Stāsts par simfonisko orķestri bērniem. Orķestru veidi, kas izpilda instrumentālo un simfonisko mūziku. Orķestra žanri un formas

Vārds “orķestris” tagad ir pazīstams ikvienam skolēnam. Tā sauc lielu mūziķu grupu, kas kopīgi izpilda kādu skaņdarbu. Tikmēr iekšā Senā Grieķija Ar jēdzienu "orķestris" (no kura vēlāk izveidojās mūsdienu vārds "orķestris") tika apzīmēta vieta skatuves priekšā, kur atradās koris, kas bija neaizstājams sengrieķu traģēdijas dalībnieks. Vēlāk tajā pašā vietā sāka atrasties mūziķu grupa, un to sauca par “orķestri”.

Ir pagājuši gadsimti. Un tagad pašam vārdam "orķestris" nav īpašas nozīmes. Mūsdienās ir dažādi orķestri: pūtēju orķestri, folkorķestri, akordeonu orķestri, kamerorķestri, popdžeza orķestri uc Bet neviens no tiem nevar izturēt konkurenci ar "skaņas brīnumu"; Tā bieži un, protams, pilnīgi pamatoti sauc simfonisko orķestri.

Simfoniskā orķestra iespējas ir patiesi bezgalīgas. Viņa rīcībā ir visas skaņas nokrāsas, sākot no tikko dzirdamām vibrācijām un šalkoņiem līdz spēcīgiem pērkona skaņām. Un jēga nav pat pašā dinamisko nokrāsu plašumā (tās vispār ir pieejamas jebkuram orķestrim), bet tajā valdzinošajā izteiksmībā, kas vienmēr pavada īstu simfonisko šedevru skanējumu. Šeit palīgā nāk tembru kombinācijas, spēcīgi viļņveidīgi kāpumi un kritumi, izteiksmīgas solo notis un sapludināti skaņu slāņi.

Klausieties dažus simfoniskās mūzikas piemērus. Atcerieties slavenā krievu komponista A. Ļadova pasaku attēlu “Burvju ezers”, kas ir pārsteidzošs savā dvēseliskajā klusumā. Attēla tēma šeit ir daba tās neskartajā, statiskajā stāvoklī. To komponists uzsver arī savā izteikumā par “Burvju ezeru”: “Cik gleznaini, tīri, ar zvaigznēm un noslēpumu dziļumos! Un pats galvenais – bez cilvēkiem, bez viņu lūgumiem un sūdzībām – tikai mirusī daba – auksta, ļauna, bet fantastiska, kā pasakā.” Tomēr Ļadova partitūru nevar saukt par mirušu vai aukstu. Gluži otrādi, to sasilda silta liriska sajūta – godbijīga, bet atturīga.

Slavenais padomju muzikologs B. Asafjevs rakstīja, ka šajā "poētiskajā kontemplatīvajā muzikālajā attēlā... Ļadova daiļrade pārvalda liriskās simfoniskās ainavas sfēru". “Burvju ezera” krāsaino paleti veido aizplīvurotas, klusinātas skaņas, šalkoņas, šalkas, tikko pamanāmas šļakatas un vibrācijas. Šeit dominē plāni ažūra pieskārieni. Dinamiskā uzkrāšanās tiek samazināta līdz minimumam. Visām orķestra balsīm ir neatkarīga vizuālā slodze. Nav melodiskas attīstības vārda tiešā nozīmē; kā mirgojoši spilgtākie momenti, mirdz atsevišķas īsas frāzes-motīvi... Ļadovs, kurš prata jūtīgi “sadzirdēt klusumu”, ar apbrīnojamu prasmi glezno apburta ezera ainu – dūmakainu, bet iedvesmotu attēlu, pasakaina aromāta pilnu un tīru. , šķīsts skaistums. Šādu ainavu varētu “uzgleznot” tikai ar simfoniskā orķestra palīdzību, jo neviens instruments un neviens cits “orķestra organisms” nespēj attēlot tik vizuālu ainu un atrast tai tik smalkas tembrālas krāsas un nokrāsas.

Bet šeit ir pretējā tipa piemērs - slavenās A. Skrjabina “Ekstāzes poēmas” fināls. Komponists šajā darbā parāda cilvēka stāvokļu un darbību daudzveidību vienmērīgā un loģiski pārdomātā attīstībā; mūzika konsekventi pārraida inerci, gribas modināšanu, konfrontāciju ar draudošiem spēkiem, cīņu pret tiem. Kulminācija seko kulminācijai. Tuvojoties dzejoļa beigām, spriedze pieaug, gatavojot jaunu, vēl grandiozāku pacēlumu. “Ekstāzes poēmas” epilogs pārvēršas par žilbinošu kolosāla vēriena ainu. Uz dzirkstošā fona, kas mirdz visās krāsās (ar milzīgo orķestri pievienotas arī ērģeles), astoņi ragi un trompete priecīgi pasludina galveno muzikālā tēma, kuras skanīgums uz beigām sasniedz pārcilvēcisku spēku. Neviens cits ansamblis nevar sasniegt tādu skaņas spēku un majestātiskumu. Tikai simfoniskais orķestris spēj tik bagātīgi un vienlaikus krāsaini izteikt sajūsmu, sajūsmu un trakulīgu sajūtu uzplūdu.

Ļadova “Burvju ezers” un “Ekstāzes poēmas” epilogs ir, tā teikt, ekstrēmais skanējums un dinamiskie stabi bagātīgajā simfoniskā orķestra skaņu paletē.

Tagad pievērsīsimies cita veida piemēram. D. Šostakoviča Vienpadsmitās simfonijas otrajai daļai ir apakšvirsraksts “9. janvāris”. Tajā komponists stāsta par baisajiem “Asiņainās svētdienas” notikumiem. Un tajā brīdī, kad pūļa kliedzieni un vaidi, ieroču zalves, karavīra soļa dzelžainais ritms saplūst apbrīnojama spēka un spēka skaņu bildē, apdullinošā straume pēkšņi beidzas... Un sekojošajā klusumā, stīgu instrumentu “svilpojošie” čuksti skaidri dzirdama kora klusā un sērīgā dziedāšana. Pēc muzikologa G. Orlova trāpīgās definīcijas, rodas iespaids, “it kā Pils laukuma gaiss stenētu no skumjām, ieraugot notikušo zvērību”. Ar izcilu tembra izjūtu un izcilu instrumentālās rakstīšanas meistarību D. Šostakovičs spēja radīt kora skanējuma ilūziju ar tīri orķestrāliem līdzekļiem. Bija pat gadījumi, kad vienpadsmitās simfonijas pirmajos atskaņojumos klausītāji nepārtraukti cēlās no vietām, domājot, ka uz skatuves aiz orķestra ir koris...

Simfoniskais orķestris spēj nodot visdažādākos naturālistiskus efektus. Jā, izcili Vācu komponists Ričards Štrauss simfoniskajā poēmā “Dons Kihots”, ilustrējot slaveno Servantesa romāna epizodi, pārsteidzoši “vizuāli” atainoja aitu ganāmpulka blēšanu orķestrī. "Suite" numurā franču komponists C. Saint-Saens "Dzīvnieku karnevāls" asprātīgi pārraida ēzeļu saucienus, neveiklo ziloņa gaitu un nemierīgo vistu un gaiļu zvanīšanu. Francūzis Pols Dukass simfoniskajā skerco “Burvja māceklis” (rakstīts pēc V. Gētes tāda paša nosaukuma balādes) izcili uzgleznoja savvaļas ūdens stihijas attēlu (vecā burvja prombūtnē skolēns nolemj pārvērst slotu par kalpu: viņš piespiež viņu nest ūdeni, kas pakāpeniski applūst visu māju ). Nav pat jāsaka, cik onomatopoētisku efektu ir izkaisīti operas un baleta mūzikā; šeit tie tiek nodoti arī ar simfoniskā orķestra līdzekļiem, bet tos mudina tiešā skatuves situācija, nevis literāra programma, kā simfoniskajos darbos. Pietiek atgādināt tādas operas kā N. Rimska-Korsakova “Pasaka par caru Saltānu” un “Sniega meitene”, I. Stravinska baletu “Petruška” un citas. Simfoniskajos koncertos bieži tiek atskaņoti fragmenti vai svītas no šiem darbiem .

Un cik daudz lielisku, gandrīz vizuālu gleznu jūras elementi var atrast simfoniskajā mūzikā! N. Rimska-Korsakova svīta "Šeherezāde", K. Debisī "Jūra", F. Mendelsona uvertīra "Jūras klusums un laimīga burāšana", P. Čaikovska simfoniskās fantāzijas "Vētra" un "Jūra" autors A. Glazunovs - šādu darbu saraksts ir ļoti plašs. Simfoniskajam orķestrim ir rakstīti daudzi darbi, kas attēlo dabas attēlus vai satur trāpīgas ainavas skices. Nosauksim, piemēram, L. Bēthovena Sesto (“Pastorālo”) simfoniju ar pēkšņa pērkona negaisa attēlu, kas pārsteidzoša savā tēla spēkā, A. Borodina simfonisko attēlu “Vidusāzijā”, simfonisko fantāziju A. Glazunova “Mežs”, “aina laukos” no G. Berlioza fantastiskajām simfonijām. Taču visos šajos darbos dabas tēlojums vienmēr ir saistīts ar paša komponista emocionālo pasauli, kā arī ar ideju, kas nosaka darba būtību kopumā. Un vispār aprakstoši, naturālistiski, onomatopoētiski momenti simfoniskajos audeklos aizņem ļoti nelielu daļu. Turklāt pati programmu mūzika, tas ir, mūzika, kas konsekventi nodod literāro sižetu, arī neieņem vadošo vietu starp simfoniskajiem žanriem. Galvenais, ar ko simfoniskais orķestris var lepoties, ir tā bagātīgā daudzveidīgo izteiksmes līdzekļu palete, tās ir kolosālas, vēl neizsmeltas iespējas dažādas kombinācijas un instrumentu kombinācijas, tie ir bagātākie tembrālie resursi no visām orķestri veidojošajām grupām.

Simfoniskais orķestris krasi atšķiras no citām instrumentālajām grupām ar to, ka tā sastāvs vienmēr ir stingri noteikts. Ņemiet, piemēram, neskaitāmos popdžeza ansambļus, kas tagad ir pārpilnībā gandrīz visos pasaules malās. Tie nepavisam nav līdzīgi viens otram: atšķiras instrumentu skaits (no 3-4 līdz diviem desmitiem vai vairāk) un dalībnieku skaits. Bet pats galvenais, ka šie orķestri savā skanējumā nav līdzīgi. Dažos dominē stīgas, citos saksofoni un misiņš; atsevišķos ansambļos vadošo lomu spēlē klavieres (balstās bungas un kontrabass); dažādu valstu poporķestri ietver nacionālos instrumentus utt. Tādējādi gandrīz katrs pop vai džeza orķestris nepieturas pie stingri noteikta instrumentālā sastāva, bet gan brīvi izmanto dažādu instrumentu kombinācijas. Tāpēc viens un tas pats skaņdarbs dažādās popdžeza grupās skan atšķirīgi: katra piedāvā savu specifisko traktējumu. Un tas ir saprotams: galu galā džezs ir māksla, kas būtībā ir improvizācija.

Ir dažādi pūtēju orķestri. Daži sastāv tikai no metāla pūšamajiem instrumentiem (ar obligātu sitaminstrumentu iekļaušanu). Un lielākā daļa nevar iztikt bez koka pūšaminstrumentiem – flautām, obojām, klarnetēm, fagotiem. Arī tautas instrumentu orķestri atšķiras viens no otra: krievu tautas orķestris nav līdzīgs kirgīzu orķestrim, un itāļu orķestris nav līdzīgs. tautas orķestri Skandināvijas valstis. Un tikai simfoniskajam orķestrim – lielākajam muzikālajam organismam – ir sen izveidots, stingri noteikts sastāvs. Tāpēc vienā valstī rakstītu simfonisko darbu var izpildīt jebkurš simfoniskais ansamblis citā valstī. Tāpēc simfoniskās mūzikas valoda patiešām ir starptautiska valoda. Tas ir izmantots vairāk nekā divus gadsimtus. Un viņš nenoveco. Turklāt nekur nenotiek tik daudz interesantu “iekšēju” izmaiņu, kā mūsdienās simfoniskais orķestris. No vienas puses, bieži vien papildināts ar jaunām tembru krāsām, orķestris ar katru gadu kļūst bagātāks, no otras puses, arvien skaidrāk izceļas tā galvenais skelets, kas veidojies tālajā 18. gadsimtā. Un dažkārt mūsu laika komponisti, pievēršoties tik “vecmodīgam” skaņdarbam, kārtējo reizi pierāda, cik lielas joprojām ir tā izteiksmes spējas...

Varbūt neviena cita mūzikas grupa nav radījusi tik daudz brīnišķīgas mūzikas! Spožajā simfonisko komponistu plejādi skan Haidna un Mocarta, Bēthovena un Šūberta, Mendelsona un Šūmaņa, Berlioza un Brāmsa, Lista un Vāgnera, Grīga un Dvoržāka, Gļinkas un Borodina, Rimska-Korsakova un Čaikovska, S. Rahmaņinova, Glabiņa un S. un Taņejevs, spīd Mālers un Brukners, Debisī un Ravels, Sibēliuss un R. Štrauss, Stravinskis un Bartoks, Prokofjevs un Šostakovičs. Turklāt simfoniskais orķestris, kā zināms, ir neaizstājams operas un baleta izrādes dalībnieks. Un tāpēc simtiem simfonisko darbu jāpievieno tie fragmenti no operām un baletiem, kuros orķestrim (nevis solistiem, korim vai vienkārši skatuves darbībai) ir primārā loma. Bet tas vēl nav viss. Mēs skatāmies simtiem filmu, un lielāko daļu no tām “apskaņo” simfoniskais orķestris.

Radio, televīzija, kompaktdiski un caur tiem - simfoniskā mūzika ir stingri ienākusi mūsu dzīvē. Daudzos kinoteātros pirms seansiem spēlē mazi simfoniskie orķestri. Šādi orķestri tiek veidoti arī pašdarbības priekšnesumos. Citiem vārdiem sakot, no milzīgā, gandrīz milzīgā mūzikas okeāna, kas mūs ieskauj, laba puse tā vai citādi ir saistīta ar simfonisko skanējumu. Simfonijas un oratorijas, operas un baleti, instrumentālie koncerti un svītas, mūzika teātrim un kino – visi šie (un daudzi citi) žanri vienkārši nevar iztikt bez simfoniskā orķestra.

Tomēr būtu nepareizi uzskatīt, ka kāds muzikālā kompozīcija var izpildīt orķestrī. Galu galā, šķiet, ka, zinot instrumentācijas principus un likumus, katrs kompetents mūziķis var orķestrēt klavieres vai kādu citu skaņdarbu, tas ir, ietērpt to košā simfoniskā tērpā. Tomēr praksē tas notiek salīdzinoši reti. Ne velti N. Rimskis-Korsakova teica, ka instrumentācija ir “viens no paša skaņdarba dvēseles aspektiem”. Tāpēc, jau domājot par ideju, komponists rēķinās ar noteiktu instrumentālu skaņdarbu. Tāpēc simfoniskajam orķestrim var rakstīt gan vieglus, nepretenciozus gabalus, gan grandiozu, liela mēroga audeklus.

Taču ir gadījumi, kad skaņdarbs saņem otro dzīvi jaunā, simfoniskā versijā. Tas notika ar M. Musorgska spožo klavierciklu “Bildes izstādē”: to meistarīgi orķestrējis M. Ravels. (Bija arī citi, mazāk veiksmīgi mēģinājumi orķestrēt attēlus izstādē.) M. Musorgska operu “Boriss Godunovs” un “Hovanščina” partitūras atkal atdzīvojās D. Šostakoviča vadībā, kurš izpildīja savu jauno orķestra izdevumu. . Dažkārt komponista radošajā mantojumā mierīgi līdzās pastāv divas viena un tā paša darba versijas - solo instrumentālā un simfoniskā. Šādu piemēru ir maz, bet tie ir diezgan interesanti. Ravela Pavane eksistē gan klavieru, gan orķestra versijās, un abi dzīvo līdzvērtīgu koncertdzīvi. Prokofjevs orķestrēja savas Ceturtās klaviersonātes lēno daļu, padarot to par neatkarīgu, tīri simfonisku darbu. Ļeņingradas komponists S. Slonimskis pēc tautas tekstiem sarakstījis vokālo ciklu “Brīvnieku dziesmas”; Šim skaņdarbam ir arī divas vienādas mākslinieciskas nozīmes versijas: vienu pavada klavieres, otru pavada orķestra pavadījums. Tomēr visbiežāk, kad komponists ķeras pie darba, viņam ir laba ideja ne tikai par skaņdarba ideju, bet arī par tās tembrālo iemiesojumu. Un tādi žanri kā simfonija, instrumentālais koncerts, simfoniskā poēma, svīta, rapsodija u.c. vienmēr ir cieši saistīti ar simfoniskā orķestra skanējumu, varētu pat teikt, no tā neatdalāmi.

Koka pūšaminstrumenti

Flauta (itāļu flauto, franču flauta, vācu flote, angļu flauta)

Flauta ir viens no vecākajiem instrumentiem pasaulē, pazīstams jau senos laikos – Ēģiptē, Grieķijā un Romā. Kopš seniem laikiem cilvēki ir iemācījušies iegūt mūzikas skaņas no nopļautām niedrēm, kas ir aizvērtas vienā galā. Šis primitīvais mūzikas instruments acīmredzot bija flautas tāls sencis. Eiropā viduslaikos plaši izplatījās divu veidu flautas: taisnās un šķērseniskās. Taisnā flauta jeb "flauta ar smaili" tika turēta taisni jūsu priekšā, piemēram, oboja vai klarnete; slīpi, vai šķērseniski - leņķī. Šķērsflauta izrādījās dzīvotspējīgāka, jo to bija viegli uzlabot. 18. gadsimta vidū tas beidzot aizstāja tiešo flautu no simfoniskā orķestra. Tajā pašā laikā flauta kopā ar arfu un klavesīnu kļuva par vienu no iecienītākajiem instrumentiem mājas mūzikas atskaņošanai. Flautu, piemēram, spēlēja krievu mākslinieks Fedotovs un Prūsijas karalis Frederiks II.

Flauta ir veiklākais koka pūšaminstrumentu grupas instruments: virtuozitātes ziņā tā pārspēj visus citus pūšaminstrumentus. Piemērs tam ir Ravela baleta svīta “Dafnis un Hloja”, kur flauta faktiski darbojas kā solo instruments.

Flauta ir cilindriska caurule, koka vai metāla, slēgta vienā pusē - pie galvas. Ir arī sānu caurums gaisa iesmidzināšanai. Flautas spēlēšana prasa lielu gaisa patēriņu: pūšot iekšā, daļa no tā saplīst uz asās bedres malas un izplūst. Tas rada raksturīgu šņākoņu skaņu, īpaši zemā reģistrā. Tā paša iemesla dēļ uz flautas ir grūti atskaņot ilgstošas ​​notis un plašas melodijas.

Flautas skanīgumu Rimskis-Korsakovs raksturoja šādi: "Tembrs ir auksts, vispiemērotākais gracioza un vieglprātīga rakstura melodijām mažorā un ar virspusēju skumju pieskaņu minorā."

Bieži vien komponisti izmanto trīs flautu ansambli. Kā piemēru var minēt ganu deju no Čaikovska "Riekstkodis".

Oboja (vācu: Oboe)

Oboja konkurē ar flautu savā senatnē: tās izcelsme meklējama primitīvajā caurulē. No obojas senčiem visizplatītākais bija grieķu aulos, bez kura senie hellēņi nevarēja iedomāties ne svētkus, ne teātra izrādi. Obojas senči Eiropā ieradās no Tuvajiem Austrumiem.

17. gadsimtā oboja tika izveidota no bombardas, pīpes tipa instrumenta, kas uzreiz kļuva populārs orķestrī. Drīz tas kļuva par koncertinstrumentu. Gandrīz gadsimtu oboja ir bijusi mūziķu un mūzikas mīļotāju elks. 17. un 18. gadsimta labākie komponisti - Lully, Rameau, Bahs, Hendel - izrādīja cieņu šim hobijam: Hendelis, piemēram, rakstīja koncertus obojai, kuru sarežģītība var mulsināt pat mūsdienu obojistus. Taču 19. gadsimta sākumā obojas “kults” orķestrī nedaudz izplēnēja, un koka pūšaminstrumentu grupā vadošā loma pārgāja klarnetei.

Savā struktūrā oboja ir koniska caurule; vienā galā ir neliels piltuves formas zvaniņš, otrā ir spieķis, ko izpildītājs tur mutē.

Pateicoties dažām dizaina iezīmēm, oboja nekad nezaudē noskaņojumu. Tāpēc par tradīciju ir kļuvusi visa orķestra noskaņošana uz to. Pirms simfoniskā orķestra, kad mūziķi pulcējas uz skatuves, bieži var dzirdēt, kā obojists spēlē A pirmajā oktāvā, savukārt citi izpildītāji skaņo savus instrumentus.

Obojai ir elastīga tehnika, lai gan tā šajā ziņā ir zemāka par flautu. Tas vairāk ir dziedāšanas instruments nekā virtuozs: tā joma, kā likums, ir skumjas un elegance. Tā tas skan gulbju tēmā no starpbrīža līdz otrajam Gulbju ezera cēlienam un Čaikovska 4. simfonijas otrās daļas vienkāršajā melanholiskajā melodijā. Reizēm obojai tiek piešķirtas “komiskas lomas”: piemēram, Čaikovska operā “Guļošā skaistule” variācijā “Kaķis un kaķītis” oboja uzjautrinoši atdarina kaķa ņaudēšanu.

Fagots (itāļu fagotto, vācu Fagott, franču fagots, angļu fagotts)

Par fagota priekšteci tiek uzskatīta senā basa caurule – bombarda. Fagotu, kas to aizstāja, uzbūvēja kanoniķis Afranio degli Albonesi 16. gadsimta pirmajā pusē. Lielā koka caurule, kas saliekta uz pusēm, atgādināja malkas kūli, kas atspoguļojas instrumenta nosaukumā (itāļu vārds fagotto nozīmē “pediņš”). Fagots savaldzināja savus laikabiedrus ar tembra eifoniju, kuri, atšķirībā no bombardētāju aizsmakušā balss, sāka viņu saukt par “dolcino” - mīļu.

Pēc tam, saglabājot savu ārējo kontūru, fagots tika nopietni uzlabots. No 17. gadsimta viņš pievienojās simfoniskajam orķestrim, bet no 18. gadsimta - militārajam orķestrim. Fagota konusveida koka muca ir ļoti liela, tāpēc tā ir “salocīta” uz pusēm. Instrumenta augšpusē ir piestiprināta izliekta metāla caurule, uz kuras tiek uzlikts spieķis. Spēlējot fagots tiek piekārts uz auklas no izpildītāja kakla.

18. gadsimtā instruments bija ļoti mīlēts savu laikabiedru vidū: daži to sauca par "lepniem", citi to sauca par "maigām, melanholiskām, reliģiozām". Rimskis-Korsakovs fagota krāsu definēja ļoti savdabīgi: "Tembrs ir senili izsmējīgs mažorā un sāpīgi skumjš minorā." Fagota spēlēšana prasa daudz elpas, un forte zemā reģistrā var izraisīt ārkārtīgu nogurumu izpildītājam. Instrumenta funkcijas ir ļoti dažādas. Tiesa, 18. gadsimtā tie bieži aprobežojās ar stīgu basu atbalstīšanu. Taču 19. gadsimtā ar Bēthovenu un Vēberu fagots kļuva par orķestra individuālo balsi, un katrs nākamais meistars tajā atrada jaunas īpašības. Mejerbērs filmā "Roberts the Devil" lika fagotiem attēlot "nāvējošus smieklus, no kuriem sals ložņā pa ādu" (Berlioza vārdi). Rimskis-Korsakovs “Šeherezādē” (stāsts par Kalenderu Careviču) fagotā atklāja poētisku teicēju. Šajā pēdējā lomā fagots uzstājas īpaši bieži – iespējams, tāpēc Tomass Manns fagotu nosauca par “izsmieklu putnu”. Piemēri ir atrodami humoristiskajā skerco četriem fagotiem un Prokofjeva Pēteris un vilks, kur fagotam ir piešķirta Vectēva "loma", vai Šostakoviča devītās simfonijas fināla sākumā.

kontrafagots

Fagota šķirnes mūsu laikā ir ierobežotas tikai ar vienu pārstāvi - kontrafagotu. Šis ir orķestra zemākais instruments. Tikai ērģeļu pedāļa bass skan zemāk par kontrafagota ekstrēmajām skaņām.

Ideja turpināt fagota skalu uz leju radās jau sen – pirmais kontrafagots tika uzbūvēts 1620. gadā. Bet tas bija tik nepilnīgs, ka līdz 19. gadsimta beigām, kad instruments tika uzlabots, to izmantoja ļoti maz: reizēm Haidns, Bēthovens, Glinka.

Mūsdienu kontrafagots ir trīs reizes izliekts instruments: tā garums atlocītā veidā ir 5 m 93 cm (!); tehnikā tas atgādina fagotu, bet ir mazāk veikls un ar biezu, gandrīz ērģeļveidīgu tembru. 19. gadsimta komponisti - Rimskis-Korsakovs, Brāmss - parasti pievērsās kontrafagotam, lai pastiprinātu basu. Bet dažreiz viņam tiek rakstīti interesanti solo, piemēram, "Skaistules un zvēra sarunā" (balets "Mana zosu māte") viņam piešķīra briesmoņa balsi.

Klarnete (itāļu klarnete, vācu klarnete, franču klarnete)

Kamēr oboja, flauta un fagots orķestrī spēlē vairāk nekā četrus gadsimtus, klarnete nostiprinājās tikai 18. gadsimtā. Klarnetes sencis bija viduslaiku tautas instruments - Chalumeau caurule. Domājams, ka 1690. gadā vācu meistaram Deneram izdevās to uzlabot. Instrumenta augšējais reģistrs pārsteidza laikabiedrus ar savu aso un caururbjošo tembru - uzreiz atgādināja trompetes skaņu, ko tolaik sauca par klarīnu. Jauno instrumentu sauca par klarnetu, kas nozīmē "mazā trompete".

Pēc izskata klarnete atgādina oboju. Tā ir cilindriska koka caurule ar vainaga formas zvaniņu vienā galā un spieķa galu otrā.

No visiem koka pūšamajiem instrumentiem tikai klarnete spēj elastīgi mainīt skaņas stiprumu. Šī un daudzas citas klarnetes īpašības padarīja tās skanējumu par vienu no izteiksmīgākajām balsīm orķestrī. Interesanti, ka divi krievu komponisti, kas nodarbojas ar vienu un to pašu sižetu, rīkojās tieši tāpat: abās Rimska-Korsakova un Čaikovska “Sniega meitenēs” Lelas ganu melodijas uzticētas klarnetei.

Klarnetes tembrs bieži asociējas ar tumšām, dramatiskām situācijām. Šo izteiksmes jomu “atklāja” Vēbers. "Burvju šāvēja" "Vilku ielejas" ainā viņš vispirms uzminēja, kādi traģiski efekti slēpjas instrumenta zemajā reģistrā. Vēlāk Čaikovskis filmā Pīķa dāma izmantoja šausminošo zemo klarnešu skaņu, kad parādās grāfienes rēgs.

Mazā klarnete.

Mazā klarnete simfoniskajam orķestrim nonāca no militārā pūtēju orķestra. Berliozs to vispirms izmantoja, uzticot viņam sagrozīto “mīļoto tēmu” Fantastiskās simfonijas pēdējā daļā. Vāgners, Rimskis-Korsakovs un R. Štrauss bieži pievērsās mazajai klarnetei. Šostakovičs.

Basethorn.

18. gadsimta beigās klarnešu ģimene tika bagātināta ar vēl vienu locekli: orķestrī parādījās baseta rags - veca šķirne alta klarnete. Tas bija lielāks par galveno instrumentu, un tā tembrs - mierīgs, svinīgs un matēts - ieņēma starpstāvokli starp parasto un basa klarneti. Orķestrī viņš palika tikai dažas desmitgades un savus ziedu laikus bija parādā Mocartam. Tieši diviem baseta ragiem ar fagotiem tika uzrakstīts “Rekviēma” sākums (tagad baseta ragus aizstāj klarnetes).

Mēģinājums šo instrumentu atdzīvināt ar alta klarnetes nosaukumu bija R. Štrausa izpildījumā, taču kopš tā laika tas, šķiet, nav atkārtojies. Mūsdienās baseta ragi ir iekļauti militārajās grupās.

Basklarnete.

Basklarnete ir “iespaidīgākais” ģimenes pārstāvis. Uzcelta 18. gadsimta beigās, tā ir ieguvusi spēcīgas pozīcijas simfoniskajā orķestrī. Šī instrumenta forma ir diezgan neparasta: tā zvans ir saliekts uz augšu, piemēram, smēķēšanas caurule, un iemutnis ir uzstādīts uz izliekta stieņa - tas viss, lai samazinātu instrumenta pārmērīgo garumu un atvieglotu tā lietošanu. Mejerbērs bija pirmais, kurš “atklāja” šī instrumenta milzīgo dramatisko spēku. Vāgners, sākot ar Lohengrinu, padara viņu par pastāvīgo kokļu basu.

Krievu komponisti savos darbos bieži izmantoja basklarneti. Tādējādi “Pīķa dāmas” 5. ainā skan drūmās basklarnetes skaņas, kamēr Hermanis lasa Lizas vēstuli. Tagad basklarnete ir pastāvīga liela simfoniskā orķestra dalībniece, un tās funkcijas ir ļoti dažādas.

Priekšskatījums:

Misiņš

Saksofons

Saksofona radītājs ir izcilais franču-beļģu instrumentu meistars Ādolfs Sakss. Sakss balstījās uz teorētisku pieņēmumu: vai ir iespējams uzbūvēt mūzikas instrumentu, kas ieņemtu starpstāvokli starp kokļu un misiņa pūšamajiem instrumentiem? Šāds instruments, kas spēj apvienot vara un koka tembrus, bija ļoti vajadzīgs Francijas nepilnīgajiem militārajiem pūtēju orķestriem. Sava plāna īstenošanai A. Zaks izmantoja jaunu konstrukcijas principu: savienoja konisku cauruli ar klarnetes niedres un obojas vārstuļa mehānismu. Instrumenta korpuss bija no metāla, ārējās kontūras atgādināja basklarneti; uz augšu stipri izliekta caurule, kas izliekta galā, kurai pievienots spieķis pie “S” formā izliekta metāla gala. Saksa ideja guva izcilus panākumus: jaunais instruments patiešām kļuva par saikni starp pūšaminstrumentu un koka pūšaminstrumentiem militārajās grupās. Turklāt tā tembrs izrādījās tik interesants, ka piesaistīja daudzu mūziķu uzmanību. Saksofona skaņas krāsa atgādina angļu mežragu, klarneti un čellu vienlaikus, bet saksofona skaņas spēks ir daudz lielāks nekā klarnetes skaņas spēks.

Uzsācis savu pastāvēšanu Francijas militārajos pūtēju orķestros, saksofons drīz vien tika ieviests operas un simfoniskajos orķestros. Ļoti ilgu laiku - vairākus gadu desmitus - pie viņa vērsās tikai franču komponisti: Tomass ("Hamlets"), Masnē ("Verters"), Bizē ("Arlēzjēna"), Ravels (Musorgska "Katrinoka izstādē" instrumentācija) . Tad viņam ticēja arī citu valstu komponisti: Rahmaņinovs, piemēram, Simfonisko deju pirmajā daļā saksofonam uzticēja vienu no savām labākajām melodijām.

Interesanti, ka saksofonam savā neparastajā ceļā nācās saskarties arī ar tumsonību: fašisma gados Vācijā tas bija aizliegts kā neāriešu izcelsmes instruments.

20. gadsimta desmitajos gados džeza ansambļu mūziķi pievērsa uzmanību saksofonam, un drīz saksofons kļuva par “džeza karali”.

Daudzi 20. gadsimta komponisti novērtēja šo interesanto instrumentu. Debisī uzrakstīja Rapsodiju saksofonam un orķestrim, Glazunovs uzrakstīja Koncertu saksofonam un orķestrim, Prokofjevs, Šostakovičs un Hačaturjans viņu vairākkārt uzrunāja savos darbos.

Rags (itāļu corno, vācu Waldhorn, franču kor, angļu franču rags)

Mūsdienu raga sencis bija rags. Raga signāls jau no seniem laikiem vēstīja par kaujas sākumu viduslaikos un vēlāk, līdz 18. gadsimta sākumam, skanēja medību, sacensību un svinīgo galma ceremoniju laikā. 17. gadsimtā medību ragu laiku pa laikam sāka ieviest operā, bet tikai nākamajā gadsimtā tas kļuva par pastāvīgu orķestra dalībnieku. Un pats instrumenta nosaukums - rags - atgādina tā pagātnes lomu: šis vārds cēlies no vācu valodas "Waldhorn" - "meža rags". Čehu valodā šo instrumentu joprojām sauc par meža ragu.

Senā raga metāla caurule bija ļoti gara: dažas no tām sasniedza 5 m 90 cm. Tādu instrumentu nebija iespējams turēt rokās. Tāpēc raga caurule tika saliekta un tai tika piešķirta gracioza forma, līdzīga čaulai.

Senā raga skaņa bija ļoti skaista, taču instrumenta skaņas spējas izrādījās ierobežotas: bija iespējams iegūt tikai tā saukto dabisko skalu, tas ir, tās skaņas, kas rodas, sadalot slēgtu gaisa kolonnu. mēģenē 2, 3, 4, 5, 6 utt. daļās. Saskaņā ar leģendu, 1753. gadā Drēzdenes mežraga spēlētājs Gampels nejauši iebāza roku zvanā un atklāja, ka mežraga skaņojums ir atteicies. Kopš tā laika šī tehnika ir plaši izmantota. Šādā veidā iegūtās skaņas sauca par “slēgtām”. Bet tie bija blāvi un ļoti atšķīrās no spilgti atklātajiem. Ne visi komponisti riskēja bieži pie viņiem griezties, parasti apmierinoties ar īsiem, labi skanošiem fanfaru motīviem, kas būvēti uz atklātām skaņām.

1830. gadā tika izgudrots vārstu mehānisms - pastāvīga papildu cauruļu sistēma, kas ļauj skaņas signālam radīt pilnu, labi skanošu hromatisko skalu. Pēc vairākiem gadu desmitiem uzlabotais rags beidzot nomainīja veco dabisko, kas pēdējo reizi izmantoja Rimskis-Korsakovs operā "Maija nakts" 1878. gadā.

Rags tiek uzskatīts par vispoētiskāko instrumentu pūtēju grupā. Zemajā reģistrā raga tembrs ir nedaudz drūms, augšējā reģistrā tas ir ļoti saspringts. Ragas var dziedāt vai lēnām stāstīt. Ragu kvartets skan ļoti maigi – to var dzirdēt "Ziedu valsī" no Čaikovska baleta "Riekstkodis".

Trompete (itāļu tromba, vācu trompete, franču trompete, angļu trompete)

Kopš seniem laikiem - Ēģiptē, austrumos, Grieķijā un Romā - viņi nav iztikuši bez trompetes ne karā, ne svinīgās reliģiskās vai galma ceremonijās. Trompete ir bijusi operas orķestra sastāvdaļa kopš tā pirmsākumiem; Monteverdi Orfejā jau bija piecas trompetes.

17. un 18. gadsimta pirmajā pusē trompetēm tika rakstītas ļoti virtuozas un augstas tesitūras partijas, kuru prototips bija soprāna partijas tā laika vokālajā un instrumentālajā daiļradē. Lai izpildītu šīs vissarežģītākās daļas, Pērsela, Baha un Hendeļa laiku mūziķi izmantoja tajā laikmetā izplatītos dabiskos instrumentus ar garu cauruli un īpašas ierīces iemuti, kas ļāva viegli iegūt visaugstākās virstoņus. Trompete ar šādu iemuti tika saukta par “klarino” tās rakstīšanas stils ieguva tādu pašu nosaukumu mūzikas vēsturē.

18. gadsimta otrajā pusē, mainoties orķestra rakstniecībai, klarno stils tika aizmirsts, un trompete galvenokārt kļuva par fanfaru instrumentu. Tas bija ierobežots ar savām iespējām, piemēram, taures, un nonāca vēl sliktākā stāvoklī, jo "slēgtās skaņas", kas paplašina skalu, tajā netika izmantotas to sliktā tembra dēļ. Bet 19. gadsimta trīsdesmitajos gados, izgudrojot vārstu mehānismu, caurules vēsturē sākās jauns laikmets. Tas kļuva par hromatisku instrumentu un pēc dažām desmitgadēm aizstāja dabisko trompeti no orķestra.

Trompetes tembrs nav raksturīgs lirismam, bet varonībā tas izdodas vislabākajā veidā. Vīnes klasiķu vidū trompetes bija tīri fanfaras instruments. Viņi bieži vien pildīja vienas un tās pašas funkcijas 19. gadsimta mūzikā, vēstot par gājienu, gājienu, svinīgu svētku un medību sākumu. Vāgners izmantoja caurules vairāk nekā citas un jaunā veidā. Viņu tembrs viņa operās gandrīz vienmēr ir saistīts ar bruņinieku romantiku un varonību.

Trompete ir slavena ne tikai ar savu skaņas spēku, bet arī ar izcilovirtuozas īpašības.

Tuba (itāļu tuba)

Atšķirībā no citiem pūšaminstrumentu grupas pārstāvjiem, tuba ir diezgan jauns instruments. Tā celta 19. gadsimta otrajā ceturksnī Vācijā. Pirmās tubas bija nepilnīgas un sākotnēji tika izmantotas tikai militārajos un dārza orķestros. Tikai tad, kad runa bija par Franciju, instrumentālā meistara Ādolfa Saksa rokās, tuba sāka atbilst augstajām simfoniskā orķestra prasībām.

Tuba ir basa instruments, kas spēj aptvert pūtēju orķestra zemāko diapazonu. Agrāk tās funkcijas pildīja čūska, dīvainas formas instruments, kas tam ir parādā savu nosaukumu (visās romāņu valodās čūska nozīmē “čūska”), pēc tam basa un kontrabasa tromboni un ofikleīds ar tā barbarisko tembru. Taču visu šo instrumentu skaņas īpašības bija tādas, ka tie nedeva pūtēju orķestrim labu, stabilu basu. Kamēr parādījās tuba, meistari neatlaidīgi meklēja jaunu instrumentu.

Tubas izmēri ir ļoti lieli, tās caurule ir divas reizes garāka par trombona cauruli. Spēlējot, izpildītājs tur instrumentu sev priekšā ar zvanu uz augšu.

Tuba ir hromatisks instruments. Gaisa patēriņš caurulē ir milzīgs; dažreiz, īpaši forte zemajā reģistrā, izpildītājs ir spiests mainīt elpošanu katrā skaņā. Tāpēc solo uz šī instrumenta parasti ir diezgan īsi. Tehniski caurule ir kustīga, lai gan tā ir smaga. Orķestrī viņa parasti darbojas kā bass trombonu trio. Taču dažkārt tuba iedarbojas kā solo instruments, tā teikt, tēlu lomās. Tā, orķestrējot Musorgska “Izstādes bildes” izrādē “Liellopi”, Ravels piešķīra basa tubu humoristiskam pa ceļu velkošas graboša pajūga tēlam. Tubas daļa šeit rakstīja ļoti augstā reģistrā.

Trombons (itāļu, angļu, franču trombons)

Trombons savu nosaukumu ieguvis no itāļu valodas trompetes nosaukuma – tromba – ar palielināmo piedēkli “one”: trombons burtiski nozīmē “trompete”. Un tiešām: trombona caurule ir divreiz garāka par trompeti. Jau 16. gadsimtā trombons saņēma savu moderna forma un kopš tā pirmsākumiem tas bija hromatisks instruments. Pilna hromatiskā skala uz tā tiek panākta nevis ar vārsta mehānismu, bet gan izmantojot tā saukto aizkulišu. Saite ir gara papildu caurule, kas veidota kā burts U. To ievieto galvenajā caurulē un, ja vēlas, to pagarina. Šajā gadījumā instrumenta augstums attiecīgi samazinās. Izpildītājs ar labo roku nospiež slaidu uz leju, bet ar kreiso – atbalsta instrumentu.

Tromboni jau sen ir dažāda lieluma instrumentu “ģimene”. Ne tik sen trombonu saime sastāvēja no trim instrumentiem; katra no tām atbilda vienai no trim kora balsīm un saņēma tās nosaukumu: alta trombons, tenora trombons, basa trombons.

Trombona spēlēšanai nepieciešams milzīgs gaisa daudzums, jo slaida pārvietošana aizņem ilgāku laiku nekā taures vai trompetes vārstu nospiešana. Tehniski trombons ir mazāk veikls nekā tā kaimiņi grupā: tā skala nav tik ātra un skaidra, forte ir nedaudz smags, legato ir grūts. Kantilēna uz trombona prasa no izpildītāja lielu piepūli. Tomēr šim instrumentam ir īpašības, kas padara to par neaizstājamu orķestrī: trombona skaņa ir spēcīgāka un vīrišķīgāka. Monteverdi operā "Orfejs" varbūt pirmo reizi izjuta trombonu ansambļa skanējumam raksturīgo traģisko raksturu. Un sākot ar Gluku, operas orķestrī kļuva obligāti trīs tromboni; tie bieži parādās kulminācija drāmas.

Trombonu trio labi padodas oratoriskās frāzes. Kopš 19. gadsimta otrās puses trombonu grupu papildina basa instruments - tuba. Trīs tromboni un tuba kopā veido “smago misiņa” kvartetu.

Uz trombona iespējams ļoti unikāls efekts – glissando. Tas tiek panākts, bīdot aizkulišu vienā izpildītāja lūpu pozīcijā. Šo paņēmienu jau zināja Haidns, kurš savā oratorijā “Gadalaiki” to izmantoja, lai atdarinātu suņu riešanu. Mūsdienu mūzikā glissando tiek izmantots diezgan plaši. Apzināti gaudojošais un raupjais trombona glisando Hačaturjana baleta “Gajane” “Sabre Dance” ir kuriozs. Interesants ir arī trombona efekts ar mēmu, kas instrumentam piešķir draudīgu, dīvainu skanējumu.

Flugelhorns (vācu Flugelhorn, no Flugel - "spārns" un Horn - "rags", "rags")

Misiņa mūzikas instruments. Ārēji tas ļoti atgādina trompeti vai korneti-virzuļu, taču atšķiras no tiem ar plašāku mērogu un konisku urbumu, sākot no caurules iemutņa daļas. Ir 3 vai 4 vārsti. Izmanto džeza ansambļos, dažreiz simfoniskajos orķestros, retāk pūtēju orķestros. Flugelhornus bieži spēlē trompetisti, izpildot vajadzīgās pasāžas uz šī instrumenta.

Priekšskatījums:

Vijole (itāļu vijole, franču vijole, angļu vijole, vācu vijole, Geige)

Vijoli pamatoti sauc par citu, agrāk lietotu stīgu instrumentu pēcteci.

Pirmais loka instruments — fidels — parādījās Eiropā 10. un 11. gadsimtā.otrs - žiga - kļuva12. un 13. gadsimta franču dziedātāju, ceļojošo dziedātāju un mūziķu iecienīts mūzikas instruments. Pēc kāda laika fideli, rebeki un gigi padevās senajām violām: viol da gamba, viol da bardone, viol quinton - kuru vietu savukārt ieņēma vijoles. Francijā un Itālijā tie parādījās jau 16. gadsimta sākumā, un drīz pēc tam loku darināšanas māksla izplatījās visā Eiropā. Tās sāka ražot Tirolē, Vīnē, Saksijā, Holandē un Anglijā, bet Itālija bija slavena ar labākajām vijolēm. Brešā un Kremonā — divās mazās pilsētiņās valsts ziemeļaustrumos — cilvēki strādāja pirms vairāk nekā pieciem gadsimtiem izcili meistari: Gasparo Bertoloti (iesauka de Salo) Brešā un Andrea Amati Kremonā. Vijoļu izgatavošanas māksla ir nodota no paaudzes paaudzē, un jau divsimt gadu Amati, Guarneri un Stradivari ģimenes radīja instrumentus, kas joprojām tiek uzskatīti par labākajiem.

Vijoles forma tika noteikta tālajā 16. gadsimtā un kopš tā laika ir mainījusies tikai detaļās.

Viss, kas teikts par stīgu tehniku, attiecas tieši uz vijoli: tā ir visvairākkustīgs un elastīgs instruments starp priekšgala instrumentiem. Tā tehniskās iespējas pieauga līdz ar tādu virtuozu kā Vitālija, Torelli un Korelli mākslu 17. gadsimtā,un vēlāk - Tartini,Viotti, Spohr, Vietan, Berio, Wieniawski, Sarasate, Ysaï un, protams, N. Paganīni. Viņš apguva apbrīnojamo mākslu spēlēt dubultnotis, akordus, pizzicato un harmonikas. Kad koncerta laikā viņam pārtrūka stīgas, viņš turpināja spēlēt atlikušās.

Neatvairāmu efektu panāk solo vijole, izpildot galveno tēmu – kā piemēru varam minēt Rimska-Korsakova "Šeherezādi".

Neskatoties uz visām savām īpašībām, vijolei kopā ar klavierēm jau sen ir bijusi vadošā loma solo koncertinstrumentu vidū.

Priekšskatījums:

Bungas

Timpani (itāļu timpāni, franču timbales, vācu Pauken)

Timpani ir viens no senākajiem instrumentiem pasaulē. Kopš seniem laikiem tie bija plaši izplatīti daudzās valstīs: Austrumos un Āfrikā, Grieķijā, Romā un skitu vidū. Cilvēki spēlēja timpānus, lai pavadītu svarīgus notikumus savā dzīvē: brīvdienas un karus.

Eiropā jau sen tiek izmantoti mazi, rokās turami timpāni. Viduslaiku bruņinieki tos izmantoja, jājot ar zirgu. Lielie timpāni Eiropā ienāca tikai 15. gadsimtā – caur Turciju un Ungāriju. 17. gadsimtā orķestrī ienāca timpāni.

Mūsdienu timpāni izskatās kā lieli vara katli uz statīva, pārklāti ar ādu. Āda tiek cieši uzvilkta uz katla, izmantojot vairākas skrūves. Tie sitās pa ādu ar diviem kociņiem ar mīkstiem apaļiem filca galiem.

Atšķirībā no citiem sitamie instrumenti ar ādu timpāni rada noteikta augstuma skaņu. Katrs timpāns ir noregulēts noteiktu toni Tāpēc, lai iegūtu divas skaņas, orķestris sāka izmantot timpānu pāri no 17. gadsimta. Timpani var pārbūvēt: lai to izdarītu, izpildītājam ir jāpievelk vai jāatskrūvē āda ar skrūvēm: jo lielāks spriegums, jo augstāks tonis. Tomēr šī darbība ir laikietilpīga un riskanta izpildes laikā. Tāpēc 19. gadsimtā meistari izgudroja mehāniskos timpānus, kurus varēja ātri noregulēt, izmantojot sviras vai pedāļus.

Timpanu loma orķestrī ir diezgan daudzveidīga. Viņu sitieni uzsver citu instrumentu ritmu, veidojot vai nu vienkāršas, vai sarežģītas ritmiskas figūras. Ātra abu nūju sitienu maiņa (tremolo) efektīvi pastiprina skaņu vai pērkona reprodukciju. Haidns filmā "Četri gadalaiki" attēloja arī pērkona sitienus, izmantojot timpānus. Šostakovičs Devītajā simfonijā liek timpāniem atdarināt kanonādi. Dažreiz timpāniem tiek piešķirti nelieli melodiski solo, kā, piemēram, Šostakoviča Vienpadsmitās simfonijas pirmajā daļā.

Snare bungas (itāļu tamburo (militārais), franču tamburs (militārais), vācu Trommel), angļu sānu bungas)

Slautu bungas būtībā ir militārs instruments. Tas ir plakans cilindrs, kas no abām pusēm pārklāts ar ādu. Stīgas ir izstieptas zem ādas apakšpusē; reaģējot uz nūju sitieniem, tie piešķir bungas skaņai raksturīgu sprakšķēšanu. Ļoti interesanti izklausās bungu ripināšana - tremolo ar divām nūjām, ko var novest līdz galējam ātrumam. Skaņas stiprums šādā tremolo svārstās no šalkoņa līdz pērkona plaisai. Rosīni "The Thieving Magpie" uvertīra sākas ar divu bungām, blāvi sitieni skan Riharda Štrausa simfoniskās poēmas Till Eulenspiegel izpildes brīdī.

Dažreiz stīgas zem bungas apakšējās ādas tiek nolaistas, un tās pārstāj reaģēt uz nūju sitieniem. Šis efekts ir līdzvērtīgs klusuma ieviešanai: slazds zaudē skaņas spēku. Tā tas skan Rimska-Korsakova “Šeherezādes” deju sadaļā “Careviča un princese”.

Sniega bungas pirmo reizi parādījās mazajā operā 19. gadsimtā, un sākotnēji tā tika ieviesta tikai militārajās epizodēs. Mejerbērs bija pirmais, kurš operās “Hugenoti” un “Pravietis” ieviesa bungas ārpus militārām epizodēm.

Dažos gadījumos bungas kļūst par “galveno varoni” ne tikai lielās simfoniskās epizodēs, bet arī visā darbā. Piemēri ietver “iebrukuma epizodi” no Šostakoviča Septītās simfonijas un Ravela “Bolero”, kur viena un pēc tam divas bungas notur visu mūzikas ritmisko pulsu.

Bass bungas (itāļu gran casso, franču grosse caisse, vācu grobe Trommel, angļu bass drum).

Mūsdienās ir divu veidu basa bungas. Viens no tiem ir liela diametra - līdz 72 cm - metāla cilindrs, kas no abām pusēm pārklāts ar ādu. Šāda veida basbungas ir izplatītas militārajās grupās, džeza grupās un simfoniskajos orķestros Amerikā. Cits bungu veids ir stīpa ar ādu vienā pusē. Tas radās Francijā un ātri izplatījās simfoniskajos orķestros Eiropā. Lai ietriektu basa bungas ādu, izmanto koka nūju ar mīkstu āmuru, kas pārklāts ar filcu vai korķi.

Ļoti bieži basbungas sitienus pavada šķīvju zvanīšana vai mijas ar to, kā ātrdejā “Kalnu karaļa alā” no Grīga Pēra Ginta. Uz basbungām iespējama arī strauja sitienu maiņa – tremolo. Lai to izdarītu, izmantojiet nūju ar diviem āmuriem abos galos vai timpānu kociņus. Basbungu tremolo ļoti veiksmīgi izmantoja Rimkšs-Korsakovs Musorgska simfoniskās filmas "Nakts kaklā kalnā" instrumentācijā.

Sākumā lielās bungas parādījās tikai “turku mūzikā”, bet no 19. gadsimta sākuma tās bieži sāka izmantot skaņu reprezentatīviem nolūkiem: lai atdarinātu kanonādes un pērkonu. Bēthovens "Vitorijas kaujā" iekļāva trīs lielas bungas, lai attēlotu lielgabala šāvienus. Šim pašam mērķim Rimskis-Korsakovs izmantoja šo instrumentu “Pasaka par caru Saltānu”, Šostakovičs vienpadsmitajā simfonijā un Prokofjevs operas “Karš un miers” astotajā ainā (Borodino kaujas sākums). Tajā pašā laikā lielās bungas skan arī tur, kur nav onomatopoēzes un īpaši bieži trokšņaini,

Ksilofons (itāļu ksilofons, franču ksilofons)

Ksilofons acīmredzot dzimis brīdī, kad pirmatnējais cilvēks ar nūju iesita sausu koka bluķi un izdzirdēja noteikta toņa skaņu. Daudzi šādi primitīvi koka ksilofoni ir atrasti Dienvidamerikā, Āfrikā un Āzijā. Eiropā no 15. gadsimta šis instruments nonāca ceļojošo mūziķu rokās un tikai 19. gadsimta sākumā kļuva par koncertinstrumentu. Par savu pilnveidošanos viņš ir parādā Mogiļevas mūziķim, pašmācītajam cimbalistam Mihailam Iosifovičam Guzikovam.

Skanošais ķermenis ksilofonā ir koka bloki dažādu izmēru (ksilons - grieķu valodā "koks", tālrunis - "skaņa"). Tie ir sakārtoti četrās rindās uz matējuma pavedieniem. Izpildītājs spēles laikā tos var sarullēt un izklāt uz speciāla galda; Viņi spēlē ksilofonu ar divām koka nūjām - “kazas kājām”. Ksilofona skaņa ir sausa, klikšķoša un asa. Tas ir ļoti raksturīgs krāsā, tāpēc tā parādīšanās skaņdarbā parasti ir saistīta ar īpašu sižeta situāciju vai īpašu noskaņu. Rimskis-Korsakovs “Pasaka par caru Saltānu” ksilofonam uztic dziesmu “Vai dārzā vai sakņu dārzā” brīdī, kad vāvere grauž zelta riekstus. Ļadovs izmanto ksilofona skaņas, lai attēlotu Baba Yaga lidojumu javā, mēģinot nodot tālāk nolauzto zaru sprakšķēšanu. Bieži vien ksilofona tembrs izraisa drūmu noskaņu un rada dīvainus, groteskus attēlus. Ksilofona īsās frāzes Šostakoviča Septītās simfonijas “iebrukuma epizodē” skan melanholiski.

Ksilofons ir ļoti virtuozs instruments. Tas nodrošina lielāku raitu ātrās ejās, tremolo un īpašu efektu - glissando: ātra nūjas kustība gar stieņiem.

Cimbales (itāļu: piatti, franču: cymbales, vācu: Becken, angļu: cimbales)

Šķīvjus zināja jau antīkā pasaule un senie austrumi, bet turki bija slaveni ar savu īpašo mīlestību un izcilo to darināšanas mākslu. Eiropā šķīvji kļuva populāri 18. gadsimtā, pēc kara ar osmaņiem.

Plāksnes ir lieli metāla trauki, kas izgatavoti no vara sakausējumiem. Cimbals ir nedaudz izliektas centrā - šeit ir piestiprinātas ādas siksnas, lai izpildītājs varētu turēt instrumentu rokās. Cimbals tiek spēlēts stāvus, lai nekas netraucētu to vibrācijai un lai skaņa brīvi ceļotu gaisā. Parastais šī instrumenta spēles veids ir slīps, slīdošs vienas šķīvja sitiens pret otru - pēc tam atskan zvanoša metāla šļakatas, kas ilgi karājas gaisā. Ja izpildītājs vēlas apturēt šķīvju vibrāciju, viņš tās pienes pie krūtīm, un vibrācijas beidzas. Bieži vien komponisti pavada šķīvju dārdēšanu ar basa bungu pērkonu; šie instrumenti bieži skan kopā, kā, piemēram, Čaikovska 4. simfonijas fināla pirmajās taktēs. Papildus slīpajam sitienam ir vēl vairāki veidi, kā spēlēt šķīvjus: kad, piemēram, brīvi nokarenu šķīvi sit vai nu ar timpāna nūju, vai ar koka stienīšu nūjām.

Simfoniskais orķestris parasti izmanto vienu šķīvju pāri. Retos gadījumos - kā, piemēram, Berlioza "Apbedīšanas-Triumfa simfonijā", tiek izmantoti trīs šķīvju pāri.

Trijstūris (itāļu triahgalo, franču trīsstūris, vācu triangel, angļu triang)

Trijstūris ir viens no mazākajiem instrumentiem simfoniskajā orķestrī. Tas ir tērauda stienis, kas saliekts trīsstūra formā. Viņi piekarina to uz zarnu auklas un sit ar nelielu metāla nūju - tiek dzirdama zvanoša, ļoti skaidra skaņa.

Veidi, kā spēlēt trīsstūri, nav ļoti dažādi. Dažreiz uz tā tiek radīta tikai viena skaņa, dažreiz tiek radīti vienkārši ritmiski raksti. Izklausās labi tremolo trīsstūrī.

Trīsstūris pirmo reizi minēts 15. gadsimtā. 18. gadsimtā to operā izmantoja komponists Grētry. Tad trijstūris kļuva par nemainīgu “turku” dalībnieku, t.i. eksotiska mūzika, kas parādās kopā ar basbungām un šķīvjiem. Šo sitaminstrumentu grupu izmantoja Mocarts filmā “Nolaupīšana no Seralija”, Bēthovens “Turku maršā” no “Atēnu drupām” un daži citi komponisti, kas centās atveidot austrumu muzikālo tēlu. Trīsstūris ir interesants arī elegantos deju skaņdarbos: “Anitras dejā” no Grīga “Pēra Ginta”, Gļinkas “Valsī-Fantāzijā”.

Zvani (itāliešu campanelli, franču kariljons, vācu Glockenspiel)

Zvani, iespējams, ir vispoētiskākais sitaminstrumentu grupas instruments. Tās nosaukums cēlies no tās senās šķirnes, kur skanošais ķermenis bija mazi zvaniņi, kas noregulēti noteiktā augstumā. Vēlāk tās tika aizstātas ar dažāda izmēra metāla plākšņu komplektu. Tie ir izvietoti divās rindās, piemēram, klavieru taustiņi, un ir uzstādīti koka kastē. Zvani tiek spēlēti ar diviem metāla āmuriem. Ir vēl viena šī instrumenta šķirne: tastatūras zvani. Viņiem ir klavieru klaviatūra un āmuri, kas pārraida vibrācijas no taustiņiem uz metāla plāksnēm. Tomēr šī mehānismu ķēde ne pārāk labi atspoguļo to skanējumu: tā nav tik spilgta un zvana kā parastajiem zvaniņiem. Tomēr, lai gan skaņas skaistumā tas ir zemāks par āmuru zvaniem, tastatūras ir tehniski pārākas. Pateicoties klavieru tastatūrai, tajās ir iespējamas diezgan ātras pasāžas un polifoniski akordi. Zvanu tembrs ir sudrabains, maigs un skanīgs. Tie skan Mocarta “Burvju flauta” Papageno ieejas laikā, ārijā ar zvaniņiem Delibes “Lakmē” Rimska-Korsakova “Sniega meitenei”, kad Mizgirs, vajājot Sniega meiteni, ierauga ugunspuķu gaismas, “Zelta gailis”, kad astrologs iziet.

Zvani (itāļu campane, franču cloches, vācu Glocken)

Zvanu zvanīšana jau kopš seniem laikiem aicinājusi cilvēkus uz reliģiskām ceremonijām un svētkiem, kā arī vēstījusi par nelaimēm. Attīstoties operai, parādoties tajā vēsturiskiem un patriotiskiem priekšmetiem, komponisti sāka operas namā ieviest zvanus. Zvanu skaņas krievu operā ir īpaši bagātīgi pārstāvētas: svinīgā zvana "Ivans Susaņins", "Pasaka par caru Saltānu", "Pleskavas sieviete" un "Boriss Godunovs" (kronēšanas ainā), satraucošā trauksme. zvans filmā “Princis Igors”, bēru zvans filmā “Boriss Godunovs”. Visās šajās operās bija īsti baznīcu zvani, kas novietoti aiz skatuves lielos opernamos. Tomēr ne katrs operas nams varēja atļauties izveidot savu zvanu torni, tāpēc komponisti tikai reizēm ieviesa orķestrī mazus zvaniņus – kā to darīja Čaikovskis 1812. gada uvertīrā. Tikmēr, attīstoties programmu mūzikai, arvien vairāk radās nepieciešamība atdarināt zvanu zvanīšanu simfoniskajā orķestrī - tātad pēc kāda laika tika radīti orķestra zvani - no rāmja piekārts tērauda cauruļu komplekts. Krievijā šos zvanus sauc par itāļu. Katra no caurulēm ir noregulēta uz noteiktu toni; sitiet tos ar metāla āmuru ar gumijas starpliku.

Orķestra zvanus izmantoja Pučīni operā “Toska”, Rahmaņinovs – vokāli simfoniskajā poēmā “Zvani”. Prokofjevs filmā "Aleksandrs Ņevskis" nomainīja caurules ar gariem metāla stieņiem.

Tamburīna

Viens no vecākajiem instrumentiem pasaulē, tamburīna, simfoniskajā orķestrī parādījās 19. gadsimtā. Šī instrumenta dizains ir ļoti vienkāršs: parasti tas ir koka stīpa ar ādu, kas izstiepta pāri vienai pusei. Stīpas spraugā (sānos) piestiprināti metāla nieciņi, iekšpusē, uz zvaigznītes formas auklas, savērti mazi zvaniņi. Tas viss noskan pie mazākās tamburīnas kratīšanas.

Tamburīna daļa, kā arī citas bungas, kurām nav noteikta augstuma, parasti tiek rakstīta nevis uz spieķa, bet gan uz atsevišķa lineāla, ko sauc par “pavedienu”.

Tamburīnas spēles paņēmieni ir ļoti dažādi. Pirmkārt, tie ir asi sitieni pa ādu un sarežģītu ritmisku modeļu sišana uz tās. Šajos gadījumos skan gan āda, gan zvaniņi. Spēcīgi sitot, tamburīns strauji zvana, viegli pieskaroties, ir dzirdama neliela zvaniņu šķindoņa. Ir daudz veidu, kad izpildītājs izdod tikai vienu zvana signālu. Tā ir strauja tamburīna kratīšana – tas rada pīrsingu tremolo; šī ir maiga kratīšana; un visbeidzot, izpildītājam slapju īkšķi palaižot pa ādu, atskan iespaidīgs trills: šis paņēmiens izraisa dzīvīgu zvaniņu zvanīšanu.

Tamburīns ir raksturīgs instruments, tāpēc tas netiek izmantots katrā darbā. Parasti viņš mūzikā parādās tur, kur vajadzētu atdzīvoties Austrumiem vai Spānijai: Rimska-Korsakova “Šeherezādē” un “Capriccio Espagnol”, arābu zēnu dejā Glazunova baletā “Raimonda”, temperamentīgajās dejās. polovcieši Borodina “Princis Igors”, Bizē “Karmena”.

Kastanetes (spāņu: castanetas)

Nosaukums "castanets" spāņu valodā nozīmē "mazie kastaņi". Spānija, visticamāk, bija viņu dzimtene; tur kastanetes pārvērtās par īstām valsts instruments. Kastanetes ir izgatavotas no cieta koka: melnkoka vai buksuss ir veidoti kā gliemežvāki.

Spānijā dejojot un dziedot pavadīja divus kastanšu pārus; katrs pāris tika turēts kopā ar auklu, kas bija cieši pievilkta ap īkšķi. Atlikušie pirksti, palikuši brīvi, uzsita sarežģītus ritmus koka čaulām. Katrai rokai bija vajadzīgs sava izmēra kastīnes: kreisajā rokā izpildītājs turēja liela apjoma čaulas, tās izstaroja zemāku toni un nācās nospiest galveno ritmu. Kastanetes priekš labā roka bija mazāka izmēra; viņu tonis bija augstāks. Spāņu dejotāji un dejotāji brīvi pārvaldīja šo sarežģīto mākslu, kas viņiem bija mācīta kopš bērnības. Sausā, rotaļīgā kastīņu klikšķēšana vienmēr pavadīja temperamentīgās spāņu dejas: bolero, seguidillo, fandango.

Kad komponisti vēlējās simfoniskajā mūzikā ieviest kastaņetes, tika izstrādāta šī instrumenta vienkāršota versija - orķestra kastanetes. Tie ir divi čaulu pāri, kas uzstādīti uz koka roktura galiem. Kad tās tiek sakratītas, atskan klikšķoša skaņa – vāja īstu spāņu kastānu kopija.

Orķestrī kastanetes sāka izmantot galvenokārt spāņu rakstura mūzikā: Gļinkas spāņu uvertīrās “Aragoniešu medības” un “Nakts Madridē”, Rimska-Korsakova “Capriccio Espagnol” Spāņu dejas no Čaikovska baletiem, bet Rietumu mūzikā - Bizē "Karmenā", Debisī simfoniskajos darbos "Iberia", Ravela "Alborada del Gracioso". Daži komponisti izņēma kastanetes ārpus spāņu mūzikas jomas: Sensāns tās izmantoja operā Samsons un Dalida, Prokofjevs - trešajā klavierkoncertā.

Tam-tam (franču un itāļu tam-tam, vācu Tam-Tam)

Ķīniešu izcelsmes sitaminstrumentam tam-tam ir diska forma ar sabiezinātām malām. Tas ir izgatavots no īpaša sakausējuma, kas ir tuvu bronzai. Spēlējot tam-tam, tam-tam piekar no koka rāmja un sit ar filca āmuru. Tam-tam skaņa ir zema un bieza; pēc trieciena izplatās ilgu laiku, tagad ieplūst, tagad attālinās. Šī instrumenta īpašība un pati tā tembra būtība piešķir tam zināmu draudīgu izteiksmīgumu. Viņi saka, ka dažreiz pietiek ar vienu tom-tom sitienu visā skaņdarbā, lai atstātu spēcīgu iespaidu uz auditoriju. Piemērs tam ir Čaikovska Sestās simfonijas fināls.

Eiropā tam-tam parādījās Francijas revolūcijas laikā. Pēc kāda laika šis instruments tika uzņemts operas orķestrī, un kopš tā laika tas, kā likums, tiek izmantots traģiskās, “fatālās” situācijās. Tam-tam sitiens apzīmē nāvi, katastrofu, burvju spēku klātbūtni, lāstu, zīmi un citus “neparastus” notikumus. "Ruslanā un Ludmilā" tam-tam skan brīdī, kad Černomors nolaupīja Ludmilu, Mejerberga "Velnā Robertā" - "mūķeņu augšāmcelšanās" ainā, Rimska-Korsakova "Šeherezādē" - brīdī, kad Sinbada kuģis ietriecas klintīs. Tam-tam bīti skan arī Šostakoviča Septītās simfonijas pirmās daļas traģiskajā kulminācijā.

Klavi.

Klavi ir kubiešu izcelsmes sitamie instrumenti: tie ir divi apaļi spieķi, katrs 15-25 cm garš, cirsts no ļoti cieta koka. Izpildītājs vienu no tiem īpašā veidā tur kreisajā rokā - lai saspiestā plauksta darbotos kā rezonators - un sit ar citu nūju.

Klava skaņa ir asa, augsta, skaļi klikšķ, kā ksilofonam, bet bez noteikta augstuma. Skaņas augstums ir atkarīgs no nūju izmēra; Reizēm simfoniskais orķestris izmanto divus vai pat trīs šādu nūju pārus, dažāda izmēra.

Frusta.

Frusta sastāv no diviem koka dēļiem, no kuriem vienam ir rokturis, bet otrs ir nostiprināts apakšējā galā virs roktura uz eņģes - strauji šūpojot vai ar stingras atsperes palīdzību, tas ar brīvo galu sasit. pret otru. Parasti no frust tiek iegūti tikai atsevišķi forte, fortissimo popi, kas ne pārāk bieži seko viens pēc otra.

Frusta ir sitaminstruments, kuram nav noteikta augstuma, tāpēc tā partija, tāpat kā tamburīna partija, nav rakstīta uz stabiņa, bet gan uz “stīgas”.

Frusta ir diezgan izplatīta mūsdienu partitūrās. Šostakoviča Četrpadsmitās simfonijas “Lorelei” trešā daļa sākas ar diviem aplaudējumiem šajā instrumentā.

Koka bloks.

Koka bloks ir ķīniešu izcelsmes sitaminstruments. Pirms parādīšanās simfoniskā orķestra sitaminstrumentu sadaļā koka bloks bija ļoti populārs džezā.

Koka bloks ir mazs taisnstūrveida cieta koka bloks ar dziļu, šauru izgriezumu priekšpusē. Koka bluķa spēles tehnika ir bungošana: skaņa tiek radīta, sitot pa instrumenta augšējo plakni ar sviru bungu nūjām, koka āmuriem un nūjām ar gumijas galviņām. Rezultātā iegūtā skaņa ir asa, augsta, raksturīga klikšķināšana un nenoteikta augstuma.

Kā nenoteikta augstuma sitaminstruments koka bloks ir notēts uz “stīgas” vai lineālu kombinācijas.

Tempļu bloks, Tartaruga.

Tempļa bloks ir korejiešu vai ziemeļķīniešu izcelsmes instruments, budistu kulta atribūts. Instrumentam ir apaļa forma, iekšpuse doba, ar dziļu iegriezumu vidū (kā smejoša mute), izgatavots no cieta koka.

Tāpat kā vairums citu “eksotisko” sitamo instrumentu, tempļa bloks vispirms izplatījās džezā, no kurienes tas ienāca simfoniskajā orķestrī.

Tempļa bloka skaņa ir tumšāka un dziļāka nekā cieši saistītajam koka bluķim, un tai ir diezgan noteikts tonis, lai, izmantojot tempļa bloku komplektu, uz tiem varētu iegūt melodiskas frāzes - piemēram, S. Slonimsky izmantoja šos instrumentus "Concert buffe".

Viņi spēlē tempļu blokus, sitot augšējo vāku ar nūjām ar gumijas galviņām, koka āmuriem un slazdām.

Reizēm simfoniskais orķestris izmanto bruņurupuču čaulu komplektus, kas principā ir līdzīgi veidņu bloku atskaņošanai, taču skan sausāk un vājāk. Šādu bruņurupuču gliemežvāku komplektu ar nosaukumu Tartaruga izmantoja S. Slonimskis savā “Koncerta mīļotājs”.

Guiro, reko-reko, sapo.

Šie instrumenti ir Latīņamerikas izcelsmes, tie ir līdzīgi gan pēc dizaina principa, gan pēc spēles veida.

Tie ir izgatavoti no bambusa segmenta (reco-reco), no žāvēta ķirbja (guiro) vai no cita doba priekšmeta, kas kalpo kā rezonators. Instrumenta vienā pusē ir izveidota virkne iecirtumu vai iegriezumu. Dažos gadījumos tiek uzstādīta plāksne ar gofrētu virsmu. Gar šiem ierobiem tiek izlaista speciāla koka nūja, kas rada augstu, asu skaņu ar raksturīgu sprakšķēšanu. Visizplatītākā šo saistīto instrumentu šķirne ir guiro. I. Stravinskis bija pirmais, kurš šo instrumentu ieviesa simfoniskajā orķestrī - Pavasara rituālā. Reco-reco ir atrodams Slonimska "Concert-bouffe", un sapo - instruments, kas līdzīgs reco-reco - izmantots V. Lutoslavska "Trīs Anrī Mihauda dzejoļu" partitūrā.

Sprūdrats.

Mūzikas instrumentos dažādas tautas Ir daudz dažādu formu un ierīču sprūdratu. Simfoniskajā orķestrī sprūdrata ir kaste, ko izpildītājs griež uz roktura ap zobratu. Tajā pašā laikā elastīga koka plāksne, lecot no viena zoba uz otru, rada raksturīgu plaisu.

Maracas, chocalo (tubo), kamezo.

Visi šie instrumenti ir Latīņamerikas izcelsmes. Marakass ir apaļš vai olas formas koka grabulis ar rokturi un pildīts ar skrošiem, graudiem, oļiem vai citiem beztaras materiāliem. Šos tautas instrumentus parasti izgatavo no kokosrieksta vai doba kaltēta ķirbja ar dabīgu rokturi. Maracas ir ļoti populāras deju mūzikas orķestros un džezā. S. Prokofjevs pirmais šo instrumentu izmantoja simfoniskā orķestra sastāvā ("Antiliešu meiteņu deja" no baleta "Romeo un Džuljeta", kantāte "Aleksandrs Ņevskis"). Mūsdienās parasti tiek izmantots instrumentu pāris - izpildītājs tos tur abās rokās un, tos kratot, rada skaņu. Tāpat kā citi sitamie instrumenti bez noteikta augstuma, marakas ir notēts uz "stīgas". Pēc skaņas veidošanas principa marakas ir tuvas chocalos un camezos. Tie ir metāla – rūtaini – vai koka – kamezo cilindri, pildīti, kā marakas, ar kaut kādu graudainu vielu. Dažiem modeļiem sānu siena ir pārklāta ar ādas membrānu. Gan cecala, gan camezo izklausās skaļāk un asāk nekā marakas. Tos arī tur ar abām rokām, krata vertikāli vai horizontāli vai pagriež.

Kabatsa.

Sākotnēji šis afro-brazīliešu izcelsmes instruments bija populārs Latīņamerikas mūzikas orķestros, no kurienes arī ieguva savu tālāko izplatību. Ārēji kabatsa atgādina divreiz palielinātu marakasu, kas pārklāts ar sietu ar lielām pērlītēm. Izpildītājs tur instrumentu vienā rokā un vai nu vienkārši sit ar otras rokas pirkstiem, vai arī ar plaukstas tangenciālu kustību ritina pa kreļļu režģi. Pēdējā gadījumā parādās čaukstoša, garāka skaņa, kas atgādina marakasu skaņu. Slonimskis bija viens no pirmajiem, kas izmantoja kabatsu koncertu cienītājā.

Bongs.

Šis instruments ir kubiešu izcelsmes. Pēc modernizācijas bongus sāka plaši izmantot deju mūzikas orķestros, džezā un pat nopietnās mūzikas darbos. Bongiem ir šāda uzbūve: āda ir izstiepta pāri koka cilindriskam korpusam (augstums no 17 līdz 22 cm) un nostiprināta ar metāla stīpu (tās spriegojums tiek regulēts no iekšpuses ar skrūvēm). Metāla apmale nepaceļas virs ādas līmeņa: tieši tas nosaka tik raksturīgu bongas spēli ar plaukstām - con le mani vai pirkstiem - con le dita. Divus dažādu diametru bongus parasti savieno viens ar otru ar kopīgu turētāju. Mazāks bongs izklausās apmēram par trešdaļu augstāk nekā platāks. Bonga skaņa ir augsta, īpaši “tukša” un mainās atkarībā no trieciena vietas un metodes. Pateicoties tam, uz katra instrumenta var iegūt divas dažādas augstas skaņas: iegarenu sitienu rādītājpirksts pie malas vai lielas līdz centram – un zemāk (kaut kur galvenajā otrajā vai trešdaļā) – no sitiena ar visu plaukstu vai pirksta galu tuvāk centram.

Priekšskatījums:

Klavieres (itāļu piano-forte, franču klavieres; vācu Fortepiano, Hammerklavier; angļu klavieres)

Skaņas avots klavierēs ir metāla stīgas, kuras sāk skanēt, trāpot ar filcu pārklātiem koka āmuriem, un āmuri tiek aktivizēti, spiežot pirkstus uz taustiņiem.

Pirmie taustiņinstrumenti, kas pazīstami jau 15. gadsimta sākumā, bija klavesīns un klavikords (itāliešu valodā clavicembalo). Uz klavihorda stīgas vibrēja ar metāla svirām - pieskares, uz klavesīna - ar vārnu spalvām, vēlāk - ar metāla āķiem. Šo instrumentu skaņa bija dinamiski vienmuļa un ātri izbalēja.

Pirmās āmura klavieres, kas tika nosauktas tāpēc, ka tās atskaņoja gan forte, gan klavieru skaņas, visticamāk, uzbūvēja Bartolomeo Kristofori 1709. gadā. Šis jaunais instruments ātri ieguva atpazīstamību un pēc daudziem uzlabojumiem kļuva par mūsdienu koncertflīģeli. 1826. gadā tika uzbūvētas klavieres mājas mūzikas atskaņošanai.

Klavieres ir plaši pazīstamas kā solo koncertinstruments. Bet dažreiz tas darbojas arī kā parasts orķestra instruments. Krievu komponisti, sākot ar Glinku, orķestrī sāka ieviest klavieres, dažreiz kopā ar arfu, lai atjaunotu gusli skanējumu. Tā tas tiek izmantots Bajana dziesmās Gļinkas “Ruslanā un Ludmilā”, “Sadko” un Rimska-Korsakova “Maija naktī”. Dažkārt klavieres atveido zvana skaņu, kā Musorgska operā Boriss Godunovs ar Rimska-Korsakova instrumentāciju. Bet tas ne vienmēr tikai atdarina citus tembrus. Daži komponisti to izmanto orķestrī kā dekoratīvu instrumentu, kas spēj orķestrī ieviest skanīgumu un jaunas krāsas. Tā Debisī uzrakstīja klavierpartiju četrām rokām simfoniskajā svītā “Pavasaris”. Visbeidzot, dažreiz tas tiek uzskatīts par sava veida sitaminstrumentu ar spēcīgu, sausu toni. Skaujošais, groteskais skerco Šostakoviča 1. simfonijā ir piemērs tam.

Priekšskatījums:

Klavesīns

Tastatūras stīgu mūzikas instruments. Klavesīnists ir mūziķis, kurš izpilda muzikālus darbus gan uz klavesīna, gan tā šķirnēm. Agrākais klavesīna tipa instruments minēts 1397. gada avotā no Padujas (Itālija), agrākais zināmais attēls ir uz altāra Mindenā (1425). Klavesīns kā soloinstruments tika izmantots līdz 18. gadsimta beigām. Nedaudz ilgāk to izmantoja digitālā basa atskaņošanai, rečitatīvu pavadījumam operās. LABI. 1810 praktiski netiek lietots. Klavesīna spēles kultūras atdzimšana sākās 19. - 20. gadsimtu mijā. 15. gadsimta klavesīni nav saglabājušies. Spriežot pēc attēliem, tādi bija īsi instrumenti ar smagu ķermeni. Lielākā daļa saglabājušos 16. gadsimta klavesīnu tika izgatavoti Itālijā, kur Venēcija bija galvenais ražošanas centrs. Flandrijas klavesīna kopija Viņiem bija 8` reģistrs (retāk divi reģistri, 8` un 4`), un viņi izcēlās ar savu graciozitāti. Viņu ķermenis visbiežāk bija izgatavots no ciprese. Uzbrukums šiem klavesīniem bija skaidrāks un skaņa pēkšņāka nekā vēlākajiem flāmu instrumentiem. Nozīmīgākais klavesīna ražošanas centrs Ziemeļeiropā bija Antverpene, kur Rukeru dzimtas pārstāvji strādāja kopš 1579. gada. Viņu klavesīniem ir garākas stīgas un smagāki korpusi nekā itāļu instrumentiem. Kopš 20. gadsimta 90. gadiem Antverpenē tika ražoti klavesīni ar divām rokasgrāmatām. 17. gadsimta franču, angļu un vācu klavesīni apvieno flāmu un holandiešu modeļu iezīmes. Franču klavesīns Ir saglabājušies daži franču divu manuāļu klavesīni ar riekstkoka korpusiem. No 1690. gadiem Francijā ražoja tāda paša veida klavesīnus kā Ruckers instrumenti. Franču klavesīna meistaru vidū īpaši izcēlās Blanšē dinastija. 1766. gadā Blanšetas darbnīcu mantoja Taskins. Nozīmīgākie angļu klavesīnu ražotāji 18. gadsimtā bija Shudys un Kirkman ģimene. Viņu instrumentiem bija ozolkoka korpuss ar saplāksni, un tie izcēlās ar spēcīgu skaņu ar bagātīgu tembru. 18. gadsimta Vācijā galvenais klavesīna ražošanas centrs bija Hamburga; starp šajā pilsētā ražotajiem ir instrumenti ar 2` un 16` reģistriem, kā arī ar 3 rokasgrāmatām. Neparasti garo klavesīna modeli izstrādājis 18. gadsimta vadošais Nīderlandes meistars J.D.Dulkens. 18. gadsimta 2. pusē. Klavesīnu sāka aizstāt klavieres. LABI. 1809. gads Kirkmana kompānija laiž klajā savu pēdējo klavesīnu. Instrumenta atdzimšanas iniciators bija A. Dolmehs. Savu pirmo klavesīnu viņš uzbūvēja 1896. gadā Londonā un drīz atvēra darbnīcas Bostonā, Parīzē un Haslemerā. Mūsdienu klavesīns Klavesīnu ražošanu uzsāka arī Parīzes uzņēmumi Pleyel un Erard. Pleyel sāka ražot klavesīna modeli ar metāla rāmi, kas nes biezas, nostieptas stīgas; Vanda Lendovska apmācīja veselu klavesīnistu paaudzi pie šāda veida instrumentiem. Bostonas meistari Frenks Habards un Viljams Douds bija pirmie, kas kopēja antīkos klavesīnus.

Priekšskatījums:

Ērģeles (itāļu organo, franču orgu, vācu Orgel, angļu ērģeles)

Taustiņu pūšaminstruments - ērģeles - ir pazīstams kopš seniem laikiem. Senajos orgānos gaisu sūknēja manuāli, izmantojot plēšas. Viduslaiku Eiropā ērģeles kļuva par baznīcas pielūgsmes instrumentu. Tieši 17. gadsimta garīgajā vidē radās ērģeļu polifoniskā māksla, kuras labākie pārstāvji bija Freskobaldi, Bahs un Hendelis.

Ērģeles ir gigantisks instruments ar daudziem dažādiem toņiem.

“Tas ir vesels orķestris, kas prasmīgās rokās var visu nodot, visu izteikt,” par viņu rakstīja Balzaks. Patiešām, ērģeļu diapazons pārsniedz visu orķestra instrumentu diapazonu kopā. Ērģelēs ietilpst plēšas gaisa padevei, dažāda dizaina un izmēra trubu sistēma (mūsdienās ērģelēs trubu skaits sasniedz 30 000), vairākas manuālās klaviatūras un kājas pedālis. Lielākās caurules sasniedz 10 metru augstumu vai vairāk, mazākās augstums ir 8 milimetri. Šī vai cita skaņas krāsa ir atkarīga no viņu ierīces.

Viena tembra cauruļu komplektu sauc par reģistru. Lielajām katedrāles ērģelēm ir vairāk nekā simts reģistru: Dievmātes katedrāles ērģelēs to skaits sasniedz 110. Atsevišķu reģistru skaņu krāsa atgādina flautas, obojas, cor anglais, klarnetes, basklarnetes, trompetes un skaņu tembru. čells. Jo bagātāki un daudzveidīgāki reģistri, jo lielākas iespējas saņem izpildītājs, jo ērģeļspēles māksla ir labas reģistrācijas māksla, t.i. prasmīgi izmantot visus instrumenta tehniskos resursus.

Mūsdienu orķestra mūzikā (īpaši teātra mūzikā) ērģeles galvenokārt tika izmantotas skaņu vizuāliem nolūkiem - tur, kur bija nepieciešams atveidot baznīcas atmosfēru. Piemēram, Lists simfoniskajā poēmā “Hūnu kauja” izmantoja ērģeles, lai pretstatītu kristīgo pasauli barbariem.

Priekšskatījums:

Arfa - noplūkts stīgu mūzikas instruments. Tam ir trīsstūra forma, kas sastāv no: pirmkārt, apmēram 1 metru gara rezonējoša kastes korpusa, kas izplešas uz leju; tā iepriekšējā forma bija četrstūraina, bet pašreizējā ir noapaļota vienā pusē; tas ir aprīkots ar plakanu skaņu dēli, parasti no kļavas koka, kura vidū visā korpusa garumā ir piestiprināta šaura un tieva cieta koka sloksne, kurā tiek izdurti caurumi zarnu stīgu caurduršanai; otrkārt, no augšdaļas (liela kakla formā), čūskveidīgi izliekta, piestiprināta ķermeņa augšdaļai, veidojot ar to asu leņķi; Šai daļai ir piestiprināti knaģi, lai stiprinātu stīgas un noskaņotu tās; treškārt, no kolonnas formas priekšējā stara, kuras mērķis ir pretoties spēkam, ko rada stīgas, kas izstieptas starp grifu un rezonējošo korpusu. Tā kā arfai jau agrāk bija ievērojams skaņas skaļums (piecas oktāvas) un vietas pilnas hromatiskās skalas stīgām nepietiek, stīgas arfā tiek izstieptas tikai, lai radītu diatoniskās skalas skaņas. Uz arfas bez pedāļa var spēlēt tikai vienu skalu. Agrākos laikos hromatiskajiem pacēlumiem stīgas bija jāsaīsina, piespiežot pirkstus pret grifu; vēlāk šo presēšanu sāka veikt ar roku dzenāmu āķu palīdzību. Šādas arfas izpildītājiem izrādījās ārkārtīgi neērtas; Šos trūkumus lielā mērā novērsa pedāļa mehānisms, ko 1720. gadā izgudroja Džeikobs Hohbrukers. Šis meistars arfai piestiprināja septiņus pedāļus, iedarbojoties uz vadītājiem, kas caur stara tukšo vietu gāja uz grifu un tur nolika āķus tādā stāvoklī, ka tie, stingri turoties pie stīgām, radīja hromatiskus uzlabojumus visā instrumenta skaļumā.

Orķestris(no grieķu orķestra) - liela grupa instrumentālo mūziķu. Atšķirībā no kameransambļiem, orķestrī daži tā mūziķi veido grupas, kas spēlē unisonā, tas ir, spēlē vienas un tās pašas partijas.
Pati ideja par vienlaicīgu mūzikas atskaņošanu instrumentālo izpildītāju grupā aizsākās senatnē: Senā Ēģipte mazas mūziķu grupas kopā spēlēja dažādos svētkos un bērēs.
Vārds "orķestris" ("orķestris") cēlies no sengrieķu teātra skatuves priekšā esošās apaļās platformas nosaukuma, kurā atradās sengrieķu koris, jebkuras traģēdijas vai komēdijas dalībnieks. Renesanses laikā un pēc tam XVII gadsimtā orķestris tika pārveidots par orķestra bedri un attiecīgi devis savu nosaukumu tajā izvietotajai mūziķu grupai.
Ir daudz dažādu orķestru veidu: militārais orķestris, kas sastāv no metāla pūšamajiem un koka pūšamajiem instrumentiem, tautas instrumentu orķestri, stīgu orķestri. Sastāvā lielākais un savām iespējām bagātākais ir simfoniskais orķestris.

Simfoniskaissauc par orķestri, kas sastāv no vairākām neviendabīgām instrumentu grupām – stīgu, pūšaminstrumentu un sitaminstrumentu saimēm. Šādas apvienošanās princips Eiropā attīstījās gadā XVIII gadsimtā. Sākotnēji simfoniskā orķestra sastāvā bija loka instrumentu, koka un metāla pūšamo instrumentu grupas, kurām pievienojās daži sitamie mūzikas instrumenti. Pēc tam katras šīs grupas sastāvs paplašinājās un dažādojās. Pašlaik starp vairākām simfonisko orķestru šķirnēm ir ierasts atšķirt mazu un lielu simfonisko orķestri. Mazais simfoniskais orķestris ir pārsvarā klasiska sastāva orķestris (atskaņo 18. gadsimta beigu - 19. gadsimta sākuma mūziku jeb mūsdienu stilizācijas). Tas sastāv no 2 flautām (retāk neliela flauta), 2 obojām, 2 klarnetēm, 2 fagotiem, 2 (retāk 4) mežragiem, dažreiz 2 trompetēm un timpāniem, stīgu grupas, kurā ir ne vairāk kā 20 instrumenti (5 pirmās un 4 otrās vijoles). , 4 alti, 3 čelli, 2 kontrabasi). Lielajā simfoniskajā orķestrī (BSO) ir obligāti tromboni pūtēju grupā un var būt jebkurš sastāvs. Bieži vien koka instrumenti (flautas, obojas, klarnetes un fagoti) sasniedz līdz pat 5 katras ģimenes instrumentiem (dažreiz klarnetes ir vairāk) un ietver dažādus veidus (mazās un alta flautas, Cupid oboja un angļu oboja, mazās, alta un basklarnetes, kontrafagots ). Misiņa grupā var būt līdz 8 mežragi (ieskaitot speciālās Vāgnera tubas), 5 trompetes (ieskaitot snare, alts, bass), 3-5 tromboni (tenors un tenorbass) un tuba. Saksofoni tiek izmantoti ļoti bieži (džeza orķestrī, visi 4 veidi). Stīgu grupa sasniedz 60 vai vairāk instrumentus. Ir daudz sitaminstrumentu (lai gan timpāni, zvani, mazas un lielas bungas, trīsstūris, šķīvji un Indijas tom-tom veido to mugurkaulu), bieži tiek izmantota arfa, klavieres un klavesīns.
Orķestra skanējuma ilustrēšanai izmantošu YouTube simfoniskā orķestra noslēguma koncerta ierakstu. Koncerts notika 2011. gadā Austrālijas pilsētā Sidnejā. To televīzijas tiešraidē skatījās miljoniem cilvēku visā pasaulē. YouTube simfoniskais orķestris ir veltīts mūzikas mīlestības veicināšanai un cilvēces plašās radošās daudzveidības demonstrēšanai.

Koncerta programmā bija zināmi un mazpazīstami slavenu un mazpazīstamu komponistu darbi.
Šeit viņa programma:

Hektors Berliozs - Romas karnevāls - uvertīra, op. 9 (ar Android Jones — digitālo mākslinieku)
Iepazīstieties ar Maria Chiossi - arfu
Persijs Greindžers — ierašanās uz platformas Humlet no īsumā — Suite
Johans Sebastians Bahs — Tokāta F mažorā ērģelēm (piedalās Kamerons Kārpenters)
Iepazīstieties ar Paulo Calligopoulos - elektrisko ģitāru un vijoli
Alberto Ginastera - Danza del trigo (kviešu deja) un Danza fināls (Malambo) no baleta Estancia (diriģents Iļjičs Rivass)
Volfgangs Amadejs Mocarts - "Caro" zvans"idol mio" - Canon trīsbalsīs, K562 (ar video starpniecību piedalās Sidnejas bērnu koris un soprāns Renē Fleminga)
Iepazīstieties ar Xiomara Mass - Oboja
Bendžamins Britens – Jauniešu ceļvedis orķestrim, op 34
Viljams Bārtons — Kalkadunga (piedalās Viljams Bārtons — Didžeridū)
Timotejs Konstebls - Suna
Iepazīstieties ar Romānu Rīdelu – Trombonu
Ričards Štrauss - Fanfara Vīnes filharmonijai (piedalās Sāra Vilisa, Horna, Berlīnes filharmoniķi un diriģents Edvīns Outvoters)
*PIRMIZRĀDE* Mason Bates — Mothership (īpaši komponēts YouTube simfoniskajam orķestrim 2011)
Iepazīstieties ar Su Chang - Guzheng
Fēlikss Mendelsons - Vijoļkoncerts mi minorā op. 64 (fināls) (piedalās Stefans Džekijs un diriģents Iļjičs Rivass)
Iepazīstieties ar Ozguru Baskinu – vijoli
Kolins Džeikobsens un Siamaka Aghaei — Ascending Bird — svīta stīgu orķestrim (piedalās Kolins Džeikobsens, vijole un Ričards Togneti, vijole, un Ksenija Simonova — smilšu māksliniece)
Iepazīstieties ar Stepanu Gritsaju – vijoli
Igors Stravinskis - Ugunsputns (Infernal Dance - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Francs Šūberts — Rosamunde (piedalās Jevgeņijs Izotovs — oboja un Endrjū Mariners — klarnete)

Simfoniskais orķestris ir veidojies gadsimtu gaitā. Tā attīstība ilgu laiku notika operas un baznīcas ansambļu iekšienē. Šādas grupas XV – XVII gadsimtiem bija mazi un neviendabīgi. Tajos ietilpa lautas, vijoles, flautas un obojas, tromboni, arfas un bungas. Pamazām dominējošo stāvokli ieguva loka stīgu instrumenti. Vijoles ieņēma vijoles ar savu bagātīgāku un melodiskāku skanējumu. Atpakaļ uz augšu XVIII V. viņi jau valdīja orķestrī. Apvienojās arī atsevišķa grupa un pūšamie instrumenti (flautas, obojas, fagoti). Trompetes un timpāni no baznīcas orķestra pārcēlās uz simfonisko orķestri. Klavesīns bija neaizstājams instrumentālo ansambļu dalībnieks.
Šis skaņdarbs bija raksturīgs J. S. Baham, G. Hendelim, A. Vivaldi.
No vidus XVIII V. simfonijas žanri un instrumentālais koncerts. Atkāpšanās no polifoniskā stila radīja komponistu vēlmi pēc tembrālās daudzveidības un izteiktas orķestra balsu identificēšanas.
Jauno rīku funkcijas mainās. Klavesīns ar savu vājo skanējumu pamazām zaudē vadošo lomu. Drīz komponisti to pilnībā atteicās, galvenokārt paļaujoties uz stīgu un pūšaminstrumentu sekciju. Līdz beigām XVIII V. Tika izveidots tā sauktais klasiskais orķestra sastāvs: ap 30 stīgu, 2 flautas, 2 obojas, 2 fagoti, 2 trompetes, 2-3 mežragi un timpāni. Drīz vien klarnete pievienojās vējiem. Šādam skaņdarbam rakstīja J. Haidns un V. Mocarts. Tas ir orķestris L. Bēthovena agrīnajos darbos. IN XIX V.
Orķestra attīstība noritēja galvenokārt divos virzienos. No vienas puses, palielinoties sastāvam, tas tika bagātināts ar daudzu veidu instrumentiem (šajā ir romantisko komponistu, galvenokārt Berlioza, Lista, Vāgnera, lielie nopelni), no otras puses, attīstījās orķestra iekšējās spējas. : skaņu krāsas kļuva tīrākas, faktūra kļuva skaidrāka, izteiksmīgie resursi ir taupīgāki (tāds ir Gļinkas, Čaikovska, Rimska-Korsakova orķestris). Orķestra paleti ievērojami bagātināja arī daudzi vēlīnā laika komponisti XIX - XX 1. puse V. (R. Štrauss, Mālers, Debisī, Ravels, Stravinskis, Bartoks, Šostakovičs u.c.).

Mūsdienu simfoniskais orķestris sastāv no 4 galvenajām grupām. Orķestra pamats ir stīgu grupa (vijoles, alti, čelli, kontrabasi). Vairumā gadījumu stīgas ir galvenie melodiskā principa nesēji orķestrī. Stīgu spēlējošo mūziķu skaits ir aptuveni 2/3 no visa ansambļa. Koka pūšaminstrumentu grupā ietilpst flautas, obojas, klarnetes, fagoti. Katrai no tām parasti ir neatkarīga partija. Atpaliekot no loka instrumentiem ar tembru bagātību, dinamiskajām īpašībām un spēles tehnikas dažādību, pūšamajiem instrumentiem ir liels spēks, kompakts skanējums un spilgti krāsaini toņi. Trešā orķestra instrumentu grupa ir metāla pūšamie (mežrags, trompete, trombons, trompete). Tie piešķir orķestrim jaunas spilgtas krāsas, bagātinot tā dinamiskās iespējas, piešķirot skaņai jaudu un spožumu, kā arī kalpojot kā basa un ritma atbalsts.
Visi augstāka vērtība iegādāties sitaminstrumentus no simfoniskā orķestra. Viņu galvenā funkcija ir ritmiska. Turklāt tie rada īpašu skaņas un trokšņu fonu, papildina un rotā orķestra paleti ar krāsu efektiem. Pēc skaņas rakstura bungas tiek iedalītas 2 veidos: dažām ir noteikts augstums (timpāni, zvani, ksilofons, zvani utt.), citām nav precīza toņa (trīsstūris, tamburīna, slazds un basa bungas, šķīvji). No galvenajās grupās neiekļautajiem instrumentiem visnozīmīgākā loma ir arfai. Reizēm komponisti orķestrī iekļauj čelestu, klavieres, saksofonu, ērģeles un citus instrumentus.
Vairāk par simfoniskā orķestra instrumentiem – stīgu sekciju, koka pūšaminstrumentiem, metāla pūšaminstrumentiem un sitaminstrumentiem var lasīt tīmekļa vietne.
Es nevaru ignorēt vēl vienu noderīgu vietni “Bērni par mūziku”, kuru atklāju, gatavojot šo ziņu. Nav jābīstas no tā, ka šī ir bērniem paredzēta vietne. Tajā ir dažas diezgan nopietnas lietas, kas tikai izstāstītas vienkāršākā, saprotamākā valodā. Šeit saite uz viņu. Starp citu, tajā ir arī stāsts par simfonisko orķestri.

Avoti:

Marina Raževa
NOD "Simfoniskais orķestris" konspekts

Nodarbības piezīmes

« Simfoniskais orķestris»

bērniem no 5-6 gadiem

Sagatavots: mūzikas direktors

Raževa Marina Anatoljevna

Teikovo 2015. gads

Mērķis: pirmsskolas vecuma bērnu iepazīstināšana ar klasisko mūziku

Uzdevumi. Veidot bērnos estētisku apkārtējās pasaules uztveri.

Iepazīstināt ar muzikālo kultūru.

Veidot vajadzību pēc mūzikas uztveres.

Attīstīt kognitīvās un radošās spējas.

Bagātiniet savu vārdu krājumu.

Izglītības joma - "Mākslinieciskā un estētiskā izglītība"

Organizācijas forma - Komandas darbs skolotājs ar bērniem.

Bērnu aktivitātes veids: izglītojošs, komunikatīvs, muzikāls un māksliniecisks.

Materiāli un aprīkojums: mūzikas centrs mūzikas klausīšanai, bērnu mūzikas instrumenti, prezentācija.

Priekšdarbs: mūzikas nodarbībās bērniem jāiepazīst pamatinstrumenti simfoniskais orķestris, to īstā skaņa, tembru krāsojums. Atšķirt instrumentu grupas: stīgas, pūšamie instrumenti, perkusijas, singli.

Programmas saturs.

1. Paplašināt bērnu zināšanas par mūzikas instrumentu skaņas īpašībām.

2. Izaudzināt interesi un vēlmi klausīties instrumentu skanējumā.

3. Turpināt attīstīt prasmes spēlēt DMI (bērnu mūzikas instrumenti)

4. Attīstīt bērnu tembrālo dzirdi.

Plānotais rezultāts.

Veidojot priekšstatu par simfoniskais orķestris.

Stiprināt spēju atšķirt instrumentu skaņas simfoniskais orķestris.

Aktīvi piedalieties spēlē DMI.

Jūtiet nepieciešamību uztvert mūziku tā, kā tā tiek izpildīta simfoniskais orķestris.

Nodarbības gaita.

Bērni ienāk zālē un izpilda ierasto muzikālo un ritmisko kustību kopumu, pēc tam mierīgi dodas uz krēsliem.

M. r. sveic bērnus dziedot "Sveiki!", autors…

M. r. Pievērš bērnu uzmanību ekrānam, kur bērni redz lielu mūziķu grupu.

M. r. Puiši, ko jūs redzat šajā fotoattēlā.

Bērnu atbildes.

M. r. Jā tas orķestris - mūziķu grupa kuri kopā izpilda vienu skaņdarbu. Katrs mūziķis spēlē savu lomu saskaņā ar notīm, ko sauc par partitūru. Partitūras stāv uz īpašiem stendiem – pultīm.

Un tagad es gribu jums pateikt mīklu. Mēģiniet to uzminēt.

Viņš diriģē orķestri,

Sagādā cilvēkiem prieku.

Viņš tikai pamāj ar zizli,

Sāks atskaņot mūziku.

Viņš nav ne ārsts, ne autovadītājs.

Kas tas ir? (Diriģents)

Bērni. Diriģents.

M. r. Uz orķestris skanēja sakarīgi un harmoniski – to kontrolē diriģents. Viņš saskaras ar mūziķiem. Diriģents var piespiest orķestris spēlē ātri, un lēnām, un klusi, un skaļi - ko vien vēlies! Bet tajā pašā laikā viņš neizrunā nevienu vārdu. Viņš izmanto tikai savu burvju nūju. Diriģenta priekšā ir biezas, biezas notis, kurās ierakstītas visu mūziķu partijas. Šīs notis sauc klavieres.

Vijole ir 4 stīgu loka instruments, kas ir visaugstākā skanējuma ziņā savā saimē un vissvarīgākais orķestris.

Čells ir liela vijole, ko spēlē sēžot. Čellam ir bagātīga zema skaņa.

Kontrabasam ir viszemākā skaņa un lielākais izmērs. (līdz 2 metriem) loka stīgu instrumentu saimes vidū. Viņi to spēlē stāvus vai uz īpaša krēsla. Šis ir basa pamats (pamats) Kopā orķestris.

Flauta pieder koka pūšaminstrumentu grupai. Bet mūsdienu flautas ļoti reti ir izgatavotas no koka, biežāk no metāla, dažreiz no plastmasas un stikla. Virtuozākais un tehniski veiklākais instruments pūšaminstrumentu saimē. Bieži vien tiek uzticēta flauta orķestra solo.

M. r. Puiši, kāpēc instrumentus sauc par pūšamajiem instrumentiem?

Bērnu atbildes.

M. r. Jā, viņi patiešām pūš. Pareizāk būtu teikt, ka pūšamie instrumenti skan tad, kad tajos tiek iepūsts gaiss.

Un tagad jūs redzat un dzirdat trompeti no pūšaminstrumentu grupas. Trompetei ir augsta, skaidra skaņa, ļoti piemērota fanfarām. Fanfaras tiek izmantotas, lai dotu signālus - svinīgus vai kareivīgus svētku svinībās un militārajās parādēs.

Jūsu priekšā ir trombons. Trombons vairāk spēlē basa līniju, nevis melodisku līniju. No citiem pūšaminstrumentiem tas atšķiras ar kustīgu slaidu, kuru kustinot uz priekšu un atpakaļ, mūziķis maina instrumenta skanējumu.

Rags - rags. Sākotnēji iegūts no medību raga. Rags var būt mīksts un izteiksmīgs vai skarbs un raupjš.

M. r. Lūdzu, nosauciet sitamos instrumentus.

Bērni. Bungas, tamburīns, marakas, trīsstūris, metalofons, kastanetes, zvaniņi, grabuļi, zvaniņi.

M. r. Tieši tā, puiši. Sitaminstrumentu ir ļoti daudz, bet ne visi var kalpot simfoniskais orķestris.

Nosauciet slaidā redzamos rīkus.

Bungas, šķīvji, ksilofons.

14.,15. slaids.

Un arī, puiši, orķestris tiek izmantoti atsevišķi instrumenti. Un jums tas ir jānoskaidro un jānosauc

tos pareizi.

Bērni. Klavieres. Arfa.

M. r. Pa labi. Šis ir koncertflīģelis un senais instruments– arfa.

Vai jūs, puiši, vēlaties justies kā lieli mūziķi? orķestris? Tad iesaku paņemt savus instrumentus un nospēlēt vienu ļoti skaistu skaņdarbu.

Izpildīts "Rondo turku stilā"- V. Mocarts vai

"Nerātnā polka"- A. Filippenko.

M. r. Paldies puiši. Man tas patīk.

Ko jūs, puiši, domājat, var spēlēt tādus instrumentus kā balalaika vai saksofons orķestris. Kurš? Fakts ir tāds, ka šie rīki ir daļa no citiem orķestri.

Uzmanīgi apskatiet šīs ilustrācijas. Izņemot simfoniskais orķestris ir arī citi veidi orķestri: misiņš, folks, pops, džezs. Tās atšķiras ar instrumentu sastāvu un mūziķu skaitu. IN simfoniskais orķestris Vidēji ap 60-70 cilvēku, bet reizēm 100 un vairāk. Mūziķi ir sakārtoti noteiktā secībā. Tie ir apvienoti instrumentu grupās ar līdzīgiem tembriem.:

stīgu, koka pūšaminstrumentu, misiņa un sitaminstrumenti. Vienas grupas mūziķi sēž viens otram blakus, lai labāk dzirdētu. Un tas rada konsekventu skaņu.

Un tagad es vēlos jūs uzaicināt uzspēlēt spēli.

Uzziniet instrumentu.

17., 18., 19. slaids.

M. r. Mēs kopā pavadījām brīnišķīgu laiku. Vai jums patika? Kā sauc orķestris, ar ko mēs šodien satikāmies? Kurš instruments tev patika? (Bērni atbild pa vienam pēc vēlēšanās). Esmu jums sagatavojis kartītes ar mīklu, kuru mēģināsiet atrisināt kopā ar mammu vai tēti un uzzīmēsiet atbildi. (siluets aizmugurē - punkti).

Lūdzu, nāc pie manis, es vēlos pateikties un atvadīties (bērni aizver acis, mūzikas direktors glāsta viņu galvu)

Visā savā vēsturē, tūkstošiem un tūkstošiem gadu, cilvēce ir radījusi mūzikas instrumentus un kombinējusi tos dažādās kombinācijās. Taču tikai pirms četrsimt gadiem šīs instrumentu kombinācijas attīstījās formā, kas jau ir tuvu mūsdienu orķestrim.

Senos laikos, kad mūziķi pulcējās spēlēt, viņi izmantoja visus instrumentus, kas bija apkārt. Ja pie lautas bija trīs spēlētāji, arfu un flautu – divi, tad viņi spēlēja tā. Līdz 16. gadsimta sākumam, laikmetam, kas pazīstams kā Renesanse, vārds "ansamblis" tika lietots, lai apzīmētu mūziķu grupu, dažreiz dziedātājus, kuri muzicēja kopā vai "ansamblī".

Agrīnās renesanses komponisti parasti nenorādīja, kuram instrumentam viņi raksta partiju. Tas nozīmēja, ka daļas varēja atskaņot ar jebkuru pieejamo instrumentu. Bet 17. gadsimta sākumā Itālijā komponists Klaudio Monteverdi izvēlējās, kādi instrumenti jāpavada viņa operai Orfejs (1607), un precīzi norādīja, kādiem instrumentiem partijas rakstītas: piecpadsmit dažāda izmēra vijoles, divas vijoles, četras flautas ( divas lielas un divas vidējas), divas obojas, divas kornetes (mazās koka trompetes), četras trompetes, pieci tromboni, arfa, divi klavesīni un trīs mazas ērģeles.

Kā redzams, " renesanses orķestris“Monteverdi jau bija līdzīgs tam, kādu mēs iedomājamies orķestrim: instrumenti, kas sakārtoti grupās, daudzi loka stīgu instrumenti, liela dažādība.

Nākamajā gadsimtā (līdz 1700. gadam, J. S. Baha laikam) orķestris attīstījās vēl vairāk. Vijoļu saime (vijole, alts, čells un bass) nomainīja vijoļus baroka orķestrī vijoļu saime bija daudz reprezentatīvāka nekā renesanses orķestra vijoles. Baroka orķestra muzikālā vadība piederēja taustiņinstrumentiem, kas spēlēja klavesīnu vai dažreiz ērģeles. Kad J. S. Bahs strādāja ar orķestri, viņš sēdēja pie ērģelēm vai klavesīna un vadīja orķestri no savas vietas.

Baroka laikmetā muzikālais diriģents dažreiz vadīja orķestri, stāvot kājās, taču tā vēl nebija tā diriģēšana, kādu mēs pazīstam šodien. Žans Batists Lully, kurš 1600. gados bija atbildīgs par mūziku Francijas karaļa galmā, bija pieradis saviem mūziķiem sist ritmu uz grīdas ar garu stieni, taču kādu dienu viņš nejauši savainoja kāju, attīstījās gangrēna. , un viņš nomira!

Nākamajā 19. gadsimtā, Haidna un Bēthovena laikā, orķestrī notika vēl pamatīgākas pārmaiņas. Loka stīgu instrumenti ir kļuvuši svarīgāki nekā jebkad agrāk, savukārt taustiņinstrumenti ir izgaisuši tumsā. Komponisti sāka rakstīt konkrētam mūzikas instrumentam. Tas nozīmēja zināt katra instrumenta balsi, saprast, kura mūzika skanēs labāk un būs vieglāk izpildāma izvēlētajā instrumentā. Komponisti kļuva brīvāki un pat azartiskāki, apvienojot instrumentus, lai radītu bagātīgākas un daudzveidīgākas skaņas un nianses.

Pirmais vijolnieks (vai pavadītājs) vadīja orķestri no sava krēsla, bet dažkārt viņam bija jādod norādījumi ar žestiem un, lai būtu labāk redzams, viņš vispirms izmantoja parastu balta papīra loksni, kas bija sarullēta caurulē. Tas noveda pie mūsdienu nūjas attīstības. 1800. gadu sākumā komponisti-diriģenti, piemēram, Kārlis Marija fon Vēbers un Fēlikss Mendelsons, ieviesa vadošo mūziķu praksi no centrālā pjedestāla orķestra priekšā.

Tā kā orķestri kļuva arvien lielāki, ne visi mūziķi varēja redzēt un sekot līdzi pavadītājam. Līdz 19. gadsimta beigām orķestris bija sasniedzis tādu lielumu un proporcijas, kādus mēs zinām šodien, un pat pārsniedza mūsdienu. Daži komponisti, piemēram, Berliozs, sāka komponēt mūziku tikai tik milzīgiem orķestriem.

Mūzikas instrumentu dizains, konstrukcija un kvalitāte ir pastāvīgi pilnveidota, radīta jauni mūzikas instrumenti, kas atrada savu vietu orķestrī, piemēram, pikolo (mazā flauta) un trompete. Par diriģentiem kļuva daudzi komponisti, tostarp Berliozs, Verdi, Vāgners, Mālers un Ričards Štrauss. Viņu eksperimenti ar orķestrēšanu (izplatīšanas mākslu muzikālais materiāls starp orķestra instrumentiem, lai pēc iespējas izdevīgāk izmantotu katru instrumentu) rādīja ceļu uz 20. gs.

Vāgners gāja vēl tālāk, viņš izstrādāja un izgatavoja basa trompeti (; Vāgnera trompete), apvienojot bugles un trompetes elementus, lai viņa nemirstīgajā operā "Nibelunga gredzens" ieviestu jaunu, īpašu skanējumu. Viņš bija pirmais diriģents, kurš pagrieza muguru publikai, lai labāk kontrolētu orķestri. Vienā no savām simfonijām Štrauss rakstīja Alpu raga daļa, koka tautas instruments 12 pēdas garš. Tagad Alpu ragu nomaina trompete. Arnolds Šēnbergs radīja savu darbu "Gurrelieder dziesmas" orķestrim ar 150 instrumentiem.

20. gadsimts bija brīvības un jaunu eksperimentu ar orķestri gadsimts. Diriģenti kļuva par pilnīgi individuālām personām, un viņu vidū izcēlās savas superzvaigznes. Daudzkārt pieaugusi atbildība, bet arī skatītāju atzinība.

Orķestra pamats bija tāds, kāds tas tika izveidots 19. gadsimta beigās, un komponisti dažreiz pievienoja vai noņēma instrumentus atkarībā no vēlamā efekta. Dažkārt šī bija ārkārtīgi paplašināta sitaminstrumentu vai koka pūšaminstrumentu un metāla pūšaminstrumentu grupa. Bet orķestra sastāvs ir nostiprinājies un lielā mērā paliek nemainīgs: liela loka instrumentu grupa un nelielas pūšaminstrumentu, sitamo instrumentu, arfu un taustiņinstrumentu grupas.

Pēc visiem šiem gadiem tas joprojām darbojas!