Ogromny wpływ na sztukę europejską wywarło powstanie cywilizacji przemysłowej. Jak nigdy dotąd pozostawało ono w ścisłym powiązaniu z życiem społecznym, potrzebami duchowymi i materialnymi ludzi. W kontekście rosnącej współzależności narodów ruchy artystyczne a osiągnięcia kulturalne szybko rozprzestrzeniły się na cały świat.
Malarstwo
Romantyzm i realizm ze szczególną siłą objawiły się w malarstwie. W jego twórczości było wiele przejawów romantyzmu Hiszpański artysta Francisco Goya (1746-1828). Dzięki talentowi i ciężkiej pracy syn biednego rzemieślnika został wielkim malarzem. Jego twórczość stanowiła całą epokę w historii sztuki europejskiej. Przepiękny portrety artystyczne hiszpańskie kobiety. Są pisane z miłością i podziwem. Na twarzach bohaterek, niezależnie od ich pochodzenia społecznego, czytamy poczucie własnej wartości, dumę i miłość do życia.
Odwaga, z jaką Goya, nadworny malarz, namalował zbiorowy portret rodziny królewskiej, nie przestaje zadziwiać. Przed nami nie są władcy czy arbitrzy losów kraju, ale całkiem zwykli, wręcz zwykli ludzie. O zwrocie Goi w stronę realizmu świadczą także jego obrazy poświęcone bohaterskiej walce narodu hiszpańskiego z armią Napoleona.
Kluczową postacią europejskiego romantyzmu był sławny Artysta francuski Eugeniusz Delacroix (1798-1863). W swojej twórczości ponad wszystko stawiał fantazję i wyobraźnię. Kamieniem milowym w historii romantyzmu, a właściwie całej sztuki francuskiej, był jego obraz „Wolność wiodąca lud” (1830). Artysta uwiecznił na płótnie rewolucję 1830 roku. Po tym obrazie Delacroix nie zwracał się już ku francuskiej rzeczywistości. Zainteresował się tematyką Wschodu i tematyką historyczną, gdzie zbuntowany romantyk mógł dać upust swojej fantazji i wyobraźni.
Największymi artystami realistycznymi byli Francuzi Gustave Courbet (1819-1877) i Jean Millet (1814-1875). Przedstawiciele tego nurtu dążyli do realistycznego przedstawienia natury. Skupienie było codzienne życie i pracy ludzkiej. Zamiast historycznych i legendarnych bohaterów charakterystycznych dla klasycyzmu i romantyzmu, pojawiły się ich dzieła zwykli ludzie: mieszczanie, chłopi i robotnicy. Nazwy obrazów mówią same za siebie: „Kruszarka kamienia”, „Dziwiarze”, „Zbieracze uszu”.
Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej wyruszający do ataku, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Pierwszy artysta ruchu romantycznego. Obraz wyraża romantyczność epoki napoleońskiej
Courbet jako pierwszy użył pojęcia realizmu. Cel swojej twórczości określił następująco: „Możliwość przekazania moralności, idei, wyglądu ludzi danej epoki, w mojej ocenie, bycia nie tylko artystą, ale także obywatelem, tworzenia żywej sztuki”.
W ostatnim trzecie XIX V. Francja staje się liderem w rozwoju sztuki europejskiej. To było w środku Malarstwo francuskie narodził się impresjonizm (od francuskiego wrażenia - wrażenie). Nowy ruch stał się wydarzeniem o znaczeniu europejskim. Artyści impresjonistyczni starali się przekazać na płótnie chwilowe wrażenia ciągłych i subtelnych zmian w stanie natury i człowieka.
W wagonie trzeciej klasy, 1862. O. Daumier (1808-1879). Jeden z najoryginalniejszych artystów swoich czasów. Balzac porównał go do Michała Anioła.
Jednak Daumier zasłynął dzięki karykaturom politycznym. „W samochodzie trzeciej klasy” przedstawia niewyidealizowany obraz klasy robotniczej
Czytająca kobieta. K. Corot (1796-1875). Słynny francuski artysta szczególnie interesował się grą światła i był poprzednikiem impresjonistów.
Jednocześnie jego twórczość nosi znamiona realizmu.
Impresjoniści przeprowadzili prawdziwą rewolucję w technikach malarskich. Zwykle pracowali na świeżym powietrzu. Kolory i światło odgrywały w ich twórczości znacznie większą rolę niż sam rysunek. Wybitnymi artystami impresjonistycznymi byli Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresjonizm wywarł ogromny wpływ na tak wielkich mistrzów pędzla jak Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.
Wrażenie. Wschód słońca, 1882.
Claude Monet (1840-1926) często malował te same obiekty o różnych porach dnia, aby zbadać wpływ światła na kolor i formę.
Ia Orana Maria. P. Gauguina (1848-1903). Niezadowolenie artysty w sposób europejskiżycie zmusiło go do opuszczenia Francji i zamieszkania na Tahiti.
Ogromny wpływ na ukształtowanie się jego stylu artystycznego miały lokalne tradycje artystyczne i różnorodność otaczającego świata.
Malarz hiszpański pracujący we Francji. Już w wieku dziesięciu lat był artystą, a w wieku szesnastu lat odbyła się jego pierwsza wystawa. Utorował drogę kubizmowi - rewolucyjnemu ruchowi w sztuce XX wieku. Kubiści porzucili przedstawianie przestrzeni i perspektywy powietrznej. Przedmioty i postacie ludzkie przekształcane są w kombinację różnorodnych (prostych, wklęsłych i zakrzywionych) linii i płaszczyzn geometrycznych. Kubiści mawiali, że malują nie tak, jak widzą, ale tak, jak wiedzą
Podobnie jak poezja, malarstwo tego czasu jest pełne niepokojących i niejasnych przeczuć. Pod tym względem twórczość utalentowanego francuskiego artysty symbolisty Odilona Redona (1840–1916) jest bardzo charakterystyczna. Jego sensacja w latach 80. rysowanie „Pająka” - pisać na ścianie pierwszą wojnę światową. Pająk jest przedstawiony z przerażającym wyglądem ludzka twarz. Jego macki są w ruchu i agresywne. Widz pozostaje z poczuciem zbliżającej się katastrofy.
Muzyka
Muzyka nie uległa tak znaczącym zmianom, jak inne formy sztuki. Ale wpływ na to miała także cywilizacja przemysłowa, wyzwolenie narodowe i ruchy rewolucyjne, który wstrząsnął Europą przez całe stulecie. W XIX wieku muzyka wykraczała poza pałace szlachty i świątynie kościelne. Stało się bardziej świeckie i bardziej dostępne dla szerszej populacji. Rozwój wydawnictwa przyczynił się do szybkiego druku nut i rozpowszechniania dzieła muzyczne. W tym samym czasie powstawały nowe instrumenty muzyczne i udoskonalano stare. Fortepian stał się integralną i codzienną rzeczą w domu europejskiej burżuazji.
Do końca XIX wieku. Dominującym nurtem w muzyce był romantyzm. U jego początków stoi gigantyczna postać Beethovena. Ludwig von Beethoven (1770-1827) szanował klasyczne dziedzictwo XVIII wieku. Jeśli dokonał zmian w istniejących zasadach sztuka muzyczna, zrobił to ostrożnie, starając się nie urazić swoich poprzedników. Różnił się tym od wielu poetów romantycznych, którzy często obalali wszystkich i wszystko. Beethoven był tak genialny, że mimo iż był głuchy, potrafił tworzyć dzieła nieśmiertelne. Jego słynna IX Symfonia i „ Sonata księżycowa„wzbogacił skarbnicę sztuki muzycznej.
Romantyczni muzycy czerpali inspirację z motywów pieśni ludowych i rytmów tanecznych. W swojej pracy często się do nich zwracali dzieła literackie- Szekspir, Goethe, Schiller. Część z nich wykazywała skłonność do tworzenia gigantycznych dzieł orkiestrowych, co w XVIII wieku nie było nawet czymś powszechnym. Ale to pragnienie było w zgodzie z potężnym marszem cywilizacji przemysłowej! Kompozytor francuski Hector Berlioz był szczególnie uderzający wielkością swoich planów. W ten sposób napisał kompozycję na orkiestrę składającą się z 465 osób instrumenty muzyczne, w tym 120 wiolonczel, 37 basów, 30 fortepianów i 30 harf.
Posiadał tak wirtuozerską technikę, że krążyły pogłoski, że gry na skrzypcach nauczył go sam diabeł. W trakcie występu muzycznego skrzypek może zerwać trzy struny i kontynuować grę z równie ekspresyjną grą na jedynej pozostałej strunie.
W XIX wieku wiele krajów europejskich dało światu wielkich kompozytorów i muzyków. W Austrii i Niemczech krajowe i kultura światowa wzbogacili Franz Schubert i Ryszard Wagner, w Polsce - Fryderyk Chopin, na Węgrzech - Franz Liszt, we Włoszech - Gioachino Rossini i Giuseppe Verdi, w Czechach - Bedřich Smetana, w Norwegii - Edvard Grieg, w Rosji - Glinka, Rimski Korsakow , Borodin, Musorgski i Czajkowski.
Od lat 20 XIX wiek W Europie rozpoczyna się szał na nowy taniec – walc. Walc powstał w Austrii i Niemczech pod koniec XVIII wieku, wywodząc się z austriackiego Ländlera – tradycyjnego tańca chłopskiego
Architektura
Rozwój cywilizacji przemysłowej wywarł ogromny wpływ Architektura europejska. Postęp naukowy i technologiczny przyczynił się do innowacji. W XIX wieku Znacznie szybciej budowano duże budynki o znaczeniu państwowym i publicznym. Od tego czasu w budownictwie zaczęto stosować nowe materiały, zwłaszcza żelazo i stal. Wraz z rozwojem produkcji fabrycznej transport kolejowy i dużych miastach pojawiają się nowe typy obiektów - dworce kolejowe, mosty stalowe, banki, duże sklepy, budynki wystawiennicze, nowe teatry, muzea, biblioteki.
Architektura w XIX wieku. wyróżniała się różnorodnością stylów, monumentalnością i praktycznym przeznaczeniem.
Fasada budynku Opery Paryskiej. Zbudowany w latach 1861-1867. Wyraża kierunek eklektyczny, inspirowany epoką renesansu i baroku
Przez całe stulecie dominował styl neoklasyczny. Budynek Muzeum Brytyjskie w Londynie, zbudowany w latach 1823-1847, daje jasne wyobrażenie o architekturze starożytnej (klasycznej). Aż do lat 60. Modny był tzw. „styl historyczny”, wyrażający się w romantycznym naśladowaniu architektury średniowiecza. Pod koniec XIX wieku. w budownictwie kościołów i budynków użyteczności publicznej następuje powrót do gotyku (neogotyk, czyli nowy gotyk). Na przykład izba parlamentu w Londynie. W przeciwieństwie do neogotyku wyłonił się nowy kierunek, Art Nouveau (nowa sztuka). Charakteryzował się krętymi, gładkimi konturami budynków, lokali i detali wnętrz. Na początku XX wieku. Powstał inny kierunek - modernizm. Styl secesyjny wyróżnia się praktycznością, rygorem i przemyślanością oraz brakiem dekoracji. To właśnie ten styl odzwierciedlał istotę cywilizacji przemysłowej i w największym stopniu
związane z naszymi czasami. W swoim klimacie sztuka europejska końca XIX i początku XX wieku. był kontrastowy. Z jednej strony optymizm i przepełniona radością życia. Z drugiej strony brakuje wiary w twórcze możliwości człowieka. I nie należy w tym szukać sprzeczności. Sztuka jedynie na swój sposób odzwierciedlała to, co się działo prawdziwy świat
. Oczy poetów, pisarzy i artystów były bystrzejsze i bardziej wnikliwe. Widzieli to, czego inni nie widzieli i nie mogli zobaczyć.
WARTO TO WIEDZIEĆ „Wolę malować ludzkie oczy niż katedry… dusza ludzka nawet dusza nieszczęsnego żebraka… moim zdaniem jest o wiele bardziej interesująca” – powiedział Vincent Van Gogh. Wielki artysta całe życie żył w biedzie i nędzy, często nie miał pieniędzy na płótno i farby, był praktycznie zależny od młodszego brata. Współcześni nie uznawali w nim żadnych zasług. Kiedy Van Gogh zmarł, za trumną poszło tylko kilka osób. Tylko dwa do trzech tuzinów ludzi w Europie mogło docenić jego sztukę, co wielki artysta
adresowany do przyszłości. Ale minęły lata. W XX wieku Artysta zyskał zasłużoną, choć spóźnioną sławę. Za obrazy Van Gogha zapłacono teraz kolosalne sumy. Na przykład obraz „Słoneczniki” został sprzedany na aukcji za rekordową kwotę 39,9 mln dolarów. Ale osiągnięcie to pobiło także obraz „Irysy”, który został sprzedany za 53,9 miliona dolarów.
Wykorzystana literatura: V. S. Koshelev, I. V. Orzhekhovsky, V. I. Sinitsa / Historia świata
Czasy nowożytne XIX - wczesne. XX wiek, 1998. Wiek XIX pozostawił niezatarte ślady we wszystkich formach sztuki. Nadszedł czas zmian i wymagań, kolosalny postęp w architekturze, budownictwie i przemyśle. W Europie aktywnie przeprowadzane są reformy i rewolucje, powstają organizacje bankowe i rządowe, a wszystkie te zmiany bezpośrednio dotknęły artystów. Artyści zagraniczni Wiek XIX przyniósł malarstwu nowy, bardziej wyrazisty charakter nowoczesny poziom, stopniowo wprowadzając takie nurty, jak impresjonizm i romantyzm, które musiały przejść wiele prób, zanim zostały docenione przez społeczeństwo. Artyści minionych stuleci nie spieszyli się z obdarzaniem swoich bohaterów gwałtownymi emocjami, ale przedstawiali ich jako mniej lub bardziej powściągliwych. Ale impresjonizm miał w swoich rysach nieokiełznaną i odważną świat fantasy, co zostało jasno połączone z romantyczną tajemnicą. W XIX wieku artyści zaczęli myśleć nieszablonowo, całkowicie odrzucając przyjęte schematy, a ten hart ducha wyrażał się w nastroju ich dzieł. W tym okresie działało wielu artystów, których nazwiska do dziś uważamy za wspaniałe, a ich dzieła niepowtarzalne.
Francja
Hiszpania
Półwysep Iberyjski dał nam także wiele znanych nazwisk, m.in.:
Niderlandy
Vincent Van Gogh jest jednym z najbardziej wybitnych Holendrów. Jak wszyscy wiedzą, Van Gogh cierpiał na poważną chorobę psychiczną, ale nie wpłynęło to na jego wewnętrzny geniusz. Wykonany w niezwykła technika, jego obrazy stały się popularne dopiero po śmierci artysty. Najbardziej znane: „Gwiaździsta noc”, „Irysy”, „Słoneczniki” znajdują się na liście najbardziej drogie dzieła sztuki na całym świecie, chociaż Van Gogh nie miał żadnego specjalnego wykształcenia artystycznego.
Norwegia
Edvard Munch pochodzi z Norwegii i słynie z malarstwa. Twórczość Edvarda Muncha wyraźnie wyróżnia się melancholią i pewną lekkomyślnością. Śmierć matki i siostra Już w dzieciństwie dysfunkcyjne relacje z kobietami miały ogromny wpływ na styl malarski artysty. Na przykład wszyscy słynne dzieło„Krzyk” i równie popularna „Chora dziewczyna” niosą ze sobą ból, cierpienie i ucisk.
USA
Kent Rockwell jest jednym z najbardziej znanych amerykańscy malarze pejzażyści. Jego prace łączą w sobie realizm i romantyzm, co bardzo trafnie oddaje nastrój przedstawianej osoby. Można godzinami patrzeć na jego pejzaże i za każdym razem inaczej interpretować symbole. Niewielu artystom udało się przedstawić zimową przyrodę w taki sposób, że patrzący na nią ludzie naprawdę odczuwają chłód. Nasycenie kolorów i kontrast to rozpoznawalny styl Rockwella.
Wiek XIX obfituje w znakomitych twórców, którzy wnieśli ogromny wkład w sztukę. Zagraniczny artyści XIX wieku wieki otworzyły drzwi kilku nowym ruchom, takim jak postimpresjonizm i romantyzm, co w rzeczywistości okazało się trudnym zadaniem. Większość z nich niestrudzenie udowadniała społeczeństwu, że ich twórczość ma prawo istnieć, ale wielu udało się to niestety dopiero po śmierci. Ich nieokiełznany charakter, odwaga i gotowość do walki łączą się z wyjątkowym talentem i łatwością percepcji, co daje im pełne prawo do zajmowania znaczącej i znaczącej komórki.
Impresjonizm. Symbolizm. Modernizm.
W drugiej połowie XIX wieku w sztuce Zachodu pojawił się kierunek, który później nazwano „modernizmem”. Jej pierwszy ruch można uznać za impresjonizm, który pojawił się w latach 60. Ruch ten nie jest jeszcze w pełni modernistyczny. Odchodzi od realizmu i coraz bardziej się od niego oddala, nie zrywając z nim całkowicie. Impresjonizm nie jest jeszcze modernizmem, ale nie jest już realizmem. Można go uznać właśnie za początek modernizmu, ponieważ zawiera już jego główne cechy.
Pierwsza wiąże się z wyraźnym przesunięciem akcentu z przedmiotu na podmiot, z obiektywności i prawdomówności na subiektywne doznanie. W impresjonizmie najważniejszy jest nie przedstawiony przedmiot, ale jego percepcja, wrażenie, jakie wywołuje u artysty. Wierność przedmiotowi ustępuje miejsca wierności percepcji, wierności ulotnemu wrażeniu. Zasada „niewierności podmiotowi” stanie się wówczas jedną z podstawowych zasad estetyki modernizmu, zamieniając się w zasadę świadomej deformacji, zniekształcania i rozkładu podmiotu, zasadę odrzucenia podmiotu, obiektywności i figuratywności. Sztuka w coraz większym stopniu staje się sztuką wyrażania siebie artysty.
Drugi znak to szczególną uwagę do eksperymentów, poszukiwania coraz to nowych środków wyrazu, technik technicznych i artystycznych. W tym przypadku artyści impresjonistyczni podążają za przykładem naukowców. Z entuzjazmem zajmują się rozkładem tonów, grą barwnych refleksów i niezwykłymi zestawieniami barw. Lubią płynność, zmienność, mobilność. Nie tolerują niczego zamrożonego i statycznego. Impresjonistów szczególnie interesują procesy interakcji przedmiotów z atmosferą, powietrzem, światłem, mgłą, smogiem i światłem słonecznym. Dzięki temu poczynili znaczące postępy i osiągnięcia w dziedzinie koloru i formy.
W impresjonizmie pasja eksperymentowania, poszukiwanie nowych technik, pogoń za nowością i oryginalnością nie stała się jeszcze celem samym w sobie. Jednak wiele kolejnych ruchów modernizmu właśnie do tego dochodzi, czego konsekwencją jest odmowa przez artystę efektu końcowego, dzieła sztuki rozumianego jako coś kompletnego i kompletnego.
Kolejna cecha impresjonizmu, będąca po części konsekwencją i bezpośrednią kontynuacją wspomnianych już, wiąże się z odejściem od zagadnień społecznych. Prawdziwe życie obecne jest w twórczości impresjonistów, ale pojawia się w formie malarskiego performansu. Wzrok artysty zdaje się przesuwać po powierzchni zjawisk społecznych, wychwytując głównie doznania kolorystyczne, nie zatrzymując się na nich i nie zagłębiając się w nie. W kolejnych ruchach modernizmu tendencja ta nasila się, czyniąc ją aspołeczną, a nawet antyspołeczną.
Centralnymi postaciami impresjonizmu są C. Monet (1840–1926), C. Pissarro (1830–1903), O. Renoir (1841–1919).
Impresjonizm został najpełniej ucieleśniony w twórczości Moneta. Ulubionym tematem jego prac jest pejzaż – pole, las, rzeka, zarośnięty staw. Swoje rozumienie krajobrazu zdefiniował następująco: „Krajobraz jest wrażeniem natychmiastowym”. Z jego obrazu „Wschód słońca. „Impresja” to nazwa całego ruchu (po francusku „impresja” to „impresja”). Największą sławę przyniosły mu słynne „Stogi siana”. Wykazywał także szczególną pasję do przedstawiania wody. W tym celu zbudował specjalną łódź warsztatową, która pozwoliła mu godzinami obserwować zachowanie wody i odbicia w niej obiektów. W tym wszystkim Monet odniósł imponujący sukces, co dało E. Manetowi podstawę do nazwania go „Rafaelem wody”. Niezwykły jest także obraz „Katedra w Rouen”.
K. Pissaro preferuje pejzaż miejski – przedstawia domy, bulwary, ulice zapełnione powozami i przechadzające się publiczne, codzienne sceny.
O. Renoir dużą wagę przywiązuje do aktu i portretów – zwłaszcza kobiecych. Uderzający przykład Jego sztuką portretową jest portret artysty J. Samary'ego. Namalował także „Kąpiel nad Sekwaną” i „Moulin de la Galette”.
Około połowy lat 80. impresjonizm zaczął przeżywać kryzys i powstały w nim dwa niezależne ruchy - neoimpresjonizm i postimpresjonizm.
Pierwszą reprezentują artyści J. Seurat i P. Signac. Opierając się na osiągnięciach nauki o kolorze, do logicznego wniosku prowadzą niektóre cechy impresjonizmu - rozkład tonów na czyste kolory i zamiłowanie do eksperymentów. Pod względem artystycznym i estetycznym ruch ten nie wzbudził większego zainteresowania.
Postimpresjonizm „wydawał się zjawiskiem znacznie bardziej produktywnym i interesującym. Jej głównymi postaciami byli P. Cezanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) i P. Gauguin (1848 - 1903), wśród których wyróżniał się P. Cezanne.
P. Cezanne zachował w swojej twórczości to, co w impresjonizmie najważniejsze, tworząc jednocześnie sztukę nową, rozwijającą tendencję do oddalania się od podmiotu, od jego wyglądu zewnętrznego. Jednocześnie udało mu się przezwyciężyć charakterystyczną dla impresjonizmu iluzoryczną i efemeryczną naturę tego, co jest przedstawiane.
Poświęcając zewnętrzne podobieństwo przedmiotu, P. Cezanne z niezwykłą siłą przekazuje jego główne cechy i właściwości, jego materialność, gęstość i intensywność, pewną „materialność rzeczy”. W odróżnieniu od impresjonizmu, do tworzenia dzieł wykorzystuje nie tylko doznania wzrokowe, ale wszystkie zmysły. W swojej twórczości żywo i mocno wyraził swoją osobistą naturę. Jak zauważa P. Picasso, P. Cezanne malował się przez całe życie.
Wśród dzieł P. Cezanne'a można wyróżnić takie jak „Autoportret”, „Owoc”, „Martwa natura z draperią”, „Brzegi Marny”, „Dama w błękicie”. P. Cezanne miał ogromny wpływ na cały późniejszy modernizm. A. Matisse nazwał go „nauczycielem generalnym” szeroki zakres młodzi artyści, którzy później stali się sławni i sławni.
Oprócz malarstwa impresjonizm przejawiał się w innych formach sztuki. W muzyce jego wpływ doświadczył francuski kompozytor C. Debussy (1862 - 1918), w rzeźbie - francuski rzeźbiarz O. Rodin (1840 - 1917).
W latach 80. we Francji narodził się ruch symboliki, który można w pełni uznać za modernizm. Najbardziej rozpowszechniony jest w poezji i literaturze. Symbolika kontynuowała linię romantyzmu i „sztuki dla sztuki”, przepełnionej poczuciem rozczarowania otaczającym nas światem, nastawionej na poszukiwanie czystego piękna i czystego estetyzmu.
Symboliści w swoim manifeście ogłosili się śpiewakami dekadencji, upadku i śmierci świata burżuazyjnego. Przeciwstawiali się nauce i filozofii pozytywistycznej, wierząc, że rozum i logika racjonalna nie są w stanie przeniknąć świata „rzeczywistości ukrytych”, „esencji idealnych” i „wiecznego piękna”. Tylko sztuka jest do tego zdolna – dzięki twórczej wyobraźni, poetyckiej intuicji i mistycznej intuicji. Symbolika wyrażała tragiczne przeczucie przyszłych wstrząsów społecznych, akceptując je jako sprawdzian oczyszczenia i zapłatę za prawdziwą wolność duchową.
Centralnymi postaciami symboliki francuskiej są poeci S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891). Pierwszy uważany jest za założyciela ruchu. Drugi stworzył piękne arcydzieła tekstów. A. Rimbaud stał się jednym z najoryginalniejszych i najwybitniejszych poetów francuskich. Wywarł ogromny wpływ na poezję francuską XX wieku.
Symbolika stała się powszechna w wielu Kraje europejskie. W Anglii reprezentuje go przede wszystkim pisarz O. Wilde (1854 - 1900), autor słynnej powieści „Portret Doriana Graya”, a także wiersza „Ballada o więzieniu w Reading”. W Austrii poeta R.M. Rilke (1875 - 1926) był bliski symboliki, co szczególnie objawiło się w jego dziełach „Księga obrazów” i „Księga godzin”. Innym wybitnym przedstawicielem symboliki jest belgijski dramaturg i poeta M. Maeterlinck (1862 - 1949), autor słynnego „Błękitnego ptaka”.
Wiek XIX ma fundamentalne znaczenie w historii Zachodu. W tym czasie wszystko się całkowicie rozwija nowy typ cywilizacyjno-przemysłowa. Opierał się na postępie naukowym i technologicznym. Dlatego jeden z głównych ideałów Oświecenia - ideał postępu rozumu - otrzymał w nim najpełniejsze ucieleśnienie.
Do ekspansji przyczyniło się pojawienie się demokracji burżuazyjnej wolność polityczna. Jeśli chodzi o inne ideały i wartości humanizmu edukacyjnego, ich realizacja napotkała poważne trudności i przeszkody. Dlatego ogólna ocena XIX wieku nie może być jednoznaczna.
Z jednej strony mamy bezprecedensowe sukcesy i osiągnięcia cywilizacyjne. Jednocześnie wyłaniająca się cywilizacja przemysłowa zaczyna coraz bardziej wypierać kulturę duchową.
Dotyczyło to przede wszystkim religii, a następnie innych dziedzin kultury duchowej: filozofii, moralności i sztuki. Ogólnie można powiedzieć, że w XIX w. w świecie zachodnim narodził się niebezpieczny nurt dehumanizacji kultury, którego konsekwencją pod koniec stulecia był system kolonializmu, a w XX w. dwie wojny światowe
Sztuka europejska końca XIX i początku XX wieku.
Ogromny wpływ na sztukę europejską wywarło powstanie cywilizacji przemysłowej. Jak nigdy dotąd pozostawało ono w ścisłym powiązaniu z życiem społecznym, potrzebami duchowymi i materialnymi ludzi. W kontekście rosnącej współzależności narodów ruchy artystyczne i osiągnięcia kulturalne szybko rozprzestrzeniły się na cały świat.
Malarstwo. Romantyzm i realizm ze szczególną siłą objawiły się w malarstwie. W twórczości hiszpańskiego artysty Francisco Goyi (1746-1828) było wiele oznak romantyzmu. Dzięki talentowi i ciężkiej pracy syn biednego rzemieślnika został wielkim malarzem. Jego twórczość stanowiła całą epokę w historii sztuki europejskiej. Artystyczne portrety Hiszpanek są wspaniałe. Są pisane z miłością i podziwem. Na twarzach bohaterek, niezależnie od ich pochodzenia społecznego, czytamy poczucie własnej wartości, dumę i miłość do życia.
Odwaga, z jaką Goya, nadworny malarz, namalował zbiorowy portret rodziny królewskiej, nie przestaje zadziwiać. Przed nami nie są władcy czy arbitrzy losów kraju, ale całkiem zwykli, wręcz zwykli ludzie. O zwrocie Goi w stronę realizmu świadczą także jego obrazy poświęcone bohaterskiej walce narodu hiszpańskiego z armią Napoleona.
Karol IV i jego rodzina. F. Goya. Po lewej stronie (w cieniu) artysta przedstawił siebie
Kluczową postacią europejskiego romantyzmu był słynny francuski artysta Eugene Delacroix (1798-1863). W swojej twórczości ponad wszystko stawiał fantazję i wyobraźnię. Kamieniem milowym w historii romantyzmu, a właściwie całej sztuki francuskiej, był jego obraz „Wolność wiodąca lud” (1830). Artysta uwiecznił na płótnie rewolucję 1830 roku. Po tym obrazie Delacroix nie zwracał się już ku francuskiej rzeczywistości. Zainteresował się tematyką Wschodu i tematyką historyczną, gdzie zbuntowany romantyk mógł dać upust swojej fantazji i wyobraźni.
Największymi artystami realistycznymi byli Francuzi Gustave Courbet (1819-1877) i Jean Millet (1814-1875). Przedstawiciele tego nurtu dążyli do realistycznego przedstawienia natury. Tematem przewodnim było codzienne życie i praca człowieka. Zamiast historycznych i legendarnych bohaterów charakterystycznych dla klasycyzmu i romantyzmu, w ich twórczości pojawili się zwykli ludzie: mieszczanie, chłopi i robotnicy. Nazwy obrazów mówią same za siebie: „Kruszarka kamienia”, „Dziwiarze”, „Zbieracze uszu”.
Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej wyruszający do ataku, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Pierwszy artysta ruchu romantycznego. Obraz wyraża romantyczność epoki napoleońskiej
Courbet jako pierwszy użył pojęcia realizmu. Cel swojej twórczości określił następująco: „Możliwość przekazania moralności, idei, wyglądu ludzi danej epoki, w mojej ocenie, bycia nie tylko artystą, ale także obywatelem, tworzenia żywej sztuki”.
W ostatniej tercji XIX w. Francja staje się liderem w rozwoju sztuki europejskiej. To właśnie w malarstwie francuskim narodził się impresjonizm (od francuskiej impresji – impresja). Nowy ruch stał się wydarzeniem o znaczeniu europejskim. Artyści impresjonistyczni starali się przekazać na płótnie chwilowe wrażenia ciągłych i subtelnych zmian w stanie natury i człowieka.
W wagonie trzeciej klasy, 1862. O. Daumier (1808-1879). Jeden z najoryginalniejszych artystów swoich czasów. Balzac porównał go do Michała Anioła. Jednak Daumier zasłynął dzięki karykaturom politycznym. „W samochodzie trzeciej klasy” przedstawia niewyidealizowany obraz klasy robotniczej
Czytająca kobieta. K. Corot (1796-1875). Słynny francuski artysta szczególnie interesował się grą światła i był poprzednikiem impresjonistów. Jednocześnie jego twórczość nosi znamiona realizmu.
Impresjoniści przeprowadzili prawdziwą rewolucję w technikach malarskich. Zwykle pracowali na świeżym powietrzu. Kolory i światło odgrywały w ich twórczości znacznie większą rolę niż sam rysunek. Wybitnymi artystami impresjonistycznymi byli Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresjonizm wywarł ogromny wpływ na tak wielkich mistrzów pędzla jak Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.
Wrażenie. Wschód słońca, 1882. Claude Monet (1840-1926) często malował te same obiekty o różnych porach dnia, aby zbadać wpływ światła na kolor i formę.
Słoneczniki w wazonie. V. Van Gogha (1853-1890)
Wiejski kościół. V. Van Gogha
Ia Orana Maria. P. Gauguina (1848-1903). Niezadowolenie artysty z europejskiego stylu życia zmusiło go do opuszczenia Francji i zamieszkania na Tahiti. Ogromny wpływ na ukształtowanie się jego stylu artystycznego miały lokalne tradycje artystyczne i różnorodność otaczającego świata.
Różowy i zielony. E. Degas (1834-1917)
Dziewczyna z mandoliną, 1910. Pablo Picasso (1881-1973). Malarz hiszpański pracujący we Francji. Już w wieku dziesięciu lat był artystą, a w wieku szesnastu lat odbyła się jego pierwsza wystawa. Utorował drogę kubizmowi - rewolucyjnemu ruchowi w sztuce XX wieku. Kubiści porzucili przedstawianie przestrzeni i perspektywy powietrznej. Przedmioty i postacie ludzkie przekształcane są w kombinację różnorodnych (prostych, wklęsłych i zakrzywionych) linii i płaszczyzn geometrycznych. Kubiści mawiali, że malują nie tak, jak widzą, ale tak, jak wiedzą
Parasole. O. Renoir
Podobnie jak poezja, malarstwo tego czasu jest pełne niepokojących i niejasnych przeczuć. Pod tym względem twórczość utalentowanego francuskiego artysty symbolisty Odilona Redona (1840–1916) jest bardzo charakterystyczna. Jego sensacja w latach 80. Rysunek pająka jest złowieszczym zwiastunem I wojny światowej. Pająk jest przedstawiony z przerażającą ludzką twarzą. Jego macki są w ruchu i agresywne. Widz pozostaje z poczuciem zbliżającej się katastrofy.
Architektura. Rozwój cywilizacji przemysłowej wywarł ogromny wpływ na architekturę europejską. Postęp naukowy i technologiczny przyczynił się do innowacji. W XIX wieku Znacznie szybciej budowano duże budynki o znaczeniu państwowym i publicznym. Od tego czasu w budownictwie zaczęto stosować nowe materiały, zwłaszcza żelazo i stal. Wraz z rozwojem produkcji fabrycznej, transportu kolejowego i dużych miast pojawiły się nowe typy obiektów - dworce, mosty stalowe, banki, duże sklepy, budynki wystawiennicze, nowe teatry, muzea, biblioteki.
Architektura w XIX wieku. wyróżniała się różnorodnością stylów, monumentalnością i praktycznym przeznaczeniem.
Fasada budynku Opery Paryskiej. Zbudowany w latach 1861-1867. Wyraża kierunek eklektyczny, inspirowany epoką renesansu i baroku
Przez całe stulecie dominował styl neoklasyczny. Budynek Muzeum Brytyjskiego w Londynie, zbudowany w latach 1823-1847, daje jasne wyobrażenie o architekturze starożytnej (klasycznej). Aż do lat 60. Modny był tzw. „styl historyczny”, wyrażający się w romantycznym naśladowaniu architektury średniowiecza. Pod koniec XIX wieku. w budownictwie kościołów i budynków użyteczności publicznej następuje powrót do gotyku (neogotyk, czyli nowy gotyk). Na przykład izba parlamentu w Londynie. W przeciwieństwie do neogotyku wyłonił się nowy kierunek, Art Nouveau (nowa sztuka). Charakteryzował się krętymi, gładkimi konturami budynków, lokali i detali wnętrz. Na początku XX wieku. Powstał inny kierunek - modernizm. Styl secesyjny wyróżnia się praktycznością, rygorem i przemyślanością oraz brakiem dekoracji. To właśnie ten styl odzwierciedlał istotę cywilizacji przemysłowej i jest najbardziej kojarzony z naszymi czasami.
W swoim klimacie sztuka europejska końca XIX i początku XX wieku. był kontrastowy. Z jednej strony optymizm i przepełniona radością życia. Z drugiej strony brakuje wiary w twórcze możliwości człowieka. I nie należy w tym szukać sprzeczności. Sztuka jedynie na swój sposób odzwierciedlała to, co działo się w realnym świecie. Oczy poetów, pisarzy i artystów były bystrzejsze i bardziej wnikliwe. Widzieli to, czego inni nie widzieli i nie mogli zobaczyć.
Trendy w malarstwie XIX wieku dość ściśle pokrywają się z trendami stulecia poprzedniego. Na początku stulecia wiodącym kierunkiem w wielu krajach był. Pochodzący z XVIII wieku styl ten nadal się rozwijał, ponadto w różne kraje jego rozwój miał cechy indywidualne.
Klasycyzm
Artyści, którzy pracowali w tym kierunku, ponownie zwracają się do obrazów starożytności. Jednak poprzez klasyczną fabułę starają się wyrazić uczucia rewolucyjne – pragnienie wolności, patriotyzmu, harmonii między człowiekiem a społeczeństwem. Wybitnym przedstawicielem rewolucyjnego klasycyzmu był artysta Louis David. To prawda, że z biegiem czasu dorósł klasycyzm kierunek konserwatywny, który był wspierany przez państwo, co oznacza, że stał się bezimienny, elegancki przez cenzurę.
Szczególnie jasny rozkwit malarstwa w XIX wieku zaobserwowano w Rosji. W tym czasie pojawiło się tu wiele nowych stylów i trendów. Analogiem klasycyzmu w Rosji był akademizm. Styl ten miał cechy klasycznego stylu europejskiego - odwoływanie się do obrazów starożytności, wzniosłych tematów i idealizacji obrazów.
Romantyzm
Na początku lat 30. XIX w. romantyzm pojawił się jako przeciwwaga dla klasycyzmu. W tamtym czasie w społeczeństwie było wiele punktów zwrotnych. Artyści starali się abstrahować od nieestetycznej rzeczywistości, tworząc swój własny idealny świat. Jednak romantyzm jest uważany za ruch postępowy swoich czasów, ponieważ pragnieniem artystów romantycznych było przekazywanie idei humanizmu i duchowości.To pojemny kierunek, znajdujący odzwierciedlenie w sztuce wielu krajów. Jego znaczeniem jest wywyższenie walki rewolucyjnej, tworzenie nowych kanonów piękna, malowanie obrazów nie tylko pędzlem, ale także sercem. Emocjonalność jest tu na pierwszym planie. Romantyzm charakteryzuje się wprowadzeniem alegorycznych obrazów w bardzo realną fabułę i umiejętną grą światłocienia. Przedstawicielami tego nurtu byli Francisco Goya, Eugene Delacroix i Rousseau. W Rosji dzieła Karla Bryulłowa zaliczane są do romantyzmu.
Realizm
Zadaniem tego kierunku było ukazanie życia takim, jakie jest. Artyści realistyczni zwrócili się ku obrazom zwykli ludzie, główne cechy ich dzieł to krytyczność i maksymalna prawdziwość. Szczegółowo przedstawiały łachmany i dziury w ubraniach zwykłych ludzi, twarze zwykłych ludzi zniekształcone cierpieniem i tłuste ciała mieszczanina.Ciekawym zjawiskiem XIX wieku była Szkoła Artystyczna Barbizon. Termin ten zjednoczył kilku francuskich mistrzów, którzy wypracowali własny, odmienny styl. Jeśli w kierunkach klasycyzmu i romantyzmu natury na różne sposoby wyidealizowany, Barbizończycy starali się przedstawiać krajobrazy z życia. W ich obrazach są obrazy rodzima przyroda i zwykli ludzie na tym tle. Najbardziej znani artyści Barbizons to Theodore Rousseau, Jules Despres, Virgil la Peña, Jean-François Millet, Charles Daubigny.
Jean-Francois Milleta
Wpływ na twórczość Barbizończyków dalszy rozwój Malarstwo XIX w. Po pierwsze, artyści tego nurtu mają naśladowców w wielu krajach, w tym w Rosji. Po drugie, Barbizonowie dali impuls do pojawienia się impresjonizmu. Jako pierwsi malowali na świeżym powietrzu. Następnie tradycję przedstawiania prawdziwych krajobrazów przejęli impresjoniści.
Stał się ostatnim etapem malarstwa XIX wieku i miał miejsce w ostatniej tercji stulecia. Artyści impresjonistyczni podeszli do przedstawiania rzeczywistości w jeszcze bardziej rewolucyjny sposób. Starali się przekazać nie samą naturę ani szczegółowe obrazy, ale wrażenie, jakie wywołuje to lub inne zjawisko.
Impresjonizm był przełomem w historii malarstwa. Okres ten dał światu wiele nowych technik i unikalnych dzieł sztuki.
Klasycyzm, styl artystyczny V Sztuka europejska XVII – początek XIX w., którego jedną z najważniejszych cech było odwołanie się do form sztuki antycznej jako idealnego standardu estetycznego i etycznego. Klasycyzm, który rozwinął się w intensywnie polemicznej interakcji z barokiem, uformował się w integralny system stylistyczny francuskiej kultury artystycznej XVII wieku.Klasycyzm XVIII – początków XIX w. (w zagranicznej historii sztuki nazywany często neoklasycyzmem), który stał się stylem paneuropejskim, ukształtował się także głównie w łonie kultury francuskiej, pod silnym wpływem idei Oświecenia. W architekturze nowe typy rezydencji eleganckich, ceremonialnych budynek publiczny, otwarty plac miejski (Gabriel Jacques Ange i Soufflot Jacques Germain), poszukiwanie nowych, nieuporządkowanych form architektury, dążenie do surowej prostoty w twórczości Ledoux Claude Nicolas antycypowała architekturę późny etap klasycyzm - styl empire. Patos obywatelski i liryzm łączono w sztuce plastycznej (Pigal Jean Baptiste i Houdon Jean Antoine), pejzażach dekoracyjnych (Robert Hubert). Odważny dramat historyczny i obrazy portretowe nieodłącznie związany z twórczością szefa francuskiego klasycyzmu, malarza Jacques’a Louisa Davida. W XIX wieku malarstwo klasycystyczne, mimo działalności poszczególnych wielkich mistrzów, jak Jean Auguste Dominique Ingres, przerodziło się w oficjalną apologetyczną lub pretensjonalną sztukę salonową o charakterze erotycznym. Rzym stał się międzynarodowym centrum europejskiego klasycyzmu XVIII i początków XIX wieku, gdzie dominowały tradycje akademizmu z charakterystycznym dla nich połączeniem szlachetności formy i zimnej idealizacji ( malarz niemiecki Anton Raphael Mengs, rzeźbiarze: Włoch Canova Antonio i Dane Thorvaldsen Bertel). Dla architektury Niemiecki klasycyzm Surową monumentalnością budowli Karla Friedricha Schinkla, o kontemplacyjnym i elegijnym nastroju malarstwa i sztuk plastycznych charakteryzują się portrety Augusta i Wilhelma Tischbeinów, rzeźba Johanna Gottfrieda Schadowa. W angielskim klasycyzmie wyróżniają się antyczne budowle Roberta Adama, palladiańskie osiedla parkowe Williama Chambersa, niezwykle surowe rysunki J. Flaxmana i ceramika J. Wedgwooda. Własne wersje klasycyzmu rozwinięte w kulturze artystycznej Włoch, Hiszpanii, Belgii, krajów skandynawskich i USA; Klasycyzm rosyjski z lat 60.–1840. XIX w. zajmuje poczesne miejsce w historii sztuki światowej.
Pod koniec pierwszej tercji XIX w. niemal wszędzie zniknęła wiodąca rola klasycyzmu, zastąpiona została ona różnymi formami eklektyzmu architektonicznego. Ożywa tradycja artystyczna klasycyzm w neoklasycyzmie końca XIX - początku XX wieku.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) – artysta francuski, powszechnie uznany przywódca europejskiego akademizmu XIX wieku.
W twórczości Ingresa szuka się czystej harmonii.
Studiował w Akademii w Tuluzie sztuki piękne. Po ukończeniu akademii przeniósł się do Paryża, gdzie w 1797 roku został uczniem Jacques’a-Louisa Davida. W latach 1806-1820 studiował i pracował w Rzymie, następnie przeniósł się do Florencji, gdzie spędził kolejne cztery lata. W 1824 powrócił do Paryża i otworzył szkołę malarstwa. W 1835 powrócił do Rzymu jako dyrektor Akademii Francuskiej. Od 1841 roku do końca życia mieszkał w Paryżu.
Akademicyzm (francuski academisme) to kierunek w malarstwie europejskim XVII-XIX wieku. Malarstwo akademickie powstało w okresie rozwoju akademii artystycznych w Europie. Podstawą stylistyczną malarstwa akademickiego na początku XIX wieku był klasycyzm, a w drugiej połowie XIX wieku – eklektyzm.
Akademicyzm rozwijał się, podążając za zewnętrznymi formami sztuki klasycznej. Zwolennicy scharakteryzowali ten styl jako refleksję nad formą sztuki starożytnej starożytny świat i renesans.
inż. Portrety rodziny Riviere. 1804-05
Romantyzm
Romantyzm- zjawisko generowane przez system burżuazyjny. Podobnie jak światopogląd i styl twórczość artystyczna odzwierciedla jego sprzeczności: przepaść między tym, co powinno być, a tym, co jest, ideałem i rzeczywistością. Uświadomienie sobie nierealizacji humanistycznych ideałów i wartości Oświecenia dało początek dwóm alternatywom stanowiska ideologiczne. Istotą pierwszego jest pogarda dla rzeczywistości podstawowej i wycofanie się w skorupę czystych ideałów. Istotą drugiego jest uznanie rzeczywistości empirycznej i odrzucenie wszelkich dyskusji o ideale. Punktem wyjścia romantycznego światopoglądu jest otwarte odrzucenie rzeczywistości, uznanie nieprzezwyciężalnej przepaści między ideałami a realną egzystencją, nieracjonalności świata rzeczy.Charakteryzuje się negatywnym stosunkiem do rzeczywistości, pesymizmem, interpretacją siły historyczne jako bycie poza realną, codzienną rzeczywistością, mistyfikacją i mitologizacją. Wszystko to skłoniło do poszukiwania rozwiązania sprzeczności nie w świecie rzeczywistym, ale w świecie fantazji.
Romantyczny światopogląd obejmował wszystkie sfery życia duchowego - naukę, filozofię, sztukę, religię. Wyrażano to na dwa sposoby:
Pierwsza – w niej świat jawi się jako nieskończona, pozbawiona twarzy, kosmiczna podmiotowość. Twórcza energia ducha działa tu jako początek tworzący światową harmonię. Tę wersję romantycznego światopoglądu charakteryzuje panteistyczny obraz świata, optymizm, wzniosłe uczucia.
Drugi – w nim podmiotowość człowieka rozpatrywana jest indywidualnie i osobowo, rozumiana jako wewnętrzny, pochłonięty sobą świat człowieka, który jest w konflikcie z świat zewnętrzny. Postawę tę cechuje pesymizm, lirycznie smutny stosunek do świata.
Pierwotną zasadą romantyzmu były „dwa światy”: porównanie i kontrast świata rzeczywistego i wyobrażonego. Sposobem wyrażenia tego dualnego świata była symbolika.
Symbolika romantyczna stanowiła organiczne połączenie świata iluzorycznego i realnego, co objawiało się pojawieniem się metafor, hiperboli i porównań poetyckich. Romantyzm, mimo ścisłego związku z religią, charakteryzował się humorem, ironią i marzycielstwem. Romantyzm uznawał muzykę za wzór i normę dla wszystkich dziedzin sztuki, w której według romantyków wybrzmiewał sam pierwiastek życia, pierwiastek wolności i triumfu uczuć.
Na pojawienie się romantyzmu złożyło się wiele czynników. Po pierwsze, społeczno-polityczne: Rewolucja Francuska 1769-1793, Wojny Napoleońskie, Wojna o Niepodległość Ameryka Łacińska. Po drugie, gospodarcze: rewolucja przemysłowa, rozwój kapitalizmu. Po trzecie, ukształtował się pod wpływem klasycznej filozofii niemieckiej. Po czwarte, rozwijał się na bazie i w ramach istniejącego style literackie: oświecenie, sentymentalizm.
Romantyzm rozkwitł w latach 1795-1830. - okres rewolucji europejskich i ruchów narodowowyzwoleńczych oraz romantyzmu ujawnił się szczególnie wyraźnie w kulturze Niemiec, Anglii, Rosji, Włoch, Francji i Hiszpanii.
Trend romantyczny miał wielki wpływ na polu humanitarnym, a pozytywista - na nauki przyrodnicze, technologię i praktykę.
Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Przez krótki czas uczeń C. Verneta (1808-1810), a następnie P. Guerina (1810-1811), który był zirytowany jego sposobami przekazywania natury niezgodnymi z zasadami szkoły Jacques-Louis David i jego zamiłowanie do Rubensa, ale później rozpoznał racjonalne aspiracje Gericaulta.
Podczas służby w królewskich muszkieterach Géricault pisał głównie sceny batalistyczne jednak po podróży do Włoch w latach 1817-19. wykonał duży i złożony obraz „Tratwa Meduzy” (znajdujący się w Luwrze w Paryżu), który stał się całkowitym zaprzeczeniem kierunku Dawida i wymownym głoszeniem realizmu. Nowatorstwo fabuły, głęboki dramatyzm kompozycji i żywotna prawda tego mistrzowsko napisanego dzieła nie zostały od razu docenione, ale szybko zyskało uznanie nawet wśród zwolenników stylu akademickiego i przyniosło artyście sławę utalentowanego i odważnego innowatora .
Tragiczne napięcie i dramat. W 1818 roku Géricault pracował nad obrazem „Tratwa Meduzy”, który zapoczątkował francuski romantyzm. Delacroix, pozując swojemu przyjacielowi, był świadkiem narodzin kompozycji, która przełamuje wszelkie utarte wyobrażenia o malarstwie. Delacroix wspominał później, że kiedy zobaczył ukończony obraz, „zaczął z zachwytu biec jak szalony i nie mógł się zatrzymać przez całą drogę do domu”.
Fabuła filmu oparta jest na prawdziwym zdarzeniu, które miało miejsce 2 lipca 1816 roku u wybrzeży Senegalu. Następnie na mieliźnie Argen, 40 mil od wybrzeża Afryki, rozbiła się fregata Medusa. 140 pasażerów i członków załogi próbowało uciec wchodząc na tratwę. Przeżyło ich tylko 15 i dwunastego dnia wędrówki zostali zabrani przez bryg Argus. Szczegóły podróży ocalałych zszokowały współczesną historię. opinia publiczna, a sama katastrofa przerodziła się w skandal we francuskim rządzie z powodu niekompetencji kapitana statku i niewystarczających prób ratowania ofiar.
Rozwiązanie obrazowe
Gigantyczne płótno zachwyca siłą wyrazu. Gericaultowi udało się stworzyć jasny obraz, łącząc w jednym obrazie umarłych i żywych, nadzieję i rozpacz. Zdjęcie poprzedził ogromny prace przygotowawcze. Gericault wykonał liczne szkice umierających w szpitalach i zwłok osób rozstrzelanych. „Tratwa Meduzy” była ostatnim ukończonym dziełem Gericaulta.
W 1818 roku, kiedy Géricault pracował nad obrazem „Tratwa Meduzy”, który zapoczątkował francuski romantyzm, Eugene Delacroix, pozując swojemu przyjacielowi, był świadkiem narodzin kompozycji, która przełamała wszelkie utarte wyobrażenia o malarstwie. Delacroix wspominał później, że kiedy zobaczył ukończony obraz, „zaczął z zachwytu biec jak szalony i nie mógł się zatrzymać przez całą drogę do domu”.
Reakcja publiczna
Kiedy Géricault wystawił na Salonie w 1819 roku „Tratwę Meduzy”, obraz wywołał oburzenie opinii publicznej, gdyż artysta, wbrew ówczesnym normom akademickim, nie posłużył się tak dużym formatem do przedstawienia postaci heroicznej, moralizującej czy klasycznej. temat.
Obraz został zakupiony w 1824 roku i obecnie znajduje się w sali 77 na pierwszym piętrze Galerii Denon w Luwrze.
Eugeniusz Delacroix(1798 - 1863) - francuski malarz i grafik, przywódca ruchu romantycznego w malarstwie europejskim.
Ale prawdziwymi uniwersytetami dla Delacroix były Luwr i komunikacja z młodym malarzem Theodorem Gericaultem. W Luwrze zafascynował się dziełami dawnych mistrzów. Można było tam wówczas zobaczyć wiele obrazów uchwyconych w czasie Wojny napoleońskie i do tej pory nie wróciły do właścicieli. Początkującego artystę najbardziej pociągali wielcy koloryści - Rubens, Veronese i Tycjan. Jednak największy wpływ na Delacroix miał Theodore Gericault.
W lipcu 1830 roku Paryż zbuntował się przeciwko monarchii Burbonów. Delacroix sympatyzował z rebeliantami, co znalazło odzwierciedlenie w jego „Wolności wiodącej lud” (w naszym kraju dzieło to znane jest również jako „Wolność na barykadach”). Wystawiony na Salonie w 1831 roku obraz wzbudził duże uznanie publiczności. Nowy rząd kupił obraz, ale natychmiast nakazał jego usunięcie; patos wydawał się zbyt niebezpieczny.
