Salvatore Rosa. Autoportret
Biografia włoskiego artysty Salvatore Rosa jest bardzo niezwykła. Wydawało się, że los specjalnie przygotował dla niego nieoczekiwane przygody i obdarzył go charakterem buntownika, a to z kolei nie mogło nie wpłynąć na jego działalność twórcza. Nie od razu zainteresował się malarstwem, szukał siebie w duchowości, w muzyce i aktorstwie. Róża urodziła się we Włoszech 20 czerwca 1615 roku, w czasie, gdy w sztuce rozwijał się postępowy barok i trwała intensywna walka z manieryzmem.
Biedna rodzina przyszłego artysty mieszkała niedaleko Neapolu. Ojciec, Antonio Vito de Rosa, był prostym geodetą i chciał, aby chłopiec otrzymał Dobra edukacja, oddał syna do kolegium zgromadzenia jezuitów w Somasca pomiędzy miastami Bergamo i Mediolanem. Będąc w murach zakonu, chłopiec Salvatoriello był przyzwyczajony do rozrywek i gier świeże powietrze, czułem się nieswojo i znudzony. Jednak wiedza, którą otrzymał od duchowych mentorów, przydała mu się w dalsza twórczość. Wśród przedmiotów, które studiowała Rose, znalazły się: literatura włoska, Pismo Święte, historia starożytna i niegrzeczna łacina. Uczelnia stała się jedyną nadzieją ojca Salvatore na zapewnienie synowi dobrego wykształcenia i wyciągnięcie go z biedy.
Wzrosło pragnienie przyjęcia święceń kapłańskich cenione marzenie połącz swoje życie ze sztuką. Dlatego Rosa zaczęła brać lekcje muzyki, a dopiero potem malarstwa. Pierwszymi nauczycielami młodego człowieka byli Francanzone, jego szwagier i wielki Ribera. Oprócz lekcji Salvatore rozwijał swój talent, samodzielnie pisząc małe szkice.
Obraz młody artysta wyróżniał się realizmem i naturalnością nie tylko fabuły, ale także kolorystyki. W jego palecie dominowały barwy ochrowo-brązowe i stonowane tony. Bohaterowie mieli nastroje i wyraz twarzy zrozumiały dla przeciętnego człowieka, bez ozdobników i groteski. Mistrz przedstawił nawet swój autoportret (1640) „skromnie” i „wyraźnie”, idąc za wskazówkami neapolitańskiej szkoły malarstwa.
Jak wiecie, Salvatore Rosa był buntownikiem i miał krnąbrny charakter. Temperament jego natury nadawał ton jego twórczości. Artysta szczególnie dobrze radził sobie z malowaniem bitew oraz scen z włóczęgami i bandytami. Co więcej, zarówno wczesne, jak i późne prace Malarz miał ołowiano-czerwoną nutę ochry i technikę Caravadzhin stosowania kontrastujących odcieni - grę cieni i światła („Jason uspokajający smoka”, „Wybór Diogenesa”, „Aleksander i Diogenes”).
Jazon oswajający smoka. 1665-70
Wybór Diogenesa. 1650
W 1636 roku artysta zdecydował się zostać aktorem, akurat wtedy, gdy cały Rzym wiedział już o Salvatore jako utalentowany artysta. I tutaj mu się to udało. Podczas spektaklu odsłonił twarz, zrywając maskę Coviello, którego grał, a później założył własny teatr w pobliżu Port del Popolo. Będąc nieustanną bojowniczką przeciwko istniejącemu rządowi, Rosa była prześladowana i stała się obiektem inwigilacji wynajętych zabójców krążących po teatrze. W tym okresie napisał słynny obraz „Alegoria kłamstw”, ilustrujący własny wiersz „Zmywam rumieniec i maluję twarz”. Obraz namalowany jest w niezwykłej, suchej tonacji z „patyną” szmaragdowej farby.
Alegoria kłamstw. 1640
Utalentowany malarz, poeta i aktor Salvatore miał wielu przyjaciół w świecie sztuki i literatury. Nazwisko wielkiego artysty często pojawia się w dziełach, pamiętnikach i listach podróżników. Napędzana własnym niespokojnym charakterem i dobrym towarzystwem Rosa tworzy historie o różnorodnej tematyce – różnorodne, różniące się od siebie. Są to tematy mityczne i biblijne, pejzaże („Krajobraz leśny z trzema filozofami”) oraz portrety. Technika, w jakiej pisze, nie jest szczególnie błyskotliwa, ale daje spokój i wprowadza widza w odpowiedni nastrój.
Krajobraz leśny z trzema filozofami.
Do tworzenia romantycznych historii Rose motywowała między innymi miłość do kobiety. Jego ukochana długie lata Była Lukrecja, która dała artyście dwóch synów. Dopiero przed śmiercią Salvatore poślubił kobietę, wypełniając w ten sposób swój obowiązek na ziemi, dając kontynuację rodziny i siebie na swoich płótnach.
Śmierć dopadła mistrza w marcu 1673 roku w Rzymie. Twórczość Salvatore Rosy stała się szkołą dla przyszłych, nie mniej wybitnych artystów.
ROSE, SALVATTOR (Rosa, Salvator) (1615–1673), włoski artysta, aktor, pisarzAutoportret (Alegoria ciszy)
Galeria Narodowa w Londynie
Jakby ostrzegawczo, artysta spogląda na nas przez ramię ze smutnym i pogardliwym wyrazem twarzy. Istotnie, napis na tabliczce, którą trzyma w rękach, głosi: „Milcz, jeśli to, co chcesz powiedzieć, nie jest lepsze niż cisza" Surowe znaczenie tego mrocznego autoportretu dodatkowo wzmacnia ciemny płaszcz i czarny kapelusz artysty, nadając mu niemal złowrogi wygląd. Wyłania się groźnie przed nami na tle dziwnego, pozbawionego horyzontu nieba. Duży wpływ na Rosę miał surowy realizm Jusepe Ribera, który pracował w Neapolu od 1616 roku. Salvator Rosa (20.6.1615–15.3.1673) urodził się w okolicach Neapolu, we wsi Arenella. Ojciec Rosy, Vito Antonio, był budowniczym lub geodetą, jej matka Giulia Greco była córką artysty Vito Greco i siostrą malarza Domenico Antonio Greco. Róża została wysłana do kolegium jezuickiego kongregacji Somasca w Neapolu, gdzie otrzymała dobre liberalne wykształcenie, studiując literaturę klasyczną, logikę, retorykę i historię. Od młodości interesował się muzyką, grą na harfie, flecie, gitarze i komponowaniem serenad. Salvator był właściwie samoukiem, ukształtowanym w kręgu mistrzów szkoły neapolitańskiej. Początkowo kopiował dzieła Francesco Fracanzano, którego dzieła cieszyły się dużym zainteresowaniem klientów i trafiały nawet na dwór hiszpański. Następnie uczył się w pracowni Agnello Falcone, znakomitego rysownika i malarza batalistycznego.
Salvator Rosa rozwijał się w środowisku neapolitańskim nie tylko jako artysta, ale także jako „wolnomyśliciel”. Południe Włoch było kolebką takich wybitne osobistości w historii kraju, jak Giordano Bruno, Tommaso Campanella, Cesare Vanini. Ci odważni ludzie bronili swojego narodu, znosząc ucisk cudzoziemców, buntowali się przeciwko terrorowi Inkwizycji w okresie, który nasilił się od drugiej połowa XVI stulecia kontrreformacji, marzył o społecznej równości ludzi. Nauczyciele Rosy, Agnello Falcone i Francesco Fracanzano, należeli do zwolenników tych „wolnomyślicieli”; obaj trafili w szeregi obrońców Tommaso Agnello, który przewodził powstaniu klas niższych przeciwko szlachcie (handel i szlachta). elita finansowa miasta) i baronowie (wielcy właściciele ziemscy). Bohaterami obrazów Rosy będą biedni – rybacy, ładowacze, włóczędzy lazzaroni, których widział ukrywających się przed pościgiem wojsk namiestnika, a czasem toczących z nimi bitwę i budzących strach szlachty nieoczekiwanymi atakami i rabunkami.
Krajobraz leśny
Pewnego dnia Giovanni Lanfranco zauważył wystawione na wystawie obrazy Rosy. słynny mistrz monumentalne malarstwo barokowe, które tworzyło w Neapolu. Kupił nawet kilka swoich dzieł. W 1635 r. odszedł Salwator Róża rodzinne miasto i przeniósł się do Rzymu, gdzie rozpoczęło się jego bogate życie. W latach 1640–1649 mieszkał we Florencji, a następnie przez cały kolejny okres (1649–1673) w Rzymie.
W Rzymie Rosa znalazła bogatego patrona w osobie niejakiego Girolamo Mercuriego, neapolitańczyka, majordomusa kardynała Brancacciego z Viterbo. Kardynał, dostrzegając talent artysty, zabrał go z domu Merkurego. Dla rezydencji arcybiskupa Viterbo Rosa stworzyła ołtarz w kościele San Sisto.
Opuszczając na jakiś czas Rzym, Salvator Rosa nadal wystawiał swoje prace na rzymskiej wystawie członków zgromadzenia Wirtuozów Panteonu (utworzonej w 1543 r.), odbywającej się corocznie 29 sierpnia z okazji dnia św. Jana II. Chrzciciel (San Giovanni Decolato) na dziedzińcu kościoła San Bartolomeo dei Padri Bergamaschi. W 1639 roku na tej wystawie duży sukces odniósł obraz Róży Tytius. Znacznie później, w latach pięćdziesiątych XVII wieku, Salvator Rosa po raz kolejny zadziwił rzymską publiczność podczas święta San Giovanni Decolato. Jego obraz Fortuna (1658–1659) stanie się skandaliczną sensacją, za którą będą próbowali postawić artystę przed sądem Inkwizycji.
„Alegoria fortuny” ok. 1658-59
Muzeum Getty'ego. Los Angeles Tylko interwencja kardynała Chigi uratuje go z więzienia. Róża przedstawiała boginię Losu rozdającą monety, kamienie szlachetne, księgi z róg obfitości, które trafiają do świń, byka, osła, owcy, barana (u jej stóp leży paleta, dlatego jest to alegoria złego malarza ), a nie godnym ludziom. Twarz Fortuny przypominała kobietę publiczną, do której pociągał szlachetny duchowny. Była to odważna aluzja do niesprawiedliwości w oddawania zaszczytów ludziom, którzy nie są tego godni, ale którzy osiągają sukces dzięki pochlebstwom, oszustwom i pochlebstwom.
W pejzażach i wierszach Rosy nawiązuje się do neapolitańskiej tradycji poetyckiej, wydają się nieco szorstkie w porównaniu z melodyjnym i słodkim stylem neapolitańskiego poety, współczesnego jej J.B. Marino, który zyskał sławę na dworach europejskich, czy pejzaże Nicolasa Poussina o ich uszlachetnionej i idealnie spokojnej przyrodzie. Obrazowość poezji Rosy odbiega od opisów „ogrodów błogości” w tekstach Marino. Również malarstwo pejzażowe artysty, w którym jego bogata wyobraźnia subtelnie łączy się z obserwacjami terenowymi, budzi zupełnie inne emocje niż pejzaże rzymskiej Kampanii Poussina. Jest to szczególne uczucie emocjonalne XIX wiek będziemy nazywać „romantycznym” postrzeganiem natury.
Postacie wędrowców czy wojowników wśród górskich wąwozów, podróżników w drodze, rybaków, ładowaczy, graczy w karty na wybrzeżu morskim przywołują na płótnach Salvatora Rosy skojarzenia nie z obrazami literackimi, jak w malarstwie Claude’a Lorraina, który uwielbiał umieszczać je na scenie, wśród scen w postaci drzew czy obiektów architektonicznych, postaci postaci z dzieł Wergiliusza, Owidiusza, Starego Testamentu. W pejzażach Rose zawsze dominuje przyroda, niezwykła i tajemnicza.
Anioł ukazuje się Hagar i Izmaelowi na pustyni.
Najwyraźniej sukces jego krajobrazów wśród klientów był częściowo ciężarem dla Salvatora Rosy. W satyrze „Malarstwo” pisał z sarkazmem: „Z wielkim zdumieniem... Zastanawiam się nad tym, że prawie każdy artysta traci swój talent, gdy zaczyna odnosić sukcesy, bo widzi, jak go zaszczycono i co łatwo namalował znaleźć dla siebie miejsce... Dlatego nie zawraca sobie już głowy nadmierną pracą i całkowicie leniwy, szczęśliwie zamienia się w osła. Artysta stał się jednak twórcą prawdziwych arcydzieł pejzaż XVII wiek. Jednym z jego najbardziej poetyckich wczesnych pejzaży jest płótno „Stary most” (ok. 1640).
„Krajobraz ze zniszczonym mostem” ok. 1640.
Olej na płótnie 106X127 cm.
Palazzo Pitti we Florencji.
W Rzymie Salvator Rosa zajął się malowaniem scen batalistycznych.
Bitwa chrześcijan z Turkami. Lata 50. XVII w. W swoich dużych kompozycjach panoramicznych na pierwszym planie umieścił scenę szalonej bitwy wojowników, a tłem były góry, ruiny świątyń, wież i pałaców. W satyrze „Wojna” (1647) artysta wyraził swój stosunek do powstania: „Spójrzcie, z jaką odwagą rybak, nikczemny, bosy, robak, w ciągu jednego dnia otrzymał tyle praw! Spójrz na to wysoka dusza w maluczkim, który dla ocalenia ojczyzny... w nic najwyższe głowy wrzucił... Czyż nie odnawiają się dawne wartości, jeśli dziś pogardzany rybak daje przykład królom..." Rysunki: Salvatora Rosy przedstawiającego postacie jeźdźców, zachowały się fragmenty sceny walki. Ogółem zbiór jego rysunków nie jest zbyt duży, choć wśród mistrzów baroku uważany jest za płodnego rysownika.
Fragment ryciny ze zbioru Róża
Wśród jego rysunków znajdują się m.in. „Jeździec na upadłym koniu”, „Święty Jerzy zabijający smoka” oraz rycina „Jazon i smok” (wykonana na płótnie o tym samym tytule na podstawie sceny z „Metamorfoz” Owidiusza). A czasem obrazy jego rysunków są pełne liryzmu („Apollo i Daphne”), wnikliwej obserwacji („Lutnista pod drzewem”, „Dwie postacie w pejzażu”, „Rybak”).
Alegoria kłamstw
We Florencji powstały dwa wybitne dzieła Salvatora Rosy – wspomniany już „Autoportret” (ok. 1648 r.) i Alegoria kłamstw (lata czterdzieste XVII w.). Pozwalają ocenić jego postawę w latach 1640–1649, jego trudną relację ze światem pełnym rekwizytów teatralnych, a nie szczerości. Róża często malowała swoje odbicie w lustrze. W obrazie „Alegoria kłamstw” artysta wygląda starzej niż w londyńskim „Autoportrecie”.
„Autoportret” Olej na płótnie, 99 x 79 cm.
Muzeum Sztuki Metropolitan. Nowy Jork. We Florencji napisano: „ Portret mężczyzny„(1640). Podobno jest to także autoportret, na którym Rosa przedstawiła siebie w kostiumie Pascariello, jednej z jego ulubionych postaci z komedii dell'arte. Badacze jego twórczości dostrzegają także podobieństwa z artystą w obrazie starożytnego matematyka, projektanta i filozofa Arkity, przedstawianego trzymającego zaprojektowanego przez siebie mechanicznego gołębia („Arkita, filozof z Tarentu”).
Wśród portretów Salvatora Rosy warto zwrócić uwagę na „Portret mężczyzny” (lata 40. XVII w.), który przedstawia mężczyznę z niższej klasy, włóczęgę lub chłopa.
„Portret mężczyzny” z lat czterdziestych XVII w
Olej na płótnie, 78 x 65 cm.
Państwowe Muzeum Ermitażu. Sankt Petersburg. W łachmanach i bandażu na głowie przypomina rabusiów, których postaci artysta lubił wprowadzać w swoje pejzaże („Zbójcy w jaskini”). Przekonująco przekazane charakter kobiecy oraz w „Portrecie Lukrecji” ukochanej artysty. Rosa do końca swoich dni była blisko związana z florencką Lukrecją, nazywając ją w swoich listach z wielkim szacunkiem „Signorą Lukrecją”.
Lukrecja.
Podczas pobytu we Florencji, a następnie w Rzymie Rosa tworzyła dzieła z gatunku tzw. „diableries” lub „stregonerie” (z włoskiego – stregonerie), czyli sceny czarów i diabelstwa.
„Demony i pustelnik”.
Czarownice przy swoich zaklęciach („Sabat czarownic”) Odwoływanie się do podobnych tematów przedstawiających czarownice, narzędzia czarów (stare księgi, instrumenty astronomiczne, przedmioty symboliczne) było szeroko rozpowszechnione w malarstwie europejskim XVII wieku („Ludzka słabość”, 1657; „Jaźń -portret z czaszką, 1656–1675). Na pierwszym obrazie siedząca kobieta z dzieckiem na kolanach jest alegorią macierzyństwa. Dziecko pisze na zwoju, ale jego pióro prowadzi ręka śmierci, którą uosabia skrzydlaty, przerażający szkielet.
„Kruchość człowieka” Olej na płótnie, 199 x 134 cm.
Muzeum Fitzwilliama w Cambridge. Herma, zwieńczona wieńcem z gałązek cyprysu (drzewo cmentarzy i smutków), obelisk (symbol pamięci), kryształowa kula, na której siedzi kobieta (symbol losu życia), sowa (nocny ptak ), kolejne dziecko stojące w kołysce, zapalające koniec włóczki na końcu, kołowrotek (symbol kruchości życia, przewidziany już dla dziecka w kołysce), dwa noże (symbol przymusowej separacji), napis na zwoju („poczęcie jest grzechem, narodziny męką, życie żmudną pracą, śmierć fatalną nieuchronnością”) ze słynnego wiersza, wersety, które w pieśni przesłał artyście J.B. Ricciardi; Podpis Rose na ostrzu noża (alegoria rozłąki z wcześnie zmarłym synem) – cały ten skomplikowany zestaw symboli ukazuje głęboką tragedię jego przeżyć.
„Demokryt w medytacji” ok. 1650
Olej na płótnie, 344 x 214 cm.
Muzeum Państwowe sztuka Kopenhaga
„Pejzaż morski z wieżami” po 1645 r
Olej na płótnie, 102 x 127 cm.
Galeria Palatyn (Palazzo Pitti), Florencja.
We Florencji Salvator Rosa nadal tworzy sceny batalistyczne i maluje pejzaże (Pejzaż z Merkurym i drwalem, ok. 1650 r.; „Pejzaż z Apollem i Sybillą z Cumae” (1650 r.), „Pejzaż z kazaniem Jana Chrzciciela”, 1660).
Jan Chrzciciel głosi kazanie na pustyni.
Pod koniec lat czterdziestych i pięćdziesiątych XVII wieku w twórczości Salvatora Rosy nasiliły się tendencje klasycystyczne. Próbuje opanować techniki malarstwa „wysokiego stylu”, zwracając się do tematów Historia starożytna i mitologii, aż po tematykę biblijną. Artystce trudno jednak pogodzić się z odrzuceniem gatunkowej interpretacji sztafażów, dlatego dydaktyka, z jaką ukazuje się moralny sens wątków, czasami wygląda na prymitywną. Dotyczy to takich obrazów jak „Powołanie Cyncynata”, „Gaj filozofów” (Pejzaż z trzema filozofami),
Filozofowie drewno „Hagar i Izmael na pustyni”, napisany przed przeprowadzką do Rzymu. Zwrócenie się ku gatunkowi historycznemu, ku stylistyce „wysokiego stylu” było sprzeczne z talentem artysty, dlatego nie zawsze udawało mu się na tej drodze osiągnąć upragniony sukces i uznanie.
W 1660 roku Salvator Rosa przeniósł się do Rzymu.
Coraz częściej Salvator Rosa sięga po historie z Historia starożytna i mitologii, niosącej znaczenie etyczne i moralne („Syn marnotrawny” i „Astraea opuszcza ziemię”, lata 60. XVII w.). Idee stoicyzmu są szczególnie wyraźnie wyrażone w tym ostatnim. Bohaterami dzieł Róży są Diogenes, grecki filozof-cynik; Św. Paweł Eremita, pustelnik, święty chrześcijański, pierwszy z pustelników Egiptu, który w imię refleksji wybrał samotne życie; Demokryt, największy starożytny logik, poprzednik Arystotelesa.
Odyseusz i Nausicaa
Demokryt i Protagoras Rosa próbują filozoficznie zrozumieć historię w obrazach „Śmierć Atiliusza Regulusa” i „Spisek Katyliny” oraz rycinach „Belizariusz” i „Laomidont”. Zwraca się ku obrazom legendarna historia(„Saul u czarownicy z Endor”), tworzy cykl rycin „Capricci” (1656) i wreszcie pisze swoje słynne płótno „Prometeusz”, pełne głębokich myśli o zemście za cnotę i niesprawiedliwość świata.
Prometeusz Obraz „Sen Eneasza” jest ściśle powiązany z tematyką rzymską.
„Sen Eneasza” Nowy Jork. Metropolita. Róża nadaje filozoficzne znaczenie moralistyczne historycznemu obrazowi gatunkowemu „Aleksander Wielki i Diogenes”. Biedny stoicki filozof, który odważył się powiedzieć największemu z generałów: „Odsuń się i nie zasłaniaj mi słońca!”, wygląda jak ekscentryczny starzec, który wdał się w rozmowę z potężnym wojownikiem.
„Syn marnotrawny” 1651-55
Olej na płótnie, 254 x 201 cm.
Państwowe Muzeum Ermitażu. Sankt Petersburg.
Obraz Syn marnotrawny należy do arcydzieł artysty. W dziele tym Salvator Rosa jawi się jako jeden z najbardziej oczywistych i oryginalnych spadkobierców karawagizmu, który już w tym okresie stopniowo tracił swoją pozycję.
W późniejsze lata Salvator Rosa stworzył w swoim życiu wiele rysunków. Są wśród nich karykatury osób, które odwiedzały jego dom, romantyczne wizerunki jego samego, napływy fantazji – reprodukcje postaci z cyklu Capricci, często przenoszone do obrazy. Po 1664 roku Róża nie zajmowała się już grawerowaniem ze względu na gwałtownie pogarszający się wzrok.
W 1668 roku na kolejnej wystawie w dniu San Giovanni Decolato Salvator Rosa wystawił obraz Duch Samuela, wezwany do Saula przez Czarodziejkę z Endor. Dramatyczna fabuła w malarstwie gatunku „wysokiego” nabrał w interpretacji artysty satyrycznej, wręcz farsowej interpretacji.
„Pojawienie się cienia proroka Samuela królowi Saulowi” 1668
Olej na płótnie, 275 x 191 cm.
Żaluzja. Paryż. Salvatore Rosa zmarł 15 marca 1673 roku w Rzymie na puchlinę. Przed śmiercią artysta poślubił swoją kochankę Lukrecję, z którą mieszkał przez wiele lat i wychował dwóch synów.
„Lukrecja jako poezja” 1640-1641
Olej na płótnie 1040 x 910 cm.
Muzeum Sztuki Wadsworth Ateneum. Znaczący wpływ na rozwój miał HartfordMajor włoski mistrz baroku Salvator Rosa Malarstwo włoskie. Pod wpływem jego sztuki ukształtował się talent Magnasco, Ricciego i wielu innych mistrzów. Sztuka Salvatore Rosa inspirowała także malarzy epoka romantyczna.
„Pitagoras i rybak” 1662
Olej na płótnie, 132 x 188 cm.
Muzeum Narodowe. Berlin
„Skalisty krajobraz z myśliwym i wojownikiem” ok. 1670
Olej na płótnie, 142 x 192 cm.
Żaluzja. Paryż
Krajobraz z Merkurym i Nieuczciwy Drwal
86.
„Bohaterska bitwa” 1652-64
Olej na płótnie, 214 x 351 cm.
Żaluzja. Paryż
Anioł wyprowadza św. Piotra
Diogenes wyrzuca swój kubek do picia. 1651
„Jazon urzeka smoka” wersja 2
„Krajobraz wieczorny” 1640-43
Olej na płótnie, 99 x 151 cm.
Prywatna kolekcja
„Krajobraz rzeczny z Apollem i Sybillą” ok. 1655
Olej na płótnie, 174 x 259 cm.
Kolekcja królewska. Windsor
„Jason urzeka smoka”, ok. 1665-1670
Muzeum sztuki piękne. Montreal
„Wojownik” Olej na płótnie
Galeria Uniwersytecka w Sienie
„Portret filozofa” Olej na płótnie, 119 x 93 cm.
Prywatna kolekcja
„Pitagoras wychodzi z podziemi” 1662
Muzeum Sztuki Kimbel w Teksasie Fort Worth
„Diogenes odrzucający swój kielich”, lata pięćdziesiąte XVII wieku
Olej na płótnie, 219 x 148 cm.
Prywatna kolekcja
Heraklit i Demokryt
Autoportret Salvatora Rosy
„Jason urzeka smoka”
Demokryt
Będąc mistrzem XVII wieku, Salvator Rosa w swojej twórczości był w stanie głęboko ujawnić jedną z głównych cech estetyki baroku - syntezę tragizmu i komizmu. W satyrach i na płótnach opowiadał o obrazie prawdziwego „teatru życia” swojej epoki, sprawiał, że czytelnicy i widzowie poczuli głębię swojego daru dramatycznego i wrodzoną subtelną ironię w ocenie niedoskonałości życia.
Na podstawie książki E.D. Fedotova „Salvator Rosa” (seria „Mistrzowie malarstwa. Artyści zagraniczni") http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=568
Salwator Róża
http://art-line.co.ua/baroque/italian_baroque/
W 1615 roku w domu geodety i architekta Vitantonio Rosy w małym miasteczku Arenella pod Neapolem urodził się chłopiec. Nazwali go Salwator. Z okien zrujnowanej posiadłości Casaccio roztaczał się wspaniały widok na Neapol i wulkan Wezuwiusz. Wokół wioski znajdowało się wiele miejsc, które urzekały swoim pięknem: wysoka skała San Elmo, twierdza Borgo di Arenella, zbudowana za panowania Karola V, wzgórza Vomero i Posilipo, wyspa Capri, wybrzeże Zatoka Neapolitańska z czystymi, błękitnymi wodami. Wszystkie te obrazy znajdą później pełne odzwierciedlenie w obrazach Salvatora Rosy. Z wczesne lata Przyszły artysta próbował uchwycić na małych kawałkach papieru ekscytujące go obrazy natury.
Widząc u syna pragnienie wiedzy, nauki i sztuki, rodzice postanowili zapisać go do Kolegium Jezuickiego Zgromadzenia Somasca, mieszczącego się w Neapolu. Tam Salvator Rosa otrzymał różnorodne wykształcenie: studiował literatura klasyczna, studiował gramatykę, retorykę, logikę. Między innymi otrzymałem edukacja muzyczna, nauczył się grać na harfie, flecie, gitarze, a nawet próbował komponować dzieła muzyczne(znane są napisane przez niego serenady-doncelle). Niektóre serenady były tak popularne wśród Neapolitańczyków, że śpiewali je dzień i noc pod oknami swoich kochanków.
Po pewnym czasie Salvator Rosa opuszcza uczelnię i wraca do rodzinnego miasta Arenella, gdzie spotyka lokalnego artystę Francesco Fracanzano, byłego ucznia niezwykle popularnego wówczas hiszpańskiego mistrza malarstwa Jusepe Ribera. Salvator po obejrzeniu obrazów Francesco wykonał ich kilka kopii, za co należą mu się pochwały ze strony Fracanzano, który dostrzegł w młodym człowieku talent prawdziwego artysty i poradził mu, aby poważnie zajął się malarstwem.
Od teraz Rosa dużo rysuje. W poszukiwaniu nowych obrazów wyrusza w podróż po górach Abruzji. W tym czasie pojawiają się krajobrazy przedstawiające doliny Monte Sarkio wygasły wulkan, groty Palignano, jaskinie Otranto, a także ruiny starożytnych miast Canusia i Brundisia, ruiny łuku i amfiteatru Benevento.
Tam, w górach Abruzji i Kalabrii, młody artysta spotkał włóczęgów-rozbójników, wśród których byli tacy, którzy zostali wyrzuceni ze społeczeństwa „szanowanych” ludzi za kochające wolność i odważne myśli. Pojawienie się tych bandytów tak zszokowało Salvatora, że postanowił uwiecznić ich w swoim albumie. Ich wizerunki zostały następnie wykorzystane w późniejszych kompozycjach dojrzałego już mistrza (tu wypada przypomnieć rycinę z suity Capricci, która ukazuje pojmanie młodzieńca przez zbójców na czele z wodzem), znalazły także swoje odzwierciedlenie w malarstwie przedstawiające sceny batalistyczne.
Wyjazd był owocny i znaczący dla rozwoju twórczości krajobrazowej młodego malarza. Podczas swoich podróży wykonał wiele szkiców widoków włoskiej przyrody.
Przeniesione na obrazy pejzaże te są niezwykle realistyczne, żywe i naturalne. Wydaje się, że przyroda zasnęła tylko na chwilę. Wydaje się, że za sekundę wszystko ożyje, powieje lekki wiatr, drzewa się zakołyszą, ptaki zaćwierkają. W krajobrazach leży Róża ogromna siła, specjalne wyrażenie. Postacie ludzi i budynków, tworząc jedną całość, harmonijnie łączą się z obrazami natury.
Pierwsza wystawa Salvatora Rosy odbyła się w Neapolu. Jednym z tych, którzy zauważyli i docenili twórczość młodego artysty, był słynny mistrz monumentalne malarstwo Giovanni Lanfranco, który na wystawie kupił dla siebie kilka krajobrazów.
W połowie lat 30. XVII wiek Salvator Rosa przenosi się do Rzymu, stolicy światowej sztuki pięknej, gdzie króluje barok i klasycyzm. To właśnie w Rzymie Rosa zapoznała się z twórczością takich wielkich mistrzów malarstwa jak Michał Anioł, Rafael, Tycjan, Claude Lorrain. Ich styl pisania w dużym stopniu wpłynął na rozwój metody twórczej oraz techniki artystycznej i wizualnej Rosy. Najbardziej widać to na obrazach z pejzaże morskie. Tym samym „Seaport” został napisany w najlepszych tradycjach C. Lorraina. Młody artysta idzie jednak dalej niż nauczyciel. Jego pejzaż jest naturalny i konkretny: idealne, wręcz abstrakcyjne obrazy Lotaryngii zastępują tu postacie zwykłych rybaków z Neapolu.
Kilka miesięcy później ciężko chora Rosa opuszcza bujną i piękną stolicę Włoch. Wrócił dopiero w 1639 r. Latem tego roku w Rzymie odbył się karnawał, podczas którego Róża występowała jako podróżująca aktorka pod postacią Coviello (plebejusza, który nie pogodził się ze swoim losem). A jeśli inny Coviello starał się jak najbardziej upodobnić do prawdziwych chłopów, to Rosa doskonale zagrała jego maskę, komponując cały spektakl i pokazując mu śpiewającego i grającego na gitarze, pogodnego, nie zniechęconego żadnymi okolicznościami i przeciwnościami życia młody człowiek. Akcja karnawałowa odbyła się na Piazza Navona. Salvator Rosa z małą grupą aktorów odjechał wozem bogato ozdobionym kwiatami i zielonymi gałązkami. Sukces Rose był ogromny. Po zakończeniu karnawału wszyscy zdjęli maski. Wyobraź sobie zdziwienie otaczających go osób, gdy odkryto, że pod postacią chłopa ukrywał się nie kto inny jak Salvator Rosa.
Potem Rosa zdecydowała się zająć aktorstwem. Niedaleko Porta del Popolo, w jednej z pustych willi, otwiera własny teatr. Treść spektakli wystawianych pod kierunkiem Rozy nie jest znana krytykom i historykom sztuki. Są jednak fakty, które mówią same za siebie: po premierze spektaklu, w którym aktorzy naśmiewali się z teatru dworskiego pod kierunkiem słynnego wówczas architekta i rzeźbiarza Lorenza Berniniego, ktoś wynajął dla Rosy zabójców. Czyhali na niego w pobliżu jego domu. Na szczęście do zamachu nie doszło – młody człowiek przeżył. Jednakże w związku z tymi okolicznościami zmuszony był ponownie opuścić Rzym.
Odpowiadając na zaproszenie kardynała Giovanniego Carlo Medici, Rosa udaje się do Florencji. Tutaj artysta tworzy słynny „Autoportret”.
Płótno wyróżnia się wyjątkowym wykonaniem. Młody mężczyzna przedstawiony na portrecie wydaje się nieco kanciasty. Wyczuwa się w nim jednak żywiołową energię, niezwykłą siłę woli i determinację. Na obrazie młody mężczyzna opiera się o tablicę, na której widnieje łaciński napis: „Avt tace, Avt Loqver meliora Silentio” („Albo milcz, albo powiedz, co jest lepsze od milczenia”). Napis ten brzmi jak przemyślane całe dzieło sztuki i zarazem credo ukazanego na płótnie młodzieńca (a więc i samego malarza).
Artysta po mistrzowsku opanował grę światła i cienia. Wyrazistość obrazu osiąga się właśnie dzięki efektowi cienia, który ostro, a czasem nawet nieoczekiwanie zamienia się w jasne plamy.
To nie przypadek, że postać młodego mężczyzny znajduje się na tle wieczornego nieba: wizerunek dumnego, niezależnego młodzieńca w ciemnych ubraniach wyróżnia się na jasnym tle, dzięki czemu staje się bliższy i bardziej zrozumiały dla widza .
W tym samym duchu powstały słynne satyry Rosy, wśród których szczególne miejsce zajmują „Poezja”, „Muzyka”, „Zazdrość”, „Wojna”, „Malarstwo”, które stały się swoistym hymnem młodego pisarza i artysty . Autorka mówi tu, że malarze, będący sługami jednej z sióstr sztuki – twórczości artystycznej i wizualnej, powinni dobrze znać historię, etnografię i nauki ścisłe. Styl Rose w poezji, a także w malarstwie objawił się w całości. Jego wiersze są energetyczne, porywcze, emocjonalne, a miejscami zbyt niegrzeczne i ostre. Stanowią swoisty kontrast dla wytwornego i sztucznie teatralnego sposobu konstruowania i brzmienia form poetyckich, jaki rozwinął się wówczas w literaturze.
Salvator Rosa przebywał we Florencji do 1654 roku. Jego dom, według wspomnień współczesnych, był miejscem, w którym najliczniej sławni ludzie: poeta R. Giambatisti, malarz i pisarz F. Baldinucci, naukowiec E. Torricelli, profesor Uniwersytetu w Pizie G. B. Ricciardi.
Jedną z głównych idei sztuki baroku było „uczyć widza lub czytelnika dyskretnie, uczyć poprzez piękno”. Kierując się tą niepisaną zasadą artyści tworzyli płótna, których oglądanie wywoływało u widza bardzo specyficzne skojarzenia, wywołujące obrazy. bohaterowie literaccy. I odwrotnie, zdaniem pisarzy epoki baroku, dzieło poetyckie powinno być takie, aby po jego przeczytaniu przed oczami czytelnika pojawiały się obrazy malownicze, jasne i kolorowe.
Twórczość Salvatora Rosy jest początkowym etapem powstawania i rozwoju nowej formy malarskiej - malarstwa pejzażowego. W tak skonstruowanych pracach łączą się elementy realnie istniejące w życiu codziennym z tymi, które są fikcyjne.
W 1649 roku Salvator Rosa opuścił Florencję i udał się do Rzymu, gdzie osiadł na Monte Pincio, mieszczącym się na Piazza della Trinita del Monte. Z okien domu roztaczał się wspaniały widok na Katedrę Św. Piotra i Wzgórze Kwirynalskie. Obok Rose mieszkali znani artyści tamtych czasów, Nicolas Poussin i Claude Lorrain, a niedaleko domu malarza znajdowała się Villa Medici.
Od czasu pojawienia się Salvatora Rosy we Florencji mieszkańcy ulicy Monte Pincio podzielili się na dwa obozy. Jedną z grup przewodził ascetycznie wyglądający młody człowiek, Nicolas Poussin. Kolejna, w której były znani muzycy, śpiewaków i poetów, na czele z Rose.
Salvator Rosa zamienił jedno z pomieszczeń swojego domu w warsztat. Jego ściany zdobiły oryginalne dzieła artysty. Mistrz nieustannie pracował, tworząc płótna o różnej treści: religijnej, mitologicznej i tematy historyczne. Jego credo to ciągła praca, doskonalenie technologii. Wszystkim mówił, że” gorączka gwiazd„(jak powiedzieliby teraz nasi współcześni) może zniszczyć nawet najsilniejszy i najzdolniejszy talent. Dlatego nawet po zdobyciu przez mistrza sławy i powszechnego uznania należy nadal pracować nad sobą i swoimi dziełami.
W późny okres Twórczość Salvatora Rosy często porusza tematy biblijne i starożytne. Dla artysty najważniejsze okazuje się tutaj oddanie samego ducha tamtych czasów i ich cech. Mistrz próbuje niejako ożywić, przywrócić do życia wszystko, co istniało na długo przed tymi, których życie było źródłem bajecznie pięknych i pouczających historii.
Jest ich wystarczająco dużo znane obrazy„Sprawiedliwość zstępująca do pasterzy” (1651), „Odyseusz i Nausicaa”, „Demokryt i Protagoras” (1664), „Syn marnotrawny”.
Obraz „Sprawiedliwość zstępująca do pasterzy” został namalowany na podstawie słynnej fabuły „Przemian” Owidiusza. Na płótnie widz widzi boginię Sprawiedliwości, która daje pasterzom miecz i wagę sprawiedliwości. Główną ideę obrazu można zdefiniować następująco: prawdziwa sprawiedliwość jest możliwa tylko wśród zwykłych ludzi.
„Odyseusz i Nausicaa”, „Demokryt i Protagoras” Salvator Rosa pisał po przybyciu z Wenecji, gdzie zapoznał się z malarstwem malarzy weneckich (m.in. Paolo Veronese, w którego najlepszych tradycjach powstały powyższe dzieła).
W filmie „Syn marnotrawny” fabuła w porównaniu z ewangeliczną przypowieścią okazuje się nieco uproszczona i przyziemna. Bohater ukazany jest zatem jako prosty wieśniak z Neapolu. Tu też nie ma bujnej okolicy: syn marnotrawny zwraca się do Boga w otoczeniu baranów i krów. Ogromny rozmiar płótna przedstawiającego nieco zmodyfikowaną scenę wywołuje poczucie kpiny i sarkazmu na temat tego, co w społeczeństwie uważane jest za dobry gust. Róża jawi się tu jako kontynuatorka idei realizmu, których kształtowanie się rozpoczyna się od twórczości Michała Anioła da Caravaggia.
W 1656 roku Salvator Rosa rozpoczął pracę nad cyklem składającym się z 72 rycin, zwanym „Capricci”. Wizerunki na tych arkuszach to chłopi, rabusie, włóczędzy, żołnierze. Niektóre szczegóły rycin są charakterystyczne dla wczesnych prac Rosy. Sugeruje to, że być może w cyklu znalazły się szkice powstałe w dzieciństwie, a także podczas podróży w Góry Abruzji i Kalabrii.
Wielki mistrz malarstwa, poeta, wspaniały aktor i reżyser przedstawień dramatycznych zmarł w 1673 roku.
Imię Róży owiane jest legendami. Był osobą pełną pasji i wszechstronnie utalentowaną, interesującą się nie tylko malarstwem i grafiką, ale także poezją, muzyką, śpiewem i sztuką dramatyczną. W swojej twórczości poetyckiej wyrażał refleksje nad życiem, wzniosły stosunek do sukcesu i uznania, do relacji ze szlachetnymi klientami, do twórczej niezależności, którą cenił ponad wszystko. O odwadze poglądów Rosy świadczy fakt, że jego satyry zostały później zakazane przez cenzurę watykańską. Równie jasne i odważne jak na tę epokę było malarstwo Rosy, w którym wyrażał idee filozoficzne, moralizujące. Słowa z jego satyry „Malarstwo”: „Książęta, mam ochotę krzyczeć, chociaż… przy was muszę milczeć i udawać” brzmią wyzywająco skierowane do przedstawicieli najwyższych kręgów, wobec których artysta, który zawsze bronił swojej godności, zachowywał się dość bezceremonialnie: ustalał wysokie ceny, odmawiał oddania dzieła lub wręcz przeciwnie, hojnie je podarował. Ze względu na drwiącą satyrę i ostrą alegorię obrazy Rose miała wielu wrogów.
Na odmowę przyjęcia go w poczet członków Akademii Rzymskiej św. Łukasza odpowiedział satyrą „Zawiść”, a na płótnie „Fortuna” (1658-1659, Londyn, Marlborough Gallery) przedstawił dary losu spływające na z róg obfitości, które nie trafiają do tych, którzy je otrzymują, ale do zwierząt, na których obrazach rozpoznało się wielu wpływowych ludzi. Ciągła ostra krytyka, a nawet uwaga Inkwizycji towarzyszyły mu przez całe życie.
Obrazy Rosy ukazywały jego wymagającą postawę życiową, ogromny temperament i miłość do życia. Urodził się w małej wiosce Arenella niedaleko Neapolu. W kolegium jezuickim studiował łacinę, historię, literaturę starożytną i włoską. Studiował malarstwo u swojego wujka A.D. Greco i trochę czasu w warsztacie Ribery. Od hiszpańskiego naśladowcy Caravaggia odziedziczył szeroki styl malarstwa z silnymi kontrastami światła i cienia, upodobanie do szorstkiego typu ludowego na płótnach o tematyce religijnej, mitologicznej i historycznej, w scenach „czarów” oraz wizerunkach zbójców i włóczęgów, co brzmiało jak wyzwanie dla wysokiej oficjalnej sztuki.
Jest informacja, że niezależna praca Rosa zaczynał od malowania małych pejzaży, które malował wędrując po górach lub żeglując łodziami rybackimi wzdłuż brzegów Zatoki Neapolitańskiej. Stale włączał te motywy do swoich dzieł. Krajobrazy i przystanie Rose przekazują cechy Neapolitańska przyroda: góry, skaliste brzegi, niekończąca się przestrzeń morska z żaglówkami, sylwetki wież i latarni morskich, postacie marynarzy i rybaków. Artysta nadaje mu romantyczny wygląd, wprowadzając wizerunki tajemniczych podróżników, włóczęgów, odzianych w płaszcze żołnierzy, przedstawiające stare budynki, górskie potoki, suche drzewa, ostre półki skalne, jaskinie.
Czasem, jakby próbując powiązać swoją sztukę z „wysokim” stylem klasycystycznym, wprowadza do swoich obrazów uszlachetniony sztafaż mitologiczny, malując w spokojny, malarski sposób, ze stopniowymi przejściami światła i cienia („Pejzaż z Apollem i Sybillą z Cumae ”, Londyn, Kolekcja Wallace’a). Wyrażając swoje filozoficzne refleksje, Róża często wprowadza do pejzażu postacie starożytnych mędrców: na obrazie „Gaj filozofów” (Florencja, Galeria Pitti) jego ulubiony bohater Diogenes wskazuje na chłopca pijącego wodę ze strumienia, wzywającego do wolności i jedność z naturą.
Do Rzymu, gdzie pragnący sławy artysta przybył około 1630 roku, otrzymał rozkaz od kardynała Brancacciego, jednak ukończone dzieło nie zakończyło się sukcesem. Ale jego nazwisko stało się znane dzięki satyrze napisanej na temat słynnego rzymskiego rzeźbiarza i architekta L. Berniniego. W odpowiedzi przyjaciele Berniniego wystawili sztukę, w której Rosa została przedstawiona jako początkująca i włóczęga. Artystę przed skandalem uratowało zaproszenie do posługi we Florencji u przyszłego kardynała J.K. Medycyna.
Od 1640 roku Róża spędziła w Toskanii około dziesięciu lat. Tutaj pozyskał wpływowych przyjaciół i mecenasów. Artysta żartobliwie nazywał krąg wykształconych ludzi odwiedzających jego dom „Akademią Posiniaczonych”. Był duszą rozmów i sztuk, które komponowano i odgrywano pod postacią Pascariello. Na obrazie „Portret mężczyzny” (lata czterdzieste XVII w., Petersburg, Państwowe Muzeum Ermitażu) Rosa mogła przedstawić siebie na obrazie Pascariello. To obraz żywego, ironicznego, inteligentna osoba zupełnie jak artysta. Z okresu pobytu we Florencji datuje się także „Autoportret” (ok. 1645, Londyn, National Gallery). Róża malowała się w płaszczu zarzuconym na ramię, z twarzą pełną goryczy i gniewu. Łaciński napis brzmi: „Albo milcz, albo powiedz, co jest lepsze od milczenia”. Najwyraźniej oddaje nastrój tamtych lat, który przekazują także satyry.
W okresie florenckim wykonywano także sceny „bitew” (Bitwa chrześcijan z Turkami, ok. 1640, Florencja, Galeria Pitti), które artysta często wykorzystywał w malarstwie. Te barokowe kompozycje przekazują nie konkretne wydarzenie, ale dynamikę i patos walki. Postacie wojowników i koni łączą się w duże poruszające się masy. Zacięta walka toczy się na tle krajobrazu wyimaginowanych miast z wieżami fortec. Atmosfera światła i powietrza została namalowana ze wspaniałym kunsztem, nadając jedność planom i miękkości przejść światła i cienia, które podkreślają klarowność form plastycznych. Wyrazistość tych dużych płócien nadaje także rozwój tonalny kilku, ale bogate kolory. „Bitwy” nie przedstawiają prawdziwych wydarzeń historycznych, ale niosą ze sobą echo epoki pełnej przemocy, rozlewu krwi i okrucieństw. „Trzeba zaopatrzyć się w buty, bo wszystko jest zalane złem, wszędzie jest krew…” – pisał artysta w satyrycznej „Wojnie”.
Konspiracje i powstania biedoty w Neapolu za czasów Róży były żywą historią. Góry zostały zalane zbiegłymi rebeliantami, rabusiami, gotowymi wesprzeć bunt przeciwko Hiszpanom, którzy dominowali w Królestwie Neapolu. Rosa wprowadziła do swojej twórczości wizerunki tych ludzi; ten sam typ można znaleźć w serii rycin artysty Capricciego. Być może w młodości, podróżując po górach, spotkał tych ludzi. Na płótnie „Żołnierze grający w kości” (lata 50. XVII w., Moskwa, Muzeum Państwowe sztuki piękne ich. JAK. Puszkina) postacie są wpisane w pejzaż, z górami lub wirującymi chmurami, gesty są tajemnicze i teatralne, a sceny wyglądają jednocześnie bardzo realistycznie i fantastycznie, pełne romantycznego uniesienia.
Już w młodości artystę pociągało przedstawianie scen czarów, których początków należy doszukiwać się nie tyle w rozpowszechnionych od średniowiecza ulicznych misteriach i karnawałowych wróżbach, ile w zainteresowaniu typ ludowy związany z tymi zjawiskami. Takie kolorowe typy przyciągały wielu mistrzów, którzy odziedziczyli tę tradycję od Caravaggia. Motyw stare sceny Rose używała czarów w obrazach „wysokiego” gatunku historycznego. Obraz „Saul u Czarodziejki z Endor” (Luwr) przedstawia przestraszonego króla Saula, który owinięty całunem upadł u stóp groźnego proroka Samuela, wezwanego z grobu przez czarodziejkę. Szkielet złowieszczo zamarł w niesamowitym śmiechu - obraz nieuchronnej, przerażającej śmierci. Historia biblijna Róża interpretuje groteskowo, pozbawiająco malarstwo historyczne patos „wysokiego stylu”. Kpi z przesądów i uprzedzeń swoich czasów, co stanowi śmiałe wyzwanie rzucone kręgom oficjalnym.
Wpływ Salvatora Rosy na czasy współczesne sztuka włoska był bardzo znaczący. Miał wielu naśladowców, którzy naśladowali jego styl. Wielu europejskich mistrzów romantyzmu także widziało w Róży swojego poprzednika.
Elena Fedotowa
Niezastosowanie się do tych zasad może skutkować usunięciem pobranych plików, karami za pobieranie i blokadą.
Przesyłanie obrazów na stronę w dziale Obrazy artystów:
1
. Zawsze przestrzegaj składni nazwiska autora - NAZWA- Następnie NAZWISKO
Przykład - Tomasz Kinkade- Prawidłowy, Kinkade Thomas
- Zło
Przykład - Iwan Szyszkin
- Prawidłowy, Szyszkin Iwan
- zło
Sprawdź pisownię nazwisk artystów na WIKIPEDIA.org
2 . W imieniu rosyjskich artystów nie ma potrzeby podawania drugiego imienia artysta
3
. Statystyki pobierania/wysyłania na stronie obowiązują tylko w dziale Obrazy artystów
Poza tą sekcją Pobieranie/Przesyłanie – bez ograniczeń
4 . Wszystkie zdjęcia są moderowane przez administratora.
5 . Proszę, nie pobieraj do strony internetowej obrazy w ramach, przed wypełnieniem usuń ramki obrazów w programie Photoshop
6 . Dozwolone jest zamieszczanie obrazów na stronie za zgodą co najmniej 4 MP
7 . Zdjęcia, które przeszły moderację, są publikowane na stronie o godzinie 22.00 czasu moskiewskiego.
8 . Administrator nie jest mile widziany obrazy ze zbiorów Shutterstock, Fotolia, obrazy nieznanych artystów, a także fotografie amatorskie.
9 . Administrator zastrzega sobie prawo do pozbawienia użytkownika pobrań za celowe oszustwo, spam i trolling.