Holenderski artysta galerii w. Malarstwo holenderskie. Obrazy malarzy holenderskich

27.09.2019

Początkowo prace powstawały w technice akwareli. Później dodano akryl. Ostatni cykl prac to głównie akryl. Artysta zaczął malować ciepłe, a czasem wręcz gorące obrazy akrylem. Niektóre prace wydają się być spisane różne środki przekazu. I akwarela, akryl i pastel V. Heijenraets jest artystą impresjonistycznym. Prace Willema przesiąknięte są powietrzem, kolorem, delikatnością, lekkością, otoczone szczególnym akwarelowym nastrojem relaksu, spokoju i wolności...strona internetowa...

Willema Haenraetsa

urodzony w październiku 1940 r. w Rotterdamie

W wieku 16 lat wstąpił do Akademii Sztuki w Antwerpii. Nauczyciele akademii szybko zauważyli oczywisty talent młodego talentu i zachęcali go na wszelkie możliwe sposoby. twórczy rozwój. Cztery lata później, od chwili wstąpienia do akademii, Willem Haenraets zaczął otrzymywać stypendium państwowe rządu belgijskiego i mógł kontynuować naukę w Narodowym Instytucie Sztuk Pięknych w Antwerpii, gdzie wkrótce otworzył własną pracownię. Willem Haenraets studiował u wybitnych profesorów Sariny i Vaartena. Doświadczeni rzemieślnicy cieszyli się, że rósł godny zamiennik i w każdy możliwy sposób przyczyniali się do promocji Williama. Widzieli w nim kontynuację tradycji szkoły belgijsko-holenderskiej. W tych samych latach odbyła się pierwsza wystawa młodego artysty. Za dochód kupił sobie skuter, którym później podróżował do wielu malowniczych miejsc w okolicy, zwłaszcza w okolice portu w Antwerpii. Tutaj poznał jednego z zamożnych armatorów, z pomocą którego Willem zaczął malować wiele portretów na zamówienie. Po śmierci klienta William wyjechał na kilka miesięcy do Paryża. Na placu miejskim Place de Tetre malował portrety od rana do wieczora, aż w końcu udało mu się kupić dom w mieście Bergen (w Holandii). Później osiadł tam ze swoją pierwszą żoną Hanną. Był to czas, kiedy namalowano ogromną liczbę obrazów, które sprzedawano w salonach artystycznych i galeriach. Wkrótce wydarzyło się wielkie nieszczęście – Hanna zginęła w wypadku, zostawiając przez te lata męża samego z sześciotygodniowym dzieckiem , Życie Williama straciło porządek. Ale w końcu zdecydował się wrócić do rodzinnego Herpen, gdzie osiadł w małym zamku Kasteel Terworm, pogrążając się w pracy. Sprzedawał swoje prace w Holandii i Niemczech.

Pod koniec lat 70. artysta znalazł drugą żonę, która miała już małą córeczkę. Później mieli syna. W tym okresie William zaczął publikować swoje dzieła. To zrobiło dużą różnicę w jego życiu finansowym i pod względem udziału w targach i wystawach sztuki. Regularnie pojawiały się zaproszenia na wystawy w USA i Anglii. Jego oryginały były wystawiane w galerii w Beverly Hills, a litografie jego prac pokazywane były na wystawach. W rezultacie działalność wystawiennicza przyniosła malarzowi światową sławę. Wystawa w Nagoi (czyli w Japonii) okazała się ogromnym sukcesem. Japończykom bardzo spodobał się styl artysty, jego delikatne kolory, romantyczny nastrój. W tym okresie artysta zbliżył się do właściciela galerii przy Stokstraat w Maastricht. Razem co dwa lata organizowali wspaniałe wystawy w Galerii Renoir. Jednak z powodu choroby właściciela galerii współpraca ta zakończyła się.

Lata 2000

W tych latach Willem Haenraets kupił dom w Hiszpanii, w gminie Hondon de las Nieves. Władze poprosiły go o prezentację swoich obrazów w Miejskim Domu Kultury. Artystka wspomina to wydarzenie jako bardzo przyjemne.

William obecnie współpracuje z wydawnictwem, które reprezentuje jego twórczość na całym świecie w formie wysokiej jakości plakatów i litografii. Artysta sprzedaje oryginały samodzielnie i za pośrednictwem galerii.

W 2009 roku Willem Haenraets został zaproszony przez komitet Biennale Internazionale Della Arte contemporanea do wzięcia udziału w tej słynnej wystawie. Sam artysta uważa ten udział za swój wielki sukces.

W ramach Roku Królestwa Niderlandów w Federacji Rosyjskiej
w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin (Galeria sztuki krajów europejskich i amerykańskich XIX-XX wieku)
do 26 stycznia 2014 roku trwała wystawa prac z kolekcji korporacyjnej Grupy ING
Magia holenderskiego realizmu.

Grupa ING jest jedną z największych międzynarodowych firm finansowych Pochodzenie holenderskie. Kolekcja sztuki ING obejmuje dziś ponad 15 tysięcy dzieł różnych szkół i ruchów narodowych. Na wystawie Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina Grupa ING prezentuje najważniejszą część swojej kolekcji – obrazy związane z nurtem artystycznym realizmu magicznego.
W latach dwudziestych XX wieku w Europie pod hasłem „powrotu do porządku” rozpoczęło się odrodzenie klasycznego nurtu w sztuce. W Sztuka europejska słabnie pasja do sztuki abstrakcyjnej poprzedniej dekady, odradzają się tendencje realistyczne. Częściowo wynikało to z bolesnych doświadczeń I wojny światowej: język sztuki abstrakcyjnej był dość ograniczony, a artyści zmuszeni byli szukać nowego stylu, który oddałby brutalność minionej rzezi. Doprowadziło to do narodzin nowej formy realizmu, która porzuciła obraz Życie codzienne jak to miało miejsce w sztuce XIX wieku i skupiając się na innych technikach. Podobne ruchy artystyczne zaczęły pojawiać się w całej Europie: „nowa materialność” w Niemczech, „sztuka metafizyczna” we Włoszech, „surrealizm” we Francji, a w latach trzydziestych XX wieku „realizm magiczny” w Holandii.

Termin „realizm magiczny” został po raz pierwszy wprowadzony w Niemczech, a później był używany przez niektórych pisarzy w Holandii. Jego cechą charakterystyczną jest to, że przedmioty ze świata rzeczywistego są ukazane z fotograficzną precyzją (realizm), jednak umieszczenie ich w odrealnionym kontekście – wytworem wyobraźni artysty – efekt oderwania (magii), zniszczenia standardowego postrzegania rodzi się otaczający świat. Aby osiągnąć taki efekt, realiści magiczni sięgnęli po wyrafinowane techniki malarstwa XVII-wiecznego. Jednocześnie za fasadą zdecydowanie realistycznego stylu malarstwa kryje się spojrzenie przenikliwe i głęboko osobiste, a skrupulatna precyzja wykonania obrazów budzi poczucie wyobcowania.

Artyści zaczynają interesować się samą tradycją malarską. Jednym z pierwszych naśladowców tego trendu jest Holender Karol Willink, jedynego artysty, który ma zaszczyt znaleźć się nie tylko w kolekcji ING, ale także w szerszej historii sztuki XX wieku. Willink, uznając styl nowoczesny za przemijający, postanawia zakończyć swoje eksperymenty i przejść do tradycji realistyczne malarstwo.

Karol Willink. Dziewczyna w renesansowej sukni. 1946

Wzrok każdego wchodzącego na wystawę od razu przyciąga „Dziewczyna w renesansowym kostiumie” Karela Willinka. Dziewczyna Rubensa w ciężkiej brokatowej sukience z zabawkową owcą na smyczy, ukazana na tle zwykłego parku, ciągnącego się w perspektywie Patinirowa aż po horyzont, wydaje się bohaterką jakiegoś koszmaru. Albo lodowate światło elektryczne, jak z „Melancholii” Larsa von Triera daje taki efekt, albo kontrast pomiędzy wcale nie dziecinną i wcale nie niewinną twarzą modelki a idylliczną scenerią w duchu dawnych mistrzów, gdzie to twarz jest wstawiona jak na obrazie, uruchamia się podróbka z prowincjonalnego studia fotograficznego. „Dziewczyna” powstała w 1945 roku – w czasie okupacji Karel Willink, choć uznawany był za artystę całkowicie aryjskiego, odmawiał sprzedaży swoich obrazów Niemcom i utrzymywał się z portretów. Jednak obraz ten, przy całym swoim niestandardowym charakterze, jest postrzegany jako refleksja nad Starą Europą, która umarła i którą teraz muszą zasiedlać młode, nieznane plemiona.

Pozostali artyści pokazani na wystawie są znacznie mniej znani i zdają się chcieć wdać się w dyskusję z Willinkiem, udowadniając mu swoim maniakalnym realizmem, że wartości starego świata mają prawo do życia. Ale jednocześnie kolekcja ING wcale nie wygląda na przejaw konserwatyzmu.

Termin „realizm magiczny” ukryty w tytule wystawy został ukuty przez niemieckiego historyka i krytyka sztuki Franza Rocha w 1925 roku dla artystów „nowej materialności”, szybko jednak przeniósł się na obszar literatury i praktycznie utracił jakiekolwiek wyraźne znaczenie w obszarze sztuk wizualnych. Na wystawie widzimy całą gamę „izmów”. Od hiperrealizmu – jak w „The Box” Frans Clement, z którego lada moment wypadną narzędzia budowlane, aż do banalnego akademizmu – jak w martwych naturach Piotr Sebens I Bernarda Ferkayki. Są tu także fani Andrew Wyetha... Johana Abelinga z „Domem”, który z łatwością mógłby stać się „Domem Christiny”. A konceptualiści niczym autor 7 tysięcy autoportretów Filipa Ackermana, uczeń wielkiego Jana Dibbetsa. A fani gier postmodernistycznych lubią Barendę Blankert, cytując starych Włochów zmieszanych z Georgesem Seuratem. I właśnie ta „nowa materialność”, do której zaliczają się rówieśnicy Karela Willinka – Wima Schumachera ze srebrnymi portretami i pejzażami oraz Dick Kath z kolażowymi martwymi naturami powracającymi do kubizmu obiektywny świat iluzjonistyczna perswazja. Jednakże, Dicka Keta, w „Martwej naturze na Mikołaja”, szyfrując jego imię, ponieważ lalka marionetka, która trafiła na świąteczny stół, po zachodniofryzyjsku nazywa się „ket”, bawi się w surrealistyczne gry. Podobnie jak Karel Willink, jego północna maniera jest bliska Maxowi Ernstowi i Salvadorowi Dali, a jego kartezjanizm jest bliski Rene Magritte'owi.

Prawdopodobnie kolekcja ING ma program patriotyczny: w końcu realizm uważany jest za wielkie osiągnięcie złotego wieku Holandii. Wielu artystów odwołuje się tu do złotego wieku, a w „Martwej naturze z owocami na tle pejzażu” autorstwa genialnego stylisty Raoula Hinkesa Chciałbym poprawić datę wpisując „1635” zamiast „1935”. Nie można jednak powiedzieć, że motywy, które przyświecały zebraniu tej korporacyjnej kolekcji, ograniczały się do chęci wspierania narodowej marki artystycznej. Wystawa zajmuje tylko trzy sale, a obrazy są po prostu rozdzielone między nimi zgodnie z zasadą gatunkową: portret, pejzaż, martwa natura. Jednak przy całym fotograficznym realizmie prac nie czuje się różnicy między gatunkami: zaprojektowane głównie w matowej srebrzysto-szarej tonacji, rozświetlone głównie równomiernym matowym światłem, wyróżniające się nienaturalną wyrazistością linii, wszystkie początkowo przywołują na myśl typowy holenderski krajobraz, a potem zaczynają przypominać martwą naturę. Mistrzowski i beznamiętny zarys rzeczywistości, z której zniknęło życie. Nie holistyczny obraz realnego świata, ale zbiór znaków indeksowych, do których się odnosi prawdziwy świat jak miejsce zbrodni, jak pęknięcie na jednym i kokarda na drugim podłokietniku „Krzesła” Barendę Blankert. Co częściowo opisał poeta Józef Brodski w wierszu inspirowanym malarstwem Carla Willinka: „To się nazywa «mistrzostwo»:

Umiejętność nie bania się zabiegu

Nieistnienie - jako formy własne

Nieobecność, skopiowana z życia.

W ślad za Willinkiem coraz większą popularnością cieszą się tacy przedstawiciele realizmu magicznego, jak Peike Koch, Raoul Hinkuis, Dick Kaeth czy Wim Schumacher.

Peike Kocha. Zbiór. 1953

„Realizm magiczny przedstawia zjawiska możliwe, a jednocześnie nieprawdopodobne; surrealizm ze swej strony ukazuje sytuacje, które są niemożliwe, nie istnieją lub nie mogą istnieć” – stwierdził Peike Kocha, wyjaśniający różnicę między realizmem magicznym a surrealizmem, dwoma często mylonymi ruchami w sztuce. Surrealizm to przede wszystkim świat fantazji i snów, natomiast realizm magiczny to codzienność w nowym kontekście.

Cechą wspólną wszystkich realistów magicznych jest atmosfera, jaką tworzą ich obrazy. Poczucie niepokoju, jakie wywołują te obrazy, wynika po części z ich skrajnego realizmu, który zmniejsza dystans między widzem a dziełem. Jednocześnie nie ma tu narracji ścisłej ani pełnej. Artysta proponuje jedynie zestaw możliwych odczytań, ale nigdy nie daje pełnej odpowiedzi. Widz ma prawo wyciągnąć własne wnioski.

Estetyka realizmu magicznego, to połączenie rzeczywistości i magii oczywiście wymagało pewności środki stylistyczne. Prace realistów magicznych wyróżnia pewien chłód i pozornie obojętne spojrzenie artysty na temat obrazu, przesuwające się po powierzchni, co było szczególnie widoczne w portrecie i martwych naturach (Dick Kath, Wim Schumacher).

Wima Schumachera. Portret Adina Meesa. 1933;

Wim Schumacher „Melita w bieli”, 1928 r

Wim Schumacher „Prats de Mollo” 1929

Dicka Keta. Święty Mikołaj, martwa natura. 1931

Dick Ket (1902-1940). Martwa natura ze skrzypcami i wycinki z gazet z autoportretami W.Schumachera i R.Hynckesa.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973). Martwa natura z owocami i pejzażem/Martwa natura z owocami na tle krajobrazu. 1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Gruszki w krajobrazie.Ca.1937/Ger Langeweg.Gruszki w krajobrazie.

Dla współczesnych przedstawicieli realizmu magicznego w Holandii charakterystyczne i nieprzypadkowe jest ich powiązanie z takimi zjawiskami w sztuce XX wieku, jak pop-art, neoekspresjonizm i fotorealizm. Techniki demonstracyjnego konstruowania świata wyobraźni, chęć odegrania utylitaryzmu i stereotypizacji otaczającej przestrzeni, ucieczka w świat wyobraźni, posługiwanie się ukrytymi aluzjami, swobodna zabawa obrazami i znaczeniami sprawiają, że twórczość współczesnych „magicznych” ” artyści podobni do surrealizmu. Jednocześnie niezwykły stopień sztuki figuratywnej i dbałość o szczegóły jest niewątpliwie odwołaniem do realistycznej tradycji dawnych mistrzów holenderskich.

Celem wystawy „Magia realizmu holenderskiego” jest ukazanie jednego z najjaśniejszych zjawisk w sztuce Niderlandów XX wieku – jako dialogu pomiędzy malarzami kilku pokoleń, pomiędzy realistami magicznymi pierwszej połowy XX wieku stulecia, w tym Wima Schumachera, Karela Willinka, Peike Kocha i ich współczesnych naśladowców: Philippa Akkermana, Fransa Stuurmana, Koosa van Koulena i innych, dialog, który pozwala przypomnieć sobie tradycyjną kulturę Holandii. Na wystawie zaprezentowanych zostanie około czterdziestu prac holenderskich artystów XX i XXI wieku, ukazujących kunszt techniczny, połączenie tradycji i innowacyjności.

Jan van Tongeren (1897-1991).Martwa natura z białym dzbankiem.1967/ Jan van Tongeren.Martwa natura z białym dzbankiem

Franc Clement (ur. 1941). Box.1985/ Franc Clement. Box.

Frans Stuurman „Delfshaven” 1979

Frans Stuurman (g.1952) Zatoka.1994 / Frans Stuurman.Mewa

Jan Najgorszy „Poszukiwacz przygód” 1993

Kick Sailer „Przed lustrem” 1993

Kick Seiler „Noc” 1992

Pete Sebens „Stół Hildy” 1995

Henk Helmantel (ur. 1945). Martwa natura z owocami granatu. 1998. Drewno, olej

Barend Blankert (g.1941). Ćwiczenie.1991 / Barend Blankert. Ćwiczenia

Barend Blankert „Dwóch chłopców w naturze” 1988-1990

Filipa Ackermana. Autoportret. 2001

Philip Akkerman (ur. 1957) 4 Autoportrety nr 132, nr 51, nr 80, nr 20 / Philip Akerman.4 autoportrety

Światło na obrazach realizmu magicznego często wygląda sztucznie, jest zbyt ostre i przerywane. Artyści wykorzystali tę technikę, aby w pełni zrealizować metody wykorzystania perspektywy wypracowane przez kubistów.

Również na obrazach realistów magicznych prawie nie można znaleźć żadnych niuansów ani delikatnych schematów kolorystycznych: pierwszy plan i tło są często przedstawiane z tym samym stopniem szczegółowości. Wśród współczesnych wyznawców realizmu magicznego technikę tę stosują m.in Koosa van Koulena.

Koosa van Koulena. Olga. 2007

Koos van Keulen „Itier i Pisanello” 2003

Matthijs Roling(ur.1943).Ogród.2005 / Matthijs Roling.Ogród

Bernard Verkaaik (ur. 1946). Garnek, cebula i czarna tkanina.2004/Bernard Ferkaaik. Garnek, żarówki i czarna tkanina

oni>
Kenne Gregoire (ur. 1951). Przerwa na kawę. 2003. Płótno na drewnie, akryl

Harry van der Woude „Autoportret z pomarańczową misą” 2007

W latach 60. we Francji pojawił się nowy realizm, a w USA i Wielkiej Brytanii pop-art - zapotrzebowanie na realizm magiczny jako ruch gwałtownie spadło. W tym czasie w Europie zaczął pojawiać się neoekspresjonizm. W procesie tym m.in. Belgowie i Holenderscy artyści Alfonsa Freimutha I Rogera Roveela. Zaczynają tworzyć obrazy w „stylu naturalnym”, od czasu do czasu powracając do tradycji swoich poprzedników, którzy odkryli kierunek „realizmu magicznego”. Teraz mistrzowie bardziej typowe są dla takich tematów jak miłość, harmonia, śmierć, uczucia, podczas gdy nowy realizm neurotyczny często zamienia się w kwestie tabu w społeczeństwie. Artyści wszystkich tych ruchów mocno wierzą w potrzebę wyrażania zarówno osobistych stanowisk, myśli, jak i uniwersalnych wartości ludzkich, które spajają te okresy w sztuce.

Wystawa jako całość wyraźnie ukazuje nie tylko ciągłość współczesnych artystów holenderskich od ich bezpośrednich poprzedników, ale także ciągły dialog z tradycyjną kulturą i związek ze złotym wiekiem malarstwa holenderskiego. Odnajdywanie tych skrzyżowań i wzajemnych odniesień staje się dla widza fascynującym poszukiwaniem. Jednak magia działa również w przypadku biernej kontemplacji. Jednak realizm magiczny to oksymoron, a paradoksy i sprzeczności zawsze się przyciągają.

P.S. Niestety nie mogłem być na wystawie, materiały na jej temat zebrałem w Internecie:
Spinki do mankietów:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

Malarstwo holenderskie

jego powstanie i początkowy okres zbiegają się do tego stopnia z pierwszymi etapami rozwoju malarstwa flamandzkiego, że nowi historycy sztuki rozpatrują oba przez cały okres aż do końca XVI wieku. nierozerwalnie pod jedną ogólną nazwą „szkoła holenderska”. Obaj, będący potomkami gałęzi Renu, są głupi. malarstwo, którego głównymi przedstawicielami są Wilhelm z Kolonii i Stefan Lochner, za swoich twórców uważa braci van Eyck; obydwoje od dawna podążają w tym samym kierunku, kierują się tymi samymi ideałami, realizują te same zadania, rozwijają tę samą technikę, dzięki czemu holenderscy artyści niczym nie różnią się od swoich flamandzkich i brabanckich braci. Trwa to przez całe panowanie kraju, najpierw przez ród Burgundów, a następnie przez ród austriacki, aż do wybuchu brutalnej rewolucji, zakończonej całkowitym triumfem Gollów. ludzi nad Hiszpanami, którzy ich uciskali. Od tej epoki każda z dwóch gałęzi sztuki holenderskiej zaczyna poruszać się oddzielnie, choć zdarza się, że wchodzą ze sobą w bardzo bliski kontakt. Malarstwo G. natychmiast nabiera oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiąga jasny i obfity rozkwit. Przyczyny tego zjawiska, jakiego trudno znaleźć w całej historii sztuki, tkwią w uwarunkowaniach topograficznych, religijnych, politycznych i społecznych. W tej „nizinie” (holland), składającej się z bagien, wysp i półwyspów, stale zmywanej przez morze i zagrożonej jej najazdami, ludność, gdy tylko zrzuciła obce jarzmo, musiała wszystko stworzyć od nowa, począwszy od warunków fizycznych gleby, a skończywszy na warunkach moralnych i intelektualnych, bo wszystko zostało zniszczone przez poprzednią walkę o niepodległość. Dzięki swojej przedsiębiorczości, zmysłowi praktycznemu i wytrwałej pracy Holendrom udało się przekształcić bagna w urodzajne pola i luksusowe pastwiska, podbić ogromne połacie ziemi od morza, zdobyć dobrobyt materialny i zewnętrzne znaczenie polityczne. Osiągnięciu tych wyników znacznie ułatwiła ustanowiona w kraju federalno-republikańska forma rządów oraz mądrze realizowana zasada wolności myśli i przekonań religijnych. Jak gdyby cudem wszędzie, we wszystkich obszarach ludzkiej pracy, żarliwa działalność zaczęła nagle wrzeć w nowym, oryginalnym, czysto popularnym duchu, między innymi w dziedzinie sztuki. Z gałęzi tego ostatniego na ziemi holenderskiej szczęście było głównie w jednym - malarstwie, które tutaj, w twórczości wielu mniej lub bardziej utalentowanych artystów, pojawiających się niemal jednocześnie, przybrało bardzo wszechstronny kierunek i jednocześnie czas zupełnie odmienny od kierunku sztuki w innych krajach. Główną cechą charakteryzującą tych artystów jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Druga charakterystyczna właściwość Golla. malarzy cechuje subtelne wyczucie koloru i zrozumienie tego, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie światła promienie, bliskość lub zakres odległości. U najlepszych przedstawicieli malarstwa geometrycznego to wyczucie koloru i światłocienia jest rozwinięte do tego stopnia, że światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa w obrazie, można rzec, rolę głównego bohatera i wzbudza duże zainteresowanie najbardziej nieistotna fabuła, najbardziej nieeleganckie formy i obrazy. Następnie należy zauważyć, że większość Goll. artyści nie szukają długo materiału do swojej twórczości, zadowalają się tym, co odnajdują wokół siebie, w rodzimej naturze i życiu swoich ludzi. Typowe cechy wybitnych rodaków, fizjonomie zwykłych Holendrów i Holenderek, hałaśliwe zabawy powszechnych świąt, biesiad chłopskich, sceny z życia wiejskiego lub intymnego mieszczan, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się w bogatych łąki, chaty, położone na skraju buku lub gaje dębowe, wsie nad brzegami rzek, jezior i wzgórz, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglicami kościołów i ratuszów, porty zapełnione statkami, niebo wypełnione srebrzystymi lub złotymi oparami - wszystko to pod gąbką żółci . mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową, zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności. Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów w poszukiwaniu tematów sięgają do Biblii, historii starożytnej i mitologii, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską oprawą. Co prawda obok zatłoczonego tłumu takich patriotycznych artystów stoi falanga innych malarzy, szukać inspiracji poza ojczyzną, w klasyczny kraj sztuka, Włochy; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość. Wreszcie jako cecha celu. malarzy, można wskazać na ich wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury. Dlatego cel. artystów nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii; trudno nawet stworzyć z nich ściśle określone grupy, a samo wyrażenie „ G. szkoła malarstwa„, które weszło do powszechnego użytku, należy rozumieć jedynie w sensie warunkowym, jako oznaczające zbiór mistrzów plemiennych, a nie rzeczywistą szkołę. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, które, jak się okazało, wydawałoby się, powinno mieć wpływ na komunikację ich działań jednego ogólny kierunek. Jednakże takie towarzystwa, tzw cechy św. Łukasz, jeśli się do tego przyczyniły, to w bardzo umiarkowanym stopniu. Nie były to akademie, kustosze znanych tradycji artystycznych, ale wolne korporacje, podobne do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniące się od nich strukturą i nastawione na wzajemne wsparcie swoich członków, ochronę ich praw, opiekę na starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot. Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas ich pobytu w cechu to miasto. Członkowie cechu spotykali się, aby pod przewodnictwem dziekanów omówić swoje wspólne sprawy lub w celu wzajemnej wymiany myśli; ale na tych spotkaniach nie było nic, co przypominałoby głoszenie pewnego kierunek artystyczny i miałby tendencję do ograniczania oryginalności któregokolwiek z członków.

Wskazane cechy malarstwa G. są zauważalne już w jego początkach – w czasie, gdy rozwijało się ono nierozerwalnie od szkoły flamandzkiej. Jej powołaniem, podobnie jak tej ostatniej, było wówczas głównie dekorowanie kościołów malowidłami religijnymi, pałaców, ratuszy i domów szlacheckich portretami urzędników państwowych i arystokratów. Niestety dzieła prymitywnych malarzy greckich dotarły do nas jedynie w bardzo ograniczonych ilościach, gdyż większość z nich zginęła w tym niespokojnym czasie, kiedy reformacja dewastowała kościoły katolickie, znosiła klasztory i opactwa oraz podżegała „łamaczy ikon” (beeldstormers) do niszczenia malowniczych i rzeźbione święte obrazy, a powstanie ludowe zniszczyło wszędzie portrety znienawidzonych tyranów. Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwy; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. A więc, jeśli chodzi o najstarszego z Gollów. malarze Albert van Ouwater, brak pozytywnych danych, poza informacją, że był on rówieśnikiem van Eycksa i pracował w Harlemie; Nie ma wiarygodnych jego obrazów. Jego uczeń Gertjen van Sint-Jan znany jest jedynie z dwóch paneli tryptyku przechowywanego w Galerii Wiedeńskiej („Grób Święty” i „Legenda o kościach św. Jana”), który napisał dla katedry w Harlemie. Mgła, która spowija nas w początkowej epoce szkoły G., zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuerboat († 1475), pochodzącego z Haarlemu, ale pracującego w Leuven i dlatego przez wielu uważanego za należeć do szkoły flamandzkiej (jego najlepszymi dziełami są dwa obrazy „Bezprawny proces cesarza Ottona” znajdujące się w Muzeum Brukselskim), a także Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), którego główną zasługą jest to, że był nauczycielem słynny Łukasz z Lejdy (1494-1533). Ten ostatni, wszechstronny, pracowity i niezwykle utalentowany artysta, jak nikt przed nim nie potrafił wiernie odtworzyć wszystkiego, co mu wpadło w oko, dlatego można go uważać za prawdziwego ojca holenderskiego gatunku, choć zajmował się malarstwem głównie religijnym obrazy i portrety. W twórczości współczesnego mu Jana Mostaerta (ok. 1470-1556) dążenie do naturalizmu łączy się z nutą tradycji gotyckiej, ciepłem uczuć religijnych z troską o zewnętrzną elegancję. Oprócz tych wybitnych mistrzów w początkach sztuki gruzińskiej na uwagę zasługują: Hieronymus van Aken, nazywany J. de Bosch (ok. 1462-1516), który swoim kompleksem położył podwaliny pod satyryczne malarstwo codzienne, skomplikowane, a czasem niezwykle dziwne kompozycje; Jan Mundain († 1520), znany w Harlemie z przedstawień diabelstwa i bufonady; Peter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Ioris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, uniesiony anabaptystycznymi bzdurami i wyobrażający sobie siebie jako proroka Dawida i syna Bóg, Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacoba Cornelisena (1480? - później 1533) i jego syna Dirka Jacobsa (dwa obrazy tego ostatniego, przedstawiające towarzystwa strzeleckie, znajdują się w Cesarskim Ermitażu).

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d”autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Szkice o historii Malarstwo holenderskie na podstawie próbek znajdujących się w Petersburgu.” (specjalny dodatek do czasopisma „Vestn. Fine Arts”, 1885-90).

A. Somow.

Słownik encyklopedyczny F.A. Brockhausa i I.A. Efrona. - Petersburg: Brockhaus-Efron. 1890-1907 .

Malarstwo holenderskie, w sztukach pięknych

Około połowa 16-tego stołu. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rosyjskiej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie Włoscy artyści renesansu i łączenia swojej maniery z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Pragnienie to widoczne jest już w twórczości wspomnianego Mosterta; za głównego propagatora nowego ruchu należy jednak uznać Jana Schorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. Jego śladami poszli Maarten van Van, nazywany Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, nazywany. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu szkoły włoskiej, jak na przykład Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), wyszli poza Alpy, aby nasycić się doskonałościami luminarzy malarstwa włoskiego, ale w przeważającej części poddali się wpływowi przedstawicieli rozpoczynającego się wówczas upadku tego malarstwa i jako manierzy powrócili do ojczyzny, wyobrażając sobie, że cała istota sztuki tkwi w przesada mięśni, pretensjonalność kątów i rozmach konwencjonalnych kolorów. Jednak zamiłowanie Włochów do malarstwa, które w okresie przejściowym Gruzji sięgało często skrajności, przyniosło pewien pożytek, gdyż wniosło do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowym życiem. Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce. Ze wszystkich stron niemal jednocześnie wyłaniają się niezliczone rzesze wspaniałych artystów, powołanych do działania przez wzrost ducha narodowego i potrzebę ich twórczości, która rozwinęła się w społeczeństwie. Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Haarlemu i Lejdy, dochodzą nowe – Delft, Utrecht, Dortrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie stare zadania malarstwa rozwijają się w nowy sposób pod wpływem zmieniających się wymagań i poglądów, i jego nowe odgałęzienia, których początki były w poprzednim okresie ledwo zauważalne. Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajając gusta bogatej mieszczaństwa, odrzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości: zaczęło interpretować wydarzenia z dawnych czasów jako wydarzenia dnia, które rozegrały się w Holandii, a w szczególności zajął się portretem, utrwalając w nim rysy ówczesnych ludzi, czy to w pojedynczych postaciach, czy w rozbudowanych, wielofigurowych kompozycjach przedstawiających towarzystwa strzeleckie (schutterstuke), które odegrali tak znaczącą rolę w walce o wyzwolenie kraju – kierownicy jego instytucji charytatywnych (regentenstuke), majsterowie sklepów i członkowie różnych korporacji. Gdybyśmy zdecydowali się porozmawiać o wszystkich utalentowanych malarzach portretowych kwitnącej epoki Galii. sztuki, wówczas samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem najlepszych dzieł wymagałoby wielu zdań; Dlatego ograniczamy się do wymienienia tylko tych artystów, którzy szczególnie wyróżniają się z szeregów generalnych. Są to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jego uczeń Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), poprzednicy trzech największych portrecistów Holandii – czarnoksiężnik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który miał niesamowitą sztukę modelowania postaci w świetle, ale nieco zimny w charakterze i kolorze, Bartholomew van der Gelst (1611 lub 1612-70) i uderzający fugą jego pędzla Fransa Golsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz. W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby w centrum uwagi, wszystkie najlepsze cechy malarstwa G., a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (ok. 1620-54), Salomon i Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Portera († później 1645), Gerarda Dou (1613-75) i Samuela van Googstratena (1626-78). Oprócz tych artystów, dla kompletności, lista najlepszych portrecistów i malarze historyczni z omawianego okresu można wymienić Jana Lievensa (1607-30), współucznia Rembrandta P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622-72) i Petera Nasona (1612-91), pracującego najwyraźniej pod wpływem V. . d. Gelsta, naśladowca Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana i Jacoba de Braevów († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) i Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Malarstwo domowe , którego pierwsze eksperymenty pojawiły się w starej szkole niderlandzkiej, odnalazło się w XVII wieku. szczególnie żyzna gleba w protestanckiej, wolnej, burżuazyjnej, samozadowoleniej Holandii. Małe obrazy, bezpretensjonalnie przedstawiające zwyczaje i życie różnych klas lokalnej społeczności, wydawały się wystarczającej liczbie ludzi bardziej zabawne niż duże dzieła poważnego malarstwa i wraz z pejzażami wygodniejsze do dekoracji przytulnych domów prywatnych. Zapotrzebowanie na takie obrazy zaspokaja cała rzesza artystów, nie zastanawiając się długo nad wyborem tematów dla nich, ale sumiennie odtwarzając wszystko, co spotyka się w rzeczywistości, okazując jednocześnie miłość do rodziny, a potem dobroduszny humor, dokładnie charakteryzujących przedstawione pozycje i twarze oraz dopracowanych w opanowaniu technologii. Podczas gdy jedni zajmują się życiem zwykłych ludzi, scenami chłopskiego szczęścia i smutku, pijatkami w tawernach i tawernach, zgromadzeniami przed przydrożnymi karczmami, wakacjami na wsi, grami i jazdą na łyżwach po lodzie zamarzniętych rzek i kanałów itp., inni zajmują się treść swoich dzieł z kręgu bardziej eleganckiego - malują pełne wdzięku damy w swoim intymnym otoczeniu, zaloty dandysów, gospodynie wydające polecenia swoim pokojówkom, salonowe ćwiczenia przy muzyce i śpiewie, hulanki złotej młodości w domach rozkoszy itp. W długim szeregu artystów pierwszej kategorii wyróżniają się Adrian i Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 lub 1606-38), Jan Stan (ok. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, nazywany Bambocchio we Włoszech (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, nazywany Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dawniej 1630-76), Jan Minse-Molenar (około 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) i niektórzy. itd. Z równie znacznej liczby malarzy, którzy reprodukowali życie średniej i wyższej klasy, w zasadzie wystarczającej, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francja ok. Miris Starsza (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony i Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, bezczynność żołnierzy w wartowniach , obozowiska, potyczki kawalerii i całe bitwy, konie ujeżdżeniowe, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy przypominające sceny bitewne. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), którego wkrótce spotkamy wśród pejzażystów, wspomniany Palamedes, Jacob Leduc (1600 - później 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie. Generalnie Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy z tego, że ich ojczyzna to nie tylko ojczyzna najnowszy gatunek, ale także krajobraz w dzisiejszym rozumieniu. Faktycznie, w innych krajach, np. we Włoszech i Francji sztuka w niewielkim stopniu interesowała się przyrodą nieożywioną, nie doszukiwała się w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna: malarz wprowadzał do swoich obrazów pejzaż jedynie jako element poboczny, jako dekorację, wśród których znalazły się epizody ludzkich dramatów lub rozgrywa się komedię, podporządkowując jej zatem warunki sceny, wymyślając malownicze linie i korzystne dla niej miejsca, ale bez kopiowania natury, bez nasycania się wrażeniami, jakie ona wywołuje. W ten sam sposób „komponował” naturę w tych rzadkich przypadkach, gdy próbował namalować malarstwo czysto pejzażowe. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Ponadto natura ta, pomimo skromności form i barw, zapewniła takim kolorystom jak Holendrzy obfity materiał do opracowania motywów świetlnych i perspektywy powietrznej dzięki warunki klimatyczne kraj - jego nasycone parą powietrze, zmiękczające kontury obiektów, tworzące gradację tonów na różnych płaszczyznach i zasłaniające odległość mgłą srebrzystej lub złotej mgły, a także zmienność wyglądu obszarów zdeterminowana czasem roku, pory dnia i warunków pogodowych. Wśród malarzy pejzażystów okresu rozkwitu Holendrzy. Szczególnie szanowane są szkoły będące interpretatorami swego domowego charakteru: Jan V. Goyena (1595-1656), który wraz z Esaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym. (1595-1661), uważany za założyciela Goll. krajobraz; następnie uczeń tego mistrza, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik efektów lepszego oświetlenia Art. zm. Nair (1603-77), poetycki Jacob v. Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678). Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Alberta V. Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († później 1690) i Jan Lingelbach (1623-74) – Włochy; Ian W. d. Burmistrz Młodszy (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) i Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) – Niemcy i Szwajcaria; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Oprócz niego należy tu uwzględnić Adriana. d. Velde (1635 lub 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) oraz liczni artyści, którzy zwrócili się po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Willem Romain († później 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 lub 1634 -86) itd. Malarstwo jest ściśle związane z pejzażem widoki architektoniczne, którym holenderscy artyści zaczęli się zajmować jako samodzielna dziedzina sztuki dopiero w połowie XVII wieku. Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to między innymi mniej znaczące: Johannes Bärestraten (1622-66), Job i Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. zm. Heyden (1647-1712) i Jacob v. wieś Yulft (1627-88). Inni, wśród których najwybitniejsi to Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 lub 1617-92), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze miało tak duże znaczenie w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów zajmujących się pejzażem, gatunkami, a nawet portretami, odrywając się na chwilę od zwykłych tematów, zostało malarzami morskimi, a jeśli zdecydowaliśmy się wymienić wszystkich malarzy holenderskich. szkoły przedstawiające spokojne lub wściekłe morze, kołyszące się na nim statki, zapełnione statkami porty, bitwy morskie itp., wtedy otrzymalibyśmy bardzo długą listę, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdal, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie gatunków morskich, musimy wymienić Willema v. de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynny syn V. v. de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708), Jana V. de Cappelle († 1679) i Julius Parcellis († później 1634). Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie pomiędzy Najbardziej znanymi artystami epoki rozkwitu byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) -93), Willem V. Aalsta (1626-83), Willema Gedy (1594 - później 1678), Willema Kalfa (1621 lub 1622-93) i Jana Waenixa (1640-1719).

Genialny okres malarstwa holenderskiego nie trwał długo – tylko jedno stulecie. Od początku XVIII w. jego upadek nadchodzi nie dlatego, że wybrzeża Zuiderzee przestają produkować wrodzone talenty, ale dlatego, że W społeczeństwie coraz bardziej słabnie samoświadomość narodowa, duch narodowy wyparowuje, a francuskie gusta i poglądy z epoki pompatycznej nabierają tempa. Ludwik XIV. W sztuce ten zwrot kulturowy wyraża się w zapomnieniu przez artystów podstawowych zasad, na których opierała się oryginalność malarzy poprzednich pokoleń, i odwołaniu się do zasad estetycznych przywiezionych z sąsiedniego kraju. Zamiast bezpośredniego związku z naturą, umiłowania tego, co rodzime i szczerości, dominacja z góry przyjętych teorii, konwencji i naśladownictwa Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego godnego pożałowania nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta niezwykle zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo -obrazy historyczne oraz dzieła własnego pióra, wśród których jedna – „Wielka Księga Malarza” („t groot schilderboec”) – przez pięćdziesiąt lat służyła młodym artystom za szyfr przyczynił się do tego słynny Adrian V. de Werff (1659-1722), którego eleganckie malarstwo z zimnymi, jakby wyciętymi postaciami z kości słoniowej, o matowej, bezsilnej kolorystyce, wydawało się niegdyś szczytem doskonałości wśród naśladowców tego artysty, Henrik V. Limborg (1680-1758) i Philip V.-Dyck (1669-1729), nazywany „Małym V.”, zasłynęli jako malarze historyczni -Dyck”. Z pozostałych malarzy omawianej epoki obdarzeni niewątpliwy talent, ale zarażony duchem czasu, warto zauważyć Willem i Francja v. Miris Młodsza (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Izaak de Moucheron (1670-1744) i Carel de Maur (1656-1738). Nieco blasku umierającej szkole nadał Cornelis Troost (1697-1750), przede wszystkim rysownik, nazywany Holendrem. Gogartha, portrecistę Jana Quincgarda (1688-1772), malarza dekoracyjnego i historycznego Jacoba de Wita (1695-1754) oraz malarzy martwej natury Jana V. Geysum (1682-1749) i Rachel Reisch (1664-1750).

Obce wpływy ciążyły na malarstwie holenderskim aż do lat dwudziestych XIX wieku, udało się w nim mniej więcej odzwierciedlić przemiany, jakie zaszły w sztuce we Francji, począwszy od perukarstwa czasów Króla Słońce, a skończywszy na pseudoklasycyzmie Dawid. Kiedy styl tego ostatniego stał się przestarzały i wszędzie w Europie Zachodniej zamiast fascynacji starożytnymi Grekami i Rzymianami rozbudziło się romantyczne pragnienie, opanowując zarówno poezję, jak i sztukę figuratywną, Holendrzy, podobnie jak inne narody, zwrócili swój wzrok ku ich starożytności, a tym samym do ich chwalebnego malarstwa z przeszłości. Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie wyeliminować obcych wpływów, ale wyjeżdżając na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych centra sztuki Niemcy, stamtąd zabrali do domu jedynie znajomość z sukcesami nowoczesnej technologii. Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska ponownie otrzymała oryginalną, atrakcyjną fizjonomię i dziś podąża drogą prowadzącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Malarstwo historyczne sensu stricto jest w nim kultywowane, jak za dawnych czasów, bardzo umiarkowanie i nie ma wybitnych przedstawicieli; ale częściowo gatunek historyczny Holandia może poszczycić się kilkoma znaczącymi współczesnymi mistrzami, takimi jak: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (ur. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (ur. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowany Lawrence Alma-Tadema (ur. 1836), który zdezerterował do Anglii. Z gatunku codziennego, który również znalazł się w kręgu twórczości tych artystów (z wyjątkiem Almy-Tadema), można wskazać szereg znakomitych malarzy, na czele z Josephem Izraelsem (ur. 1824) i Christoffelem Bisschop (ur. 1828); poza nimi na miano zasługują Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (ur. 1826), Teresa Schwarze (ur. 1852) i Valli Mus (ur. 1857). Najnowszy cel jest szczególnie bogaty. malarstwo pejzażystów, którzy pracowali i tworzą na różne sposoby, czasem ze starannym wykończeniem, czasem z szeroką techniką impresjonistów, ale wiernymi i poetyckimi interpretatorami ich rodzima przyroda. Należą do nich Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (ur. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (ur. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Lodewijk Apol (ur. 1850) i wielu innych. itp. Bezpośrednimi spadkobiercami Ya. Pojawili się malarze obiecujących poglądów D. Heyden i E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomew v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Do najmłodszych holenderskich malarzy marynistycznych zaliczają się m.in. dłoń należy do Joga. Schhotel (1787-1838), Ari Plaisir (ur. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) i Henrik Mesdag (ur. 1831). Na koniec w malarstwie pokazano zwierzęta wielka sztuka Wouters Verschoor (1812-74) i Johann Gas (ur. 1832).

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d”autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Studia nad historią malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu” (specjalny dodatek do czasopismo „Vestn. Sztuk Pięknych”, 1885-90).

Prawie dwieście lat później, w 1820 roku, w tym budynku mieściła się Królewska Galeria Sztuki – jedna z najlepszych na świecie kolekcji malarstwa holenderskiego XV-XVII w.

XVII wiek nazywany jest „złotym wiekiem” malarstwa holenderskiego (nie mylić z flamandzkim „złotym wiekiem”, który nawiązuje do twórczości artystów Flandrii w XV wieku – tzw. „flamandzkich prymitywistów”).

W galerii są w pełni i różnorodnie reprezentowane wszystkie gatunki tej epoki holenderskiej sztuki pięknej: wspaniałe przykłady portretów, pejzaży, martwych natur, malarstwa historycznego i wreszcie główne odkrycie holenderskich mistrzów - sceny rodzajowe lub sceny z życia codziennego .

Wydaje się, że nie ma ani jednego znaczącego artysty z Holandii, którego prace nie zostałyby zaprezentowane w Muzeum w Hadze. Oto portreciści Anton van Dyck i Jacob van Kampen oraz mistrzowie martwej natury Willem van Elst i Balthasar van der Ast, znani malarze pejzażu: Hendrik Averkamp ze swoim słynnym „Krajobrazem zimowym”, Jan van Goyen i Salomon van Ruisdel i oczywiście , genialni mistrzowie sceny gatunkowej Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou i inni.

Wśród wielu znanych nazwisk wyróżniają się cztery najważniejsze dla sztuki holenderskiej. Są to Jan Steen, Frans Hals i dwaj najwięksi holenderscy geniusze, Rembrandt van Rijn i Johannes Vermeer.
W tamtej epoce holenderski artysta często poświęcał swoją twórczość jednemu ulubionemu gatunkowi. Takimi są Sten i Hals. Każdy z tych artystów przez całe życie pracował w swojej własnej dziedzinie: Sten się rozwijał scena rodzajowa Hals osiągnął najwyższe umiejętności w portretowaniu.

Dziś twórczość tych mistrzów uważana jest za klasykę swojego gatunku. W muzeum można zobaczyć „Śmiejący się chłopiec” Fransa Halsa i „Staruszek śpiewa – młodzi ludzie śpiewają” Jana Steena.
Ani Rembrandt, ani Vermeer nie kojarzyli swojej twórczości z jednym gatunkiem. Obaj, choć z różnym natężeniem, pracowali w różnorodnych dziedzinach, od portretu po pejzaż, i wszędzie osiągali nieosiągalne wyżyny, zdecydowanie wyrywając malarstwo holenderskie z wąskich ram gatunkowych.

Rembrandt jest hojnie reprezentowany w muzeach swojej ojczyzny. Różnorodność jego dziedzictwa znajduje odzwierciedlenie także na wystawie w Hadze. W muzeum prezentowane są trzy obrazy artysty: „Szymon chwalący Chrystusa”, „Lekcja anatomii doktora Tulpy” oraz jeden z ostatnich autoportretów wielkiego mistrza.
Przeciwnie, Vermeer pozostawił po sobie niezwykle niewiele obrazów. Na palcach jednej ręki można policzyć muzea posiadające jeden lub dwa obrazy tego enigmatycznego malarza.

W ojczyźnie artysty zachowało się zaledwie sześć jego arcydzieł. Cztery z nich – największa kolekcja Vermeera na świecie – przechowywane są w Riksmuseum w Amsterdamie. Haga jest słusznie dumna z pozostałych dwóch. To słynny „Widok Delft” - rodzinne miasto Vermeer i być może jego najsłynniejszy obraz, który stał się „wizytówką” muzeum - „Dziewczyna z perłową siarką”.
Głównym bogactwem muzeum jest kolekcja malarstwa z Holandii z XVII wieku. Jednak wystawa nie ogranicza się do tego: galeria w Hadze może pochwalić się twórczością artystów z innego „złotego wieku” – flamandzkiego. Znajdują się w nim dzieła mistrzów XV wieku: „Opłakiwanie Chrystusa” Rogiera van der Weydena i „Portret mężczyzny” Hansa Memlinga.
Kolekcję Moritzhaus uzupełnia Galeria Obrazów Księcia Willema V. Jest to chronologicznie pierwsza Muzeum Sztuki Holandia. Poświęcona jest jej ekspozycja, niegdyś zebrana przez samego księcia i odzwierciedlająca jego gust malarstwo XVIII V.

Moritzhaus jest otwarty od wtorku do soboty w godzinach 10:00–17:00. W niedziele i weekendy - od 11 do 17 godzin. Zamknięte w poniedziałek. Cena biletu 12,50 NLG. Dzieci od 7 do 18 lat – 6,50 NLG.

Galeria Willem V czynna jest codziennie od 11:00 do 16:00. Zamknięte w poniedziałek. Cena biletu to 2,50 NLG. Dzieci od 7 do 18 lat – 1,50 NLG. Wstęp do Galerii Willem V jest bezpłatny po okazaniu biletu Moritzhaus.

Wszyscy wiemy, że na przestrzeni wieków w Holandii powstawały wyjątkowe dzieła sztuki. Ale co dzieje się dziś na scenie sztuki współczesnej? Który młody artysta może zająć jego miejsce w historii? Amsterdam, podobnie jak wiele innych dużych holenderskich miast, ma ich wiele ciekawe galerie, które organizują duże wystawy utalentowanych twórców z całego kraju. Ponieważ współcześni artyści holenderscy, znani w kraju i za granicą, wielka ilość, ich prace można znaleźć zarówno w dużych muzeach poziomu Stedelijk, jak i w małych galeriach KochxBos Gallery czy Nederlands Fotomuseum.

Poniżej znajduje się pięciu wschodzących artystów holenderskich, którzy przyciągnęli międzynarodową uwagę i niewątpliwie wniosą wkład w historię sztuki holenderskiej.

Daana Roosegaarda

„Celem mojej pracy jest skłonienie ludzi do myślenia o przyszłości” – mówi Roosegaard. Ten artysta i innowator jest zdobywcą kilku nagród. W świecie sztuki współczesnej zyskał rozgłos dzięki instalacji Dune z 2006 roku. Interaktywne podświetlane znaki zainstalowane wzdłuż rzeki Mozy w Rotterdamie otworzyły drzwi artyście z obsesją na punkcie technologii, designu i architektury. Roosegaard w swoich pracach kreuje futurystyczny świat, w którym ludzie i technologia harmonijnie ze sobą współdziałają. Od lutego do 5 maja „Lotosowa Kopuła” będzie prezentowana w sali Beuning w Rijksmuseum. Ta dwumetrowa kopuła reaguje na podejście człowieka: rozkwitają setki aluminiowych kwiatów, czując ciepło odwiedzających.

Levia van Veluwa

Tradycyjne sposoby tworzenia dzieł sztuki dla Van Veluwu, artysty z Heuwelaken, to zdecydowanie za mało. W jego portfolio znajdują się fotografie, rzeźby, rysunki i instalacje, a cechą charakterystyczną jego twórczości jest wykorzystanie samego siebie jako materiału. To nie przypadek, że na jego pierwszą wystawę w galerii Ron Mandos w Amsterdamie składała się seria sześciu fotografii przedstawiających niezwykle szczegółowe rysunki wykonane długopisem. Zamiast płótna artysta malował na własnej twarzy. Związek ciała z powierzchnią odkryli powojenni artyści, którzy rozwinęli sztukę performance na niespotykany dotąd poziom. Ale użycie takiego przedmioty codziennego użytku jak zwykły długopis, aby stworzyć dzieło sztuki, odegrał dla van Veluwe ważną rolę w osiągnięciu sukcesu. Rozwijając tę ideę w swoim własnym stylu, Levi van Veluw był w stanie wystawiać swoje prace w najlepszych muzeach świata i wprowadzać współczesną sztukę holenderską na scenę międzynarodową.

Tony’ego Van Tila

Otrzymał Tony Van Til wyższa edukacja w Sztuk Pięknych w St. Justa, placówce edukacyjnej zlokalizowanej w małym południowym miasteczku Breda, w 2007 roku. Po ukończeniu studiów młody artysta angażuje się w ciekawe projekty. Jedną z nich są „Rzeźby Twittera”. Od 2012 roku prowadzi konto na Twitterze, na którym w 140 znakach opisuje pomysły na rzeźby. Na przykład jeden z pomysłów to „portret piękności z botoksu powiększony do rozmiaru 4-piętrowej ściany”, inne są bardziej abstrakcyjne: tworzenie „cieni z rosnącym bólem”. Wśród innych prac artysty znajdują się m.in seria rysunków zawierająca kolejne pomysły na rzeźby. Czy tweetowanie jest procesem twórczym? Dla Van Tila odpowiedź brzmi: tak.

Anouk Kruythof

Ten artysta z Dordrechtu wykorzystuje fotografie jako materiał źródłowy do tworzenia rzeźb, instalacji, książek i broszur przeznaczonych do dystrybucji. Czasami tworzy anonimowe przedmioty (takie jak kartki i plakaty), które odwiedzający mogą zabrać do domu. W Stedelijk Museum odbywa się obecnie wystawa jej i jej koleżanki z Holandii, Pauline Olseten. Instalacja na parterze prezentuje ich interpretację fotografii ulicznej. Cechą charakterystyczną prac jest podkreślony zachwyt nad ludźmi i obcymi. Kolejnym aspektem życia, który przyciąga jej uwagę, jest kolor. Według artystki „tworzy porządek w chaosie” za pomocą metody gradacji kolorów.

Harma Heikens

Mówiąc o współczesnej sztuce holenderskiej, trudno nie wspomnieć o Harmie Heikens. Jej pierwsze wystawy datuje się na początek lat 90-tych. Rzeźby naturalnej wielkości łączą styl mangi i współczesną sztukę uliczną. Twórczość Harmy Heikens nie jest łatwa w odbiorze, szczególnie na pierwszy rzut oka. Wielu nazywało je nawet „dziwacznym kiczem”. Wynika to z faktu, że artysta wybrał bardzo bolesny temat: wykorzystywanie dzieci w społeczeństwie konsumpcyjnym, w którym wartości są zniekształcane. Jej rzeźby przedstawiają zaburzony świat biednych i wykorzystywanych dzieci, pobudzając widza do zajęcia się głęboko zakorzenionymi problemami społecznymi.

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju obudził w sobie miłość do tego typu sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i Boginie greckie.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. Mieszkał i pracował w Holandii w XVII wieku Wielki mistrz, „duży” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Oto młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzy."

Fransa Halsa. Strzały cechu św. Jerzy. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozycji czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Ludzie z Wyższe sfery jego obrazy pozbawione są sztucznego wzniosłości, a modelki z niższych klas nie sprawiają wrażenia upokorzonych.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborch był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. 1660. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg

„Kieliszek lemoniady” to jedna z nich znane prace Terborha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Dlatego zaskakujące jest to, że stało się to niedawno znane nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.

Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie weryfikowane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To jest w Jeszcze raz opowiada o popularności malarstwa wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.

Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stena są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.

Prawie dwieście lat później, w 1820 roku, w tym budynku mieściła się Królewska Galeria Sztuki – jedna z najlepszych na świecie kolekcji malarstwa holenderskiego XV-XVII w.

Wśród wielu znanych nazwisk wyróżniają się cztery najważniejsze dla sztuki holenderskiej. Są to Jan Steen, Frans Hals i dwaj najwięksi holenderscy geniusze, Rembrandt van Rijn i Johannes Vermeer.
W tamtej epoce holenderski artysta często poświęcał swoją twórczość jednemu ulubionemu gatunkowi. Takimi są Sten i Hals. Każdy z tych artystów przez całe życie pracował w swojej dziedzinie: Sten rozwinął scenę rodzajową, Hals osiągnął najwyższe mistrzostwo w portretowaniu.

W ojczyźnie artysty zachowało się zaledwie sześć jego arcydzieł. Cztery z nich – największa kolekcja Vermeera na świecie – przechowywane są w Riksmuseum w Amsterdamie. Haga jest słusznie dumna z pozostałych dwóch. To słynny „Widok Delft” - rodzinne miasto Vermeera i być może jego najsłynniejszy obraz, który stał się „wizytówką” muzeum - „Dziewczyna z perłową siarką”.
Głównym bogactwem muzeum jest kolekcja malarstwa z Holandii z XVII wieku. Jednak wystawa nie ogranicza się do tego: galeria w Hadze może pochwalić się twórczością artystów z innego „złotego wieku” – flamandzkiego. Znajdują się w nim dzieła mistrzów XV wieku: „Opłakiwanie Chrystusa” Rogiera van der Weydena i „Portret mężczyzny” Hansa Memlinga.
Kolekcję Moritzhaus uzupełnia Galeria Sztuki Księcia Willema V. Jest to chronologicznie pierwsze muzeum sztuki w Holandii. Jego ekspozycja, niegdyś zebrana przez samego księcia i odzwierciedlająca jego gust, poświęcona jest malarstwu XVIII wieku.

Złoty wiek malarstwa holenderskiego to jedna z najwybitniejszych epok w historii całego malarstwa światowego. Rozważany jest złoty wiek malarstwa holenderskiego XVII wiek. To właśnie w tym czasie najzdolniejsi artyści i malarze tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Ich obrazy nadal uważane są za niezrównane arcydzieła, które przechowywane są w słynnych muzeach na całym świecie i uważane są za bezcenne dziedzictwo ludzkości.

Najpierw XVII wiek W Holandii nadal kwitła dość prymitywna sztuka, co było uzasadnione przyziemnymi gustami i preferencjami bogatych i wpływowych ludzi. W wyniku zmian politycznych, geopolitycznych i religijnych sztuka holenderska zmieniła się dramatycznie. Jeśli wcześniej artyści próbowali przypodobać się holenderskim mieszczanom, przedstawiając ich życie i sposób życia, pozbawiony wzniosłego i poetyckiego języka, a także pracowali dla kościoła, który zlecał artystom pracę w dość prymitywnym gatunku z dawno wytartymi tematami , to początek XVII wieku był prawdziwym przełomem. W Holandii panowała dominacja protestantów, którzy praktycznie przestali zamawiać u artystów obrazy o tematyce religijnej. Holandia uniezależniła się od Hiszpanii i zapewniła sobie miejsce na historycznym podium. Artyści przeszli od znanych wcześniej tematów do przedstawiania scen życia codziennego, portretów, pejzaży, martwych natur i tak dalej. Tutaj, na nowym polu, artyści złotego wieku zdawali się złapać nowy oddech, a na świecie zaczęli pojawiać się prawdziwi geniusze sztuki.

Holenderscy artyści XVII wieku wprowadzili do mody realizm w malarstwie. Oszałamiające kompozycją, realizmem, głębią i niezwykłością obrazy zaczęły odnosić ogromny sukces. Popyt na obrazy gwałtownie wzrósł. W rezultacie zaczęło pojawiać się coraz więcej nowych artystów, którzy w zadziwiająco szybkim tempie rozwijali podstawy malarstwa, opracowywali nowe techniki, style i gatunki. Do najsłynniejszych artystów Złotego Wieku należeli: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel Starszy, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck i wielu innych.

Obrazy malarzy holenderskich

Cornelis de Man – Manufaktura oleju wielorybiego

Cornelis Trost - Zabawa w parku

Ludolf Backhuizen – Dok kampanii w Indiach Wschodnich w Amsterdamie

Pieter Bruegel Starszy – Katastrofa Alchemika

Rembrandt – Andries de Graef

Za narodziny szkoły holenderskiej uważa się pierwsze lata XVII wieku. Szkoła ta należy do wielkich szkół malarskich i jest szkołą niezależną i niezależną o wyjątkowych i niepowtarzalnych cechach i tożsamości.

Ma to podłoże w dużej mierze historyczne – jednocześnie narodził się nowy ruch w sztuce i nowe państwo na mapie Europy.

Aż do XVII wieku Holandia nie wyróżniała się bogactwem artystów narodowych. Być może dlatego w przyszłości w tym kraju będzie ich tak wielu duża liczba artystów, zwłaszcza artystów holenderskich. Choć kraj ten stanowił jedno państwo z Flandrią, to głównie we Flandrii intensywnie tworzyły się i rozwijały oryginalne ruchy artystyczne. We Flandrii pracowali wybitni malarze Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, których takich w Holandii nie było. Na początku XVI wieku można odnotować jedynie pojedyncze wybuchy geniuszu w malarstwie; jest to artysta i rytownik Łukasz z Lejdy, będący uczniem szkoły brukgijskiej. Ale Łukasz z Lejdy nie założył żadnej szkoły. To samo można powiedzieć o malarzu Dirku Boutsie z Haarlemu, którego twórczość ledwo odstaje na tle stylu i maniery początków szkoły flamandzkiej, o artystach Mostarta, Skorela i Heemskerke, którzy mimo całego swojego znaczenia, nie są indywidualnymi talentami, które charakteryzują ich z ich oryginalnością kraju.

Następnie wpływy włoskie rozprzestrzeniły się na wszystkich, którzy tworzyli pędzlem – od Antwerpii po Haarlem. Między innymi z tego powodu zacierały się granice, mieszały się szkoły, a artyści tracili tożsamość narodową. Nie przeżył ani jeden uczeń Jana Skorela. Ostatni, najsłynniejszy, największy portrecista, który wraz z Rembrandtem jest dumą Holandii, artysta obdarzony potężnym talentem, doskonale wykształcony, zróżnicowany stylowo, z natury odważny i elastyczny, kosmopolita, który utracił wszystko ślady jego pochodzenia, a nawet imienia – Antonis Moreau (był oficjalnym malarzem króla hiszpańskiego) zmarł po 1588 roku.

Pozostali przy życiu malarze niemal przestali być Holendrami w duchu swojej twórczości; brakowało im organizacji i umiejętności odnowienia szkoły narodowej. Byli to przedstawiciele manieryzmu holenderskiego: rytownik Hendrik Goltzius, Cornelis z Haarlemu, który naśladował Michała Anioła, Abraham Bloemaert, naśladowca Correggio, Michiel Mierevelt, dobry portrecista, zręczny, precyzyjny, lakoniczny, trochę zimny, nowoczesny jak na swoje czasy , ale nie narodowy. Co ciekawe, on sam nie uległ wpływom włoskim, które ujarzmiły większość przejawów ówczesnego malarstwa holenderskiego.

Pod koniec XVI wieku, kiedy portreciści utworzyli już szkołę, zaczęli pojawiać się i formować inni artyści. W drugiej połowie XVI wieku narodziło się wielu malarzy, którzy stali się fenomenem w malarstwie; było to niemal przebudzenie holenderskiej szkoły narodowej. Różnorodność talentów prowadzi do wielu różne kierunki i sposoby rozwoju malarstwa. Artyści sprawdzają się we wszystkich gatunkach, w różnych zestawieniach kolorystycznych: jedni operują w jasnych barwach, inni w ciemnych (wyczuwał się tu wpływ włoskiego artysty Caravaggia). Malarze preferują jasne kolory, a koloryści ciemne kolory. Rozpoczyna się poszukiwanie maniery obrazkowej, opracowywane są zasady przedstawiania światłocienia. Paleta staje się bardziej zrelaksowana i swobodna, podobnie jak linie i plastyczność obrazu. Pojawiają się bezpośredni poprzednicy Rembrandta – jego nauczyciele Jan Pace i Peter Lastman. Coraz swobodniejsze stają się także metody gatunkowe – historyczność nie jest już tak obowiązkowa jak dawniej. Tworzy się szczególny, głęboko narodowy i niemal historyczny gatunek – portrety zbiorowe przeznaczone do miejsc publicznych – ratuszów, korporacji, warsztatów i społeczności. Wraz z tym najdoskonalszym w swej formie wydarzeniem kończy się wiek XVI, a zaczyna wiek XVII.

To dopiero początek, zalążek szkoły, sama szkoła jeszcze nie istnieje. Jest wielu utalentowanych artystów. Wśród nich są wykwalifikowani rzemieślnicy, kilku znakomitych malarzy. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder i wreszcie Esayas van de Velde i van Goyen – wszyscy urodzili się pod koniec XVI w. wiek. Na tej liście znajdują się także artyści, których nazwiska utrwaliły się w historii, ci, którzy reprezentowali jedynie indywidualne próby osiągnięcia mistrzostwa, oraz ci, którzy stali się nauczycielami i poprzednikami przyszłych mistrzów.

Był to moment krytyczny w rozwoju malarstwa holenderskiego. Przy niestabilnej równowadze politycznej wszystko zależało tylko od przypadku. Przeciwnie, we Flandrii, gdzie zaobserwowano podobne przebudzenie, panowało już poczucie pewności i stabilności, jakiego nie było jeszcze w Holandii. We Flandrii istnieli już artyści, którzy uformowali się w ten sposób lub byli mu bliscy. Warunki polityczne i społeczno-historyczne w tym kraju były korzystniejsze. Istniał bardziej elastyczny i tolerancyjny rząd, tradycje i społeczeństwo. Z potrzeby luksusu zrodziła się trwała potrzeba sztuki. W sumie istniały poważne powody, aby Flandria po raz drugi stała się wielkim ośrodkiem sztuki. Do tego brakowało tylko dwóch rzeczy: kilku lat spokoju i mistrza, który byłby twórcą szkoły.

W roku 1609, gdy decydowały się losy Holandii – Filip III zgodził się na rozejm między Hiszpanią a Holandią – pojawił się Rubens.

Wszystko zależało od szansy politycznej lub militarnej. Pokonana i podbita Holandia musiałaby całkowicie utracić niepodległość. Wtedy oczywiście nie byłoby dwóch niezależnych szkół – w Holandii i we Flandrii. W kraju zależnym od wpływów włosko-flamandzkich taka szkoła i utalentowani, oryginalni artyści nie mogli się rozwijać.

Aby narodził się naród holenderski, a sztuka holenderska ujrzała wraz z nim światło, potrzebna była głęboka i zwycięska rewolucja. Szczególnie ważne było, aby rewolucja opierała się na sprawiedliwości, rozsądku, konieczności, aby ludzie zasłużyli na to, czego chcieli, aby byli zdecydowani, przekonani o swojej słuszności, pracowici, cierpliwi, powściągliwi, bohaterscy i mądrzy. Wszystkie te cechy historyczne znalazły później odzwierciedlenie w powstaniu holenderskiej szkoły malarstwa.

Sytuacja okazała się taka, że wojna nie zrujnowała Holendrów, ale ich wzbogaciła; walka o niepodległość nie uszczupliła ich sił, ale wzmocniła i zainspirowała. W zwycięstwie nad najeźdźcami ludzie wykazali się tą samą odwagą, co w walce z żywiołami, o morze, o zalanie ziem, o klimat. To, co miało zniszczyć ludzi, dobrze im służyło. Traktaty podpisane z Hiszpanią dały Holandii wolność i wzmocniły jej pozycję. Wszystko to doprowadziło do powstania własnej sztuki, która gloryfikowała, uduchowiała i wyrażała wewnętrzną istotę narodu holenderskiego.

Po traktacie z 1609 r. i oficjalnym uznaniu Zjednoczonych Prowincji nastąpił natychmiastowy zastój. To było tak, jakby dobroczynny, ciepły wietrzyk dotknął ludzkich dusz, ożywił glebę, odnalazł i obudził kiełki gotowe do rozkwitu. To niesamowite, jak niespodziewanie i w jak krótkim czasie – nie więcej niż trzydzieści lat – na małej przestrzeni, na niewdzięcznej pustynnej ziemi, w trudnych warunkach życia, pojawiła się cudowna plejada malarzy, i to wielkich malarzy.

Pojawiły się natychmiast i wszędzie: w Amsterdamie, Dordrechcie, Lejdzie, Delft, Utrechcie, Rotterdamie, Haarlemie, a nawet za granicą - jakby z nasion, które spadły z pola. Najstarsi to urodzeni na przełomie wieków Jan van Goyen i Wijnants. I dalej, w przedziale od początku stulecia do końca jego pierwszej tercji – Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bol, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jakub Ruisdael.

Ale to nie koniec kreatywnych pomysłów. Następny na świat przyszedł Pieter de Hooch w Hobbema. Ostatni z wielkich, van der Heyden i Adrian van de Velde, urodzili się w latach 1636 i 1637. W tym czasie Rembrandt miał trzydzieści lat. Mniej więcej te lata można uznać za czas pierwszego rozkwitu szkoły holenderskiej.

Biorąc pod uwagę wydarzenia historyczne tamtych czasów, można sobie wyobrazić, jakie powinny być aspiracje, charakter i losy nowej szkoły malarstwa. Co ci artyści mogliby napisać w kraju takim jak Holandia?

Rewolucja, która dała Holendrom wolność i bogactwo, jednocześnie pozbawiła ich tego, co stanowi żywotną podstawę wielkich szkół na całym świecie. Zmieniła wierzenia, zmieniła nawyki, zniosła wizerunki scen starożytnych i ewangelicznych, zaprzestała tworzenia dużych dzieł - malarstwa kościelnego i dekoracyjnego. Tak naprawdę każdy artysta miał wybór – być oryginalnym albo nie być wcale.

Należało stworzyć sztukę dla narodu mieszczańskiego, która będzie do niego przemawiała, przedstawiała go i była dla niego istotna. Byli to praktyczni, nieskłonni do marzeń, ludzie biznesu, ze złamanymi tradycjami i antywłoskimi nastrojami. Można powiedzieć, że Holendrzy mieli proste i odważne zadanie – stworzyć własny portret.

Malarstwo holenderskie było i mogło być jedynie wyrazem wyglądu zewnętrznego, prawdziwym, wiernym, podobnym portretem Holandii. Był to portret ludzi i terenu, zwyczajów mieszczańskich, placów, ulic, pól, morza i nieba. Głównymi elementami szkoły holenderskiej były portrety, pejzaże i sceny codzienne. Taki był obraz ten od początków jego istnienia aż do jego upadku.

Wydawać by się mogło, że nie ma nic prostszego niż odkrycie tej zwyczajnej sztuki. W rzeczywistości nie można sobie wyobrazić niczego równego mu pod względem szerokości i nowości.

Od razu zmieniło się wszystko w sposobie rozumienia, widzenia i przekazywania: punkt widzenia, ideał artystyczny, wybór natury, styl i metoda. Malarstwo włoskie i flamandzkie w najlepszym wydaniu jest dla nas jeszcze zrozumiałe, bo nadal się nimi cieszy, ale to już martwe języki i nikt już nimi nie będzie się posługiwał.

Kiedyś panował zwyczaj myślenia wzniosłego i ogólnego; istniała sztuka polegająca na umiejętnym doborze przedmiotów. W ich dekoracji korekta. Uwielbiał pokazywać naturę taką, jaka nie istnieje w rzeczywistości. Wszystko ukazane było mniej więcej zgodne z osobowością danej osoby, zależało od niej i było jej podobieństwem. W rezultacie powstała sztuka, w której człowiek jest w centrum, a wszystkie inne obrazy wszechświata albo ucieleśniały się w ludzkich formach, albo były niewyraźnie ukazywane jako wtórne środowisko człowieka. Twórczość rozwijana według pewnych wzorców. Każdy przedmiot musiał zapożyczać swoją plastyczną formę od tego samego ideału. Mężczyzna musiał być częściej przedstawiany nago niż ubranego, dobrze zbudowanego i przystojnego, aby mógł z odpowiednią rozmachem odegrać przypisaną mu rolę.

Teraz zadanie malowania stało się prostsze. Każdej rzeczy lub zjawisku należało nadać prawdziwe znaczenie, umieścić człowieka na właściwym miejscu, a jeśli to konieczne, obejść się bez niego.

Czas mniej myśleć, patrzeć uważnie na to, co najbliżej, lepiej obserwować i pisać inaczej. To jest obraz tłumu, obywatela, człowieka pracy. Trzeba było stać się skromnym dla wszystkiego, co skromne, małym dla małych, niepozornym dla niepozornego, wszystko akceptować, nie odrzucając i nie pogardząc niczym, wnikając w ukryte życie rzeczy, z miłością łącząc się z ich istnieniem, trzeba było być uważnym , dociekliwy i cierpliwy. Geniusz polega teraz na braku uprzedzeń. Nie ma potrzeby niczego upiększać, uszlachetniać, demaskować: to wszystko jest kłamstwem i bezużyteczną pracą.

Malarze holenderscy, tworząc w jakimś zakątku północnego kraju z wodą, lasami, morskimi horyzontami, potrafili odzwierciedlić w miniaturze cały wszechświat. Mały kraj, dokładnie zbadany według gustów i instynktów obserwatora, zamienia się w niewyczerpany skarbiec, tak bogaty jak samo życie, tak bogaty w doznania, jak bogate jest w nie ludzkie serce. Szkoła holenderska rozwija się i działa w ten sposób przez całe stulecie.

Malarze holenderscy znajdowali tematy i kolory, które zaspokajały wszelkie ludzkie skłonności i uczucia, dla natur szorstkich i delikatnych, żarliwych i melancholijnych, marzycielskich i wesołych. Pochmurne dni ustępują wesołym, słonecznym dniom, morze jest czasem spokojne i mieniące się srebrem, czasem burzliwe i ponure. Wzdłuż wybrzeża znajduje się wiele pastwisk z gospodarstwami rolnymi i wiele statków zatłoczonych. I prawie zawsze można poczuć ruch powietrza nad przestrzeniami i silne wiatry znad Morza Północnego, które gromadzą chmury, uginają drzewa, obracają skrzydła młynów i kierują światła i cienie. Do tego należy dodać miasta, życie domowe i uliczne, uroczystości na jarmarkach, przedstawienia różnych obyczajów, potrzeby biednych, okropności zimy, bezczynność w tawernach z dymem tytoniowym i kuflami piwa. Z drugiej strony zamożny tryb życia, sumienna praca, kawalkady, popołudniowy odpoczynek, polowania. Ponadto - życie publiczne, uroczystości cywilne, bankiety. W rezultacie powstała nowa sztuka, ale poruszająca tematy stare jak świat.

W ten sposób powstała harmonijna jedność ducha szkoły i najbardziej zdumiewająca różnorodność, jaka kiedykolwiek powstała w ramach jednego ruchu artystycznego.

Ogólnie rzecz biorąc, szkoła holenderska nazywana jest szkołą gatunkową. Jeśli rozłożymy go na elementy składowe, wówczas wyróżnimy w nim malarzy pejzaży, mistrzów portretu grupowego, malarzy morskich, malarzy zwierząt, artystów malujących portrety zbiorowe czy martwe natury. Jeśli przyjrzysz się bardziej szczegółowo, możesz rozróżnić wiele i odmiany gatunkowe- od miłośników malowniczości po ideologów, od kopistów natury po jej interpretatorów, od konserwatywnych domowników po podróżników, od kochających i odczuwających humor po artystów unikających komedii. Przypomnijmy sobie obrazy przedstawiające humor Ostade'a i powagę Ruisdaela, spokój Pottera i kpinę Jana Steena, dowcip Van de Velde i ponurą senność wielkiego Rembrandta.

Z wyjątkiem Rembrandta, którego należy uznać za zjawisko wyjątkowe zarówno w skali swojego kraju, jak i w historii, wówczas wszystkich pozostałych artystów holenderskich cechuje określony styl i metoda. Prawa tego stylu to szczerość, przystępność, naturalność i wyrazistość. Jeśli odbierzecie sztuce holenderskiej to, co można nazwać uczciwością, to przestaniecie rozumieć jej żywotne podstawy i nie będziecie w stanie określić ani jej charakteru moralnego, ani stylu. U tych artystów, którzy w większości zasłużyli sobie na miano krótkowzrocznych kopistów, czuć wzniosłą i życzliwą duszę, wierność prawdzie i umiłowanie realizmu. Wszystko to nadaje ich dziełom wartość, jakiej zdają się nie mieć same rzeczy na nich ukazane.

Początkiem tego szczerego stylu i pierwszym efektem tego szczerego podejścia jest doskonały rysunek. Wśród malarzy holenderskich Potter jest przejawem geniuszu w precyzyjnych, zweryfikowanych pomiarach i umiejętności prześledzenia ruchu każdej linii.

W Holandii niebo często zajmuje połowę, a czasem cały obraz. Dlatego konieczne jest, aby niebo na zdjęciu poruszało się, przyciągało i niosło nas ze sobą. Aby można było odczuć różnicę między dniem, wieczorem i nocą, aby można było odczuć ciepło i zimno, aby widz był jednocześnie zmarznięty i cieszył się tym oraz odczuwał potrzebę skupienia. Choć chyba trudno taki rysunek nazwać najszlachetniejszym ze wszystkich, spróbujcie znaleźć na świecie artystów, którzy namalowaliby niebo, jak Ruisdael i van der Neer, a tak wiele i tak błyskotliwie przekazaliby swoją twórczością. Wszędzie Holendrzy mają ten sam design - powściągliwy, lakoniczny, precyzyjny, naturalny i naiwny, zręczny i nie sztuczny.

Holenderska paleta jest całkiem godna ich rysunku, stąd idealna jedność ich metody malowania. Każdy obraz holenderski można łatwo rozpoznać po wyglądzie. Jest niewielki i wyróżnia się mocnymi, surowymi kolorami. Wymaga to od artysty dużej dokładności, pewnej ręki i głębokiej koncentracji, aby uzyskać skoncentrowany efekt na widzu. Artysta musi wejść w głąb siebie, aby pielęgnować swój pomysł, widz musi wejść w głąb siebie, aby zrozumieć plan artysty. To holenderskie obrazy dają najjaśniejsze wyobrażenie o tym ukrytym i wiecznym procesie: czuć, myśleć i wyrażać. Nie ma bardziej bogatego obrazu na świecie, skoro to Holendrzy mieszczą tak wiele treści na tak małej przestrzeni. Dlatego wszystko tutaj nabiera precyzyjnej, skompresowanej i skondensowanej formy.

Każdy Malarstwo holenderskie jest wklęsły, składa się z krzywych opisanych wokół jednego punktu, który jest ucieleśnieniem koncepcji obrazu oraz cieni rozmieszczonych wokół głównego punktu światła. Solidna podstawa, biegnący blat i zaokrąglone rogi zwrócone do środka – wszystko to jest obrysowane, pokolorowane i podświetlone w kole. Dzięki temu obraz nabiera głębi, a przedstawione na nim obiekty oddalają się od oka widza. Widz jest niejako prowadzony od pierwszego planu do ostatniego, od kadru po horyzont. Wydaje się, że zamieszkujemy obraz, poruszamy się, patrzymy w głąb, podnosimy głowę, by zmierzyć głębokość nieba. Rygor perspektywy powietrznej, doskonała zgodność koloru i odcieni z miejscem w przestrzeni, jakie zajmuje obiekt.

Aby pełniej zrozumieć malarstwo holenderskie, należy szczegółowo rozważyć elementy tego ruchu, cechy metod, naturę palety i zrozumieć, dlaczego jest ono tak ubogie, prawie monochromatyczne i tak bogate w rezultaty. Ale wszystkie te pytania, podobnie jak wiele innych, zawsze były przedmiotem spekulacji wielu historyków sztuki, nigdy jednak nie zostały wystarczająco zbadane i wyjaśnione. Opis głównych cech sztuki holenderskiej pozwala odróżnić tę szkołę od innych i prześledzić jej genezę. Wyrazistym obrazem ilustrującym tę szkołę jest obraz Adriaana van Ostade z Muzeum Amsterdamskiego „Atelier Artysty”. Temat ten był jednym z ulubionych malarzy holenderskich. Widzimy uważnego, lekko zgarbionego mężczyznę, z przygotowaną paletą, cienkimi, czystymi pędzlami i przezroczystym olejem. Pisze w półmroku. Jego twarz jest skupiona, jego ręka jest ostrożna. Tylko może ci malarze byli odważniejsi i umieli śmiać się bardziej beztrosko i cieszyć się życiem, niż można wywnioskować z zachowanych obrazów. W przeciwnym razie, jak ich geniusz objawiłby się w atmosferze tradycji zawodowych?

Podwaliny pod szkołę holenderską położyli van Goyen i Wijnants na początku XVII wieku, ustanawiając pewne prawa malarstwa. Prawa te zostały przekazane z nauczycieli na uczniów i przez całe stulecie holenderscy malarze kierowali się nimi, nie schodząc na bok.

Holenderskie malarstwo manierystyczne

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju obudził w sobie miłość do tego typu sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Oto młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w gospodzie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzy."

Fransa Halsa. Strzały cechu św. Jerzy. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. 1660. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

„Kieliszek lemoniady” to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co mówi wiele o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A są one rzadkim zjawiskiem nawet wśród Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Dlatego zaskakujące jest to, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Jana Vermeera. Kobieta z wagą. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie weryfikowane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietera de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Pietera de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Steena. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Jana Steena. To bałagan. 1663 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Jana Steena. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku.

Malarstwo holenderskie, w sztukach pięknych

Malarstwo holenderskie, jego powstanie i początkowy okres zbiegają się do tego stopnia z pierwszymi etapami rozwoju malarstwa flamandzkiego, że nowi historycy sztuki rozpatrują oba przez cały czas aż do końca XVI wieku. nierozerwalnie pod jedną ogólną nazwą „szkoły holenderskiej”.

Obaj, będący potomkami gałęzi Renu, są głupi. malarstwo, którego głównymi przedstawicielami są Wilhelm z Kolonii i Stefan Lochner, za swoich twórców uważa braci van Eyck; obydwoje od dawna podążają w tym samym kierunku, kierują się tymi samymi ideałami, realizują te same zadania, rozwijają tę samą technikę, dzięki czemu holenderscy artyści niczym nie różnią się od swoich flamandzkich i brabanckich braci.

Trwa to przez całe panowanie kraju, najpierw przez Burgundów, a następnie przez ród austriacki, aż do wybuchu brutalnej rewolucji, która zakończy się całkowitym triumfem narodu holenderskiego nad uciskającymi go Hiszpanami. Od tej epoki każda z dwóch gałęzi sztuki holenderskiej zaczyna poruszać się oddzielnie, choć zdarza się, że wchodzą ze sobą w bardzo bliski kontakt.

Malarstwo holenderskie natychmiast nabiera oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiąga jasny i obfity rozkwit. Przyczyny tego zjawiska, jakiego trudno znaleźć w całej historii sztuki, tkwią w uwarunkowaniach topograficznych, religijnych, politycznych i społecznych.

W tej „nizinie” (holland), składającej się z bagien, wysp i półwyspów, stale zmywanej przez morze i zagrożonej jej najazdami, ludność, gdy tylko zrzuciła obce jarzmo, musiała wszystko stworzyć od nowa, począwszy od warunków fizycznych gleby, a skończywszy na warunkach moralnych i intelektualnych, bo wszystko zostało zniszczone przez poprzednią walkę o niepodległość. Dzięki swojej przedsiębiorczości, zmysłowi praktycznemu i wytrwałej pracy Holendrom udało się przekształcić bagna w urodzajne pola i luksusowe pastwiska, podbić ogromne połacie ziemi od morza, zdobyć dobrobyt materialny i zewnętrzne znaczenie polityczne. Osiągnięciu tych wyników znacznie ułatwiła ustanowiona w kraju federalno-republikańska forma rządów oraz mądrze realizowana zasada wolności myśli i przekonań religijnych.

Jak gdyby cudem wszędzie, we wszystkich obszarach ludzkiej pracy, żarliwa działalność zaczęła nagle wrzeć w nowym, oryginalnym, czysto popularnym duchu, między innymi w dziedzinie sztuki. Z gałęzi tego ostatniego na ziemi holenderskiej szczęście było głównie w jednym - malarstwie, które tutaj, w twórczości wielu mniej lub bardziej utalentowanych artystów, pojawiających się niemal jednocześnie, przybrało bardzo wszechstronny kierunek i jednocześnie czas zupełnie odmienny od kierunku sztuki w innych krajach. Główną cechą charakteryzującą tych artystów jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Druga charakterystyczna właściwość Golla. malarzy cechuje subtelne wyczucie koloru i zrozumienie tego, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie światła promienie, bliskość lub zakres odległości.

U najlepszych przedstawicieli malarstwa holenderskiego to wyczucie koloru, światła i cienia jest rozwinięte do tego stopnia, że światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa w obrazie, można powiedzieć, rolę głównego bohatera i nadaje wysoki poziom. zainteresowanie najmniej znaczącą fabułą, najbardziej nieeleganckimi formami i obrazami. Następnie należy zauważyć, że większość Goll. artyści nie szukają długo materiału do swojej twórczości, zadowalają się tym, co odnajdują wokół siebie, w rodzimej naturze i życiu swoich ludzi. Typowe cechy wybitnych rodaków, fizjonomie zwykłych Holendrów i Holenderek, hałaśliwe zabawy powszechnych świąt, biesiad chłopskich, sceny z życia wiejskiego lub intymnego mieszczan, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się w bogatych łąki, chaty położone na skraju gajów bukowych lub dębowych, wioski nad brzegami rzek, jezior i gajów, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglicami kościołów i ratuszów, porty zapełnione statkami, niebo pełne srebrzyste lub złote opary - wszystko to pod pędzlem holenderskich mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności.

Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów w poszukiwaniu tematów sięgają do Biblii, historii starożytnej i mitologii, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską oprawą. Co prawda obok zatłoczonego tłumu takich patriotycznych artystów znajduje się falanga innych malarzy, szukających inspiracji poza granicami ojczyzny, w klasycznym kraju sztuki, we Włoszech; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość.

Wreszcie jako cechę malarzy holenderskich można wskazać wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury.

Dlatego artystów holenderskich nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii; trudno nawet skomponować z nich ściśle określone grupy, a samo określenie „holenderska szkoła malarstwa”, które weszło do powszechnego użytku, należy rozumieć jedynie w sensie warunkowym, jako oznaczające zbiór mistrzów plemiennych, a nie rzeczywista szkoła. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, co, jak się wydaje, powinno było wpłynąć na komunikację ich działań w jednym ogólnym kierunku. Jednakże towarzystwa takie, noszące nazwę cechów św. Łukasz, jeśli się do tego przyczynił, to w bardzo umiarkowanym stopniu. Nie były to akademie, kustosze znanych tradycji artystycznych, ale wolne korporacje, podobne do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniące się od nich strukturą i nastawione na wzajemne wsparcie swoich członków, ochronę ich praw, opiekę na starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot.

Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas pobytu w danym mieście. Członkowie cechu spotykali się, aby pod przewodnictwem dziekanów omówić swoje wspólne sprawy lub w celu wzajemnej wymiany myśli; ale na tych spotkaniach nie było nic, co przypominałoby głoszenie określonego kierunku artystycznego i co mogłoby ograniczać oryginalność któregokolwiek z członków.

Wskazane cechy malarstwa niderlandzkiego są zauważalne już w jego początkach – w czasie, gdy rozwijało się ono nierozerwalnie od szkoły flamandzkiej. Jej powołaniem, podobnie jak tej ostatniej, było wówczas głównie dekorowanie kościołów malowidłami religijnymi, pałaców, ratuszy i domów szlacheckich portretami urzędników państwowych i arystokratów. Niestety dzieła prymitywnych malarzy holenderskich dotarły do nas jedynie w bardzo ograniczonych ilościach, ponieważ większość z nich zginęła w tym niespokojnym czasie, kiedy reformacja dewastowała kościoły katolickie, znosiła klasztory i opactwa oraz podżegała „łamaczy ikon” (beeldstormers) do zniszczenia malował i rzeźbił święte obrazy, a powstanie ludowe zniszczyło wszędzie portrety znienawidzonych tyranów. Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwy; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. Tak więc o najstarszym z malarzy holenderskich, Albercie van Ouwaterze, nie ma pozytywnych danych, poza informacją, że był on rówieśnikiem van Eycksów i pracował w Harlemie; Nie ma wiarygodnych jego obrazów. Jego uczennica Gertjen van Sint-Jan znana jest jedynie z dwóch paneli tryptyku („Grób św.” i „Legenda o kościach św. Jana”), który napisał dla katedry w Harlemie, przechowywanej w Galerii Wiedeńskiej. Mgła, która spowija nas w początkowej epoce szkoły G., zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuerboat († 1475), pochodzącego z Haarlemu, ale pracującego w Leuven i dlatego przez wielu uważanego za należeć do szkoły flamandzkiej (jego najlepszymi dziełami są dwa obrazy „Bezprawny proces cesarza Ottona” znajdujące się w Muzeum Brukselskim), a także Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), którego główną zasługą jest to, że był nauczycielem słynny Łukasz z Lejdy (1494-1533). Ten ostatni, wszechstronny, pracowity i niezwykle utalentowany artysta, jak nikt przed nim nie potrafił wiernie odtworzyć wszystkiego, co mu wpadło w oko, dlatego można go uważać za prawdziwego ojca holenderskiego gatunku, choć zajmował się malarstwem głównie religijnym obrazy i portrety. W twórczości współczesnego mu Jana Mostaerta (ok. 1470-1556) dążenie do naturalizmu łączy się z nutą tradycji gotyckiej, ciepłem uczuć religijnych z troską o zewnętrzną elegancję.

Oprócz tych wybitnych mistrzów, dla początków sztuki holenderskiej na uwagę zasługują: Hieronymus van Aken, nazywany Hieronymus de Bosch (ok. 1462-1516), który swoimi złożonymi, zawiłymi dziełami położył podwaliny pod satyryczne malarstwo codzienne a czasem niezwykle dziwne kompozycje; Jan Mundain († 1520), znany w Harlemie z przedstawień diabelstwa i bufonady; Peter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Ioris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, uniesiony bełkotem anabaptystów i wyobrażający sobie siebie jako proroka Dawida i syna Bóg, Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacob Cornelisen (1480? - później 1533) i jego syn Dirk Jacobs (w Ermitażu znajdują się dwa obrazy tego ostatniego, przedstawiające towarzystwa strzeleckie).

Około połowa 16-tego stołu. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rodzimej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie włoskich artystów renesansu i łączenie ich manier z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Pragnienie to widoczne jest już w twórczości wspomnianego Mosterta; za głównego propagatora nowego ruchu należy jednak uznać Jana Schorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. Jego śladami poszli Maarten van Van, nazywany Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, nazywany. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu szkoły włoskiej, jak na przykład Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), wyszli poza Alpy, aby nasycić się doskonałościami luminarzy malarstwa włoskiego, ale w przeważającej części poddali się wpływowi przedstawicieli rozpoczynającego się wówczas upadku tego malarstwa i jako manierzy powrócili do ojczyzny, wyobrażając sobie, że cała istota sztuki tkwi w przesada mięśni, pretensjonalność kątów i rozmach konwencjonalnych kolorów.

Jednak fascynacja Włochami, która w epoce przejściowej malarstwa holenderskiego sięgała często do skrajności, przyniosła pewien pożytek, gdyż wniosła do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowym życiem. Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce.

Ze wszystkich stron niemal jednocześnie wyłaniają się niezliczone rzesze wspaniałych artystów, powołanych do działania przez wzrost ducha narodowego i potrzebę ich twórczości, która rozwinęła się w społeczeństwie. Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Haarlemu i Lejdy, dochodzą nowe – Delft, Utrecht, Dortrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie stare zadania malarstwa rozwijają się w nowy sposób pod wpływem zmieniających się wymagań i poglądów i jego nowe gałęzie, których początki były w poprzednim okresie ledwo zauważalne.

Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajając gusta bogatej mieszczaństwa, odrzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości: zaczęło interpretować wydarzenia z dawnych czasów jako wydarzenia dnia, które rozegrały się w Holandii, a w szczególności zajął się portretem, utrwalając w nim rysy ówczesnych ludzi, czy to w pojedynczych postaciach, czy w rozbudowanych, wielofigurowych kompozycjach przedstawiających towarzystwa strzeleckie (schutterstuke), które odegrali tak znaczącą rolę w walce o wyzwolenie kraju – kierownicy jego instytucji charytatywnych (regentenstuke), majsterowie sklepów i członkowie różnych korporacji.

Gdybyśmy zdecydowali się porozmawiać o wszystkich utalentowanych portrecistach okresu rozkwitu sztuki holenderskiej, samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem najlepszych dzieł wymagałoby wielu zdań; Dlatego ograniczamy się do wymienienia tylko tych artystów, którzy szczególnie wyróżniają się z szeregów generalnych. Są to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jego uczeń Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), poprzednicy trzech największych portrecistów Holandii – czarnoksiężnik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który miał niesamowitą sztukę modelowania postaci w świetle, ale nieco zimny w charakterze i kolorze, Bartholomew van der Gelst (1611 lub 1612-70) i uderzający fugą jego pędzla Fransa Golsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz.

W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby w skupieniu, wszystkie najlepsze cechy malarstwa holenderskiego, a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (ok. 1620-54), Salomon i Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Portera († później 1645), Gerarda Dou (1613-75) i Samuela van Googstratena (1626-78). Oprócz tych artystów, aby uzupełnić listę najlepszych portrecistów i malarzy historycznych omawianego okresu, należy wymienić Jana Lievensa (1607-30), współucznia Rembrandta P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622-72) ) i Pietera Nazona (1612-91), pracującego najwyraźniej pod wpływem V. d. Gelsta, naśladowca Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana i Jacoba de Braevów († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) i Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Malarstwo domowe, którego pierwsze eksperymenty pojawiły się w starej szkole holenderskiej, znalazło się w XVII wieku. szczególnie żyzna gleba w protestanckiej, wolnej, burżuazyjnej, samozadowoleniej Holandii.

Małe obrazy, bezpretensjonalnie przedstawiające zwyczaje i życie różnych klas lokalnej społeczności, wydawały się wystarczającej liczbie ludzi bardziej zabawne niż duże dzieła poważnego malarstwa i wraz z pejzażami wygodniejsze do dekoracji przytulnych domów prywatnych. Zapotrzebowanie na takie obrazy zaspokaja cała rzesza artystów, nie zastanawiając się długo nad wyborem tematów dla nich, ale sumiennie odtwarzając wszystko, co spotyka się w rzeczywistości, okazując jednocześnie miłość do rodziny, a potem dobroduszny humor, dokładnie charakteryzujących przedstawione pozycje i twarze oraz dopracowanych w opanowaniu technologii. Podczas gdy jedni zajmują się życiem zwykłych ludzi, scenami chłopskiego szczęścia i smutku, pijatkami w tawernach i tawernach, zgromadzeniami przed przydrożnymi karczmami, wakacjami na wsi, grami i jazdą na łyżwach po lodzie zamarzniętych rzek i kanałów itp., inni zajmują się treść swoich dzieł z kręgu bardziej eleganckiego - malują pełne wdzięku damy w swoim intymnym otoczeniu, zaloty dandysów, gospodynie wydające polecenia swoim pokojówkom, salonowe ćwiczenia przy muzyce i śpiewie, hulanki złotej młodości w domach rozkoszy itp. W długim szeregu artystów pierwszej kategorii wyróżniają się Adrian i Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 lub 1606-38), Jan Stan (ok. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, nazywany Bambocchio we Włoszech (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, nazywany Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dawniej 1630-76), Jan Minse-Molenar (około 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) i niektórzy. itd. Z równie znacznej liczby malarzy, którzy reprodukowali życie średniej i wyższej klasy, w zasadzie wystarczającej, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francja ok. Miris Starsza (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony i Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, bezczynność żołnierzy w wartowniach , obozowiska, potyczki kawalerii i całe bitwy, konie ujeżdżeniowe, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy przypominające sceny bitewne. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), którego wkrótce spotkamy wśród pejzażystów, wspomniany Palamedes, Jacob Leduc (1600 - później 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie.

W ogóle Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy, że ich ojczyzna jest kolebką nie tylko najnowszego gatunku, ale także krajobrazu w dzisiejszym rozumieniu. Faktycznie, w innych krajach, np. we Włoszech i Francji sztuka w niewielkim stopniu interesowała się przyrodą nieożywioną, nie doszukiwała się w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna: malarz wprowadzał do swoich obrazów pejzaż jedynie jako element poboczny, jako dekorację, wśród których znalazły się epizody ludzkich dramatów lub komedię rozgrywa się, dlatego też poddaje się ją warunkom sceny, wymyślając malownicze linie i korzystne dla niej zakątki, ale bez kopiowania natury, bez nasycania się wrażeniami, jakie ona wywołuje.

W ten sam sposób „komponował” naturę w tych rzadkich przypadkach, gdy próbował namalować malarstwo czysto pejzażowe. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Ponadto natura ta, pomimo skromności form i barw, zapewniła kolorystom, takim jak Holendrzy, obfity materiał do opracowania motywów świetlnych i perspektywy powietrznej, ze względu na warunki klimatyczne kraju – jego przesycone parą powietrze, łagodzące kontury obiektów, wytwarzających gradację tonów na różnych planach i pokrywających odległość mgiełką srebrzystej lub złotej mgły, a także zmienności wyglądu obszarów zdeterminowanej porą roku, porą dnia i warunkami atmosferycznymi.

Wśród malarzy pejzażystów okresu rozkwitu Holendrzy. Szczególnie szanowane są szkoły będące interpretatorami swego domowego charakteru: Jan V. Goyena (1595-1656), który wraz z Esaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym. (1595-1661), uważany za założyciela Goll. krajobraz; następnie uczeń tego mistrza, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik efektów lepszego oświetlenia Art. zm. Nair (1603-77), poetycki Jacob v. Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678).

Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Alberta V. Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († później 1690) i Jan Lingelbach (1623-74) – Włochy; Ian W. d. Burmistrz Młodszy (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) i Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) – Niemcy i Szwajcaria; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Oprócz niego należy tu uwzględnić Adriana. d. Velde (1635 lub 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) oraz liczni artyści, którzy zwrócili się po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Willem Romain († później 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 lub 1634 -86) itd. Z malarstwem pejzażowym ściśle związane jest malowanie widoków architektonicznych, którym artyści holenderscy jako samodzielną dziedzinę sztuki zaczęli się zajmować dopiero w połowie XVII wieku.

Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to między innymi mniej znaczące: Johannes Bärestraten (1622-66), Job i Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. zm. Heyden (1647-1712) i Jacob v. wieś Yulft (1627-88). Inni, wśród których najwybitniejsi to Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 lub 1617-92), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze miało tak duże znaczenie w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów zajmujących się pejzażem, gatunkiem, a nawet portretem, odrywając się na chwilę od zwykłych tematów, zostało malarzami morskimi, a gdybyśmy zdecydowali się wymienić wszystkich malarzy szkoły holenderskiej, którzy przedstawiali spokojne lub wzburzone morze, statki kołysanie się na nim, zagracone statki portowe, bitwy morskie itp., wtedy otrzymalibyśmy bardzo długą listę, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdal, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie gatunków morskich, musimy wymienić Willema v. de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynny syn V. v. de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708), Jana V. de Cappelle († 1679) i Julius Parcellis († później 1634).

Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie pomiędzy Najbardziej znanymi artystami epoki rozkwitu byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) -93), Willem V. Aalsta (1626-83), Willema Gedy (1594 - później 1678), Willema Kalfa (1621 lub 1622-93) i Jana Waenixa (1640-1719).

Zamiast bezpośredniego związku z naturą, umiłowania tego, co rodzime i szczerości, dominacja z góry przyjętych teorii, konwencji i naśladownictwa Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego godnego pożałowania nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta niezwykle zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo -obrazy historyczne oraz dzieła jego własnego pióra, wśród których jedna, Wielka Księga Malarza ('t groot schilderboec), przez pięćdziesiąt lat służyła młodym artystom za kod. Do upadku szkoły przyczynił się także słynny Hadrian. de Werff (1659-1722), którego eleganckie malarstwo z zimnymi postaciami, jakby wyrzeźbionymi z kości słoniowej, o matowej, bezsilnej kolorystyce, wydawało się kiedyś szczytem doskonałości. Wśród naśladowców tego artysty Henryk v. cieszył się sławą jako malarz historyczny. Limborg (1680-1758) i Philip V.-Dyck (1669-1729), nazywany „Małym V.-Dyckiem”.

Z pozostałych malarzy omawianej epoki, obdarzonych niewątpliwym talentem, ale zarażonych duchem czasu, warto zwrócić uwagę na Willema i France v. Miris Młodsza (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Izaak de Moucheron (1670-1744) i Carel de Maur (1656-1738). Nieco blasku umierającej szkole nadał Cornelis Troost (1697-1750), przede wszystkim rysownik, nazywany Holendrem. Gogartha, portrecistę Jana Quincgarda (1688-1772), malarza dekoracyjnego i historycznego Jacoba de Wita (1695-1754) oraz malarzy martwej natury Jana V. Geysum (1682-1749) i Rachel Reisch (1664-1750).

ludy skierowały wzrok na ich starożytność, a tym samym na chwalebną przeszłość ich malarstwa.

Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie eliminować się spod obcych wpływów, ale wyjeżdżając na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych ośrodków artystycznych w Niemczech, zabrali do domu jedynie znajomość z sukcesami nowoczesnej technologii.

Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska ponownie otrzymała oryginalną, atrakcyjną fizjonomię i dziś podąża drogą prowadzącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Malarstwo historyczne sensu stricto jest w nim kultywowane, jak za dawnych czasów, bardzo umiarkowanie i nie ma wybitnych przedstawicieli; Ale jeśli chodzi o gatunek historyczny, Holandia może poszczycić się kilkoma znaczącymi współczesnymi mistrzami, takimi jak: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (ur. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (ur. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowany Lawrence Alma-Tadema (ur. 1836), który zdezerterował do Anglii. Do gatunku codziennego, który także znalazł się w kręgu twórczości tych artystów (z wyjątkiem Almy-Tademy), można wskazać szereg znakomitych malarzy, na czele z Josephem Izraelsem (ur. 1824) i Christoffelem Bisschopem (ur. 1828); poza nimi na miano zasługują Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (ur. 1826), Teresa Schwarze (ur. 1852) i Valli Mus (ur. 1857).

Najnowsze malarstwo holenderskie jest szczególnie bogate w pejzażystów, którzy pracowali i pracują na różne sposoby, czasem ze starannym wykończeniem, czasem z szeroką techniką impresjonistów, ale wiernymi i poetyckimi interpretatorami ich rodzimej natury. Należą do nich Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (ur. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (ur. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Lodewijk Apol (ur. 1850) i wielu innych. itp. Bezpośrednimi spadkobiercami Ya. Pojawili się malarze obiecujących poglądów D. Heyden i E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomew v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Do najmłodszych holenderskich malarzy marynistycznych zaliczają się m.in. dłoń należy do Joga. Schhotel (1787-1838), Ari Plaisir (ur. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) i Henrik Mesdag (ur. 1831). Wreszcie Wouters Verschoor (1812-74) i Johann Gas (ur. 1832) wykazali się dużymi umiejętnościami w malowaniu zwierząt.

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Szkice z historii malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu”. (specjalny dodatek do czasopisma „Vestn. Fine Arts”, 1885-90).

Tymczasem jest to obszar szczególny, warty bardziej szczegółowych badań kultura europejska, który odzwierciedla pierwotne życie mieszkańców Holandii w tamtym czasie.

Historia wyglądu

Wybitni przedstawiciele sztuki artystycznej zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Francuscy znawcy kultury nadali im potoczną nazwę – „mały Holender”, która nie jest związana ze skalą talentu, a oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, w przeciwieństwie do „dużego” stylu z dużymi płótnami o tematyce historycznej lub mitologicznej. Historia powstania malarstwa holenderskiego została szczegółowo opisana w XIX wieku i autorzy prac na jej temat również posługiwali się tym terminem. „Małych Holendrów” wyróżniał świecki realizm, zwrócenie się do otaczającego świata i ludzi oraz posługiwanie się bogatym w tonację malarstwem.

Główne etapy rozwoju

Historię malarstwa holenderskiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał mniej więcej od 1620 do 1630 roku, kiedy to w sztuce narodowej ugruntował się realizm. Drugi okres malarstwa niderlandzkiego przypadł na lata 1640-1660. Jest to czas, w którym następuje prawdziwy rozkwit lokalności Szkoła Artystyczna. Wreszcie trzeci okres, czas, w którym malarstwo holenderskie zaczęło podupadać – od 1670 roku do początków XVIII wieku.

Warto zauważyć, że w tym czasie zmieniły się ośrodki kultury. W pierwszym okresie w Haarlemie pracowali czołowi artyści, a głównym przedstawicielem była Khalsa. Następnie centrum przeniosło się do Amsterdamu, gdzie było ich najwięcej znaczące dzieła w wykonaniu Rembrandta i Vermeera.

Sceny z życia codziennego

Wymieniając najważniejsze gatunki malarstwa holenderskiego, należy koniecznie zacząć od codzienności – najbardziej żywej i oryginalnej w historii. To Flamandowie odsłonili światu sceny z życia codziennego zwykłych ludzi, chłopów i mieszczan czy mieszczan. Pionierami byli Ostade i jego zwolennicy Audenrogge, Bega i Dusart. Na wczesnych obrazach Ostade'a ludzie grają w karty, kłócą się, a nawet walczą w tawernie. Każdy obraz wyróżnia się dynamicznym, nieco brutalnym charakterem. Malarstwo holenderskie tamtych czasów także opowiada o scenach spokojnych: na niektórych pracach chłopi rozmawiają przy fajce i szklance piwa, spędzają czas na jarmarku lub w gronie rodziny. Wpływ Rembrandta doprowadził do powszechnego stosowania miękkiego światłocienia w kolorze złotym. Sceny miejskie inspirowały artystów takich jak Hals, Leicester, Molenaar i Codde. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawiali lekarzy, naukowców w trakcie pracy, własnych warsztatów, prac domowych, czy też Każda fabuła miała mieć charakter rozrywkowy, czasem groteskowo dydaktyczny. Niektórzy mistrzowie byli skłonni do poetyzacji życia codziennego, np. Terborch przedstawiał sceny grania muzyki lub flirtu. Metsyu użył żywe kolory, zmieniając codzienność w święto, a de Hoocha inspirowała się prostotą życia rodzinnego, skąpanego w rozproszonym świetle dnia. Późniejsi przedstawiciele gatunku, do których zaliczają się tacy holenderscy mistrzowie malarstwa, jak Van der Werff i Van der Neer, w pogoni za eleganckim przedstawieniem, często tworzyli tematy nieco pretensjonalne.

Przyroda i krajobrazy

Ponadto malarstwo holenderskie jest szeroko reprezentowane w gatunku pejzażowym. Po raz pierwszy pojawił się w dziełach takich mistrzów z Haarlemu, jak van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. To oni zaczęli przedstawiać obszary wiejskie w pewnym srebrzystym świetle. W pracach na pierwszy plan wysunęła się materialna jedność natury. Osobno warto wspomnieć o pejzażach morskich. Do XVII-wiecznych marinistów należeli Porsellis, de Vlieger i van de Capelle. Starali się nie tyle oddać określone sceny morskie, ile samą wodę, grę świateł na niej i na niebie.

W drugiej połowie XVII wieku w gatunku pojawiły się bardziej emocjonalne dzieła o ideach filozoficznych. Jan van Ruisdael maksymalnie odsłonił piękno holenderskiego krajobrazu, ukazując go w całej jego dramatyczności, dynamice i monumentalności. Hobbem, który preferował słoneczne krajobrazy, kontynuował swoje tradycje. Koninck malował panoramy, a van der Neer tworzył i przekazywał nocne pejzaże światło księżyca, Wschód i zachód słońca. Wielu artystów charakteryzuje się także przedstawianiem zwierząt w pejzażach, na przykład pasących się krów i koni, a także polowań i scen z kawalerzystów. Później artyści zaczęli interesować się obcą przyrodą – zarówno van Laar, Wenix, Berchem, jak i Hackert przedstawiali Włochy skąpane w promieniach południowego słońca. Założycielem gatunku był Sanredam, którego najlepszych naśladowców można nazwać braćmi Berkheide i Janem van der Heijdenem.

Obraz wnętrz

Odrębnym gatunkiem, który wyróżniał malarstwo holenderskie w czasach jego świetności, można nazwać sceny z kościołami, pałacami i pokojami domowymi. Wnętrza pojawiały się na obrazach drugiej połowy XVII w. autorstwa mistrzów Delft – Haukgeesta, van der Vlieta i de Witte’a, którzy stali się głównymi przedstawicielami tego ruchu. Korzystając z technik Vermeera, artyści przedstawiali sceny wypełnione światło słoneczne, pełen emocji i objętości.

Malownicze potrawy i potrawy

Wreszcie kolejnym charakterystycznym gatunkiem malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza przedstawianie śniadań. Jako pierwsi zajęli się nim mieszkańcy Haarlemu, Claes i Heda, którzy malowali nakryte stoły luksusowymi naczyniami. Malowniczy bałagan i szczególny przekaz przytulnego wnętrza wypełnia srebrzystoszare światło, charakterystyczne dla srebra i cyny. Artyści z Utrechtu malowali martwe natury z bujnymi kwiatami, a w Hadze artyści szczególnie dobrze radzili sobie z przedstawianiem ryb i gadów morskich. W Lejdzie narodził się filozoficzny kierunek gatunku, w którym czaszki i klepsydry współistnieją z symbolami zmysłowych przyjemności lub ziemskiej chwały, mającymi przypominać o przemijaniu czasu. Martwa natura z kuchni demokratycznej stała się znakiem rozpoznawczym szkoły artystycznej w Rotterdamie.