Rosyjska sztuka dekoracyjna i użytkowa XVIII wieku. Sztuka dekoracyjna i użytkowa XVIII - pierwszej tercji XIX wieku. Ludowa architektura drewniana

Skrzynia ślubna. Włochy. XVII wiek

Grupa rzeźbiarska „Zima”. Z cyklu „Cztery pory roku”. Niemcy. Miśnia

Przedmioty serwisowe. Francja. Zerwać. 1780-1784. Porcelana miękka, malowanie. Zamrażarka

Sala sztuki francuskiej XVIII-XIX wieku

Gabinet. Augsburgu. XVII wiek Drewno, rzeźba, biały metal, złocenie, 196x135x61

Biuro-cylinder. Rosja. Koniec XVIII wieku.

Wazon. Rosja. Pierwsza ćwierć XIX wieku. Szkło, malowanie złotem. Wysokość 35,5

Zamrażarka. Rosja. Cesarska Fabryka Porcelany. Pierwsza ćwierć XIX wieku. Porcelana, malowanie. Wysokość 40

Zbiory sztuki dekoracyjnej i użytkowej kojarzone są także z nazwiskiem A.P. Bogolyubova, który na otwarcie muzeum podarował 40 sztuk dawnej porcelany, głównie saskiej. Różne przybory i meble liczyły wówczas 92 pozycje. W 1897 r., po śmierci Bogolubowa, do jego testamentu wpłynęła kolejna grupa rzeczy, do których zaliczały się meble, szkło, brąz i sztućce.

Zbiory Bogolubowa, zwłaszcza porcelany, zostały znacznie uzupełnione w pierwszych latach porewolucyjnych z Funduszu Państwowego Muzeum, który otrzymał wszystkie znacjonalizowane dzieła sztuki. W 1970 r. muzeum otrzymało próbki porcelany rosyjskiej i zachodnioeuropejskiej (ponad 300 egzemplarzy), przekazane przez słynnego okulistę z Saratowa O. A. Gordeevę.

Historia tej subtelnej i wykwintnej sztuki sięga wieków wstecz. Porcelana powstała na przełomie VII i VIII wieku w Chinach. W Europie dowiedzieli się o tym już w XIII wieku. Słynny wenecki podróżnik Marco Polo przywiózł ze Wschodu kilka porcelanowych naczyń. Europę ogarnęła „porcelana gorączka”; wszyscy chcieli mieć produkty wykonane z tego białego, błyszczącego materiału, pomalowane na jasne, nie blaknące kolory. Istnieją informacje, że gdy przedmioty wykonane z porcelany uległy zniszczeniu, i tak były przechowywane, często odłamki osadzano w metalach szlachetnych i noszono jako biżuterię. Porcelanę ceniono nie tylko za piękno, ale także za jej niewidziane dotąd właściwości. Szkliwiona powierzchnia porcelany nie była narażona na działanie czynników chemicznych i była nieprzenikniona. Powstały legendy o porcelanie. Tajemnicę jego produkcji udało się rozwikłać dopiero na początku XVIII wieku. Ale po drodze odkryto wiele nowych materiałów, które wyglądem przypominały produkty chińskich rzemieślników. Tak pojawiło się szkło mleczne w Wenecji, ceramika hiszpańsko-mauretańska, a fajans w Anglii i Holandii.

Pierwszym w Europie, który pozyskał porcelanę, był I.F. Betger, który w pobliżu Miśni w Saksonii odkrył złoża białej glinki (kaolinu). Odkryto tajemnicę produkcji porcelany, z którą Europa zmagała się od wieków. Wkrótce porcelana manufaktury miśnieńskiej stała się znana w całej Europie. A teraz produkty tej rośliny są popularne wśród miłośników sztuki.

W zbiorach naszego muzeum porcelana miśnieńska jest prezentowana bardzo dobrze i kompleksowo. Należą do nich przedmioty przekazane przez Bogolubowa, porcelana z kolekcji O. A. Gordeevy i inne eksponaty.

Największym zainteresowaniem cieszy się porcelana miśnieńska z XVIII wieku. Epokę tę uważa się za klasyczny okres w rozwoju europejskiej porcelany. W tym czasie mistrz stara się podkreślić biel i delikatność porcelany, serwując materiał z uwzględnieniem jego naturalnych właściwości.

Miśnia – pierwsza europejska produkcja porcelany – słynie szczególnie z małych elementów plastikowych. W obrazach pań, panów, kompozycjach alegorycznych i pastoralnych ze szczególną siłą objawiła się jedna z cech stylu rokoko - iluzja ciągłego, płynnego przepływu linii. Z rozwojem sztuki plastycznej w Miśni kojarzone są nazwiska Johanna Joachima Kaendlera i Petera Reinickego. Ich prace łączyły w sobie elementy rzeźby oraz samej sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Fantazja konturów i piękno koloru charakteryzują rzeźby wykonane z ich modeli.

Dwie alegoryczne postacie z cyklu „Cztery pory roku” – „Zima” i „Wiosna”, wykonane według modeli Johanna Joachima Kaendlera, ujawniają charakterystyczne cechy stylu rokoko w porcelanie. Pory roku są reprezentowane na obrazach starożytni bogowie siedząc na chmurach. Zimę uosabiają Saturn i Hebe, wiosnę Mars i Flora. Grupy rzeźbiarskie ozdobione są drobno wykonanymi formowanymi kwiatami pomalowanymi na jasne kolory, z których słynęła fabryka w Miśni w XVIII wieku.

Wysoka jakość artystyczna wyróżnia niewielką kolekcję wyrobów berlińskiego zakładu. Są to głównie artykuły do ​​nakrycia stołu i dekoracji wnętrz. „Kubek do przewozu” pomalowany jest na wzór motywów A. Watteau w kolorze najdelikatniejszego fioletu, co było chwałą tej produkcji. Korpusy czajników, dzbanków do kawy i wazonów ozdobnych zdobione są popularnymi w XVIII wieku wzorami sielskimi i roślinnymi.

Grupę obiektów pochodzących z fabryki wiedeńskiej reprezentuje wiek XVIII – początek XIX, kiedy to porcelana europejska nabrała cech nowego stylu – stylu Empire. Dbając o większą dekoracyjność, wiedeńscy mistrzowie dali własną wersję malarstwa. Kopie obrazów mistrzów renesansu umieszczano najczęściej w lustrze talerzy w bogatej, ozdobnej złotej ramie.

Każdy kraj podążał własną drogą ku porcelanie, rozwijając zarówno specjalną technologię, jak i szczególny charakter zdobnictwa, czasem w obrębie tego samego stylu. W całej Europie słynęły dania francuskie z kolorowym tłem: turkusowym, różowym, niebieskim, malowane w medaliony oprawione w złocone ozdoby. Taka porcelana powstała w manufakturze Sevres, głównej produkcji porcelany we Francji.

Dokładnie tak malowana jest niebieska maszyna do lodów, taca i przybornik do przypraw, które były częścią serwisu należącego do księcia Jusupowa. Produkcja tej usługi trwała wiele lat i została udekorowana przez czołowych malarzy porcelany. Maszynę do lodów namalował Vincent Jr., autor obrazu przedstawiającego słynną kameę, zamówionego przez Katarzynę II z Sèvres i obecnie przechowywanego w Ermitażu. Serwis Jusupowa został wykonany z „miękkiej porcelany”. Specyficzne właściwości tego materiału nie mogły być bardziej spójne ze stylem rokoko z jego zwykłymi miękkimi konturami i faliste linie. Specyfika masy Sevres zdeterminowała także charakter obrazu: żaden inny materiał ceramiczny nie daje tak dźwięcznych, głębokich tonów o wielu odcieniach.

W Rosji porcelana została po raz pierwszy wyprodukowana w połowie XVIII wieku przez D.I. Winogradowa w Cesarskiej Fabryce Porcelany (IFZ) w Petersburgu. W zbiorach muzeum rosyjską porcelanę reprezentują wyroby wielu prywatnych przedsiębiorstw. Muzeum może poszczycić się wspaniałymi przykładami fabryk IPP, Gardnera, Popowa, Korniłowa, Gulina, Safronowa, które mają swój niepowtarzalny urok.

Znane są osiągnięcia rosyjskich mistrzów w stylu klasycyzmu początku XIX wieku, czyli stylu empire. Znakomitymi przykładami jest rosyjska porcelana mieszcząca się w tym stylu, a także w innych gałęziach sztuki użytkowej.

Styl Empire inspirowany był antykiem. W motywach zdobniczych dominują wieńce laurowe, lwy, gryfy, atrybuty militarne itp. Formy ujawniają solidność brył i ich statyczność. Zgodnie z prawami tego stylu, rzemieślnicy IFZ wykonali wazon będący ozdobą stołu w postaci dwóch klasycznych figur podtrzymujących owalną misę. Biały kolor figur wykonanych z biskwitu (nieszkliwionej porcelany) kontrastuje z niebieskim odcieniem i złoceniem podstawy. Ewidentne jest zamiłowanie stylu Empire do jasności i kontrastu kolorów. Inny wazon to także grupa rzeźbiarska: Wenus kładzie na Kupidyna kołczan ze strzałami. Takie wazony robiono do dużych zestawów ceremonialnych lub rocznicowych i umieszczano je na środku uroczystego stołu.

Cechy tego samego stylu widoczne są w maszynce do lodów na trzech lwich łapach, ciemnej barwie, przypominającej stary brąz. Jego kolor pięknie komponował się z połyskiem złoceń.

Produkty prywatnych fabryk są bardziej oryginalne. Można mówić o porcelanie kapłańskiej, Gardnera lub Safronowa. Fabryki te reprezentowane są nie przez obiekty unikalne, jak IFZ, ale przez tzw. zwykłe sprzęty związane z życiem określonej klasy. Łatwo odgadnąć przynależność społeczną tzw. „karczmowych” jasno zdobionych czajników, ozdobionych prostymi malowidłami kwiatowymi, powstałymi w fabryce Popowa w latach 30.–1850.

Źródłem, z którego rzemieślnicy czerpali formy naczyń i motywy malarskie, jest tradycyjna rosyjska sztuka ludowa. Ścieżka ta będzie najbardziej owocna w okresie zbliżającego się interstylu; w dużej mierze uchroni prywatne fabryki rosyjskie w tym trudnym czasie przed utratą „ceramiki”, nieuniknioną w epoce eklektyzmu w dzbanku do kawy fabryki Korniłowa. namalowany na białym tle w drobne złote listki i różyczki, w jasnych kolorach. W zielonych filiżankach wykonanych przez rzemieślników z kapłańskiej fabryki nie zatracono najważniejszej rzeczy: równowagi formy i przeznaczenia funkcjonalnego obiektu.

Kolekcja radzieckiej porcelany jest stosunkowo niewielka. Reprezentuje ją porcelana propagandowa, która w latach 20. była jednym ze środków propagandy rewolucyjnej.

Naczynia i filiżanki malowane według rysunków S. Czechonina i N. Altmana, rzeźby N. Danki, talerze A. Szczekatichiny-Potockiej z rewolucyjnymi hasłami i emblematami młodego państwa radzieckiego - przemówiła ta pierwsza porcelana Ziemi Sowietów język swoich czasów. Był wystawiany w specjalnych gablotach w Moskwie na Kuznetskim Moście i w Piotrogrodzie na Newskim. „Ta porcelana była wieścią ze wspaniałej przyszłości, o którą kraj radziecki toczył straszliwe bitwy z głodem, zniszczeniami i interwencjami” – napisał E.Ya, artysta i historiograf Fabryki Łomonosowa (dawniej Cesarskiej Fabryki Porcelany). , w jej wspomnieniach.

Wyroby szklane przechowywane w Muzeum A.N. Radishcheva przybyły w ten sam sposób, co porcelana: w 1897 r., zgodnie z wolą A.P. Bogolyubova, za pośrednictwem Funduszu Państwowego Muzeum, ze zbiorów prywatnych.

Niewielką, ale interesującą kolekcję szkła rosyjskiego z przełomu XVIII i XIX w. przekazała muzeum w 1973 r. E.P. Razumowa.

Rosyjskie huty szkła, publiczne i prywatne, pojawiły się na początku XVIII wieku w Moskwie i Petersburgu, niedaleko Smoleńska i Kaługi. Rośnie popyt na przedmioty szklane. Rośnie także liczba fabryk. Słynna roślina Maltsev pojawiła się na rzece Gus pod Włodzimierzem, a fabryka Bakhmetyev pod Penzą we wsi Nikolskoye.

Najbardziej wczesne prace przemysłu szklarskiego XVIII wieku w naszej kolekcji znajdują się wyroby pochodzące z prywatnych fabryk. To przede wszystkim adamaszek z zielonego szkła z prostym motywem roślinnym i napisem: „Naczynie to zostało wykonane w fabryce Gavril w 726 roku…” Jest to wczesny przykład rosyjskiej zwykłej zastawy stołowej, której nie oszczędzano ani nie dbano o nią. Zamiast zgubionego i uszkodzonego kupili nowy. Dlatego niewiele takich potraw przetrwało. Shtof jest również interesujący, ponieważ jest przedmiotem popisowym. Wskazuje datę i miejsce produkcji. Wiadomo, że w 1724 r. w okręgu moskiewskim założono fabrykę Gawriłowa i Loginowa. Brak bliższych informacji na temat tej produkcji. Nasz adamaszek daje wyobrażenie o charakterze produktów mało znanej firmy.

Szkło w Rosji praktycznie nie było oznakowane. Dopiero od lat 20. XIX w. (od czasów Mikołaja I) Cesarska Fabryka Szkła zaczęła stemplować swoje wyroby. Obecność marki nie jest oczywiście jedynym sposobem na określenie miejsca i czasu produkcji konkretnego przedmiotu. Godnymi uwagi zabytkami szklarstwa są kielichy z XVIII wieku, wysokie, stożkowate, często z wieczkami, ozdobione rzeźbionymi herbami panujących osób lub monogramami. Benzle oprawiano w pędy i loki roślin, które nazywano „rocaille”. Wzdłuż górnej części misek, w pobliżu brzegu, wzór grawerowanych i polerowanych „dołków” z ramionami. Słupki na nogi wykonano w formie tralki z „jabłkami”, które czasami zawieszano na słupku po pięć sztuk. Grawerowanie na tych przedmiotach było płytkie i rozległe. Te cechy odróżniają puchary rosyjskie od przechowywanych w muzeum pucharów Czech i Niemiec.

Podobno liczne kolorowe kieliszki, karafki i butelki produkowano w prywatnych fabrykach. Kolorowe szkło było bardzo popularne w Rosji. Inaczej Europa Zachodnia, tutaj wykonali naczynia z litego kolorowego szkła, które duże ilości pojawił się w połowie XVIII w. Wynika to z udanych eksperymentów M. Łomonosowa.

Pod koniec XVIII - początek XIX stuleci pojawiły się wysokie fasetowane karafki z korkami różne kształty, szklanki wzniesione na cienkich nóżkach, eleganckie szklanki z błyszczącymi krawędziami - eleganckie naczynia, które służyły do ​​dekoracji świąteczne stoły i dostawcy. Naczynia fasetowane wykonane są ze szkła bezbarwnego z dodatkiem ołowiu, który nadaje im szczególny połysk. Nazywa się go kryształem i jest szlifowany tak zwaną „ostrzem diamentu”. Technika ta jest nadal stosowana w produkcji szkła.

Druga połowa XIX wieku to czas wzmożonego zainteresowania sztuką zdobniczą i użytkową, zwłaszcza w jej historii. Kolekcjonowanie antyków staje się coraz popularniejsze. To nie przypadek, że w tym samym czasie wzrosło zainteresowanie meblami antycznymi. Kolekcjonerzy gromadzą rzeźbione, złocone meble z XVIII wieku, intarsjowane komody, szafki, włoskie i niemieckie skrzynie ślubne oraz masywne dębowe i orzechowe szafki z Niemiec z XVII wieku. Podobne pozycje znajdowały się w zbiorach Bogolubowa.

Szał na antyczne meble powoduje, że podróbki zalewają sklepy z antykami. Jedna po drugiej powstają warsztaty w Paryżu, Wenecji, Petersburgu, produkujące antyczne meble, czasem nie do odróżnienia od prawdziwych - drewno jest tak gładko wypolerowane, że proporcje jego elementów konstrukcyjnych są tak wiernie zachowane.

Najwcześniejsze meble znajdujące się w zbiorach muzealnych pochodzą z XVI-XVII wieku. Są to meble z Niemiec, Francji, Włoch, Holandii, zebrane przez A.P. Bogolyubova. Oczywiście nasza kolekcja mebli z tamtego okresu nie daje powodu do mówienia o istniejącym wnętrzu, ale pozwala nam to sobie wyobrazić cechy narodowe dzieła sztuki meblarskiej z różnych krajów, w dość szerokich ramach chronologicznych.

Meble nie są trwałe, materiałem do ich produkcji jest drewno, które łatwo ulega różnym wpływom. Wiele z nich zginęło zarówno w wyniku klęsk żywiołowych, jak i wojen, a także z powodów związanych z wpływem mody. Meble to przedmiot konsumencki. Oznacza to, że z czasem ulega zużyciu i należy go wymienić na nowy. Zachowały się małe meble z domów zwykłych ludzi. Niemniej jednak w obiektach naszej kolekcji można prześledzić główne etapy historii sztuki meblarskiej w niektórych krajach Europy.

We Włoszech XVI wieku wykonano krzesło z litego drewna z rzeźbionym oparciem, skrzynię ślubną, wykonanie weneckie i ołtarz. Do wykonania tego mebla wykorzystano brązowy orzech, materiał charakterystyczny dla Włoch, który pozwala rzemieślnikowi osiągnąć wspaniały efekt artystyczny. Motywy rzeźbiarskie zaczerpnięto z dziedzictwa sztuki starożytnej. W skrzyni ślubnej, oczywiście florenckiej, zaskakuje rzadka jedność formy i zdobnictwa, która wyróżniała włoskich producentów mebli z XVI - początków XVII wieku.

Meble z tej epoki w swojej konstruktywnej logice są podobne konstrukcje architektoniczne. Ołtarz zaprojektowano w formie portalu z kolumnami oplecionymi winoroślą, z podium w niszy na figurę Matki Bożej – te elementy architektoniczne są niezwykle charakterystyczne dla mebli z XVI-XVII wieku. Jest to szczególnie odczuwalne w przypadku mebli skrzyniowych produkowanych na południu Niemiec. Szafa zamienia się w coś w rodzaju dwupiętrowego budynku, którego każde piętro jest oddzielone gzymsem. Kondygnacje zdobią kolumny lub pilastry. Drzwi szaf przypominają portale lub okna zwieńczone listwami lub frontonami. Wszystkie te detale architektoniczne wzmocnione klejem stanowią tak naprawdę dekorację ukrywającą konstrukcję szafki, składającej się z dwóch skrzyń. Wrażenie to potęgują składane uchwyty skrzyni na bocznych fasadach. Dokładnie tak zaprojektowano szafkę, ozdobioną węzełkiem (narośl na drewnie, wada drewna nadająca bogatą, piękną fakturę). Szafy koniecznie były wyposażone w półki, a ubrania przechowywano w nich złożone. Mogą również służyć do przechowywania różnych przyborów kuchennych.

Za tradycyjny dla Niemiec XVI-XVII w. można uznać także kształt składanego krzesła, tzw. krzesła kurulnego. Dla starożytnych był to symbol władzy. Tylko siedzenie na takim krześle mogło wymierzyć sprawiedliwość i odwet. Takie krzesło było zwykle noszone przez konsulów, starszych dowódców wojskowych i dyktatorów. Gładko zakrzywione nóżki, wykonane z kilku wąskich desek, są skrzyżowane i połączone poprzeczkami dla zwiększenia wytrzymałości, a wyjmowana deska włożona w górną część krzesła jako przekładka tworzy oparcie.

Od XVI wieku w Niemczech pojawiła się wyjątkowa forma krzesła, która rozpowszechniła się w sztuce meblarskiej tego kraju w XVII wieku – tzw. krzesło chłopskie. Cała seria podobnych produktów z różne opcje W naszym muzeum też jest taka ozdoba. Prototypem takiego krzesła był początkowo po prostu pień drzewa, oczyszczony z gałęzi i wzmocniony w celu zapewnienia stabilności na trzech nogach. A dla wygodnych mieszkań miejskich wykonano krzesła z czterema nogami - przykłady wysokiego kunsztu. Dekorowana jest jedynie deska, która służy jako tył. Może być wykonany nie tylko z orzecha włoskiego, ale także z dębu i sosny. To zależy od tego, gdzie przedmiot został wykonany. W rzeźbie z reguły stosuje się groteskowe motywy zdobnicze, które często za pomocą wyobraźni mistrza przekształcają się w baśniowy wzór.

Wiek XVII wnosi wiele nowości do sztuki meblarskiej. Wynika to przede wszystkim z przemian społecznych w Europie, które doprowadziły do ​​zmiany pozycji trzeciej władzy. Dochodząc do władzy, kultywuje skromność, prostotę i świętość rodzinnego ogniska domowego. Holenderskie meble cieszą się dużym zainteresowaniem i są eksportowane do wszystkich krajów. Na drugim biegunie znajduje się Francja, w której sztuce triumfuje wspaniały, uroczysty styl.

W naszej kolekcji mebli znajduje się tylko jeden egzemplarz typowy dla ceremonialnego wystroju pałacu z XVII wieku. Jest to tzw. szafka – szafka posiadająca wiele szuflad, przegródek i wysuwaną deskę. Został wykonany przez rzemieślników z miasta Augsburg, ozdobiony na fasadzie metalowymi nakładkami z wizerunkami zwierząt i skręconymi złoconymi kolumnami. Deska wykonana jest z cennego drewna.

Urzędy takie pojawiły się w XVI wieku. Ich ojczyzną jest Hiszpania. Pierwsze szafki były trumnami na podstawie. W XVII wiek- są to już duże szafki, które stały się częścią dekoracji pokoju, zwanego biurem. W szafkach przechowywano medale, listy i biżuterię.

Większość kolekcji mebli rosyjskich, obejmującej dzieła z XVIII-XIX w., powstała albo w małych prywatnych warsztatach, albo przez meblarzy z majątków szlacheckich. Rzemieślnicy wnieśli do swoich dzieł różnorodne gusta artystyczne, całą zgromadzoną wiedzę i umiejętności, techniki obróbki, wykańczania i dekoracji drewna. Znalazły one swoje odzwierciedlenie przede wszystkim w ówczesnych formach mebli domowych, na które wywarł ogromny wpływ sztuka ludowa. Przejawiało się to nie tylko w formach i wystroju, ale w wyborze i obróbce drewna. Brzoza karelska i topola stały się ulubionymi materiałami już pod koniec XVIII wieku. Są używane tylko w Rosji.

Każdy kraj w sztuce meblarskiej był albo przodkiem określonego stylu, jak np. Włochy w okresie renesansu, albo kolebką słynnego producenta mebli, takiego jak T. Chippendale w Anglii czy J. Jacob we Francji.

Meble rosyjskie reprezentowane są głównie przez wyposażenie szlacheckiego wnętrza pierwszej trzeciej XIX wiek. Była to jedna z najwspanialszych epok w historii sztuki dekoracyjnej i użytkowej w Rosji, a zwłaszcza mebli. W sztuce pierwszych dekad XIX wieku dominował styl Empire, który wywodzi się z Francji i stał się własnością całej Europy. Rosja stworzyła własną, oryginalną wersję tego stylu, w której stała się wyrazicielką wysokich i postępowych idei. Dekoracyjność charakterystyczna dla stylu Empire, dążenie do monumentalności i uogólnienia form determinowały dobór materiału w meblach i charakter jego interakcji z formą i wystrojem. Głównymi materiałami używanymi przez rosyjskich producentów mebli będzie mahoń i brzoza karelska, które pokochali za piękną fakturę drewna.

Meble znajdujące się w naszym muzeum zostały wykonane głównie rękami rzemieślników pańszczyźnianych i reprezentują odmianę stylu empire, szeroko stosowanego w życiu rosyjskiej szlachty. To prostsze niż meble pałacowe. Meble te trafiły do ​​muzeum po Wielkiej Rewolucji Październikowej rewolucja socjalistyczna z okolicznych osiedli, kamienic i ma wartość nie tylko artystyczną, ale także historyczną.

Szczególnie różnorodne są meble do siedzenia. Dwa sparowane fotele z ażurowymi rzeźbionymi oparciami ozdobionymi złoconymi lirami są przykładem rosyjskich mebli domowych z pierwszego okresu ćwierć XIX wiek. Istnieją formy niemal pozbawione dekoracji, fornirowane złotą brzozą karelską z czarnymi oczami.

W tym czasie we wnętrzu szlacheckiej posiadłości pojawiło się kolejne pomieszczenie, tzw. pokój sofowy, którego nieodzownym dodatkiem była kanapa. Zwykle są to miękkie, prostokątne sofy, których szczyty oparć i łokci są fornirowane brzozą karelską lub mahoniem, który stał się powszechny w tamtych latach. We wnętrzu sofę połączono z fotelami i stolikiem przed sofą. Takie wariacje znajdują się również na naszej wystawie i wskazują na ukształtowane już wnętrza w epoce cesarstwa. Meble te różnią się od mebli frontowych: jest mniej złoceń, zamiast brązu stosuje się drewno złocone na gesso i zachowana jest jedna z tradycyjnych metod obróbki drewna, tak ukochana przez rosyjskich rzemieślników - rzeźbienie.

Działalność kolekcjonerska muzeum jest kontynuowana. W ostatnie lata zbiory sztuki zdobniczej i użytkowej uzupełniono ciekawymi eksponatami, z których najlepsze znalazły swoje miejsce na wystawie.

W drugiej połowie XVIII w. rosyjski sztuka stosowana osiągnęła znaczący wzrost. Sprzyjał temu rozwój gospodarki, handlu, nauki i techniki oraz w dużej mierze ścisłe powiązania z architekturą i sztukami pięknymi. Wzrastała liczba dużych i małych fabryk, fabryk, warsztatów produkujących tkaniny, szkło, porcelanę i meble. Właściciele ziemscy zakładali w swoich majątkach różne warsztaty oparte na pracy pańszczyźnianej.

Humanistyczne idee Oświecenia znalazły swoje unikalne odzwierciedlenie w sztuce użytkowej końca XVIII wieku. Rzemieślnicy tamtych czasów wyróżniali się dbałością o osobiste gusta i potrzeby człowieka oraz poszukiwaniem komfortu w otoczeniu.

Nowy styl - klasycyzm rosyjski - na przełomie lat 70. i 80. XVIII wieku ugruntował się we wszystkich rodzajach sztuki użytkowej. Architekci M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin stworzyli wnętrza w duchu szlachetnej prostoty i powściągliwości z wyraźnym podziałem części, z konstruktywnie uzasadnionym układem zarówno plastycznego, jak i malowniczego wystroju architektonicznego.

Na tej samej zasadzie projektowano meble, kandelabry i żyrandole do pomieszczeń pałacowych. W zdobnictwie mebli, naczyń i tkanin, budowanym w wyraźnym rytmie, pojawiały się motywy antyczne – akanty, meandry, joniki, barwnie interpretowane kwiaty, girlandy, wizerunki amorków, sfinksów. Złocenie i kolorystyka stały się delikatniejsze i bardziej powściągliwe niż w połowie XVIII wieku.

Pod koniec XVIII wieku zamiłowanie do starożytności zmusiło ludzi do porzucenia nawet skomplikowanego i wspaniałego stroju. Modne stały się lekkie, luźne sukienki z płynnymi fałdami i wysokim paskiem w stylu antycznym (V.L. Borovikovsky. „Portret M.I. Lopukhina.” 1797).

Synteza sztuki w rosyjskim klasycyzmie opiera się na zasadzie harmonijnego połączenia wszystkich rodzajów sztuk.

Meble. W okresie klasycyzmu jego formy są proste, zrównoważone, wyraźnie skonstruowane, a rytmy spokojne. Kontury nadal zachowały pewną miękkość i okrągłość, ale linie pionowe i poziome były już widoczne. Dekoracje (niskie rzeźby, obrazy, płyty z brązu i mosiądzu) podkreślały wyrazistość budowli. Większa troska dotyczyła wygody. Apartamenty zostały zaprojektowane do pomieszczeń frontowych o różnym przeznaczeniu: pokój dzienny, gabinet, sypialnia frontowa, przedpokój. Pojawiły się nowe formy mebli: stoły do gra karciana, rękodzieło, lekkie przenośne stoliki fasolowe (z pokrywą w kształcie fasolki), różnego rodzaju komody. Sofy stały się powszechne, a także w meblach biurowych, biurach-sekretarkach, biurach z cylindryczną zwijaną pokrywą.

Podobnie jak w poprzednich okresach, meble rosyjskie w porównaniu do mebli zachodnich są masywniejsze, bardziej uogólnione i prostsze w szczegółach. Materiałem do niego były lokalne gatunki drewna - lipa, brzoza (złocona i malowana na jasne kolory), orzech, dąb, topola, jesion, grusza, dąb bagienny. Pod koniec XVIII wieku zaczęto stosować brzozę karelską oraz importowane kolorowe drewno z mahoniu, amarantusa, palisandru i innych gatunków. Rzemieślnicy wiedzieli, jak oddać swoje piękno, strukturę, kolor, połysk, umiejętnie podkreślony przez polerowanie.

Rosyjscy mistrzowie osiągnęli wielkie osiągnięcia w technice typografii (intarsji). Jej istotą jest komponowanie ozdób i całych obrazów (zwykle opartych na rycinach) z kawałków kolorowego drewna na powierzchni drewnianych przedmiotów. Tego rodzaju twórczość znani są nie tylko stołecznych stolarzy dworskich, ale także byłych chłopów pańszczyźnianych pracujących w Moskwie i obwodzie moskiewskim: Nikifora Wasiliewa (il. 78), Matwieja Wieretennikowa oraz bezimiennych mistrzów Tweru i Archangielska, którzy wprowadzili kość słoniowa morsa do zestawu. Przykłady wysokiej sztuki rzeźbienia mebli w Pałacu Ostankino należą do poddanych Iwana Mochalina, Gawriły Niemkowa i innych. W Petersburgu słynęły meble i rzeźby mistrzów z Ochty, przeniesionych do stolicy z różnych miejsc za Piotra I. Artystycznego wyglądu mebli dopełniała tapicerka z wzorzystych jedwabi, aksamitu, drukowanego perkalu, lnu tkaniny, co współgrało z wystrojem ścian.

Tekstylia. Ze wszystkich gałęzi przemysłu drugiej połowy XVIII w. najlepiej rozwijały się tekstylia (Moskwa, Iwanowo, Jarosław, prowincja Włodzimierz). O jego powstaniu decydowały nie tylko wielkie manufaktury, ale także drobne przedsiębiorstwa chłopskie. Szczególną doskonałość osiągnęli rzemieślnicy w nowych wzorzystych tkaninach lnianych o skomplikowanych splotach, z grą naturalnych srebrno-białych odcieni lnu. Odzwierciedlono tu tradycje tkactwa chłopskiego i głębokie zrozumienie materiału. Produkowano także tanie i masowe wyroby pstrokate i barwione. Znacząco poprawiły się walory dekoracyjne tkanin kolorowych i wełnianych.

Prężnie rozwijała się produkcja tkanin jedwabnych na suknie oraz tkaniny dekoracyjne, szaliki i wstążki (il. 80). Pod koniec XVIII wieku nie były gorszej jakości od francuskich - najlepszych w Europie. Rosyjscy tkacze nauczyli się wykorzystywać różnorodne nici i skomplikowane wzory tkackie przypominające haft. Zastosowano techniki kompozycyjne i bogatą paletę tkanin dekoracyjnych, aby uzyskać przeniesienie przestrzeni, subtelność przejść tonalnych, precyzję rysowania kwiatów, ptaków i pejzaży. Takie tkaniny wykorzystywano do ozdabiania pałaców i wysyłano za granicę jako prezenty.

W tkaninach na suknie, zwłaszcza na sukienki, do lat 80. - 90. XVIII w. stosowano wzory skomplikowanych, falistych girland kwiatowych, wstążek i koralików. Stopniowo jednak girlandy zastąpiono paskami, wzory stały się prostsze, ich rytmy gładsze, kolory jaśniejsze i bardziej miękkie.

W latach 50.-60. XVIII w. w Petersburgu, a później w Moskwie, we wsi. Iwanowo (obecnie miasto Iwanowo) rozwinęło produkcję perkalu (tkaniny bawełnianej z nadrukowanym wzorem przy użyciu nasyconych, nieblaknących barwników i późniejszego polerowania). We wzorach perkalu rzemieślnicy, zwłaszcza z Iwanowa, w unikalny sposób przetwarzali motywy tkanin jedwabnych. Bazując na ludowym materiale drukowanym, połączyli bogatą plamę obrazową i wycinankę graficzną (kontury wzoru, siatki, kropki tła). Początkowo perkal był bardzo drogi. Pod koniec XVIII wieku zaczęto produkować tanie odmiany.

Porcelana. Pod koniec XVIII wieku rosyjska porcelana stała się jedną z najlepszych w Europie. Państwowa Fabryka Porcelany w Petersburgu działała z sukcesem. Jego wyroby wyróżniały się lekko ciepłą bielą, błyszczącym szkliwem, wysoką wysokością jakość techniczna. Kształtami naczyń, wazonów i ich malowaniem nie ustępowały zachodnim.

Powstaje najważniejsza z nabożeństw – Arabeska na przyjęcia dworskie (1784, il. 77). Dekoracja stołu tego nabożeństwa złożona z dziewięciu alegorycznych rzeźb gloryfikuje aneksję Gruzji i Krymu, „cnotę” Katarzyny II (rzeźbiarz Zh. D. Rashet). Dominują w nim spokojne pozy charakterystyczne dla klasycyzmu końca XVIII w., jasne złocenia, ścisłe proporcje form serwowania naczyń z malowidłami w formie arabesek, wzorowanymi na starożytnych zdobieniach.

W latach osiemdziesiątych XVIII wieku powstała seria rzeźb „Narody Rosji” (twórcza obróbka rycin) - jaskrawo dekoracyjna, z charakterystycznymi wizerunkami - przedstawicieli poszczególnych narodowości (Jakut, Samojed, Tatar). Powstały rzeźbiarskie postacie ulicznych sprzedawców i rzemieślników, ukazane w ruchu i przy pracy. Rzeźba porcelanowa od wielu dziesięcioleci stała się ulubioną ozdobą szlachetnych wnętrz.

Spośród prywatnych fabryk porcelany najbardziej opłacalna okazuje się fabryka Franza Gardnera (1765) (wieś Werbilki pod Moskwą). Już pod koniec XVIII w. wykonywał dekoracje dla domu królewskiego, wykorzystując w obrazach oryginalne motywy porządku rosyjskiego. Dość tania zastawa stołowa z porcelany Gardnera, wyróżniająca się prostotą formy, bujnym malowidłem kwiatowym, bliska tradycjom ludowym, odniosła sukces zarówno w stolicy, jak i na prowincji (il. 79).

Szkło. Szkło kolorowe przyniosło prawdziwą chwałę rosyjskiemu szkłu w ostatniej tercji XVIII wieku. M.V. Łomonosow swoimi pracami nad teorią koloru i technologią kolorowego szkła otworzył nowe drogi dla rosyjskiego szklarstwa, wzbogacił paletę szkła i ożywił rosyjskie mozaiki. Zorganizował fabrykę do produkcji smaltu, koralików i szkła we wsi Ust-Ruditsa w obwodzie petersburskim. Mistrzowie Państwowej Fabryki w Petersburgu, Drużyninie i Kiriłłowie, zostali przeszkoleni w zakresie topienia kolorowego szkła przez Łomonosowa. Zakład opanowuje produkcję szkła w głębokich i czystych odcieniach - błękitu, fioletu, różowo-czerwonej, szmaragdowej zieleni. Obecnie w jego produkcji nie dominuje już grawerowany kryształ, ale cienkie szkło kolorowe i bezbarwne. Kieliszki, kieliszki i karafki otrzymują gładkie kształty, w których korpus płynnie przechodzi w nóżkę, tworząc miękkie, pełne wdzięku kontury. Złote i srebrne malowidła przedstawiające girlandy, kokardki, gwiazdy i monogramy utrzymane są w spokojnym rytmie i podkreślają plastyczną objętość naczyń.

Produkowane jest także szkło tzw. mlecznobiałe (kubki, karafki, przedmioty sakralne), przypominające wygląd a charakter obrazów stanowi droższa porcelana.

Pod koniec XVIII wieku prywatne huty szkła Bachmetyjewa w prowincji Penza, Maltsevów w prowincjach Włodzimierz i Oryol oraz wiele innych rozwijały się i osiągały wielkie sukcesy. Ich bezbarwne i kolorowe szkło i kryształy są szeroko rozpowszechnione w całej Rosji.

Artystyczna obróbka metali. Rozkwit sztuki jubilerskiej w Rosji rozpoczął się w połowie XVIII wieku i trwał przez całe stulecie. Ma materiały artystyczne o niezwykłej urodzie: są to diamenty, szmaragdy, szafiry i inne kamienie szlachetne i półszlachetne, emalie malowane, metale nieżelazne (złoto, srebro, platyna, stopy). Sztuka cięcia kamieni sięga wysoki stopień doskonałość. Aby poprawić grę kamienia, jubilerzy znajdują różnorodne artystyczne i techniczne techniki mocowania i ruchomego mocowania części. Artyści jubilerscy tworzą biżuterię o misternych kształtach, wielobarwną: kolczyki, pierścionki, tabakierki, sprzączki do butów, guziki do luksusowych garniturów zarówno dla mężczyzn, jak i kobiet.

W ostatniej tercji XVIII wieku kształty biżuterii uległy wyrównaniu, a kolorystyka kamieni szlachetnych została zaostrzona.

W tym okresie złotnicy odnieśli wielki sukces. Zgodnie z nowymi gustami, kształty srebrnych serwisów są proste i przejrzyste. Zdobią je flety i antyczne ozdoby. Na srebrnych szklankach i tabakierkach rzemieślnicy z Wielkiego Ustyuga odtwarzają ryciny wizerunków starożytnych scen i zwycięstw wojsk rosyjskich.

Wybitnym zjawiskiem w sztuce użytkowej XVIII wieku są stalowe wyroby artystyczne rzemieślników z Tuły: meble, pudełka, świeczniki, guziki, sprzączki, tabakierki. Dekoracyjny efekt swoich prac budują na zestawieniu gładkiej jasnej stali i dekoracji w postaci fasetowanych brył, które mienią się niczym diamenty. Rzemieślnicy stosują niebieszczenie (obróbkę cieplną w kuźni w różnych temperaturach) metalu, co daje różne odcienie - zielony, niebieski, fioletowy, od grubego do rozjaśnionego. Tradycje sztuki ludowej znajdują odzwierciedlenie w zamiłowaniu do jasnych kolorów i głębokim zrozumieniu materiału.

Kolorowy kamień. W drugiej połowie XVIII wieku odkryto złoża marmurów, wiśniowo-różowych orletów na Uralu, wielobarwnych jaspisów, pstrokatych brekcji, porfirów Ałtaju i błękitnego lapis lazuli Bajkału. Oprócz Peterhofu (1722-1723) i Jekaterynburga (początek lat 30. XVIII w.) w samym sercu Ałtaju w 1787 r. rozpoczęła działalność fabryka Loktev (od 1802 r. zastąpiła ją fabryka Kolyvan). Istnieją szerokie możliwości wykorzystania kamienia kolorowego w wykańczaniu i dekorowaniu dzieł monumentalnych i zdobniczych wnętrz pałacowych.

Umiejętność rozpoznawania walorów estetycznych materiału zawsze wyróżniała rosyjskich rzemieślników, ale szczególnie wyraźnie wyrażała się w sztuce cięcia kamienia. Pracując według projektów architektów, kamieniarze artystycznie odkrywają bajeczne piękno kamienia, jego naturalny wzór, niezwykłe odcienie koloru, połysk, podkreślając je doskonałym polerowaniem. Brąz złocony w formie uchwytów, głowica jedynie uzupełnia i podkreśla kształt. Projekty rzeźb kamiennych, obelisków, wazonów, oparte na starożytnych formach, stworzyli Quarenghi i Voronikhin.

Rozkwit rosyjskiej sztuki użytkowej w XVIII wieku wiązał się z twórczością architektów Kazakowa, Starowa, Quarenghi, Camerona, Woronichina i szeregu wyszkolonych artystów ludowych. Ale prawdziwą chwałę tworzyli głównie nieznani rzemieślnicy pańszczyźniani – meblarze, rzeźbiarze, tkacze, kamieniarze, jubilerzy, szklarze, ceramiki.

Zmiany w życiu codziennym i ich wpływ na sztukę i rzemiosło. Cechy zdobnictwa i wystroju stylów artystycznych baroku, rokoka, klasycyzmu.

Wyroby srebra i złota: szkoła petersburska, moskiewscy rzemieślnicy i manufaktury, srebro niello z Wielkiego Ustiuga. Nowe rodzaje naczyń z metali szlachetnych i nieżelaznych: czajniki, dzbanki do kawy, bouillotte, samowary. Artykuły gospodarstwa domowego i przybory kościelne. Regalia państwowe. Ordery i medale. Emalie. Artyści emalii A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.

Pojawienie się rosyjskiej porcelany. D.I.Winogradow. Cesarskie i prywatne fabryki porcelany. Majolika, fajans. Szkło artystyczne. Tkaniny dekoracyjne i gobeliny. Nowe w ubraniach. Meble gabinetowe i typograficzne. Intarsja. Drewniane rzeźby we wnętrzach cywilnych i kościelnych. Załogi. Kamień dekoracyjny. Kamea.

Artystyczne rzemiosło ludowe. Rzeźbione i inkrustowane dno Gorodets. Rzeźba w kościach Kholmogory. Złoty haft prowincji Twerskiej. Koronka Galicz i Wołogdy. Ceramika Gżela.

Muzyka i teatr w XVIII wieku

Polifoniczny śpiew chóralny. Krawędzie. Muzyka instrumentalna i orkiestra. Sztuka operowa. Balet. Muzyka w życiu dworskim, miejskim i chłopskim. Pojawienie się narodu szkoła kompozytorska. E.I.Fomin. I.E.Khandoshkin. DS Bortnyansky. M. S. Bieriezowski. A.O. Kozłowski.

Próby stworzenia dostępnego teatru publicznego za Piotra Wielkiego. Amatorskie występy na korcie. Teatry szkolne w religijnych i świeckich placówkach oświatowych. Profesjonalne zespoły aktorów zagranicznych.

Dramat rosyjskiego klasycyzmu: tragedie i komedie. Wpływ sentymentalizmu na repertuar teatralny. Pojawienie się dramatu i opera komiczna na scenie rosyjskiej. A.P. Sumarokov jest dramaturgiem i postacią teatralną. Założyciel rosyjskiego teatru zawodowego, aktor i reżyser F.G. Jego przyjaciel i naśladowca I.A. Dmitrevsky. Masowe przedstawienia teatralne.

Teatr Twierdza. Trupa hrabiego P.B. Szeremietiew. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova i inni artyści. Teatr Pałacowy w Ostankinie. Teatr Ludowy.

SKRÓTY NAZW GŁÓWNYCH ZBIORÓW MUZEALNYCH WYMIENIONYCH W WYKAZIE ZABYTKÓW KULTURY

BAN - Biblioteka Akademia Rosyjska Nauki (Sankt Petersburg)

VMDPNI - Muzeum Wszechrosyjskie sztuka dekoracyjna, użytkowa i ludowa (Moskwa)

Państwowe Muzeum Historyczne – stan Muzeum Historyczne(Moskwa)

HMGS – Państwowe Muzeum Rzeźby Miejskiej (St. Petersburg)

GMMK - Muzea Państwowe Kremla Moskiewskiego (Moskwa)

GNIMA – Państwowe Muzeum Badań Naukowych Architektury (Moskwa)

GOP – Państwowa Izba Zbrojowa (Moskwa)

Państwowe Muzeum Rosyjskie - Państwowe Muzeum Rosyjskie (St. Petersburg)

Galeria Trietiakowska - Państwo Galeria Trietiakowska(Moskwa)

Państwowy Ermitaż - Państwowe Muzeum Ermitażu (St. Petersburg)

ZIKHMZ - dawny rezerwat muzealny historii i sztuki Zagorski (obecnie Siergijew Posad) (Siergijew Posad, obwód moskiewski)

MIFA – Muzeum Historycznych Skarbów Ukrainy (Kijów)

MPIB - Muzeum Sztuki Stosowanej i Życia XVII wieku „Katedra Dwunastu Apostołów i Komnaty Patriarchalne na Kremlu Moskiewskim” (Moskwa)

GPS - Nowogród Stany Zjednoczone-Rezerwat Muzealny (Nowogród)

NGP - Nowogród Fasetowana Izba (Nowogród)

SHM – Muzeum Sztuki Samara (Samara)

ZABYTKI KULTURY ROSYJSKIEJ

ROZDZIAŁ I. HISTORIA KULTURY ROSYJSKIEJ W STAROŻYTNOŚCI I ŚREDNIOWIEKU

(DO KOŃCA XVII WIEKU)

LUDOWA ARCHITEKTURA DREWNIANA

BUDYNKI KULTOWE

1. Kościoły Kleckiego: Kościół Łazarza z klasztoru Murom (14-16 w.) - Rezerwat Przyrody Kizhi; Kościół Złożenia Szaty ze wsi Borodavy (XV w.) - Muzeum-Rezerwat Kirillo-Belozerskiego; Kościół Przemienienia Pańskiego ze wsi Spas-Vezhi (XVII w.) - Muzeum-Rezerwat Kostroma; Cerkiew św. Mikołaja ze wsi Tucholia (XVII w.) - Nowogrodzkie Muzeum-Rezerwat „Witosławlicy”; Kaplica Michała Archanioła ze wsi Lelikozero (XVIII w.) - Muzeum-Rezerwat Kizhi; Kościół św. Mikołaja ze wsi Glotova (XVIII w.) - Muzeum-Rezerwat Suzdal.

2. Kościoły namiotowe: Cerkiew św. Mikołaja we wsi Lyavlya (XVI w.); Kościół św. Jerzego ze wsi Wierszyna (XVII w.) - Muzeum-Rezerwat Archangielska „Mały Koreły”; Kościół Zmartwychwstania Pańskiego ze wsi Patakino (XVIII w.) – Muzeum-Rezerwat Suzdal; Kościół Wniebowzięcia (XVIII wiek) w mieście Kondopoga.

Odbicie punktu zwrotnego ery Piotra Wielkiego w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. Zachodnioeuropejski wpływy artystyczne(Holandia, Anglia, Francja, Włochy). Procesy kształtowania się systemu klasowego i umacniania kultury świeckiej oraz ich wpływ na rozwój sztuki zdobniczej i użytkowej. Wielowarstwowość sztuki zdobniczej i użytkowej, nierównomierny rozwój poszczególnych jej sfer. Zachowanie i rozwój tradycyjnych kierunków (prowincjonalnych i kultura ludowa, sztuka kościelna).

Doskonalenie technologii produkcji rzemieślniczej i produkcyjnej. Powstanie przemysłu artystycznego (produkcja gobelinów, szkła artystycznego, fajansu, obróbka kamienia, produkcja jedwabiu i sukna). Produkcja artykułów modowych i luksusowych. Odkrycie i zagospodarowanie złóż miedzi, cyny, srebra, kamienia kolorowego, wysokiej jakości glin.

Rola Akademii Nauk w „rozkwicie wolnych sztuk i manufaktur”, odzwierciedleniem nowych zainteresowań nauk przyrodniczych i technicznych w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. Nowe formy kształcenia i szkolenia rzemieślników w zakładach artystycznych. Zakończenie warsztatów w Izbie Zbrojowni. Emerytura i jej rola w rozwoju poszczególne gatunki sztuka i rzemiosło. Pojawienie się organizacji cechowych rzemieślników w Rosji. Dzieła mistrzów zagranicznych z różnych dziedzin sztuki zdobniczej i użytkowej.

Styl artystyczny w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. Moda, jej wpływ na zmianę gustów, zmianę otoczenia tematycznego. Pojawienie się nowych typów przedmiotów, odnowienie idei estetycznych w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. Kierunki syntezy sztuk. Rola architektury, sztuki monumentalnej, grafiki i wydawnictw ilustrowanych w rozwoju sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Trendy dekoracyjne kultury baroku w projektowaniu świąt, zespołów bram triumfalnych i sztuce ogrodniczej.

Sztuka projektowania wnętrz specjalny rodzaj działalność artystyczna w twórczości architektów pierwszej ćwierci XVIII wieku. Pierwsze prace wnętrzarskie i główne nurty stylistyczne (barok, rokoko, klasycyzm). Nowe typy pomieszczeń (biura, sypialnie państwowe, salony, „pokoje obrotowe”, „sale obrazowe”) i ich zawartość tematyczna (Pałac Letni, Pałac A.D. Mienszykowa, Wielki Pałac Peterhof, Monplaisir). Dzieła mistrzów francuskich. „Chinoiserie” we wnętrzach z epoki Piotra Wielkiego.

Rozwiązanie zespołowe środowiska przedmiotowego. Pojawienie się działań projektowych z zakresu kultury materialnej oraz sztuki zdobniczej i użytkowej.

Rozwój branży meblarskiej. Nowe rodzaje i formy mebli, materiały i metody dekoracji. Wpływ mebli angielskich i holenderskich. Barok i rokoko w meblarstwie.

Rzeźba w drewnie, jej rola we wnętrzu. Rzeźbione płaskorzeźby. Ikonostas katedry Piotra i Pawła. Rzeźbienie statków i produkcja powozów.

Złotnictwo. Oszczędność tradycje XVII V. Tworzenie warsztatów dla złotników i złotników. Sztuka biżuterii. Miniatura portretowa na emalii. Zamów odznaki i „przyznane” osoby. Pierwszymi mistrzami malarstwa miniaturowego byli Grigorij Musikijski i Andriej Owsow.

Ceramika i fajans z epoki Piotra Wielkiego. Holenderskie płytki we wnętrzu. Rozszerzenie importu wyrobów ceramicznych z Anglii i Holandii. Pierwsza prywatna manufaktura A. Grebenshchikova w Moskwie, pojawienie się krajowej szlachetnej ceramiki.

Zwiększanie zużycia szkła, zakładanie fabryk szkła w Yamburgu i Zhabino pod Petersburgiem. Lustra i oprawy oświetleniowe. Kształtowanie stylu ceremonialnych naczyń pałacowych z matowym grawerem. Pierwsza prywatna fabryka szkła i kryształów Malcowa w powiecie Mozhaisk.

Rzeźbienie w kamieniu i wycinanie klejnotów. Założenie pierwszych fabryk rozbioru w Peterhofie i Jekaterynburgu. Rzeźba z kości. Podstawowe techniki rzeźbiarskie, środki stylistyczne. Tradycje Chołmogorów. Wygląd tokarek, zmiany kształtów wyrobów. Petrovskaya Turning i A. Nartov. Wpływ książek rytowniczych i ilustrowanych na rzeźbienie w kościach. Założenie Fabryki Broni Tula, rozwój sztuki artystycznej obróbki stali na wyroby dekoracyjne.

Typologia kostiumu. Zmiana stroju średniowiecznego na garnitur w stylu europejskim. Ustalenie przez Piotra zasad noszenia i rodzajów ubioru szlacheckiego. Wprowadzenie ubioru i mundurów służbowych dla wojska i marynarki wojennej dla urzędników. Pojawienie się nowych manufaktur w związku ze zmianami ubioru. Wymiana tkanin orientalnych na zachodnioeuropejskie. Próbki garniturów męskich z garderoby Piotra I.

Założenie Fabryki Krat w Petersburgu. Szkolenie rosyjskich mistrzów.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa epoki Anny Ioannovny. Srebro artystyczne. Założenie państwowej huty szkła na Fontance w Petersburgu. Działalność wytwórni krat. Styl krat i zastosowanie we wnętrzu. L. Caravaque i jego projekty z zakresu sztuki zdobniczej.

Odrodzenie kultury artystycznej za panowania Elżbiety Pietrowna. Przewaga wpływów francuskich. Barok i rokoko w sztuce rosyjskiej. Rokoko w architekturze wnętrz, kostiumach, biżuterii, sztuce krajobrazu. Synteza architektury i sztuki zdobniczej we wnętrzach barokowych i rokokowych. Prace V.V. Rastrellego i A. Rinaldiego w dziedzinie architektury wnętrz. Materiały dekoracyjne i techniki wykończenia wnętrz. Rodzaje mebli barokowych i rokokowych. Tkaniny we wnętrzu. Oprawy oświetleniowe. Zespół zajmujący się różnymi typami sztuki zdobniczej i użytkowej połowy i drugiej połowy stulecia.

Złotnictwo. Zatwierdzenie stylu barokowego. Dzieła monumentalne i dekoracyjne. Duże ceremonie. Zmiana kształtów przedmiotów, nowe rodzaje naczyń dla nowych produktów. Sztuka biżuterii. Działalność rzemieślników dworskich. Styl rokoko w biżuterii. Rodzaje biżuterii damskiej. Kolorowy kamień w biżuterii.

Garnitur, jego wizerunek, rodzaj kroju, materiały, dodatki, charakter dekoracji. Wpływ mody francuskiej. Barok i rokoko w stroju damskim i męskim.

Wynalezienie porcelany domowej. Założenie manufaktury porcelany w Petersburgu. Działalność D.I. Winogradowa i „Winogradowski” okres rozwoju rosyjskiej porcelany. Pierwsze serwisy pałacowe, wazony, drobne przedmioty plastikowe. Utworzenie państwowej fabryki fajansu w Petersburgu.

Grawerowane szkło elżbietańskie. Działalność Państwowej Fabryki Szkła w Petersburgu i zakładu nad rzeką. Naziera. Barok i rokoko w szkle artystycznym. Szkło w dekoracji wnętrz pałacowych autorstwa V.V. Rastrelliego. Prywatne fabryki Niemczinowa i Malcowa. Eksperymenty M.V. Łomonosowa w dziedzinie szkła kolorowego, początek jego produkcji w fabryce w Ust-Rudicku.

Rzeźba z kości. Styl rokokowy, dzieło rzeźbiarza Osipa Dudina.

Na drugim miejscu sztuka i rzemiosło połowa XVIII V.

Klasycyzm w sztuce zdobniczej i użytkowej 1760–1790. Połączenie stylu rokoko z motywami antycznymi. Rola architektów w sztuce zdobniczej i użytkowej epoki klasycyzmu. Kształcenie mistrzów sztuk zdobniczych i użytkowych w Akademii Sztuk Pięknych.

Wnętrze wczesnego klasycyzmu. Materiały i formy, kolor, dekoracja rzeźbiarska, obniżenie kosztów wykończenia dekoracyjnego. Prace wewnętrzne autorstwa Charlesa Camerona. Szereg technik zdobniczych, nowe materiały, wizerunek lokalu i zespołu. Wnętrza autorstwa V. Brenny.

Meble klasycystyczne, charakter, formy, wpływy. Antyczne prototypy. Nowe rodzaje mebli. Udział architektów w rozwoju sztuki meblarskiej w Rosji (Brenna, Lwów, Cameron, Woronikhin). Meble firmy D. Roentgen w Rosji. Warsztat G. Gambsa i I. Otta. Styl Jakuba w rosyjskich meblach. Zmiana materiałów w meblarstwie (mahoń, złocone drewno, topola, brzoza karelska). Tkaniny i hafty w meblach.

Warsztat Spol w Moskwie. Rzeźbiony wystrój wnętrz M. Kazakowa. Rzeźbione meble Pałacu Ostankino. Rozkwit technik składu w meblach rosyjskich drugiej połowy stulecia, sposoby wykonania i materiały. Produkcja mebli w Ochcie w St. Petersburgu. Papier-mâché jako materiał do mebli i sztuki dekoracyjnej.

Brąz artystyczny rosyjski i francuski. Główne rodzaje wyrobów i techniki zdobnicze. Brąz i szkło w oprawach oświetleniowych. Brąz w dekoracji waz kamiennych i porcelanowych oraz mebli. Działalność Domu Odlewniczego. Zagraniczni brązownicy w Petersburgu (P. Azhi, I. Tsekh itp.).

Kostium. Zmiana typów i krojów odzieży w latach 1770-1780. Wprowadzenie jednolitego stroju szlacheckiego. Uroczysty strój dworski, zastosowanie stylizowanych form narodowych. „Styl grecki” z lat 90. XVIII wieku w kostiumach i fryzurach. Radykalna zmiana w konstrukcji kombinezonu. Moda na szale, szaliki, peleryny, mantyle, szale.

Sztuka biżuterii. Działalność I. Poziera, Dubulona, ​​J. Adory, I.G. Sharf, IV Bukh, bracia Duval. Duża korona cesarska. Dworska pracownia diamentów. Srebro artystyczne. Wpływ francuskiego srebra w stylu Ludwika XVI. Sztuka niello na srebrze. Rosnąca rola północnych ośrodków jubilerskich - Wołogdy, Wielkiego Ustyuga. Fabryka wyrobów czarnych i emaliowanych braci Popow w Wielkim Ustiugu. Emalia ze srebrnymi nakładkami.

Porcelana, techniki wytwarzania i zdobnictwa. Cesarska Fabryka Porcelany. Wczesny klasycyzm w formach i dekoracji wyrobów. Wpływ europejskiej porcelany i wyrobów ceramicznych. Działalność J.-D. Rashetta. Kontakty IPE z Akademią Sztuk Pięknych. Wazony dekoracyjne i usługi pałacowe we wnętrzach epoki klasycznej. Duże usługi ceremonialne, ich skład, charakter ich projektu. Poszukiwanie odpowiednich form przedmiotów i sposobów zdobienia wyrobów. Rzeźba porcelanowa (seria figurek „Narody Rosji”, „Handlarze i handlarze”). Rysunek i grawerowanie gatunkowe w rzeźbie porcelanowej i malarstwie porcelanowym. Produkty biszkoptowe. Porcelana „Pawłowsk” z końca lat 90. XVIII w.

Fabryka F. Gardnera w Werbilkach. Zamów usługi.

Szkło artystyczne. Zakład G. Potiomkina w Ozerkach. Kolorowe szkło i kryształ. Szkło we wnętrzach Charlesa Camerona. Cesarska Fabryka Szkła w latach 90. XVIII w. Połączenie wyrobów cesarskich fabryk porcelany i szkła. Fabryka Bachmetewa w prowincji Penza. Okres rozkwitu malarstwa na szkle przypada na lata 80.-90. XVIII w. Motywy gotyckie w szkle artystycznym.

Działalność wytwórni krat. Połączenie krat z ogólny kierunek w malarstwie rosyjskim (motyw historyczny, alegoria, portret na gobelinie). Przejście od rokoka do klasycyzmu. Krata w projektowaniu wnętrz.

Rzeźba w kamieniu. Rola Charlesa Camerona w rozwoju kultury kamienia kolorowego i jego zastosowania we wnętrzach. Nowe techniki wykorzystania kamienia, „rosyjska mozaika”. Działalność Fabryki Lapidarium w Peterhofie. Odkrycie nowych złóż kolorowego kamienia na Uralu i Ałtaju. Fabryka w Jekaterynburgu i fabryka w Kolywanie. Wynalezienie maszyn do obróbki kamienia. Wazony na podstawie rysunków A. Woronichina i D. Quarenghiego.

Okres świetności stali Tula (meble i artykuły dekoracyjne). Fabryki szlacheckie i kupieckie. Fabryka miniatury lakieru LICZBA PI. Korobova. Pojawienie się rzemiosła w manufakturach artystycznych. Rozwój rzemiosła artystycznego w drugiej połowie XVIII wieku: malarstwo Khokhloma, tkanie koronek, tkactwo wzorzyste, tkanie dywanów, metal artystyczny itp.

Przesyłanie dobrych prac do bazy wiedzy jest łatwe. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Opublikowano w dniu http://www.allbest.ru//

Opublikowano w dniu http://www.allbest.ru//

„Sztuka dekoracyjna i użytkowa XVIII wieku”.

Wstęp

W drugiej połowie XVIII wieku rosyjska sztuka użytkowa osiągnęła znaczny rozwój. Sprzyjał temu rozwój gospodarki, handlu, nauki i techniki oraz w dużej mierze ścisłe powiązania z architekturą i sztukami pięknymi. Wzrastała liczba dużych i małych fabryk, fabryk, warsztatów produkujących tkaniny, szkło, porcelanę i meble. Właściciele ziemscy zakładali w swoich majątkach różne warsztaty oparte na pracy pańszczyźnianej.

Jednym z najjaśniejszych zjawisk kultury rosyjskiej jest rosyjska sztuka ludowa, której historia sięga tylu stuleci, ile ludzie żyją na ziemi.

Rosyjska sztuka dekoracyjna i użytkowa oraz rzemiosło ludowe to oryginalne zjawiska, które nie mają odpowiednika w kulturze światowej. Od niepamiętnych czasów ziemia rosyjska słynie z rzemieślników, ludzi potrafiących tworzyć i tworzyć prawdziwe piękno własnymi rękami. Poprzez sztukę rzemiosła ludowego odnajduje się związek przeszłości z teraźniejszością.

Rzemiosło ludowe jest właśnie tym, co czyni naszą kulturę bogatą i niepowtarzalną. Malowane przedmioty, zabawki i produkty z tkanin zabieramy ze sobą turyści zagraniczni ku pamięci naszego kraju. Prawie każdy zakątek Rosji ma swój własny rodzaj rękodzieła.

Główne rodzaje rękodzieła

ZABAWKA DYMKOWSKA

Zabawka Dymkowo (zabawka Wiatka, zabawka Kirowa), rosyjskie rzemiosło ludowe; od dawna istnieje w osadzie Dymkowo (obecnie na terenie miasta Kirów). Zabawka Dymkowo jest wyrzeźbiona z gliny, wypalona i pomalowana temperą na ziemi, a w zestawie znajduje się złoty płatek. Przedstawia zwierzęta, jeźdźców, damy w krynolinach, sceny baśniowe i codzienne. Oryginalność artystyczna Zabawki Dymkowo charakteryzują się masywną, lakoniczną plastycznością, podkreśloną harmonijnym dekoracyjnym malowaniem w postaci dużego wzoru geometrycznego (koła, klatki w różnych kolorach itp.).

Zabawka Dymkowo to najsłynniejsze rękodzieło gliniane w Rosji. Wyróżnia się niezwykle prostą i przejrzystą formą plastyczną, uogólnioną sylwetką oraz jasnym malowidłem ozdobnym na białym tle.

Tradycyjnie przemysł zabawkowy w Dymkowie nie prowadzi masowej produkcji.

Khokhloma - stary rosyjski rzemiosło ludowe, który powstał w XVII wieku w regionie Wołgi (wieś Semino, obwód Niżny Nowogród). To chyba najbardziej znany rodzaj rosyjskiego malarstwa ludowego. Jest to dekoracyjne malowanie na drewnianych naczyniach i meblach, wykonane w tonacji czerwono-czarnej (rzadziej zielonej) oraz złota na złotym tle. Zaskakujące jest to, że po zakończeniu malowania na drewno nakładany jest nie złoty, ale srebrny proszek cynowy. Następnie produkt powleka się specjalną masą i poddaje obróbce trzy lub cztery razy w piekarniku. Wtedy pojawia się ten zachwycający miodowo-złoty kolor, dzięki któremu naczynia z jasnego drewna wydają się masywne.

BOGORODSKAYA ZABAWKA

Różnobarwne drewniane kury na stojaku, figurki kowala, człowieka i niedźwiedzia - pociągnij za drążek, a młotkami zapukają w małe kowadło... Zabawne zabawki, znane na Rusi od niepamiętnych czasów, stały się głównym rzemiosłem ludowym dla mieszkańców wsi Bogorodskoje pod Moskwą.

„Zabawka Bogorodskaja” swoje narodziny zawdzięcza wsi Bogorodskoje, obecnie położonej w obwodzie siergijew-posad w obwodzie moskiewskim. W XV wieku wieś była własnością słynnego moskiewskiego bojara M.B. Pleszczejewa, po którego śmierci wieś wraz z chłopami odziedziczył jego najstarszy syn Andriej, a następnie wnuk Fedor.

Od 1595 r. wieś Bogorodskoje stała się własnością klasztoru Trójcy-Sergiusza, a chłopi stali się poddanymi klasztornymi. To chłopi położyli podwaliny pod rzeźbienie w drewnie w XVI-XVII wieku, co wychwalało Bogorodskoje, obecną „stolicę królestwa zabawek” na całym świecie.

MATRYOSZKA

Matrioszka to najbardziej znana i ukochana rosyjska pamiątka, zjawisko światowe. Pierwsza rosyjska lalka lęgowa pojawiła się pod koniec XIX wieku, jednak zyskała bezprecedensowe uznanie jako jeden z kompleksowych obrazów Rosji, symbol rosyjskiej sztuki ludowej. Poprzedniczką i prototypem rosyjskiej lalki lęgowej była figurka dobrodusznego łysego starca, buddyjskiego mędrca Fukurumy, która zawierała jeszcze kilka postaci zagnieżdżonych jedna w drugiej. Figurka została przywieziona z wyspy Honsiu. Nawiasem mówiąc, Japończycy twierdzą, że nieznany rosyjski mnich jako pierwszy wyrzeźbił taką zabawkę na wyspie Honsiu.

Rosyjska drewniana odpinana lalka nazywała się matrioszką. W przedrewolucyjnej prowincji imię Matryona, Matresza było uważane za jedno z najpowszechniejszych imion rosyjskich, oparte na łacińskim słowie „mater”, czyli matka. Imię to kojarzono z matką dużej rodziny, posiadającą dobre zdrowie i potężna postać. Później stało się słowem powszechnie używanym i zaczęło oznaczać obracający się, odłączany, kolorowo malowany produkt drewniany. Ale do dziś lalka lęgowa pozostaje symbolem macierzyństwa, płodności, ponieważ lalka z dużą rodziną lalek doskonale wyraża figuratywną podstawę tego starożytny symbol kultura ludzka.

Pierwsza rosyjska lalka lęgowa, wyrzeźbiona przez Wasilija Zvezdochkina i namalowana przez Siergieja Malyutina, miała osiem miejsc: za dziewczynką z czarnym kogutem szedł chłopiec, potem znowu dziewczynka i tak dalej. Wszystkie postacie różniły się od siebie, a ostatnia, ósma, przedstawiała owinięte dziecko.

PUCHOWY SZALIK ORENBURG

Podwaliny sztuki użytkowej, dzięki której Orenburg stał się znany na całym świecie, położyły kozaki pod koniec XVII wieku, kiedy rosyjscy pionierzy, osiedlając się na Uralu, nawiązali stosunki handlowe z miejscową ludnością.

Surowy klimat tych miejsc wymagał ciepłego, ale lekkiego ubrania. Kozaki z łatwością przejęły rękodzieło z koziego puchu od Kazachów i Kałmuków. Tylko styl dziania ludzi stepowych był ciągły, a kobiety Yaik zaczęły używać rosyjskich ozdób koronkowych.

SZALIK PAVLOPOSAD

Jasne i lekkie, kobiece szale Pavloposad są zawsze modne i aktualne. A dziś oryginalne projekty uzupełniane są różnymi elementami, takimi jak frędzle, tworzone w różnych kolorach i pozostają doskonałym dodatkiem do niemal każdej stylizacji.

Chusty wełniane i półwełniane z nadrukiem Pawłowskiego Posada, ozdobione tradycyjnymi kolorowymi, drukowanymi wzorami, powstały w miejscowości Pawłowski Posad pod Moskwą w latach 60. i 80. XIX wieku. Obszar Pawłowskiego Posadu (terytorium dawnego powiatu bogorodskiego) jest jednym z najstarszych rosyjskich ośrodków tekstylnych. W XVIII – pierwszej połowie XIX w. Szale i sarafany bogorodskie wyróżniały się szczególnym pięknem ozdoby utkanej ze złotej nici. Później tkanie jedwabiu stało się tu powszechne, a od lat 60. XIX wieku. Rozpoczęto produkcję szali wełnianych i półwełnianych, ozdobionych kolorowymi, drukowanymi wzorami. Stopniowo produkcja rozszerzała się i nabrała wyraźnego charakteru narodowego.

ROSTÓW FINIFT

Emalia rostowska to wyjątkowe tradycyjne rzemiosło sztuki ludowej, które powstało w drugiej połowie XVIII wieku. jako rzemiosło malarskie ikon. W tej serii jest spokrewniony z Palekh, Mstera, Kholui, tylko materiał jest dość rzadki - malowanie emalią. „Emalia” pochodzi od greckiego rzeczownika tsEggpt (fengos), co oznacza „błyszczeć”. Specjalne farby (wynalezione w 1632 roku przez francuskiego jubilera Jeana Toutina) na bazie szkła z dodatkiem tlenków metali nakłada się na podłoże metalowe (stal, miedź, srebro, blacha złota) i utrwala poprzez wypalenie w piecu. Emalia rostowska jest jednym z dziesięciu najlepszych rzemiosł ludowych w Rosji.

Gżel to nazwa malowniczego regionu pod Moskwą, oddalonego od Moskwy o 60 kilometrów. Słowo „Gzhel” jest dziś niezwykle popularne. Harmonia, baśnie i prawdziwe historie kojarzą się z pięknem. Porcelana z eleganckim niebieskim malowaniem i wielobarwną majoliką jest obecnie znana nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Produkty Gzhel przyciągają każdego, kto kocha piękno, bogate w wyobraźnię i harmonię oraz wysoki profesjonalizm ich twórców. Gżel jest kolebką i głównym ośrodkiem rosyjskiej ceramiki. Tutaj ukształtowały się jego najlepsze cechy i ujawniły się najwyższe osiągnięcia sztuki ludowej.

Ile lat ma to rosyjskie rzemiosło ludowe? Badania archeologiczne na terenie Gżela potwierdzają istnienie tu ceramiki od początku XIV wieku. I nic dziwnego, ziemia Gzhel od dawna jest bogata w lasy, rzeki, wysokiej jakości gliny… „których nigdy nie widziałem z piękniejszą bielą”. Od tego czasu, w swojej ponad sześciowiecznej historii, Gzhel przeżył różne okresy.

Koniec XIX i początek XX wieku to okres głębokiego kryzysu. Wydawało się, że sztuka Gzhel zginęła na zawsze.

Okres powojenny wiąże się z początkiem odrodzenia rzemiosła i poszukiwaniami własnego języka figuratywnego. Wymagało to lat żmudnej i niestrudzonej pracy, szkolenia nowych mistrzów. W rezultacie przełożyło się to na sukces. Zastosowano zabawkę Dymkovsky Matrioszka Gzhel

W 1972 roku na bazie sześciu małych zakładów produkcyjnych zlokalizowanych w kilku wsiach utworzono stowarzyszenie Gżel. Grupy kreatywne opracował nowe próbki. Powstały zupełnie nowe formy produktów. Malarstwo stało się bogatsze i odpowiada artystycznym wymaganiom współczesności.

TAGILOWA TACKA

Malarstwo lakierem uralskim na metalu powstało w XVIII wieku. w fabrykach Niżny Tagil. Taca Tagil jest starsza niż taca Zhostovo. To Niżny Tagil uważany jest za kolebkę rosyjskiego malarstwa metalowego. Fabryka Ural Demidovs, będąca głównym odbiorcą wyrobów malowanych, wspierała przemysł lakierniczy na wszelkie możliwe sposoby. Malarstwa metalicznego Tagil nie da się pomylić z żadnym innym: charakteryzuje się bogactwem barw, czystością i wdziękiem w obróbce barw, kompletnością kompozycji i wyrafinowanym wzorem zdobnictwa.

Malarstwo Zhostovo to rzemiosło ludowe polegające na artystycznym malowaniu metalowych tac, które istnieje we wsi Zhostovo, rejon Mytishchi, obwód moskiewski. Rzemiosło malowanych tac metalowych powstało w połowie XVIII wieku. na Uralu, gdzie znajdowały się zakłady metalurgiczne Demidov. Dopiero w pierwszej połowie XIX w. Tace zaczęto robić we wsiach prowincji moskiewskiej - Zhostovo, Troicki, Nowoseltsev. Rychło wiodące stało się rybołówstwo regionu moskiewskiego.

Tace Zhostovo to obrazy, głównie z motywami kwiatowymi, których twórcami byli prości rosyjscy chłopi. Wnieśli do malarstwa lakowego jasną radość kolorów, prostotę i klarowność obrazów, dokładność cech i klarowność rysunku.

Malowanie wykonywane jest techniką swobodnego pociągnięcia pędzla, bez wstępnego rysunku. Najczęściej stosuje się czarne tło. Objętość kwiatów i liści wydaje się wyrastać z głębi tła. Odbywa się to poprzez stopniowe przechodzenie od ciemnych tonów do jaśniejszych. Kwiaty zdają się ożywać na obrazie.

Nowoczesna technologia wytwarzania tac niewiele różni się od tej stosowanej wcześniej przez rzemieślników ze wsi Zhostovo. Cienki arkusz żelaza jest prasowany w pożądany kształt, krawędzie tacy są walcowane w celu nadania sztywności, a powierzchnia jest wyrównywana. Przednia powierzchnia tacy jest zagruntowana i szpachlowana, a następnie przeszlifowana i pokryta czarnym (rzadziej innym kolorem) lakierem. Tace suszy się w piecach w temperaturze do 90 stopni C. Powłokę wykonuje się trzykrotnie, po czym kolorowa powierzchnia blachy nabiera połysku.

FEDOSKINO

Miniatura Fedoskino, rodzaj tradycyjnego rosyjskiego malarstwa miniaturowego z laki farby olejne na papierze-mache, który rozwinął się pod koniec XVIII wieku. we wsi Fedoskino pod Moskwą.

Produkcja wyrobów z papieru-mache powstała w 1798 r., kiedy kupiec P.I. Korobow zorganizował produkcję przyłbicy we wsi Daniłków, którą kupił (obecnie część Fedoskina). Kilka lat później Korobov odwiedził fabrykę Johanna Stobwassera w Brauschweig, przyjął tam technologię wyrobów z papieru-mache i zaczął w swojej fabryce produkować popularne wówczas tabakierki, zdobione grawerunkami przyklejanymi do wieczka, czasem malowanymi i lakierowanymi. W drugiej ćwierci XIX w. tabakierki, pudełka na koraliki, pudełka i inne wyroby zaczęto ozdabiać malowniczymi miniaturami wykonanymi farbami olejnymi w klasyczny sposób malarski.

Rzemieślnicy pracowali w fabryce na zlecenie, wielu z nich pochodziło z warsztatów ikonograficznych Siergijewa Posada i Moskwy, część posiadała wykształcenie artystyczne w szkole Stroganowa. Znane są nazwiska niektórych z nich - S. I. Borodkin, A. A. Shavrin, A. V. Tikhomirov, D. A. Krylov i inni.

Ulubionymi motywami malarskimi miniaturystów Fedoskino stały się popularne wówczas tematy: „trojki”, „podwieczorki”, sceny z życia chłopów rosyjskich i małoruskich. Najbardziej cenione były trumny zdobione skomplikowanymi, wielopostaciowymi kompozycjami – kopiami obrazów artystów rosyjskich i zachodnioeuropejskich.

Miniatura Fedoskino malowana jest farbami olejnymi w trzech lub czterech warstwach - cieniowanie (ogólny szkic kompozycji), kopiowanie lub ponowne malowanie (praca bardziej szczegółowa), glazurowanie (modelowanie obrazu farbami przezroczystymi) i flara (wykończenie praca z jasnymi farbami, które podkreślają refleksy na przedmiotach) są wykonywane kolejno.

Miniatura Palecha nie ma odpowiednika na całym świecie. Robi się to na papierze-mache i dopiero potem przenosi na powierzchnię pudełek o różnych kształtach i rozmiarach.

Oryginalna i subtelna sztuka lakowych miniatur Palecha opierała się na zasadach starożytnego malarstwa rosyjskiego sztuka ludowa. Obecnie miniatury Palekh stanowią integralną część rosyjskiej sztuki dekoracyjnej i użytkowej jako całości. Wraz z rozwojem starożytnych tradycji niesie w sobie poetycką wizję świata, charakterystyczną dla rosyjskich opowieści ludowych i pieśni.

Narodziny tej sztuki w Palechu nie są przypadkowe. Było to naturalnym skutkiem przekształcenia wielowiekowych tradycji w nowe uwarunkowania historyczne, dziedzicząc umiejętności wielu pokoleń malarzy ikon. Stare doświadczenie Palekh jest bogate i różnorodne. Tradycje starożytnej sztuki rosyjskiej są od dawna badane i zachowywane w Palechu.

Niezależny styl malowania ikon Palech powstał dopiero w połowie XVIII wieku. Przyswoił i rozwinął podstawowe zasady i elementy szkoły nowogrodzkiej i stroganowskiej oraz malarstwo regionu Wołgi drugiej połowy XVII wieku. W XVII-XIX wiek Mistrzowie Palecha wielokrotnie realizowali zamówienia na ikony w stylu nowogrodzkim lub w charakterze moskiewskiego błota.

Wniosek

Umiejętność rozpoznawania walorów estetycznych materiału zawsze wyróżniała rosyjskich rzemieślników, co przejawiało się we wszystkich sferach życia, od życia codziennego po architekturę, gdzie umiejętności wyrażały się w sztuce cięcia kamienia.

Rozkwit sztuki jubilerskiej w Rosji rozpoczął się w połowie XVIII wieku i trwał przez całe stulecie.

W tym okresie złotnicy odnieśli wielki sukces. Zgodnie z nowymi gustami, kształty srebrnych serwisów są proste i przejrzyste. Zdobią je flety i antyczne ozdoby. Na srebrnych szklankach i tabakierkach rzemieślnicy z Wielkiego Ustyuga odtwarzają ryciny wizerunków starożytnych scen i zwycięstw wojsk rosyjskich.

Wybitnym zjawiskiem w sztuce użytkowej XVIII wieku są stalowe wyroby artystyczne rzemieślników z Tuły: meble, pudełka, świeczniki, guziki, sprzączki, tabakierki.

Rozkwit rosyjskiej sztuki użytkowej w XVIII wieku wiązał się z twórczością architektów Kazakowa, Starowa, Quarenghi, Camerona, Woronichina i szeregu wyszkolonych artystów ludowych. Ale jego prawdziwą chwałę tworzyli głównie nieznani rzemieślnicy pańszczyźniani - meblarze, rzeźbiarze, tkacze, kamieniarze, jubilerzy, szklarze, ceramiki...

Literatura

Historia sztuki rosyjskiej. Odpowiedzialni redaktorzy I.A. Bartenev, R.I. Własowa - M., 1987

Historia sztuki rosyjskiej. wyd. TJ. Grabar. T. 1-12 (działy sztuki zdobniczej i użytkowej). M.: 1953-1961

Rosyjska sztuka dekoracyjna i użytkowa. wyd. sztuczna inteligencja Leonowa. T. 1-3. M.: 1962-1965

Rybakov B.A. Rosyjska sztuka użytkowa X-XIII wieku. Ł.: 1971

Wasilenko V.M. Rosyjska sztuka użytkowa. Geneza i formacja. I wiek PRZED CHRYSTUSEM - XIII wiek OGŁOSZENIE M.: 1977

Opublikowano na Allbest.ru

...

Podobne dokumenty

Tradycje wytwarzania wyrobów artystycznych. Wyroby artystyczne wykonane z kory brzozowej. Bogorodskaja rzeźbiona zabawka. Abramtsevo-Kudrinskaya, czyli rzeźba w drewnie Chotkowskiej. Malowanie lakierem Palekh i Fedoskino. Prawdziwa rosyjska piękność - Matrioszka.

streszczenie, dodano 24.06.2009


Sztuka etnograficzna, dekoracyjna i użytkowa ludu Ałtaju końca XIX – początku XX wieku. Produkcja biżuterii i obróbka metali. Obróbka materiałów filcowych i miękkich. Sztuka dekoracyjna i użytkowa Kazachów. Charakterystyka rzemiosła ludowego.

praca na kursie, dodano 07.06.2014


Architektura XVIII wieku. Rzeźba z XVIII wieku. Malarstwo z pierwszej połowy XVIII wieku. Malarstwo drugiej połowy XVIII wieku. Rycina z pierwszej połowy XVIII wieku. Rycina z drugiej połowy XVIII wieku. Sztuka użytkowa pierwszej połowy XVIII wieku.

praca na kursie, dodano 26.10.2002


Okres zderzenia wzajemnie wykluczających się aspiracji artystycznych w XVII-XVIII w. Manifestacja cech sztuki świeckiej w rosyjskim malarstwie ikonowym. Otwarcie pracowni malowania ikon w Izbie Zbrojowni na Kremlu. Malarstwo freskowe, gatunek historyczny.

prezentacja, dodano 25.12.2013


Sztuka dekoracyjna i użytkowa. Sekret orientalnej porcelany. Wygląd fajansu i majoliki. Ceramika w Rosji. Ludowe artystyczne rzemiosło ceramiczne. Gżel, zabawka Dymkowo. Produkcja zabawek na początku XIX wieku. Kierunki ceramiki rosyjskiej.

prezentacja, dodano 18.12.2014


Ceramika i zabawki Skopin, historia rozwoju. Sezonowe wyrób naczyń ceramicznych na lokalnej czerwonej glinie we wsiach obwodu kargopolskiego. Zabawki Dymkowo, Wiatka i Kirow, ich najczęstsze wątki. Sztuka rzemieślników Filimonowa.

streszczenie, dodano 15.06.2012


Kierunki rozwoju malarstwa rosyjskiego, mistrzostwo artystów w perspektywie linearnej. Rozprzestrzenianie się technik malarstwa olejnego, pojawienie się nowych gatunków. Specjalne miejsce malarstwo portretowe, rozwój kierunku realistycznego w języku rosyjskim malarstwo XVIII wiek.

prezentacja, dodano 30.11.2011


Sztuka i rzemiosło ludowe. Sztuka i rzemiosło ludowe. Wyrób ceramiki. Zabawka Czernyszyna. Jak starożytna zabawka ożyła. Wystawa zabawki ludowe. Jak rodzi się piękno. Twórczość Evdokii Ilyinichny Lukyanovej.

test, dodano 21.08.2008


Analiza twórczości malarzy rosyjskich końca XVIII wieku: Rokotowa, Lewickiego, Borovikowskiego. Najwybitniejsi przedstawiciele malarstwa rosyjskiego XIX wieku: Kiprensky, Tropinin, Venetsianov, Bryullov, Fedotov, Iwanow. Zmiany technologiczne i rozwój gatunku portretu.

praca na kursie, dodano 21.09.2012


Czas wzrostu samoświadomości publicznej i myśli społecznej, rozkwitu sztuki. Obrazy rosyjskich artystów - Rokotowa, Lewitskiego, Borovikovsky'ego, Losenko, Shibanov. Przewaga kierunku realistycznego, historycznego, pejzażowego, malarstwa codziennego.