1656 (Muzeum Prado, Madryt). Z języka hiszpańskiego tytuł obrazu w tłumaczeniu oznacza „druhny” i przedstawia pracownię artysty w królewskim pałacu Alcazar w Hiszpanii. Pięcioletnia infantka Margarita wraz ze świtą przyszła zobaczyć, jak Velazquez maluje portret jej ojca Filipa IV i matki królowej Marianny (ich sylwetki widać w lustrze). Infantkę otaczają damy dworu, krasnoludek, krasnoludek, zakonnica, dworzanin i pies. Rozmiar dzieła wynosi 318x276 cm, co dało Velazquezowi możliwość namalowania postaci o wysokości człowieka.
„Nie jesteśmy widzami, jesteśmy uczestnikami akcji”
Marina Khaikina, krytyczka sztuki:„Velázquez wpadł na pewien trik: przeniósł postacie pary królewskiej z przestrzeni iluzorycznej do przestrzeni rzeczywistej, a widzów – odwrotnie. Właściwie, gdzie są król i królowa i gdzie my, publiczność? Na zewnątrz płótna czy w jego wnętrzu? To na nas wzrok krasnoluda jest skierowany, a sam Velasquez spogląda w naszą stronę. Pies węszył, jakby wyczuł obecność obcych osób, co oznacza, że nas zauważyli, wiedzą o naszej obecności, wiedzą, że są obserwowani. Ta wartość widza dla artysty, rozmowa z nim, jest w tym obrazie najważniejsza. Velazquez „wpuścił” widza w malarstwo, a to odkrycie zmieniło całe pojęcie sztuki. Gdyby nie było „Las Meninas”, nie byłoby Goi, Cezanne’a, Magritte’a, nie byłoby sztuka XIX wieku i w ogóle XX w.
Velázquez wprowadził także do malarstwa nowy wymiar – czas. Wszystko, co dzieje się na obrazie, dzieje się tylko tu i teraz i zakończy się sekundę później. Infantka przyjmie napój z rąk druhny, marszałka nadwornego, który zamarł, odwracając się, w przejściu, zniknie, a zaraz po nim wyjdą król i królowa... Artysta pozwolił nam , publiczność, aby uchwycić ten moment, uchwycić ruch czasu. Przyglądamy się temu, co dzieje się w warsztacie. Ale artysta też patrzy. Jest tu zarówno przedmiotem obserwacji, jak i jej podmiotem. Dla mnie „Las Meninas” to obraz o sztuce malarskiej i złudzenie optyczne, a także o znaczeniu sztuki. Czy możesz sobie wyobrazić, jak bardzo Velázquez cenił swoje rzemiosło, że odważył się umieścić na obrazie autoportret wraz z członkami rodziny królewskiej? I to – w warunkach rygorystycznej etykiety i ścisłej hierarchii hiszpańskiego dworu! W oczach ówczesnej publiczności oznaczało to najwyższe uznanie”.
„Kreatywność pokonuje kazirodztwo”
Andrey Rossokhin, psychoanalityk:„Przede wszystkim obraz budzi we mnie niepokój ze względu na ciemne tło, które zajmuje dużo miejsca. Czuję się nawet beznadziejnie. Wydawałoby się, dlaczego, ponieważ Velazquez oferuje nam tak jasny, spokojny obraz słodkiej rodziny z młodą, kwitnącą infantką w centrum. Artysta maluje portret króla Filipa IV z żoną, a dziewczyna patrzy na swoich rodziców. Dlaczego Velazquez zdecydował się przedstawić ich w ten sposób?
Trudno zrozumieć niepokój, nie znając szczegółów tej historii. Faktem jest, że Filip poślubił swoją 15-letnią siostrzenicę, która była jednocześnie narzeczoną jego nagle zmarłego syna. Oznacza to, że król wszedł w kazirodczy związek. Dzieci urodzone w tym małżeństwie szybko zmarły, a Infantka Margarita była wówczas ich jedynym dzieckiem. I bez względu na to, jak dumnie stoi, rozumiemy, że ojciec nie potrzebuje jej, ale syna, dziedzica. Velazquez, którego pracownia mieściła się w pałacu królewskim, doskonale wyczuwał tę atmosferę grozy i beznadziejności związaną z kazirodztwem i karą za nie. I może dlatego nieświadomie przedstawił parę królewską nie razem ze wszystkimi, ale odbicie w lustrze.
Mamy przed sobą rodzinę, na którą nie można patrzeć bezpośrednio. Kazirodztwo jest tak okropne, że możemy przeżyć tylko wtedy, gdy spojrzymy na naszych współmałżonków przez lustro.
Wrażenie to potęguje obecność psa, który niczym sfinks leży nieruchomo i z zamkniętymi oczami, mimo że krasnolud kopie go nogą – jakby rzeczywiście był skamieniały.
Odbicie tej ukrytej grozy widzę w dziewczynie, która zaczyna odczuwać swoje dorastanie, swoją wagę, ale jest skazana na to, że podobnie jak jej matka stanie się ofiarą kazirodztwa (co też się stało: później wyszła za mąż za wujka). I w tym sensie więź łącząca dziewczynę z marszałkiem Don Jose Nieto, który stoi w drzwiach, jest bardzo ważna. Jako jedyni na zdjęciu ukazani są w jasnym świetle, co podkreśla ich więź. Mężczyzna wydaje się wisieć nad dziewczyną i zdominować ją. Nie będzie jej mężem, ale jego wygląd i postawa zapowiadają jej los. Na koniec moją uwagę przykuwa sam artysta, Velazquez. Jego sylwetka w dużej mierze dominuje na zdjęciu; ma bardzo dumny, żywy wygląd. Wydaje się, że swoim udziałem przełamuje atmosferę kazirodztwa, wprowadzając do tego obrazu element twórczy (zdrowy). Nie jest od razu jasne, czy przedstawiają dwa obrazy wiszące w tle, Atena i Apollo, którzy karzą tych, którzy odważyli się z nimi konkurować w sztuce. Okazuje się, że Velazquez jest tak pewny siebie, że rzuca wyzwanie bogom Olimpu. Oznacza to, że z jednej strony artysta opowiada o losach dynastii, która ginie, bo rzuciła wyzwanie ludzkiej naturze i jej społecznym zakazom. Z drugiej strony on sam rzuca wyzwanie bogom. A kreatywność zwycięża. Ponieważ rodzi to, co naprawdę żyje, w przeciwieństwie do kazirodczych związków.
Diego Velazqueza(1599–1660), wybitny portrecista hiszpański, przedstawiciel Złotego Wieku malarstwo hiszpańskie.
Nadworny malarz króla Filipa IV Diego Velazquez ukończył prace nad obrazem „Las Meninas” w 1656 roku. Historycy sztuki wciąż spierają się o to, jaką scenę przedstawił artysta. Paul Lefort uważa zatem, że płótno nie ma żadnej fabuły i jest czymś w rodzaju natychmiastowej fotografii. Znacznie powszechniejsze są dwa inne punkty widzenia. Według pierwszej Velazquez przedstawił moment pracy nad portretem hiszpańskiego króla i królowej, kiedy do warsztatu weszła ich córka, infantka Margarita. Według innej, modelką artystki była sama infantka, a jej dostojni rodzice przyjechali z wizytą do córki. Istnieją również interpretacje filozoficzne. Zatem Walter von Loga zauważa w spojrzeniu artysty pełen oddania szacunek dla swego koronowanego mistrza.
Wersja Aleksandra Jakimowicza jest dokładnie odwrotna, wierząc, że płótno jest manifestem wolności artysty od wszelkich pałacowych konwencji i ograniczeń. Ale najciekawsze wyjaśnienie fabuły „Las Menin” należy do Władimira Kemieniewa, który uważał, że Velazquez przedstawił obraz w obrazie. Pisze „Las Meninas”, tak jak pisze „Las Meninas”, zgodnie z odbiciem w lustrze. Jest ku temu kilka powodów.
.jpg)
1. Infantka Margherita- pięcioletnia córka hiszpańskiego króla Filipa IV i królowej Marii Austrii. Jest mało prawdopodobne, aby Velazquez była obecnie zajęta swoim portretem – ogromne płótno, na którym pracuje artystka, w żadnym wypadku nie nadaje się do przedstawienia małej dziewczynki. Tylko jeden z jego obrazów, „Las Meninas”, ma takie wymiary (około 3 x 3 m).
2. Lustro. Odzwierciedla rodziców infantki Margarity. Podważać można także wersję, którą pozują artyście – nie ma ani jednego dowodu na istnienie takiego portretu pary. Król i królowa zawsze byli zapisywani osobno. Tak, znowu rozmiar płótna na obrazie nie nadaje się do takiej pracy.
3. Diego Velazqueza to jedyny autoportret artysty, jaki do nas dotarł.
4. Klucze na pasku Velazqueza widnieje znak, że zajmuje on pozycję pałacową: artysta odpowiadał za otwieranie i zamykanie drzwi.
5. Krzyż Zakonu Rycerskiego Santiago zdobi pierś Velazqueza. Wiadomo, że Velazquez gorąco pragnął zostać pasowany na rycerza. Jego marzenie spełniło się trzy lata po zakończeniu „Las Menin”, a artysta specjalnie namalował na swojej koszulce czerwony krzyż. Zarówno klucze przy pasie, jak i odznaka rozkazowa podają w wątpliwość wersję jakoby Velazquez zbuntował się przeciwko moralności pałacowej.
6. Meniny. Młode dziewczęta-druhny nazywano meninami. Po prawej stronie Doña Isabel de Velasco, po lewej Doña Maria Agustina de Sarmiento.
7. Obrazy na przeciwległej ścianie korytarza. Po prawej stronie „Apollo obdzierający Marsjasza ze skóry”, po lewej „Atena i Arachne”. W obu historie mitologiczne mówi o tym, jak bogowie olimpijscy karali śmiałych śmiertelników, którzy postanowili z nimi konkurować sztuki piękne. Velazquez przedstawia siebie na tle tych obrazów w chwili natchnionej pracy. Według zwolenników Jakimowicza w ten sposób kontrastuje on z bohaterami mitologii i podkreśla prawo artysty do całkowitej wolności bez żadnych ograniczeń – zarówno niebiańskich, jak i ziemskich. Zgadzamy się, że nie pasuje to dobrze do poglądu na Velazqueza jako na podmiot służalczy.
8. Dzbanek. Jeśli królewskie dziecko chciało się napić, to zgodnie z etykietą paź przyniósł mu naczynie z wodą. W naszym przypadku jest to Doña Maria. Klęka na jedno kolano i podaje Margaricie srebrną tacę, na której stoi mały dzbanek z czerwonej gliny Bucaro.
9. Duenna(mentor) infantki Doña Marcela de Ulloa. Na znak żałoby po zmarłym mężu nosi strój półklasztorny.
10. Guardadamas- dworzanin pełniący funkcję honorowej eskorty pań.
11. Don José Nieto Velazquez- być może krewny artysty, marszałek - starszy lokaj pałacu.
12. Maria Barbola- Ulubiony krasnoludek Infantki.
13. Nicolasito Pertusato- krasnolud błazen.
Paweł Worobiow. Strona księgi refleksji. „Dookoła Świata” nr 5 2012.
Analiza malarstwo XV – XIX wiek. Diego Rodriguez de Silva y Velazquez, „Las Meninas”
Plan
Utrzymywanie
2. Malarstwo ogólne Diego Velazqueza.
3. Określenie głównych cech dzieła „Las Meninas”. Fabuła obrazu, przynależność gatunkowa. Budowa przestrzeni obrazu. Cechy kompozycji. Cechy lekkiej struktury obrazu. Cechy struktury kolorystycznej obrazu. Ostateczna charakterystyka struktury plastyczno-figuratywnej, oryginalności semantycznej i treściowej tej pracy sztuka.
Wniosek
Wstęp
Obrazy znani artyści pozwólcie nam zanurzyć się w przeszłość, zrozumieć jak budowało się życie, jak żyli i wyglądali ludzie wiele wieków temu. Co więcej, patrzymy na świat oczami człowieka tamtych czasów, co pomaga nam zanurzyć się w realia czasów starożytnych. Historię pod wieloma względami poznajemy dzięki obrazom, bo każdemu elementowi malarstwo mówi nam wiele. Zaglądamy w twarze, badamy szczegóły wnętrz, kostiumy i staramy się zrozumieć, co ci ludzie myśleli. Ale nie tylko fabuła obrazu pomaga nam zrozumieć istotę dawno minionej epoki.
Na czym jest namalowany obraz, czym namalował artysta, wybór rozwiązania kolorystyczne, perspektywa, gra światła i cienia mówi wiele, często więcej niż fabuła. Przecież charakter obrazu i charakter epoki odzwierciedlają charakter malarza, jego nastrój, jego stosunek do życia. Oznacza to, że uważny widz poczuje i zrozumie istotę czasu, w którym obraz powstawał. A potem wynik swoich obserwacji można porównać z własnymi wyobrażeniami na temat tamtego czasu. A obraz, który otrzymamy, potrafi zadziwić wyobraźnię. Przecież często nasze wyobrażenia o świecie nie mają nic wspólnego z rzeczywistością.
A teraz chcę udać się do XVII-wiecznej Hiszpanii. Do krainy czerwonego hiszpańskiego wina, brutalnych walk byków, namiętne flamenco. Naszym przewodnikiem będzie wspaniały Diego Rodriguez de Silva y Velazquez. Velazquez. Nadworny artysta dworu hiszpańskiego.
Nie sposób mówić o twórczości artysty w oderwaniu od epoki, od ówczesnego sposobu życia, zapominając o polityce i gospodarce kraju, od wszystkiego, co wpływało na światopogląd ludzi.
Trzon
1. Ogólna charakterystyka Malarstwo hiszpańskie XVII wieku.
Wiek XVII słusznie uważany jest za złoty wiek malarstwa hiszpańskiego. To właśnie w tym czasie urodziło się wiele wspaniałych nazwisk: El Greco, Pedro Antonio Vidal, Rodrigo de Villandrando, Jusepe Ribera, Jeronimo Jacinto de Espinosa, Nicholas de Villacis, Juan de Toledo i dziesiątki innych. Malarstwo hiszpańskiego Złotego Wieku, epoki baroku, stało się okresem największego rozkwitu Hiszpanii sztuki piękne. Hiszpańska badaczka sztuki Tatyana Kaptereva zauważa, co następuje: cechy charakterystyczne obrazy z tego okresu:
- przewaga wnikliwej obserwacji natury nad wyobraźnią artystyczną
- koncentracja uwagi na osobie, z wyłączeniem innych warstw postrzegania rzeczywistości (doprowadziło to do niedorozwój pejzaż i swoisty, pozawątkowy rozwój gatunku codziennego).
Wielu artystów i szkół malarskich pozwala nam wyraźnie prześledzić ogólne tendencje w malarstwie hiszpańskim w tym zakresie okres historyczny. Na szczególną uwagę zasługuje madrycka szkoła malarstwa hiszpańskiego, której przedstawicielem był Velázquez. I bez pochlebstw i służalczości możemy go nazwać królem „złotego wieku malarstwa hiszpańskiego”.
2. Ogólna charakterystyka malarstwa Diego Velazqueza.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (hiszp. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez) to hiszpański artysta, największy przedstawiciel złotej ery malarstwa hiszpańskiego. Urodził się na przełomie wieków, w 1599 roku, w Sewilli. Diego dość wcześnie odkrył swój talent malarski i w wieku 10 lat został skierowany na naukę do pracowni słynnego sewilskiego artysty Francisco Herrery Starszego. Wkrótce jednak ich ścieżki się rozeszły i rozpoczynając w grudniu, przez sześć lat odbywał praktykę u artysty Francisco Pacheco. Pacheco, człowiek szerokiej kultury i wszechstronnego wykształcenia, autor traktatu o sztuce malarstwa, wierny naśladowca Rafaela i Michała Anioła, który sam wykonywał znakomite portrety ołówkiem, był jego człowiekiem w kręgu intelektualnym Sewilli oraz wśród duchowieństwa, gdyż pełnił funkcję cenzora i znawcy malarstwa kościelnego w Świętej Inkwizycji w Sewilli. Szkoła malarstwa Academia Sevillana odzwierciedlała akademicki, oficjalny pogląd na prezentację tematów i obrazów religijnych. To właśnie w tej szkole młody Velazquez otrzymał swoją pierwszą nagrodę szkolenie techniczne i umiejętności estetycznych, w nim zaprzyjaźnił się z przyszłym rzeźbiarzem i malarzem Alonso Cano oraz sławnymi Malarz hiszpański Francisco de Zurbaran. A kilka lat później związał się ze swoim nauczycielem, poślubiając jego córkę. Była to doskonała pomoc dla młodego utalentowanego artysty i dała początek jego karierze.
Pierwsze obrazy autora pokazały, że świat znalazł genialnego mistrza pędzla. Gra światła na postaciach na pierwszym planie, uwydatnianie powierzchni i faktur w obrazie „Śniadanie”, obrazie „Nosiciel wody”, słynącym z efektów wizualnych. Obrazy Velascasa wyróżniają się także podkreślonym realizmem w przedstawieniu przedmiotów i wiernym oddaniem cech naturalnych, wzmocnionym kontrastowym oświetleniem postaci na pierwszym planie i gęstością pisma. Wszystkie prace wykonane są na ciemnym, często konwencjonalnym tle, pozbawionym głębi, pozostawiającym wrażenie duszności, w sposób lakoniczny i wyrazisty. Przy tym wszystkim należy zauważyć, że nie ma wątpliwości co do żywotności i autentyczności przedstawionych obrazów i scen. Ale już w wieku 20 lat Velazquez zdał sobie sprawę, że standardowy styl pisania i fabuła w tamtym czasie były dalekie od jego aspiracji. Pierwszym znakiem był obraz „Chrystus w domu Marii i Marty”. A obraz „Sprzedawca wody z Sewilli” przepełniony jest subtelnym erotyzmem, subtelnym, ale odważnym jak na tamte czasy. A dzięki talentowi i patronatowi Pacheco i hrabiego Gaspara de Guzman Olivares Velazquez został malarzem nadwornym na dworze hiszpańskiego króla Filipa IV. Przez wiele lat malował portrety dworzan, wysokich urzędników, dostojników kościelnych, a nawet papieża. Jako pierwszy podniósł portret do gatunku sztuki przedstawiającej, przychylnie prezentując te ukazane na płótnie. Ale pomimo tego, że Velazquez przez prawie 40 lat był malarzem nadwornym, odnalazł się w sztuce, pokazał światu piękno natury i jednocześnie stał się pierwszym Artysta hiszpański, który przedstawił akt kobiecy na obrazie „Wenus z lustrem”. Jednocześnie na zdjęciu nie ma najmniejszej wulgarności ani niegrzeczności, nie ma wulgarności. To prawdziwa sztuka, wielka i niezrównana.
3. Określenie głównych cech utworu „Las Meninas”. Fabuła obrazu, przynależność gatunkowa. Budowa przestrzeni obrazu. Cechy kompozycji. Cechy lekkiej struktury obrazu. Cechy struktury kolorystycznej obrazu. Ostateczna charakterystyka struktury artystyczno-figuratywnej, oryginalności semantycznej i treściowej danego dzieła sztuki.
Króla i królowej nie widać. Mają znajdować się poza obrazem, przed nim. Wskazuje na to ich niewyraźne odbicie w lustrze z tyłu pokoju. Ale na pierwszym planie zdjęcia uchwycone jest wszystko, co pojawia się w oczach pozujących. Artysta z pędzlem i paletą przygląda się swoim modelom, wyglądając zza sztalugi. Obok niego, na środku sali, stoi malutka infantka Margarita, którą przyprowadzono, aby zabawiać parę królewską podczas żmudnych sesji. Dwie damy stanu w hiszpańskich meninach, które nadały nazwę całemu obrazowi, pochylają się nad nią z uwagą. Ta, która dała niemowlęciu naczynie, nazywała się Dona Maria Sarmiento, drugą była Isabella de Velasco. Za Izabelą, od zmierzchu, wyłania się kobieta w stroju klasztornym, Doña Marcela de Ulloa i Guardadamas – ranga dworska zobowiązana wszędzie towarzyszyć infantce. Nie zapomniano o ulubionych rozrywkach hiszpańskiego dworu: malutki krasnoludek Nicolasito Pertusato kopie spokojnie drzemiącego wielkiego psa. Nieopodal stoi spokojnie brzydka krasnoludka Maria Barbola. Akcja rozgrywa się w przestronnej komnacie pałacu królewskiego, zarezerwowanej dla artysty jako warsztat. W oddali widać postać marszałka Don José Nieto. Odrzuca ciężką zasłonę, patrzy przez drzwi i do ciemnego holu wpada strumień światła słonecznego. To dzieło Velazqueza od dawna zalicza się do panteonu światowych arcydzieł i stało się tak znajome naszym oczom, że prawie nie zauważamy w nim naruszeń wszelkich zasad portretów grupowych. Tymczasem płótno to wyróżnia się tym, że uchwyciło wszystko, co zwykle nie było pokazywane: przedstawia zakulisową stronę życia dworskiego. Velazquez malował swoje portrety zazwyczaj na ciemnym, neutralnym tle. W portretach konnych Filipa i Anny pejzaż stanowił jednak tło rozłożyste drzewa na tle tych portretów wyglądają zupełnie jak konwencjonalne kulisy, sceneria. W portrecie „Las Meninas” tłem nie jest konwencjonalna sceneria, ale to, co kryje się za kulisami, coś, czego nie dostrzeżono; jednocześnie tło stało się głównym przedmiotem uwagi artysty, zawładnęło całym płótnem i niejako wyparło głównych bohaterów poza jego granice.
Podnosząc kurtynę za odwrotną stroną dworu królewskiego, Velazquez ściśle przestrzega zasad dworności, wszystko wygląda przyzwoicie, a nawet uroczyście. Nie bez powodu król nie znalazł w obrazie niczego nagannego i zajął on swoje miejsce wśród innych malowniczych skarbów pałacu. Tymczasem zbudowana jest na skomplikowanej kazuistyce elementów „wywyższenia” i „redukcji” i dopiero ich skrajne pomieszanie uchroniło mistrza od kłopotów, jakie przemieszanie postaci w „Straży nocnej” przysporzyło ostatnio Rembrandtowi.
Opisując miejsce pary królewskiej na zdjęciu, trzeba uciekać się do sprzecznych definicji. Z jednej strony nie pokazano Filipa i Anny, a jedynie to, co za nimi; z drugiej strony unosi ich fakt, że obiektem ich percepcji jest cały obraz, a nawet sam artysta; ich odbiór jest uznawany za subiektywny, ponieważ artysta, który napisał prawdziwy obraz i oglądający go widz mogą przyjąć punkt widzenia pary królewskiej jako zwykłych śmiertelników. Niewidzialność pary królewskiej może oznaczać, że są one nieproporcjonalne do małego świata obrazu; z drugiej strony traci tę niewspółmierność, zamieniając się w matowe odbicie w lustrze.
Ta sama złożona kazuistyka „wywyższenia” i „degradacji” leży u podstaw obrazu małej infantki. W „Las Meninas” zajmuje drugie najważniejsze miejsce. Sugerowano, że jest główną aktor. Velazquez dużo pracował nad wizerunkiem infantek, bladych, chorowitych dziewcząt, zaciągniętych w rajstopy, w niedziecięcych, prymitywnych pozach. Portrety dorastających dzieci wysyłano do krewnych króla; dawne zbiory cesarskie Muzeum Wiedeńskiego zawierają kilka egzemplarzy. Dopiero współbrzmienie kolorowych plam, delikatnych niczym świeży polny bukiet, ożywiło legitymizowany tradycją schemat. Velazquez nie odważył się go złamać w „Las Meninas”. Lalka infantka to najbardziej zamrożona postać na całym zdjęciu. Jednocześnie jej bezczynność jest oznaką najwyższej godności. Jednak dzięki drobno wyważonej kompozycji mała niemowlę zostaje umieszczona w dość nietypowej pozycji. Wydawać by się mogło, że i tutaj przestrzegane są wszelkie konwencje i zwyczaje. Infantka jest w centrum uwagi wszystkich bohaterów i zajmuje centralną pozycję na obrazie. Jej głowa opada dokładnie na środek ogromnego płótna, w obiecującym punkcie zbiegu, a to wszystko sprawia, że jej postać wyróżnia się na tle pstrokatego orszaku. Zapis ten wymaga jednak zastrzeżeń i poprawek. Płótno ustawione do przodu odcina wąski pas obrazu po lewej stronie. Właściwie za obraz należy uznać przęsło zajęte przez postacie, a w jego granicach centralne miejsce należy nie do Infantki, ale do postaci zatrzymanego u drzwi marszałka. Pojawia się w tak ostrej sylwetce na jasnym tle drzwi, że oko widza, omijając postacie na pierwszym planie, mimowolnie kieruje się w jego stronę. Nie oznacza to oczywiście, że dominująca rola infantki zostaje całkowicie zniszczona, ale sprawia, że jej dominacja jest na wpół fikcyjna. Bezstronny widz nie od razu zauważa jego centralne położenie. Nic dziwnego, że obraz otrzymał taką nazwę drobne postacie- Menina.
Jednocześnie w „Las Meninas” zastosowano inną technikę, która pozbawia wizerunek infantki królewskiej aury. Cały obraz zbudowany jest na sparowanych przeciwieństwach. Znajduje to odzwierciedlenie w dwóch wygiętych meninach, korespondencji lustra i drzwi oraz dwóch mitologicznych malowidłach na tylnej ścianie. Wśród tych powiązań rzuca się w oczy dziwne podobieństwo małej infantki do krasnoludka Barboli. Ten sam pozbawiony znaczenia wygląd, ten sam zabawny spokój, prawie ten sam strój. Brzydka Barbola jest niczym parodia ślicznego, niemal nieziemskiego wizerunku blond, niebieskookiej infantki. Bardzo możliwe, że bezpośrednia parodia nie była zamierzeniem artysty. Na portretach z tamtej epoki mopsy i buldogi swoją brzydotą tylko podkreślają ludzką dobroć swoich właścicieli. Jednocześnie umieszczenie krasnoludków w portrecie grupowym nie tylko uwiecznia je na równi z osobami najwyższymi, ale także spycha je z piedestału.
Obraz „Las Meninas” jest tak niezwykły, że wznosi się ponad przeciętny poziom portretów grupowych z XVII wieku, że daje być może pełniejszy obraz światopoglądu Velázqueza niż wiele innych jego dzieł. Człowiek z malarstwa Velazqueza jest bliżej kojarzony środowisko, bardziej podatny na działanie siły zewnętrzne, ujawnia większe bogactwo relacji z świat zewnętrzny. Można powiedzieć, że nie tylko król, ale w ogóle człowiek nie jest głównym bohaterem „Las Meninas”, jak to było w sztuce klasycznej. Wszystko zależy od punktu widzenia. Jest punkt widzenia Filipa i Anny, jest punkt widzenia artysty, jest punkt widzenia widza. Całość tworzy system przenikających się światów, czyli, mówiąc filozoficznie XVII-XVIII w., monad. Każdy ma swoją ważność. Z każdego punktu widzenia zmienia się znaczenie całości.
W „Las Meninas” rozkład stał się jeszcze bardziej dotkliwy. Parę królewską zastępuje jej odbicie w lustrze, przez co jej prawdziwa podstawa może odpaść i zostać wyjęta z ramy obrazu.
Ale lustro w Lass Meninas ma inne znaczenie. Znajduje się dokładnie pośrodku obrazu, obok otwartych drzwi, przez które wpada jasny promień słońca. Dwie plamy świetlne na ciemnej ścianie: otwarte drzwi prowadzą w dal, za salę zmierzchu, lustro łapie odbicie świata przed płótnem. Zdjęcie okazuje się miejscem przecięcia dwóch kul. Być może motyw lustra został zainspirowany twórczością Velazqueza przez Holendrów, którzy byli bardzo cenieni w Hiszpanii. Nie bez powodu van Eyck już w XV wieku uchwycił swoje odbicie w okrągłym lustrze na ścianie na portrecie pary Arnolfinich. Ale lustro Van Eycka nie rozszerza przestrzeni. Odzwierciedlając postać artysty, wprowadza go jedynie w spokojny zacisze mieszczańskiego domu, o czym świadczy napis: „Tu byłem”.
Zatem w odniesieniu do przestrzeni malarstwo Velazqueza tworzy przecięcie dwóch sfer. Pod względem akcji łączy kilka węzłów fabularnych. Na pierwszym planie artysta maluje portret, infantka serwuje meniny, a krasnoludek się bawi. W oddali marszałek wchodząc po schodach, odchyla zasłonę i obojętnie patrzy w otwarte drzwi. Wśród Holendrów, a zwłaszcza Pietera de Hoocha, często spotyka się takie postacie „outsiderów”. Ale w cichych mieszczańskich wnętrzach, gdzie człowiek staje się laską, wszelka akcja zamarza, a ten motyw traci ostrość. Wręcz przeciwnie, w „Las Meninas” zderzenie dwóch planów zawiera w sobie coś z wieloaspektowości nowej powieści europejskiej. Pojawienie się marszałka jest tak niespodziewane, tak naturalnie patrzy przez otwarte drzwi, jakby wzywając do opuszczenia zaciemnionych komnat pałacu, że niczym czytelnik powieści daliśmy się ponieść drugiemu wątkowi fabuły i zapomnieliśmy o głównej bohaterce, są gotowi nie zauważyć infantki i jej świty.
W sztuce klasycznej rama zamyka obraz, tak jak prolog i epilog zamykają wiersz. U Velazqueza natomiast rama pełni rolę przypadkowego przęsła, po bokach i przed którym kryje się rzeczywistość. Przedstawiając sposób malowania portretów (w szczególności ewangelisty Łukasza - Madonny), dawni mistrzowie udowadniają swoją prawdziwość, porównując oryginał z obrazem. Ograniczając się jedynie do procesu malowania obrazu, Velazquez w istocie nie ukazuje ani oryginału, ani obrazu. Patrząc na to, jak Velazquez maluje portret Filipa na obrazie, możemy się domyślić, że Velazquez malujący Filipa został namalowany przez prawdziwego Velazqueza. Wygląda na to, że coraz częściej wracamy do tego tematu wysoki stopień rzeczywistości, lecz nigdy nie osiągamy absolutu. Obraz „Las Meninas” można nazwać portretem o portrecie, obrazem o obrazie: rozpiętość drzwi, lustro, obrazy na ścianie i sam obraz – to wszystko etapy wbudowania obrazu w ramy , etapy obrazowego ucieleśnienia.
Obraz przenosi nas w wymierną przestrzeń, w krainę złotego podziału. Regularne prostokąty obrazów i okien przypominają dywany z Ostatniej Wieczerzy Leonarda. Jedynie kompozycja Velazqueza nie opiera się na symetrii, ale na równowadze figur i form architektonicznych.
Trzeba uważnie przyjrzeć się ich relacjom. Widzimy, że lustro i drzwi w głębi pokoju znajdują się dokładnie pośrodku, jakby po bokach głównej osi kompozycji, bezpośrednio nad postacią infantki. Zauważamy dalej, że malowidła nad nimi odbiegają nieco w lewo od tej osi, tak że pojawiają się bezpośrednio nad lustrem z odbiciem pary królewskiej. Co więcej, oba te obrazy zbudowane są według złotego podziału i są na tyle harmonijne, że ten drugi układ tektoniczny leży na pierwszym i obejmuje kształty geometryczne w relacji figur.
Jeśli jednak osie pionowe kompozycji są nieco przesunięte i przez to dynamiczne, to podziały poziome mają spokojniejszy charakter. Po pierwsze, cały obraz, podobnie jak jeden z dwóch pejzaży Velazqueza „Willa Medici”, podzielony jest na dwie równe części, przy czym granicę między nimi stanowi wąski pas ściany pomiędzy obrazami w górnym rzędzie a drzwiami. Dolną połowę obrazu zajmują postacie.
Górna jest wolna, bardziej przestronna i lekka. Samo to rozwiązanie jest tak jasne i proste, jak mogłoby być tylko u Poussina (nowy dowód na to, że znaczenie Velázqueza nie polega wyłącznie na koloryzmie). Ale poza tym okazuje się, że każda połowa obrazu jest podzielona na dwie części; granicą tego podziału u góry jest linia sufitu, u dołu – linia podłogi, a oba podziały dość dokładnie przestrzegają prawa złotego podziału. To prawda, że ten wzór można ustalić jedynie na podstawie pomiarów, których nie każdy widz musi wykonywać. Można jednak argumentować, że każdy, kto postrzega obraz bezstronnym okiem, nieświadomie odczuwa harmonię jego proporcji. Jeśli zamkniesz wąski pasek u góry obrazu i zamienisz go w kwadrat, zobaczysz, jak ważne są te relacje. Układ figur pozostanie niezmieniony, ale obraz straci lekkość i zwiewność.
Nie wiemy dokładnie, na ile świadomie Velazquez stosował wszystkie te formy. Nie znamy szkiców do obrazu. Nie ma w niej nic niesamowitego historia twórcza Przypadkowe wrażenia wizualne odzwierciedlone w szybkich szkicach również odegrały pewną rolę. Jednak w formie, w jakiej te wrażenia się łączą, tworzą harmonijny i pełny obraz, w którym wszystkie części są wzajemnie uwarunkowane, a całość wyróżnia się wszechstronnością i głębią.
Wniosek
Tak się złożyło, że przypadkowo widziana scena ze zwykłego pałacowego życia stała się biblią malarstwa. Obraz, który nie od razu rzuca się w oczy, ale który nigdy nie zostanie zapomniany. Lekkie, zwiewne, zachwycająco proste i jednocześnie niezwykle złożone, dokładnie odpowiadające kanonom malarstwa. Obraz, który można uznać za ukoronowanie osiągnięcia króla Złotego Wieku malarstwa hiszpańskiego.
Referencje
(1656)
318 x 276 cm
Muzeum Prado w Madrycie
To arcydzieło Velazqueza jest jednym z najbardziej znanych tajemnicze obrazy w historii Malarstwo europejskie. Co w końcu dzieje się na tym płótnie? Być może Velazquez malował portret infantki Małgorzaty, kiedy król i królowa zajrzeli do jego pracowni? A może „portretował” parę królewską, gdy infantka wbiegła do pracowni z damami dworu i krasnoludkami? Ale czy intencja artysty nie była jeszcze bardziej subtelna: przedstawić siebie w momencie twórczości? Większość historyków sztuki skłonna jest wierzyć, że „Las Meninas” to swego rodzaju „reportaż twórczy” Velazqueza, „malarstwo o malarstwie”. Artysta dążył do ugruntowania statusu malarza poprzez podkreślenie twórczego składnika swojej twórczości, która dla wielu wydawała się elementarnym rzemiosłem. A jednak w zasadzie kwestia pozostaje otwarta, prowokując tworzenie tekstów „interpretacyjnych” i niekończących się twórczych „powtórzeń” – replik i cytatów. Szczególnie dużo ich było w XX wieku. Uderzający przykład- „Las Meninas” stał się podstawą dużej serii obrazów Picassa powstałych w latach pięćdziesiątych XX wieku. O tym dziele Velazqueza pisał nie raz wielki hiszpański filozof Ortega y Gasset. Michel Foucault zamieścił tekst „Panie dworu” (z szczegółowy opis Velazqueza) w książkę „Słowa i rzeczy” – swoistą „ewangelię” każdego konsekwentnego postmodernisty.
Dwór Królewski: „od i do”
Krzyż Sant'Iago
Po śmierci Velazqueza nakazał król Filip IV
dodaj krzyż rycerski Sant'Iago na piersi artysty.
W chwili powstania „Las Menin” nasz bohater nie był jeszcze pasowany na rycerza tym zakonem (stało się to trzy lata później).
Odbicie w lustrze
W lustrze widzimy odbicie pary królewskiej,
ale to właśnie ten „odległy” obraz decyduje o całym charakterze sceny, przykuwając uwagę wszystkich.
Jan van Eyck wpadł na pomysł pokazania czyjejś obecności za pomocą takich lustrzanych odbić.
Technikę tę zastosował w „Portrecie pary Arnolfinich”, który znajdował się w zbiorach króla hiszpańskiego.
Swobodny udar
O tym, jak swobodnie Velazquez posługiwał się pędzlem,
mówią jego elegancko zgięte palce,
napisany kilkoma jasnymi pociągnięciami jasnych i ciemnych tonów.
W drzwiach
W otworze odległych drzwi widzimy sylwetkę marszałka nadwornego.
Jego wzrok skierowany jest na króla i królową,
A zgięty łokieć ręka wskazuje punkt, w którym zbiegają się linie perspektywy.
Zgodnie z jej prawami król i królowa muszą znajdować się dokładnie naprzeciw niego.
Opinia infantki
Velazquez dosłownie „sfotografował” w tym momencie twarz pięcioletniej niemowlęcia,
gdy zwróciła go w stronę stojących przed nią rodziców.
Uchwycony jest tu sam ruch – widać, że w poprzedniej chwili obserwowała psa,
któremu dokucza krasnolud stojący w prawym rogu zdjęcia
Obraz Diego Velazqueza „Las Meninas” jest jednym z arcydzieł Muzeum Prado w Madrycie. Wydawałoby się o tym słynny obraz Absolutnie wszystko jest znane z XVII wieku. Jednak wielu historyków sztuki uważa, że obraz faktycznie kryje wiele tajemnic. Na przykład zaszyfrowany autoportret samego artysty. Co więcej, autoportret nie jest prawdziwy, ale idealny, w którym malarz pokazuje nie jak jest, ale jak chciałby, żeby było w rzeczywistości. W tej recenzji uchylimy zasłonę tajemnicy nad tym pięknym obrazem.
1. „Las Meninas” można nazwać portretem królewskim
W centrum obrazu znajduje się infantka Margarita Teresa, która 10 lat po napisaniu „Las Meninas” zostanie ogłoszona cesarzową, żoną Leopolda I, Świętego Cesarza Rzymskiego, króla Czech i Węgier. Jej panowanie trwało od 1666 do 1673 roku, a Małgorzata zmarła w wieku zaledwie 21 lat. Choć była przedstawiana na wielu portretach, najsłynniejszym obrazem jest „Las Meninas”.
2. W rzeczywistości obraz przedstawia codzienne życie młodej księżniczki
Tradycyjnie portrety przedstawiają osobę „odizolowaną” od reszty świata. W tym przypadku przedstawiono także pokojówki, które nieustannie otaczały młodą księżniczkę. „Las Meninas” jest codzienne życie na dworze hiszpańskim.
3. Na obrazku jest król i królowa
Nad głową księżniczki łatwo zauważyć obraz w ciemnej drewnianej ramie przedstawiający dwie osoby. Są to ojciec i matka Margatity, król Hiszpanii Filip IV i jego żona Marianna z Austrii.
4. Velazquez przedstawił siebie na obrazie
Pomimo tego, że Velazquez był nadwornym artystą króla, namalowanie siebie w Las Meninas było bardzo odważnym krokiem. Po lewej stronie przedstawiony jest sam artysta z pędzlem w dłoni.
5. Tylko jedna osoba na zdjęciu pozostała niezidentyfikowana
W centrum obrazu znajdują się król, królowa, księżniczka i artysta. Na lewo od księżniczki (podając jej naczynie z napojem) stoi druhna księżniczki, Doña Maria Agustina de Sarmiento Sotomayor, a po prawej (dygając) Doña Isabel de Velasco. Nad jej prawym ramieniem widać mentorkę księżniczki, Doñę Marcelę de Ulloa i nieznanego strażnika, który musiał wszędzie towarzyszyć infantce (jego imię zaginęło w historii, ale niektórzy współcześni uczeni uważają, że mógł to być Diego Ruiz de Azcona) . Po prawej stronie stali członkowie świty Margarity - krasnoludka Maria Barbola, krasnolud Nicholas Pertusato i ulubiony mastif księżniczki (jego imię również nie jest znane).
6. Największą tajemnicą jest to, co Velazquez tak naprawdę chciał przedstawić.
Niektórzy naukowcy uważają, że wizerunki króla i królowej, które wydają się pojawiać w tle, w rzeczywistości są wyświetlane w lustrze, a proces malowania obserwowali rodzice infantki. Inna teoria głosi, że para królewska nie znajduje się w polu widzenia Velazqueza, więc nie mógł celowo ich namalować, ale tak naprawdę księżniczka i artysta patrzą w duże lustro, którego odbicie pozwoliło schwytać Margaritę w jednym z codzienne chwile.
7. „Las Meninas” – widok pary królewskiej
Nie wiadomo, czy wydarzyło się to naprawdę, ale Velazquez przedstawił obraz tak, jak wyglądałby z perspektywy króla i królowej.
8. Niewiele obrazów dostąpiło zaszczytu codziennego oglądania przez króla.
Filip IV powiesił w swoim Las Meninas konto osobiste, gdzie codziennie widziałem to zdjęcie.
9. Po śmierci artysty na rozkaz króla dokonano zmiany obrazu.
Król złożył hołd utalentowany artysta po jego śmierci. W 1660 roku, prawie rok po śmierci, Velazquez otrzymał tytuł Kawalera Orderu Świętego Iago. Na zdjęciu symbolika tego zakonu jest przedstawiona na jego piersi, ale historia jego pojawienia się jest niezwykła (początkowo nie było tego symbolu). Symbol ten pojawił się pośmiertnie na rozkaz króla. Niektórzy historycy twierdzą nawet, że Leopold I namalował symbol zakonu własnoręcznie.
10. Wymiary obrazu
„Las Meninas” są po prostu ogromne – ich wymiary to około 3,20 x 2,74 metra.
11. „Las Meninas” zostały podarowane muzeum przez króla
Muzeum Prado w Madrycie zostało otwarte w 1819 roku, aby „pokazać światu znaczenie i chwałę sztuki narodu hiszpańskiego”. „Las Meninas” są jednymi z najbardziej słynne dzieła w zbiorach muzealnych.
12. Zmienił się tytuł obrazu
Po raz pierwszy w Muzeum Prado obraz wymieniony jest w katalogu z 1843 roku pod nazwą „Las Meninas”. W 1666 r. podczas inwentaryzacji obraz nazwano „Portret cesarzowej z damami dworu i krasnoludkami”. Następnie, po pożarze w 1734 r., nadano mu nazwę „Rodzina Królewska”.
13. „Las Meninas” rozsławił Velazqueza 150 lat po jego śmierci
Inwestycja w Prado opłaciła się i w XIX wieku sztuka hiszpańska stała się popularna w Europie. To dzięki „Las Meninas” Velazquez zasłynął poza hiszpańskim dworem królewskim, wśród szerokiej publiczności. Velázquez stał się później inspiracją dla nowego pokolenia artystów, w tym francuskiego malarza realisty Gustave'a Courbeta, Édouarda Maneta i amerykańskiego twórcy tonalizmu, Jamesa Abbotta Whistlera.
14. Wielka Brytania ma własną wersję filmu
W rezydencji Kingston Lacy Mansion w Dorset znajduje się mniejsza wersja obrazu, która ma niemal taką samą aurę tajemniczości jak słynny obraz. Nie wiadomo, kto napisał ten wiersz i kiedy to zrobił. Niektórzy uczeni twierdzą, że obraz w Dorset jest dziełem samego Velazqueza. Inni twierdzą, że obraz został najprawdopodobniej później skopiowany przez nieznanego artystę.
Specjalnie dla miłośników malarstwa klasycznego Zrobią wrażenie nawet na tych, którzy nie znali twórczości tego artysty.