिटिल बॉय: द आर्ट्स ऑफ़ जापानज़ एक्सप्लोडिंग सबकल्चर" "लिटिल बॉय: द आर्ट्स ऑफ़ जापानज़ एक्सप्लोडिंग सबकल्चर" उनके क्यूरेटोरियल प्रोजेक्ट का शीर्षक है, जिसे 2005 में न्यूयॉर्क में दिखाया गया था। "लिटिल बॉय" - रूसी में "बेबी" - 1945 में जापान पर गिराए गए बमों में से एक का नाम है। गॉडज़िला से हैलो किट्टी तक - प्रमुख चित्रकारों, विशिष्ट विंटेज खिलौनों और प्रसिद्ध एनीमे पर आधारित स्मृति चिन्हों से सैकड़ों मंगा कॉमिक्स एकत्र करके, मुराकामी ने संग्रहालय स्थान में क्यूट - कावई - की सघनता को सीमा तक बढ़ा दिया। उसी समय, उन्होंने एनिमेशन का एक चयन लॉन्च किया केंद्रीय छवियाँवहाँ विस्फोटों, नंगी धरती, नष्ट हुए शहरों की तस्वीरें थीं।
यह कंट्रास्ट अभिघातज के बाद के तनाव विकार से निपटने के तरीके के रूप में जापानी संस्कृति के शिशुकरण के बारे में पहला बड़े पैमाने पर बयान बन गया।
अब यह निष्कर्ष स्पष्ट प्रतीत होता है। कावई पर इनुहिको योमोटा का अकादमिक शोध इसी पर आधारित है।
बाद के दर्दनाक ट्रिगर भी हैं। सबसे महत्वपूर्ण 11 मार्च, 2011 की घटनाएँ हैं, भूकंप और सुनामी जिसके कारण फुकुशिमा परमाणु ऊर्जा संयंत्र में एक बड़ी दुर्घटना हुई। महोत्सव/टोक्यो-2018 में संपूर्ण कार्यक्रमछह प्रदर्शनों में से एक प्राकृतिक और तकनीकी आपदा के परिणामों को समझने के लिए समर्पित था; वे सोल्यंका में प्रस्तुत कार्यों में से एक का विषय भी बन गए। यह उदाहरण स्पष्ट रूप से दर्शाता है कि पश्चिमी और जापानी कला में आलोचनात्मक तरीकों का शस्त्रागार मौलिक रूप से भिन्न नहीं है। हारुयुकी इशी ने तीन टेलीविजनों का एक इंस्टालेशन बनाया है जो भूकंप के बारे में टेलीविजन कार्यक्रमों के हाई-टेम्पो, लूप फुटेज को एक लूप पर चलाता है।
क्यूरेटर बताते हैं, "यह काम 111 वीडियो से बना है, जिसे कलाकार रोजाना समाचारों पर देखता था, जब तक कि उसने जो कुछ भी देखा उसे काल्पनिक माना जाने लगा।" "न्यू जापान" इस बात का एक ज्वलंत उदाहरण है कि कैसे कला राष्ट्रीय मिथकों पर आधारित व्याख्या का विरोध नहीं करती है, लेकिन साथ ही एक आलोचनात्मक नज़र से पता चलता है कि वही व्याख्या किसी भी मूल की कला के लिए प्रासंगिक हो सकती है। क्यूरेटर लाओ त्ज़ु के उद्धरणों पर आधारित चिंतन को जापानी परंपरा के आधार के रूप में चर्चा करते हैं। साथ ही, मानो कोष्ठक को पीछे छोड़ते हुए, लगभग सभी समकालीन कला "पर्यवेक्षक प्रभाव" (यह प्रदर्शनी का नाम है) पर केंद्रित है - चाहे वह परिचित घटनाओं की धारणा के लिए नए संदर्भ बनाने के रूप में हो या बढ़ाने में हो इस प्रकार पर्याप्त धारणा की संभावना का प्रश्न।
इमेजिनेटेड कम्युनिटीज़ वीडियो कलाकार हारुयुकी इशी का एक और काम है
खेल
हालाँकि, किसी को यह नहीं सोचना चाहिए कि 2010 के दशक में जापान प्रगतिशीलता की एकाग्रता का प्रतिनिधित्व करता है।
अच्छी पुरानी परंपरावाद की आदतें और प्राच्यवादी विदेशीवाद के प्रति प्रेम अभी तक दूर नहीं हुआ है। "थिएटर ऑफ़ वर्जिन्स" रूसी रूढ़िवादी पत्रिका PTZh में जापानी तकराज़ुका थिएटर के बारे में एक प्रशंसनीय लेख का शीर्षक है। "तकराज़ुका" 19वीं शताब्दी के अंत में इसी नाम के सुदूर शहर में पर्यटकों को आकर्षित करने के लिए एक व्यावसायिक परियोजना के रूप में सामने आया, जो गलती से एक निजी स्टेशन का अंतिम स्टेशन बन गया। रेलवे. वे केवल थिएटर में खेलते हैं अविवाहित लड़कियाँ, जो रेल मालिक की योजना के अनुसार, पुरुष दर्शकों को शहर की ओर आकर्षित करने वाले थे। आज तकराज़ुका एक उद्योग की तरह काम करता है - अपने स्वयं के टीवी चैनल के साथ संगीत कार्यक्रम, यहां तक कि स्थानीय मनोरंजन पार्क भी। लेकिन केवल अविवाहित लड़कियों को ही मंडली में शामिल होने का अधिकार है - आशा करते हैं, कम से कम वे अपनी कौमार्य की जाँच नहीं करेंगी।
हालाँकि, तकराज़ुका क्योटो के तोजी डीलक्स क्लब की तुलना में फीका है, जिसे जापानी थिएटर भी कहते हैं। वे देखते-देखते बिल्कुल जंगली चीजें दिखाते हैं विवरणन्यू यॉर्कर स्तंभकार इयान बुरुमा, स्ट्रिपटीज़ शो: मंच पर कई नग्न लड़कियाँ जननांगों के प्रदर्शन को एक सार्वजनिक अनुष्ठान में बदल देती हैं।
बहुतों की तरह कलात्मक अभ्यास, यह शो प्राचीन किंवदंतियों पर आधारित है (एक मोमबत्ती और एक आवर्धक कांच की मदद से, दर्शकों में से पुरुष बारी-बारी से "देवी माँ अमातरसु के रहस्यों" की खोज कर सकते थे), और लेखक को स्वयं नोह परंपरा की याद दिला दी गई थी।
हम "तकराज़ुकी" और तोजी के लिए पश्चिमी एनालॉग्स की खोज पाठक पर छोड़ देंगे - उन्हें ढूंढना मुश्किल नहीं है। आइए केवल इस बात पर ध्यान दें कि उत्पीड़न की ऐसी प्रथाओं का मुकाबला करना ही समकालीन कला का एक महत्वपूर्ण हिस्सा है - पश्चिमी और जापानी दोनों, सुपरफ्लैट से लेकर बुटोह नृत्य तक।
जो कई तकनीकों और शैलियों को शामिल करता है। अपने अस्तित्व के पूरे इतिहास में, इसमें बदलाव आया है बड़ी संख्यापरिवर्तन. नई परंपराएँ और शैलियाँ जोड़ी गईं और मूल जापानी सिद्धांत बने रहे। साथ में आश्चर्यजनक कहानीजापानी चित्रकला भी कई अनोखे और रोचक तथ्य प्रस्तुत करने के लिए तैयार है।
प्राचीन जापान
पहली शैलियाँ सबसे प्राचीन दिखाई देती हैं ऐतिहासिक कालदेश, यहां तक कि ई.पू. ई. तब कला काफी आदिम थी। सबसे पहले, 300 ईसा पूर्व में। ई., विभिन्न ज्यामितीय आकार, जो मिट्टी के बर्तनों पर लाठियों का उपयोग करके प्रदर्शित किया जाता था। पुरातत्वविदों द्वारा कांस्य घंटियों पर अलंकरण जैसी खोज बाद के समय की है।
थोड़ी देर बाद, पहले से ही 300 ई.पू. में। ई., प्रकट होना शैलचित्र, जो ज्यामितीय पैटर्न की तुलना में बहुत अधिक विविध हैं। ये पहले से ही छवियों के साथ पूर्ण विकसित छवियां हैं। वे तहखानों के अंदर पाए गए थे, और, संभवतः, जिन लोगों को उन पर चित्रित किया गया है, उन्हें इन कब्रिस्तानों में दफनाया गया था।
7वीं शताब्दी ई. में ई. जापान चीन से आने वाले लेखन को अपनाता है। लगभग उसी समय, पहली पेंटिंग्स वहां से आईं। तब चित्रकला कला के एक अलग क्षेत्र के रूप में सामने आती है।
ईदो
एदो पहली और आखिरी पेंटिंग से बहुत दूर है, लेकिन यह संस्कृति में बहुत सी नई चीजें लेकर आई है। सबसे पहले, यह चमक और रंगीनता है जो सामान्य तकनीक में जोड़ी गई थी, जो काले और ग्रे टोन में प्रदर्शित की गई थी। अधिकांश एक उत्कृष्ट कलाकारइस शैली को सोतासु माना जाता है। उन्होंने क्लासिक पेंटिंग बनाईं, लेकिन उनके पात्र बहुत रंगीन थे। बाद में उन्होंने प्रकृति की ओर रुख किया और उनके अधिकांश परिदृश्य सोने की पृष्ठभूमि पर चित्रित किए गए।
दूसरे, ईदो काल के दौरान, विदेशीवाद, नंबन शैली प्रकट हुई। इसमें आधुनिक यूरोपीय और चीनी तकनीकों का उपयोग किया गया जो पारंपरिक जापानी शैलियों से जुड़ी हुई थीं।
और तीसरा, नंगा स्कूल प्रकट होता है। इसमें कलाकार सबसे पहले चीनी उस्तादों के कार्यों की पूरी नकल करते हैं या उनकी नकल भी करते हैं। फिर एक नई शाखा प्रकट होती है, जिसे बंजिंग कहते हैं।
आधुनिकीकरण काल
ईदो काल ने मीजी को रास्ता दिया, और अब जापानी चित्रकला विकास के एक नए चरण में प्रवेश करने के लिए मजबूर है। इस समय, पश्चिमी और उसके जैसी शैलियाँ दुनिया भर में लोकप्रिय हो रही थीं, इसलिए कला का आधुनिकीकरण एक सामान्य स्थिति बन गई। हालाँकि, जापान में, एक ऐसा देश जहाँ सभी लोग परंपराओं का सम्मान करते हैं, इस समय मामलों की स्थिति अन्य देशों की तुलना में काफी भिन्न थी। यहां यूरोपीय और स्थानीय तकनीशियनों के बीच प्रतिस्पर्धा भयंकर है।
इस स्तर पर सरकार उन युवा कलाकारों को प्राथमिकता देती है जो पश्चिमी शैलियों में अपने कौशल को बेहतर बनाने का बड़ा वादा करते हैं। इसलिए वे उन्हें यूरोप और अमेरिका के स्कूलों में भेजते हैं।
लेकिन यह केवल अवधि की शुरुआत में था. बात ये है प्रसिद्ध आलोचकपश्चिमी कला की काफी कड़ी आलोचना की गई। इस मुद्दे पर एक बड़ी हलचल से बचने के लिए, प्रदर्शनियों में यूरोपीय शैलियों और तकनीकों पर प्रतिबंध लगाया जाने लगा, उनका प्रदर्शन बंद हो गया, साथ ही उनकी लोकप्रियता भी बंद हो गई।
यूरोपीय शैलियों का उद्भव
इसके बाद ताइशो काल आता है। इस समय, युवा कलाकार जो विदेशी स्कूलों में पढ़ने के लिए चले गए थे, वे अपनी मातृभूमि में वापस आते हैं। स्वाभाविक रूप से, वे अपने साथ जापानी चित्रकला की नई शैलियाँ लेकर आते हैं, जो यूरोपीय चित्रकला से काफी मिलती-जुलती हैं। प्रभाववाद और उत्तर-प्रभाववाद प्रकट होते हैं।
इस स्तर पर, कई स्कूल बनाए जा रहे हैं जिनमें प्राचीन जापानी शैलियों को पुनर्जीवित किया जा रहा है। लेकिन पश्चिमी प्रवृत्तियों से पूरी तरह छुटकारा पाना असंभव है। इसलिए, हमें क्लासिक्स के प्रेमियों और आधुनिक यूरोपीय चित्रकला के प्रशंसकों दोनों को खुश करने के लिए कई तकनीकों को जोड़ना होगा।
कुछ स्कूलों को राज्य द्वारा वित्त पोषित किया जाता है, जिसकी बदौलत कई राष्ट्रीय परंपराओं को संरक्षित करना संभव है। निजी मालिकों को उन उपभोक्ताओं के नेतृत्व का अनुसरण करने के लिए मजबूर किया जाता है जो कुछ नया चाहते थे, वे क्लासिक्स से थक चुके हैं;
द्वितीय विश्व युद्ध की पेंटिंग
युद्धकाल की शुरुआत के बाद, जापानी चित्रकला कुछ समय के लिए घटनाओं से अलग रही। यह अलग और स्वतंत्र रूप से विकसित हुआ। लेकिन यह हमेशा के लिए नहीं चल सका.
समय के साथ, जब देश में राजनीतिक स्थिति बदतर हो जाती है, तो उच्च और सम्मानित व्यक्ति कई कलाकारों को आकर्षित करते हैं। उनमें से कुछ ने युद्ध की शुरुआत में ही देशभक्तिपूर्ण शैली में रचनाएँ शुरू कर दीं। बाकी लोग अधिकारियों के आदेश पर ही यह प्रक्रिया शुरू करते हैं।
तदनुसार, द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान जापानी ललित कला विशेष रूप से विकसित नहीं हो पाई। अत: पेंटिंग के लिए इसे स्थिर कहा जा सकता है।
शाश्वत सुइबोकुगा
जापानी सुमी-ई पेंटिंग, या सुइबोकुगा, का शाब्दिक अर्थ है "स्याही पेंटिंग।" यह इस कला की शैली और तकनीक को निर्धारित करता है। यह चीन से आया था, लेकिन जापानियों ने इसे अपना कहने का फैसला किया। और प्रारंभ में तकनीक का कोई सौंदर्यवादी पक्ष नहीं था। इसका उपयोग भिक्षुओं द्वारा ज़ेन का अध्ययन करते समय आत्म-सुधार के लिए किया जाता था। इसके अलावा, उन्होंने पहले चित्र बनाए और बाद में उन्हें देखते समय अपनी एकाग्रता का प्रशिक्षण लिया। भिक्षुओं का मानना था कि सख्त रेखाएं, धुंधले स्वर और छाया - जिन्हें मोनोक्रोम कहा जाता है - सुधार में मदद करते हैं।
जापानी स्याही चित्रकला, चित्रों और तकनीकों की विस्तृत विविधता के बावजूद, उतनी जटिल नहीं है जितनी पहली नज़र में लग सकती है। यह केवल 4 कथानकों पर आधारित है:
- गुलदाउदी।
- आर्किड.
- बेर की शाखा.
- बांस.
भूखंडों की कम संख्या से तकनीक में जल्दी महारत हासिल नहीं हो पाती है। कुछ गुरुओं का मानना है कि सीखना जीवन भर चलता है।
इस तथ्य के बावजूद कि सुमी-ई बहुत समय पहले दिखाई दी थी, यह हमेशा मांग में रहती है। इसके अलावा, आज आप इस स्कूल के मास्टर्स से न केवल जापान में मिल सकते हैं, यह अपनी सीमाओं से बहुत दूर तक फैला हुआ है।
आधुनिक काल
द्वितीय विश्व युद्ध की समाप्ति के बाद, जापान में कला केवल बड़े शहरों में ही फली-फूली और ग्रामीणों को इसकी काफी चिंता थी। अधिकांश भाग में, कलाकारों ने युद्ध के समय के नुकसान से मुंह मोड़ने और आधुनिक जीवन को कैनवास पर चित्रित करने का प्रयास किया। शहरी जीवनअपने सभी अलंकरणों और विशेषताओं के साथ। यूरोपीय और अमेरिकी विचारों को सफलतापूर्वक अपनाया गया, लेकिन यह स्थिति लंबे समय तक नहीं रही। कई मास्टर धीरे-धीरे उनसे दूर जापानी स्कूलों की ओर जाने लगे।
हमेशा फैशनेबल बनी रहीं. इसलिए, आधुनिक जापानी पेंटिंग केवल निष्पादन की तकनीक या प्रक्रिया में प्रयुक्त सामग्री में भिन्न हो सकती है। लेकिन अधिकांश कलाकार विभिन्न नवाचारों को अच्छी तरह से नहीं समझते हैं।
फैशनेबल का उल्लेख न करना असंभव है आधुनिक उपसंस्कृति, जैसे एनीमे और इसी तरह की शैलियाँ। कई कलाकार क्लासिक्स और आज की मांग के बीच की रेखा को धुंधला करने की कोशिश करते हैं। अधिकांशतः यह स्थिति वाणिज्य के कारण है। क्लासिक्स और पारंपरिक शैलियों को व्यावहारिक रूप से नहीं खरीदा जाता है, इसलिए, अपनी पसंदीदा शैली में एक कलाकार के रूप में काम करना लाभहीन है, आपको फैशन के अनुकूल होने की आवश्यकता है।
निष्कर्ष
निस्संदेह, जापानी चित्रकला एक ख़ज़ाना है ललित कला. शायद, विचाराधीन देश एकमात्र ऐसा देश था जो पश्चिमी रुझानों का पालन नहीं करता था और फैशन के अनुकूल नहीं था। नई तकनीकों के आगमन के दौरान कई प्रहारों के बावजूद, जापानी कलाकार अभी भी बचाव करने में सक्षम थे राष्ट्रीय परंपराएँकई विधाओं में. शायद यही कारण है कि आज प्रदर्शनियों में शास्त्रीय शैलियों में बनी पेंटिंगों को अत्यधिक महत्व दिया जाता है।
एनीमे और मंगा क्या हैं? सबसे सरल परिभाषा इस प्रकार दिखती है:
मंगा जापानी कॉमिक्स हैं।
एनीमे जापानी एनिमेशन है।
अक्सर यह माना जाता है कि शब्द "मंगा" और "एनीमे" कुछ शैलियों (विज्ञान कथा, फंतासी) और ग्राफिक शैलियों (यथार्थवाद, "बड़ी आंखें") तक सीमित हैं। यह गलत है। शब्द "मंगा" और "एनीमे" केवल मूल संस्कृति को परिभाषित करते हैं जिस पर संबंधित कार्य बनाए जाते हैं।
दुनिया में कोई दूसरा देश नहीं है जहां कॉमिक्स और एनिमेशन पर इतना ध्यान दिया जाता हो। लोकप्रिय जापानी कॉमिक्स के निर्माता बहुत धनी लोग हैं (ताकाहाशी रुमिकोम जापान की सबसे अमीर महिलाओं में से एक हैं), उनमें से सबसे प्रसिद्ध राष्ट्रीय हस्तियाँ हैं, मंगा जापान में उत्पादित सभी मुद्रित सामग्री का लगभग एक चौथाई हिस्सा बनाता है और इसकी परवाह किए बिना पढ़ा जाता है उम्र और लिंग. एनीमे की स्थिति कुछ हद तक अधिक विनम्र है, लेकिन काफी गहरी भी है। मान लीजिए, दुनिया में एक भी देश ऐसा नहीं है जहां एनिमेशन (सेइयू) के लिए आवाज अभिनेताओं को ऐसी मान्यता, सम्मान और प्यार मिलता हो। जापान दुनिया का एकमात्र देश है जिसने "सर्वश्रेष्ठ विदेशी फिल्म" के लिए ऑस्कर के लिए फीचर-लेंथ एनिमेटेड फिल्म को नामांकित किया है।
अन्य बातों के अलावा, एनीमे और मंगा न केवल यह सराहना करने का एक शानदार तरीका है कि आधुनिक जापानी अपनी पैतृक परंपराओं को कैसे प्रतिबिंबित और अनुभव करते हैं, बल्कि यह भी कि कैसे जापानी कार्य अन्य लोगों के रूपांकनों और कथानकों को प्रतिबिंबित करते हैं। और यह किसी भी तरह से सच नहीं है कि पहला हमेशा दूसरे से अधिक दिलचस्प होता है। आपको बहुत अच्छे से जानना होगा जापानीऔर साहित्यिक सिद्धांत वास्तव में यह समझने के लिए कि जापानी छंदीकरण (और जापानी मानसिकता) यूरोपीय छंद से कैसे भिन्न है। और यह समझने के लिए कि जापानी कल्पित बौने टॉल्किन की कल्पित बौने से कैसे भिन्न हैं, बस एक या दो टीवी श्रृंखला देखें।
इस प्रकार, एनीमे और मंगा जापानी चेतना की दुनिया में एक प्रकार का "पिछला दरवाजा" हैं। और इस मार्ग से गुजरते हुए, आप जापान की डेढ़ हजार साल पुरानी "उच्च संस्कृति" (एनीमे और मंगा की कला बहुत पुरानी है) द्वारा बनाए गए सभी बाड़ों और गढ़ों से गुज़रे बिना न केवल रास्ता छोटा कर सकते हैं , और इसमें परंपराएं कम होती हैं), लेकिन आनंद भी बहुत मिलता है। व्यवसाय को आनंद के साथ जोड़ना - इससे बेहतर क्या हो सकता है?
अब मंगा और एनीमे के बारे में अलग से कुछ विशिष्ट नोट्स।
मंगा
"चित्र कहानियाँ" जापान में उसके सांस्कृतिक इतिहास की शुरुआत से ही जानी जाती रही हैं। यहां तक कि कोफुन टीले (प्राचीन शासकों की कब्रें) में भी पुरातत्वविदों को ऐसे चित्र मिलते हैं जो विचारधारा और संरचना में कुछ हद तक कॉमिक पुस्तकों की याद दिलाते हैं।
जापानी लेखन की जटिलता और अस्पष्टता के कारण "चित्र कहानियों" के प्रसार में हमेशा मदद मिली है। अब भी, जापानी बच्चे "वयस्क" किताबें और समाचार पत्र पढ़ने के बाद ही पढ़ सकते हैं प्राथमिक स्कूल(12 साल की उम्र में!) जापानी गद्य के प्रकट होने के लगभग तुरंत बाद, इसकी सचित्र पुनर्कथन सामने आई, जिसमें बहुत कम पाठ था, और चित्रण ने मुख्य भूमिका निभाई।
पहली जापानी कॉमिक्स को 12वीं शताब्दी में बौद्ध पुजारी और कलाकार काकुयू (दूसरा नाम टोबा, जीवन के वर्ष - 1053-1140) द्वारा बनाई गई "जानवरों के जीवन की मजेदार तस्वीरें" माना जाता है। ये चार पेपर स्क्रॉल हैं जो कैप्शन के साथ काले और सफेद स्याही से खींचे गए चित्रों के अनुक्रम को दर्शाते हैं। तस्वीरों में जानवरों को लोगों का प्रतिनिधित्व करते हुए और बौद्ध भिक्षुओं को नियमों का उल्लंघन करते हुए दिखाया गया है। अब इन स्क्रॉलों को एक पवित्र अवशेष माना जाता है और उस मठ में रखा जाता है जहां तपस्वी काकुयू रहते थे।
अपने इतिहास के लगभग एक हजार वर्षों में, "चित्रों में कहानियाँ" को अलग तरह से देखा और बुलाया गया है। शब्द "मंगा" (शाब्दिक रूप से "अजीब (या अजीब) चित्र, विचित्र") प्रसिद्ध ग्राफिक कलाकार कात्सुशिका होकुसाई द्वारा 1814 में गढ़ा गया था, और हालांकि कलाकार ने स्वयं इसे "जीवन" चित्रों की एक श्रृंखला के लिए इस्तेमाल किया था, यह शब्द आज भी कायम है। हास्य पुस्तकों का संदर्भ लें।
यूरोपीय कैरिकेचर और अमेरिकी कॉमिक्स, जो 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में जापान में प्रसिद्ध हुई, का मंगा के विकास पर भारी प्रभाव पड़ा। 20वीं सदी का पूर्वार्ध आधुनिक समय की जापानी संस्कृति की प्रणाली में कॉमिक्स के स्थान की खोज का समय था। जनसंख्या को प्रभावित करने के लिए जन संस्कृति का उपयोग करके सैन्यवादी सरकार ने यहां एक बड़ी भूमिका निभाई। सेना ने "सही" मंगा को वित्तपोषित किया (यह थोड़े समय के लिए रंग में भी दिखाई देने लगा) और राजनीतिक आलोचना के साथ मंगा पर प्रतिबंध लगा दिया, जिससे पूर्व कार्टूनिस्टों को साहसिक और काल्पनिक भूखंडों में महारत हासिल करने के लिए मजबूर होना पड़ा (उदाहरण के लिए, "विशाल रोबोट" का विचार) पहली बार 1943 के रिवेंज मंगा में दिखाई दिया, जिसमें इस तरह के रोबोट ने नफरत वाले यूएसए को नष्ट कर दिया था)। अंततः, युद्ध के बाद की अवधि में, महान तेजुका ओसामू ने अपने कार्यों से मंगा की दुनिया में एक वास्तविक क्रांति ला दी और अपने छात्रों और अनुयायियों के साथ मिलकर मंगा को जन संस्कृति की मुख्य दिशा बना दिया।
मंगा लगभग हमेशा काला और सफेद होता है; केवल आवरण और व्यक्तिगत चित्र रंगीन होते हैं। अधिकांश मंगा क्रमबद्ध श्रृंखलाएं हैं, जो समाचार पत्रों में या (अधिक बार) साप्ताहिक या मासिक पत्रिकाओं में प्रकाशित होती हैं। एक साप्ताहिक पत्रिका में एक श्रृंखला के लिए सामान्य प्रस्तुतिकरण आकार 15-20 पृष्ठ है। पाठकों के बीच लोकप्रिय मंगा को अलग-अलग संस्करणों - टैंकोबोन के रूप में पुनः प्रकाशित किया गया है। बेशक, लघु मंगा कहानियाँ हैं, और मंगा तुरंत टैंकोबोन के रूप में प्रकाशित होता है।
जापान में कई मंगा पत्रिकाएँ हैं। उनमें से प्रत्येक का लक्ष्य एक विशिष्ट दर्शक वर्ग है, जैसे, कल्पना में रुचि रखने वाले युवा किशोर लड़के, या बैले में रुचि रखने वाली बड़ी किशोर लड़कियाँ। सबसे मजबूत अंतर महिलाओं और के बीच हैं पुरुषों की पत्रिकाएँ. ऐसी पत्रिकाओं के दर्शकों में बच्चों (जिनके लिए मंगा बिना कैप्शन के छपता है) से लेकर मध्यम आयु वर्ग के पुरुष और महिलाएं तक शामिल हैं। बुजुर्गों के लिए मंगा के क्षेत्र में पहले से ही प्रयोग चल रहे हैं। बेशक, दर्शकों की इस विविधता ने शैलियों और शैलियों की एक पूरी श्रृंखला को जन्म दिया है: प्रतीकवाद से फोटोयथार्थवाद तक और परी कथाओं से दार्शनिक कार्यों और स्कूल पाठ्यपुस्तकों तक।
मंगा के निर्माता को "मंगाका" कहा जाता है। आम तौर पर एक व्यक्ति (अक्सर प्रशिक्षु सहायकों के साथ) कॉमिक बनाता है और पाठ लिखता है, लेकिन समूह रचनात्मकता भी होती है। हालाँकि, एक ही मंगा पर तीन या चार से अधिक लोगों का काम करना आम बात नहीं है। इससे कलात्मक अखंडता बढ़ती है और व्यक्तिगत आय बढ़ती है। पेशेवर मंगा के अलावा, शौकिया मंगा भी है - "डौजिंशी"। कई मंगा कलाकारों ने डौजिंशी ("डौजिंशिका") के निर्माता के रूप में शुरुआत की। बड़े शहरों में विशेष बाज़ार होते हैं जहाँ दुजिंशी अपने उत्पाद बेचते हैं और कभी-कभी अपने कार्यों के लिए गंभीर प्रकाशक भी ढूंढते हैं।
एनिमे
शब्द "एनीमे" केवल 1970 के दशक के मध्य में स्थापित हुआ; इससे पहले, लोग आमतौर पर "मंगा-ईगा" ("मूवी कॉमिक्स") कहते थे। जापानियों ने एनिमेशन के साथ अपना पहला प्रयोग 1910 के दशक के मध्य में शुरू किया और पहला एनीमे 1917 में सामने आया। काफी लंबे समय तक, एनीमे सिनेमा के हाशिये पर था, लेकिन यहां भी, सैन्यवादियों ने किसी भी "सही" कला का समर्थन करते हुए एक लाभकारी भूमिका निभाई। इस प्रकार, पहली दो प्रमुख एनीमे फ़िल्में क्रमशः 1943 और 1945 में रिलीज़ हुईं, और जापानी सेना की शक्ति का महिमामंडन करने वाला "गेम" प्रचार थीं। मंगा की तरह, निर्णायक भूमिकाएनीमे के इतिहास में, उन्होंने तेजुका ओसामु की भूमिका निभाई, जिन्होंने अर्थहीन प्रतिस्पर्धा को छोड़ने का सुझाव दिया पूर्ण लंबाई वाली फ़िल्मेंवॉल्ट डिज़्नी और टीवी श्रृंखला बनाने के लिए आगे बढ़े जो छवि गुणवत्ता में नहीं बल्कि जापानी दर्शकों के लिए आकर्षण में अमेरिकी से बेहतर हैं।
अधिकांश एनीमे टीवी श्रृंखला और वीडियो (ओएवी श्रृंखला) पर बिक्री के लिए निर्मित श्रृंखला हैं। हालाँकि, कई टीवी फ़िल्में और पूर्ण लंबाई वाली एनीमे भी हैं। शैलियों, शैलियों और दर्शकों की विविधता के संदर्भ में, मंगा एनीमे से काफी बेहतर है, लेकिन बाद वाला हर साल अपने प्रतिद्वंद्वी के साथ प्रतिस्पर्धा कर रहा है। दूसरी ओर, कई एनीमे लोकप्रिय मंगा के रूपांतर हैं, और वे प्रतिस्पर्धा नहीं करते, बल्कि समर्थन करते हैं व्यावसायिक तौर परएक दूसरे। हालाँकि, अधिकांश एनीमे बच्चों और किशोरों के लिए है, हालाँकि युवा लोगों के लिए भी एनीमे है। मध्यम आयु वर्ग के दर्शकों को "पारिवारिक एनीमे" द्वारा कब्जा कर लिया जा रहा है, जिसे बच्चे अपने माता-पिता के साथ देखते हैं। क्रमबद्धता अपने स्वयं के कानूनों को निर्देशित करती है - एनीमे निर्माता अन्य देशों के एनिमेटरों की तुलना में तकनीकी प्रयोगों के प्रति कम इच्छुक हैं, लेकिन वे आकर्षक बनाने पर बहुत ध्यान देते हैं और दिलचस्प छवियांपात्र (इसलिए गुणवत्तापूर्ण आवाज अभिनय का महत्व) और कथानक विकास। एनीमे में डिज़ाइनर एनिमेटरों से अधिक महत्वपूर्ण हैं।
एनीमे का निर्माण एनीमे स्टूडियो द्वारा किया जाता है, जो आमतौर पर अपेक्षाकृत छोटे होते हैं और विभिन्न प्रायोजकों (टीवी चैनल, खिलौना निगम, मंगा प्रकाशक) से बाहरी फंडिंग के साथ काम करते हैं। आमतौर पर, ऐसे स्टूडियो कुछ उत्कृष्ट रचनाकारों के आसपास उत्पन्न होते हैं, और इसलिए स्टूडियो में अक्सर एक निश्चित "स्टूडियो शैली" होती है जो प्रमुख डिजाइनरों द्वारा निर्धारित की जाती है।
16 नवंबर, 2013 से, हर्मिटेज ने "मोनो नो द चार्म ऑफ थिंग्स" प्रदर्शनी खोली है। समकालीन कलाजापान"। जनरल स्टाफ के पूर्वी विंग की इमारत में स्थित प्रदर्शनी, रूस में जापानी दूतावास के सहयोग से स्टेट हर्मिटेज द्वारा तैयार की गई थी, जिसमें पिछले कुछ वर्षों में बनाई गई स्थापनाएं, मूर्तिकला, वीडियो कला, तस्वीरें प्रस्तुत की गई हैं। जापानी कलाकारों द्वारा और भरने के लिए डिज़ाइन किया गया नया पेजदेश की कला के सदियों पुराने इतिहास में उगता सूरज. उनके नाम, जो उनकी मातृभूमि में जाने जाते हैं, रूसी और यूरोपीय जनता के लिए अभी भी व्यावहारिक रूप से अज्ञात हैं: कनौजी टेपेई, केंगो किटो, कुवाकुबो रयोटा, मसाया चिबा, मोटोई यामामोटो, ओनिशी यासुकी, रीको शिगा, सुदा योशीहिरो, शिनिशिरो कानो, हिरोकी मोरिता, हिराकी सावा और अन्य।
10वीं शताब्दी से विद्यमान, शब्द "मोनो नो अवेयर" का अनुवाद "किसी चीज़ का आकर्षण" या "किसी चीज़ में प्रसन्नता" के रूप में किया जा सकता है, और यह क्षणभंगुरता और निरर्थकता के बौद्ध विचार से जुड़ा है। अस्तित्व। किसी व्यक्ति के आस-पास की भौतिक और आध्यात्मिक वस्तुएँ एक अद्वितीय, क्षणभंगुर आकर्षण (अवेरे) से भरी होती हैं जो केवल उसकी विशेषता होती है। एक व्यक्ति - और सबसे बढ़कर एक कलाकार - के पास इस आकर्षण को खोजने और महसूस करने के लिए, आंतरिक रूप से इसका जवाब देने के लिए एक संवेदनशील हृदय होना चाहिए। समकालीन कलाकारों में उन सामग्रियों की गहरी समझ होती है जिनमें अर्थ की आंतरिक सादगी चमकती है। जानबूझकर खुद को कुछ विषयों और रूपांकनों तक सीमित रखते हुए, वे प्राचीन जापानी कलात्मक तकनीकों का नए तरीके से उपयोग करते हैं।
जापान में, रूस की तरह, समकालीन कला बाहर से, पश्चिम से लाई गई एक घटना है, जो हमेशा समझ में नहीं आती है और अस्वीकृति का कारण बनती है। दोनों संस्कृतियों ने एंग्लो-अमेरिकन शब्द समकालीन कला को नए सांस्कृतिक उधार के प्रतीक के रूप में स्वीकार किया। 1970 के दशक में जापान में, 1990 के दशक में रूस की तरह, कलाकारों को बाहरी लोगों जैसा महसूस होता था। वे पश्चिम में काम करने गए, लेकिन फिर भी 1970 के दशक में जापान में "समकालीन कला" शब्द सकारात्मक लगते थे, जिससे अनुमति मिलती थी युवा पीढ़ी कोत्रासदी और गिरावट से जुड़ी "युद्धोपरांत कला" की परिभाषा को भूल जाइए।
पश्चिमी अर्थों में आधुनिक कला का वास्तविक विकास 1980 के दशक के अंत में ही हुआ, जब न केवल गिन्ज़ा में, बल्कि टोक्यो के अन्य क्षेत्रों में भी दीर्घाएँ खोली गईं। 1989 में, आधुनिक कला का पहला संग्रहालय हिरोशिमा में बनाया गया था, और 1990 के दशक में जल्द ही टोक्यो संग्रहालय बनाया गया। उस समय से, राष्ट्रीय स्तर पर समकालीन कला की घटना की धीरे-धीरे पहचान और सांस्कृतिक रोजमर्रा की जिंदगी में इसका प्रवेश शुरू हुआ। अगला कदम राष्ट्रीय द्विवार्षिक और त्रिवार्षिक का आयोजन था।
मीडिया प्रौद्योगिकियों के पूर्ण प्रभुत्व के युग में जापानी कलाकारअपना ध्यान देशी सामग्रियों पर, उनके स्पर्श पर, उन्हें सुनने पर केंद्रित करते हैं। प्रदर्शनी की स्थापनाएँ बहुत रुचिकर हैं, जिनमें रयोटा कुवाकुबो (बी. 1971) का काम भी शामिल है, जो डिज़ाइन में सरल, लेकिन संचालन में जटिल है, जहाँ मुख्य भूमिकाछाया खेलती है. कलाकार वस्तुओं की रूपरेखा बनाता है और एक अद्भुत गतिशील बहुरूपदर्शक बनाता है। कनेउजी टेपेई (जन्म 1978) रोजमर्रा की घरेलू सामग्रियों से अप्रत्याशित डिजाइन प्रस्तुत करते हैं। उसने जो वस्तुएँ एकत्रित कीं, जो उसके पास हैं अलग रंगऔर उद्देश्य, विचित्र रूपों में विकसित होते हैं जो या तो आधुनिकतावादी मूर्तियों में बदल जाते हैं बर्फीले परिदृश्यरेशम पर जापानी पेंटिंग से.
वीडियो कार्यों में और "पायी गई वस्तु" शैली में "सामग्री का चयन" हिरोकी मोरिता (बी. 1973) द्वारा किया जाता है, और पेंटिंग में शिनिशिरो कानो (बी. 1982) और मसाया चिबा (बी. 1980) द्वारा किया जाता है। कलाकारों द्वारा संकलित बहुत ही समृद्ध "सामग्री चयन" की क्षमता हर चीज और हर किसी के आध्यात्मिकीकरण पर आधारित है, जो बौद्ध धर्म के लिए पारंपरिक है, इस विचार के साथ कि हर प्राणी और हर वस्तु में - एक व्यक्ति से लेकर घास के एक छोटे से तिनके तक - निहित है बुद्ध की प्रकृति. वे भी ध्यान देते हैं आंतरिक सारचीज़ों को सुंदरता और आकर्षण के रूप में देखा जाता है।
केंगो किटो (बी. 1977) द्वारा की गई स्थापना, जो हुप्स से बनी है, मूर्तिकला और दोनों है बड़ी तस्वीरअसंबद्ध तलों, प्राथमिक रंगों और परिप्रेक्ष्य के साथ। इसमें मौजूद स्थान हमारी आंखों के सामने विमानों में बदल जाता है, जिससे कला के इन सभी संकेतों और प्रतीकों की अंतहीन नकल करना संभव हो जाता है, जिन्होंने वास्तविकता से अपना संबंध खो दिया है।
यासुकी ओनिशी (जन्म 1979) और मोटोई यामामोटो (जन्म 1966) अपने प्रतिष्ठानों में स्थान के साथ कुछ अलग तरीके से काम करते हैं। जैसे कि इन सभी अलग-अलग दृष्टिकोणों को मनोरम सादगी के साथ एकजुट करने के लिए, योशीहिरो सुदा (जन्म 1969) ने वास्तविक पौधों की तरह दिखने वाले लकड़ी के पौधों को सावधानी से रखकर प्रदर्शनी स्थल में न्यूनतम घुसपैठ की शुरुआत की।
प्रदर्शनी "मोनो नो अवेयर। चीजों का आकर्षण। जापान की समकालीन कला" हरमिटेज 20/21 परियोजना के हिस्से के रूप में समकालीन कला विभाग द्वारा तैयार की गई थी। एम. बी. पियोत्रोव्स्की के अनुसार, महानिदेशक राजकीय आश्रम: "परियोजना का उद्देश्य 20वीं-21वीं सदी की कला को एकत्र करना, प्रदर्शित करना और उसका अध्ययन करना है। "हर्मिटेज 20/21" उन लोगों को संबोधित है जो समय के साथ चलना चाहते हैं - शौकिया और पेशेवर, परिष्कृत पारखी और सबसे कम उम्र के दर्शक।"
प्रदर्शनी के क्यूरेटर स्टेट हर्मिटेज के समकालीन कला विभाग के प्रमुख दिमित्री यूरीविच ओज़ेरकोव, दर्शनशास्त्र के उम्मीदवार और समकालीन कला विभाग के उप प्रमुख एकातेरिना व्लादिमीरोवना लोपाटकिना हैं। प्रदर्शनी के वैज्ञानिक सलाहकार - अन्ना वासिलिवेना सेवलीवा, शोधकर्ताराज्य हर्मिटेज के पूर्व का विभाग। प्रदर्शनी के लिए एक सचित्र ब्रोशर तैयार किया गया है, पाठ के लेखक डी.यू. हैं। ओज़ेरकोव।
जापानी कला स्टेट हर्मिटेज के संग्रह में एक महत्वपूर्ण स्थान रखती है और लगभग 10,000 कार्यों की संख्या रखती है: संग्रहालय रंगीन वुडकट्स की 1,500 शीट संग्रहीत करता है, जिसमें 18 वीं से 20 वीं शताब्दी के मध्य तक जापानी उत्कीर्णन के प्रसिद्ध स्वामी के काम शामिल हैं; चीनी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी की चीज़ें का संग्रह (2000 से अधिक प्रदर्शन); 16वीं-20वीं शताब्दी के वार्निश; कपड़े और पोशाक के नमूने। हर्मिटेज के जापानी कला संग्रह का सबसे मूल्यवान हिस्सा नेटसुक का संग्रह है - 17वीं-19वीं शताब्दी की लघु मूर्तिकला, जिसमें 1000 से अधिक कार्य हैं।
हर्मिटेज एक दिलचस्प प्रदर्शनी की मेजबानी कर रहा है - जापान की समकालीन कला "मोनो-नो अवेयर। द चार्म ऑफ थिंग्स।"
मैं यह नहीं कह सकता कि मैं समकालीन कला का प्रशंसक हूं। मुझे यह तब बेहतर लगता है जब देखने के लिए कुछ होता है (व्यस्त ग्राफिक्स, या सजावटी कला, जातीयता - यही मेरा सब कुछ है)। किसी शुद्ध अवधारणा की सुंदरता की प्रशंसा करना मेरे लिए हमेशा मज़ेदार नहीं होता है। (मालेविच, क्षमा करें! मुझे काला वर्ग पसंद नहीं है!)
लेकिन आज मैं इस प्रदर्शनी में पहुँच गया!
प्रियों, यदि आप सेंट पीटर्सबर्ग में हैं, कला में रुचि रखते हैं और अभी तक वहां नहीं गए हैं, तो प्रदर्शनी 9 फरवरी तक चलेगी! जाओ, यह दिलचस्प है!
जैसा कि मैंने ऊपर लिखा है, मैं अवधारणाओं से बहुत आश्वस्त नहीं हूं। मैंने किसी तरह सोचा कि समसामयिक प्रदर्शनियों को देखने के एक वर्ष में, अधिकतम एक या दो वस्तुएँ मुझे मज़ेदार लगती हैं। और कई चीजें मुझे इतनी प्रभावित नहीं करतीं कि मुझे अपने द्वारा खर्च किए गए समय के लिए खेद महसूस होता है। लेकिन यह किसी भी शैली में, किसी भी कला में, प्रतिभा और औसत दर्जे का प्रतिशत है, ठीक है अगर यह दस में से एक है! लेकिन मुझे यह प्रदर्शनी पसंद आयी.
जापानी रचनाएँ जनरल स्टाफ बिल्डिंग के प्रदर्शनी हॉल में प्रदर्शित की गईं। पहली स्थापना जो आगंतुकों का स्वागत करती है वह फर्श पर नमक छिड़का हुआ एक अविश्वसनीय रूप से बड़ा भूलभुलैया है। धूसर फर्श, सफेद नमक, अविश्वसनीय रूप से करीने से चिह्नित स्थान, एक क्षेत्र में बुना हुआ। बड़ा प्रदर्शनी कक्ष, और एक सफेद आभूषण किसी अद्भुत लोच की तरह फर्श पर फैला हुआ है। इसके अलावा, आप समझते हैं कि यह कला कितनी अस्थायी है। प्रदर्शनी बंद हो जाएगी, भूलभुलैया को झाड़ू से साफ कर दिया जाएगा। मैंने एक बार एक फिल्म देखी थी, "लिटिल बुद्धा"। और वहाँ, शुरुआत में, एक बौद्ध भिक्षु ने रंगीन रेत से एक जटिल आभूषण बनाया। और फिल्म के अंत में, साधु ने अपने ब्रश से एक तेज गति की और टाइटैनिक कलाकृति हवा में बिखर गई। यह वहाँ था, तब यह एक उछाल था, और तब यह नहीं था। और यह कहता है, यहां और अभी की सुंदरता की सराहना करें, सब कुछ क्षणभंगुर है। तो नमक की यह भूलभुलैया, यह आपके साथ संवाद में प्रवेश करती है, आप उन सवालों का जवाब देना शुरू करते हैं जो यह आपसे पूछता है। कलाकार - मोटोई यामामोटो।
हां हां! यह इतनी बड़ी भूलभुलैया है, क्या आप इसका पैमाना महसूस कर सकते हैं?
दूसरी वस्तु जो मन मोह लेती है वह है यासुकी ओनिशी द्वारा निर्मित पॉलीथीन और काली राल से बना विशाल गुंबद। इस जगह को असामान्य तरीके से डिजाइन किया गया है। राल के काले, पतले, असमान तारों पर लटका हुआ, थोड़ा हिलता हुआ, एक गुंबद है... या जटिल इलाके वाला एक पहाड़ है। जब आप अंदर जाते हैं, तो आपको बिंदुओं का एक रंगीन पैटर्न दिखाई देता है - वे स्थान जहां राल चिपक जाती है। यह अजीब है, मानो काली बारिश चुपचाप गिर रही हो, और आप छत्रछाया के नीचे हों।
आपको यह तकनीक कैसे सूझी? हास्यमय ठीक? लेकिन वास्तविक जीवन में यह "अधिक जीवंत" दिखता है, आगंतुकों के गुजरने से उत्पन्न हवा के झोंके से गुंबद थोड़ा हिल जाता है। और वस्तु के साथ आपकी अंतःक्रिया का आभास होता है। आप "गुफा में" जा सकते हैं और देख सकते हैं कि अंदर से कैसा दिखता है!
लेकिन इस धारणा से बचने के लिए कि सब कुछ केवल काला और सफेद था, मैं यहां एक साथ जुड़े हुए हुप्स से बनी रचना की कुछ और तस्वीरें पोस्ट करूंगा। ऐसे रंगीन अजीब प्लास्टिक कर्ल! और साथ ही, आप इस कमरे में घूम सकते हैं, हुप्स के अंदर, या आप बाहर से सब कुछ देख सकते हैं।
मुझे ये वस्तुएँ सबसे अधिक पसंद आईं। बेशक, जल्द ही वैचारिक समकालीन कला नए समय के अनुरूप अलग हो जाएगी। यह पुराने ढर्रे पर नहीं लौटेगा, और जैसा अभी है वैसा नहीं रहेगा। यह बदल जाएगा। लेकिन यह समझने के लिए कि क्या हुआ, प्रवाह कहां बढ़ रहा था और यह कहां से आ रहा था, आपको यह जानना होगा कि अब क्या हो रहा है। और इस तथ्य से कतराएं नहीं कि नहीं, यह अवधारणा मेरे लिए नहीं है, बल्कि इसे देखने और इसकी सराहना करने का प्रयास करें। हमेशा की तरह, कुछ प्रतिभाएँ हैं, लेकिन वे मौजूद हैं। और यदि प्रदर्शन गूंजते हैं, तो सब कुछ ख़त्म नहीं हो जाता!!!