प्राचीन काल से, जापानी कला की विशेषता सक्रिय रचनात्मकता रही है। चीन पर उनकी निर्भरता के बावजूद, जहां नए कलात्मक और सौंदर्यवादी रुझान लगातार उभर रहे थे, जापानी कलाकारों ने हमेशा नई विशेषताएं पेश कीं और अपने शिक्षकों की कला को बदल दिया, जिससे इसे जापानी रूप दिया गया।

जापान का इतिहास 5वीं शताब्दी के अंत में ही कुछ निश्चित रूप धारण करना शुरू करता है। पिछली शताब्दियों (पुरातन काल) की अपेक्षाकृत कम वस्तुएं खोजी गई हैं, हालांकि खुदाई के दौरान या निर्माण कार्य के दौरान मिली कुछ वस्तुएं उल्लेखनीय कलात्मक प्रतिभा का संकेत देती हैं।

पुरातन काल.

जापानी कला की सबसे पुरानी कृतियाँ जोमोन प्रकार (कॉर्ड इंप्रेशन) के मिट्टी के बर्तन हैं। यह नाम सतह की सजावट से आता है जिसमें छड़ियों के चारों ओर लपेटी गई रस्सी की सर्पिल छाप होती है जिसे शिल्पकार बर्तन बनाने के लिए उपयोग करता है। शायद पहले तो कारीगरों को गलती से ब्रेडेड प्रिंट्स का पता चल गया, लेकिन फिर उन्होंने जानबूझकर उनका इस्तेमाल करना शुरू कर दिया। कभी-कभी रस्सी जैसे मिट्टी के कर्ल सतह पर चिपक जाते थे, जिससे और अधिक जटिल स्थिति पैदा हो जाती थी सजावटी प्रभाव, लगभग राहत। पहली जापानी मूर्तिकला जोमोन संस्कृति में उत्पन्न हुई। किसी व्यक्ति या जानवर की डोगू (शाब्दिक रूप से "मिट्टी की छवि") का संभवतः कुछ धार्मिक महत्व था। लोगों की छवियां, ज्यादातर महिलाएं, अन्य आदिम संस्कृतियों की मिट्टी की देवी के समान हैं।

रेडियोकार्बन डेटिंग से पता चलता है कि जोमोन संस्कृति की कुछ खोजें 6-5 हजार ईसा पूर्व की हो सकती हैं, लेकिन इतनी जल्दी डेटिंग को आम तौर पर स्वीकार नहीं किया जाता है। बेशक, ऐसे व्यंजन लंबे समय में बनाए गए थे, और हालांकि सटीक डेटिंग अभी तक स्थापित नहीं की जा सकी है, तीन अवधियों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है। सबसे पुराने उदाहरणों का आधार नुकीला है और कुम्हार के औज़ार के निशानों को छोड़कर ये लगभग अलंकृत हैं। मध्य काल के बर्तन अधिक समृद्ध रूप से अलंकृत हैं, कभी-कभी ढले हुए तत्वों के साथ, जो आयतन का आभास कराते हैं। तीसरी अवधि के जहाजों के आकार बहुत विविध हैं, लेकिन सजावट फिर से चपटी हो जाती है और अधिक संयमित हो जाती है।

लगभग दूसरी शताब्दी. ईसा पूर्व जोमन सिरेमिक ने यायोई सिरेमिक का मार्ग प्रशस्त किया, जो सुंदर रूपों, डिजाइन की सादगी और उच्च तकनीकी गुणवत्ता की विशेषता है। बर्तन का टुकड़ा पतला हो गया और आभूषण कम आकर्षक हो गया। यह प्रकार तीसरी शताब्दी तक प्रचलित रहा। विज्ञापन

कलात्मक दृष्टिकोण से, शायद प्रारंभिक काल की सबसे अच्छी कृतियाँ हनीवा, तीसरी से पाँचवीं शताब्दी के मिट्टी के सिलेंडर हैं। विज्ञापन इस युग के विशिष्ट स्मारक विशाल पहाड़ियाँ, या टीले, सम्राटों और शक्तिशाली कुलीनों की कब्रगाहें हैं। अक्सर बहुत बड़ा आकार, वे शाही परिवार और दरबारियों की शक्ति और धन के प्रमाण हैं। सम्राट निंटोकू-टेनो (लगभग 395-427 ई.) के लिए ऐसी संरचना के निर्माण में 40 साल लगे। इन टीलों की सबसे उल्लेखनीय विशेषता मिट्टी के सिलेंडर, हनीवा थे, जो इन्हें बाड़ की तरह घेरे हुए थे। आमतौर पर ये सिलेंडर पूरी तरह से सरल होते थे, लेकिन कभी-कभी इन्हें मानव आकृतियों से सजाया जाता था, कम अक्सर घोड़ों, घरों या मुर्गों की मूर्तियों से। उनका उद्देश्य दोहरा था: भूमि के विशाल द्रव्यमान के कटाव को रोकना और मृतक को उन आवश्यकताओं की आपूर्ति करना जो वह सांसारिक जीवन में उपयोग करता था। स्वाभाविक रूप से, सिलेंडरों का निर्माण तुरंत किया गया था बड़ी मात्रा में. उन्हें सजाने वाली आकृतियों के विषय, चेहरे के भाव और हावभाव की विविधता काफी हद तक मास्टर के सुधार का परिणाम है। इस तथ्य के बावजूद कि ये कलाकारों और मूर्तिकारों के बजाय कारीगरों के काम होने की अधिक संभावना है, उनके पास है बड़ा मूल्यवानएक उचित जापानी कला रूप के रूप में। इमारतें, कंबल ओढ़े घोड़े, प्रधान महिलाएं और योद्धा प्रारंभिक सामंती जापान के सैन्य जीवन की एक दिलचस्प तस्वीर पेश करते हैं। यह संभव है कि इन सिलेंडरों के प्रोटोटाइप चीन में दिखाई दिए, जहां विभिन्न वस्तुओं को सीधे दफन में रखा गया था, लेकिन हनीवा का उपयोग करने का निष्पादन और तरीका स्थानीय परंपरा से संबंधित है।

पुरातन काल को अक्सर उच्च कलात्मक स्तर के कार्यों से रहित समय के रूप में देखा जाता है, मुख्य रूप से पुरातात्विक और नृवंशविज्ञान मूल्य की चीजों के प्रभुत्व का समय। हालाँकि, यह याद रखना चाहिए कि यह काम करता है प्रारंभिक संस्कृतिआम तौर पर उनमें अत्यधिक जीवंतता थी, क्योंकि उनके रूप जीवित रहे और बाद के समय में जापानी कला की विशिष्ट राष्ट्रीय विशेषताओं के रूप में अस्तित्व में रहे।

असुका काल

(552-710 ई.) छठी शताब्दी के मध्य में बौद्ध धर्म का परिचय। जापानियों के जीवन के तरीके और सोच में महत्वपूर्ण परिवर्तन किए और इस और उसके बाद के समय की कला के विकास के लिए प्रेरणा बने। कोरिया के माध्यम से चीन से बौद्ध धर्म का आगमन पारंपरिक रूप से 552 ईस्वी पूर्व का माना जाता है, लेकिन यह संभवतः पहले से ज्ञात था। प्रारंभिक वर्षों में बौद्ध धर्म को राजनीतिक विरोध का सामना करना पड़ा, जिसमें राष्ट्रीय धर्म शिंटो का विरोध भी शामिल था, लेकिन कुछ ही दशकों बाद इसे एक नया धर्म प्राप्त हुआ। आधिकारिक अनुमोदनऔर अंततः स्थापित हो गया। जापान में अपनी शुरूआत के शुरुआती वर्षों में, बौद्ध धर्म एक अपेक्षाकृत सरल धर्म था जिसमें कम संख्या में देवताओं की छवियों की आवश्यकता थी, लेकिन लगभग सौ वर्षों के बाद इसने ताकत हासिल की और देवताओं का समूह बहुत बढ़ गया।
इस अवधि के दौरान, मंदिरों की स्थापना की गई, जो न केवल आस्था के प्रचार के उद्देश्य को पूरा करते थे, बल्कि कला और शिक्षा के केंद्र भी थे। होरियुजी का मठ-मंदिर प्रारंभिक बौद्ध कला के अध्ययन के लिए सबसे महत्वपूर्ण में से एक है। अन्य खजानों में, महान त्रय सायका-नेराई (623 ईस्वी) की एक मूर्ति है। हमें ज्ञात पहले महान जापानी मूर्तिकार तोरी बुस्सी की यह कृति, बड़े पैमाने पर समान समूहों के समान एक शैलीबद्ध कांस्य छवि है गुफा मंदिरचीन। बैठे हुए शाकी (ऐतिहासिक बुद्ध शब्द "शाक्यमुनि" का जापानी प्रतिलेखन) और उसके दोनों ओर खड़ी दो आकृतियों की मुद्रा बिल्कुल सामने की ओर है। मानव आकृति के रूप योजनाबद्ध रूप से प्रस्तुत कपड़ों की भारी सममित सिलवटों से छिपे हुए हैं, और चिकने लम्बे चेहरों में कोई स्वप्निल आत्म-अवशोषण और चिंतन महसूस कर सकता है। इस प्रथम बौद्ध काल की मूर्तिकला पचास साल पहले की मुख्य भूमि की शैली और प्रोटोटाइप पर आधारित है; यह ईमानदारी से उस चीनी परंपरा का पालन करता है जो कोरिया के माध्यम से जापान में आई थी।

इस समय की कुछ सबसे महत्वपूर्ण मूर्तियाँ कांस्य से बनी थीं, लेकिन लकड़ी का भी उपयोग किया गया था। दो सबसे प्रसिद्ध लकड़ी की मूर्तियाँ देवी कन्नन की हैं: युमेदोनो कन्नन और कुदारा कन्नन, दोनों होरीयूजी में हैं। वे अपनी पुरातन मुस्कुराहट और स्वप्निल अभिव्यक्तियों के साथ, शाकी त्रय की तुलना में पूजा की अधिक आकर्षक वस्तु हैं। हालाँकि कन्नन आकृतियों में कपड़ों की तहों की एक योजनाबद्ध और सममित व्यवस्था भी है, वे हल्के और गतिशीलता से भरपूर हैं। लंबी, पतली आकृतियाँ चेहरों की आध्यात्मिकता, उनकी अमूर्त दयालुता पर जोर देती हैं, सभी सांसारिक चिंताओं से दूर, लेकिन पीड़ितों की प्रार्थनाओं के प्रति संवेदनशील हैं। मूर्तिकार ने कपड़ों की सिलवटों से छिपी कुदारा कन्नन की आकृति की रूपरेखा पर कुछ ध्यान दिया, और युमेडोनो के दांतेदार सिल्हूट के विपरीत, आकृति और कपड़े दोनों की गति को गहराई में निर्देशित किया गया है। प्रोफ़ाइल में, कुदारा कन्नन की एक सुंदर एस-आकार की रूपरेखा है।

पेंटिंग का एकमात्र जीवित उदाहरण जो 7वीं शताब्दी की शुरुआत की शैली का अंदाज़ा देता है, वह "पंखों वाला मंदिर" तमामुशी ज़ुशी की पेंटिंग है। इस लघु मंदिर का नाम एक छिद्रित धातु के फ्रेम में स्थापित इंद्रधनुषी बीटल पंखों के नाम पर रखा गया है; बाद में इसे धार्मिक रचनाओं और रंगीन वार्निश से बनी व्यक्तिगत पात्रों की आकृतियों से सजाया गया। इस काल की मूर्तिकला की तरह, कुछ छवियां डिज़ाइन की महान स्वतंत्रता दिखाती हैं।

नारा काल

(710-784). 710 में राजधानी को नारा ले जाया गया, नया शहर, चीनी राजधानी चांगान के अनुरूप बनाया गया। वहाँ चौड़ी सड़कें, बड़े महल और असंख्य बौद्ध मंदिर थे। न केवल बौद्ध धर्म अपने सभी पहलुओं में, बल्कि संपूर्ण चीनी सांस्कृतिक और राजनीतिक जीवन को अनुसरण करने के लिए एक मॉडल के रूप में माना जाता था। शायद कोई अन्य देश अपनी संस्कृति में इतना अपर्याप्त महसूस नहीं करता या बाहरी प्रभावों के प्रति इतना संवेदनशील नहीं रहा। विद्वान और तीर्थयात्री जापान और मुख्य भूमि के बीच स्वतंत्र रूप से आते-जाते थे, और सरकार और महल का जीवन तांग राजवंश चीन के अनुरूप बनाया गया था। हालाँकि, हमें याद रखना चाहिए कि, विशेष रूप से कला में, तांग चीन के उदाहरणों की नकल करने, इसके प्रभाव और शैली को समझने के बावजूद, जापानियों ने लगभग हमेशा विदेशी रूपों को अपने लिए अपनाया।

मूर्तिकला में, पिछले असुका काल की सख्त अग्रता और समरूपता ने मुक्त रूपों को रास्ता दिया। देवताओं के बारे में विचारों के विकास, तकनीकी कौशल में वृद्धि और सामग्री के उपयोग की स्वतंत्रता ने कलाकारों को अधिक अंतरंग और सुलभ पंथ छवियां बनाने की अनुमति दी। नए बौद्ध संप्रदायों की स्थापना ने बौद्ध धर्म के संतों और संस्थापकों को भी इसमें शामिल करने के लिए पंथ का विस्तार किया। कांस्य मूर्तिकला के अलावा, लकड़ी, मिट्टी और वार्निश से बनी बड़ी संख्या में कलाकृतियाँ ज्ञात हैं। पत्थर दुर्लभ था और मूर्तिकला के लिए इसका उपयोग लगभग कभी नहीं किया गया था। सूखा वार्निश विशेष रूप से लोकप्रिय था, शायद इसलिए, रचना तैयार करने की प्रक्रिया की जटिलता के बावजूद, इससे बने काम लकड़ी की तुलना में अधिक प्रभावशाली दिखते थे और मिट्टी के उत्पादों की तुलना में अधिक मजबूत होते थे जिन्हें बनाना आसान होता था। लाह की आकृतियाँ लकड़ी या मिट्टी के आधार पर बनाई जाती थीं, जिन्हें बाद में हटा दिया जाता था, या लकड़ी या तार के सुदृढीकरण पर; वे हल्के और टिकाऊ थे। इस तथ्य के बावजूद कि इस तकनीक ने मुद्राओं में कुछ कठोरता निर्धारित की, चेहरों के चित्रण में बड़ी स्वतंत्रता की अनुमति दी गई, जिसने आंशिक रूप से पोर्ट्रेट मूर्तिकला कहे जाने वाले विकास में योगदान दिया। देवता के चेहरे का चित्रण बौद्ध सिद्धांतों की सख्त आवश्यकताओं के अनुसार किया गया था, लेकिन विश्वास के कुछ संस्थापकों और प्रचारकों की लोकप्रियता और यहां तक ​​कि देवताीकरण ने चित्र समानता व्यक्त करने के लिए उत्कृष्ट अवसर प्रदान किए। यह समानता जापान में प्रतिष्ठित तोशोदाईजी मंदिर में स्थित चीनी कुलपिता जेनजिन की सूखी वार्निश से बनी मूर्ति में देखी जा सकती है। 753 में जब जेनजिन जापान पहुंचे तो वह अंधे थे, और उनकी दृष्टिहीन आंखें और आंतरिक चिंतन की प्रबुद्ध स्थिति को अज्ञात मूर्तिकार ने खूबसूरती से कैद किया है। यह यथार्थवादी प्रवृत्ति 13वीं और 14वीं शताब्दी में मूर्तिकार कोशो द्वारा बनाई गई उपदेशक कुया की लकड़ी की मूर्ति में सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी। उपदेशक एक छड़ी, घंटा और हथौड़े के साथ एक भटकते भिखारी के रूप में तैयार है, और उसके आधे खुले मुंह से छोटी बुद्ध आकृतियाँ निकलती हैं। गायन भिक्षु की छवि से संतुष्ट नहीं होने पर, मूर्तिकार ने अपने शब्दों के अंतरतम अर्थ को व्यक्त करने का प्रयास किया।
नारा काल की बुद्ध की छवियां भी महान यथार्थवाद से प्रतिष्ठित हैं। मंदिरों की निरंतर बढ़ती संख्या के लिए बनाए गए, वे अपने पूर्ववर्तियों की तरह उतने शांत और आरक्षित नहीं हैं, उनमें अधिक सुंदर सुंदरता और बड़प्पन है, और जो लोग उनकी पूजा करते हैं, उनके लिए उन्हें अधिक अनुग्रह के साथ संबोधित किया जाता है।

इस समय की बहुत कम पेंटिंग्स बची हैं। कागज पर बहुरंगी डिज़ाइन बुद्ध के अतीत और वर्तमान जीवन को दर्शाता है। यह इमाकिमोनो या स्क्रॉल पेंटिंग के कुछ प्राचीन उदाहरणों में से एक है। स्क्रॉल धीरे-धीरे दाएं से बाएं ओर खुलता है, और दर्शक चित्र के केवल उस हिस्से का आनंद ले सकता है जो स्क्रॉल को खोलने वाले हाथों के बीच स्थित था। चित्र सीधे पाठ के ऊपर रखे गए थे, बाद के स्क्रॉल के विपरीत जहां पाठ का एक खंड एक व्याख्यात्मक छवि के साथ वैकल्पिक होता था। स्क्रॉल पेंटिंग के इन सबसे पुराने जीवित उदाहरणों में, रेखांकित आकृतियाँ बमुश्किल रेखांकित परिदृश्य के सामने स्थापित की गई हैं, जिसमें केंद्रीय चरित्र, इस मामले में शाका, विभिन्न दृश्यों में दिखाई देता है।

प्रारंभिक हेन

(784-897). 784 में राजधानी को अस्थायी रूप से नागाओका में स्थानांतरित कर दिया गया था, आंशिक रूप से नारा के बौद्ध पादरी के प्रभुत्व से बचने के लिए। 794 में वह लंबी अवधि के लिए हेयान (अब क्योटो) चली गईं। 8वीं और 9वीं शताब्दी के अंत में वह ऐसा समय था जब जापान ने अपनी विशेषताओं के अनुरूप कई विदेशी नवाचारों को सफलतापूर्वक आत्मसात किया। बौद्ध धर्म में भी परिवर्तन का दौर आया, अपने विकसित अनुष्ठान और शिष्टाचार के साथ गूढ़ बौद्ध धर्म के नए संप्रदायों का उदय हुआ। इनमें से, सबसे प्रभावशाली तेंदई और शिंगोन संप्रदाय थे, जो भारत में उत्पन्न हुए, चीन पहुंचे और वहां से दो वैज्ञानिकों द्वारा जापान लाए गए जो लंबी प्रशिक्षुता के बाद अपनी मातृभूमि लौट आए। शिंगोन ("सच्चे शब्द") संप्रदाय अदालत में विशेष रूप से लोकप्रिय था और उसने जल्द ही एक प्रमुख स्थान प्राप्त कर लिया। इसके मुख्य मठ क्योटो के पास माउंट कोया पर स्थित थे; अन्य महत्वपूर्ण बौद्ध केंद्रों की तरह, वे कला के विशाल संग्रह के भंडार बन गए।

9वीं सदी की मूर्ति अधिकतर लकड़ी का था। देवताओं की छवियां उनकी गंभीरता और दुर्गम भव्यता से प्रतिष्ठित थीं, जिस पर उनकी उपस्थिति और विशालता की गंभीरता पर जोर दिया गया था। ड्रेपरियों को मानक पैटर्न के अनुसार कुशलता से काटा गया था, और स्कार्फ लहरों में बिछाए गए थे। मुरोजी मंदिर से शाकी की खड़ी आकृति इस शैली का एक उदाहरण है। इसके लिए और 9वीं शताब्दी की ऐसी ही छवियां। गहरी, स्पष्ट सिलवटों और अन्य विवरणों के साथ कठोर नक्काशी की विशेषता।

देवताओं की संख्या में वृद्धि ने कलाकारों के लिए बड़ी कठिनाइयाँ पैदा कर दीं। जटिल, मानचित्र-जैसे मंडलों (जादुई अर्थों के साथ ज्यामितीय डिजाइन) में, देवताओं को केंद्रीय बुद्ध के चारों ओर एक पदानुक्रम में व्यवस्थित किया गया था, जो स्वयं पूर्ण की केवल एक अभिव्यक्ति थे। इस समय, आग की लपटों से घिरे, दिखने में भयानक, लेकिन प्रकृति में लाभकारी, संरक्षक देवताओं की आकृतियों को चित्रित करने का एक नया तरीका सामने आया। ये देवता असममित रूप से स्थित थे और उन्हें चलती-फिरती मुद्रा में चित्रित किया गया था, उनके चेहरे की दुर्जेय विशेषताओं के साथ, संभावित खतरों से आस्था की रक्षा की जा रही थी।

मध्य और स्वर्गीय हेन, या फुजिवारा काल

(898-1185)। राजधानी को हेइयन में स्थानांतरित करने का उद्देश्य, पादरी वर्ग की कठिन मांगों से बचना था, जिससे राजनीतिक व्यवस्था में भी बदलाव आया। कुलीन वर्ग एक प्रमुख शक्ति था, और इसके सबसे अधिक प्रतिनिधि फुजिवारा परिवार थे। काल 10-12 शताब्दी। अक्सर इस नाम के साथ जुड़ा होता है. विशेष शक्ति का दौर शुरू हुआ जब वास्तविक सम्राटों को कविता और चित्रकला की अधिक सुखद गतिविधियों के लिए राज्य के मामलों को छोड़कर "दृढ़ता से सलाह" दी गई। वयस्क होने तक, सम्राट का नेतृत्व एक सख्त शासक द्वारा किया जाता था - आमतौर पर फुजिवारा परिवार से। यह साहित्य, सुलेख और कला में विलासिता और उल्लेखनीय उपलब्धियों का युग था; हर तरफ एक सुस्ती और भावुकता थी, जो शायद ही कभी गहराई तक पहुंची हो, लेकिन कुल मिलाकर आकर्षक थी। इस समय की कला में सुरुचिपूर्ण परिष्कार और पलायनवाद परिलक्षित होता था। यहां तक ​​कि बौद्ध धर्म के अनुयायी भी आसान तरीकों की तलाश में थे, और स्वर्गीय बुद्ध, अमिदा की पूजा विशेष रूप से लोकप्रिय हो गई। अमिदा बुद्ध की करुणा और मुक्ति अनुग्रह के बारे में विचार इस काल की चित्रकला और मूर्तिकला में गहराई से परिलक्षित हुए। 9वीं शताब्दी की मूर्तियों की विशालता और संयम। 10वीं-11वीं शताब्दी में. आनंद और आकर्षण का मार्ग प्रशस्त किया। देवताओं को स्वप्निल, विचारपूर्वक शांत के रूप में चित्रित किया गया है, नक्काशी कम गहरी हो गई है, सतह अधिक रंगीन हो गई है, जिसमें समृद्ध रूप से विकसित बनावट है। इस काल के सबसे महत्वपूर्ण स्मारक मूर्तिकार जोचो के हैं।
कलाकारों के कार्यों ने भी नरम विशेषताएं हासिल कर लीं, जो कपड़े पर चित्र की याद दिलाती थीं, और यहां तक ​​​​कि भयानक देवता - आस्था के रक्षक - भी कम डरावने हो गए। सूत्र (बौद्ध ग्रंथ) गहरे कागज पर सोने और चांदी में लिखे गए थे नीला स्वर, पाठ की सुंदर सुलेख अक्सर एक छोटे से चित्रण से पहले होती थी। बौद्ध धर्म की सबसे लोकप्रिय धाराएँ और उनसे जुड़े देवता अभिजात वर्ग की प्राथमिकताओं और प्रारंभिक बौद्ध धर्म के कठोर आदर्शों से धीरे-धीरे दूर होने को दर्शाते हैं।

इस समय का माहौल और उनके कार्य आंशिक रूप से 894 में चीन के साथ औपचारिक संबंधों की समाप्ति से जुड़े हुए हैं। इस समय चीन में बौद्ध धर्म पर अत्याचार किया गया था, और भ्रष्ट तांग दरबार गिरावट की स्थिति में था। इस विच्छेद के बाद एकांत द्वीप अस्तित्व ने जापानियों को अपनी संस्कृति की ओर मुड़ने और एक नई, शुद्ध जापानी शैली विकसित करने के लिए प्रोत्साहित किया। दरअसल, 10वीं-12वीं सदी की धर्मनिरपेक्ष चित्रकला। लगभग पूरी तरह से जापानी था - तकनीक और रचना और विषयों दोनों में। विशिष्ट विशेषतायमातो-ई कहलाने वाले इन जापानी स्क्रॉल में एंजी (उत्पत्ति, इतिहास) विषयों की प्रधानता थी। जबकि चीनी स्क्रॉल में अक्सर विशाल, अद्भुत प्रकृति, पहाड़ों, झरनों, चट्टानों और पेड़ों के पैनोरमा को दर्शाया जाता है, और लोग अपेक्षाकृत महत्वहीन लगते हैं, जापानी कथा स्क्रॉल पर ड्राइंग और पाठ में मुख्य चीज व्यक्ति थी। मुख्य पात्र या व्यक्तियों के अधीन, बताई जा रही कहानी के लिए परिदृश्य ने केवल पृष्ठभूमि की भूमिका निभाई। कई स्क्रॉल प्रसिद्ध बौद्ध प्रचारकों या ऐतिहासिक शख्सियतों के जीवन, उनकी यात्राओं और सैन्य अभियानों के हाथ से तैयार किए गए इतिहास थे। अन्य लोगों ने रईसों और दरबारियों के जीवन के रोमांटिक प्रसंगों के बारे में बताया।

प्रारंभिक स्क्रॉल की स्पष्ट रूप से विशिष्ट शैली बौद्ध नोटबुक के पन्नों पर सरल स्याही रेखाचित्रों से आई थी। ये कुशल चित्र हैं जो जानवरों की छवियों के माध्यम से मानव व्यवहार का व्यंग्य करते हैं: मठवासी पोशाक में एक बंदर एक फुलाए हुए मेंढक की पूजा कर रहा है, खरगोश, बंदर और मेंढक के बीच प्रतिस्पर्धा। ये और अन्य दिवंगत हेन स्क्रॉल 13वीं और 14वीं शताब्दी की विकसित शैली के अधिक जटिल कथा स्क्रॉल के आधार के रूप में काम करते थे।

कामकुरा काल

(1185-1392) 12वीं शताब्दी के अंत में जापान के राजनीतिक और धार्मिक जीवन और निश्चित रूप से, इसकी कला में बड़े बदलाव लाए। क्योटो दरबार की सुंदरता और सौंदर्यवाद को बदल दिया गया या, "विशेष" शासन की परंपरा में, एक नए, कठोर और साहसी शासन के रूप में "एक अतिरिक्त प्राप्त" हुआ - कामकुरा शोगुनेट। हालाँकि राजधानी नाममात्र क्योटो ही रही, शोगुन मिनामोटो नो योरिटोमो (1147-1199) ने कामाकुरा शहर में अपना मुख्यालय स्थापित किया और केवल 25 वर्षों में सैन्य तानाशाही और सामंतवाद की एक कठोर प्रणाली स्थापित की। बौद्ध धर्म, जो इतना जटिल और अनुष्ठानिक हो गया था कि आम लोगों द्वारा इसे बहुत कम समझा जाता था, में भी बड़े बदलाव हुए जो कला के संरक्षण का बिल्कुल भी वादा नहीं करते थे। योडो (शुद्ध भूमि) संप्रदाय, अमिदा बुद्ध की पूजा का एक रूप, होनेन शोनिन (1133-1212) के नेतृत्व में, बुद्ध और देवताओं के पदानुक्रम में सुधार किया और उन सभी को मोक्ष की आशा दी जो केवल अमिदा में विश्वास करते थे। आसानी से प्राप्य स्वर्ग के इस सिद्धांत को बाद में शिन संप्रदाय के संस्थापक, एक अन्य भिक्षु, शिनरान (1173-1262) द्वारा सरल बनाया गया, जिन्होंने माना कि अमिदा की कृपालुता इतनी महान थी कि धार्मिक कार्य करने की कोई आवश्यकता नहीं थी, केवल मंत्र दोहराना था। नामु अमिदा बुत्सु" (पहले शब्द का अर्थ है "आज्ञापालन करना"; दूसरे दो शब्द हैं "बुद्ध अमिदा")। आत्मा को बचाने की यह सरल विधि अत्यंत आकर्षक थी, और अब लाखों लोग इसका उपयोग करते हैं। एक पीढ़ी बाद, उग्रवादी उपदेशक निचिरेन (1222-1282), जिनके नाम पर इस संप्रदाय का नाम रखा गया, ने धर्म के इस सरलीकृत रूप को त्याग दिया। उनके अनुयायी लोटस सूत्र का सम्मान करते थे, जो तत्काल और बिना शर्त मुक्ति का वादा नहीं करता था। उनके उपदेश अक्सर राजनीतिक विषयों पर छूते थे, और उनकी मान्यताओं और चर्च और राज्य के प्रस्तावित सुधारों ने कामाकुरा में नए सैन्य वर्ग को आकर्षित किया। अंततः, ज़ेन दर्शन, जो 8वीं शताब्दी की शुरुआत में उभरा, ने इस अवधि के दौरान बौद्ध विचार में तेजी से महत्वपूर्ण भूमिका निभानी शुरू कर दी। ज़ेन ने ध्यान के महत्व पर जोर दिया और किसी भी छवि का तिरस्कार किया जो मनुष्य को ईश्वर के साथ एकजुट होने की खोज में बाधा डाल सकती है।

तो, यह वह समय था जब धार्मिक विचार ने पंथ के लिए पहले आवश्यक चित्रकला और मूर्तिकला के कार्यों की संख्या को सीमित कर दिया था। फिर भी, जापानी कला की कुछ बेहतरीन कृतियाँ कामाकुरा काल के दौरान बनाई गईं। प्रोत्साहन कला के प्रति अंतर्निहित जापानी प्रेम था, लेकिन समाधान की कुंजी नए पंथों के प्रति लोगों के दृष्टिकोण में निहित है, न कि हठधर्मिता में। वास्तव में, कृतियाँ स्वयं उनकी रचना का कारण सुझाती हैं, क्योंकि जीवन और ऊर्जा से भरपूर इनमें से कई मूर्तियाँ और पेंटिंग चित्र हैं। हालाँकि ज़ेन दर्शन सामान्य धार्मिक वस्तुओं को आत्मज्ञान में बाधा मान सकता है, लेकिन शिक्षकों को सम्मानित करने की परंपरा काफी स्वीकार्य थी। एक चित्र अपने आप में पूजा की वस्तु नहीं हो सकता। चित्र के प्रति यह रवैया न केवल ज़ेन बौद्ध धर्म की विशेषता थी: शुद्ध भूमि संप्रदाय के कई मंत्री लगभग बौद्ध देवताओं की तरह पूजनीय थे। चित्र के लिए धन्यवाद, एक नया वास्तुशिल्प रूप भी सामने आया - मिइडो, या पोर्ट्रेट चैपल। यथार्थवाद का तीव्र विकास पूरी तरह से समय की भावना के अनुरूप था।
यद्यपि पुजारियों के सुरम्य चित्र स्पष्ट रूप से विशिष्ट लोगों की छवियां थीं, वे अक्सर बौद्ध धर्म के चीनी संस्थापकों को चित्रित करने वाले चित्रों का पुनर्मूल्यांकन थे। उन्हें उपदेश देते हुए चित्रित किया गया था, उनके मुँह खुले थे, उनके हाथ इशारे कर रहे थे; कभी-कभी भिक्षुक भिक्षुओं को आस्था की महिमा के लिए कठिन यात्रा करते हुए चित्रित किया गया था।

सबसे लोकप्रिय विषयों में से एक रायगो (वांछित आगमन) था, जिसमें बुद्ध अमिदा को अपने साथियों के साथ मृत्यु शय्या पर पड़े एक आस्तिक की आत्मा को बचाने और उसे स्वर्ग में स्थानांतरित करने के लिए एक बादल पर उतरते हुए दर्शाया गया था। ऐसी छवियों के रंग अक्सर सोने से बढ़ाए जाते थे, और लहरदार रेखाएं, बहती हुई टोपी और घूमते बादल बुद्ध के अवतरण की गति का एहसास देते थे।

12वीं सदी के उत्तरार्ध और 13वीं सदी की शुरुआत में सक्रिय अनकेई, एक नवाचार के लेखक थे जिसने लकड़ी की नक्काशी की सुविधा प्रदान की, जो कामाकुरा काल के दौरान मूर्तिकारों की पसंदीदा सामग्री बनी रही। पहले, मास्टर उस लॉग या लॉग के आकार और आकार तक सीमित था जिससे आकृति काटी गई थी। हथियार और कपड़ों के तत्वों को अलग-अलग लागू किया गया था, लेकिन तैयार टुकड़ा अक्सर मूल बेलनाकार आकार जैसा दिखता था। नई तकनीक में, एक खोखला पिरामिड बनाने के लिए दर्जनों छोटे टुकड़ों को सावधानीपूर्वक एक साथ फिट किया गया, जिससे प्रशिक्षु मोटे तौर पर एक आकृति बना सकते थे। मूर्तिकार के पास अधिक लचीली सामग्री और अधिक जटिल रूप बनाने की क्षमता थी। मंदिर के हृष्ट-पुष्ट रक्षक और देवी-देवता लबादे और लबादे पहने हुए इसलिए भी अधिक सजीव प्रतीत होते थे क्योंकि उनकी आंखों के छिद्रों में क्रिस्टल या कांच डाले जाने लगे थे; मूर्तियों को सोने का पानी चढ़ा हुआ कांस्य से सजाया जाने लगा। जैसे-जैसे लकड़ी सूखती गई, वे हल्के होते गए और कम टूटने लगे। उन्केई के बेटे कोशो द्वारा कुया शोनिन की उपरोक्त लकड़ी की मूर्ति, चित्र मूर्तिकला में कामाकुरा-युग यथार्थवाद की सर्वोच्च उपलब्धि को प्रदर्शित करती है। दरअसल, इस समय मूर्तिकला अपने विकास के चरम पर पहुंच गई, और बाद में इसने कला में इतना प्रमुख स्थान नहीं लिया।

धर्मनिरपेक्ष चित्रकला भी उस समय की भावना को प्रतिबिंबित करती थी। संयमित रंगों और सुंदर रेखाओं के साथ स्वर्गीय हेयान काल की कथात्मक स्क्रॉल, प्रिंस जेनजी के रोमांटिक पलायन या एकांतप्रिय दरबारी महिलाओं के मनोरंजन के बारे में बताती है। अब, चमकीले रंगों और ऊर्जावान ब्रशस्ट्रोक के साथ, कामाकुरा युग के कलाकारों ने युद्धरत कुलों की लड़ाई, आग की लपटों में घिरे महल और हमलावर सैनिकों से भागते भयभीत लोगों को चित्रित किया। यहां तक ​​कि जब धार्मिक इतिहास पुस्तक पर सामने आया, तब भी यह छवि कोई प्रतीक नहीं थी, बल्कि यह पवित्र पुरुषों की यात्राओं और उनके द्वारा किए गए चमत्कारों का एक ऐतिहासिक रिकॉर्ड थी। इन दृश्यों के डिज़ाइन में प्रकृति के प्रति बढ़ते प्रेम और देशी परिदृश्यों के प्रति प्रशंसा का पता लगाया जा सकता है।

मुरोमाची या आशिकागा काल

(1392-1568)। 1392 में, 50 से अधिक वर्षों के संघर्ष के बाद, अशिकागा परिवार के तीसरे शोगुन, योशिमित्सु (1358-1408) ने देश को फिर से एकजुट किया। सरकार की सीट फिर से क्योटो की नाममात्र राजधानी बन गई, जहां आशिकागा शोगुन ने मुरोमाची क्वार्टर में अपने महल बनाए। (इस अवधि को कभी-कभी मुरोमाची या आशिकागा भी कहा जाता है।) युद्ध के दौरान कई मंदिरों को नहीं छोड़ा गया - जापानी कला के भंडार, जो वहां स्थित खजाने के साथ जला दिए गए थे। देश को बेरहमी से बर्बाद कर दिया गया था, और यहां तक ​​कि शांति से भी बहुत राहत नहीं मिली, क्योंकि युद्धरत कुलों ने सफलता हासिल करते हुए अपनी इच्छानुसार लाभ बांटे। ऐसा प्रतीत होता है कि स्थिति कला के विकास के लिए बेहद प्रतिकूल थी, लेकिन वास्तव में आशिकगा शोगुन ने इसे संरक्षण दिया, खासकर 15वीं और 16वीं शताब्दी में, जब चित्रकला का विकास हुआ।

इस समय की सबसे महत्वपूर्ण कलात्मक घटना ज़ेन बौद्ध धर्म द्वारा प्रोत्साहित और सोंग और युआन राजवंशों के चीनी उदाहरणों से प्रभावित मोनोक्रोम काव्यात्मक स्याही पेंटिंग थी। मिंग राजवंश (1368-1644) के दौरान, चीन के साथ संपर्क नवीनीकृत हुए और कला के संग्रहकर्ता और संरक्षक योशिमित्सु ने चीनी चित्रों के संग्रह और अध्ययन को प्रोत्साहित किया। यह प्रतिभाशाली कलाकारों के लिए एक मॉडल और शुरुआती बिंदु बन गया, जिन्होंने हल्के और धाराप्रवाह ब्रश स्ट्रोक के साथ परिदृश्य, पक्षियों, फूलों, पादरी और संतों की छवियों को चित्रित किया। इस समय की जापानी चित्रकला की विशेषता रेखा की मितव्ययिता है; ऐसा प्रतीत होता है कि कलाकार चित्रित कथानक का सार निकालता है, जिससे दर्शक इसे विवरण से भर सकता है। इन चित्रों में भूरे और चमकदार काली स्याही का परिवर्तन ज़ेन दर्शन के बहुत करीब है, जिसने निश्चित रूप से उनके लेखकों को प्रेरित किया है। हालाँकि इस विश्वास ने कामाकुरा के सैन्य शासन के तहत काफी प्रभाव हासिल किया, लेकिन यह 15वीं और 16वीं शताब्दी में तेजी से फैलता रहा, जब कई ज़ेन मठों का उदय हुआ। मुख्य रूप से "आत्म-मोक्ष" के विचार का प्रचार करते हुए, इसने मोक्ष को बुद्ध से नहीं जोड़ा, बल्कि एक व्यक्ति के अचानक सहज "ज्ञानोदय" को प्राप्त करने के लिए उसके गंभीर आत्म-अनुशासन पर अधिक भरोसा किया जो उसे पूर्ण के साथ एकजुट करता है। स्याही और असममित संरचना का किफायती लेकिन साहसिक उपयोग, जिसमें कागज के अप्रकाशित हिस्सों ने आदर्श परिदृश्यों, संतों और वैज्ञानिकों के चित्रण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इस दर्शन के अनुरूप थे।

मोनोक्रोम स्याही पेंटिंग की एक शैली, सुमी-ई के सबसे प्रसिद्ध प्रतिपादकों में से एक, सेशु (1420-1506) थे, जो एक ज़ेन पुजारी थे, जिनके लंबे और फलदायी जीवन ने उन्हें लंबे समय तक सम्मान दिलाया। अपने जीवन के अंत में, उन्होंने हबोकू (त्वरित स्याही) शैली का उपयोग करना शुरू कर दिया, जिसने परिपक्व शैली के विपरीत, जिसके लिए स्पष्ट, किफायती स्ट्रोक की आवश्यकता थी, मोनोक्रोम पेंटिंग की परंपरा को लगभग अमूर्तता में ला दिया।
यही अवधि कलाकारों के कानो परिवार की गतिविधि और उनकी शैली के विकास का प्रतीक है। विषयों के चयन और स्याही के प्रयोग की दृष्टि से यह चीनी के करीब था, लेकिन अभिव्यंजक साधनों की दृष्टि से यह जापानी ही रहा। कानो, शोगुनेट के समर्थन से, पेंटिंग का "आधिकारिक" स्कूल या कलात्मक शैली बन गया और 19वीं शताब्दी में अच्छी तरह से विकसित हुआ।

भोली-भाली यमातो-ए परंपरा दूसरे महत्वपूर्ण आंदोलन, टोसा स्कूल के कार्यों में जीवित रही जापानी पेंटिंग. वास्तव में, इस समय दोनों स्कूल, कानो और टोसा, आपस में घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए थे, वे आधुनिक जीवन में रुचि से एकजुट थे। इस काल के उत्कृष्ट कलाकारों में से एक मोटोनोबू कानो (1476-1559) ने न केवल अपनी बेटी का विवाह प्रसिद्ध कलाकार तोसा से किया, बल्कि उनके ढंग से चित्रकारी भी की।

15-16वीं शताब्दी में। मूर्तिकला की केवल कुछ ही उल्लेखनीय कृतियाँ सामने आईं। हालाँकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि नू नाटक के विकास ने, विभिन्न प्रकार की मनोदशाओं और भावनाओं के साथ, मूर्तिकारों के लिए गतिविधि का एक नया क्षेत्र खोल दिया - उन्होंने अभिनेताओं के लिए मुखौटे बनाए। शास्त्रीय जापानी नाटक में, अभिजात वर्ग द्वारा और उसके लिए प्रदर्शन किया जाता था, अभिनेता (एक या अधिक) मुखौटे पहनते थे। उन्होंने भय, चिंता और भ्रम से लेकर संयमित आनंद तक कई तरह की भावनाओं को व्यक्त किया। कुछ मुखौटों को इतनी खूबसूरती से उकेरा गया था कि अभिनेता के सिर को थोड़ा सा घुमाने से भावनाओं की अभिव्यक्ति में सूक्ष्म परिवर्तन हो जाते थे। इन मुखौटों के उल्लेखनीय उदाहरण उन परिवारों में वर्षों तक रखे गए जिनके सदस्यों के लिए इन्हें बनाया गया था।

मोमोयामा काल

(1568-1615) 1593 में, महान सैन्य तानाशाह हिदेयोशी ने मोमोयामा, "पीच हिल" पर अपना महल बनाया, और इस नाम से अशिकगा शोगुनेट के पतन से लेकर 1615 में टोकुगावा, या ईदो की स्थापना तक की 47 वर्षों की अवधि को आम तौर पर रखा गया था। स्वीकार किया गया कि यह एक पूरी तरह से नए सैन्य वर्ग के प्रभुत्व का समय था, जिसकी महान संपत्ति ने कला के उत्कर्ष में योगदान दिया। विशाल दर्शक कक्ष और लंबे गलियारों वाले प्रभावशाली महल 16वीं शताब्दी के अंत में फैशन में आए। और उनकी महानता के अनुरूप सजावट की मांग की। यह कठोर समय था और साहसी लोग, और नए संरक्षक, पिछले अभिजात वर्ग के विपरीत, विशेष रूप से बौद्धिक गतिविधियों या शिल्प कौशल की सूक्ष्मताओं में रुचि नहीं रखते थे। सौभाग्य से, कलाकारों की नई पीढ़ी अपने संरक्षकों के साथ काफी सुसंगत थी। इस अवधि के दौरान, चमकीले लाल, पन्ना, हरे, बैंगनी और रंगों में अद्भुत स्क्रीन और चल पैनल दिखाई दिए नीले रंग. इस तरह के शानदार रंग और सजावटी रूप, अक्सर सोने या चांदी की पृष्ठभूमि पर, सौ वर्षों तक बहुत लोकप्रिय थे, और उनके रचनाकारों को "महान सज्जाकार" कहा जाता था। सूक्ष्म जापानी स्वाद के लिए धन्यवाद, रसीला शैली अश्लीलता में विकसित नहीं हुई, और यहां तक ​​​​कि जब संयम और ख़ामोशी ने विलासिता और सजावटी ज्यादतियों का रास्ता ले लिया, तब भी जापानी लालित्य बनाए रखने में कामयाब रहे।

इस अवधि के पहले महान कलाकारों में से एक, ईटोकू कानो (1543-1590) ने कानो और टोसा की शैली में काम किया, पूर्व की ड्राइंग अवधारणाओं का विस्तार किया और उन्हें बाद के रंगों की समृद्धि के साथ जोड़ा। हालाँकि केवल कुछ ही रचनाएँ बची हैं जिनका श्रेय ईटोकू को विश्वासपूर्वक दिया जा सकता है, उन्हें मोमोयामा शैली के संस्थापकों में से एक माना जाता है, और इस अवधि के अधिकांश कलाकार उनके छात्र थे या उनसे प्रभावित थे।

ईदो या तोकुगावा काल

(1615-1867) नव एकीकृत जापान के बाद शांति की लंबी अवधि को या तो शासक के उपनाम के बाद टोकुगावा का समय कहा जाता है, या एदो (आधुनिक टोक्यो) कहा जाता है, क्योंकि 1603 में यह शहर सत्ता का नया केंद्र बन गया था। छोटे मोमोयामा काल के दो प्रसिद्ध जनरलों, ओडा नोबुनागा (1534-1582) और तोयोतोमी हिदेयोशी (1536-1598), सैन्य कार्रवाई और कूटनीति के माध्यम से, अंततः शक्तिशाली कुलों और उग्रवादी पादरियों के बीच सामंजस्य बिठाने में कामयाब रहे। 1598 में हिदेयोशी की मृत्यु के साथ, सत्ता इयासू तोकुगावा (1542-1616) के पास चली गई, जिन्होंने संयुक्त रूप से शुरू की गई गतिविधियों को पूरा किया। 1600 में सेकीगहारा की निर्णायक लड़ाई ने इयासु की स्थिति को मजबूत किया; 1615 में ओस्का कैसल के पतन के साथ हिदेयोशी का घर भी ढह गया और टोकुगावा शोगुनेट के अविभाजित शासन की स्थापना हुई।

तोकुगावा का शांतिपूर्ण शासन 15 पीढ़ियों तक चला और 19वीं शताब्दी में समाप्त हुआ। यह मुख्यतः "बंद दरवाज़ा" नीति का काल था। डिक्री 1640 ने विदेशियों को जापान में प्रवेश करने से रोक दिया, और जापानी विदेश यात्रा करने में असमर्थ थे। एकमात्र व्यावसायिक और सांस्कृतिक संबंध नागासाकी बंदरगाह के माध्यम से डच और चीनियों के साथ था। अलगाव की अन्य अवधियों की तरह, 17वीं शताब्दी के अंत में राष्ट्रीय भावनाओं में वृद्धि हुई और उनका उदय हुआ। तथाकथित स्कूल शैली पेंटिगऔर उत्कीर्णन.
एडो की तेजी से बढ़ती राजधानी न केवल द्वीप साम्राज्य के राजनीतिक और व्यावसायिक जीवन का केंद्र बन गई, बल्कि कला और शिल्प का केंद्र भी बन गई। यह आवश्यकता कि डेम्यो, प्रांतीय सामंती प्रभु, प्रत्येक वर्ष के एक निश्चित भाग के लिए राजधानी में रहें, ने महलों सहित नई इमारतों की आवश्यकता को जन्म दिया, और इसलिए कलाकारों द्वारा उन्हें सजाने के लिए। उसी समय, धनी लेकिन गैर-अभिजात वर्ग के व्यापारियों के उभरते वर्ग ने कलाकारों को नए और अक्सर गैर-पेशेवर संरक्षण प्रदान किए।

प्रारंभिक ईदो काल की कला आंशिक रूप से जारी है और मोमोयामा शैली को विकसित करती है, जिससे विलासिता और वैभव की ओर इसकी प्रवृत्ति मजबूत होती है। पिछली अवधि से विरासत में मिली विचित्र छवियों और पॉलीक्रोम की समृद्धि का विकास जारी है। यह सजावटी शैली 17वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में अपने चरम पर पहुँच गई। तथाकथित में टोकुगावा काल का जेनरोकू युग (1688-1703)। जापानी सजावटी कला में, पेंटिंग, कपड़े, वार्निश और कलात्मक विवरणों में रंग और सजावटी रूपांकनों की असाधारणता और समृद्धि में इसका कोई समानांतर नहीं है - एक शानदार जीवन शैली के गुण।

चूँकि हम सापेक्षिक रूप से बात कर रहे हैं देर की अवधिइतिहास, यह आश्चर्य की बात नहीं है कि कई कलाकारों के नाम और उनके कार्यों को संरक्षित किया गया है; यहां सबसे उत्कृष्ट में से केवल कुछ का नाम लेना संभव है। मोमोयामा और एडो काल के दौरान रहने और काम करने वाले सजावटी स्कूल के प्रतिनिधियों में होन्नामी कोएत्सु (1558-1637) और नोनोमुरा सोतात्सु (मृत्यु 1643) शामिल हैं। उनका काम डिज़ाइन, संरचना और रंग की उल्लेखनीय समझ प्रदर्शित करता है। कोएत्सु, एक प्रतिभाशाली सिरेमिक विशेषज्ञ और लाख कलाकार, अपनी सुलेख की सुंदरता के लिए प्रसिद्ध थे। सोतात्सु के साथ मिलकर, उन्होंने स्क्रॉल पर कविताएँ बनाईं, जो उस समय फैशनेबल थीं। साहित्य, सुलेख और चित्रकला के इस संयोजन में, छवियां सरल चित्रण नहीं थीं: उन्होंने पाठ की धारणा के अनुरूप मूड बनाया या सुझाव दिया। ओगाटा कोरिन (1658-1716) सजावटी शैली के उत्तराधिकारियों में से एक थे और उन्होंने अपने छोटे भाई ओगाटा केंज़न (1663-1743) के साथ मिलकर इसकी तकनीक को पूर्णता तक पहुंचाया। एक कलाकार के बजाय एक सेरेमिस्ट के रूप में जाने जाने वाले केनज़ान ने अपने प्रसिद्ध बड़े भाई के डिजाइन वाले बर्तन बनाए। 19वीं सदी की शुरुआत में इस स्कूल का पुनरुद्धार हुआ। कवि और कलाकार सकाई होइत्सु (1761-1828) सजावटी शैली के अंतिम उभार थे। होरित्सु के खूबसूरत स्क्रॉल और स्क्रीन ने कोरिन की डिजाइन की भावना को मारुयामा स्कूल की प्रकृतिवाद में निहित प्रकृति में रुचि के साथ जोड़ दिया, जो पहले की अवधि की विशेषता वाले रंग और सजावटी रूपांकनों की समृद्धि में व्यक्त किया गया था, जो ब्रशवर्क की भव्यता और अनुग्रह से प्रभावित था।

पॉलीक्रोम सजावटी शैली के साथ, कानो स्कूल की पारंपरिक स्याही ड्राइंग लोकप्रिय बनी रही। 1622 में, कानो तानयु (1602-1674) को शोगुन का दरबारी चित्रकार नियुक्त किया गया और ईदो में बुलाया गया। इस पद पर उनकी नियुक्ति और एडो में कोबिकिटो में पेंटिंग के कानो स्कूल की स्थापना के साथ, इस परंपरा के कलात्मक नेतृत्व की आधी सदी की अवधि शुरू हुई, जिसने कानो परिवार को प्रमुखता की स्थिति में बहाल किया और के कार्यों को आगे बढ़ाया। कानो चित्रकला में ईदो काल सबसे महत्वपूर्ण है। "महान सज्जाकारों" और प्रतिद्वंद्वियों द्वारा बनाई गई सोने और चमकीले रंगों से चित्रित स्क्रीन की लोकप्रियता के बावजूद, तान्यू, अपनी प्रतिभा और आधिकारिक स्थिति की ताकत के कारण, पुनर्जीवित कानो स्कूल की पेंटिंग को कुलीन वर्ग के बीच लोकप्रिय बनाने में सक्षम था। कानो स्कूल की पारंपरिक विशेषताओं में, तान्यू ने एक कठोर टूटी हुई रेखा और एक बड़ी मुक्त सतह पर रचनात्मक तत्वों की एक विचारशील व्यवस्था के आधार पर शक्ति और सादगी को जोड़ा।

जिसमें एक नई दिशा मुख्य विशेषताप्रकृति के प्रति रुचि 18वीं शताब्दी के अंत में प्रबल होने लगी। मारुयामा ओक्यो (1733-1795), मुखिया नया विद्यालय, एक किसान था, फिर पादरी बन गया और अंततः एक कलाकार बन गया। पहले दो अध्ययनों से उन्हें न तो खुशी मिली और न ही सफलता, लेकिन एक कलाकार के रूप में उन्होंने महान ऊंचाइयां हासिल कीं और उन्हें मारुयामा के यथार्थवादी स्कूल का संस्थापक माना जाता है। उन्होंने कानो स्कूल मास्टर इशिदा युतेई (डी. सी. 1785) के साथ अध्ययन किया; आयातित डच उत्कीर्णन के आधार पर, उन्होंने परिप्रेक्ष्य चित्रण की पश्चिमी तकनीक सीखी, और कभी-कभी इन उत्कीर्णन की नकल भी की। उन्होंने सोंग और युआन राजवंशों की चीनी शैलियों का भी अध्ययन किया, जिसमें चेन जुआन (1235-1290) और शेन नानपिंग की सूक्ष्म और यथार्थवादी शैली भी शामिल है; बाद वाला 18वीं सदी की शुरुआत में नागासाकी में रहता था। ओक्यो ने जीवन पर कई कार्य किए, और उनकी वैज्ञानिक टिप्पणियों ने प्रकृति की धारणा के आधार के रूप में कार्य किया, जिस पर मारुयामा स्कूल आधारित था।

18वीं शताब्दी में प्रकृतिवाद में रुचि के अलावा। चीनी कलात्मक परंपरा का प्रभाव नवीनीकृत हुआ। इस आंदोलन के प्रतिनिधियों ने मिंग (1368-1644) और किंग (1644-1912) युगों के कलाकार-वैज्ञानिकों के सचित्र स्कूल की ओर रुख किया, हालाँकि, संभवतः, चीन में कला की आधुनिक स्थिति के बारे में उनके विचार सीमित थे। इस जापानी स्कूल की कला को बुजिंगा (शिक्षित लोगों की कला) कहा जाता था। बुजिंगा शैली में काम करने वाले सबसे प्रभावशाली उस्तादों में से एक इकेनो टैगा (1723-1776) थे, जो एक प्रसिद्ध कलाकार और सुलेखक थे। उनकी परिपक्व शैली की विशेषता हल्के टोन और स्याही के हल्के पंखदार स्ट्रोक से भरी मोटी समोच्च रेखाएं हैं; उन्होंने काली स्याही के चौड़े, मुक्त स्ट्रोक से भी पेंटिंग की, जिसमें हवा और बारिश में झुके हुए बांस के तने को दर्शाया गया। छोटी, घुमावदार रेखाओं के साथ, उन्होंने जंगल से घिरी झील के ऊपर धुंधले पहाड़ों के चित्रण में एक उत्कीर्णन जैसा प्रभाव प्राप्त किया।
17वीं सदी ईदो काल की कला के एक और उल्लेखनीय आंदोलन को जन्म दिया। ये तथाकथित उकियो-ए (बदलती दुनिया की तस्वीरें) हैं - आम लोगों द्वारा और उनके लिए बनाई गई शैली के दृश्य। प्रारंभिक उकियो-ई क्योटो की पुरानी राजधानी में दिखाई दिए और मुख्य रूप से सुरम्य थे। लेकिन उनके उत्पादन का केंद्र जल्द ही ईदो में स्थानांतरित हो गया, और कारीगरों का ध्यान लकड़ी की नक्काशी पर केंद्रित हो गया। यूकेयो-ई के साथ वुडब्लॉक प्रिंट के घनिष्ठ संबंध ने यह गलत धारणा पैदा कर दी है कि वुडब्लॉक प्रिंट इस अवधि की खोज थे; वास्तव में, इसकी उत्पत्ति 11वीं शताब्दी में हुई थी। ऐसी प्रारंभिक छवियां प्रकृति में मन्नत थीं, जो बौद्ध धर्म के संस्थापकों और देवताओं को दर्शाती थीं, और कामाकुरा काल के दौरान, नक्काशीदार ब्लॉकों से कुछ कथात्मक स्क्रॉल पुन: प्रस्तुत किए गए थे। हालाँकि, उत्कीर्णन की कला 17वीं से 19वीं शताब्दी के मध्य की अवधि में विशेष रूप से लोकप्रिय हो गई।

उकियो-ए प्रिंट्स के विषय हँसमुख पड़ोस के सुंदर वैश्याएँ, पसंदीदा अभिनेता और नाटकों के दृश्य थे। प्रारंभिक, तथाकथित आदिम उत्कीर्णन काले रंग में, मजबूत लयबद्ध लहरदार रेखाओं के साथ निष्पादित किए गए थे, और सरल डिजाइनों की विशेषता थी। उन्हें कभी-कभी नारंगी-लाल रंग में हाथ से चित्रित किया जाता था जिसे तन-ए (चमकदार लाल पेंटिंग) कहा जाता था, जिसमें सरसों के पीले और हरे रंग के निशान होते थे। कुछ "आदिम" कलाकार उरुशू-ए नामक हाथ से पेंटिंग का उपयोग करते थे ( लाह पेंटिंग), जिसमें गोंद मिलाकर अंधेरे क्षेत्रों को बढ़ाया और चमकाया गया। 1741 या 1742 में प्रदर्शित प्रारंभिक बहुरंगी प्रिंट को बेनिज़ुरी-ई (रास्पबेरी प्रिंट) कहा जाता था और आमतौर पर तीन रंगों का उपयोग किया जाता था - गुलाबी-लाल, हरा और कभी-कभी पीला। वास्तव में बहु-रंगीन प्रिंट, पूरे पैलेट का उपयोग करते हुए और जिन्हें निशिकी-ए (ब्रोकेड छवियां) कहा जाता है, 1765 में दिखाई दिए।

व्यक्तिगत प्रिंट बनाने के अलावा, कई उत्कीर्णकों ने किताबों का चित्रण किया और किताबों और स्क्रॉल पर कामुक चित्र बनाकर पैसा कमाया। यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि उकियो-ए उत्कीर्णन में तीन प्रकार की गतिविधि शामिल थी: यह ड्राफ्ट्समैन का काम था, जिसका नाम प्रिंट बोर, कार्वर और प्रिंटर था।

हिशिकावा मोरोनोबू (सी. 1625-1694) को उकियो-ए प्रिंट बनाने की परंपरा का संस्थापक माना जाता है। इस आंदोलन के अन्य "आदिम" कलाकार कियोमासु (1694-1716) और काइगेत्सुडो समूह (कलाकारों का एक अजीब समुदाय जिसका अस्तित्व अस्पष्ट है), साथ ही ओकुमुरा मसानोबू (1686-1764) हैं।

बेनिज़ुरी-ई प्रिंट बनाने वाले संक्रमणकालीन कलाकार थे इशिकावा टोयोनोबू (1711-1785), तोरी कियोहिरो (सक्रिय लगभग 1751-1760), और तोरी कियोमित्सु (1735-1785)।

सुज़ुकी हारुनोबू (1725-1770) के कार्यों ने पॉलीक्रोम उत्कीर्णन के युग की शुरुआत की। नरम, लगभग तटस्थ रंगों से भरपूर, सुंदर महिलाओं और वीर प्रेमियों से भरे, हारुनोबू के प्रिंट एक बड़ी सफलता थे। कात्सुकावा शुन्शो (1726-1792), तोरी कीनागा (1752-1815) और कितागावा उटामारो (1753-1806) ने लगभग एक ही समय में उनके साथ काम किया। उनमें से प्रत्येक ने इस शैली के विकास में योगदान दिया; मास्टर्स ने सुंदर सुंदरियों को चित्रित करने वाली नक्काशी पूरी की प्रसिद्ध अभिनेताश्रेष्ठता के लिए। 1794-1795 में कुछ महीनों के दौरान, रहस्यमय तोसुसाई साराकू ने उस समय के अभिनेताओं के आश्चर्यजनक रूप से शक्तिशाली और स्पष्ट रूप से क्रूर चित्र बनाए।

19वीं सदी के पहले दशकों में. शैली परिपक्वता तक पहुंच गई थी और गिरावट शुरू हो गई थी। कात्सुशिका होकुसाई (1760-1849) और एंडो हिरोशिगे (1797-1858) उस युग के महानतम उस्ताद हैं, जिनका काम 19वीं शताब्दी में उत्कीर्णन की कला के पतन से जुड़ा है। और 20वीं सदी की शुरुआत में इसका नया पुनरुद्धार हुआ। दोनों मुख्य रूप से परिदृश्य चित्रकार थे जिन्होंने आधुनिक जीवन की घटनाओं को अपनी नक्काशी में दर्ज किया। नक्काशी करने वालों और मुद्रकों की तकनीक की शानदार महारत ने उत्कीर्णन में मनमौजी रेखाओं और डूबते सूरज की हल्की सी छाया या भोर में उगने वाले कोहरे को व्यक्त करना संभव बना दिया।

मीजी पुनर्स्थापना और आधुनिक काल।

अक्सर ऐसा होता है कि किसी विशेष लोगों की प्राचीन कला नामों, तिथियों और जीवित कार्यों में खराब होती है, इसलिए कोई भी निर्णय केवल बड़ी सावधानी और सशर्तता के साथ ही किया जा सकता है। हालाँकि, समकालीन कला को परखना कम कठिन नहीं है, क्योंकि हम किसी भी आंदोलन या कलाकार और उसके काम के पैमाने का सही आकलन करने के लिए ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य से वंचित हैं। जापानी कला का अध्ययन कोई अपवाद नहीं है, और अधिकतम जो किया जा सकता है वह समकालीन कला का एक चित्रमाला प्रस्तुत करना और कुछ अस्थायी प्रारंभिक निष्कर्ष निकालना है।

19वीं सदी के उत्तरार्ध में. जापानी बंदरगाहों को व्यापार के लिए फिर से खोल दिया गया और राजनीतिक परिदृश्य में बड़े बदलाव हुए। 1868 में, शोगुनेट को समाप्त कर दिया गया और सम्राट मीजी का शासन बहाल किया गया। सम्राट की आधिकारिक राजधानी और निवास को ईदो में स्थानांतरित कर दिया गया, और शहर को टोक्यो (पूर्वी राजधानी) के रूप में जाना जाने लगा।

जैसा कि अतीत में हुआ था, राष्ट्रीय अलगाव की समाप्ति ने अन्य देशों की उपलब्धियों में बहुत रुचि पैदा की। इस समय जापानियों ने विज्ञान एवं प्रौद्योगिकी के क्षेत्र में बहुत बड़ी छलांग लगाई। कलात्मक रूप से, मीजी युग (1868-1912) की शुरुआत प्रौद्योगिकी सहित हर पश्चिमी चीज़ की स्वीकृति को दर्शाती है। हालाँकि, यह उत्साह लंबे समय तक नहीं रहा, और इसके बाद आत्मसात करने का दौर आया, नए रूपों का उदय हुआ जिसमें उनकी अपनी परंपराओं और नए पश्चिमी रुझानों की ओर वापसी हुई।

उल्लेखनीय कलाकारों में कानो होगई (1828-1888), शिमोमुरा कंज़ान (1873-1916), ताकेउची सेइहो (1864-1924) और टोमिओका टेसाई (1836-1942) शामिल हैं। पहले तीन पारंपरिक जापानी शैली और विषय वस्तु का पालन करते थे, हालांकि वे मनोदशा और तकनीक में मौलिक होने का प्रयास करते थे। उदाहरण के लिए, सेहो ने क्योटो के शांत और रूढ़िवादी माहौल में काम किया। उनकी प्रारंभिक रचनाएँ प्रकृतिवादी मारुयामा शैली में बनाई गई थीं, लेकिन बाद में उन्होंने चीन में बड़े पैमाने पर यात्रा की और चीनी स्याही चित्रकला से गहराई से प्रभावित हुए। यूरोप के संग्रहालयों और प्रमुख कला केंद्रों की उनकी यात्राओं ने भी उनके काम पर छाप छोड़ी। इस समय के सभी उत्कृष्ट कलाकारों में से केवल एक टोमिओका टेसाई ही एक नई शैली विकसित करने के करीब आया था। उनके ऊर्जावान और शक्तिशाली कार्यों में खुरदुरी, मुड़ी हुई, दांतेदार रेखाओं और काली स्याही के धब्बों के साथ रंग के बारीक क्षेत्र शामिल हैं। बाद के वर्षों में, कुछ युवा तेल चित्रकार वहाँ सफल हुए जहाँ उनके दादा असफल रहे थे। इस असामान्य सामग्री के साथ काम करने के पहले प्रयास पेरिस के कैनवस की याद दिलाते थे और विशेष मूल्य या विशेष रूप से जापानी विशेषताओं में भिन्न नहीं थे। हालाँकि, अब असाधारण अपील के काम बनाए जा रहे हैं जिनमें रंग और शिष्टता की विशिष्ट जापानी भावना अमूर्त विषयों के माध्यम से चमकती है। अन्य कलाकार, अधिक प्राकृतिक और पारंपरिक स्याही के साथ काम करते हैं और कभी-कभी प्रारंभिक रूपांकन के रूप में सुलेख का उपयोग करते हुए, भूरे रंग के रंगों के साथ शानदार काले रंग में ऊर्जावान अमूर्त कार्य बनाते हैं।

जैसे ईदो काल में, 19वीं और 20वीं शताब्दी में। मूर्तिकला लोकप्रिय नहीं थी. लेकिन इस क्षेत्र में भी आधुनिक पीढ़ी के प्रतिनिधियों, जिन्होंने अमेरिका और यूरोप में अध्ययन किया, ने बहुत सफलतापूर्वक प्रयोग किए। छोटी कांस्य मूर्तियां, अमूर्त रूप में और अजीब नामों के साथ, रेखा और रंग की जापानी भावना को दर्शाती हैं, जो नरम हरे या गर्म भूरे पेटिना के उपयोग में स्पष्ट है; लकड़ी की नक्काशी सामग्री की बनावट के प्रति जापानी प्रेम की गवाही देती है।

सोसाकू हंगा, जापानी "रचनात्मक प्रिंट", केवल 20 वीं शताब्दी के पहले दशक में दिखाई दिया, लेकिन एक विशेष कला आंदोलन के रूप में इसने आधुनिक कला के अन्य सभी क्षेत्रों को पीछे छोड़ दिया। यह आधुनिक वुडब्लॉक प्रिंट, वास्तव में, पुराने ukiyo-e वुडब्लॉक प्रिंट का उत्तराधिकारी नहीं है; वे शैली, विषय और रचना के तरीकों में भिन्न हैं। कलाकारों, जिनमें से कई पश्चिमी चित्रकला से काफी प्रभावित थे, ने अपनी कलात्मक विरासत के महत्व को पहचाना और लकड़ी में अपने रचनात्मक आदर्शों को व्यक्त करने के लिए एक उपयुक्त सामग्री पाई। हैंगा मास्टर न केवल चित्रकारी करते हैं, बल्कि लकड़ी के ब्लॉकों पर चित्र भी उकेरते हैं और उन्हें स्वयं मुद्रित भी करते हैं। हालाँकि इस कला में सर्वोच्च उपलब्धियाँ लकड़ी के काम से जुड़ी हैं, सभी आधुनिक पश्चिमी उत्कीर्णन तकनीकों का उपयोग किया जाता है। पत्तियों, स्ट्रिंग और "पायी गई वस्तुओं" के साथ प्रयोग कुछ मामलों में अद्वितीय सतह बनावट प्रभाव पैदा कर सकता है। सबसे पहले, इस आंदोलन के उस्तादों को मान्यता लेने के लिए मजबूर किया गया था: आखिरकार, उकियो-ए स्कूल की सर्वोत्तम उपलब्धियों को भी बौद्धिक कलाकारों ने अनपढ़ भीड़ के साथ जोड़ा और सार्वजनिक कला माना। ओन्ची कोशिरो, हिरात्सुका यूनिची और माकावा सेनपैन जैसे कलाकारों ने प्रिंटमेकिंग के प्रति सम्मान बहाल करने और इस आंदोलन को एक योग्य शाखा के रूप में स्थापित करने के लिए बहुत कुछ किया। ललित कला. उन्होंने कई युवा कलाकारों को अपने समूह की ओर आकर्षित किया, और नक्काशी करने वालों की संख्या अब सैकड़ों में है। इस पीढ़ी के उन महारथियों में, जिन्होंने जापान और पश्चिम में पहचान हासिल की, वे हैं अज़ेची उमेटारो, मुनाकाता शिको, यामागुची जेन और सैतो कियोशी। ये ऐसे कलाकार हैं जिनकी नवीनता और निर्विवाद प्रतिभा ने उन्हें जापान के अग्रणी कलाकारों के बीच अपना उचित स्थान दिलाया है। उनके कई साथियों और अन्य युवा हंगा कलाकारों ने भी अद्भुत प्रिंट तैयार किए; तथ्य यह है कि हमने यहां उनके नामों का उल्लेख नहीं किया है, इसका मतलब यह नहीं है कि उनके काम का कम मूल्यांकन किया गया है।

सजावटी कला, वास्तुकला और उद्यान

पिछले अनुभाग मुख्य रूप से चित्रकला और मूर्तिकला से संबंधित हैं, जिन्हें अधिकांश देशों में ललित कला का मुख्य प्रकार माना जाता है। लेख के अंत में सजावटी कला और लोक शिल्प, उद्यान कला और वास्तुकला - उन रूपों को शामिल करना अनुचित हो सकता है जो जापानी कला का एक महत्वपूर्ण और अभिन्न अंग हैं। हालाँकि, वास्तुकला के संभावित अपवाद के साथ, उन्हें जापानी कला की सामान्य अवधि और शैली में बदलाव के बाहर विशेष विचार की आवश्यकता होती है।

चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन.

सजावटी के सबसे महत्वपूर्ण प्रकार अनुप्रयुक्त कलाजापान में चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन शामिल हैं। सिरेमिक कला स्वाभाविक रूप से दो श्रेणियों में आती है। बढ़िया पॉलीक्रोम इमरती, नबेशिमा और काकीमोन चीनी मिट्टी के बरतन का नाम उत्पादन के स्थानों से लिया गया था, और क्रीम या नीली-सफेद सतह पर इसकी समृद्ध पेंटिंग कुलीनता और अदालत के हलकों के लिए थी। असली चीनी मिट्टी के बरतन बनाने की प्रक्रिया जापान में 16वीं सदी के अंत या 17वीं सदी की शुरुआत में ज्ञात हुई; विषम या ब्रोकेड जैसे पैटर्न वाली चिकनी शीशे वाली प्लेटें और कटोरे, घर और पश्चिम दोनों जगह बेशकीमती हैं।

चीनी मिट्टी के बरतन के विपरीत, कम गुणवत्ता वाली मिट्टी या पत्थर के द्रव्यमान से बने मोटे व्यंजनों में, शिनो, ओरिबे और बिज़ेन की विशेषता, सामग्री पर ध्यान केंद्रित किया जाता है, सजावटी तत्वों की प्रतीत होता है लापरवाह, लेकिन विचारशील व्यवस्था। ज़ेन बौद्ध धर्म की अवधारणाओं से प्रभावित होकर, ऐसे बर्तन बौद्धिक हलकों में बहुत लोकप्रिय थे और व्यापक रूप से उपयोग किए जाते थे, खासकर चाय समारोहों में। कई कप, चायदानी और चायदानी, चाय समारोह की कला के गुण, ज़ेन बौद्ध धर्म के सार को दर्शाते हैं: सख्त आत्म-अनुशासन और सख्त सादगी। जापानी सजावटी कला के उत्कर्ष के दौरान, प्रतिभाशाली कलाकार कोरिन और केनज़न सिरेमिक उत्पादों की सजावट में लगे हुए थे। यह याद रखना चाहिए कि केनज़न की प्रसिद्धि एक चित्रकार के बजाय एक सेरेमिस्ट के रूप में उनकी प्रतिभा से अधिक जुड़ी हुई है। कुछ सबसे सरल जहाज प्रकार और तकनीकें परंपराओं से आती हैं लोक शिल्प. आधुनिक कार्यशालाएँ, पुरानी परंपराओं को जारी रखते हुए, सुंदर उत्पाद तैयार करती हैं जो उनकी सुरुचिपूर्ण सादगी से प्रसन्न होते हैं।

लाख उत्पाद.

पहले से ही 7-8 शताब्दियों में। वार्निश जापान में प्रसिद्ध था। इस समय से, बक्सों के ढक्कन संरक्षित किए गए हैं, जो लोगों की छवियों और पतली सोने की रेखाओं के साथ लगाए गए ज्यामितीय रूपांकनों से सजाए गए हैं। हम पहले ही 8वीं और 9वीं शताब्दी में मूर्तिकला के लिए सूखी वार्निश तकनीक के महत्व के बारे में बात कर चुके हैं; उसी समय और बाद में, सजावटी वस्तुएं जैसे पत्रों के लिए बक्से या धूप के लिए बक्से बनाए गए। ईदो काल के दौरान, ये उत्पाद बड़ी मात्रा में और सबसे शानदार सजावट के साथ बनाए गए थे। दोपहर के भोजन, केक, धूप और दवा के लिए शानदार ढंग से सजाए गए बक्से, जिन्हें इनरो कहा जाता है, इस समय में निहित विलासिता के धन और प्रेम को दर्शाते हैं। वस्तुओं की सतह को सोने और चांदी के पाउडर के पैटर्न, सोने की पन्नी के टुकड़ों से अलग-अलग या सीपियों, मदर-ऑफ-पर्ल, टिन और सीसा के मिश्र धातु आदि के साथ संयोजन में सजाया गया था; ये पैटर्न लाखदार लाल, काली या भूरी सतहों से भिन्न थे। कभी-कभी वार्निश के चित्र कलाकारों द्वारा बनाए जाते थे, उदाहरण के लिए कोरिन और कोएत्सु, लेकिन यह संभावना नहीं है कि उन्होंने व्यक्तिगत रूप से इन कार्यों में भाग लिया हो।

तलवारें.

जापानी, जैसा कि पहले ही कहा जा चुका है, अपने इतिहास के काफी समय तक योद्धाओं के लोग थे; आबादी के एक बड़े हिस्से के लिए हथियार और कवच को आवश्यकता माना जाता था। तलवार मनुष्य का गौरव थी; ब्लेड और तलवार के अन्य सभी हिस्सों, विशेष रूप से हैंडल (त्सुबा) दोनों को विभिन्न तकनीकों का उपयोग करके सजाया गया था। लोहे या कांसे से बने त्सुबा को सोने और चांदी की जड़ाई से सजाया जाता था, नक्काशी से ढका जाता था, या दोनों से सजाया जाता था। उन्होंने परिदृश्य या मानव आकृतियों, फूलों या हथियारों के पारिवारिक कोट (सोम) को चित्रित किया। यह सब तलवार निर्माताओं के काम का पूरक था।

कपड़े.

समृद्ध पैटर्न वाले रेशम और अन्य कपड़े, जो समृद्धि और प्रचुरता के समय में दरबार और पादरी द्वारा पसंद किए जाते थे, साथ ही लोक कला की विशेषता वाले लगभग आदिम डिजाइन वाले साधारण कपड़े भी राष्ट्रीय जापानी प्रतिभा की अभिव्यक्ति हैं। वैभवशाली जेनरोकू युग के दौरान अपने चरम पर पहुंचने के बाद, आधुनिक जापान में कपड़ा कला फिर से फली-फूली है। यह पश्चिम के विचारों और कृत्रिम रेशों को पारंपरिक रंगों और सजावटी रूपांकनों के साथ सफलतापूर्वक जोड़ता है।

उद्यान.

हाल के दशकों में, पश्चिमी जनता के इन कला रूपों के प्रति बढ़ते जोखिम के कारण जापानी उद्यानों और वास्तुकला में रुचि बढ़ी है। जापान में बगीचों का एक विशेष स्थान है; वे उच्च धार्मिक और दार्शनिक सत्य की अभिव्यक्ति और प्रतीक हैं, और ये अस्पष्ट, प्रतीकात्मक अर्थ, बगीचों की स्पष्ट सुंदरता के साथ मिलकर, पश्चिमी दुनिया की रुचि को आकर्षित करते हैं। यह नहीं कहा जा सकता कि उद्यानों के निर्माण का मुख्य कारण धार्मिक या दार्शनिक विचार थे, परंतु उद्यान की योजना बनाते और बनाते समय कलाकार-योजनाकार ऐसे तत्वों पर विचार करता था, जिनके चिंतन से दर्शक विभिन्न दार्शनिक सत्यों के बारे में सोचने के लिए प्रेरित होते थे। यहां ज़ेन बौद्ध धर्म का चिंतनशील पहलू असामान्य पत्थरों के एक समूह में सन्निहित है, टर्फ के साथ संयुक्त रेत और बजरी की लहरें, या पौधों की व्यवस्था की गई है ताकि उनके पीछे एक धारा गायब हो जाए और फिर से प्रकट हो - यह सब दर्शकों को स्वतंत्र रूप से योजनाओं को पूरा करने के लिए प्रोत्साहित करता है निर्माण के दौरान रखे गए उद्यान विचार। स्पष्ट व्याख्याओं की अपेक्षा अस्पष्ट संकेतों को प्राथमिकता देना ज़ेन दर्शन की विशेषता है। इन विचारों की अगली कड़ी बौने बोन्साई पेड़ और गमलों में लगे छोटे बगीचे हैं, जो अब पश्चिम में लोकप्रिय हैं।

वास्तुकला।

जापान के मुख्य स्थापत्य स्मारक मंदिर, मठ परिसर, सामंती महल और महल हैं। प्राचीन काल से लेकर आज तक लकड़ी ही मुख्य रही है निर्माण सामग्रीऔर में एक बड़ी हद तकडिज़ाइन सुविधाएँ निर्धारित करता है। सबसे प्राचीन धार्मिक इमारतें राष्ट्रीय जापानी धर्म शिंटो के मंदिर हैं; ग्रंथों और रेखाचित्रों को देखते हुए, वे प्राचीन आवासों की तरह, फूस की छत वाली अपेक्षाकृत सरल संरचनाएं थीं। बौद्ध धर्म के प्रसार के बाद बनाए गए और उससे जुड़े मंदिर भवन शैली और लेआउट में चीनी प्रोटोटाइप पर आधारित थे। बौद्ध मंदिर वास्तुकला समय के साथ बदलती रही, और इमारतों की सजावट और व्यवस्था विभिन्न संप्रदायों के बीच भिन्न होती गई। जापानी इमारतों को ऊंची छतों वाले विशाल हॉल और कंसोल की जटिल प्रणालियों द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, और उनकी सजावट उनके समय के स्वाद को दर्शाती है। 7वीं शताब्दी की शुरुआत में नारा के पास बने होरियूजी कॉम्प्लेक्स की सरल और राजसी वास्तुकला, असुका काल की उतनी ही विशेषता है, जितनी हूडो के अनुपात की सुंदरता और सुंदरता, उजी में "फीनिक्स हॉल", लोटस झील में परिलक्षित होती है। , हेयान काल का है। एडो काल की अधिक विस्तृत इमारतों को उन्हीं "महान सज्जाकारों" द्वारा बनाए गए बड़े पैमाने पर चित्रित स्लाइडिंग दरवाजे और स्क्रीन के रूप में अतिरिक्त सजावट मिली, जिन्होंने खाई वाले महल और सामंती महलों के अंदरूनी हिस्सों को सजाया था।

जापान की वास्तुकला और उद्यान इतनी गहराई से जुड़े हुए हैं कि उन्हें एक-दूसरे का हिस्सा माना जा सकता है। यह चाय समारोह के लिए इमारतों और उद्यान घरों के लिए विशेष रूप से सच है। उनके खुलेपन, सादगी और परिदृश्य और परिप्रेक्ष्य के साथ सावधानीपूर्वक विचार किए गए संबंध का बहुत प्रभाव पड़ता है आधुनिक वास्तुकलापश्चिम.

पश्चिम पर जापानी कला का प्रभाव

केवल एक शताब्दी के भीतर जापान की कला पश्चिम में प्रसिद्ध हो गई और उस पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। पहले संपर्क थे (उदाहरण के लिए, डच नागासाकी के बंदरगाह के माध्यम से जापान के साथ व्यापार करते थे), लेकिन 17वीं शताब्दी में जो वस्तुएं यूरोप पहुंचीं वे मुख्य रूप से लागू कला के काम थे - चीनी मिट्टी के बरतन और लाह के बर्तन। उन्हें उत्सुकता से जिज्ञासावश एकत्र किया गया और विभिन्न तरीकों से नकल की गई, लेकिन इन सजावटी निर्यातों ने जापानी कला के सार और गुणवत्ता को प्रतिबिंबित नहीं किया और यहां तक ​​कि जापानियों को पश्चिमी स्वाद का एक अप्रिय विचार भी दिया।

पहली बार पश्चिमी चित्रकला यूरोप में जापानी कला से सीधे प्रभावित हुई, वह 1862 में लंदन में विशाल अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनी के दौरान हुई थी। पांच साल बाद जब पेरिस प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया, तो जापानी वुडब्लॉक प्रिंट ने फिर से बहुत रुचि जगाई। उत्कीर्णन के कई निजी संग्रह तुरंत सामने आए। डेगास, मानेट, मोनेट, गौगुइन, वान गाग और अन्य लोगों ने जापानी रंगीन प्रिंटों को एक रहस्योद्घाटन के रूप में माना; प्रभाववादियों पर जापानी प्रिंट का हल्का लेकिन हमेशा पहचाना जाने वाला प्रभाव अक्सर देखा जाता है। अमेरिकी व्हिस्लर और मैरी कसाट उकियो-ए प्रिंट और पेंटिंग की रेखा और चमकीले रंग के धब्बों के संयम से आकर्षित हुए।

1868 में जापान को विदेशियों के लिए खोलने से सभी पश्चिमी चीजों के प्रति दीवानगी पैदा हो गई और जापानी लोग अपनी समृद्ध संस्कृति और कलात्मक विरासत से दूर हो गए। इस समय, कई खूबसूरत पेंटिंग और मूर्तियां बेची गईं और पश्चिमी संग्रहालयों और निजी संग्रहों में समाप्त हो गईं। इन वस्तुओं की प्रदर्शनियों ने पश्चिम को जापान से परिचित कराया और जापान की यात्रा में रुचि जगाई। सुदूर पूर्व. बेशक, द्वितीय विश्व युद्ध के अंत में अमेरिकी सैनिकों द्वारा जापान पर कब्ज़ा करने से जापानी मंदिरों और उनके खजानों के बारे में अधिक जानने और जानने के लिए पहले से कहीं अधिक अवसर खुल गए। यह रुचि अमेरिकी संग्रहालयों में उपस्थिति में परिलक्षित हुई। आम तौर पर पूर्व में रुचि जापानी कला के कार्यों की प्रदर्शनियों के आयोजन से जगी, जिन्हें जापानी सार्वजनिक और निजी संग्रहों से चुना गया और अमेरिका और यूरोप में लाया गया।

हाल के दशकों में वैज्ञानिक अनुसंधान ने इस धारणा का खंडन करने के लिए बहुत कुछ किया है कि जापानी कला केवल चीनी कला का प्रतिबिंब है, और अंग्रेजी में कई जापानी प्रकाशनों ने पश्चिम को पूर्व के आदर्शों से परिचित कराया है।

जापान एक बहुत ही दिलचस्प राज्य है, जो विभिन्न प्रकार की परंपराओं और रीति-रिवाजों के लिए जाना जाता है। भौगोलिक स्थितिउगते सूरज के देश ने इसे अन्य राज्यों से कुछ हद तक अलग-थलग कर दिया, जिसकी बदौलत यह यूरोपीय देशों की परवाह किए बिना विकसित हुआ। जापान की संस्कृति अत्यंत समृद्ध और विविध है। ऐतिहासिक रूप से महत्वपूर्ण घटनाओं के प्रभाव में अद्वितीय जापानी परंपराओं का निर्माण हुआ। जापान धीरे-धीरे विशिष्ट विशेषताओं और जनसंख्या की एक निश्चित मानसिकता के साथ एक शक्तिशाली, एकजुट राज्य में बदल गया।

जापानी संस्कृति के बुनियादी पहलू

देश की संस्कृति समाज के कई क्षेत्रों में प्रकट होती है। जापान में इसके पहलू हैं;

जापानियों के लिए, चाय पीने की प्रक्रिया शरीर की शारीरिक आवश्यकताओं की साधारण संतुष्टि नहीं है, बल्कि एक वास्तविक पंथ है। जापान में चाय समारोह विशेष विशेषताओं के साथ होता है और इसमें बहुत सारी परंपराएँ शामिल होती हैं। ऐसा प्रतीत होता है कि रोजमर्रा की प्रक्रिया के प्रति इस तरह का श्रद्धापूर्ण रवैया बौद्ध भिक्षुओं के ध्यान से विकसित हुआ है। वे ही हैं जिन्होंने चाय पीने की प्रक्रिया को इतना महत्व दिया।

यूरोपीय लोगों के लिए, "किमोनो" की अवधारणा जापान के राष्ट्रीय परिधान की विशेषता है। हालाँकि, देश में ही उगता सूरजइस शब्द के दो अर्थ हैं-संकीर्ण और व्यापक अर्थ में. जापान में "किमोनो" शब्द का अर्थ केवल इतना ही नहीं है राष्ट्रीय कॉस्टयूम, लेकिन सामान्य तौर पर सभी कपड़े भी। किमोनो के तहत, एक नियम के रूप में, एक विशेष वस्त्र और सात बेल्ट पहने जाते हैं। गर्मियों में पहने जाने वाले किमोनो को युक्ता कहा जाता है। महिला की उम्र के आधार पर कपड़ों का मॉडल अलग-अलग हो सकता है।

जापान में, दो धार्मिक आंदोलनों का एक साथ सफलतापूर्वक प्रचार किया जाता है - शिंटोवाद और बौद्ध धर्म। शिंटोवाद प्राचीन जापान में प्रकट हुआ, यह विभिन्न प्राणियों की पूजा पर आधारित है। बदले में, बौद्ध धर्म कई किस्मों में विभाजित है। जापान में बौद्ध धर्म के किसी न किसी आंदोलन को बढ़ावा देने वाले कई स्कूल हैं।

जापानी संस्कृति में रॉक गार्डन का विशेष महत्व है। वे न केवल एक वास्तुशिल्प रचना हैं जो पर्यटकों का ध्यान आकर्षित करती हैं, बल्कि आध्यात्मिक विकास का स्थान भी हैं। यहां जापानियों को एक विशेष क्रम में व्यवस्थित पत्थर की संरचनाओं पर विचार करने से ज्ञान मिलता है। रॉक गार्डन में एक विशिष्ट डिज़ाइन शामिल होता है जिसे केवल एक प्रबुद्ध व्यक्ति ही सुलझा सकता है।

टैंगो नो सेक्कू लड़कों का उत्सव है। यह न केवल सभी छोटे पुरुष प्रतिनिधियों को, बल्कि संपूर्ण जापानी लोगों की मर्दानगी और ताकत को भी समर्पित है। वसंत ऋतु में छुट्टियाँ मनाने की प्रथा है, जब प्रकृति जागती है और अपनी सुंदरता से प्रसन्न होती है। टैंगो नो सेक्कू दिवस पर, लड़कों की देखभाल उनके माता-पिता द्वारा की जाती है। एक पिता को अपने बेटे को सभी जापानी योद्धाओं और उनके कारनामों के बारे में बताना चाहिए। और उसकी माँ उसके लिए स्वादिष्ट भोजन की मेज़ लगाती है।

चेरी ब्लॉसम को सबसे खूबसूरत प्राकृतिक घटना माना जाता है। कई पर्यटक फूलों के पौधे के चिंतन का आनंद लेने के लिए यहां आते हैं। वसंत ऋतु में जापानी पार्कों में लोगों की भारी भीड़ देखी जा सकती है। कई परिवार पिकनिक पर जाते हैं और जापानी चेरी के पेड़ों की सुंदरता देखते हैं।

देश की अनोखी परंपराओं में से एक है झुकना भी शामिल है। वे अच्छे आचरण के नियमों का पालन करते हैं। जापानियों के लिए अलविदा कहने की प्रथा नहीं है, इसके बजाय, वे उतनी ही बार झुकते हैं जितनी बार वार्ताकार ने किया।

समुराई समाज के एक निश्चित वर्ग का प्रतिनिधित्व करते हैं, जिसका गठन परंपराओं और रीति-रिवाजों के प्रभाव में हुआ था। इसका सीधा संबंध देश की संस्कृति से है। समुराई ऐसे योद्धा हैं जो एक निश्चित सेवा करते हैं, जो सैन्य, सुरक्षा या घरेलू हो सकती है। इनमें से किसी भी मामले में, समुराई जापानी लोगों की बहादुरी, पुरुषत्व और बड़प्पन का प्रतिनिधित्व करते हैं।

प्राचीन जापान की संस्कृति के निर्माण की प्रक्रिया

प्राचीन जापान की संस्कृति का विकास जापानी भाषा और लेखन के जन्म के साथ शुरू हुआ। उगते सूरज की भूमि ने इसके लिए आधार चीन से उधार लिया था। जापानी लेखन में चित्रलिपि भी होती है, जिसे आप समझ सकते हैं एक विदेशी नागरिक कोसंभव नहीं होगा. कुछ देर बाद अंदर जापानीनए शब्द, ध्वनियाँ और वाक्यांश जोड़े जाने लगे। तो यह पूरी तरह से बदल गया था, लेकिन चीन के साथ सामान्य विशेषताओं का अभी भी पता लगाया जा सकता है।

देश की धार्मिकता भी प्राचीन काल से चली आ रही है। शिंटोवाद विभिन्न पौराणिक कथाओं के विकास का परिणाम था। फिलहाल, यह शिक्षा नेताओं और मृत लोगों के पंथ को बढ़ावा देती है। बौद्ध धर्म की जड़ें इतनी गहरी हैं कि इस प्रकार के धर्म के उद्भव के बारे में वैज्ञानिकों और इतिहासकारों की राय बहुत भिन्न है।

जापानी कला

जापान में प्रचलित लगभग सभी प्रकार की कलाओं में एक मुख्य विचार होता है - शांति और विश्राम। सूचना प्रस्तुत करने की विधि की परवाह किए बिना, यह स्वयं के साथ व्यक्ति का सामंजस्य है जिसमें कला शामिल है। दुनिया भर में ज्ञात कई प्रकार की कलाओं का विकास जापान में शुरू हुआ। उनमें से हम ओरिगामी को उजागर कर सकते हैं - कागज से विभिन्न आकृतियों को मोड़ने की क्षमता।

जापानी कला का एक अन्य लोकप्रिय हिस्सा इकेबाना है। यह विशेष तकनीक का उपयोग करके फूलों के गुलदस्ते बनाने का कौशल है। यहीं से बोन्साई नामक एक समान रूप से लोकप्रिय गतिविधि आई। यह बौने वृक्षों से विभिन्न रचनाओं का निर्माण है। ओमिया में, टोक्यो से ज्यादा दूर नहीं, एक पूरा बोनसाई पार्क है। यहां प्रस्तुत प्रत्येक बौना पेड़ अपने तरीके से अद्वितीय और सुंदर है।

जापानी पेंटिंग विशेष महत्व की हकदार है, क्योंकि प्रत्येक पेंटिंग एक छिपा हुआ अर्थ रखती है। एक नियम के रूप में, चमकीले रंग, विपरीत बदलाव और स्पष्ट रेखाओं का उपयोग डिज़ाइन के रूप में किया जाता है। जापान में सुलेख कला भी है। यह सौंदर्य की दृष्टि से चित्रलिपि लिखने का कौशल है। जापान में व्यावहारिक कला भी व्यापक है। टोक्यो में इस शिल्प को समर्पित एक संपूर्ण संग्रहालय है। यहां आप कागज, कांच या धातु से बने उत्पाद देख सकते हैं। और यह इस उद्देश्य के लिए उपयोग की जाने वाली सामग्रियों की पूरी सूची नहीं है।

इंटीरियर डिजाइन की जापानी शैली भी विशेष ध्यान देने योग्य है। इसमें निष्पादन की मौलिकता के साथ-साथ कार्यक्षमता और सरलता भी शामिल है। इसके अलावा, जापानी कला के किसी भी अन्य रूप की तरह, इंटीरियर डिजाइन में एक धार्मिक दर्शन होता है।

जापान की वास्तुकला

जापान में स्थापत्य संरचनाएं किसी न किसी रूप में धर्म से जुड़ी हुई हैं। सबसे पहले, मंदिर की इमारतें अक्सर फूलों से रहित होती थीं। ऐसा निर्माण में बिना रंगी हुई लकड़ी के उपयोग के कारण था। बाद में उन्होंने लाल और नीले रंगों का उपयोग करना शुरू कर दिया।

जापान में वास्तुशिल्प भवनों के लिए लकड़ी को मुख्य सामग्री माना जाता है। यह इस तथ्य के कारण है कि देश में इस संसाधन का भंडार काफी बड़ा है। इस तथ्य के अलावा कि लकड़ी अच्छी तरह से गर्मी का संचालन करती है और नमी को अवशोषित करती है, यह भूकंप के दौरान भी व्यावहारिक है, जो जापान में अक्सर होता है। यदि पत्थर का घर नष्ट होने के बाद दोबारा बनाना बहुत कठिन है, तो लकड़ी का घर बनाना बहुत आसान है।

जापानी वास्तुकला की मुख्य विशेषता समता की उपस्थिति है ज्यामितीय आकार. अधिकतर, ये त्रिभुज और आयत होते हैं। किसी भी संरचना में चिकनी और गोल रेखाएँ ढूँढना लगभग असंभव है। मुख्य सिद्धांत जिस पर जापानी अपने घरों की व्यवस्था करते हैं वह घर के अंदर और बाहर का अविभाज्य अस्तित्व है। यह जापानी उद्यानों पर लागू होता है। इन्हें बिल्कुल घर की तरह ही सजाया जाना चाहिए। अन्यथा, इसे खराब रूप और पूर्ण रूप से खराब स्वाद माना जाता है। जापानी अपने बगीचों पर विशेष ध्यान देते हैं।

जापानी संगीत

के अनुसार संगीत विकासजापान किसी भी संगीत वाद्ययंत्र का उपयोग करने के लिए अन्य देशों की ओर देखता था। लेकिन बाद में उन्होंने स्थानीय स्वाद और परंपराओं के प्रभाव में उनका आधुनिकीकरण किया। जापान में शास्त्रीय संगीत के निर्माण को सबसे पहले प्रभावित करने वाला डेंगाकु का स्थानीय लोकगीत था, जिसने विदेशी प्रभावों के साथ मिश्रित होकर उस संगीत को जन्म दिया जो वर्तमान में जापान से परिचित है।

मुद्दे के धार्मिक पक्ष ने भी संगीत की उत्पत्ति में अपना योगदान दिया। ईसाई धर्म के लिए धन्यवाद, ऑर्गन बजाना फैलना शुरू हुआ। और बौद्ध धर्म ने बांसुरी बजाने को बढ़ावा दिया।

वर्तमान में, शास्त्रीय संगीत ने जापान में लोकप्रियता हासिल की है। इस रचनात्मक सेल के कई प्रतिनिधि जापान में विदेश यात्रा करते हैं। इनमें गोटो मिदोरी, ओज़ावा सेइजी और उचिदा मित्सुको शामिल हैं। अपेक्षाकृत हाल ही में, शास्त्रीय संगीत को आरामदायक सुनने के लिए डिज़ाइन किए गए हॉल जापान में खोले गए। इनमें कियो हॉल, ओसाका सिम्फनी हॉल, ऑर्चर्ड आदि शामिल हैं।

जापान की घरेलू परंपराएँ

जापानी एक अच्छे व्यवहार वाले लोग हैं जो अपनी परंपराओं और रीति-रिवाजों का पालन करते हैं। जापान में अपने और दूसरों के साथ सम्मानपूर्वक व्यवहार करना आदर्श माना जाता है। बचपन से ही बच्चों को अच्छे संस्कार सिखाये जाते हैं, उन्हें जापानी लोगों के बुनियादी मूल्यों के बारे में समझाया जाता है और उन्हें हर संभव तरीके से शिक्षित किया जाता है। और इससे समाज को लाभ होता है। कोई भी पर्यटक जो दूसरे देश से उगते सूरज की भूमि पर आता है, यह देखकर आश्चर्यचकित रह जाता है कि जापानी कितने मिलनसार, मैत्रीपूर्ण और अच्छे व्यवहार वाले हैं।

भिन्न यूरोपीय देशजापान में लंबे समय से सार्वजनिक स्थानों पर धूम्रपान पर प्रतिबंध है। यह बात निजी संपत्ति पर भी लागू होती है. अन्य लोगों के पास धूम्रपान करने की अनुमति केवल तभी दी जाती है जब उन्होंने अपनी सहमति दी हो।

अन्य बातों के अलावा, जापानी स्वच्छता के उन सभी नियमों का सख्ती से पालन करते हैं जो समाज उन्हें निर्धारित करता है। उदाहरण के लिए, धार्मिक भवनों सहित किसी भी कमरे में, विशेष पुआल मैट होते हैं। आप उन पर जूते पहनकर नहीं चल सकते; उन्हें न केवल आंतरिक सजावट माना जाता है, बल्कि एक वास्तविक अपवित्रीकरण भी माना जाता है। इसके अलावा, जापानियों ने खुद को उन संभावित बैक्टीरिया से बचाने का फैसला किया जो वे अपने पैरों पर शौचालय से लाते हैं। किसी भी सार्वजनिक स्थान और अपार्टमेंट में शौचालय के लिए विशेष चप्पलें होती हैं, जो हानिकारक कीटाणुओं को दूसरे कमरों में स्थानांतरित नहीं होने देती हैं।

जापानियों के लिए, खाना जीवन की एक प्रक्रिया नहीं, बल्कि एक वास्तविक पंथ माना जाता है। खाने से पहले, जापानी हमेशा अपने हाथों को पानी से सिक्त एक विशेष तौलिये से पोंछते हैं, जिसे ओशिबोरी कहा जाता है। टेबल सेटिंग किसी यादृच्छिक क्रम में नहीं, बल्कि एक विशेष पैटर्न के अनुसार होती है। यहां तक ​​कि प्रत्येक उपकरण का अपना स्थान होता है। जापानी इन्हें नर और मादा में बांटते हैं और यह उनके लिए बहुत महत्वपूर्ण है। जापान में, चम्मच का उपयोग केवल ओ-ज़ोनी सूप खाने के लिए किया जाता है, जो नए साल के लिए तैयार किया जाता है, जापानी बाकी पहले पाठ्यक्रमों को विशेष रूप से विशेष कटोरे से पीना पसंद करते हैं। इसके अलावा, भोजन के दौरान अपने होठों को थपथपाना बुरा व्यवहार नहीं माना जाता है। ऐसा माना जाता है कि इस तरह से पकवान का स्वाद बेहतर तरीके से सामने आता है।

जापान में अच्छे शिष्टाचार की प्रासंगिकता निम्नलिखित नियमों से सिद्ध होती है:

• बैठक के स्थान और समय पर पहले से चर्चा करना आवश्यक है। जापान में देर से आना शालीनता की सीमा से परे अशिष्टता माना जाता है।
• आप अपने वार्ताकार को बीच में नहीं रोक सकते; आपको उस व्यक्ति के बोलने के लिए धैर्यपूर्वक प्रतीक्षा करनी होगी, फिर अपनी राय व्यक्त करना शुरू करना होगा।
• यदि आप गलत नंबर पर कॉल करते हैं, तो आपको माफी मांगनी होगी।
• अगर कोई आपकी मदद के लिए आया है तो आपको उसे धन्यवाद जरूर देना चाहिए।
• जापानियों के कुछ अतिथियों को मानद माना जा सकता है। उन्हें मेज पर एक विशेष स्थान भी आवंटित किया जाता है, जो एक नियम के रूप में, कमरे के प्रवेश द्वार से सबसे दूर स्थित होता है।
• जापानी लोगों को उपहार देते समय, आपको विनम्र होने के लिए माफी मांगनी चाहिए, चाहे वह किसी भी चीज़ का प्रतिनिधित्व करता हो। ये नियम हैं, इन्हें नहीं तोड़ना चाहिए.
• खाने की मेज पर बैठते समय पुरुष अपने पैरों को क्रॉस करके बैठ सकते हैं, लेकिन महिलाओं को ऐसा करना सख्त मना है। पैरों को एक दिशा में मोड़कर रखना चाहिए।

जापान में रोजमर्रा की जिंदगी की परंपराओं में वृद्ध लोगों का सम्मान भी शामिल है। इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि किसी व्यक्ति का पेशा, आय, रूप-रंग या चरित्र लक्षण क्या हैं, यदि वह बड़ा है, तो उसके साथ सम्मानपूर्वक व्यवहार किया जाना चाहिए। जापान में वृद्धावस्था सम्मान और गौरव का भाव जगाती है। इसका मतलब है कि वह व्यक्ति गुजर चुका है लंबी दौड़और अब वह सम्मान का पात्र है।

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नमस्कार, प्रिय पाठकों - ज्ञान और सत्य के अन्वेषक!

आज हम आपको प्राचीन जापान की सुंदरता को छूने और कला के बारे में बात करने के लिए आमंत्रित करते हैं। नीचे दिए गए लेख में हम संक्षेप में इतिहास के उन चरणों को देखेंगे जिन्होंने जापानी कला के निर्माण को प्रभावित किया, और फिर हम इसके प्रत्येक घटक पर अधिक विस्तार से ध्यान देंगे। आप न केवल पारंपरिक प्रकारों की विशेषताओं के बारे में जानेंगे, उदाहरण के लिए, वास्तुकला, चित्रकला, बल्कि युद्ध की कला, लघुचित्र, थिएटर, पार्क और भी बहुत कुछ के बारे में।

तो, लेख दिलचस्प होने का वादा करता है, और सबसे महत्वपूर्ण - शैक्षिक!

ऐतिहासिक काल

उगते सूरज की भूमि में एक अनूठी संस्कृति है, जो पारंपरिक मूल इमारतों और मंदिरों, चित्रों, मूर्तियों, आभूषणों, उद्यानों और साहित्यिक कार्यों में सन्निहित है। हाल की शताब्दियों में, वुडकट्स, कविता, ओरिगेमी, बोन्साई, इकेबाना और यहां तक ​​कि मंगा और एनीमे जैसी गैर-तुच्छ दिशाएं लोकप्रियता हासिल कर रही हैं। इन सभी को विकसित होने में काफी समय लगा, जो प्राचीन काल से चला आ रहा है।

पिछली शताब्दी की शुरुआत तक इस समय के बारे में बहुत कम जानकारी थी, क्योंकि जापान बाकी दुनिया के लिए एक बंद देश था। हालाँकि, तब से, कई अध्ययन किए गए हैं, जिनमें से पुरातात्विक खोज अद्भुत हैं। वे दिखाते हैं कि ईसा पूर्व दूसरी सहस्राब्दी में पहले से ही एक सांस्कृतिक जापानी समाज था, और आदिम जनजातियाँ 15-12 हजार साल पहले द्वीपों पर रहती थीं।

जापानी संस्कृति ईसा पूर्व चौथी सहस्राब्दी के आसपास आकार लेना शुरू कर दिया था, लेकिन मध्य युग में अपने विकास के चरम पर पहुंच गई - 6ठी से 18वीं शताब्दी तक।

प्राचीन जापानी इतिहास प्रागैतिहासिक काल से शुरू होता है और 8वीं-9वीं शताब्दी में हेयान चरण के साथ समाप्त होता है, हालांकि कई शोधकर्ता यहां बाद के काल को भी शामिल करते हैं। इस संबंध में, तीन बड़े चरणों को प्रतिष्ठित किया जाता है, जो बदले में, छोटी अवधियों में विभाजित होते हैं, या जिदाई. उनमें से प्रत्येक की विशेषता नए उत्पादों, संरचनाओं और शैलियों का उद्भव है।

1. आदिम सांप्रदायिक व्यवस्था

जापान में आदिम समाज नवपाषाण युग के दौरान अस्तित्व में था, जब लोगों ने पहले पत्थर के उपकरण विकसित किए, और जोमोन और यायोई काल के दौरान भी। ऐसा माना जाता है कि जोमोन 10वीं सहस्राब्दी से चौथी शताब्दी ईसा पूर्व तक रहा। फिर पहले सिरेमिक उत्पाद दिखाई देने लगे, जिनका पूरे युग के समान नाम था - जोमोन।

जोमोन युग का मिट्टी का बर्तन

ये बर्तन आकार में विषम थे और इनमें पारंपरिक मुड़ी हुई रस्सी के डिज़ाइन थे। ऐसा माना जाता है कि इनका उपयोग विभिन्न अनुष्ठानों और समारोहों में किया जाता था। उसी समय, विभिन्न प्रकार के गहने दिखाई दिए - मिट्टी, जानवरों के दांत, गोले, पत्थर और क्रिस्टल से बने झुमके, कंगन और हार।

जोमोन काल की मिट्टी से बनी बालियाँ और कंगन

तीसरी शताब्दी ईसा पूर्व में, यायोई युग शुरू हुआ, जो छह शताब्दियों तक चला। तब स्थानीय निवासीचावल की फसल उगाना सीखा, अपनाया कृषि, चीनी मिट्टी के शिल्प में महारत हासिल करना जारी रखा, और धातुओं को गलाना भी शुरू कर दिया, जिनमें सबसे महत्वपूर्ण लोहा था, तांबे से हथियार और कांस्य से घंटियाँ बनाईं।

कांस्य डोटाकु घंटी, यायोई युग का अंत

• राज्य का गठन चौथी से आठवीं शताब्दी तक जापानी राज्य का गठन शुरू हुआ। इस समय को कोफुन और यमातो काल के नाम से जाना जाता है। फिर देश में दफन टीलों का एक पूरा नेटवर्क दिखाई दिया, और जापान ने अनिवार्य रूप से धर्म को अपनाना शुरू कर दिया - और इसके साथ - वास्तुकला और मूर्तिकला, युग की सबसे महत्वपूर्ण इमारत होरीयू-जी द्वारा प्रस्तुत की गई एक पाँच-स्तरीय शिवालय। टीलों के पास "हनीवा" नामक विशेष मिट्टी की मूर्तियाँ स्थापित की जाने लगीं।

होरीयू-जी, जापान

• कानूनों की स्थापना यह चरण नारा (8वीं शताब्दी) और हेयान (8वीं-12वीं शताब्दी के अंत) काल पर पड़ता है। उस समय, जापानी अपने पड़ोसियों के और भी करीब आ गए - चीनी और कोरियाई, बौद्ध अवधारणा के साथ-साथ कन्फ्यूशियस और ताओवादी भी उधार लिए, धातु प्रसंस्करण तकनीकों, इमारतों के निर्माण और डिजाइन के तरीकों, वास्तुकला में नए रुझानों को अपनाया विशेष रूप से बदला गया - सरल शिंटो मंदिरों को भारतीय जैसे बहु-स्तरीय बौद्ध स्तूपों से बदल दिया गया। आम लोगों के घरों में, नंगी धरती के बजाय, फर्श पर लकड़ी के तख्ते दिखाई देते थे, और शीर्ष पर सरू की छतें दिखाई देती थीं।

जापान में नारा काल का चित्रण

यदि हम बाद के समय के बारे में बात करें, तो हम कई और अवधियों और उनकी मुख्य सांस्कृतिक विशेषताओं को अलग कर सकते हैं:

• काराकुम (XII-XIV सदियों) - समुराई और मार्शल आर्ट का उद्भव;
• सेनगोकू और जिदाई (XV-XVI सदियों) - पूर्व की दुनिया में यूरोपीय विस्तार का समय, जिसके दौरान ईसाई धर्म और पश्चिमी सांस्कृतिक रुझान उगते सूरज की भूमि में भी प्रवेश कर गए;
• ईदो (XVII-XIX सदियों) - प्रसिद्ध टोकुगावा परिवार का शासन, जापान के अलगाव और सांस्कृतिक पहचान के विकास की विशेषता।

बाद में जो कुछ भी हुआ वह नया युग और आधुनिकता है, और अब, निस्संदेह, अपेक्षाकृत बंद जापान में भी, किसी प्रकार का सांस्कृतिक वैश्वीकरण हो रहा है - पश्चिमी स्वामी के अनुभव को अपनाया जा रहा है, और पश्चिम में, बदले में, जापानी रूपांकनों को अपनाया जा रहा है फैशनेबल होते जा रहे हैं. हालाँकि, जापानी कला में हमेशा एक विशेष स्वाद और अद्वितीय विशेषताएं रही हैं।

सरलता, मनुष्य के साथ आनुपातिकता, संक्षिप्तता, प्राकृतिक सामग्री, प्रकृति के साथ एकता - इस तरह कोई प्राचीन और आधुनिक दोनों तरह की जापानी उत्कृष्ट कृतियों को चित्रित कर सकता है।

चित्रकारी

जापान, जैसा कि आप जानते हैं, लंबे समय तक अलग खड़ा था, इसकी सीमाएँ अन्य देशों के लिए बंद थीं। जब, 7वीं शताब्दी के आगमन के साथ, जापानियों ने अपने पड़ोसियों के साथ तेजी से संवाद करना और महाद्वीपीय दुनिया के साथ संबंध स्थापित करना शुरू किया, तो उन्होंने पेंट, चर्मपत्र, स्याही और उनके साथ ललित कला की खोज की।

सबसे पहले, यह अपनी अत्यधिक सादगी और संक्षिप्तता से प्रतिष्ठित था: साधारण छवियां काले या सफेद कागज पर बनाई जाती थीं, आमतौर पर तीन रंगों में से एक में - पीला, हरा या लाल। हालाँकि, धीरे-धीरे स्थानीय चित्रकारों का कौशल बढ़ता गया और इसका मुख्य कारण बुद्ध की शिक्षाओं का प्रसार था, क्योंकि शिक्षक और उनके छात्रों के जीवन से अधिक से अधिक नई पेंटिंग बनाई गईं।

प्राचीन जापान में बौद्ध विषयों पर चित्र

9वीं शताब्दी तक, जापान ने पहले ही चित्रकला की अपनी शाखा बना ली थी, जो चीनियों से स्वतंत्र थी। इसी समय, बौद्ध धर्म की भूमिका कमजोर पड़ने लगी और धार्मिक उद्देश्यों का स्थान तथाकथित धर्मनिरपेक्ष, यानी धर्मनिरपेक्ष लोगों ने ले लिया, जो तोकुगावा परिवार के शासनकाल के दौरान विशेष रूप से लोकप्रिय थे।

टोकुगावा राजवंश के शोगुन

कैगा, जैसा कि जापानी लोग पेंटिंग कहते हैं, ने पूरी तरह से अलग-अलग रूप और शैलियाँ अपनाईं और प्रकृति ने इसमें एक महत्वपूर्ण स्थान ले लिया। तब से, पेंटिंग नए रूपों में सामने आई है:

• यमातो-ए चित्रकारों का प्रमुख विद्यालय है। इसकी उत्पत्ति 9वीं-10वीं शताब्दी में हुई थी और इसे सम्राट के अधीन कला अकादमी द्वारा समर्थित किया गया था। कृतियों में मुड़े हुए स्क्रॉल थे, जिनमें साहित्यिक विषयों को कुशल सुलेख के साथ दर्शाया गया था। स्क्रॉल के दो मुख्य प्रकार थे: इमाकिमोनो - कई मीटर लंबे, क्षैतिज रूप से मुड़े हुए और अक्सर एक मेज पर देखे जाने वाले, और काकीमोनो - लंबवत रूप से मुड़े हुए और दीवार पर लटके हुए। आमतौर पर रेशम या कागज को यमातो-ए शैली में चमकीले ढंग से चित्रित किया जाता था, लेकिन बाद में सिरेमिक व्यंजन, राष्ट्रीय कपड़े, पंखे, दीवारें और स्क्रीन का उपयोग कैनवास के रूप में तेजी से किया जाने लगा। मन की स्थिति को व्यक्त करने पर विशेष ध्यान दिया गया।
• सुमी-ए - एक स्वतंत्र शैली के रूप में, 14वीं शताब्दी के आसपास बनाई गई थी। इसकी विशेषताएँ जल रंग और काले तथा सफेद रंगों का प्रयोग है।
• 13वीं-14वीं शताब्दी में पोर्ट्रेट लोकप्रिय हो गए।
• लैंडस्केप - 14वीं-15वीं शताब्दी में लोकप्रियता हासिल की, जिसका मुख्य कारण पूरे देश में ज़ेन बौद्ध धर्म का प्रसार था, जो चिंतन और प्रकृति के साथ एकता के विचार पर आधारित है।
• उकियो-ए गोलियों पर एक विशिष्ट चमकीली पेंटिंग है। यह 17वीं शताब्दी में सामने आया और इसमें प्रकृति, प्रसिद्ध जापानी गीशा या काबुकी थिएटर कलाकारों की छवियां शामिल थीं। एक सदी बाद, यह प्रवृत्ति इतनी लोकप्रिय हो गई कि इसने यूरोपीय लोगों का भी दिल जीत लिया - उन्होंने इस शैली को अपने कार्यों में लागू करना शुरू कर दिया।

पारंपरिक उकियो-ए उत्कीर्णन

वास्तु दिशा

प्रारंभ में, जापानी वास्तुकला प्राचीन पारंपरिक घरों - हनीवा के निर्माण तक ही सीमित थी। वे चौथी शताब्दी से पहले बनाए गए थे, और उनकी उपस्थिति का अंदाजा केवल जीवित लघु मिट्टी के मॉडल और चित्रों से ही लगाया जा सकता है, क्योंकि वे आज तक जीवित नहीं हैं।

आम लोगों का जीवन और रोजमर्रा की जिंदगी यहीं हुई। ये एक प्रकार के डगआउट थे, जो शीर्ष पर पुआल की छतरी से ढके हुए थे। इसे विशेष लकड़ी के तख्ते द्वारा समर्थित किया गया था।

बाद में, ताकायुका दिखाई दिया - अन्न भंडार का एक एनालॉग। उनमें विशेष समर्थन बीम भी शामिल थे, जिससे फसल को प्राकृतिक आपदाओं और कीटों से बचाना संभव हो गया।

लगभग उसी समय, पहली-तीसरी शताब्दी में, प्रकृति की शक्तियों का संरक्षण करने वाले देवताओं के सम्मान में प्राचीन शिंटो धर्म के मंदिर दिखाई देने लगे। वे अक्सर अनुपचारित और अप्रकाशित सरू से बनाए जाते थे और उनका संक्षिप्त आयताकार आकार होता था।

छप्पर या देवदार की छत विशाल थी, और संरचनाएँ स्वयं मंडपों से घिरे खंभों पर बनाई गई थीं। शिंटो मंदिरों की एक अन्य विशेषता प्रवेश द्वार पर यू-आकार का द्वार है।

शिंटो में, नवीकरण का एक नियम है: हर बीस साल में मंदिर नष्ट हो जाता था, और लगभग बिल्कुल वैसा ही, लेकिन नया, उसी स्थान पर बनाया जाता था।

ऐसा सबसे प्रसिद्ध मंदिर इसे कहा जाता है। इसे पहली बार पहली सहस्राब्दी की शुरुआत में बनाया गया था और परंपरा के अनुसार, इसका लगातार पुनर्निर्माण किया गया था। इसे दो समान परिसरों से मिलकर बना है जो एक दूसरे से थोड़ा अलग स्थित हैं: पहला सूर्य की शक्तियों को समर्पित है, दूसरा उर्वरता के देवता को समर्पित है।

छठी शताब्दी से, चीन और कोरिया से आई बौद्ध शिक्षाएं उगते सूरज की भूमि में फैलनी शुरू हुईं, और इसके साथ ही बौद्ध मंदिरों के निर्माण के सिद्धांत भी। सबसे पहले उन्होंने चीनी प्रतियां प्रस्तुत कीं, लेकिन बाद में मंदिर वास्तुकला में एक विशेष, वास्तव में जापानी शैली का पता लगाया जाने लगा।

संरचनाएँ विषम रूप से बनाई गई थीं, मानो प्रकृति के साथ विलीन हो रही हों। संक्षिप्तता और रूपों की स्पष्टता, पत्थर की नींव से जुड़ा एक लकड़ी का फ्रेम, कई स्तरों में पगोडा, बहुत चमकीले रंग नहीं - यही उस समय के अभयारण्यों को अलग करता है।

उनमें से कई आज तक जीवित हैं। स्थापत्य स्मारकों में प्रसिद्ध स्वर्ण मंदिर और 40 अन्य इमारतों के साथ 7वीं सदी की शुरुआत का होरियू-जी, नारा शहर में 8वीं सदी के मध्य का टोडाई-जी शामिल है, जिसे अभी भी ग्रह पर सबसे बड़ी लकड़ी की संरचना माना जाता है। साथ ही, बौद्ध वास्तुकला मूर्तिकला और चित्रकला के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ी हुई है, जो शिक्षक के जीवन से देवताओं और रूपांकनों को दर्शाती है।

तोदाई-जी मंदिर

12वीं-13वीं शताब्दी के मोड़ पर, राज्य में सामंतवाद शुरू हुआ और इसलिए शिंदेन शैली, जो अपनी धूमधाम से प्रतिष्ठित थी, लोकप्रिय हो गई। इसे सीन शैली द्वारा प्रतिस्थापित किया गया, जिसमें सादगी और कुछ अंतरंगता का प्रभुत्व है: दीवारों के बजाय लगभग भारहीन स्क्रीन हैं, फर्श पर मैट और टाटामी हैं।

इसी समय, स्थानीय सामंतों के महल और मंदिर दिखाई देने लगे। इस प्रकार की संरचना की उत्कृष्ट कृतियाँ 14वीं शताब्दी के प्रसिद्ध किंकाकु-जी या स्वर्ण मंडप हैं, साथ ही 15वीं शताब्दी के जिन्काकु-जी, जिन्हें रजत मंदिर के रूप में भी जाना जाता है।

जिन्काकु-जी मंदिर (स्वर्ण मंडप)

14वीं-15वीं शताब्दी में महलों और मंदिरों के साथ-साथ भूदृश्य बागवानी कला भी उभरने लगी। इसकी उपस्थिति काफी हद तक जापान में ज़ेन की चिंतनशील शिक्षा के प्रवेश के कारण है। मंदिरों और बड़े आवासों के आसपास बगीचे दिखाई देने लगे, जहां मुख्य घटक न केवल पौधे और फूल थे, बल्कि पत्थर, पानी, साथ ही रेत और कंकड़ के ढेर भी थे, जो जल तत्व का प्रतीक थे।

क्योटो शहर का अनोखापन पूरी दुनिया में जाना जाता है।

एक अन्य प्रकार का बगीचा चाय बागान है, जिसे “त्यानिवा” कहा जाता है। यह चाय घर के चारों ओर है, जहां एक विशेष, आरामदायक समारोह आयोजित किया जाता है, और पूरे बगीचे से घर तक एक विशेष रास्ता चलता है। मध्य युग में प्रकट होने के बाद, त्यानिवा आज हर जगह पाया जाता है।

मूर्तिकला दिशा

प्राचीन जापान में मूर्तिकला अधिकतर धार्मिक और अनुष्ठान परंपराओं से जुड़ी हुई है। तीसरी-पाँचवीं शताब्दी में, लोगों ने डोगू नामक छोटी मूर्तियाँ बनाना सीखा।

डोगू ने लोगों और जानवरों को चित्रित किया, और यह देखते हुए कि वे दफन टीलों में पाए गए थे, हम यह निष्कर्ष निकाल सकते हैं कि उन्हें मृतक के साथ कब्र में रखा गया था - ये उनके नौकर थे जो अगली दुनिया में उपयोगी हो सकते थे। डोगू मिट्टी, कांस्य, लकड़ी और लाख की आकृतियाँ थीं। बाद में, दफन टीलों और शिंटो मंदिरों में देवताओं की बड़ी मूर्तियाँ भी बनाई गईं।

डोगू मूर्ति

देश में बौद्ध धर्म के आगमन से स्थानीय मूर्तिकला पर स्वाभाविक प्रभाव पड़ा। छठी-सातवीं शताब्दी में, बुद्ध के कई स्मारक दिखाई देने लगे। चीनी और कोरियाई उस्तादों का अनुसरण करते हुए, स्थानीय मूर्तिकारों ने अपनी यात्रा शुरू की।

9वीं शताब्दी तक, मूर्तिकला की दिशा और भी अधिक विकसित होने लगी, लेकिन बुद्ध की उपस्थिति बदल गई और उनके चेहरे और हाथ एक हजार तक कई होने लगे। अधिकतर वे मजबूत लकड़ी, वार्निश, कांस्य और मिट्टी से बनाए जाते थे।

कई खूबसूरत स्मारक आज तक बचे हुए हैं। उदाहरण के लिए, हरयू-जी मंदिर में बुद्ध की एक राजसी आकृति कमल के फूल पर विराजमान है, और टोडाई-जी में 16-मीटर बुद्ध के नेतृत्व में देवताओं का एक पूरा समूह है, जिसे मूर्तिकारों कैकेई और अनकेई ने बनाया था।

अन्य प्रकार

जापानी कला बहुआयामी है और कोई भी इसके बारे में घंटों बात कर सकता है। आइए कई और प्रकार की कलाओं के बारे में बात करें जिनकी उत्पत्ति प्राचीन काल में हुई थी।

• सुलेख

इसे सेडो कहा जाता है, जिसका अर्थ है "सूचनाओं की सड़क।" सुलेख जापान में दिखाई दिया धन्यवाद सुंदर चित्रलिपि, जो चीनियों से उधार लिए गए थे। कई आधुनिक स्कूलों में इसे एक अनिवार्य विषय माना जाता है।

• हाइकु या हाइकु

हाइकु एक विशेष जापानी गीत काव्य है जो 14वीं शताब्दी में प्रकाशित हुआ था। कवि को "हैजिन" कहा जाता है।

• origami

इस नाम का अनुवाद "कागज जिसे मोड़ा गया है" के रूप में किया जाता है। मध्य साम्राज्य से आते हुए, ओरिगेमी का उपयोग शुरू में अनुष्ठानों में किया जाता था और यह कुलीनों के लिए एक गतिविधि थी, लेकिन हाल ही में यह दुनिया भर में फैल गई है।

जापान में ओरिगेमी की प्राचीन कला

• इकेबाना

अनुवादित शब्द का अर्थ है "जीवित फूल"। ओरिगेमी की तरह, इसका उपयोग मूल रूप से अनुष्ठानों में किया जाता था।

• लघुचित्र

लघुचित्रों के दो सबसे सामान्य प्रकार बोन्साई और नेटसुक हैं। बोनसाई अत्यंत संक्षिप्त रूप में वास्तविक पेड़ों की प्रतिलिपियाँ हैं। नेटसुक तावीज़ कीचेन जैसी छोटी मूर्तियाँ हैं जो 18वीं-19वीं शताब्दी में दिखाई दीं।

• मार्शल आर्ट

वे मुख्य रूप से समुराई - एक प्रकार की शूरवीरता, निंजा - भाड़े के हत्यारे, बुशिडो - योद्धाओं से जुड़े हुए हैं।

• रंगमंच कला

सबसे प्रसिद्ध थिएटर, सभी जापानी लोगों का गौरव, क्लासिक काबुकी थिएटर है। आप जापान में नाट्य कला के बारे में विस्तार से पढ़ सकते हैं।

जापान में काबुकी थिएटर

निष्कर्ष

जैसा कि हम लेख से देख सकते हैं, जापान न केवल राष्ट्रीय, बल्कि वैश्विक कला की उत्कृष्ट कृतियों का एक पूरा खजाना है। प्राचीन काल से, जो हमारे युग से बहुत पहले शुरू हुआ, जापानियों ने अपने चारों ओर सुंदर चीजें बनाना और बनाना शुरू किया: पेंटिंग, इमारतें, मूर्तियां, कविताएं, पार्क, लघुचित्र - और यह पूरी सूची नहीं है।

यह दिलचस्प है कि पुरातनता की जापानी संस्कृति में निहित विशेषताओं को आधुनिक समय की रचनाओं में खोजा जा सकता है - सादगी, संक्षिप्तता, स्वाभाविकता, प्रकृति के साथ सद्भाव की इच्छा।

आपके ध्यान के लिए बहुत बहुत धन्यवाद, प्रिय पाठकों! हमें उम्मीद है कि आज आपने जापान जैसे रहस्यमय और सुदूर देश के बारे में बहुत कुछ सीखा होगा। हमसे जुड़ें - टिप्पणियाँ छोड़ें, लेखों के लिंक दोस्तों के साथ साझा करें - हम आपके साथ पूर्व की रहस्यमय दुनिया का पता लगाने में बहुत खुश होंगे!

जल्द ही फिर मिलेंगे!

हिमेजी जापान के सबसे पुराने किलों में से एक है

प्राचीन जापानी कला
जापानी संस्कृति ने विशेष प्राकृतिक और ऐतिहासिक परिस्थितियों में आकार लिया और विकसित हुई। जापान समुद्र से घिरे चार बड़े और कई छोटे द्वीपों पर स्थित है। पूर्व के बिल्कुल किनारे पर स्थित, इसने चीन और कोरिया जैसी मुख्य भूमि संस्कृतियों के प्रभाव को समय-समय पर बढ़ने और फिर कम होने का अनुभव किया। जापानी इतिहास में बाहरी दुनिया के साथ संपर्क की अवधि के बाद सांस्कृतिक अलगाव की लंबी सदियों (10वीं से 14वीं और 17वीं से 19वीं शताब्दी के मध्य तक की अवधि) आई। बाद की परिस्थिति ने सामान्य रूप से जापानी संस्कृति और विशेष रूप से कला की कई अनूठी विशेषताओं के विकास और समेकन में योगदान दिया। पश्चिमी संस्कृति से परिचय 16वीं शताब्दी में हुआ, जब मूल जापानी सभ्यता की मुख्य विशेषताएं पहले ही बन चुकी थीं। 1854 तक जापान केवल एक बंदरगाह के माध्यम से चीन और हॉलैंड के साथ व्यापार करता था।

जापानी द्वीपों के प्राचीन निवासियों - शिकारियों और मछुआरों - से परिणाम के रूप में खोज की गई पुरातात्विक उत्खननपत्थर की कुल्हाड़ियाँ, भाला, तीर-कमान और हाथ से गढ़े गए चीनी मिट्टी के बर्तन, जिनका नाम "जोमोन" पैटर्न के नाम पर रखा गया है, जिसका अर्थ है "रस्सी का निशान", उन पर अंकित है। इसलिए जापान में नवपाषाण संस्कृति को जोमोन भी कहा जाता है। साइबेरिया, पोलिनेशिया और बाद में कोरिया और चीन से आकर, बसने वाले सांस्कृतिक विकास के विभिन्न चरणों में खड़े थे। यह इस तथ्य को स्पष्ट करता है कि कुछ सांस्कृतिक परतों में नवपाषाण और कांस्य युग दोनों के स्मारक पाए जाते हैं। जापानी भाषा अल्ताई समूह की भाषाओं के करीब है। जब, चीनी संस्कृति के साथ संपर्क के परिणामस्वरूप, जापानी चीनी चित्रलिपि लेखन से परिचित हो गए, तो मौखिक जापानी भाषण को व्यक्त करने के लिए चीनी अक्षरों को अनुकूलित करना बहुत मुश्किल हो गया।

जापानी संस्कृति की प्रारंभिक अवधि, जिसके बारे में विश्वसनीय डेटा संरक्षित किया गया है, को कोफुन्स (टीले) का युग कहा जाता है - दफन, जिसका जमीनी हिस्सा एक विशिष्ट आकार का मिट्टी का टीला था - एक सर्कल और एक ट्रेपेज़ॉइड का कनेक्शन, एक कीहोल की याद दिलाता है, जो पृथ्वी और पानी के मिलन का प्रतीक है। वे काफी आकार के थे, वे पानी से भरी दोहरी खाई से घिरे हुए थे, टीले के ऊपर घास उगी हुई थी, और टीले की आंतरिक परिधि के साथ 30 सेमी तक लोगों, जानवरों, नावों और घरों के खोखले मिट्टी की मूर्तियाँ थीं। डेढ़ मीटर तक ऊँचा। उन्हें "हनिवा" कहा जाता था। अंतिम संस्कार कक्ष के अंदर कुलीन वर्ग के मृत प्रतिनिधियों के साथ ताबूत थे, जहां अनुष्ठान की वस्तुएं रखी गई थीं: एक दर्पण, एक डोटाकु घंटी, जिसकी आवाज़ बुरी आत्माओं को डराने और देवताओं को आकर्षित करने वाली थी - किसानों के संरक्षक। यमातो के राजाओं की अंत्येष्टि में आवश्यक रूप से जेड पेंडेंट और तलवार जैसे शक्ति के अनुष्ठान प्रतीक शामिल थे। यमातो कबीले के राजाओं को ऊँचा उठाने के लिए, इतिहास की शुरुआत की गई, देवताओं का पदानुक्रम निर्धारित किया गया, और देवता अमेतरासु ("स्वर्ग से चमकते") की पहचान की गई, जिसने जापानी द्वीपों पर यमातो के राजाओं को सत्ता हस्तांतरित कर दी। कबीला. "निप्पॉन" या "निहोन" नाम, जिसका अर्थ है "उगते सूरज की भूमि", 7वीं शताब्दी में सामने आया। 608 में, चीन की अध्ययन यात्राएँ शुरू हुईं, जो दो शताब्दियों से अधिक समय तक जारी रहीं।

डोटाकु - अनुष्ठान कांस्य घंटियाँ - ऊपर की ओर संकीर्ण सिलेंडर, घुंघराले उभारों के साथ चौड़े लूप के साथ शीर्ष पर, जिनकी दीवारें ग्राफिक छवियों से भरे वर्गों में विभाजित हैं

जापानियों की विषम मान्यताएँ, जिनमें आदिम जीववाद और बुतपरस्ती की कई विशेषताएं हैं, शिंटो में परिलक्षित होती हैं। शिंटो ("देवताओं का मार्ग") स्वाभाविक रूप से प्रकृति की सार्वभौमिक आध्यात्मिकता के बारे में जापानी विचारों को दर्शाता है। तथाकथित "कामी" (आत्माओं) की अनगिनत संख्या चमत्कारी परिदृश्य वस्तुओं, जैसे कि बिवा झील और माउंट फ़ूजी, और लोगों द्वारा बनाई गई वस्तुओं - तलवारों, दर्पणों, दोनों में मौजूद हैं, जो इसलिए जादुई गुणों से संपन्न हैं। शिंटो मंदिर अपनी लकड़ी की संरचना की सादगी से प्रतिष्ठित था: एक कमरा स्टिल्ट्स पर रखा गया था, जो सभी तरफ से एक बरामदे से घिरा हुआ था। शिंटो मंदिर के अंदर अंधेरा और खालीपन था। श्रद्धालु मंदिर में प्रवेश नहीं करते थे।

पारा काल (645-794 ई.)

नारा उस समय जापान की पहली राजधानी और एकमात्र शहर का नाम है। यह जापानी राज्य की स्थापना, बौद्ध धर्म की शुरूआत और बौद्ध कला के स्मारकों - मंदिरों, पैगोडा और बौद्ध देवताओं की विभिन्न मूर्तियों के निर्माण का समय था। इस अवधि के दौरान बौद्ध धर्म लोगों का इतना अधिक विश्वास नहीं था जितना कि दरबार की नीति की निरंतरता था। बौद्ध धर्म के विभिन्न संप्रदायों ने दरबार में बहुत महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, बौद्ध मठों की भूमि जोत में वृद्धि हुई, और भिक्षुओं का दरबार में भारी प्रभाव था। बौद्ध मठ दिखाई देते हैं, जो दीवारों से घिरे एक आयताकार क्षेत्र पर स्थित लकड़ी की इमारतों के समूह हैं। सामने के गेट तक जाने वाली चौड़ी गली, मंदिर के सामने का चौक और दूर से दिखाई देने वाला बहु-स्तरीय शिवालय विशेष महत्व का था। लकड़ी के मंदिरों को लाल वार्निश से रंगा गया था, पत्थर की नींव पर खड़ा किया गया था, और चौड़ी घुमावदार दोहरी छतें थीं - इरिमोया।

प्रारंभिक बौद्ध मंदिरों में असुकाडेरा, होरियूजी हैं, बाद का निर्माण 607 में तत्कालीन राजकुमार शोटोकू ताशी के आदेश पर शुरू हुआ था। मठ में 90 हजार वर्ग मीटर के क्षेत्र में स्थित 53 इमारतें शामिल थीं। मी। मंदिर का मुख दक्षिण की ओर है, मुख्य इमारतें उत्तर-दक्षिण अक्ष पर स्थित हैं, पवित्र क्षेत्र उत्तर है, उपदेश के लिए एक हॉल था - एक कोदो, एक कोंडो और एक पांच-स्तरीय शिवालय। होरुजी में 265 मूर्तियाँ थीं, मुख्य मूर्तिकला छवि शाक्यमुनि त्रिमूर्ति थी, जो दो बोधिसत्वों के साथ आस्था के संस्थापक की एक मूर्ति द्वारा दर्शायी गयी थी। आठवीं सदी में बड़े मठों में पहले से ही मूर्तिकार कार्यशालाएँ थीं। बोधिसत्व कन्नन का पंथ, जिसका नाम संस्कृत नाम अवलोकितेश्वर (विश्व की ध्वनियों के श्रोता) का अनुवाद था, फैल गया। जीवित प्राणियों के प्रति करुणा से भरे हुए, बोधिसत्व उन पीड़ितों की आवाज़ सुनने में सक्षम हैं, चाहे वे कहीं भी हों। अवलोकितेश्वर का पंथ उत्तर-पश्चिमी भारत में उत्पन्न हुआ और चीन तक फैल गया। लोटस सूत्र में कहा गया था कि बोधिसत्व ने उन प्राणियों का रूप धारण किया जिन्होंने उन्हें बुलाया था। जापान में, कन्नन के पंथ के प्रसार से बड़ी संख्या में उनकी छवियां सामने आईं - संत कन्नन नरक में मदद करते हैं, कन्नन घोड़े के सिर के साथ मवेशियों और बुरी आत्माओं पर दया फैलाते हैं - असुरों को हजारों लोगों द्वारा बचाया जाता है। सशस्त्र कन्नन, कन्नन मछली पकड़ने की रेखा से लोगों को बचाता है।

हेन काल (794-1185)

794 में, राज्य की राजधानी को हेयान (अब क्योटो) शहर में स्थानांतरित कर दिया गया था। हेन काल के दौरान, एक परिष्कृत दरबारी संस्कृति विकसित हुई। एक जापानी शब्दांश बनाया गया - काना (जापानी - उधार लिया गया चित्रलिपि)। सबसे पहले, केवल महिलाएँ ही इस लिपि का प्रयोग करती थीं, जबकि आधिकारिक लिपि चीनी ही बनी रही। पूरे 10वीं सदी के दौरान. महिलाओं के लेखन का प्रयोग निजी व्यवहार में किया जाने लगा। 11वीं सदी में जापानी शास्त्रीय साहित्य का उत्कर्ष शुरू हुआ, जिसका एक शानदार उदाहरण दरबारी महिला मुरासाकी शिकिबू द्वारा रचित उपन्यास "जेनजी मोनोगेटरी" है।

हेन कला में, मुख्य स्थान पर उस समय चीन से आए गूढ़ तेंदई और शिंगोन संप्रदायों की बौद्ध छवियों का कब्जा है, जिन्होंने सिखाया कि सभी जीवित प्राणियों में बुद्ध का सार है। आत्मा और शरीर को प्रशिक्षित करके, प्रतिज्ञाओं को पूरा करके, कोई भी व्यक्ति कई पुनर्जन्मों की प्रक्रिया में बुद्ध का सार प्राप्त करने में सक्षम होता है। इन संप्रदायों के मंदिर पहाड़ों की चोटियों और चट्टानी कगारों पर बनाए जाते थे और उनमें बने प्रार्थना गृह दो भागों में विभाजित होते थे। साधारण विश्वासियों को भीतरी भाग में जाने की अनुमति नहीं थी, जहाँ पवित्र छवि स्थित थी।

हेनियन युग सत्तारूढ़ हलकों के लिए विलासिता का समय है। इस समय, शिंदेन प्रकार के आवास का निर्माण हुआ। गर्म जलवायु में भी, दीवारें बड़ी नहीं थीं और उनका कोई सहायक मूल्य नहीं था। उन्हें बहुत आसानी से अलग किया जा सकता है, ठंड के मौसम में अधिक टिकाऊ लोगों से बदला जा सकता है, या गर्म मौसम में पूरी तरह से हटाया जा सकता है। खिड़कियाँ भी नहीं थीं। शीशे की जगह जाली के फ्रेम पर सफेद कागज फैलाया गया था, जिससे कमरे में धीमी रोशनी फैल रही थी। छत की चौड़ी मुंडेरें दीवारों को नमी और धूप से बचाती थीं। आंतरिक, स्थायी फर्नीचर से रहित, स्लाइडिंग विभाजन की दीवारें थीं, जिसकी बदौलत या तो एक हॉल या इच्छानुसार कई छोटे अलग-अलग कमरे बनाना संभव था, फर्श को एक ही आकार (180 बाय 90) के पुआल मैट - टाटामी से ढक दिया गया था; सेमी)।

कन्फ्यूशियस और बौद्ध ग्रंथ हेयान काल के दौरान चीन से लाए गए थे। उन्हें अक्सर छवियों से सजाया जाता था। प्रारंभ में, जापानी कलाकारों ने चीनी "प्रसिद्ध स्थानों" की नकल की, लेकिन 10वीं शताब्दी से शुरू हुई। अपने मूल देश के परिदृश्यों और रीति-रिवाजों को चित्रित करने की ओर मुड़ें। यमातो-ए पेंटिंग का निर्माण हुआ, जो जापानी कविता, लघु कथाएँ, उपन्यास या लोक किंवदंतियों के विषयों का उपयोग करके चीनी चित्रकला से भिन्न थी। पेंटिंग को इसका नाम यमातो क्षेत्र के नाम से मिला - होंशू द्वीप का दक्षिण-पश्चिमी भाग, जहाँ जापान के राज्य का गठन हुआ था।
छवि अक्सर संबंधित पाठ के साथ चित्रों की एक स्क्रॉल का प्रतिनिधित्व करती है, जिसे हाथ से लिया जाता है और संबंधित अनुभाग को पढ़ते समय दाएं से बाएं घुमाया जाता है, निम्नलिखित चित्रण की जांच की गई थी;

यमातो-ए पेंटिंग हेयान काल के अंत में फली-फूली। इस समय, पेशेवर कलाकार दिखाई दिए जिन्होंने स्क्रीन, स्लाइडिंग विभाजन (शोजी) और स्क्रॉल - इमाकिमोनो पर धर्मनिरपेक्ष विषयों के चित्र चित्रित किए। स्क्रॉलों में सबसे पुराना जेनजी मोनोगेटरी है। इमाकिमानो स्क्रॉल पेंटिंग-कहानी थे। मुरासाकी शिकिबू का प्रसिद्ध उपन्यास "जेनजी-मोनोगेटरी-इमाकी" स्क्रॉल आज तक जीवित है, जो चमकीले रंगों में अभिजात वर्ग के निष्क्रिय जीवन को दर्शाता है; यह सुलेख, साहित्य और चित्रकला का एक संश्लेषण है। उपन्यास के 54 अध्यायों में से बचे 19 अध्यायों में कोई एकल कथानक और सतत क्रिया नहीं है। अधिकांश चित्रित दृश्य अंदरूनी हिस्सों में घटित होते हैं, दिखाई देने वाली हर चीज ऊपर से दिखाई जाती है, रेखाओं का एक भी लुप्त बिंदु नहीं है, आकृतियों और वास्तुकला का बड़े पैमाने पर पत्राचार होता है, सभी पात्रों के चेहरे एक जैसे होते हैं, केवल हेयर स्टाइल और कपड़े अलग होते हैं . कलाकार का मुख्य ध्यान उपन्यास में होने वाली घटनाओं की भावनात्मक सामग्री को व्यक्त करना है, जो सभी को अच्छी तरह से पता था। मुख्य तकनीकें जगह बनाना और रंग की संभावनाओं का उपयोग करना हैं। पात्रों की आंतरिक स्थिति और प्रत्येक दृश्य के माहौल को व्यक्त करने के लिए, कलाकार के लिए यह महत्वपूर्ण है कि स्क्रॉल के निचले किनारे के संबंध में विकर्ण रेखाएं किस कोण पर निर्देशित होती हैं, जो या तो संरचनाओं के बीम, या पर्दे को दर्शाती हैं। छड़ें, या बरामदे का किनारा। भावनात्मक तनाव की डिग्री के आधार पर, यह कोण 30 से 54 डिग्री तक भिन्न होता है।

बोधिसत्व - कन्नन चीन, कोरिया और जापान में मुख्य रूप से महिला रूप में दिखाई देते हैं, उनके हाथों में एक जग, एक विलो शाखा और एक कमंद है।

अभिजात वर्ग के घरों में स्क्रीन और पर्दों पर कोई विभाजन नहीं होता था सर्वश्रेष्ठ कलाकारयमातो-ए के चित्रित चित्र। यमातो-ए पेंटिंग्स ने साहित्यिक कार्यों के साथ एकता बनाई, जिन्हें स्क्रीन और पर्दे पर भी रखा गया था। X-XIII सदियों के काव्य संकलनों में। 9वीं-10वीं शताब्दी की स्क्रीन पर लिखी गई कविताएँ असामान्य नहीं हैं। ऐसी कविताओं की सबसे बड़ी संख्या "सुइक्सु" संकलन में निहित है। जिस तरह कविता चार सीज़न की थीम पर थी, उसी तरह स्क्रीन के लिए पेंटिंग भी थी। लोक गीत लेखन के अनुरूप, काव्य सूत्रों की एक निश्चित प्रणाली विकसित हुई और फिर जापानी शास्त्रीय काव्य का आधार बन गई। तो, वसंत का संकेत एक धुंधली धुंध, एक विलो पेड़, गर्मी का संकेत - कोयल, सिकाडस, शरद ऋतु का संकेत - लाल रंग के मेपल के पत्ते, हिरण, चंद्रमा, सर्दी - बर्फ और बेर के फूल थे।

क्योटो जापान का प्राचीन मोती है।

भाषा में समानार्थी शब्दों की प्रचुरता ने कविताओं को कई अर्थ देना संभव बना दिया। विषयों और कथानकों ने अत्यंत संक्षिप्त काव्यात्मक रूप (एक टंका में 31 शब्दांश होते हैं) में एक विवरण या संकेत के माध्यम से, भावनात्मक अवस्थाओं के सभी रंगों की विविधता को व्यक्त करना संभव बना दिया। टेक्स्ट वाली स्क्रीन से टेक्स्ट रहित स्क्रीन में धीरे-धीरे परिवर्तन हुआ। इस प्रकार वास्तविक चित्रात्मक शैली विभाजन उभरे - शिकी-ए ("चार सीज़न के चित्र") और मेई-से-ए ("प्रसिद्ध स्थानों की पेंटिंग")।
ऐसे चित्रों की रचना चीनी चित्रकला की किसी भी श्रेणी के अनुरूप नहीं थी। प्रकृति और मनुष्य का सबसे बड़ा संलयन जापानी कला की विभिन्न शैलियों की विशेषता बन जाएगा।

कामाकुरा काल (1185-1333) और मुरोमाची (1333-1568)

12वीं शताब्दी के अंत में, राजधानी को फिर से स्थानांतरित कर दिया गया; एक खूनी झगड़े के परिणामस्वरूप, देश में सत्ता मिनामोटो कबीले द्वारा जब्त कर ली गई, जिसके मुखिया ने राजधानी को अपनी बस्ती कामाकुरा में स्थानांतरित कर दिया, जिसका नाम बन गया। जापान के इतिहास में अगले चरण का नाम. समुराई का सैन्य वर्ग देश में सत्ता में आया, जिनमें से शोगुन आए - जापान के वास्तविक सैन्य शासक, जो नारा में बने रहे, ने सत्ता के केवल नाममात्र गुण बरकरार रखे; समुराई ने दरबारी संस्कृति की परिष्कार की अपेक्षा सादगी को प्राथमिकता दी। ज़ेन संप्रदाय के मठों में अब पगोडा शामिल नहीं थे; मंदिर ग्रामीण झोपड़ियों के समान थे। 13वीं सदी के अंत से. ज़ेन संप्रदाय के सर्वेश्वरवादी विचारों के प्रभाव में, परिदृश्य ने किसी भी परिदृश्य वस्तु में बौद्ध देवताओं की उपस्थिति के विचार को मूर्त रूप देना शुरू कर दिया। कामाकुरा के मठों में, मिन्स्क पैट्रिआर्क के चित्रों की एक प्रतिमा विकसित हुई: बैठे हुए और शांत मुद्रा में, चेहरे की विशेषता और उसकी टकटकी की सम्मोहक शक्ति के साथ। ज़ेन संप्रदाय के प्रभाव में, मूर्तिकला पृष्ठभूमि में चली गई है; चित्रकला, विशेष रूप से परिदृश्य चित्रकला, इस युग के लोगों के विश्वदृष्टिकोण को व्यक्त करती है।

मुरोमाची काल की शुरुआत 1333 की घटनाओं से होती है, जब होंशू द्वीप के दक्षिणपूर्वी क्षेत्रों के सामंती प्रभुओं ने कामकुरा पर कब्ज़ा कर लिया और उसे जला दिया, और राजधानी को हेयान में वापस कर दिया। यह सामंती कुलों के आंतरिक कलह और युद्धों का समय था। परेशान समय के लिए अग्रणी बात ज़ेन संप्रदाय के अनुयायियों की शिक्षा थी कि, प्रकृति के साथ एकता हासिल करके, कोई व्यक्ति जीवन की कठिनाइयों से निपट सकता है और दुनिया के साथ एकता हासिल कर सकता है। ज़ेन शिक्षण के प्रभाव में कि बुद्ध का "शरीर" प्रकृति है, जापानी कला में लैंडस्केप पेंटिंग सबसे आगे आती है। 12वीं सदी के उत्तरार्ध में. काली स्याही से चित्रकारी चीन से जापान आई। जापानी, जो मुख्य रूप से ऐसी पेंटिंग में लगे हुए थे, ज़ेन संप्रदाय के सदस्य थे। उन्होंने एक नई शैली बनाई जिसने नए पंथ (शिगाकु - चित्रकला और कविता का एक संयोजन) की व्याख्या की। XV और XVI सदियों - स्याही चित्रकला के अधिकतम उत्कर्ष का समय, जिसके प्रमुख गुरु सेशू टोयो (1420-1506) थे। इस शैली के समानांतर यमातो-ए शैली भी थी।

सामाजिक-राजनीतिक संबंधों में परिवर्तन, जिसने सैन्य वर्ग को सामने लाया, ने 16वीं शताब्दी में उपस्थिति को भी निर्धारित किया। सीन स्थापत्य शैली. घर के पहले के एकल खंड को अब स्लाइडिंग दरवाजे (शोजी) और स्लाइडिंग विभाजन (फुसुमा) की मदद से विभाजित किया गया है। कमरों में अध्ययन के लिए एक विशेष स्थान दिखाई दिया - किताबों के लिए एक शेल्फ और एक विस्तृत खिड़की के साथ एक खिड़की और एक आला (टोकोनोमा), जहां एक गुलदस्ता या एक मनमौजी आकार का पत्थर रखा गया था और एक ऊर्ध्वाधर स्क्रॉल लटका दिया गया था।

16वीं सदी में जापानी वास्तुकला के इतिहास में, चाय मंडप आवश्यकता के कारण दिखाई देते हैं सही क्रियान्वयनचाय समारोह. चाय को कामाकुरा काल के दौरान बौद्ध भिक्षुओं द्वारा औषधि के रूप में जापान लाया गया था। चाय अनुष्ठान (चा-नो-यू) ज़ेन भिक्षु मुराता शुको की पहल पर शुरू किया गया था और इसके कार्यान्वयन के लिए एक विशेष विधि की आवश्यकता थी। ऐसा ही हुआ नये प्रकार स्थापत्य संरचना- चाशित्सु (चाय समारोह के लिए मंडप), अपने संरचनात्मक आधार पर यह एक आवासीय भवन के करीब था, और अपने कार्य में - एक बौद्ध मंदिर के करीब था। चाय मंडप का समर्थन लकड़ी से बना था, और छत बांस या नरकट से बनी थी। चटाई से ढकी 1.5 या 2 टाटामी की एक झोपड़ी के अंदर, एडोब की दीवारों, छोटी बहु-स्तरीय खिड़कियों, लटकते मोनोक्रोम परिदृश्य के साथ एक टोकोनोमा आला और फूलदान में एक फूल के साथ, बर्तनों के लिए एक चूल्हा और एक शेल्फ था।

मुरोमाची काल के दौरान उद्यान बनाने की कला विकसित हुई। जापानी उद्यान अलग हैं। छोटे बगीचे अक्सर मंदिरों में स्थित होते हैं या पारंपरिक घर से जुड़े होते हैं, इन्हें देखने का इरादा होता है। बड़े-बड़े भूदृश्य वाले बगीचों को अंदर से अनुभव करने के लिए डिज़ाइन किया गया है।

कोंडो - (जापानी गोल्डन हॉल) - बौद्ध परिसर का मुख्य मंदिर, जिसमें प्रतीक, मूर्तियाँ, दीवार पेंटिंग हैं

ज़ेन मंदिर उद्यान एक मोनोक्रोम लैंडस्केप स्क्रॉल के सिद्धांत पर बनाया गया था। कागज की एक शीट के बजाय, कलाकार ने झील की सतह या कंकड़ से ढके मंच का उपयोग किया, और दाग और कटाव के बजाय, मोटे पत्थरों, काई, पेड़ों और झाड़ियों के पत्ते का इस्तेमाल किया। धीरे-धीरे बगीचे से फूल गायब हो गए, उनकी जगह काई और झाड़ियों ने ले ली और पुलों की जगह पत्थरों का इस्तेमाल होने लगा। कुछ उद्यान सुंदर और पहाड़ी (त्सुकियामा) थे। त्सुकियामा उद्यान तट पर अनिवार्य मंडप के साथ पत्थर, काई, पेड़, तालाब जैसे प्राकृतिक तत्वों का एक संयोजन थे। सबसे पुराना लैंडस्केप गार्डन क्योटो में स्थित है और सोहोजी मठ से संबंधित है। सूखे बगीचों को "हिरनिवा" कहा जाता था, अर्थात। समतल। हिरानिवा एक "दार्शनिक" उद्यान है, क्योंकि इसके लिए दर्शक से विकसित कल्पना की आवश्यकता होती है। हिरानिवा उद्यान “पत्थरों, रेत और कंकड़ से बना था। तीन तरफ से एक दीवार से बंद, यह बगीचा केवल चिंतन के लिए बनाया गया था। 15वीं सदी के अंत में. सबसे प्रसिद्ध शुष्क उद्यानों में से एक रेन्जी मठ में बनाया गया था। इसमें आयताकार बजरी क्षेत्र पर स्थित 15 पत्थर शामिल हैं। 1509 में निर्मित दितोकुजी मठ के हिरानिवा गार्डन में, प्रकृति को पत्थरों और कंकड़ की रचनाओं द्वारा दर्शाया गया है। बगीचे के एक हिस्से को "खालीपन का महासागर" कहा जाता है और इसमें एक आयताकार क्षेत्र के बीच दो कम कंकड़ वाली पहाड़ियाँ हैं। बगीचे एक दूसरे के पूरक हो सकते हैं।

15वीं सदी के अंत में. सजावटी पेंटिंग के कानो कोर्ट स्कूल का गठन किया गया। स्कूल के संस्थापक, कानो मसानोबू (1434-1530), सैन्य वर्ग से आये और एक मान्यता प्राप्त पेशेवर दरबारी कलाकार बन गये। उनके परिदृश्यों में केवल अग्रभूमि थी, बाकी सब कुछ धुंधली धुंध से ढका हुआ था। छवि के एक विशिष्ट विषय पर जोर कानो स्कूल की विशेषता बन जाएगा। कानो स्कूल के कलाकारों के काम में मुख्य स्थान सजावटी दीवार पेंटिंग और शैली पेंटिंग के साथ स्क्रीन द्वारा कब्जा कर लिया गया था। दीवार पेंटिंग वास्तुशिल्प रूप के साथ संश्लेषण का मुख्य घटक और प्रभावित करने का साधन बन गई हैं लाक्षणिक अर्थवास्तुशिल्प स्थान. बदले में, वास्तुशिल्प रूप की विशेषताओं के लिए चित्रों के कुछ शैलीगत गुणों की आवश्यकता होती है, यही कारण है कि धीरे-धीरे एक नई शैली का कैनन बनता है, जो 19 वीं शताब्दी तक जापानी चित्रकला में संरक्षित था।

शिंदेन एक प्रकार की आवासीय इमारत है। मुख्य इमारत, योजना में आयताकार, में एक हॉल है, जिसका दक्षिणी अग्रभाग वर्ग की ओर है और पूर्व और पश्चिम में दीर्घाओं द्वारा बनाया गया है।

मोमोयामा काल (1X73-1614)

और इस बार सामंती युद्धों का युग समाप्त हो गया, देश में सत्ता क्रमिक सैन्य तानाशाहों - ओडा नोबुनागा, तोयोतोमी हिदेयोशी और इयासु तोकुगावा के पास चली गई। यह शहरी विकास, धर्मनिरपेक्षीकरण और संस्कृति के लोकतंत्रीकरण और नए मूल्य अभिविन्यास के प्रवेश का समय था। पंथ वास्तुकला ने अपना पूर्व अर्थ खो दिया है। जापान के नए शासकों ने भव्य महलों का निर्माण करके अपनी शक्ति की घोषणा की, जिसका निर्माण जापान में उपस्थिति के कारण हुआ था आग्नेयास्त्रोंऔर युद्ध और रक्षा रणनीति में तदनुरूप परिवर्तन। महल मौलिक रूप से नए प्रकार की जापानी वास्तुकला बन गया। महल का असममित रूप से स्थित क्षेत्र, एक खाई और वॉचटावर और कोने के टावरों से घिरा हुआ है, जिसमें एक केंद्रीय वर्ग और कई आंगन और कमरे, भूमिगत आश्रय और मार्ग शामिल हैं। रहने वाले क्वार्टर महल के मैदान में स्थित एक लकड़ी की इमारत में स्थित थे, जिसमें आंतरिक स्थान का एक सख्त पदानुक्रम था जो सामाजिक पदानुक्रम को दर्शाता था। सजावटी दीवार पेंटिंग, आकार में भव्य, सुनहरे पृष्ठभूमि पर चमकीले रंगों से चित्रित, गोधूलि में डूबे महल के अंदरूनी हिस्सों के लिए सबसे उपयुक्त थे।

कानो ईटोकू (1543-1590)। सैन्य तानाशाहों का महिमामंडन करने के लिए डिज़ाइन की गई चित्रों की एक नई शैली के निर्माता। वह बड़ी क्षैतिज सतहों पर एकल रचना के सिद्धांत को विकसित करने वाले, रूपों को बड़ा करने वाले और न केवल सिल्हूट, बल्कि उनके रूपों की गतिशीलता को व्यक्त करने के लिए छोटे विवरणों को छोड़ने वाले पहले व्यक्ति थे। ईटोकू की विशेषता पेंटिंग की सपाटता को बढ़ाने और उसके सजावटी गुणों को बढ़ाने की इच्छा है। इस प्रकार, खाली स्थान के प्रतीक स्थानों में, सोने के पाउडर के मिश्रण वाले धब्बे रखे जाते हैं। रचना का स्थान गहराई में नहीं, बल्कि दृश्य के साथ-साथ प्रकट हुआ।
1576 में, बिवा झील के तट पर एक विशाल सात मंजिला टॉवर वाला एक अभूतपूर्व महल बनाया गया था, जिसे तानाशाह ओडा नोबुनागा की शक्ति का प्रदर्शन करना था। महल की एक विशेष विशेषता न केवल आधिकारिक, बल्कि निजी कक्षों की उपस्थिति भी थी। कमरों की मुख्य सजावट दीवार पेंटिंग थी, जिसे कानो ईटोक को सौंपा गया था, जिन्होंने सहायकों के एक बड़े समूह के साथ तीन साल तक उन पर काम किया। कानो ईटोकू, जिसे तानाशाह ने आदेश पूरा करने के लिए जल्दबाजी की, ने लैकोनिक का सहारा लेते हुए चावल के भूसे से बने मोटे ब्रश का उपयोग करके रूपों को बड़ा करना शुरू कर दिया। कलात्मक भाषा. मुख्य स्थान पर पेड़ों, फूलों, पक्षियों और जानवरों की छवि का कब्जा था। रंग योजना उज्ज्वल थी, रंग की कोई सूक्ष्मता नहीं थी।

टोकुगावा शोगुन के सत्ता में आने के बाद देश में सामाजिक स्थिति में बदलाव के कारण महलों के निर्माण पर प्रतिबंध लगा दिया गया।
17वीं शताब्दी के पहले तीसरे के कलाकारों के कार्यों में। नई सुविधाएँ हावी होने लगती हैं। चित्रकला में, संतुलित, शांत रचनाओं की इच्छा, सजावटी रूपों में वृद्धि, और हेन युग की संस्कृति और यमातो-ए के कार्यों में रुचि अधिक ध्यान देने योग्य हो गई। विशिष्ट विशेषताइस समय के कानो स्कूल - अलंकरण और बढ़ी हुई सजावट। जब 17वीं सदी की दूसरी तिमाही में. महलों का निर्माण निषिद्ध था, और स्क्रीन सजावटी पेंटिंग का मुख्य रूप बन गई। कानो ईटोकू की स्मारकीयता सजावटी पेंटिंग से गायब हो गई है। कला ने एक व्यक्तिगत स्पर्श प्राप्त कर लिया, जिसने इसके शैलीगत गुणों को भी प्रभावित किया। सजावटी पेंटिंग XVIIवी अक्सर शास्त्रीय साहित्य के नायकों और विषयों से प्रेरित होता था, जो आदिवासी अभिजात वर्ग के हितों की सीमा के साथ-साथ उभरते बुर्जुआ अभिजात वर्ग को दर्शाता था। सजावटी चित्रकला का विकास पुरानी राजधानी क्योटो में हुआ।

कानो स्कूल के एक नए प्रतिनिधि, ओगाटा कोरिन, कला के नए उपभोक्ताओं - शहर के निवासियों, व्यापारियों और कारीगरों के स्वाद के प्रतिपादक बन गए।

इमाकिमानो - कागज या रेशम का एक क्षैतिज स्क्रॉल जो अंत में एक लकड़ी के रोलर के साथ ब्रोकेड बॉर्डर से बने आधार से चिपका होता है।

ओगाटा कोरिन (1658-1716) एक अमीर रेक की तरह रहते थे, लगातार "समलैंगिक क्वार्टर" का दौरा करते थे। बर्बादी के बाद ही, जीविकोपार्जन की गंभीर आवश्यकता का सामना करते हुए, उन्होंने कपड़ा पेंटिंग और पेंटिंग में संलग्न होना शुरू कर दिया। ओगाटा कोरिन ने चीनी मिट्टी और लैकरवेयर, और चित्रित किमोनो और पंखे दोनों का काम संभाला। कैसे
मास्टर, उन्होंने पारंपरिक चित्रकला और इसकी तकनीकों से परिचित होने के साथ शुरुआत की। कोरिन ने हमेशा रूपों की सघनता और संतुलन के लिए प्रयास किया है; उनकी रचनात्मक शैली की एक विशिष्ट विशेषता कई कथानक रूपांकनों के विकास, उनकी बार-बार पुनरावृत्ति और विविधता पर एकाग्रता है। ओगाटा कोरिन के काम में पहली बार जीवन से काम सामने आया। स्क्रीन की पेंटिंग "रेड एंड व्हाइट प्लम ट्री" में, कोरिन द्वारा लिया गया कथानक अपनी छवियों के साथ शास्त्रीय कविता में वापस चला जाता है शुरुआती वसंतऔर जागृति प्रकृति. धारा के दोनों किनारों पर, सुनहरी पृष्ठभूमि पर फूलों के पेड़ लिखे हुए हैं: एक मोटा घुमावदार तना और लगभग लंबवत उठी हुई शाखाओं वाला एक गठीला लाल बेर का पेड़, और दूसरा, जो केवल तने के निचले भाग और एक तेजी से घुमावदार शाखा द्वारा दर्शाया गया है, जैसा कि यदि पानी में गिर रहा है, और इसलिए अचानक ऊपर फेंक दिया गया है, सफेद फूलों से बिखरा हुआ है।

कानो ईटोकू चीड़ के पेड़ पर बाज़ लगाता है। स्क्रीन। 16वीं शताब्दी के अंत का विवरण।

ओगाटा केनज़ान (1663-1743), अपने बड़े भाई ओगाटा कोरिन के विपरीत, युवावस्था से ही आध्यात्मिक मूल्यों की ओर आकर्षित थे, ज़ेन बौद्ध धर्म के अनुयायी थे, चीनी और जापानी शास्त्रीय साहित्य, नोह थिएटर और चाय अनुष्ठान को जानते थे। निन्नाजी मंदिर से संबंधित क्षेत्र पर, केनज़न को अपना स्वयं का सिरेमिक भट्ठा बनाने की अनुमति मिली, जिसने 1712 तक 13 वर्षों तक उत्पादों का उत्पादन किया। उन्होंने लाभप्रदता के लिए प्रयास नहीं किया, उन्हें अत्यधिक कलात्मक उत्पाद बनाने के विचार द्वारा निर्देशित किया गया था . उन्होंने पहली बार पेंटिंग में पारंपरिक स्याही पेंटिंग तकनीक का इस्तेमाल किया बड़ा आकार. केनज़न ने रंग का उपयोग करना शुरू किया, उन्होंने एक नम टुकड़े पर लिखा, छिद्रपूर्ण मिट्टी ने पेंट को अवशोषित कर लिया, जैसे स्याही पेंटिंग में कागज। अपने महान समकालीन, कवि बाशो की तरह, जिन्होंने हाइकू की लोकप्रिय निम्न शैली को एक रहस्योद्घाटन में बदल दिया, ओगाटा केनज़न ने दिखाया कि साधारण सिरेमिक प्लेटें, कप और फूलदान उपयोगितावादी वस्तुएं और एक ही समय में कला की काव्यात्मक उत्कृष्ट कृतियाँ दोनों हो सकते हैं।

ईदो काल (1614-1868)

1615 में, समुराई को क्योटो से एदो में पुनर्स्थापित किया गया। मारा, क्योटो और ओसाका में केंद्रित व्यापारियों, व्यापारियों और साहूकारों के वर्ग का महत्व बढ़ गया। इनके प्रतिनिधियों के लिए सामाजिक समूहोंइसकी विशेषता जीवन की सांसारिक धारणा, सामंती नैतिकता के प्रभाव से खुद को मुक्त करने की इच्छा थी। पहली बार, कला रोजमर्रा की जिंदगी के विषयों की ओर मुड़ती है, जिसमें तथाकथित जीवन भी शामिल है। खुशमिजाज़ पड़ोस - चाय घरों की दुनिया, काबुकी थिएटर, सूमो पहलवान। लकड़ी की नक्काशी का उद्भव संस्कृति के लोकतंत्रीकरण से जुड़ा था, क्योंकि उत्कीर्णन की विशेषता प्रचलन, सस्तापन और पहुंच है। रोजमर्रा की पेंटिंग के बाद, उत्कीर्णन को उकियो-ए (शाब्दिक रूप से, नश्वर, परिवर्तनशील दुनिया) कहा जाने लगा।

उत्कीर्णन के उत्पादन ने व्यापक दायरा प्राप्त कर लिया है। उकियो-ए ग्राफिक्स के विकास का प्रारंभिक काल हाशिकावा मोरोनोबू (1618-1694) के नाम से जुड़ा है, जिन्होंने चाय घरों और कारीगरों के निवासियों के जीवन के सरल दृश्यों को चित्रित किया, जो अलग-अलग समय की असंबंधित घटनाओं को एक उत्कीर्णन में जोड़ते थे। एक दूसरे से। उत्कीर्णन की पृष्ठभूमि सफेद रही, रेखाएँ स्पष्ट थीं। धीरे-धीरे, उत्कीर्णन में विषयों की सीमा का विस्तार हुआ और न केवल बाहरी, बल्कि पात्रों की आंतरिक दुनिया में भी रुचि गहरी हो गई। 1780-1790 में जापानी उत्कीर्णन। अपने उत्कर्ष में प्रवेश कर रहा है। सुज़ुकी हरानोबू (1725-1770) ने सबसे पहले "ब्यूटीज़ प्लकिंग ए प्लम ब्रांच" और "लवर्स इन ए स्नोई गार्डन" जैसी नक्काशी में नायकों की आंतरिक दुनिया को प्रकट करना शुरू किया। वह रोलिंग की तकनीक का उपयोग करने वाले पहले व्यक्ति थे, जिन्होंने गहरे से हल्के रंग में बदलाव किया और रेखाओं की मोटाई और बनावट में विविधता लाई। उन्होंने कभी भी वास्तविक रंगों की परवाह नहीं की, उनकी नक्काशी में समुद्र गुलाबी है, आकाश रेतीला है, घास नीली है, सब कुछ दृश्य के सामान्य भावनात्मक मूड पर निर्भर करता है। उनके सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक, "लवर्स प्लेइंग द सेम शमीसेन", जापानी कहावत की थीम पर बनाया गया था - "यदि संगीत प्यार को बढ़ावा देता है, तो खेलें।"

टोकोनोमा - एक चाय घर के इंटीरियर में एक जगह

कितागावा उतामारो (1753-1806) - उकियो-ए के उत्कृष्ट गुरु। उनका काम "द बुक ऑफ़ इंसेक्ट्स" और "सॉन्ग्स ऑफ़ शेल्स" एल्बम से शुरू हुआ। महिलाओं के अपने आधे-लंबाई और पूर्ण-लंबाई वाले चित्रों में, उटामारो अभ्रक पाउडर का उपयोग करने वाले पहले व्यक्ति हैं, जो एक चमकदार पृष्ठभूमि बनाता है। सुंदर उटामारो अपने सुंदर आकार और सिर के सेट के साथ आदर्श है,
पतली गर्दन, छोटा मुँह, छोटी काली भौहें। एपिसोड "दस" में महिला पात्रऔर "महिलाओं के दिन और घंटे" में उन्होंने महिलाओं की विभिन्न प्रकार की उपस्थिति और चरित्र की पहचान करने की कोशिश की। 90 के दशक के अंत में. उटामारो में वह "मदर विद चाइल्ड" और "बॉल गेम" जैसे प्रिंटों में मातृत्व के विषय को संबोधित करते हैं, साथ ही वह अप्रत्यक्ष पदनाम का सहारा लेते हुए ऐतिहासिक विषयों पर त्रिपिटक और पॉलीप्टिक्स बनाते हैं (देश के नायकों को सुंदरियों के रूप में चित्रित किया गया है) ). तेशुसाई शरकू ने काबुकी अभिनेताओं और सूमो पहलवानों के चित्रों की एक श्रृंखला बनाई। उन्होंने आम तौर पर स्वीकृत परंपराओं को त्याग दिया, जिससे ग्रोटेस्क को उनकी मुख्य तकनीक बना दिया गया। उकियो-ए उत्कीर्णन के विकास की तीसरी अवधि 1800-1868 है। इस समय जापानी कला पर डच और जर्मन नक़्क़ाशी का प्रभाव बढ़ गया। उटगावा कलात्मक राजवंश की रचनात्मकता व्यक्तित्व की खोज की अस्वीकृति और औपचारिक अनुग्रह की इच्छा की विशेषता बन गई। उत्कीर्णन में भूदृश्य शैली का उत्कर्ष कात्सुशिका होकुसाई (1760-1849) के नाम से जुड़ा है। होकुसाई ने प्राचीन और का अध्ययन किया आधुनिक रुझानजापानी कला, चीन की कला को जानती थी और यूरोपीय उत्कीर्णन से परिचित हुई। लगभग 50 वर्ष की आयु तक, होकुसाई ने उकियो-ए कलाकारों के पारंपरिक तरीके से काम किया। यह केवल मंगा एल्बम (स्केच की पुस्तक) में था, जिसका पहला खंड 1812 में प्रकाशित हुआ था, कि होकुसाई को कला का क्षेत्र मिला। अब वह चित्र बना रहा था रोजमर्रा के दृश्य, परिदृश्य, भीड़।

जापान के भूदृश्य उद्यान

70 साल की उम्र में, होकुसाई ने अपनी श्रृंखला "माउंट फ़ूजी के 36 दृश्य" बनाई, प्रत्येक प्रिंट में कलाकार ने माउंट फ़ूजी को दर्शाया। परिदृश्य के साथ शैली विषय का संयोजन होकुसाई की एक विशेषता है। प्राचीन परिदृश्य चित्रकारों के विपरीत, होकुसाई पृथ्वी को नीचे से दिखाता है। साथ ही, वह "देश के झरनों के माध्यम से यात्रा", "पुल", "बड़े फूल", "फ़ूजी के 100 दृश्य" श्रृंखला बनाते हैं। होकुसाई चीजों को अप्रत्याशित कोण से व्यक्त कर सकता था। उत्कीर्णन "फ़ूजी के 100 दृश्य" में, पहाड़ या तो रात के अंधेरे से एक दृश्य की तरह उभरते हैं, या बांस के तनों के पीछे दिखाई देते हैं, या झील में परिलक्षित होते हैं। होकुसाई के अनुयायी, एंडो हिरोशिगे (1797-1858) ने प्रकृति को अधिक यथार्थवादी रूप से चित्रित किया। पेशे से एक नदी एजेंट, उन्होंने देश भर में बहुत यात्रा की, अपनी श्रृंखला "टोकैडो के 53 स्टेशन", "ओमी झील के 8 दृश्य", "किशिकाइदो के 69 दृश्य" बनाईं। हिरोशिगे की कला यूरोपीय चित्रकला के करीब पहुंचती है, जिससे उकियो-ए प्रिंट के दो सौ साल के सुनहरे दिन समाप्त हो जाते हैं।

लेख की सामग्री

जापानी कला.प्राचीन काल से, जापानी कला की विशेषता सक्रिय रचनात्मकता रही है। चीन पर उनकी निर्भरता के बावजूद, जहां नए कलात्मक और सौंदर्यवादी रुझान लगातार उभर रहे थे, जापानी कलाकारों ने हमेशा नई विशेषताएं पेश कीं और अपने शिक्षकों की कला को बदल दिया, जिससे इसे जापानी रूप दिया गया।

जापान का इतिहास 5वीं शताब्दी के अंत में ही कुछ निश्चित रूप धारण करना शुरू करता है। पिछली शताब्दियों (पुरातन काल) की अपेक्षाकृत कम वस्तुएं खोजी गई हैं, हालांकि खुदाई के दौरान या निर्माण कार्य के दौरान मिली कुछ वस्तुएं उल्लेखनीय कलात्मक प्रतिभा का संकेत देती हैं।

पुरातन काल.

जापानी कला की सबसे पुरानी कृतियाँ जोमोन प्रकार (कॉर्ड इंप्रेशन) के मिट्टी के बर्तन हैं। यह नाम सतह की सजावट से आता है जिसमें छड़ियों के चारों ओर लपेटी गई रस्सी की सर्पिल छाप होती है जिसे शिल्पकार बर्तन बनाने के लिए उपयोग करता है। शायद पहले तो कारीगरों को गलती से ब्रेडेड प्रिंट्स का पता चल गया, लेकिन फिर उन्होंने जानबूझकर उनका इस्तेमाल करना शुरू कर दिया। कभी-कभी रस्सी जैसे मिट्टी के कर्ल सतह पर चिपक जाते थे, जिससे अधिक जटिल सजावटी प्रभाव पैदा होता था, लगभग एक राहत। पहली जापानी मूर्तिकला जोमोन संस्कृति में उत्पन्न हुई। किसी व्यक्ति या जानवर की डोगू (शाब्दिक रूप से "मिट्टी की छवि") का संभवतः कुछ धार्मिक महत्व था। लोगों की छवियां, ज्यादातर महिलाएं, अन्य आदिम संस्कृतियों की मिट्टी की देवी के समान हैं।

रेडियोकार्बन डेटिंग से पता चलता है कि जोमोन संस्कृति की कुछ खोजें 6-5 हजार ईसा पूर्व की हो सकती हैं, लेकिन इतनी जल्दी डेटिंग को आम तौर पर स्वीकार नहीं किया जाता है। बेशक, ऐसे व्यंजन लंबे समय में बनाए गए थे, और हालांकि सटीक डेटिंग अभी तक स्थापित नहीं की जा सकी है, तीन अवधियों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है। सबसे पुराने उदाहरणों का आधार नुकीला है और कुम्हार के औज़ार के निशानों को छोड़कर ये लगभग अलंकृत हैं। मध्य काल के बर्तन अधिक समृद्ध रूप से अलंकृत हैं, कभी-कभी ढले हुए तत्वों के साथ, जो आयतन का आभास कराते हैं। तीसरी अवधि के जहाजों के आकार बहुत विविध हैं, लेकिन सजावट फिर से चपटी हो जाती है और अधिक संयमित हो जाती है।

लगभग दूसरी शताब्दी. ईसा पूर्व जोमन सिरेमिक ने यायोई सिरेमिक का मार्ग प्रशस्त किया, जो सुंदर रूपों, डिजाइन की सादगी और उच्च तकनीकी गुणवत्ता की विशेषता है। बर्तन का टुकड़ा पतला हो गया और आभूषण कम आकर्षक हो गया। यह प्रकार तीसरी शताब्दी तक प्रचलित रहा। विज्ञापन

कलात्मक दृष्टिकोण से, शायद प्रारंभिक काल की सबसे अच्छी कृतियाँ हनीवा, तीसरी से पाँचवीं शताब्दी के मिट्टी के सिलेंडर हैं। विज्ञापन इस युग के विशिष्ट स्मारक विशाल पहाड़ियाँ, या टीले, सम्राटों और शक्तिशाली कुलीनों की कब्रगाहें हैं। अक्सर आकार में बहुत बड़े, वे शाही परिवार और दरबारियों की शक्ति और धन के प्रमाण होते हैं। सम्राट निंटोकुटेनो (लगभग 395-427 ई.) के लिए ऐसी संरचना के निर्माण में 40 साल लगे। इन टीलों की सबसे उल्लेखनीय विशेषता मिट्टी के सिलेंडर, हनीवा थे, जो इन्हें बाड़ की तरह घेरे हुए थे। आमतौर पर ये सिलेंडर पूरी तरह से सरल होते थे, लेकिन कभी-कभी इन्हें मानव आकृतियों से सजाया जाता था, कम अक्सर घोड़ों, घरों या मुर्गों की मूर्तियों से। उनका उद्देश्य दोहरा था: भूमि के विशाल द्रव्यमान के कटाव को रोकना और मृतक को उन आवश्यकताओं की आपूर्ति करना जो वह सांसारिक जीवन में उपयोग करता था। स्वाभाविक रूप से, सिलेंडरों का उत्पादन एक ही बार में बड़ी मात्रा में किया गया। उन्हें सजाने वाली आकृतियों के विषय, चेहरे के भाव और हावभाव की विविधता काफी हद तक मास्टर के सुधार का परिणाम है। इस तथ्य के बावजूद कि वे चित्रकारों और मूर्तिकारों के बजाय कारीगरों की कृतियाँ हैं, जापानी कला के रूप में उनका बहुत महत्व है। इमारतें, कंबल ओढ़े घोड़े, प्रधान महिलाएं और योद्धा प्रारंभिक सामंती जापान के सैन्य जीवन की एक दिलचस्प तस्वीर पेश करते हैं। यह संभव है कि इन सिलेंडरों के प्रोटोटाइप चीन में दिखाई दिए, जहां विभिन्न वस्तुओं को सीधे दफन में रखा गया था, लेकिन हनीवा का उपयोग करने का निष्पादन और तरीका स्थानीय परंपरा से संबंधित है।

पुरातन काल को अक्सर उच्च कलात्मक स्तर के कार्यों से रहित समय के रूप में देखा जाता है, मुख्य रूप से पुरातात्विक और नृवंशविज्ञान मूल्य की चीजों के प्रभुत्व का समय। हालाँकि, यह याद रखना चाहिए कि समग्र रूप से इस प्रारंभिक संस्कृति के कार्यों में बहुत जीवंतता थी, क्योंकि उनके रूप जीवित रहे और बाद के समय में जापानी कला की विशिष्ट राष्ट्रीय विशेषताओं के रूप में अस्तित्व में रहे।

असुका काल

(552-710 ई.) छठी शताब्दी के मध्य में बौद्ध धर्म का परिचय। जापानियों के जीवन के तरीके और सोच में महत्वपूर्ण परिवर्तन किए और इस और उसके बाद के समय की कला के विकास के लिए प्रेरणा बने। कोरिया के माध्यम से चीन से बौद्ध धर्म का आगमन पारंपरिक रूप से 552 ईस्वी पूर्व का माना जाता है, लेकिन यह संभवतः पहले से ज्ञात था। प्रारंभिक वर्षों में, बौद्ध धर्म को राष्ट्रीय धर्म शिंटो के विरोध के साथ राजनीतिक विरोध का सामना करना पड़ा, लेकिन कुछ ही दशकों बाद नए धर्म को आधिकारिक मंजूरी मिल गई और अंततः स्थापित हो गया। जापान में अपनी शुरूआत के शुरुआती वर्षों में, बौद्ध धर्म एक अपेक्षाकृत सरल धर्म था जिसमें कम संख्या में देवताओं की छवियों की आवश्यकता थी, लेकिन लगभग सौ वर्षों के बाद इसने ताकत हासिल की और देवताओं का समूह बहुत बढ़ गया।

इस अवधि के दौरान, मंदिरों की स्थापना की गई, जो न केवल आस्था के प्रचार के उद्देश्य को पूरा करते थे, बल्कि कला और शिक्षा के केंद्र भी थे। होरियुजी का मठ-मंदिर प्रारंभिक बौद्ध कला के अध्ययन के लिए सबसे महत्वपूर्ण में से एक है। अन्य खजानों में, महान त्रय सायका-नेराई (623 ईस्वी) की एक मूर्ति है। हमें ज्ञात पहले महान जापानी मूर्तिकार तोरी बुस्सी की यह कृति चीन के महान गुफा मंदिरों में समान समूहों के समान एक शैलीबद्ध कांस्य छवि है। बैठे हुए शाकी (ऐतिहासिक बुद्ध शब्द "शाक्यमुनि" का जापानी प्रतिलेखन) और उसके दोनों ओर खड़ी दो आकृतियों की मुद्रा बिल्कुल सामने की ओर है। मानव आकृति के रूप योजनाबद्ध रूप से प्रस्तुत कपड़ों की भारी सममित सिलवटों से छिपे हुए हैं, और चिकने लम्बे चेहरों में कोई स्वप्निल आत्म-अवशोषण और चिंतन महसूस कर सकता है। इस प्रथम बौद्ध काल की मूर्तिकला पचास साल पहले की मुख्य भूमि की शैली और प्रोटोटाइप पर आधारित है; यह ईमानदारी से उस चीनी परंपरा का पालन करता है जो कोरिया के माध्यम से जापान में आई थी।

इस समय की कुछ सबसे महत्वपूर्ण मूर्तियाँ कांस्य से बनी थीं, लेकिन लकड़ी का भी उपयोग किया गया था। दो सबसे प्रसिद्ध लकड़ी की मूर्तियाँ देवी कन्नन की हैं: युमेदोनो कन्नन और कुदारा कन्नन, दोनों होरीयूजी में हैं। वे अपनी पुरातन मुस्कुराहट और स्वप्निल अभिव्यक्तियों के साथ, शाकी त्रय की तुलना में पूजा की अधिक आकर्षक वस्तु हैं। हालाँकि कन्नन आकृतियों में कपड़ों की तहों की एक योजनाबद्ध और सममित व्यवस्था भी है, वे हल्के और गतिशीलता से भरपूर हैं। लंबी, पतली आकृतियाँ चेहरों की आध्यात्मिकता, उनकी अमूर्त दयालुता पर जोर देती हैं, सभी सांसारिक चिंताओं से दूर, लेकिन पीड़ितों की प्रार्थनाओं के प्रति संवेदनशील हैं। मूर्तिकार ने कपड़ों की सिलवटों से छिपी कुदारा कन्नन की आकृति की रूपरेखा पर कुछ ध्यान दिया, और युमेडोनो के दांतेदार सिल्हूट के विपरीत, आकृति और कपड़े दोनों की गति को गहराई में निर्देशित किया गया है। प्रोफ़ाइल में, कुदारा कन्नन की एक सुंदर एस-आकार की रूपरेखा है।

पेंटिंग का एकमात्र जीवित उदाहरण जो 7वीं शताब्दी की शुरुआत की शैली का अंदाज़ा देता है, वह "पंखों वाला मंदिर" तमामुशी ज़ुशी की पेंटिंग है। इस लघु मंदिर का नाम एक छिद्रित धातु के फ्रेम में स्थापित इंद्रधनुषी बीटल पंखों के नाम पर रखा गया है; बाद में इसे धार्मिक रचनाओं और रंगीन वार्निश से बनी व्यक्तिगत पात्रों की आकृतियों से सजाया गया। इस काल की मूर्तिकला की तरह, कुछ छवियां डिज़ाइन की महान स्वतंत्रता दिखाती हैं।

नारा काल

(710-784)। 710 में राजधानी को नारा में स्थानांतरित कर दिया गया, जो चीनी राजधानी चांगान के अनुरूप एक नया शहर था। वहाँ चौड़ी सड़कें, बड़े महल और असंख्य बौद्ध मंदिर थे। न केवल बौद्ध धर्म अपने सभी पहलुओं में, बल्कि संपूर्ण चीनी सांस्कृतिक और राजनीतिक जीवन को अनुसरण करने के लिए एक मॉडल के रूप में माना जाता था। शायद कोई अन्य देश अपनी संस्कृति में इतना अपर्याप्त महसूस नहीं करता या बाहरी प्रभावों के प्रति इतना संवेदनशील नहीं रहा। विद्वान और तीर्थयात्री जापान और मुख्य भूमि के बीच स्वतंत्र रूप से आते-जाते थे, और सरकार और महल का जीवन तांग राजवंश चीन के अनुरूप बनाया गया था। हालाँकि, हमें याद रखना चाहिए कि, विशेष रूप से कला में, तांग चीन के उदाहरणों की नकल करने, इसके प्रभाव और शैली को समझने के बावजूद, जापानियों ने लगभग हमेशा विदेशी रूपों को अपने लिए अपनाया।

मूर्तिकला में, पिछले असुका काल की सख्त अग्रता और समरूपता ने मुक्त रूपों को रास्ता दिया। देवताओं के बारे में विचारों के विकास, तकनीकी कौशल में वृद्धि और सामग्री के उपयोग की स्वतंत्रता ने कलाकारों को अधिक अंतरंग और सुलभ पंथ छवियां बनाने की अनुमति दी। नए बौद्ध संप्रदायों की स्थापना ने बौद्ध धर्म के संतों और संस्थापकों को भी इसमें शामिल करने के लिए पंथ का विस्तार किया। कांस्य मूर्तिकला के अलावा, लकड़ी, मिट्टी और वार्निश से बनी बड़ी संख्या में कलाकृतियाँ ज्ञात हैं। पत्थर दुर्लभ था और मूर्तिकला के लिए इसका उपयोग लगभग कभी नहीं किया गया था। सूखा वार्निश विशेष रूप से लोकप्रिय था, शायद इसलिए, रचना तैयार करने की प्रक्रिया की जटिलता के बावजूद, इससे बने काम लकड़ी की तुलना में अधिक प्रभावशाली दिखते थे और मिट्टी के उत्पादों की तुलना में अधिक मजबूत होते थे जिन्हें बनाना आसान होता था। लाह की आकृतियाँ लकड़ी या मिट्टी के आधार पर बनाई जाती थीं, जिन्हें बाद में हटा दिया जाता था, या लकड़ी या तार के सुदृढीकरण पर; वे हल्के और टिकाऊ थे। इस तथ्य के बावजूद कि इस तकनीक ने मुद्राओं में कुछ कठोरता निर्धारित की, चेहरों के चित्रण में बड़ी स्वतंत्रता की अनुमति दी गई, जिसने आंशिक रूप से पोर्ट्रेट मूर्तिकला कहे जाने वाले विकास में योगदान दिया। देवता के चेहरे का चित्रण बौद्ध सिद्धांतों की सख्त आवश्यकताओं के अनुसार किया गया था, लेकिन विश्वास के कुछ संस्थापकों और प्रचारकों की लोकप्रियता और यहां तक ​​कि देवताीकरण ने चित्र समानता व्यक्त करने के लिए उत्कृष्ट अवसर प्रदान किए। यह समानता जापान में प्रतिष्ठित तोशोदाईजी मंदिर में स्थित चीनी कुलपिता जेनजिन की सूखी वार्निश से बनी मूर्ति में देखी जा सकती है। 753 में जब जेनजिन जापान पहुंचे तो वह अंधे थे, और उनकी दृष्टिहीन आंखें और आंतरिक चिंतन की प्रबुद्ध स्थिति को अज्ञात मूर्तिकार ने खूबसूरती से कैद किया है। यह यथार्थवादी प्रवृत्ति 13वीं और 14वीं शताब्दी में मूर्तिकार कोशो द्वारा बनाई गई उपदेशक कुया की लकड़ी की मूर्ति में सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी। उपदेशक एक छड़ी, घंटा और हथौड़े के साथ एक भटकते भिखारी के रूप में तैयार है, और उसके आधे खुले मुंह से छोटी बुद्ध आकृतियाँ निकलती हैं। गायन भिक्षु की छवि से संतुष्ट नहीं होने पर, मूर्तिकार ने अपने शब्दों के अंतरतम अर्थ को व्यक्त करने का प्रयास किया।

नारा काल की बुद्ध की छवियां भी महान यथार्थवाद से प्रतिष्ठित हैं। मंदिरों की निरंतर बढ़ती संख्या के लिए बनाए गए, वे अपने पूर्ववर्तियों की तरह उतने शांत और आरक्षित नहीं हैं, उनमें अधिक सुंदर सुंदरता और बड़प्पन है, और जो लोग उनकी पूजा करते हैं, उनके लिए उन्हें अधिक अनुग्रह के साथ संबोधित किया जाता है।

इस समय की बहुत कम पेंटिंग्स बची हैं। कागज पर बहुरंगी डिज़ाइन बुद्ध के अतीत और वर्तमान जीवन को दर्शाता है। यह इमाकिमोनो या स्क्रॉल पेंटिंग के कुछ प्राचीन उदाहरणों में से एक है। स्क्रॉल धीरे-धीरे दाएं से बाएं ओर खुलता है, और दर्शक चित्र के केवल उस हिस्से का आनंद ले सकता है जो स्क्रॉल को खोलने वाले हाथों के बीच स्थित था। चित्र सीधे पाठ के ऊपर रखे गए थे, बाद के स्क्रॉल के विपरीत जहां पाठ का एक खंड एक व्याख्यात्मक छवि के साथ वैकल्पिक होता था। स्क्रॉल पेंटिंग के इन सबसे पुराने जीवित उदाहरणों में, रेखांकित आकृतियाँ बमुश्किल रेखांकित परिदृश्य के सामने स्थापित की गई हैं, जिसमें केंद्रीय चरित्र, इस मामले में शाका, विभिन्न दृश्यों में दिखाई देता है।

प्रारंभिक हेन

(784-897)। 784 में राजधानी को अस्थायी रूप से नागाओका में स्थानांतरित कर दिया गया था, आंशिक रूप से नारा के बौद्ध पादरी के प्रभुत्व से बचने के लिए। 794 में वह लंबी अवधि के लिए हेयान (अब क्योटो) चली गईं। 8वीं और 9वीं शताब्दी के अंत में वह ऐसा समय था जब जापान ने अपनी विशेषताओं के अनुरूप कई विदेशी नवाचारों को सफलतापूर्वक आत्मसात किया। बौद्ध धर्म में भी परिवर्तन का दौर आया, अपने विकसित अनुष्ठान और शिष्टाचार के साथ गूढ़ बौद्ध धर्म के नए संप्रदायों का उदय हुआ। इनमें से, सबसे प्रभावशाली तेंदई और शिंगोन संप्रदाय थे, जो भारत में उत्पन्न हुए, चीन पहुंचे और वहां से दो वैज्ञानिकों द्वारा जापान लाए गए जो लंबी प्रशिक्षुता के बाद अपनी मातृभूमि लौट आए। शिंगोन ("सच्चे शब्द") संप्रदाय अदालत में विशेष रूप से लोकप्रिय था और उसने जल्द ही एक प्रमुख स्थान प्राप्त कर लिया। इसके मुख्य मठ क्योटो के पास माउंट कोया पर स्थित थे; अन्य महत्वपूर्ण बौद्ध केंद्रों की तरह, वे कला के विशाल संग्रह के भंडार बन गए।

9वीं सदी की मूर्ति अधिकतर लकड़ी का था। देवताओं की छवियां उनकी गंभीरता और दुर्गम भव्यता से प्रतिष्ठित थीं, जिस पर उनकी उपस्थिति और विशालता की गंभीरता पर जोर दिया गया था। ड्रेपरियों को मानक पैटर्न के अनुसार कुशलता से काटा गया था, और स्कार्फ लहरों में बिछाए गए थे। मुरोजी मंदिर से शाकी की खड़ी आकृति इस शैली का एक उदाहरण है। इसके लिए और 9वीं शताब्दी की ऐसी ही छवियां। गहरी, स्पष्ट सिलवटों और अन्य विवरणों के साथ कठोर नक्काशी की विशेषता।

देवताओं की संख्या में वृद्धि ने कलाकारों के लिए बड़ी कठिनाइयाँ पैदा कर दीं। जटिल, मानचित्र-जैसे मंडलों (जादुई अर्थों के साथ ज्यामितीय डिजाइन) में, देवताओं को केंद्रीय बुद्ध के चारों ओर एक पदानुक्रम में व्यवस्थित किया गया था, जो स्वयं पूर्ण की केवल एक अभिव्यक्ति थे। इस समय, आग की लपटों से घिरे, दिखने में भयानक, लेकिन प्रकृति में लाभकारी, संरक्षक देवताओं की आकृतियों को चित्रित करने का एक नया तरीका सामने आया। ये देवता असममित रूप से स्थित थे और उन्हें चलती-फिरती मुद्रा में चित्रित किया गया था, उनके चेहरे की दुर्जेय विशेषताओं के साथ, संभावित खतरों से आस्था की रक्षा की जा रही थी।

मध्य और स्वर्गीय हेन, या फुजिवारा काल

(898-1185)। राजधानी को हेइयन में स्थानांतरित करने का उद्देश्य, पादरी वर्ग की कठिन मांगों से बचना था, जिससे राजनीतिक व्यवस्था में भी बदलाव आया। कुलीन वर्ग एक प्रमुख शक्ति था, और इसके सबसे अधिक प्रतिनिधि फुजिवारा परिवार थे। अवधि 10वीं-12वीं शताब्दी अक्सर इस नाम के साथ जुड़ा होता है. विशेष शक्ति का दौर शुरू हुआ जब वास्तविक सम्राटों को कविता और चित्रकला की अधिक सुखद गतिविधियों के लिए राज्य के मामलों को छोड़कर "दृढ़ता से सलाह" दी गई। वयस्क होने तक, सम्राट का नेतृत्व एक सख्त शासक द्वारा किया जाता था, जो आमतौर पर फुजिवारा परिवार से होता था। यह साहित्य, सुलेख और कला में विलासिता और उल्लेखनीय उपलब्धियों का युग था; हर तरफ एक सुस्ती और भावुकता थी, जो शायद ही कभी गहराई तक पहुंची हो, लेकिन कुल मिलाकर आकर्षक थी। इस समय की कला में सुरुचिपूर्ण परिष्कार और पलायनवाद परिलक्षित होता था। यहां तक ​​कि बौद्ध धर्म के अनुयायी भी आसान तरीकों की तलाश में थे, और स्वर्गीय बुद्ध, अमिदा की पूजा विशेष रूप से लोकप्रिय हो गई। अमिदा बुद्ध की करुणा और मुक्ति अनुग्रह के बारे में विचार इस काल की चित्रकला और मूर्तिकला में गहराई से परिलक्षित हुए। 9वीं शताब्दी की मूर्तियों की विशालता और संयम। 10वीं-11वीं शताब्दी में। आनंद और आकर्षण का मार्ग प्रशस्त किया। देवताओं को स्वप्निल, विचारपूर्वक शांत के रूप में चित्रित किया गया है, नक्काशी कम गहरी हो गई है, सतह अधिक रंगीन हो गई है, जिसमें समृद्ध रूप से विकसित बनावट है। इस काल के सबसे महत्वपूर्ण स्मारक मूर्तिकार जोचो के हैं।

कलाकारों के कार्यों ने भी नरम विशेषताएं हासिल कर लीं, जो कपड़े पर चित्र की याद दिलाती थीं, और यहां तक ​​​​कि भयानक देवता - आस्था के रक्षक - भी कम डरावने हो गए। सूत्र (बौद्ध ग्रंथ) गहरे नीले कागज पर सोने और चांदी में लिखे गए थे, और पाठ की सुंदर सुलेख अक्सर एक छोटे से चित्रण से पहले होती थी। बौद्ध धर्म की सबसे लोकप्रिय धाराएँ और उनसे जुड़े देवता अभिजात वर्ग की प्राथमिकताओं और प्रारंभिक बौद्ध धर्म के कठोर आदर्शों से धीरे-धीरे दूर होने को दर्शाते हैं।

इस समय का माहौल और उनके कार्य आंशिक रूप से 894 में चीन के साथ औपचारिक संबंधों की समाप्ति से जुड़े हुए हैं। इस समय चीन में बौद्ध धर्म पर अत्याचार किया गया था, और भ्रष्ट तांग दरबार गिरावट की स्थिति में था। इस विच्छेद के बाद एकांत द्वीप अस्तित्व ने जापानियों को अपनी संस्कृति की ओर मुड़ने और एक नई, शुद्ध जापानी शैली विकसित करने के लिए प्रोत्साहित किया। दरअसल, 10वीं-12वीं शताब्दी की धर्मनिरपेक्ष चित्रकला। लगभग पूरी तरह से जापानी था - तकनीक और रचना और कथानक दोनों में। यमातो-ई कहे जाने वाले इन जापानी स्क्रॉलों की एक विशिष्ट विशेषता एंजी (उत्पत्ति, इतिहास) विषयों की प्रधानता थी। जबकि चीनी स्क्रॉल में अक्सर विशाल, अद्भुत प्रकृति, पहाड़ों, झरनों, चट्टानों और पेड़ों के पैनोरमा को दर्शाया जाता है, और लोग अपेक्षाकृत महत्वहीन लगते हैं, जापानी कथा स्क्रॉल पर ड्राइंग और पाठ में मुख्य चीज व्यक्ति थी। मुख्य पात्र या व्यक्तियों के अधीन, बताई जा रही कहानी के लिए परिदृश्य ने केवल पृष्ठभूमि की भूमिका निभाई। कई स्क्रॉल प्रसिद्ध बौद्ध प्रचारकों या ऐतिहासिक शख्सियतों के जीवन, उनकी यात्राओं और सैन्य अभियानों के हाथ से तैयार किए गए इतिहास थे। अन्य लोगों ने रईसों और दरबारियों के जीवन के रोमांटिक प्रसंगों के बारे में बताया।

प्रारंभिक स्क्रॉल की स्पष्ट रूप से विशिष्ट शैली बौद्ध नोटबुक के पन्नों पर सरल स्याही रेखाचित्रों से आई थी। ये कुशल चित्र हैं जो जानवरों की छवियों के माध्यम से मानव व्यवहार का व्यंग्य करते हैं: मठवासी पोशाक में एक बंदर एक फुलाए हुए मेंढक की पूजा कर रहा है, खरगोश, बंदर और मेंढक के बीच प्रतिस्पर्धा। ये और अन्य दिवंगत हेन स्क्रॉल 13वीं और 14वीं शताब्दी की विकसित शैली के अधिक जटिल कथा स्क्रॉल के आधार के रूप में काम करते थे।

कामकुरा काल

(1185-1392)। 12वीं शताब्दी के अंत में जापान के राजनीतिक और धार्मिक जीवन और निश्चित रूप से, इसकी कला में बड़े बदलाव लाए। क्योटो दरबार की सुंदरता और सौंदर्यवाद को बदल दिया गया या, "विशेष" शासन की परंपरा में, एक नए, कठोर और साहसी शासन के रूप में "एक अतिरिक्त प्राप्त" हुआ - कामाकुरा शोगुनेट। हालाँकि राजधानी नाममात्र क्योटो ही रही, शोगुन मिनामोटो नो योरिटोमो (1147-1199) ने कामाकुरा शहर में अपना मुख्यालय स्थापित किया और केवल 25 वर्षों में सैन्य तानाशाही और सामंतवाद की एक कठोर प्रणाली स्थापित की। बौद्ध धर्म, जो इतना जटिल और अनुष्ठानिक हो गया था कि आम लोगों द्वारा इसे बहुत कम समझा जाता था, में भी बड़े बदलाव हुए जो कला के संरक्षण का बिल्कुल भी वादा नहीं करते थे। योडो (शुद्ध भूमि) संप्रदाय, अमिदा बुद्ध की पूजा का एक रूप, होनेन शोनिन (1133-1212) के नेतृत्व में, बुद्ध और देवताओं के पदानुक्रम में सुधार किया और उन सभी को मोक्ष की आशा दी जो केवल अमिदा में विश्वास करते थे। आसानी से प्राप्य स्वर्ग के इस सिद्धांत को बाद में शिन संप्रदाय के संस्थापक, एक अन्य भिक्षु, शिनरान (1173-1262) द्वारा सरल बनाया गया, जिन्होंने माना कि अमिदा की कृपालुता इतनी महान थी कि धार्मिक कार्य करने की कोई आवश्यकता नहीं थी, केवल मंत्र दोहराना था। नामु अमिदा बुत्सु" (पहले शब्द का अर्थ है "आज्ञापालन करना"; दूसरे दो शब्द हैं "बुद्ध अमिदा")। आत्मा को बचाने की यह सरल विधि अत्यंत आकर्षक थी, और अब लाखों लोग इसका उपयोग करते हैं। एक पीढ़ी बाद, उग्रवादी उपदेशक निचिरेन (1222-1282), जिनके नाम पर इस संप्रदाय का नाम रखा गया, ने धर्म के इस सरलीकृत रूप को त्याग दिया। उनके अनुयायी लोटस सूत्र का सम्मान करते थे, जो तत्काल और बिना शर्त मुक्ति का वादा नहीं करता था। उनके उपदेश अक्सर राजनीतिक विषयों पर छूते थे, और उनकी मान्यताओं और चर्च और राज्य के प्रस्तावित सुधारों ने कामाकुरा में नए सैन्य वर्ग को आकर्षित किया। अंततः, ज़ेन दर्शन, जो 8वीं शताब्दी की शुरुआत में उभरा, ने इस अवधि के दौरान बौद्ध विचार में तेजी से महत्वपूर्ण भूमिका निभानी शुरू कर दी। ज़ेन ने ध्यान के महत्व पर जोर दिया और किसी भी छवि का तिरस्कार किया जो मनुष्य को ईश्वर के साथ एकजुट होने की खोज में बाधा डाल सकती है।

तो, यह वह समय था जब धार्मिक विचार ने पंथ के लिए पहले आवश्यक चित्रकला और मूर्तिकला के कार्यों की संख्या को सीमित कर दिया था। फिर भी, जापानी कला की कुछ बेहतरीन कृतियाँ कामाकुरा काल के दौरान बनाई गईं। प्रोत्साहन कला के प्रति अंतर्निहित जापानी प्रेम था, लेकिन समाधान की कुंजी नए पंथों के प्रति लोगों के दृष्टिकोण में निहित है, न कि हठधर्मिता में। वास्तव में, कृतियाँ स्वयं उनकी रचना का कारण सुझाती हैं, क्योंकि जीवन और ऊर्जा से भरपूर इनमें से कई मूर्तियाँ और पेंटिंग चित्र हैं। हालाँकि ज़ेन दर्शन सामान्य धार्मिक वस्तुओं को आत्मज्ञान में बाधा मान सकता है, लेकिन शिक्षकों को सम्मानित करने की परंपरा काफी स्वीकार्य थी। एक चित्र अपने आप में पूजा की वस्तु नहीं हो सकता। चित्र के प्रति यह रवैया न केवल ज़ेन बौद्ध धर्म की विशेषता थी: शुद्ध भूमि संप्रदाय के कई मंत्री लगभग बौद्ध देवताओं की तरह पूजनीय थे। चित्र के लिए धन्यवाद, एक नया वास्तुशिल्प रूप भी सामने आया - मिइडो, या पोर्ट्रेट चैपल। यथार्थवाद का तीव्र विकास पूरी तरह से समय की भावना के अनुरूप था।

यद्यपि पुजारियों के सुरम्य चित्र स्पष्ट रूप से विशिष्ट लोगों की छवियां थीं, वे अक्सर बौद्ध धर्म के चीनी संस्थापकों को चित्रित करने वाले चित्रों का पुनर्मूल्यांकन थे। उन्हें उपदेश देते हुए चित्रित किया गया था, उनके मुँह खुले थे, उनके हाथ इशारे कर रहे थे; कभी-कभी भिक्षुक भिक्षुओं को आस्था की महिमा के लिए कठिन यात्रा करते हुए चित्रित किया गया था।

सबसे लोकप्रिय विषयों में से एक रायगो (वांछित आगमन) था, जिसमें बुद्ध अमिदा को अपने साथियों के साथ मृत्यु शय्या पर पड़े एक आस्तिक की आत्मा को बचाने और उसे स्वर्ग में स्थानांतरित करने के लिए एक बादल पर उतरते हुए दर्शाया गया था। ऐसी छवियों के रंग अक्सर सोने से बढ़ाए जाते थे, और लहरदार रेखाएं, बहती हुई टोपी और घूमते बादल बुद्ध के अवतरण की गति का एहसास देते थे।

12वीं सदी के उत्तरार्ध और 13वीं सदी की शुरुआत में सक्रिय अनकेई, एक नवाचार के लेखक थे जिसने लकड़ी की नक्काशी की सुविधा प्रदान की, जो कामाकुरा काल के दौरान मूर्तिकारों की पसंदीदा सामग्री बनी रही। पहले, मास्टर उस लॉग या लॉग के आकार और आकार तक सीमित था जिससे आकृति काटी गई थी। हथियार और कपड़ों के तत्वों को अलग-अलग लागू किया गया था, लेकिन तैयार टुकड़ा अक्सर मूल बेलनाकार आकार जैसा दिखता था। नई तकनीक में, एक खोखला पिरामिड बनाने के लिए दर्जनों छोटे टुकड़ों को सावधानीपूर्वक एक साथ फिट किया गया, जिससे प्रशिक्षु मोटे तौर पर एक आकृति बना सकते थे। मूर्तिकार के पास अधिक लचीली सामग्री और अधिक जटिल रूप बनाने की क्षमता थी। मंदिर के हृष्ट-पुष्ट रक्षक और देवी-देवता लबादे और लबादे पहने हुए इसलिए भी अधिक सजीव प्रतीत होते थे क्योंकि उनकी आंखों के छिद्रों में क्रिस्टल या कांच डाले जाने लगे थे; मूर्तियों को सोने का पानी चढ़ा हुआ कांस्य से सजाया जाने लगा। जैसे-जैसे लकड़ी सूखती गई, वे हल्के होते गए और कम टूटने लगे। उन्केई के बेटे कोशो द्वारा कुया शोनिन की उपरोक्त लकड़ी की मूर्ति, चित्र मूर्तिकला में कामाकुरा-युग यथार्थवाद की सर्वोच्च उपलब्धि को प्रदर्शित करती है। दरअसल, इस समय मूर्तिकला अपने विकास के चरम पर पहुंच गई, और बाद में इसने कला में इतना प्रमुख स्थान नहीं लिया।

धर्मनिरपेक्ष चित्रकला भी उस समय की भावना को प्रतिबिंबित करती थी। संयमित रंगों और सुंदर रेखाओं के साथ स्वर्गीय हेयान काल की कथात्मक स्क्रॉल, प्रिंस जेनजी के रोमांटिक पलायन या एकांतप्रिय दरबारी महिलाओं के मनोरंजन के बारे में बताती है। अब, चमकीले रंगों और ऊर्जावान ब्रशस्ट्रोक के साथ, कामाकुरा युग के कलाकारों ने युद्धरत कुलों की लड़ाई, आग की लपटों में घिरे महल और हमलावर सैनिकों से भागते भयभीत लोगों को चित्रित किया। यहां तक ​​कि जब धार्मिक इतिहास पुस्तक पर सामने आया, तब भी यह छवि कोई प्रतीक नहीं थी, बल्कि यह पवित्र पुरुषों की यात्राओं और उनके द्वारा किए गए चमत्कारों का एक ऐतिहासिक रिकॉर्ड थी। इन दृश्यों के डिज़ाइन में प्रकृति के प्रति बढ़ते प्रेम और देशी परिदृश्यों के प्रति प्रशंसा का पता लगाया जा सकता है।

मुरोमाची या आशिकागा काल

(1392-1568)। 1392 में, 50 से अधिक वर्षों के संघर्ष के बाद, अशिकागा परिवार के तीसरे शोगुन, योशिमित्सु (1358-1408) ने देश को फिर से एकजुट किया। सरकार की सीट फिर से क्योटो की नाममात्र राजधानी बन गई, जहां आशिकागा शोगुन ने मुरोमाची क्वार्टर में अपने महल बनाए। (इस अवधि को कभी-कभी मुरोमाची या आशिकागा भी कहा जाता है।) युद्ध के दौरान कई मंदिरों को नहीं छोड़ा गया - जापानी कला के भंडार, जो वहां स्थित खजाने के साथ जला दिए गए थे। देश को बेरहमी से बर्बाद कर दिया गया था, और यहां तक ​​कि शांति से भी बहुत राहत नहीं मिली, क्योंकि युद्धरत कुलों ने सफलता हासिल करते हुए अपनी इच्छानुसार लाभ बांटे। ऐसा प्रतीत होता है कि स्थिति कला के विकास के लिए बेहद प्रतिकूल थी, लेकिन वास्तव में आशिकगा शोगुन ने इसे संरक्षण दिया, खासकर 15वीं और 16वीं शताब्दी में, जब चित्रकला का विकास हुआ।

इस समय की सबसे महत्वपूर्ण कलात्मक घटना ज़ेन बौद्ध धर्म द्वारा प्रोत्साहित और सोंग और युआन राजवंशों के चीनी उदाहरणों से प्रभावित मोनोक्रोम काव्यात्मक स्याही पेंटिंग थी। मिंग राजवंश (1368-1644) के दौरान, चीन के साथ संपर्क नवीनीकृत हुए और कला के संग्रहकर्ता और संरक्षक योशिमित्सु ने चीनी चित्रों के संग्रह और अध्ययन को प्रोत्साहित किया। यह प्रतिभाशाली कलाकारों के लिए एक मॉडल और शुरुआती बिंदु बन गया, जिन्होंने हल्के और धाराप्रवाह ब्रश स्ट्रोक के साथ परिदृश्य, पक्षियों, फूलों, पादरी और संतों की छवियों को चित्रित किया। इस समय की जापानी चित्रकला की विशेषता रेखा की मितव्ययिता है; ऐसा प्रतीत होता है कि कलाकार चित्रित कथानक का सार निकालता है, जिससे दर्शक इसे विवरण से भर सकता है। इन चित्रों में भूरे और चमकदार काली स्याही का परिवर्तन ज़ेन दर्शन के बहुत करीब है, जिसने निश्चित रूप से उनके लेखकों को प्रेरित किया है। हालाँकि इस विश्वास ने कामाकुरा के सैन्य शासन के तहत काफी प्रभाव हासिल किया, लेकिन यह 15वीं और 16वीं शताब्दी में तेजी से फैलता रहा, जब कई ज़ेन मठों का उदय हुआ। मुख्य रूप से "आत्म-मोक्ष" के विचार का प्रचार करते हुए, इसने मोक्ष को बुद्ध से नहीं जोड़ा, बल्कि एक व्यक्ति के अचानक सहज "ज्ञानोदय" को प्राप्त करने के लिए उसके गंभीर आत्म-अनुशासन पर अधिक भरोसा किया जो उसे पूर्ण के साथ एकजुट करता है। स्याही और असममित संरचना का किफायती लेकिन साहसिक उपयोग, जिसमें कागज के अप्रकाशित हिस्सों ने आदर्श परिदृश्यों, संतों और वैज्ञानिकों के चित्रण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इस दर्शन के अनुरूप थे।

मोनोक्रोम स्याही पेंटिंग की एक शैली, सुमी-ई के सबसे प्रसिद्ध प्रतिपादकों में से एक, सेशू (1420-1506) थे, जो एक ज़ेन पुजारी थे, जिनके लंबे और फलदायी जीवन ने उन्हें लंबे समय तक सम्मान दिलाया। अपने जीवन के अंत में, उन्होंने हबोकू (त्वरित स्याही) शैली का उपयोग करना शुरू कर दिया, जिसने परिपक्व शैली के विपरीत, जिसके लिए स्पष्ट, किफायती स्ट्रोक की आवश्यकता थी, मोनोक्रोम पेंटिंग की परंपरा को लगभग अमूर्तता में ला दिया।

यही अवधि कलाकारों के कानो परिवार की गतिविधि और उनकी शैली के विकास का प्रतीक है। विषयों के चयन और स्याही के प्रयोग की दृष्टि से यह चीनी के करीब था, लेकिन अभिव्यंजक साधनों की दृष्टि से यह जापानी ही रहा। कानो, शोगुनेट के समर्थन से, पेंटिंग का "आधिकारिक" स्कूल या कलात्मक शैली बन गया और 19वीं शताब्दी में अच्छी तरह से विकसित हुआ।

जापानी चित्रकला के दूसरे महत्वपूर्ण आंदोलन, टोसा स्कूल के कार्यों में यमातो-ए की अनुभवहीन परंपरा जीवित रही। वास्तव में, इस समय दोनों स्कूल, कानो और टोसा, आपस में घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए थे, वे आधुनिक जीवन में रुचि से एकजुट थे। इस काल के उत्कृष्ट कलाकारों में से एक, मोटोनोबू कानो (1476-1559) ने न केवल अपनी बेटी की शादी प्रसिद्ध कलाकार तोसा से की, बल्कि उनके तरीके से पेंटिंग भी की।

15वीं-16वीं शताब्दी में। मूर्तिकला की केवल कुछ ही उल्लेखनीय कृतियाँ सामने आईं। हालाँकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि नू नाटक के विकास ने, विभिन्न प्रकार की मनोदशाओं और भावनाओं के साथ, मूर्तिकारों के लिए गतिविधि का एक नया क्षेत्र खोल दिया - उन्होंने अभिनेताओं के लिए मुखौटे बनाए। शास्त्रीय जापानी नाटक में, अभिजात वर्ग द्वारा और उसके लिए प्रदर्शन किया जाता था, अभिनेता (एक या अधिक) मुखौटे पहनते थे। उन्होंने भय, चिंता और भ्रम से लेकर संयमित आनंद तक कई तरह की भावनाओं को व्यक्त किया। कुछ मुखौटों को इतनी खूबसूरती से उकेरा गया था कि अभिनेता के सिर को थोड़ा सा घुमाने से भावनाओं की अभिव्यक्ति में सूक्ष्म परिवर्तन हो जाते थे। इन मुखौटों के उल्लेखनीय उदाहरण उन परिवारों में वर्षों तक रखे गए जिनके सदस्यों के लिए इन्हें बनाया गया था।

मोमोयामा काल

(1568-1615)। 1593 में, महान सैन्य तानाशाह हिदेयोशी ने मोमोयामा, "पीच हिल" पर अपना महल बनाया, और इस नाम से अशिकगा शोगुनेट के पतन से लेकर 1615 में टोकुगावा, या ईदो की स्थापना तक की 47 वर्षों की अवधि को आम तौर पर रखा गया था। स्वीकार किया गया कि यह एक पूरी तरह से नए सैन्य वर्ग के प्रभुत्व का समय था, जिसकी महान संपत्ति ने कला के उत्कर्ष में योगदान दिया। विशाल दर्शक कक्ष और लंबे गलियारों वाले प्रभावशाली महल 16वीं शताब्दी के अंत में फैशन में आए। और उनकी महानता के अनुरूप सजावट की मांग की। यह कठोर और साहसी लोगों का समय था, और नए संरक्षक, पिछले अभिजात वर्ग के विपरीत, बौद्धिक गतिविधियों या शिल्प कौशल की सूक्ष्मताओं में विशेष रुचि नहीं रखते थे। सौभाग्य से, कलाकारों की नई पीढ़ी अपने संरक्षकों के साथ काफी सुसंगत थी। इस अवधि के दौरान, चमकीले लाल, पन्ना, हरे, बैंगनी और नीले रंगों में अद्भुत स्क्रीन और चल पैनल दिखाई दिए। इस तरह के शानदार रंग और सजावटी रूप, अक्सर सोने या चांदी की पृष्ठभूमि पर, सौ वर्षों तक बहुत लोकप्रिय थे, और उनके रचनाकारों को "महान सज्जाकार" कहा जाता था। सूक्ष्म जापानी स्वाद के लिए धन्यवाद, रसीला शैली अश्लीलता में विकसित नहीं हुई, और यहां तक ​​​​कि जब संयम और ख़ामोशी ने विलासिता और सजावटी ज्यादतियों का रास्ता ले लिया, तब भी जापानी लालित्य बनाए रखने में कामयाब रहे।

इस अवधि के पहले महान कलाकारों में से एक, ईटोकू कानो (1543-1590) ने कानो और टोसा की शैली में काम किया, पूर्व की ड्राइंग अवधारणाओं का विस्तार किया और उन्हें बाद के रंगों की समृद्धि के साथ जोड़ा। हालाँकि केवल कुछ ही रचनाएँ बची हैं जिनका श्रेय ईटोकू को विश्वासपूर्वक दिया जा सकता है, उन्हें मोमोयामा शैली के संस्थापकों में से एक माना जाता है, और इस अवधि के अधिकांश कलाकार उनके छात्र थे या उनसे प्रभावित थे।

ईदो या तोकुगावा काल

(1615-1867)। नव एकीकृत जापान के बाद शांति की लंबी अवधि को या तो शासक के उपनाम के बाद टोकुगावा का समय कहा जाता है, या एदो (आधुनिक टोक्यो) कहा जाता है, क्योंकि 1603 में यह शहर सत्ता का नया केंद्र बन गया था। छोटे मोमोयामा काल के दो प्रसिद्ध जनरलों, ओडा नोबुनागा (1534-1582) और तोयोतोमी हिदेयोशी (1536-1598), सैन्य कार्रवाई और कूटनीति के माध्यम से, अंततः शक्तिशाली कुलों और उग्रवादी पादरियों के बीच सामंजस्य बिठाने में कामयाब रहे। 1598 में हिदेयोशी की मृत्यु के साथ, सत्ता इयासु तोकुगावा (1542-1616) के पास चली गई, जिन्होंने संयुक्त रूप से शुरू की गई गतिविधियों को पूरा किया। 1600 में सेकीगहारा की निर्णायक लड़ाई ने इयासु की स्थिति को मजबूत किया; 1615 में ओस्का कैसल के पतन के साथ हिदेयोशी का घर भी ढह गया और टोकुगावा शोगुनेट के अविभाजित शासन की स्थापना हुई।

तोकुगावा का शांतिपूर्ण शासन 15 पीढ़ियों तक चला और 19वीं शताब्दी में समाप्त हुआ। यह मुख्यतः "बंद दरवाज़ा" नीति का काल था। डिक्री 1640 ने विदेशियों को जापान में प्रवेश करने से रोक दिया, और जापानी विदेश यात्रा करने में असमर्थ थे। एकमात्र व्यावसायिक और सांस्कृतिक संबंध नागासाकी बंदरगाह के माध्यम से डच और चीनियों के साथ था। अलगाव की अन्य अवधियों की तरह, 17वीं शताब्दी के अंत में राष्ट्रीय भावनाओं में वृद्धि हुई और उनका उदय हुआ। शैली चित्रकला और उत्कीर्णन का तथाकथित स्कूल।

एडो की तेजी से बढ़ती राजधानी न केवल द्वीप साम्राज्य के राजनीतिक और व्यावसायिक जीवन का केंद्र बन गई, बल्कि कला और शिल्प का केंद्र भी बन गई। यह आवश्यकता कि डेम्यो, प्रांतीय सामंती प्रभु, प्रत्येक वर्ष के एक निश्चित भाग के लिए राजधानी में रहें, ने महलों सहित नई इमारतों की आवश्यकता को जन्म दिया, और इसलिए कलाकारों द्वारा उन्हें सजाने के लिए। उसी समय, धनी लेकिन गैर-अभिजात वर्ग के व्यापारियों के उभरते वर्ग ने कलाकारों को नए और अक्सर गैर-पेशेवर संरक्षण प्रदान किए।

प्रारंभिक ईदो काल की कला आंशिक रूप से जारी है और मोमोयामा शैली को विकसित करती है, जिससे विलासिता और वैभव की ओर इसकी प्रवृत्ति मजबूत होती है। पिछली अवधि से विरासत में मिली विचित्र छवियों और पॉलीक्रोम की समृद्धि का विकास जारी है। यह सजावटी शैली 17वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में अपने चरम पर पहुँच गई। तथाकथित में टोकुगावा काल का जेनरोकू युग (1688-1703)। जापानी सजावटी कला में, पेंटिंग, कपड़े, वार्निश और कलात्मक विवरणों में रंग और सजावटी रूपांकनों की असाधारणता और समृद्धि में इसका कोई समानांतर नहीं है - एक शानदार जीवन शैली के गुण।

चूँकि हम इतिहास के अपेक्षाकृत बाद के दौर के बारे में बात कर रहे हैं, इसलिए यह आश्चर्य की बात नहीं है कि कई कलाकारों और उनके कार्यों के नाम संरक्षित किए गए हैं; यहां सबसे उत्कृष्ट में से केवल कुछ का नाम लेना संभव है। मोमोयामा और एडो काल के दौरान रहने और काम करने वाले सजावटी स्कूल के प्रतिनिधियों में होन्नामी कोएत्सु (1558-1637) और नोनोमुरा सोतात्सु (मृत्यु 1643) शामिल हैं। उनका काम डिज़ाइन, संरचना और रंग की उल्लेखनीय समझ प्रदर्शित करता है। कोएत्सु, एक प्रतिभाशाली सिरेमिक विशेषज्ञ और लाख कलाकार, अपनी सुलेख की सुंदरता के लिए प्रसिद्ध थे। सोतात्सु के साथ मिलकर, उन्होंने स्क्रॉल पर कविताएँ बनाईं, जो उस समय फैशनेबल थीं। साहित्य, सुलेख और चित्रकला के इस संयोजन में, छवियां सरल चित्रण नहीं थीं: उन्होंने पाठ की धारणा के अनुरूप मूड बनाया या सुझाव दिया। ओगाटा कोरिन (1658-1716) सजावटी शैली के उत्तराधिकारियों में से एक थे और उन्होंने अपने छोटे भाई ओगाटा केंज़न (1663-1743) के साथ मिलकर इसकी तकनीक को पूर्णता तक पहुंचाया। एक कलाकार के बजाय एक सेरेमिस्ट के रूप में जाने जाने वाले केनज़ान ने अपने प्रसिद्ध बड़े भाई के डिजाइन वाले बर्तन बनाए। 19वीं सदी की शुरुआत में इस स्कूल का पुनरुद्धार हुआ। कवि और कलाकार सकाई होइत्सु (1761-1828) द्वारा सजावटी शैली का अंतिम उछाल था। होरित्सु के खूबसूरत स्क्रॉल और स्क्रीन ने कोरिन की डिजाइन की भावना को मारुयामा स्कूल की प्रकृतिवाद में निहित प्रकृति में रुचि के साथ जोड़ दिया, जो पहले की अवधि की विशेषता वाले रंग और सजावटी रूपांकनों की समृद्धि में व्यक्त किया गया था, जो ब्रशवर्क की भव्यता और अनुग्रह से प्रभावित था।

पॉलीक्रोम सजावटी शैली के साथ, कानो स्कूल की पारंपरिक स्याही ड्राइंग लोकप्रिय बनी रही। 1622 में, कानो तानयु (1602-1674) को शोगुन का दरबारी चित्रकार नियुक्त किया गया और ईदो में बुलाया गया। इस पद पर उनकी नियुक्ति और एडो में कोबिकिटो में पेंटिंग के कानो स्कूल की स्थापना के साथ, इस परंपरा के कलात्मक नेतृत्व की आधी सदी की अवधि शुरू हुई, जिसने कानो परिवार को प्रमुखता की स्थिति में बहाल किया और के कार्यों को आगे बढ़ाया। कानो चित्रकला में ईदो काल सबसे महत्वपूर्ण है। "महान सज्जाकारों" और प्रतिद्वंद्वियों द्वारा बनाई गई सोने और चमकीले रंगों से चित्रित स्क्रीन की लोकप्रियता के बावजूद, तान्यू, अपनी प्रतिभा और आधिकारिक स्थिति की ताकत के कारण, पुनर्जीवित कानो स्कूल की पेंटिंग को कुलीन वर्ग के बीच लोकप्रिय बनाने में सक्षम था। कानो स्कूल की पारंपरिक विशेषताओं में, तान्यू ने एक कठोर टूटी हुई रेखा और एक बड़ी मुक्त सतह पर रचनात्मक तत्वों की एक विचारशील व्यवस्था के आधार पर शक्ति और सादगी को जोड़ा।

18वीं शताब्दी के अंत में एक नई दिशा प्रबल होने लगी, जिसमें मुख्य विशेषता प्रकृति में रुचि थी। नए स्कूल के प्रमुख मारुयामा ओक्यो (1733-1795) एक किसान थे, फिर पादरी बने और अंततः एक कलाकार बने। पहले दो अध्ययनों से उन्हें न तो खुशी मिली और न ही सफलता, लेकिन एक कलाकार के रूप में उन्होंने महान ऊंचाइयां हासिल कीं और उन्हें मारुयामा के यथार्थवादी स्कूल का संस्थापक माना जाता है। उन्होंने कानो स्कूल मास्टर इशिदा युतेई (डी. सी. 1785) के साथ अध्ययन किया; आयातित डच उत्कीर्णन के आधार पर, उन्होंने परिप्रेक्ष्य चित्रण की पश्चिमी तकनीक सीखी, और कभी-कभी इन उत्कीर्णन की नकल भी की। उन्होंने सोंग और युआन राजवंशों की चीनी शैलियों का भी अध्ययन किया, जिसमें चेन जुआन (1235-1290) और शेन नानपिंग की सूक्ष्म और यथार्थवादी शैली भी शामिल है; बाद वाला 18वीं सदी की शुरुआत में नागासाकी में रहता था। ओक्यो ने जीवन पर कई कार्य किए, और उनकी वैज्ञानिक टिप्पणियों ने प्रकृति की धारणा के आधार के रूप में कार्य किया, जिस पर मारुयामा स्कूल आधारित था।

18वीं शताब्दी में प्रकृतिवाद में रुचि के अलावा। चीनी कलात्मक परंपरा का प्रभाव नवीनीकृत हुआ। इस आंदोलन के प्रतिनिधियों ने मिंग (1368-1644) और किंग (1644-1912) युगों के कलाकार-वैज्ञानिकों के सचित्र स्कूल की ओर रुख किया, हालांकि चीन में कला की आधुनिक स्थिति के बारे में उनके विचार शायद सीमित थे। इस जापानी स्कूल की कला को बुजिंगा (शिक्षित लोगों की कला) कहा जाता था। बुजिंगा शैली में काम करने वाले सबसे प्रभावशाली कलाकारों में से एक इकेनो टैगा (1723-1776) थे, जो एक प्रसिद्ध कलाकार और सुलेखक थे। उनकी परिपक्व शैली की विशेषता हल्के टोन और स्याही के हल्के पंखदार स्ट्रोक से भरी मोटी समोच्च रेखाएं हैं; उन्होंने काली स्याही के चौड़े, मुक्त स्ट्रोक से भी पेंटिंग की, जिसमें हवा और बारिश में झुके हुए बांस के तने को दर्शाया गया। छोटी, घुमावदार रेखाओं के साथ, उन्होंने जंगल से घिरी झील के ऊपर धुंधले पहाड़ों के चित्रण में एक उत्कीर्णन जैसा प्रभाव प्राप्त किया।

17वीं सदी ईदो काल की कला के एक और उल्लेखनीय आंदोलन को जन्म दिया। ये तथाकथित उकियो-ए (बदलती दुनिया की तस्वीरें) हैं - सामान्य लोगों द्वारा और उनके लिए बनाई गई शैली के दृश्य। प्रारंभिक उकियो-ई क्योटो की पुरानी राजधानी में दिखाई दिए और मुख्य रूप से सुरम्य थे। लेकिन उनके उत्पादन का केंद्र जल्द ही ईदो में स्थानांतरित हो गया, और कारीगरों का ध्यान लकड़ी की नक्काशी पर केंद्रित हो गया। यूकेयो-ई के साथ वुडब्लॉक प्रिंट के घनिष्ठ संबंध ने यह गलत धारणा पैदा कर दी है कि वुडब्लॉक प्रिंट इस अवधि की खोज थे; वास्तव में, इसकी उत्पत्ति 11वीं शताब्दी में हुई थी। ऐसी प्रारंभिक छवियां प्रकृति में मन्नत थीं, जो बौद्ध धर्म के संस्थापकों और देवताओं को दर्शाती थीं, और कामाकुरा काल के दौरान, नक्काशीदार ब्लॉकों से कुछ कथात्मक स्क्रॉल पुन: प्रस्तुत किए गए थे। हालाँकि, उत्कीर्णन की कला 17वीं से 19वीं शताब्दी के मध्य की अवधि में विशेष रूप से लोकप्रिय हो गई।

उकियो-ए प्रिंट्स के विषय हँसमुख पड़ोस के सुंदर वैश्याएँ, पसंदीदा अभिनेता और नाटकों के दृश्य थे। प्रारंभिक, तथाकथित आदिम उत्कीर्णन काले रंग में, मजबूत लयबद्ध लहरदार रेखाओं के साथ निष्पादित किए गए थे, और सरल डिजाइनों की विशेषता थी। उन्हें कभी-कभी नारंगी-लाल रंग में हाथ से चित्रित किया जाता था जिसे तन-ए (चमकदार लाल पेंटिंग) कहा जाता था, जिसमें सरसों के पीले और हरे रंग के निशान होते थे। कुछ "आदिम" कलाकारों ने उरुशू-ए (लाह पेंटिंग) नामक हस्त चित्रकला का उपयोग किया, जिसमें अंधेरे क्षेत्रों को गोंद के अतिरिक्त बढ़ाया और उज्ज्वल किया गया था। 1741 या 1742 में प्रदर्शित प्रारंभिक बहु-रंग प्रिंट को बेनिज़ुरी-ई (क्रिमसन प्रिंट) कहा जाता था और आमतौर पर तीन रंगों का उपयोग किया जाता था - गुलाबी-लाल, हरा और कभी-कभी पीला। वास्तव में बहु-रंगीन प्रिंट, पूरे पैलेट का उपयोग करते हुए और जिन्हें निशिकी-ए (ब्रोकेड छवियां) कहा जाता है, 1765 में दिखाई दिए।

व्यक्तिगत प्रिंट बनाने के अलावा, कई उत्कीर्णकों ने किताबों का चित्रण किया और किताबों और स्क्रॉल पर कामुक चित्र बनाकर पैसा कमाया। यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि उकियो-ए उत्कीर्णन में तीन प्रकार की गतिविधि शामिल थी: यह ड्राफ्ट्समैन का काम था, जिसका नाम प्रिंट बोर, कार्वर और प्रिंटर था।

हिशिकावा मोरोनोबू (सी. 1625-1694) को उकियो-ए प्रिंटमेकिंग परंपरा का संस्थापक माना जाता है। इस आंदोलन के अन्य "आदिम" कलाकारों में कियोमासु (1694-1716) और काइगेत्सुडो समूह (कलाकारों की एक अजीब संगति जिसका अस्तित्व अस्पष्ट है), साथ ही ओकुमुरा मसानोबू (1686-1764) शामिल हैं।

बेनिज़ुरी-ई प्रिंट का उत्पादन करने वाले संक्रमणकालीन कलाकार इशिकावा टोयोनोबू (1711-1785), तोरी कियोहिरो (सक्रिय लगभग 1751-1760), और तोरी कियोमित्सु (1735-1785) थे।

सुज़ुकी हारुनोबू (1725-1770) के कार्यों ने पॉलीक्रोम उत्कीर्णन के युग की शुरुआत की। नरम, लगभग तटस्थ रंगों से भरपूर, सुंदर महिलाओं और वीर प्रेमियों से भरे, हारुनोबू के प्रिंट एक बड़ी सफलता थे। कात्सुकावा शुन्शो (1726-1792), तोरी कीनागा (1752-1815) और कितागावा उटामारो (1753-1806) ने लगभग उसी समय उनके साथ काम किया। उनमें से प्रत्येक ने इस शैली के विकास में योगदान दिया; उस्तादों ने सुंदर सुंदरियों और प्रसिद्ध अभिनेताओं को चित्रित करने वाली नक्काशी को पूर्णता में लाया। 1794-1795 में कुछ महीनों के दौरान, रहस्यमय तोसुसाई साराकू ने उस समय के अभिनेताओं के आश्चर्यजनक रूप से शक्तिशाली और स्पष्ट रूप से क्रूर चित्र बनाए।

19वीं सदी के पहले दशकों में. शैली परिपक्वता तक पहुंच गई थी और गिरावट शुरू हो गई थी। कात्सुशिका होकुसाई (1760-1849) और एंडो हिरोशिगे (1797-1858) उस युग के महानतम उस्ताद हैं, जिनका काम 19वीं शताब्दी में उत्कीर्णन की कला के पतन से जुड़ा है। और 20वीं सदी की शुरुआत में इसका नया पुनरुद्धार हुआ। दोनों मुख्य रूप से परिदृश्य चित्रकार थे जिन्होंने आधुनिक जीवन की घटनाओं को अपनी नक्काशी में दर्ज किया। नक्काशी करने वालों और मुद्रकों की तकनीक की शानदार महारत ने उत्कीर्णन में मनमौजी रेखाओं और डूबते सूरज की हल्की सी छाया या भोर में उगने वाले कोहरे को व्यक्त करना संभव बना दिया।

मीजी पुनर्स्थापना और आधुनिक काल।

अक्सर ऐसा होता है कि किसी विशेष लोगों की प्राचीन कला नामों, तिथियों और जीवित कार्यों में खराब होती है, इसलिए कोई भी निर्णय केवल बड़ी सावधानी और सशर्तता के साथ ही किया जा सकता है। हालाँकि, समकालीन कला को परखना कम कठिन नहीं है, क्योंकि हम किसी भी आंदोलन या कलाकार और उसके काम के पैमाने का सही आकलन करने के लिए ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य से वंचित हैं। जापानी कला का अध्ययन कोई अपवाद नहीं है, और अधिकतम जो किया जा सकता है वह समकालीन कला का एक चित्रमाला प्रस्तुत करना और कुछ अस्थायी प्रारंभिक निष्कर्ष निकालना है।

19वीं सदी के उत्तरार्ध में. जापानी बंदरगाहों को व्यापार के लिए फिर से खोल दिया गया और राजनीतिक परिदृश्य में बड़े बदलाव हुए। 1868 में, शोगुनेट को समाप्त कर दिया गया और सम्राट मीजी का शासन बहाल किया गया। सम्राट की आधिकारिक राजधानी और निवास को ईदो में स्थानांतरित कर दिया गया, और शहर को टोक्यो (पूर्वी राजधानी) के रूप में जाना जाने लगा।

जैसा कि अतीत में हुआ था, राष्ट्रीय अलगाव की समाप्ति ने अन्य देशों की उपलब्धियों में बहुत रुचि पैदा की। इस समय जापानियों ने विज्ञान एवं प्रौद्योगिकी के क्षेत्र में बहुत बड़ी छलांग लगाई। कलात्मक रूप से, मीजी युग (1868-1912) की शुरुआत प्रौद्योगिकी सहित हर पश्चिमी चीज़ की स्वीकृति को दर्शाती है। हालाँकि, यह उत्साह लंबे समय तक नहीं रहा, और इसके बाद आत्मसात करने का दौर आया, नए रूपों का उदय हुआ जिसमें उनकी अपनी परंपराओं और नए पश्चिमी रुझानों की ओर वापसी हुई।

उल्लेखनीय कलाकारों में कानो होगई (1828-1888), शिमोमुरा कंज़ान (1873-1916), ताकेउची सेइहो (1864-1924), और टोमिओका टेसाई (1836-1942) शामिल हैं। पहले तीन पारंपरिक जापानी शैली और विषय वस्तु का पालन करते थे, हालांकि वे मनोदशा और तकनीक में मौलिक होने का प्रयास करते थे। उदाहरण के लिए, सेहो ने क्योटो के शांत और रूढ़िवादी माहौल में काम किया। उनकी प्रारंभिक रचनाएँ प्रकृतिवादी मारुयामा शैली में बनाई गई थीं, लेकिन बाद में उन्होंने चीन में बड़े पैमाने पर यात्रा की और चीनी स्याही चित्रकला से गहराई से प्रभावित हुए। यूरोप के संग्रहालयों और प्रमुख कला केंद्रों की उनकी यात्राओं ने भी उनके काम पर छाप छोड़ी। इस समय के सभी उत्कृष्ट कलाकारों में से केवल एक टोमिओका टेसाई ही एक नई शैली विकसित करने के करीब आया था। उनके ऊर्जावान और शक्तिशाली कार्यों में खुरदुरी, मुड़ी हुई, दांतेदार रेखाओं और काली स्याही के धब्बों के साथ रंग के बारीक क्षेत्र शामिल हैं। बाद के वर्षों में, कुछ युवा तेल चित्रकार वहाँ सफल हुए जहाँ उनके दादा असफल रहे थे। इस असामान्य सामग्री के साथ काम करने के पहले प्रयास पेरिस के कैनवस की याद दिलाते थे और विशेष मूल्य या विशेष रूप से जापानी विशेषताओं में भिन्न नहीं थे। हालाँकि, अब असाधारण अपील के काम बनाए जा रहे हैं जिनमें रंग और शिष्टता की विशिष्ट जापानी भावना अमूर्त विषयों के माध्यम से चमकती है। अन्य कलाकार, अधिक प्राकृतिक और पारंपरिक स्याही के साथ काम करते हैं और कभी-कभी प्रारंभिक रूपांकन के रूप में सुलेख का उपयोग करते हुए, भूरे रंग के रंगों के साथ शानदार काले रंग में ऊर्जावान अमूर्त कार्य बनाते हैं।

जैसे ईदो काल में, 19वीं और 20वीं शताब्दी में। मूर्तिकला लोकप्रिय नहीं थी. लेकिन इस क्षेत्र में भी आधुनिक पीढ़ी के प्रतिनिधियों, जिन्होंने अमेरिका और यूरोप में अध्ययन किया, ने बहुत सफलतापूर्वक प्रयोग किए। छोटी कांस्य मूर्तियां, अमूर्त रूप में और अजीब नामों के साथ, रेखा और रंग की जापानी भावना को दर्शाती हैं, जो नरम हरे या गर्म भूरे पेटिना के उपयोग में स्पष्ट है; लकड़ी की नक्काशी सामग्री की बनावट के प्रति जापानी प्रेम की गवाही देती है।

सोसाकू हंगा, जापानी "रचनात्मक प्रिंट", केवल 20 वीं शताब्दी के पहले दशक में दिखाई दिया, लेकिन एक विशेष कला आंदोलन के रूप में इसने आधुनिक कला के अन्य सभी क्षेत्रों को पीछे छोड़ दिया। यह आधुनिक वुडब्लॉक प्रिंट, वास्तव में, पुराने ukiyo-e वुडब्लॉक प्रिंट का उत्तराधिकारी नहीं है; वे शैली, विषय और रचना के तरीकों में भिन्न हैं। कलाकारों, जिनमें से कई पश्चिमी चित्रकला से काफी प्रभावित थे, ने अपनी कलात्मक विरासत के महत्व को पहचाना और लकड़ी में अपने रचनात्मक आदर्शों को व्यक्त करने के लिए एक उपयुक्त सामग्री पाई। हैंगा मास्टर न केवल चित्रकारी करते हैं, बल्कि लकड़ी के ब्लॉकों पर चित्र भी उकेरते हैं और उन्हें स्वयं मुद्रित भी करते हैं। हालाँकि इस कला में सर्वोच्च उपलब्धियाँ लकड़ी के काम से जुड़ी हैं, सभी आधुनिक पश्चिमी उत्कीर्णन तकनीकों का उपयोग किया जाता है। पत्तियों, स्ट्रिंग और "पायी गई वस्तुओं" के साथ प्रयोग कुछ मामलों में अद्वितीय सतह बनावट प्रभाव पैदा कर सकता है। सबसे पहले, इस आंदोलन के उस्तादों को मान्यता लेने के लिए मजबूर किया गया था: आखिरकार, उकियो-ए स्कूल की सर्वोत्तम उपलब्धियों को भी बौद्धिक कलाकारों ने अनपढ़ भीड़ के साथ जोड़ा और सार्वजनिक कला माना। ओन्ची कोशिरो, हिरात्सुका यूनिची और माकावा सेनपैन जैसे कलाकारों ने प्रिंटमेकिंग के प्रति सम्मान बहाल करने और इसे ललित कला की एक योग्य शाखा के रूप में स्थापित करने के लिए बहुत कुछ किया। उन्होंने कई युवा कलाकारों को अपने समूह की ओर आकर्षित किया, और नक्काशी करने वालों की संख्या अब सैकड़ों में है। इस पीढ़ी के उन महारथियों में, जिन्होंने जापान और पश्चिम में पहचान हासिल की, वे हैं अज़ेची उमेटारो, मुनाकाता शिको, यामागुची जेन और सैतो कियोशी। ये ऐसे कलाकार हैं जिनकी नवीनता और निर्विवाद प्रतिभा ने उन्हें जापान के अग्रणी कलाकारों के बीच अपना उचित स्थान दिलाया है। उनके कई साथियों और अन्य युवा हंगा कलाकारों ने भी अद्भुत प्रिंट तैयार किए; तथ्य यह है कि हमने यहां उनके नामों का उल्लेख नहीं किया है, इसका मतलब यह नहीं है कि उनके काम का कम मूल्यांकन किया गया है।

सजावटी कला, वास्तुकला और उद्यान

पिछले अनुभाग मुख्य रूप से चित्रकला और मूर्तिकला से संबंधित हैं, जिन्हें अधिकांश देशों में ललित कला का मुख्य प्रकार माना जाता है। लेख के अंत में सजावटी कला और लोक शिल्प, उद्यान कला और वास्तुकला - उन रूपों को शामिल करना अनुचित हो सकता है जो जापानी कला का एक महत्वपूर्ण और अभिन्न अंग हैं। हालाँकि, वास्तुकला के संभावित अपवाद के साथ, उन्हें जापानी कला की सामान्य अवधि और शैली में बदलाव के बाहर विशेष विचार की आवश्यकता होती है।

चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन.

जापान में सबसे महत्वपूर्ण कला और शिल्प में चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन शामिल हैं। सिरेमिक कला स्वाभाविक रूप से दो श्रेणियों में आती है। बढ़िया पॉलीक्रोम इमरती, नबेशिमा और काकीमोन चीनी मिट्टी के बरतन का नाम उत्पादन के स्थानों से लिया गया था, और क्रीम या नीली-सफेद सतह पर इसकी समृद्ध पेंटिंग कुलीनता और अदालत के हलकों के लिए थी। असली चीनी मिट्टी के बरतन बनाने की प्रक्रिया जापान में 16वीं सदी के अंत या 17वीं सदी की शुरुआत में ज्ञात हुई; विषम या ब्रोकेड जैसे पैटर्न वाली चिकनी शीशे वाली प्लेटें और कटोरे, घर और पश्चिम दोनों जगह बेशकीमती हैं।

चीनी मिट्टी के बरतन के विपरीत, कम गुणवत्ता वाली मिट्टी या पत्थर के द्रव्यमान से बने मोटे व्यंजनों में, शिनो, ओरिबे और बिज़ेन की विशेषता, सामग्री पर ध्यान केंद्रित किया जाता है, सजावटी तत्वों की प्रतीत होता है लापरवाह, लेकिन विचारशील व्यवस्था। ज़ेन बौद्ध धर्म की अवधारणाओं से प्रभावित होकर, ऐसे बर्तन बौद्धिक हलकों में बहुत लोकप्रिय थे और व्यापक रूप से उपयोग किए जाते थे, खासकर चाय समारोहों में। कई कप, चायदानी और चायदानी, चाय समारोह की कला के गुण, ज़ेन बौद्ध धर्म के सार को दर्शाते हैं: सख्त आत्म-अनुशासन और सख्त सादगी। जापानी सजावटी कला के उत्कर्ष के दौरान, प्रतिभाशाली कलाकार कोरिन और केनज़न सिरेमिक उत्पादों की सजावट में लगे हुए थे। यह याद रखना चाहिए कि केनज़न की प्रसिद्धि एक चित्रकार के बजाय एक सेरेमिस्ट के रूप में उनकी प्रतिभा से अधिक जुड़ी हुई है। कुछ सबसे सरल जहाज प्रकार और तकनीकें लोक शिल्प परंपराओं से आती हैं। आधुनिक कार्यशालाएँ, पुरानी परंपराओं को जारी रखते हुए, सुंदर उत्पाद तैयार करती हैं जो उनकी सुरुचिपूर्ण सादगी से प्रसन्न होते हैं।

लाख उत्पाद.

पहले से ही 7वीं-8वीं शताब्दी में। वार्निश जापान में प्रसिद्ध था। इस समय से, बक्सों के ढक्कन संरक्षित किए गए हैं, जो लोगों की छवियों और पतली सोने की रेखाओं के साथ लगाए गए ज्यामितीय रूपांकनों से सजाए गए हैं। हम पहले ही 8वीं और 9वीं शताब्दी में मूर्तिकला के लिए सूखी वार्निश तकनीक के महत्व के बारे में बात कर चुके हैं; उसी समय और बाद में, सजावटी वस्तुएं जैसे पत्रों के लिए बक्से या धूप के लिए बक्से बनाए गए। ईदो काल के दौरान, ये उत्पाद बड़ी मात्रा में और सबसे शानदार सजावट के साथ बनाए गए थे। दोपहर के भोजन, केक, धूप और दवा के लिए शानदार ढंग से सजाए गए बक्से, जिन्हें इनरो कहा जाता है, इस समय में निहित विलासिता के धन और प्रेम को दर्शाते हैं। वस्तुओं की सतह को सोने और चांदी के पाउडर के पैटर्न, सोने की पन्नी के टुकड़ों से अलग-अलग या सीपियों, मदर-ऑफ-पर्ल, टिन और सीसा के मिश्र धातु आदि के साथ संयोजन में सजाया गया था; ये पैटर्न लाखदार लाल, काली या भूरी सतहों से भिन्न थे। कभी-कभी वार्निश के चित्र कलाकारों द्वारा बनाए जाते थे, उदाहरण के लिए कोरिन और कोएत्सु, लेकिन यह संभावना नहीं है कि उन्होंने व्यक्तिगत रूप से इन कार्यों में भाग लिया हो।

तलवारें.

जापानी, जैसा कि पहले ही कहा जा चुका है, अपने इतिहास के काफी समय तक योद्धाओं के लोग थे; आबादी के एक बड़े हिस्से के लिए हथियार और कवच को आवश्यकता माना जाता था। तलवार मनुष्य का गौरव थी; ब्लेड और तलवार के अन्य सभी हिस्सों, विशेष रूप से हैंडल (त्सुबा) दोनों को विभिन्न तकनीकों का उपयोग करके सजाया गया था। लोहे या कांसे से बने त्सुबा को सोने और चांदी की जड़ाई से सजाया जाता था, नक्काशी से ढका जाता था, या दोनों से सजाया जाता था। उन्होंने परिदृश्य या मानव आकृतियों, फूलों या हथियारों के पारिवारिक कोट (सोम) को चित्रित किया। यह सब तलवार निर्माताओं के काम का पूरक था।

कपड़े.

समृद्ध पैटर्न वाले रेशम और अन्य कपड़े, जो समृद्धि और प्रचुरता के समय में दरबार और पादरी द्वारा पसंद किए जाते थे, साथ ही लोक कला की विशेषता वाले लगभग आदिम डिजाइन वाले साधारण कपड़े भी राष्ट्रीय जापानी प्रतिभा की अभिव्यक्ति हैं। वैभवशाली जेनरोकू युग के दौरान अपने चरम पर पहुंचने के बाद, आधुनिक जापान में कपड़ा कला फिर से फली-फूली है। यह पश्चिम के विचारों और कृत्रिम रेशों को पारंपरिक रंगों और सजावटी रूपांकनों के साथ सफलतापूर्वक जोड़ता है।

उद्यान.

हाल के दशकों में, पश्चिमी जनता के इन कला रूपों के प्रति बढ़ते जोखिम के कारण जापानी उद्यानों और वास्तुकला में रुचि बढ़ी है। जापान में बगीचों का एक विशेष स्थान है; वे उच्च धार्मिक और दार्शनिक सत्य की अभिव्यक्ति और प्रतीक हैं, और ये अस्पष्ट, प्रतीकात्मक अर्थ, बगीचों की स्पष्ट सुंदरता के साथ मिलकर, पश्चिमी दुनिया की रुचि को आकर्षित करते हैं। यह नहीं कहा जा सकता कि उद्यानों के निर्माण का मुख्य कारण धार्मिक या दार्शनिक विचार थे, परंतु उद्यान की योजना बनाते और बनाते समय कलाकार-योजनाकार ऐसे तत्वों पर विचार करता था, जिनके चिंतन से दर्शक विभिन्न दार्शनिक सत्यों के बारे में सोचने के लिए प्रेरित होते थे। यहां ज़ेन बौद्ध धर्म का चिंतनशील पहलू असामान्य पत्थरों के एक समूह, टर्फ के साथ संयुक्त रेत और बजरी की लहरों, या पौधों की व्यवस्था में सन्निहित है ताकि उनके पीछे एक धारा गायब हो जाए और फिर से प्रकट हो, जो सभी दर्शकों को निर्माण के इरादों को पूरा करने के लिए प्रोत्साहित करते हैं। उद्यान विचार. स्पष्ट व्याख्याओं की अपेक्षा अस्पष्ट संकेतों को प्राथमिकता देना ज़ेन दर्शन की विशेषता है। इन विचारों की अगली कड़ी बौने बोन्साई पेड़ और गमलों में लगे छोटे बगीचे हैं, जो अब पश्चिम में लोकप्रिय हैं।

वास्तुकला।

जापान के मुख्य स्थापत्य स्मारक मंदिर, मठ परिसर, सामंती महल और महल हैं। प्राचीन काल से आज तक, लकड़ी मुख्य निर्माण सामग्री रही है और बड़े पैमाने पर डिजाइन सुविधाओं को निर्धारित करती है। सबसे पुरानी धार्मिक इमारतें राष्ट्रीय जापानी धर्म शिंटो के मंदिर हैं; ग्रंथों और रेखाचित्रों को देखते हुए, वे प्राचीन आवासों की तरह, फूस की छत वाली अपेक्षाकृत सरल संरचनाएं थीं। बौद्ध धर्म के प्रसार के बाद बनाए गए और उससे जुड़े मंदिर भवन शैली और लेआउट में चीनी प्रोटोटाइप पर आधारित थे। बौद्ध मंदिर वास्तुकला समय के साथ बदलती रही, और इमारतों की सजावट और व्यवस्था विभिन्न संप्रदायों के बीच भिन्न होती गई। जापानी इमारतों को ऊंची छतों वाले विशाल हॉल और कंसोल की जटिल प्रणालियों द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, और उनकी सजावट उनके समय के स्वाद को दर्शाती है। 7वीं शताब्दी की शुरुआत में नारा के पास बने होरियूजी कॉम्प्लेक्स की सरल और राजसी वास्तुकला, असुका काल की उतनी ही विशेषता है, जितनी हूडो के अनुपात की सुंदरता और सुंदरता, उजी में "फीनिक्स हॉल", लोटस झील में परिलक्षित होती है। , हेयान काल का है। एडो काल की अधिक विस्तृत इमारतों को उन्हीं "महान सज्जाकारों" द्वारा बनाए गए बड़े पैमाने पर चित्रित स्लाइडिंग दरवाजे और स्क्रीन के रूप में अतिरिक्त सजावट मिली, जिन्होंने खाई वाले महल और सामंती महलों के अंदरूनी हिस्सों को सजाया था।

जापान की वास्तुकला और उद्यान इतनी गहराई से जुड़े हुए हैं कि उन्हें एक-दूसरे का हिस्सा माना जा सकता है। यह चाय समारोह के लिए इमारतों और उद्यान घरों के लिए विशेष रूप से सच है। उनके खुलेपन, सादगी और परिदृश्य और परिप्रेक्ष्य के साथ सावधान संबंध का आधुनिक पश्चिमी वास्तुकला पर बड़ा प्रभाव है।

पश्चिम पर जापानी कला का प्रभाव

केवल एक शताब्दी के भीतर जापान की कला पश्चिम में प्रसिद्ध हो गई और उस पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। पहले संपर्क थे (उदाहरण के लिए, डच नागासाकी के बंदरगाह के माध्यम से जापान के साथ व्यापार करते थे), लेकिन 17वीं शताब्दी में जो वस्तुएं यूरोप पहुंचीं वे मुख्य रूप से लागू कला के काम थे - चीनी मिट्टी के बरतन और लाह के बर्तन। उन्हें उत्सुकता से जिज्ञासावश एकत्र किया गया और विभिन्न तरीकों से नकल की गई, लेकिन इन सजावटी निर्यातों ने जापानी कला के सार और गुणवत्ता को प्रतिबिंबित नहीं किया और यहां तक ​​कि जापानियों को पश्चिमी स्वाद का एक अप्रिय विचार भी दिया।

पहली बार पश्चिमी चित्रकला यूरोप में जापानी कला से सीधे प्रभावित हुई, वह 1862 में लंदन में विशाल अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनी के दौरान हुई थी। पांच साल बाद जब पेरिस प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया, तो जापानी वुडब्लॉक प्रिंट ने फिर से बहुत रुचि जगाई। उत्कीर्णन के कई निजी संग्रह तुरंत सामने आए। डेगास, मानेट, मोनेट, गौगुइन, वान गाग और अन्य लोगों ने जापानी रंगीन प्रिंटों को एक रहस्योद्घाटन के रूप में माना; प्रभाववादियों पर जापानी प्रिंट का हल्का लेकिन हमेशा पहचाना जाने वाला प्रभाव अक्सर देखा जाता है। अमेरिकी व्हिस्लर और मैरी कसाट उकियो-ए प्रिंट और पेंटिंग की रेखा और चमकीले रंग के धब्बों के संयम से आकर्षित हुए।

1868 में जापान को विदेशियों के लिए खोलने से सभी पश्चिमी चीजों के प्रति दीवानगी पैदा हो गई और जापानी लोग अपनी समृद्ध संस्कृति और कलात्मक विरासत से दूर हो गए। इस समय, कई खूबसूरत पेंटिंग और मूर्तियां बेची गईं और पश्चिमी संग्रहालयों और निजी संग्रहों में समाप्त हो गईं। इन वस्तुओं की प्रदर्शनियों ने पश्चिम को जापान से परिचित कराया और सुदूर पूर्व की यात्रा में रुचि जगाई। बेशक, द्वितीय विश्व युद्ध के अंत में अमेरिकी सैनिकों द्वारा जापान पर कब्ज़ा करने से जापानी मंदिरों और उनके खजानों के बारे में अधिक जानने और जानने के लिए पहले से कहीं अधिक अवसर खुल गए। यह रुचि अमेरिकी संग्रहालयों में उपस्थिति में परिलक्षित हुई। आम तौर पर पूर्व में रुचि जापानी कला के कार्यों की प्रदर्शनियों के आयोजन से जगी, जिन्हें जापानी सार्वजनिक और निजी संग्रहों से चुना गया और अमेरिका और यूरोप में लाया गया।

हाल के दशकों में वैज्ञानिक अनुसंधान ने इस धारणा का खंडन करने के लिए बहुत कुछ किया है कि जापानी कला केवल चीनी कला का प्रतिबिंब है, और अंग्रेजी में कई जापानी प्रकाशनों ने पश्चिम को पूर्व के आदर्शों से परिचित कराया है।