Nazwa „Prerafaelici” miała oznaczać duchowy związek z artystami florenckimi tamtej epoki wczesnego renesansu, czyli artyści „przed Rafaelem” i Michałem Aniołem: Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini.

Do najwybitniejszych członków ruchu prerafaelitów należeli poeta i malarz Dante Gabriel Rossetti, malarze William Holman Hunt, John Everett Millais, Madox Brown, Edward Burne-Jones, William Morris, Arthur Hughes, Walter Crane i John William Waterhouse .

Bractwo Prerafaelitów

Pierwszym etapem rozwoju prerafaelityzmu było powstanie tzw. „Bractwa Prerafaelitów”, które początkowo składało się z siedmiu „braci”: J. E. Millaisa, Holmana Hunta (1827-1910), Dantego Gabriela Rossettiego, jego młodszy brat Michael Rossetti, Thomas Woolner oraz malarze Stevens i James Collinson.

D. G. Rossetti - Młodość Najświętszej Maryi Panny, 1848-1849

Historia Bractwa rozpoczyna się w 1848 roku, kiedy studenci Akademii Holman Hunt i Dante Gabriel Rossetti, którzy wcześniej widzieli i podziwiali twórczość Hunta, spotkali się na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk. Hunt pomaga Rossettiemu ukończyć Girlhood of Mary Virgin (1848-49), który został wystawiony w 1849 roku, i przedstawia Rossettiego Johnowi Everettowi Millaisowi, młodemu geniuszowi, który wstąpił do Akademii w wieku 11 lat. Nie tylko zaprzyjaźnili się, ale odkryli, że podzielają poglądy na temat sztuki współczesnej: w szczególności wierzyli, że współczesne malarstwo angielskie znalazło się w ślepym zaułku i umiera, a w najlepszy możliwy sposób ożywienie go będzie powrotem do szczerości i prostoty wczesnej sztuki włoskiej (czyli sztuki przed Rafaelem, którego prerafaelici uważali za twórcę akademizmu).

Augustus Egga - przeszłość i teraźniejszość, 1837

Tak narodził się pomysł stworzenia tajnego stowarzyszenia zwanego Bractwem Prerafaelitów – stowarzyszenia będącego w opozycji do oficjalnych ruchów artystycznych. Do grupy od samego początku zapraszani byli także James Collinson (student Akademii i narzeczony Christiny Rossetti), rzeźbiarz i poeta Thomas Woolner, młody dziewiętnastoletni artysta, a później krytyk Frederick Stephens oraz młodszy brat Rossettiego William Rossetti, który poszedł w ślady starszego brata i dostał się do szkoły plastycznej, nie przejawiał jednak żadnego szczególnego powołania do sztuki i ostatecznie stał się znanym krytykiem sztuki i pisarzem. Madox Brown był blisko związany z niemieckimi Nazarejczykami, dlatego podzielając idee Bractwa odmówił przyłączenia się do tej grupy.

Na obrazie Rossettiego „Młodzież Dziewicy Maryi” po raz pierwszy pojawiają się trzy konwencjonalne litery P. R. B. (Bractwo Prerafaelitów); te same inicjały oznaczone są jako „Isabella” przez Milleta i „Rienzi” przez Hunta. Członkowie Bractwa tworzyli także własne czasopismo pod nazwą Rostock, chociaż istniało ono dopiero od stycznia do kwietnia 1850 roku. Jej redaktorem był William Michael Rossetti (brat Dantego Gabriela Rossettiego).

Prerafaelici i akademizm

Przed pojawieniem się Bractwa Prerafaelitów rozwój sztuki brytyjskiej determinowany był głównie działalnością Królewskiej Akademii Sztuk. Jak każda inna oficjalna instytucja była bardzo zazdrosna i ostrożna w stosunku do innowacji, zachowując tradycje akademizmu. Hunt, Millet i Rossetti oświadczyli na łamach magazynu Rostock, że nie chcieli przedstawiać ludzi i przyrody jako abstrakcyjnie pięknych, a wydarzeń odległych od rzeczywistości, i w końcu znudziła im się konwencja oficjalnych, „wzorowych” mitologicznych, historycznych i dzieła religijne.

D. G. Rossetti - Święty Graal, 1860

Prerafaelici porzucili akademickie zasady pracy i wierzyli, że wszystko należy malować z życia. Jako modele wybierali przyjaciół lub krewnych. Na przykład na obrazie „Młodzież Najświętszej Maryi Panny” Rossetti przedstawił swoją matkę i siostrę Christinę, a patrząc na płótno „Izabela”, współcześni rozpoznali przyjaciół i znajomych Milleta z Bractwa. Podczas tworzenia obrazu „Ofelia” zmusił Elizabeth Siddal do kilkugodzinnego leżenia w wypełnionej wannie. Była zima, więc Siddal poważnie się przeziębił, a później wysłał Milli rachunek od lekarza na 50 funtów.

D.E. Millet - Ofelia, 1852

Co więcej, prerafaelici zmienili relację między artystą a modelką – stali się równoprawnymi partnerami. Jeśli bohaterowie obrazów Reynoldsa są prawie zawsze ubrani zgodnie ze swoim statusem społecznym, wówczas Rossetti mógłby namalować królową ze sprzedawczyni, boginię z córki pana młodego. Prostytutka Fanny Cornforth pozowała mu do obrazu Lady Lilith.

D. G. Rossetti - Lady Lilith, 1868

Członkowie Bractwa od początku byli zirytowani wpływem na sztukę współczesną takich artystów jak Sir Joshua Reynolds, David Wilkie i Benjamin Haydon. Nazywali nawet Sir Joshuę (prezesa Akademii Sztuk) „Sir Slosh” (od angielskiego slosh - „uderzyć w błoto”) ze względu na jego niechlujną technikę i styl malarski, ich zdaniem całkowicie zapożyczony z akademickiej maniery. Sytuację pogarszał fakt, że w tamtych czasach artyści często używali bitumu, przez co obraz był mętny i ciemny. Natomiast prerafaelici chcieli powrócić do dużej szczegółowości i głębokich kolorów malarzy epoki Quattrocento. Porzucili malarstwo „szafowe” i zaczęli malować w naturze, a także dokonali zmian w tradycyjnej technice malarskiej. Prerafaelici obrysowali kompozycję na zagruntowanym płótnie, nałożyli warstwę wapna i usunęli z niego olej bibułą, a następnie na wierzchu wapna pisali farbami półprzezroczystymi. Wybrana technika pozwoliła im uzyskać jasne, świeże tony i okazała się na tyle trwała, że ​​ich prace zachowały się w oryginalnej formie do dziś.

Radzenie sobie z krytyką

Początkowo twórczość prerafaelitów została przyjęta dość ciepło, ale wkrótce spadła ostra krytyka i wyśmiewanie. Zbyt naturalistyczny obraz Milleta „Chrystus w domu rodzinnym”, wystawiony w 1850 r., wywołał taką falę oburzenia, że ​​królowa Wiktoria poprosiła o zabranie jej do Pałacu Buckingham w celu niezależnej kontroli.

D. E. Millet - Chrystus w domu rodziców, 1850

Obraz Rossettiego „Zwiastowanie”, namalowany z odstępstwami od kanonu chrześcijańskiego, również wywołał ataki opinii publicznej. Na wystawie w Akademii Królewskiej w 1850 r. Rossettiemu, Huntowi i Millaisowi nie udało się sprzedać ani jednego obrazu. W recenzji opublikowanej w tygodniku Athenaeum krytyk Frank Stone napisał:

„Ignorując wszystkie wielkie rzeczy, które stworzyli dawni mistrzowie, szkoła ta, do której należy Rossetti, brnie niepewnymi krokami w stronę swoich wczesnych poprzedników. To archeologia pozbawiona jakiejkolwiek użyteczności i zamieniona w doktrynerstwo. Osoby należące do tej szkoły twierdzą, że podążają za prawdą i prostotą natury. W istocie niewolniczo naśladują nieudolność artystyczną.”

Założenia Bractwa krytykowało wielu szanowanych malarzy: prezes Akademii Sztuk Charles Eastlake oraz grupa artystów „Klika”, na której czele stał Richard Dadd. W rezultacie James Collinson wyrzekł się nawet Bractwa, a jego zaręczyny z Christiną Rossetti zostały zerwane. Następnie jego miejsce zajął malarz Walter Deverell.

Sytuację w pewnym stopniu uratował John Ruskin, wpływowy historyk sztuki i krytyk sztuki Anglia. Mimo że w 1850 roku miał zaledwie trzydzieści dwa lata, był już autorem szeroko słynne dzieła o sztuce. W kilku artykułach opublikowanych w „The Times” Ruskin pochlebnie ocenił twórczość prerafaelitów, podkreślając, że nie znał osobiście nikogo z Bractwa. Głosił, że ich praca może „stanowić podstawę szkoła artystyczna wspanialszego niż wszystko, co świat widział przez ostatnie 300 lat.” Ponadto Ruskin kupił wiele obrazów Gabriela Rossettiego, co wsparło go finansowo, a także wziął pod swoje skrzydła Milleta, w którym od razu dostrzegł wybitny talent.

John Ruskin i jego wpływ

D. E. Millais - John Ruskin na portrecie, 1853-1854.

Angielski krytyk John Ruskin uporządkował idee prerafaelitów dotyczące sztuki, formalizując je w logiczny system. Wśród jego dzieł najbardziej znane to „Fikcja: sprawiedliwa i wstrętna”, „ Sztuka angielska„(Sztuka Anglii), «Nowocześni malarze». Jest także autorem artykułu „Prerafaelityzm”, opublikowanego w 1851 roku.

„Dzisiejsi artyści” – napisał Ruskin w Modern Artists – „przedstawiają [naturę] albo zbyt powierzchownie, albo zbyt upiększając; nie próbują wniknąć w [jej] istotę”. Jako ideał Ruskin przedstawił sztukę średniowieczną, takich mistrzów wczesnego renesansu jak Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini i zachęcał artystów, aby „malowali czystym sercem, nie skupiając się na niczym, nie wybierając niczego i niczego nie zaniedbując”. Podobnie Madox Brown, który wywarł wpływ na prerafaelitów, napisał o swoim obrazie Ostatni z Anglii (1855): „Próbowałem zapomnieć o wszystkich istniejących ruchach artystycznych i odzwierciedlić tę scenę tak, jak powinna wyglądać”. Madox Brown specjalnie namalował ten obraz na wybrzeżu, aby uzyskać efekt „oświetlenia ze wszystkich stron”, jaki zdarza się na morzu w pochmurne dni. Technika malarska prerafaelitów wymagała dopracowania każdego szczegółu.

M. Brown - Pożegnanie z Anglią, 1855

Ruskin głosił także „zasadę wierności naturze”: „Czyż nie dlatego, że kochamy nasze dzieła bardziej niż Jego, cenimy kolorowe szkło zamiast jasnych chmur... I wyrabianie czcionek i wznoszenie kolumn na jego cześć.. wyobrażamy sobie, że zostanie nam przebaczone nasze haniebne zaniedbanie wzgórz i strumieni, którymi obdarzył naszą siedzibę – ziemię”. Sztuka miała więc przyczyniać się do odrodzenia w człowieku duchowości, czystości moralnej i religijności, co stało się także celem prerafaelitów.

Ruskin ma jasną definicję celów artystycznych prerafaelityzmu:

Łatwo jest kontrolować pędzel i malować zioła i rośliny z wystarczającą wiernością dla oka; Każdy może to osiągnąć po kilku latach pracy. Ale ukazanie wśród ziół i roślin tajemnic stworzenia i kombinacji, którymi natura przemawia do naszego zrozumienia, oddanie delikatnej krzywizny i falistego cienia rozluźnionej ziemi, odnalezienie we wszystkim, co wydaje się najmniejsze, przejawu wiecznej boskości nowe stworzenie piękna i wielkości, aby pokazać to niemyślącym i niewidzącym - takie jest zadanie artysty.

Idee Ruskina głęboko poruszyły prerafaelitów, zwłaszcza Williama Holmana Hunta, który swoim entuzjazmem zarażał Millaisa i Rossettiego. W 1847 roku Hunt napisał o współczesnych artystach Ruskina: „Czułem, jak żaden inny czytelnik, że ta książka została napisana specjalnie dla mnie”. Definiując swoje podejście do swojej pracy, Hunt zauważył również, że ważne było dla niego rozpoczęcie od tematu „nie tylko dlatego, że kompletność tematu ma urok, ale także po to, aby zrozumieć zasady projektowania istniejące w Natura."

Rozkład

Po tym, jak prerafaelityzm uzyskał poparcie Ruskina, prerafaelici zostali uznani i pokochani, nadano im prawo „obywatelstwa” w sztuce, weszli w modę i spotkali się z korzystniejszym przyjęciem na wystawach Akademii Królewskiej oraz odniósł sukces na Wystawie Światowej w Paryżu w 1855 roku.

Arthur Hughes - Kwietniowa miłość, 1855-1856.

Oprócz wspomnianego już Madoxa Browna, stylem prerafaelitów zainteresowali się także Arthur Hughes (najbardziej znany z obrazu „Kwietniowa miłość”, 1855–1856), Henry Wallis, Robert Braithwaite Martineau, William Windus również zainteresowali się.

DE Proso - hugenotów, 1852

Jednak Bractwo rozpada się. Oprócz młodzieńczego, rewolucyjnego ducha romantycznego i fascynacji średniowieczem niewiele łączyło ten naród, a spośród wczesnych prerafaelitów jedynie Holman Hunt pozostał wierny doktrynie Bractwa. Kiedy Millet został członkiem Królewskiej Akademii Sztuk w 1853 roku, Rossetti ogłosił to wydarzenie końcem Bractwa. „Okrągły stół został już rozwiązany” – podsumowuje Rossetti. Stopniowo odchodzą także pozostali członkowie. Holman Hunt wyjechał na przykład na Bliski Wschód, sam Rossetti zamiast pejzaży czy tematów religijnych zainteresował się literaturą i stworzył wiele dzieł o Szekspirze i Dantem.

Próby wskrzeszenia Bractwa jako Klubu Hogarth, istniejącego w latach 1858-1861, nie powiodły się.

Dalszy rozwój prerafaelityzmu

W 1856 roku Rossetti spotkał się z Williamem Morrisem i Edwardem Burne-Jonesem. Burne-Jones był zachwycony obrazem Rossettiego Pierwsza rocznica śmierci Beatrice, a następnie on i Morris poprosili o zostanie jego uczniami. Burne-Jones spędzał całe dnie w studiu Rossettiego, a Morris dołączał w weekendy.

D. G. Rossetti - Pierwsza rocznica śmierci Beatrice, 1853

Tak to się zaczyna nowy etap w rozwoju ruchu prerafaelitów, którego główną ideą była estetyzm, stylizacja form, erotyka, kult piękna i geniusz artystyczny.] Wszystkie te cechy są wpisane w twórczość Rossettiego, który był początkowo przywódca ruchu. Jak napisał później artysta Val Princep, Rossetti „był planetą, wokół której się obracaliśmy. Skopiowaliśmy nawet jego sposób mówienia”. Jednak stan zdrowia Rossettiego (w tym psychiczny) pogarsza się, a kierownictwo stopniowo przejmuje Edward Burne-Jones, którego dzieła wykonane są w stylu wczesnych prerafaelitów. Stał się niezwykle popularny i wywarł ogromny wpływ na takich malarzy jak William Waterhouse, Byam Shaw, Cadogan Cooper, a jego wpływ jest widoczny także w twórczości Aubreya Beardsleya i innych ilustratorów lat 90. XIX wieku. W 1889 roku na Wystawie Światowej w Paryżu otrzymał Order Legii Honorowej za obraz „Król Cofetua i żebrak”.

Edward Burne-Jones - Król Cophetua i żebraczka, 1884

Wśród późnych prerafaelitów można wyróżnić także takich malarzy jak Simeon Solomon i Evelyn de Morgan, a także ilustratorów Henry Ford i Evelyn Paul.

Henry Ford - Macocha zamieniająca braci w łabędzie, 1894

Evelyn Paul – Boska komedia

„Sztuka i rzemiosło”

Prerafaelityzm w tym czasie przeniknął do wszystkich dziedzin życia: mebli, sztuki dekoracyjnej, architektury, dekoracji wnętrz, projektowania książek, ilustracji.

William Morris uważany jest za jedną z najbardziej wpływowych postaci w historii sztuki zdobniczej XIX wieku. Założył Ruch Sztuki i Rzemiosła, którego główną ideą był powrót do rzemiosła ręcznego jako ideału sztuki użytkowej, a także wyniesienie drukarstwa, odlewnictwa i grawerowania do rangi sztuk pełnoprawnych. Ruch ten, który został podjęty przez Waltera Crane'a, Mackintosha, Nelsona Dawsona, Edwina Lutyensa, Wrighta i innych, objawił się później w architekturze angielskiej i amerykańskiej, projektowaniu wnętrz i projektowaniu krajobrazu.

Poezja

Większość prerafaelitów zajmowała się poezją, ale zdaniem wielu krytyków właśnie ona ma wartość późny okres rozwój prerafaelityzmu. Dante Gabriel Rossetti, jego siostra Christina Rossetti, George Meredith, William Morris i Algernon Swinburne pozostawili znaczący ślad w literaturze angielskiej, ale największy wkład wnieśli Rossetti, urzeczony wierszami włoskiego renesansu, a zwłaszcza dziełami Dantego. Za główne osiągnięcie liryczne Rossettiego uważa się cykl sonetów „Dom życia”. Christina Rossetti była także znaną poetką. Ukochana Rossettiego, Elizabeth Siddal, studiowała także poezję, której dzieła nie zostały opublikowane za jej życia. William Morris był nie tylko uznanym mistrzem witraży, ale także prowadził działalność czynną działalność literackałącznie z napisaniem wielu wierszy. Jego pierwszy zbiór, Obrona Ginewry i inne wiersze, został opublikowany w 1858 roku, gdy autor miał 24 lata.

Pod wpływem poezji prerafaelitów w latach 80. XIX w. rozwinęła się brytyjska dekadencja: Ernst Dawson, Lionel Johnson, Michael Field, Oscar Wilde. Romantyczna tęsknota za średniowieczem znalazła odzwierciedlenie we wczesnych pracach Yeatsa.

William Yeats - Ten, który marzył o krainie baśni (1893)

Zatrzymał się na targu w Dromacher,
Uważałem się za rodzinę w obcym kraju,
Marzył o kochaniu, gdy ziemia była za nim
Nie zamknęła kamiennych drzwi;
Ale ktoś jest kupą ryb niedaleko,
Jak srebro rozsypane na blacie,
A ci, podnosząc zimne głowy,
Śpiewali o obcej wyspie,
Gdzie są ludzie nad haftowaną falą
Pod tkanym baldachimem nieruchomych koron
Miłość oswaja pęd czasu.
I stracił szczęście i spokój.

Długo szedł po piaskach Lissadell
I w moich snach widziałem, jak to się zagoi,
Zdobywszy bogactwo i honor,
Dopóki kości nie zgniją w grobie;
Ale z przypadkowej kałuży robak
Śpiewałem mu z bagnistym szarym gardłem,
Że gdzieś daleko, w słodkiej wolności
Wszyscy tańczą z dźwięczącej radości
Pod złotem i srebrem nieba;
Kiedy nagle zapada cisza,
Słońce i księżyc świecą w owocach.

Zdał sobie sprawę, że śnił o czymś bezużytecznym.

Pomyślał przy studni w Scanavinie,
Jaka jest wściekłość serca na szydercze światło
Staną się plotką w okolicy na wiele lat,
Kiedy ciało tonie w ziemskiej otchłani;
Ale wtedy chwast mu to zaśpiewał
Co stanie się z Jego wybranym ludem?
Nad starą falą, pod firmamentem,
Gdzie złoto rozdziera się przez srebro
A ciemność zwycięsko otula świat;
Śpiewałem mu o której nocy
Może pomóc kochankom na zawsze.
I jego gniew zniknął bez śladu.

Spał pod zadymionym urwiskiem w Lugnagall;
Wydawałoby się, że teraz, w dolinie snu,
Kiedy ziemia zebrała swoje żniwo,
Mógłby zapomnieć o swoim losie bezdomnych.
Ale czy robaki przestaną wyć?
Tkając pierścienie wokół jego kości,
Że Bóg kładzie palce na niebie,
Otaczać delikatnym blaskiem
Tancerze ponad bezmyślną falą?
Jaki jest sens snów, gdy Pan jest w upale?
Czy nie spaliłeś szczęśliwej miłości?
Nawet w grobie nie znalazł spokoju.

Słynny poeta Algernon Swinburne, słynący ze śmiałych eksperymentów wersyfikacyjnych, był także dramaturgiem i krytykiem literackim. Swinburne zadedykował swój pierwszy dramat, Królowa Matka i Rozamond, napisany w 1860 roku, Rossettiemu, z którym utrzymywał przyjazne stosunki. Choć jednak Swinburne deklarował swoje przywiązanie do zasad prerafaelizmu, z pewnością wykracza poza ten kierunek.

Działalność wydawnicza

W 1890 roku William Morris założył Kelmscott Press, gdzie wraz z Burne-Jonesem opublikował kilka książek. Okres ten nazywany jest kulminacją życia Williama Morrisa. Czerpiąc z tradycji średniowiecznych skrybów, Morris, podobnie jak grafik angielski, Williama Blake’a, próbował znaleźć jednolity styl projektu strony książki, jej strona tytułowa i wiążące. Najlepszym wydaniem Morrisa były Opowieści kanterberyjskie Geoffreya Chaucera; pola zdobią pnącza, tekst ożywiają miniaturowe nakrycia głowy i zdobione wielkie litery. Jak napisał Duncan Robinson:

Współczesnemu czytelnikowi, przyzwyczajonemu do prostych i funkcjonalnych krojów pisma XX wieku, wydania Kelmscott Press wydają się luksusowymi wytworami epoki wiktoriańskiej. Bogata zdobnictwo, wzory w postaci liści, ilustracje na drewnie – wszystko to stało się najważniejszymi przykładami sztuki dekoracyjnej XIX wieku; wszystko wykonane rękami człowieka, który wniósł do tej dziedziny więcej niż ktokolwiek inny.

Dantego Gabriela Rossettiego. Ballady i poematy epickie (Dante Gabriel Rossetti. Ballady i wiersze narracyjne). - L.: Kelmscott Press, 1893. Wydanie: William Morris

Morris zaprojektował wszystkie 66 książek wydanych przez wydawcę, a Burne-Jones wykonał większość ilustracji. Wydawnictwo istniało do 1898 roku i wywarło silny wpływ na wielu ilustratorów końca XIX wieku, zwłaszcza na Aubreya Beardsleya.

Ruch estetyczny

Pod koniec lat 50., kiedy drogi Ruskina i prerafaelitów rozeszły się, pojawiła się potrzeba nowych idei estetycznych i nowych teoretyków, którzy te idee kształtowali. Takim teoretykiem stał się historyk sztuki i krytyk literacki Walter Horatio Pater. Walter Pater uważał, że w sztuce najważniejsza jest spontaniczność indywidualnego postrzegania, dlatego sztuka powinna kultywować każdą chwilę przeżywania życia: „Sztuka nie daje nam nic innego, jak tylko świadomość najwyższej wartości każdej przemijającej chwili i zachowanie ich wszystkich”. W dużej mierze za pośrednictwem Patera idee „sztuki dla sztuki”, zaczerpnięte od Teofila Gautiera, Charlesa Baudelaire’a, przekształcają się w koncepcję estetyzmu (angielski ruch estetyczny), która staje się powszechna wśród angielskich artystów i poetów: Whistler, Swinburne’a, Rossetiego i Wilde’a. Duży wpływ na rozwój ruchu estetycznego miał także Oscar Wilde (m.in. późniejsza twórczość Rossettiego), znając osobiście zarówno Holmana Hunta, jak i Burne-Jonesa. Czytał, podobnie jak wielu jego rówieśników, książki Patera i Ruskina, a estetyzm Wilde’a w dużej mierze wyrósł z prerafaelityzmu, który niósł za sobą zarzut ostrej krytyki nowoczesne społeczeństwo z punktu widzenia piękna. Oscar Wilde napisał, że „estetyka jest ponad krytyką”, w co wierzy sztuka najwyższa rzeczywistość, a życie jest rodzajem fikcji: „Piszę, bo pisanie jest dla mnie najwyższą artystyczną przyjemnością. Jeśli moja praca podoba się nielicznym, jestem z tego powodu szczęśliwy. Jeśli nie, nie jestem smutny”. Prerafaelici również interesowali się poezją Keatsa i w pełni akceptowali jego estetyczną formułę, że „piękno jest jedyną prawdą”.

Przedmioty

W. H. Hunt – Przebudzenie roztropności, 1853

Początkowo prerafaelici preferowali tematy ewangeliczne i unikali ich w malarstwie charakter kościelny i interpretował Ewangelię symbolicznie, przywiązując szczególną wagę nie do wierności historycznej przedstawionych epizodów ewangelicznych, ale do ich wewnętrznego znaczenie filozoficzne. I tak na przykład w „Światłości świata” Hunta tajemnicze boskie światło wiary ukazane jest w postaci Zbawiciela z jasną lampą w dłoniach, starającego się przeniknąć zamknięte ludzkie serca, niczym Chrystus pukający do drzwi ludzki dom.

W. H. Hunt – Światło świata, 1854

Prerafaelici zwracali uwagę na temat nierówności społecznych w epoce wiktoriańskiej, emigracji (dzieła Madoxa Browna, Arthura Hughesa), zdegradowanej pozycji kobiet (Rossetti), Holman Hunt w swoim malarstwie poruszył nawet temat prostytucji „The Awakening Conscience” (angielski: The Awakening Conscience, 1853).). Na zdjęciu widzimy upadłą kobietę, która nagle zdała sobie sprawę, że grzeszy i zapominając o kochanku, wyrywa się z jego objęć, jakby usłyszała jakieś wołanie otwarte okno. Mężczyzna nie rozumie jej duchowych impulsów i nadal gra na pianinie. Tutaj prerafaelici nie byli pionierami; wyprzedził ich Richard Redgrave w swoim słynnym obrazie Guwernantka (1844).

R. Redgrave - Guwernantka, 1844

A później, w latach 40. Redgrave stworzył wiele podobnych dzieł poświęconych wyzyskowi kobiet.

D. G. Rossetti – Proserpina, 1874

Prerafaelici zajmowali się także tematyką historyczną, osiągając największą trafność w przedstawianiu szczegółów faktycznych; zwrócił się w stronę dzieł poezji i literatury klasycznej, twórczości Dantego Alighieri, Williama Szekspira, Johna Keatsa. Idealizowali średniowiecze i kochali średniowieczny romans i mistycyzm.

Obrazy kobiet

Prerafaelici stworzyli w sztuce nowy typ kobiecego piękna – zdystansowanego, spokojnego, tajemniczego, który później rozwinęli artyści secesji. Kobieta z obrazów prerafaelitów to średniowieczny obraz idealnego piękna i kobiecości, jest podziwiana i czczona. Jest to szczególnie widoczne u Rossettiego, który zachwycał się pięknem i tajemnicą, a także u Arthura Hughesa, Millaisa i Burne-Jonesa. Mistyczne, destrukcyjne piękno, la femme fatale, znalazło później wyraz w Williamie Waterhouse'ie. Pod tym względem obraz „Dama z Shalott” (1888), który do dziś pozostaje jednym z najpopularniejszych eksponatów w Tate Gallery, można nazwać ikonicznym. Opiera się na wierszu Alfreda Tennysona. Wielu malarzy (Holman Hunt, Rossetti) ilustrowało dzieła Tennysona, zwłaszcza „Damę z Shalott”. Historia opowiada o dziewczynie, która musi pozostać w wieży, odizolowana od świata zewnętrznego i w chwili, gdy decyduje się na ucieczkę, podpisuje na siebie wyrok śmierci.

W. Waterhouse - Pani z Shalott, 1888

Obraz tragiczna miłość był atrakcyjny dla prerafaelitów i ich zwolenników: w koniec XIX—na początku XX wieku powstało ponad pięćdziesiąt obrazów na temat „Pani z Shalott”, a tytuł wiersza stał się jednostką frazeologiczną. Prerafaelitów szczególnie pociągały tematy takie jak duchowa czystość i tragiczna miłość, miłość nieodwzajemniona, nieosiągalna dziewczyna, kobieta umierająca z miłości, naznaczona wstydem lub potępieniem, czy martwa kobieta o niezwykłej urodzie.

W. Waterhouse - Ofelia, 1894

Na nowo zdefiniowano wiktoriańską koncepcję kobiecości. Na przykład w „Ofelii” Arthura Hughesa czy w serii obrazów „Przeszłość i teraźniejszość” (Angielska przeszłość i teraźniejszość, 1837-1860) Augustusa Egg kobieta ukazana jest jako osoba zdolna do odczuwania pożądania i namiętności seksualnej, często prowadząc do przedwczesnej śmierci. Augustus Egg stworzył cykl prac ukazujących zniszczenie rodzinnego ogniska po odkryciu cudzołóstwa matki. Na pierwszym zdjęciu kobieta leży na podłodze, z twarzą ukrytą w dywanie, w pozie całkowitej rozpaczy, a bransoletki na jej rękach przypominają kajdanki. Dante Gabriel Rossetti wykorzystuje postać Prozerpiny ze starożytnej mitologii greckiej i rzymskiej: młodej kobiety porwanej przez Plutona do podziemnego świata i desperacko pragnącej wrócić na ziemię. Zjada tylko kilka nasion granatu, ale mały kawałek jedzenia wystarczy, aby człowiek pozostał na zawsze w podziemnym świecie. Prozerpina Rossetti to nie tylko piękna kobieta zamyślonym spojrzeniem. Jest bardzo kobieca i zmysłowa, a granat w jej dłoniach jest symbolem namiętności i pokusy, której uległa.

W. Waterhouse – „Nawiedzają mnie cienie” – powiedziała Pani z Shalott, 1911

Jednym z głównych wątków twórczości prerafaelitów jest kobieta uwiedziona, zniszczona przez nieodwzajemnioną miłość, zdradzona przez kochanków, ofiara tragicznej miłości. Na większości obrazów za upadek kobiety odpowiedzialny jest w sposób bezpośredni lub pośredni mężczyzna. Jako przykład możemy przytoczyć „Woke Shyness” Hunta czy obraz Milleta „Mariana”.

DE Proso - Mariana, 1851

Podobny wątek można dostrzec w poezji: w „Obronie Guenevere” Williama Morrisa, w wierszu Christiny Rossetti „Light Love” (ang. Light Love, 1856), w wierszu Rossettiego „Jenny” (1870), który ukazuje upadła kobieta, prostytutka, która nie przejmuje się swoją sytuacją i nawet cieszy się swobodą seksualną.

Sceneria

WH Hunt - Angielskie brzegi, 1852

Holman Hunt, Millet, Madox Brown zaprojektowali krajobraz. Malarze William Dyce, Thomas Seddon i John Brett również cieszyli się sławą. Pejzażyści tej szkoły są szczególnie znani z przedstawiania chmur, które odziedziczyli po swoim słynnym poprzedniku, Williamie Turnerze. Starali się przedstawić krajobraz z maksymalną autentycznością. Hunt wyraził swoje myśli w ten sposób: „Chcę namalować pejzaż… przedstawiający każdy szczegół, jaki widzę”. A o malarstwie Milleta „ Jesienne liście„Ruskin powiedział: „To pierwszy raz, kiedy zmierzch został przedstawiony w tak doskonały sposób”.

DE Proso - Jesienne Liście, 1856

Malarze szczegółowo przestudiowali dźwięki życia, odtwarzając je tak jasno i wyraźnie, jak to możliwe. Ta mikroskopijna praca wymagała ogromnej cierpliwości i pracy; prerafaelici w swoich listach i pamiętnikach narzekali, że muszą godzinami stać w palącym słońcu, deszczu i wietrze, aby namalować czasami bardzo mały fragment obrazu. . Z tych powodów krajobraz prerafaelitów nie upowszechnił się, a następnie został zastąpiony przez impresjonizm.

Styl życia

Prerafaelityzm to styl kulturowy, który przeniknął życie swoich twórców i w pewnym stopniu zdeterminował to życie. Prerafaelici żyli w stworzonym przez siebie środowisku i sprawili, że było ono niezwykle modne. Jak zauważa w swojej książce Andrea Rose pod koniec XIX wieku, „wierność naturze ustępuje wierności obrazowi. Obraz staje się rozpoznawalny i dzięki temu w pełni gotowy na wprowadzenie na rynek.”

William Morris - Królowa Ginevra, 1858

Amerykański pisarz Henry James w liście z marca 1969 roku opowiedział swojej siostrze Alice o swojej wizycie u Morrisów.

„Wczorajszy dzień, moja droga siostro” – pisze James – „był dla mnie swego rodzaju apoteozą, gdyż większą jego część spędziłem w domu poety pana W. Morrisa. Morris mieszka w tym samym domu, w którym otworzył swój sklep, w Bloomsbury... Widzisz, poezja jest dla Morrisa zajęciem drugorzędnym. Przede wszystkim jest producentem witraży, płytek fajansowych, średniowiecznych gobelinów i haftów kościelnych - w ogóle wszystkiego, co prerafaelickie, zabytkowe, niezwykłe i muszę dodać, nieporównywalne. Wszystko to oczywiście odbywa się na skromną skalę i można to zrobić w domu. Rzeczy, które tworzy, są niezwykle eleganckie, cenne i drogie (przewyższają cenę największych przedmiotów luksusowych), a do tego jego fabryka nie może mieć zbyt wielkiego znaczenia. Ale wszystko, co stworzył, jest niesamowite i doskonałe... pomaga mu także żona i małe córeczki.

Henry James dalej opisuje żonę Williama Morrisa, Jane Morris (z domu Jane Burden), która później została kochanką i modelką Rossettiego i często można ją zobaczyć na obrazach artysty:

„Och, kochanie, co to za kobieta! Jest piękna we wszystkim. Wyobraź sobie wysoką, szczupłą kobietę, długa sukienka wykonany z tkaniny w kolorze zgaszonego fioletu, wykonany z naturalnego materiału aż do ostatniej koronki, z burzą kręconych czarnych włosów opadających dużymi falami na skroniach, mała i blada twarz, duże ciemne oczy, głębokie i dość swinburne'owskie , z grubymi, czarnymi, łukowatymi brwiami... Wysoko otwarta szyja w perłach, a na koniec - sama doskonałość. Na ścianie wisiał jej portret niemal naturalnej wielkości autorstwa Rossettiego, tak dziwny i nierealny, że gdybyś go zobaczył, wziąłbyś go za bolesną wizję, ale o niezwykłym podobieństwie i wierności rysów. Po obiedzie... Morris przeczytał nam jeden ze swoich niepublikowanych wierszy... a jego żona, cierpiąca na ból zęba, odpoczywała na sofie z szalikiem na twarzy. Wydawało mi się, że jest coś fantastycznego i odległego od naszego prawdziwe życie w tej scenie: Morris czytający na gładkim antycznym liczniku legendę o cudach i okropnościach (taka była historia Bellerofonta), wokół nas są malownicze używane meble mieszkania (każdy przedmiot jest czegoś przykładem) i w kącie ta ponura kobieta, cicha i średniowieczna z moim średniowiecznym bólem zęba.

Prerafaelici byli otoczeni wszelkiego rodzaju kobietami status społeczny, kochankowie, modele. Jeden z dziennikarzy pisze o nich tak: „...kobiety bez krynolin, z rozwianymi włosami...niezwykłe, jak gorączkowy sen, w którym powoli poruszają się wspaniałe i fantastyczne obrazy”.

Dante Gabriel Rossetti żył w wyrafinowanej i artystycznej atmosferze, a sam jego ekscentryczny wizerunek stał się częścią legendy prerafaelitów: Rossetti żył z najbardziej różni ludzie, w tym poeta Algernon Swinburne, pisarz George Meredith. Modelki następowały po sobie, niektóre z nich zostały kochankami Rossettiego, szczególnie sławna była wulgarna i skąpa Fanny Cornforth. Dom Rossettiego był pełen antyków, antycznych mebli, chińskiej porcelany i innych bibelotów, które kupował w sklepach ze śmieciami. W ogrodzie żyły sowy, wombaty, kangury, papugi, pawie, a pewnego razu żył nawet byk, którego oczy przypominały Rossettiemu oczy jego ukochanej Jane Morris.

Znaczenie prerafaelityzmu

Prerafaelityzm jako ruch artystyczny jest powszechnie znany i popularny w Wielkiej Brytanii. Nazywa się go także pierwszym ruchem brytyjskim, który zyskał światową sławę, jednak wśród badaczy jego znaczenie oceniane jest odmiennie: od rewolucji w sztuce do czysta innowacja w technice malarskiej. Istnieje opinia, że ​​ruch ten rozpoczął się od próby aktualizacji malarstwa, a następnie wywarł ogromny wpływ na rozwój literatury i całej kultury angielskiej. Według Encyklopedii Literackiej, ze względu na wyrafinowaną arystokrację, retrospektywę i kontemplację, ich twórczość miała niewielki wpływ na szerokie masy.

Pomimo widocznego skupienia się na przeszłości, prerafaelici przyczynili się do ugruntowania się stylu secesyjnego w sztukach plastycznych, co więcej, uważa się ich za poprzedników symbolistów, czasem wręcz utożsamiając ich obu. Przykładowo, że wystawa „Symbolizm w Europie”, która przeniosła się od listopada 1975 do lipca 1976 z Rotterdamu przez Brukselę i Baden-Baden do Paryża, za datę początkową przyjęła rok 1848 – rok założenia Bractwa. Poezja prerafaelitów odcisnęła piętno na francuskich symbolistach Verlaine i Mallarmé, a malarstwo na artystach takich jak Aubrey Beardsley, Waterhouse i mniej znanych, jak Edward Hughes czy Calderon. Niektórzy wskazują nawet na wpływ malarstwa prerafaelitów na angielskich hipisów, a Burne-Jonesa na młodego Tolkiena. Co ciekawe, Tolkien, który w młodości wraz z przyjaciółmi zorganizował półtajne stowarzyszenie zwane Klubem Herbacianym, porównał je do bractwa prerafaelitów.

Niektóre dzieła prerafaelitów

DE Millais - Dojrzała wiśnia, 1879

DE Proso - Lorenzo i Izabela, 1849

DE Millais - Przejście Północno-Zachodnie, 1874

DE Proso - Huzar Czarny Brunszwicki, 1860

D. G. Rossetti – Beata Beatrix, 1864-1870

D. G. Rossetti - Zwiastowanie, 1850

W. Waterhouse - Gilias i nimfy, 1896

WH. Hunt - Znalezienie Zbawiciela w świątyni, 1860

WH. Polowanie – wynajęty pasterz, 1851

Artyści prerafaelici (od łacińskiego prae – naprzód i imienia „Raphael”), to przedstawiciele ruchu w poezji i malarstwie angielskim połowy XIX wieku, utworzonego w celu zwalczania utrwalonych tradycji akademickich, konwencji i naśladownictwa klasyczne projekty. Główni przedstawiciele Bractwa Prerafaelitów – William Holman Hunt (1827 -1910), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) i John Everett Millais (1829-1896) - uważali malarstwo artystów wczesnego renesansu, którzy pracowali przed Rafaelem, za godne podziw. Prerafaelici uważali Perugino, Fra Angelico i Giovanniego Belliniego za godnych naśladowania.

Artyści prerafaelici przeciwko akademizmowi

W połowie XIX w. dominowała szkoła akademicka malarstwa angielskiego. W rozwiniętym społeczeństwie przemysłowym wysoki poziom technika wykonania była postrzegana jako gwarancja jakości. Dlatego praca studentów akademii była całkiem udana i pożądana przez społeczeństwo angielskie. Ale stabilność malarstwa angielskiego przekształciła się już w skostnienie, ugrzęźnięcie w konwencjach i powtórzeniach. A letnie wystawy Królewskiej Akademii Sztuk z roku na rok stawały się coraz bardziej przewidywalne. Królewska Akademia Sztuk zachowała tradycje akademizmu, a innowacje traktowała z dużą ostrożnością i sceptycyzmem. Artyści prerafaelici nie chcieli przedstawiać przyrody i ludzi jako abstrakcyjnie pięknych, chcieli ich przedstawiać zgodnie z prawdą i prosto, wierząc, że jedynym sposobem, aby zapobiec degradacji malarstwa angielskiego, jest powrót do prostoty i szczerości sztuki wczesnego renesansu.

Czego szczególnie nie lubili prerafaelici?

• błędne standardy edukacji akademickiej
• pierwszy prezes Akademii Sztuk, Sir Joshua Reynolds (1723-1792)
• Obraz Rafaela „Przemienienie”
• twórczość P.P. Rubensa

W obrazie Rafaela „Przemienienie” prerafaelici dostrzegli lekceważenie prostoty i prawdy. Według W. H. Hunta strój apostołów był zbyt pompatyczny, a wizerunek Zbawiciela pozbawiony duchowości.

D. G. Rosseti, nienawidząc całą duszą twórczości Rubensa, zdołał napisać „Pluń tutaj” na kartach dzieła z historii sztuki, obok każdej i ostatniej wzmianki.

Rafał Santi. Transfiguracja

P.P. Rubensa. Pijany Herkules

Sir Joshuy Reynoldsa. Autoportret

Techniki twórcze i artystyczne prerafaelitów

• Jasne, świeże kolory

Aby uzyskać jaśniejsze i świeższe odcienie, artyści prerafaelitów stosowali nowe techniki malarskie. Malowali olejami na wilgotnym białym podłożu lub na warstwie wapna. Oprócz jasności kolorów, wybrana technika umożliwiła utrwalenie dzieł artystów – dzieła prerafaelitów zachowały się do dziś w oryginalnej formie.

• Czyste farby
• Prawdziwe przedstawienie natury

Porzuciwszy „malowanie szafek”, młodzi artyści zaczęli malować w naturze i przywiązywali dużą wagę do drobnych szczegółów.

„Chcę namalować pejzaż, przedstawiając każdy szczegół, jaki widzę” (W. Hunt)

• Koncentruje się na sztuce średniowiecza i wczesnego renesansu
• Wykorzystywanie krewnych, przyjaciół i ludzi z ulicy jako modeli, a nie profesjonalnych modelek.

Niepiśmienna dziewczyna, Fanny Cornforth, pozowała do słynnego obrazu Dantego Rossettiego „Lady Lilith”. Obraz „Młodzież Dziewicy Maryi” przedstawia matkę i siostrę artysty Dantego Rossettiego. Za obraz „Ofelia” artysta D.E. Millet wybrał moment z tragedii Szekspira, kiedy Ofelia rzuciła się do rzeki, powoli zanurzyła się w wodzie i zaśpiewała fragmenty piosenek. Najpierw artysta namalował malowniczy zakątek rzeki, a postać dziewczynki namalował już w zimowych miesiącach. Elizabeth Siddal, ubrana w luksusową, antyczną suknię, wiele godzin spędziła w wannie z ciepłą wodą. W pewnym momencie zgasły lampy podgrzewające wodę, ale dziewczyna nie narzekała i poważnie zachorowała. Następnie ojciec Elizabeth Siddal przesłał artyście fakturę na opłacenie leczenia córki.

• Symbolizm

Malarstwo prerafaelitów charakteryzuje się wieloma detalami, które mają określone znaczenie lub symbol. Na przykład na obrazie D.E. „Ofelia” Milleta przedstawia wiele kwiatów. Stokrotki symbolizują ból, czystość i zdradzoną miłość, bluszcz jest oznaką nieśmiertelności i wiecznego odrodzenia, wierzba jest symbolem odrzuconej miłości, maki są tradycyjnym symbolem śmierci.

Dantego Rossettiego. Pani Lilith

D.G. Rossettiego. Młodość Dziewicy Maryi

DE Proso. Ofelia

Artyści prerafaelici. Główne tematy i słynne obrazy.

Jeśli spojrzymy powierzchownie na twórczość prerafaelitów, to pierwsze, co nam się nasuwa, gdy się o nich wspomina, to tragiczne postacie rudowłosych kobiet ucieleśniających wizerunki znanych bohaterek literackich. Jednak prawdziwym źródłem Bractwa Prerafaelitów był bunt przeciwko konwencjom estetycznym i chęć wiernego i dokładnego przedstawienia rzeczywistości.

Główne tematy twórczości prerafaelitów:

• średniowiecze (historia średniowiecza), król Artur
• kult kobiecego piękna
• Dzieło Szekspira
• dzieła Dantego Alighieri
• Jezus Chrystus
• problemy społeczne

Średniowiecze, król Artur w twórczości prerafaelitów

Dzieła prerafaelitów przepełnione są duchową symboliką, nawiązującą do ideałów rycerskości, cnót i wyczynów chrześcijańskich. Na tle upadku moralności, jaki panował w Anglii w połowie XIX wieku, obrazy te wyglądały idyllicznie. Ale to właśnie tematy i obrazy rycerskie, zdaniem artystów Bractwa, miały przezwyciężyć upadek i rozwiązać problemy społeczne Anglii.

Szczególną popularnością cieszyły się opowieści o królu Arturze. Prerafaelici odnaleźli bogate materiały na temat króla Artura w poezji A. Tennysona. Ulubionymi postaciami na obrazach prerafaelitów byli Galahad i Elaine, Lancelot i Ginewra, Artur, Merlin i Dziewica Jeziora.

D.G. Rossettiego. Dziewica Świętego Graala. 1874

E. Coleya Burne-Jonesa. Zaczarowany Merlin. 1877

D. W. Waterhouse. Pani z Shalott, 1888

Dzieła Szekspira i Dantego Alighieri w malarstwie artystów prerafaelitów

Aby zrozumieć znaczenie niektórych obrazów prerafaelitów, należy odwołać się do ich podłoże literackie. Sięgnięcie do tekstu pozwoli ci pełniej ujawnić cechy i wzorce ucieleśnienia konkretnego obrazu.

Prerafaelici chcieli wynieść malarstwo do poziomu literatury i poezji i przynieść sztuki piękne początek intelektualny.

Artyści prerafaelici często w swojej twórczości sięgali po tematykę literacką i historyczną. A dzieła Szekspira i Dantego, w których dziełach literackich tak żywo ukazuje się dramat relacji międzyludzkich, zajmują w ich malarstwie szczególne miejsce. Twórcy starali się jak najdokładniej przedstawić tę scenę z historycznego punktu widzenia. Aby stworzyć jak najbardziej naturalną kompozycję wokół głównej sceny, starannie zamalowali tło, wypełniając je detalami wnętrza lub krajobrazu. Wypełniając obraz bohaterami fabuły, dokładnie przestudiowali próbki kostiumów i ozdób w podręcznikach historycznych. Ale pomimo takiej pedanterii w przedstawianiu szczegółów zewnętrznych, relacje międzyludzkie zawsze pozostawały w centrum kompozycji.

D. W. Waterhouse. Miranda i Burza

FM Brązowy. Romeo i Julia. Słynna scena balkonowa

D.G. Rossettiego. Wizje Dantego

D.G. Rossettiego. Miłość Dantego

D.G. Rosstettiego. Błogosławiona Beatrycze. 1864-1870

Tematyka religijna i społeczna w twórczości prerafaelitów.

Bractwo Prerafaelitów dążyło do wskrzeszenia tradycji malarstwa religijnego bez uciekania się do konwencjonalnych wizerunków katolickich obrazów ołtarzowych. Młodzi artyści nie starali się jednak w swoich płótnach podkreślać prawd teologicznych. Podchodzili do Biblii jako do źródła ludzkich dramatów. Dzieła te nie były oczywiście przeznaczone do dekoracji kościołów i miały raczej znaczenie literackie i poetyckie niż religijne.

Z biegiem czasu twórczości młodych reformatorów zaczęto zarzucać zbyt swobodne interpretacje tematów religijnych. Obraz Milleta „Chrystus w domu rodzinnym” przedstawia ascetyczne otoczenie domu cieśli. W tle pasą się owce. Zbawiciel zranił się w dłoń gwoździem, a Matka Boża go pociesza. Płótno jest wypełnione wieloma znaczeniami: owca jest niewinną ofiarą, krwawiąca dłoń jest znakiem przyszłego ukrzyżowania, kielich wody niesiony przez Jana Chrzciciela jest symbolem Chrztu Pańskiego. Po co Święta Rodzina przedstawiony na płótnie Millesa „Chrystus w domu rodzinnym” na obrazie zwykłych ludzi krytycy nazwali ten obraz „Warsztatem stolarskim”. Królowa Wiktoria chciała osobiście sprawdzić, czy obraz nie zawiera bluźnierstwa, i poprosiła o dostarczenie jej obrazu. Artysta na wszelki wypadek postanowił zmienić nazwę obrazu.

Przedstawiając na swoich płótnach życie zwykłych ludzi, prerafaelici zidentyfikowali problemy moralne i etyczne współczesnego społeczeństwa. Często tematy społeczne na obrazach prerafaelitów przybierają formę przypowieści religijnych.

D.W. Wodny. Los. 1900

Kult kobiecego piękna na płótnach Bractwa Prerafaelitów

Na płótnach prerafaelitów wizerunki kobiet otrzymały nowy rozwój. Kobiecość postrzegana była jako niepodzielne połączenie fizyczności, atrakcyjności, symboliki i duchowości jednocześnie. Osobliwością przedstawiania kobiet było jednoczesne połączenie realizmu i fantazji obrazu. Na płótnach młodych artystów literackie obrazy Szekspira, Keatsa, Chattertona i innych nabrały fizyczności, nie tracąc przy tym swojej tajemniczości. Prerafaelici chcieli uczynić przystępnym dla oka obraz kobiety opisywany w literaturze romantycznej.

D.G. Rossettiego. Prozerpina

D.W. Wodny. Zbierz szybko róże. 1909

W.Hunt. Izabela i garnek bazylii 1868

Prerafaelici i John Ruskin

Pionierem i zwolennikiem Bractwa Prerafaelitów był wybitny i znaczący teoretyk sztuki John Ruskin. W tym momencie, gdy na młodych artystów spadła lawina krytyki, wspierał ich zarówno moralnie – pisząc artykuł w obronie nowego kierunku w malarstwie, jak i finansowo – kupując kilka obrazów prerafaelitów.

Wszyscy wzięli pod uwagę opinię Johna Ruskina, więc bardzo szybko obrazy utalentowanych młodych ludzi stały się popularne. Co było takiego szczególnego, że czcigodny teoretyk sztuki odnalazł w tych obrazach? Na płótnach prerafaelitów John Ruskin widział żywe i twórcze ucieleśnienie tych idei, o których tyle pisał w swoich dziełach:

• wgląd w naturę
• dbałość o szczegóły
• odrzucenie narzuconych konwencji i kanonów
• idealizacja średniowiecza i wczesnego renesansu

Słynny krytyk napisał kilka artykułów dla „The Times”, w których wysoko ocenił twórczość artystów. Ruskin opublikował broszurę o tych mistrzach, która stała się punktem zwrotnym w ich losach. Na wystawie akademickiej w 1852 r. Pozytywnie przyjęto „Wynajęty pasterz” Hunta i „Ofelię” Millaisa.

Prerafaelici. Ruch Sztuki i Rzemiosła. Styl secesyjny

Każdy artysta prerafaelitów szukał własnej drogi twórczej, a miłość do średniowiecza nie wystarczyła już, aby utrzymać razem członków Bractwa Prerafaelitów. Ostateczna niezgoda nastąpiła w 1853 r., kiedy Millais został członkiem Akademii Królewskiej, czemu tak zaciekle sprzeciwiali się prerafaelici.

W 1856 roku Rossetti spotkał się z Williamem Morrisem, przywódcą ruchu Arts and Crafts, który później wpłynął na powstanie. W. Morris wraz z Edwardem Burne-Jonesem zostali uczniami Rossettiego. Od tego momentu rozpoczyna się nowy etap „Bractwa Prerafaelitów”, którego główną ideą staje się teraz estetyzacja form, erotyzm, kult piękna i geniuszu artystycznego.

Zdrowie psychiczne i fizyczne Rossettiego stopniowo się pogarszało, a przywódcą ruchu został teraz Edward Burne-Jones. Tworząc dzieła w duchu wczesnych prerafaelitów, zyskał ogromną popularność.

William Morris staje się centralną postacią sztuki zdobniczej XIX wieku, a styl secesyjny, którego jednym ze źródeł był prerafaelityzm, przenika nie tylko sztukę zdobniczą, ale także meble, wyposażenie wnętrz, architekturę i książkę projekt.

Artyści prerafaelici. Główni przedstawiciele

Dantego Gabriela Rossettiego

Urodził się 12 maja 1828 roku w drobnomieszczańskiej rodzinie intelektualistów. Rok 1848 był dla artysty znaczący, gdyż na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk poznał Williama Holmana Hunta. Wspólna twórczość doprowadziła do powstania Bractwa Prerafaelitów.
Ożenił się z muzą i popularną modelką prerafaelitów Elizabeth Siddal. W latach 1854-1862 był nauczycielem w pierwszej miejskiej placówce oświatowej, w której kształciły się warstwy niższe. W 1881 roku stan zdrowia artysty zaczął się pogarszać. Ostatnim schronieniem artysty stał się kurort Birchington-on-Sea. Śmierć otworzyła przed nim ramiona 9 kwietnia 1882 roku.

Funkcje stylu

Cechami charakterystycznymi stylu Gabriela Rossettiego była wielowymiarowa perspektywa i szczegółowe opracowanie każdej części obrazu. W twórczości autora na pierwszy plan wysuwa się duchowość i wielkość człowieka.

Główne obrazy

„Młodość Dziewicy Maryi”;
"Zwiastowanie";
„Napisy na piasku”;
Sir Galahad w zrujnowanej kaplicy;
„Miłość Dantego”
„Błogosławiona Beatrycze”;
„Monna Vanna”;
„Pia de Tolomei”;
„Wizja Viammetty”
„Pandora”;
„Prozerpina”.

D.G. Rossettiego. Wenus Wertykordia

D.G. Rosstettiego. Beatrycze błogosławiona

D.G. Rossettiego. Grób Króla Artura

Williama Holmana Hunta

WH. Autoportret Hunta, 1867

Jeden z założycieli Bractwa Prerafaelitów. Od innych artystów w środowisku wyróżniała go religijność. Od urodzenia nosił nazwisko William Hobman Hunt, ale później samodzielnie zastąpił je pseudonimem. Obraz „Światło świata” przyniósł artyście sławę.

Napisał dzieło autobiograficzne Prerafaelityzm, którego celem było pozostawienie dokładnych danych o powstaniu Bractwa. Ożenił się z Fanny Waugh, po której śmierci ożenił się ponownie z jej siostrą Edith Alice. Związek ten przyniósł mu dezaprobatę ze strony społeczeństwa.

Funkcje stylu

Otaczający świat otoczony jest malowniczą przyrodą, której wszystkie szczegóły mają na celu uwydatnienie wewnętrznego stanu obrazu. Cechą charakterystyczną prac Holmana Hunta są miękkie przejścia półtonów i bogate zestawienia kolorów.

Główne obrazy

• „Światło świata”;
• „Pani z Shalott”
• „Klaudio i Izabela”;
• Festiwal Św. Swithin;
• „Zejście Świętego Ognia”;
• "Kozioł ofiarny";
• „Cień śmierci”;
• "Pukanie."

W. H. Hunt. Kozioł ofiarny. 1856

W. H. Hunt. Pukanie

WH. Polowanie. Cień Śmierci

Johna Everetta Millaisa

DE Proso. Autoportret

W wieku jedenastu lat wstąpił do Królewskiej Akademii Sztuk (1840). Uważany za najmłodszego studenta w historii uczelni. W wieku piętnastu lat wykazał się szczególnymi umiejętnościami pracy pędzlem. Jego praca w stylu akademickim „Pizarro chwyta peruwiańskich Inków” miała zaszczyt zostać wystawiona na letniej wystawie akademickiej w 1846 roku.

Za pracę „Atak plemienia Beniamina na córki Siloama” został nagrodzony złotym medalem w 1847 r. Po spotkaniu z Dantem Gabriel Rossetti i Hlman Hunt wstąpili do Bractwa Prerafaelitów. Dziełem, które przyniosło mu sławę, był obraz „Ofelia”, którego wzorem była muza prerafaelitów i przyszła żona D.G. Rossetti Elżbieta Siddal.

W 1855 roku John Everett Millais poślubił byłą żonę Johna Ruskina, Effie, zaraz po jej głośnym rozwodzie z tą ostatnią. Od tego czasu całkowicie odszedł od „Bractwa Prerafaelitów” i tworzył popularne obrazy w stylu akademickim. W 1896 roku został wybrany na prezesa Królewskiej Akademii Sztuk, których walka z podstawowymi zasadami była jedną z jednoczących zasad artystów prerafaelitów.

Funkcje stylu

Wyraźne cechy stylu są dziedzictwem techniki Rafaela. Perspektywa opiera się na grze światła i cienia. Artysta zastosował stonowaną paletę, podkreślając akcenty jasnymi detalami i tworząc atmosferę akcji.

Główne obrazy

• „Pizarro łapie peruwiańskich Inków”;
• „Napad pokolenia Beniamina na córki Siloama”;
• „Ofelia”;
• Wiśnia Dojrzała;
• „Śmierć Romea i Julii”.

DE Proso. Ofelia

DE Millet. Chrystusa w domu swoich rodziców

DE Proso. Pizarro łapie peruwiańskich Inków

Madoxa Browna

Wybitny przedstawiciel prerafaelityzmu, ale nie był członkiem bractwa. Popierał idee Gabriela Rossettiego i Williama Morrisa. Razem z tym ostatnim pracował nad projektem witraży.

Studiował w Akademii Sztuk Pięknych (Brugia). Później przeniósł się do Gandawy, a następnie do Antwerpii. Obraz „Rozstrzelanie Marii Szkockiej” namalowany w 1840 roku przyniósł sławę. Opierał się na romantycznym kierownictwie artystów wczesnego renesansu. Większość opowiadań poświęcona była tematyce religijnej i duchowej.

Funkcje stylu

W swoich pracach artysta starał się uzyskać jasny opis fabuły i przekazać prawdę o życiu. Odtworzenie dramatyzmu wydarzeń osiąga się poprzez kontrasty kolorów i wyrazistość póz.

Główne obrazy

• „Egzekucja Marii Szkockiej”;
• „Chrystus umywa nogi apostołowi Piotrowi”;
• „Pożegnanie z Anglią”;
• „Śmierć Sir Tristrama”.

FM Brown. Romeo i Julia. Słynna scena balkonowa

FM Brązowy. Pożegnanie z Anglią

FM Brązowy. Praca

Edwarda Burne-Jonesa

Ilustrator i malarz, bliski duchowi fabuły i przedstawienia prerafaelitom. Znany z pracy nad witrażami. Podstawowe wykształcenie otrzymał w Szkole Króla Edwarda.

Od 1848 roku rozpoczął szkolenie dodatkowe przy ul kursy wieczorowe rządowa szkoła projektowania. Poznał Williama Maurice'a na Uniwersytecie Oksfordzkim (1853). Zainspirowany ideami Bractwa porzucił kierunek teologiczny i rozpoczął pogłębione studia nad technikami rysunkowymi. Swoje dzieła poświęcił romantycznym legendom Anglii.

Funkcje stylu

Artysta preferował akcentowanie nagiego męskiego ciała. Prezentacja perspektywy poprzez kolorystykę stwarza wrażenie płaskości. Kontrastowa gra światłocienia jest całkowicie nieobecna. Nacisk położony jest na linie, ulubione kolory to spektrum złota i pomarańczy.

Główne obrazy

• "Zwiastowanie";
• „Zaczarowany Merlin”;
• „Złote schody”;
• „Księga kwiatów”;
• „Miłość wśród ruin”.

E.Burne-Jones. Miłość wśród ruin.

E. Coleya Burne-Jonesa. Król Cofetua i żebraczka. 1884

Burne-Jonesa. Zaczarowany Merlin

Williama Morrisa

W. Morrisa. autoportret

Angielski powieściopisarz, artysta, poeta i socjalista. Uważany za największego przedstawiciela drugiego pokolenia prerafaelitów, uznanego nieoficjalnego przywódcę Ruchu Sztuki i Rzemiosła.
Bogata rodzina była w stanie podarować artyście dobre wykształcenie. Z pasji do średniowiecza i ruchu traktariańskiego zaprzyjaźnił się z Edwardem Burne-Jonesem.
Główny historie Na obrazach W. Morrisa znalazła się legenda o królu Arturze. Tej idei poświęcony został wydany w 1858 roku zbiór „Obrona Ginewry i inne wiersze”.
Od 1859 roku pozostawał w oficjalnym małżeństwie z Jane Burden. Stała się jego wzorem do wielu obrazów.

R. Fentona. Wnętrze opactwa Tintern, koniec lat pięćdziesiątych XIX wieku

W 1848 roku w Wielkiej Brytanii powstało Bractwo Prerafaelitów, stowarzyszenie artystów utworzone przez Williama Hunta, Dantego Gabriela Rossettiego i Johna Millaisa. Młodzi malarze byli przeciwni akademickiemu systemowi edukacji i konserwatywnym gustom wiktoriańskiego społeczeństwa.

Inspiracją dla prerafaelitów było malarstwo włoskiego protorenesansu i XV wieku, stąd sama nazwa „Prerafaelici” – dosłownie „przed Rafaelem” ( Włoski artysta Wysoki renesans Rafaela Santi).

Wynalezienie przez Fredericka Scotta Archera metody mokrego koloidu, który zastąpił kalotyp, zbiegło się z pojawieniem się Bractwa Prerafaelitów. Członkowie wspólnoty z entuzjazmem przyjęli pojawienie się nowej metody. W czasach, gdy większość artystów uważała niesamowitą precyzję fotograficznych obrazów za wadę, prerafaelici, którzy sami dążyli do drobiazgowego oddania detalu w malarstwie, podziwiali właśnie ten aspekt fotografii. Prerafaelicki krytyk sztuki John Ruskin określił pierwsze dagerotypy, które kupił w Wenecji, jako „małe skarby”: „To było tak, jakby magik skurczył prawdziwą rzecz (San Marco lub Canal Grande), aby móc ją zabrać ze sobą go.” do zaczarowanej krainy.”

Prerafaelici, podobnie jak wielu ówczesnych artystów, wykorzystywali fotografię jako etap przygotowawczy do tworzenia obrazów. Gabriel Rossetti wykonał serię fotografii Jane Morris, które stały się materiałem do przyszłych obrazów artystki. Rossetti i William Morris wielokrotnie malowali i fotografowali tę kobietę, odnajdując w niej cechy romantycznego średniowiecznego piękna, które tak podziwiali.

Kilka lat po powstaniu Bractwa Prerafaelitów w Anglii pojawił się ruch „O fotografię wysokoartystyczną”. Organizatorami tego ruchu byli malarze Oscar Gustav Reilander (1813–1875) i Henry Peach Robinson (1830–1901), którzy byli blisko związani z prerafaelitami i podzielali ich idee. Reilander i Robinson, podobnie jak prerafaelici, czerpali inspirację ze świata obrazów średniowiecznej literatury angielskiej, z twórczości angielskich poetów Williama Szekspira i Johna Miltona. W 1858 roku Robinson stworzył jedną ze swoich najlepszych fotografii „Dama z Shalott”, kompozycją bliską obrazowi prerafaelitów „Ofelia” D. Millaisa. Będąc zwolennikiem fotomontażu, Robinson wydrukował fotografię z dwóch negatywów: na jednym negatywie autor uchwycił model w kajaku, na drugim uchwycił pejzaż.

Uczestnicy ruchu „O fotografię wysokoartystyczną” interpretowali fotografię jako obraz, w pełni zgodny z normami malarstwa akademickiego. W swojej książce Pictorial Effect in Photography (1869) Robinson odwoływał się do zasad kompozycji, harmonii i równowagi niezbędnych do uzyskania „efektu obrazowego”: „Artysta chcący wykonywać obrazy za pomocą aparatu fotograficznego podlega tym samym prawa jako artysta używający farb i ołówków.”

Oscar Gustav Reilander urodził się w Szwecji, studiował malarstwo we Włoszech i w 1841 roku przeniósł się do Anglii. Reilander zainteresował się fotografią w latach pięćdziesiątych XIX wieku. Zasłynął dzięki alegorycznej kompozycji „Dwie drogi życia”, wystawionej w 1857 roku na Wystawie Skarbów Sztuki w Manchesterze. Zdjęcie zostało wykonane techniką fotomontażu, a do jego wykonania Reilander potrzebował 30 (!) negatywów. Jednak brak publicznego uznania sprawił, że porzucił pracochłonną technikę i zajął się portretem. W przeciwieństwie do kompozycji alegorycznych portrety Reilandera są bardziej zaawansowane pod względem techniki wykonania. Portret panny Mander jest jednym z najpiękniejszych portretów Reilandera.

Najwyższą opinię o fotografii miał malarz Roger Fenton (1819–1869), który w 1853 roku założył nawet stowarzyszenie fotograficzne. Jego wczesne cykle fotografii Rosji, portrety rodziny królewskiej i raporty z wojny krymskiej przyniosły mu międzynarodowe uznanie. Podejście Fentona do krajobrazu kojarzy się z prerafaelitami i ich wizją: wysoko podniesiona linia horyzontu, brak takich romantycznych technik jak mgła, mgła itp. Fenton, podobnie jak prerafaelici, starał się podkreślić swoje umiejętności techniczne i gloryfikował namacalną rzeczywistość krajobrazu. Mistrz podzielał także zainteresowanie prerafaelitów kobietami w egzotycznych strojach, co widać w „Nubijskich nosicielkach wody” czy „Egipskich tańczących dziewczynach”.

Na szczególną uwagę zasługują fotografie dzieci wykonane przez Lewisa Carrolla (1832–1898). Autor Alicji w Krainie Czarów i Po drugiej stronie lustra oraz profesor matematyki na Uniwersytecie Oksfordzkim Carroll (prawdziwe nazwisko Charles Lutwidge Dodgson) był także utalentowanym fotografem amatorem. Dla Carrolla malowanie światłem było nie tylko rozrywką, ale wielką pasją, której poświęcił wiele czasu i której poświęcił kilka małych esejów, a nawet wiersz „Hiawatha fotograf” (1857):

Na ramieniu Hiawathy znajduje się pudełko z palisandru: Urządzenie jest tak składane, Wykonane z desek i szkła, Sprytnie skręcone śrubami, Aby zmieścić się w pudełku. Hiawatha wchodzi do trumny i rozsuwa zawiasy, zmieniając małą trumnę w przebiegłą postać, niczym z ksiąg Euklidesa. Stawia go na statywie i wspina się pod czarnym baldachimem. Kucając, macha ręką: - No! Zamrażać! błagam! Całkiem dziwna rzecz.

Pisarz poświęcił temu „dziwnemu” zajęciu 25 lat, podczas których stworzył wspaniałe portrety dzieci, dając się poznać jako zapalony znawca psychologii dziecięcej. Podobnie jak prerafaelici, którzy w poszukiwaniu ideału i piękna cofali się coraz dalej w świat swojej fantazji, Carroll poszukiwał swojej baśniowej Alicji w fotograficznym Po drugiej stronie lustra. Pani Julia Margaret Cameron (1815–1878) zajęła się fotografią w połowie lat 60. XIX wieku, kiedy córka podarowała jej aparat fotograficzny. „Pragnęłam uchwycić całe piękno, które przede mną się działo” – napisała Cameron, „i w końcu moje pragnienie zostało spełnione”.

W latach 1874–75 Cameron na prośbę swojego przyjaciela Tennysona zilustrowała niektóre swoje wiersze i wiersze. Kompozycja fotografii „Rozstanie Lancelota i Ginewry” jest zbliżona do kompozycji obrazów D. G. Rossettiego, ale Cameron nie ma takiej dokładności w przekazywaniu szczegółów, jaka jest właściwa prerafaelitom. Zmiękczając konstrukcję optyczną, Cameron osiąga w swoich pracach większą poezję.

Działalność prerafaelitów i fotografów była ze sobą bardzo ściśle powiązana. Co więcej, wpływ ten nie był jednostronny. Julia Cameron rezygnując z precyzyjnego ustawiania ostrości, stworzyła wspaniałe studia fotograficzne. Rossetti, który wysoko cenił jej twórczość, zmienił styl pisania, dążąc następnie do większej generalizacji artystycznej. Gabriel Rossetti i John Millais do tworzenia swoich obrazów wykorzystywali fotografie, a fotografowie z kolei sięgali po tematykę wypracowaną przez prerafaelitów. Fotograficzne portrety tworzone przez L. Carrolla, D. M. Camerona i O. G. Reilandera oddają nie tyle charakter, ile nastroje i marzenia swoich modeli – co jest charakterystyczne dla prerafaelizmu. Podejście do przedstawiania natury było takie samo: wczesne pejzaże prerafaelitów i pejzaże fotografów takich jak Roger Fenton są niezwykle dokładne i szczegółowe.

Tematyczny spis treści (Recenzje i krytyka: sztuki piękne (malarstwo, rzeźba itp.))

W Muzeum Puszkina imienia A.S. Dobiega końca wystawa Puszkina Prerafaelitów. Ostatnim dniem jest 22 września, ale w czwartek i sobotę muzeum jest otwarte do 21:00-22:00. Dzisiejsza kolejka trwała około 40 minut, prawdopodobnie krócej w dni powszednie. Jest audioprzewodnik, są też przewodniki na żywo, są szczegółowe podpisy pod obrazami – informacji jest mnóstwo. Bilet kosztuje 400 rubli. bez świadczeń i 200 rubli. preferencyjny. (W tym samym czasie można zwiedzać wystawę Tycjana. Zakończy się ona nieco później, 29 września. Tycjan ma 2 małe sale).
Oprócz obrazów znajdują się witraże, gobeliny, próbki tapet wykonanych na podstawie rysunków prerafaelitów, a nawet jeden malowany kredens. Tego wszystkiego oczywiście nie jest za dużo – jak zwykle: Sala Biała i galeria.
Oglądając obrazy znajdujące się na wystawie, można zapoznać się ze złożonym życiem osobistym członków tej artystycznej wspólnoty.
W centrum historii umieściłbym Dantego Rossettiego, jako najwybitniejszego z prerafaelitów. Ilustracjami będą wyłącznie obrazy, które były na wystawie w Muzeum Puszkina plus fotografie. Niestety, nie wszystkie obrazy, które mi się podobały, można było znaleźć w Internecie. Jak wiadomo, w Muzeum Puszkina filmowanie jest surowo zabronione.

Dante Gabriel Rossetti urodził się w 1828 r. Jego ojciec Gabriel Rossetti, karbonariusz, który uciekł z Włoch w 1821 roku, został profesorem języka włoskiego w King's College. Ożenił się z Frances, która była córką włoskiego wygnańca Gaetano Polidori i siostrą Johna Polidori, autora Wampira i lekarza Lorda Byrona (John Polidori był dziwnym człowiekiem. Czasami popadał w długie odrętwienie, pił opium, to prawda zakochana w Byronie. Możliwe, że Rossetti odziedziczył swoje dziwactwa po wujku).

W rodzinie było czworo dzieci – dwóch chłopców i dwie dziewczynki. Chłopcy rysowali i pisali wiersze. Najzdolniejszym był Dante Gabriel, którego imię świadczy o prawdziwym kulcie wielkiego włoskiego poety panującego w domu. Rossetti studiował w Akademii Rysunku w Bloomsbury.
To jego bardzo prozaiczne zdjęcie.

W 1848 r. na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk Rossetti poznał Williama Holmana Hunta, Hunt pomógł Rossettiemu w ukończeniu obrazu „Dzieciństwo Najświętszej Marii Panny”, który był wystawiony w 1849 r., a także przedstawił Rossettiego J. E. Millaisowi. Razem założyli Bractwo Prerafaelitów.
Nazwa „Prerafaelici” miała oznaczać duchowy związek z artystami florenckimi wczesnego renesansu, czyli artystami „przed Rafaelem” i Michałem Aniołem: Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini. Hunt, Millais i Rossetti oświadczyli na łamach magazynu Rostock, że nie chcieli przedstawiać ludzi i natury jako abstrakcyjnie pięknych, a wydarzeń odległych od rzeczywistości, i w końcu znudziła im się konwencja oficjalnych, „wzorowych” mitologicznych, historycznych i dzieła religijne. Prerafaelici porzucili akademickie zasady pracy i wierzyli, że wszystko należy malować z życia. Jako modele wybierali przyjaciół lub krewnych. Namalowali kilka obrazów w plenerze. Prerafaelici obrysowali kompozycję na zagruntowanym płótnie, nałożyli warstwę wapna i usunęli z niego olej bibułą, a następnie na wierzchu wapna pisali farbami półprzezroczystymi. Wybrana technika pozwoliła uzyskać jasne, świeże tony.
Początkowo twórczość prerafaelitów została dobrze przyjęta, potem spotkała się z krytyką, ale po stronie wspólnoty wypowiadał się wpływowy historyk sztuki i krytyk sztuki Anglii John Ruskin.
Ich modele odegrały ogromną rolę w twórczości prerafaelitów. Wszystkie były kobietami ludu. Artyści nie tylko malowali z nich obrazy, nie tylko czynili je swoimi kochankami, ale także zawierali małżeństwa, kształcili je i uczyli rysować. To ciekawe zobaczyć, jak różnie to się stało.

Wiele obrazów prerafaelitów przedstawia Elizabeth Siddal.
Elżbieta Siddal urodziła się 25 lipca 1829 r duża rodzina pracownik z Sheffield. Z wczesne dzieciństwo pomagała matce i siostrom w szyciu tanich sukienek. Od osiemnastego roku życia pracowała jako modystka w sklepie z kapeluszami w londyńskim Covent Garden. Tutaj w 1849 roku Elizabeth spotkała Waltera Deverella i za pośrednictwem swojej matki zaproponowała mu pozowanie.

Waltera Deverella. „Noc Trzech Króli”, akt II, scena 4. W centrum, w przedstawieniu marzycielskiego księcia Orsina, artysta przedstawił siebie samego; błazen siedzący po prawej stronie, Festa, nadawał rysy swojemu przyjacielowi Rossettiemu. Cesario Viola w przebraniu – Lizzie Siddal

Blada i ruda Elżbieta uosabiała w świadomości prerafaelitów typ kobiety Quattrocento (tzw. okresu sztuki renesansowej XIV w.). Stała się prawdziwą muzą dla członków bractwa. Najbardziej znanym obrazem Elżbiety jest Ofelia Milleta (1852). Jak na artystkę, która starała się wiernie oddać wszystkie szczegóły, pozowała w wannie. Stało się to zimą i aby zapobiec zamarznięciu dziewczyny, Millet umieścił pod łazienką lampy, które podgrzewały wodę. Według relacji W. Rossettiego pewnego dnia zgasły lampy, Elżbieta przeziębiła się, a ojciec zażądał, aby Millet zapłacił za usługi lekarza. Elżbiecie przepisano laudanum (nalewkę z opium z alkoholem) - powszechne w tamtych czasach lekarstwo. To wydarzenie prawdopodobnie nadszarpnęło i tak już wątłe zdrowie dziewczyny.

Dante Gabriel Rossetti poznał Elżbietę w 1852 roku w pracowni Milleta. Zażądał, aby odeszła z pracy. Miał zamiar nauczyć ją wszystkiego, co umiał, łącznie z rysunkiem, a kiedy stanie się naprawdę wykształconą kobietą, przedstawi ją swojej rodzinie i poślubi. Rossetti przeprowadził się od rodziców do wynajętych pokoi w starym domu nad brzegiem Tamizy w Chatham Place i tam zamieszkał z Lizzie. Stała się stałą modelką Rossettiego. Pasja zainspirowała Rossettiego do ucieleśnienia scen z historii Dantego i Beatrice: na obrazach „Paolo i Francesca da Rimini”, „Miłość Dantego”, „Pojawienie się Racheli i Lei Dantego” bohaterkami kobiecymi są Elizabeth Siddal.

Zwiastowanie. Obraz ten był krytykowany za to, że Mary wyglądała na przestraszoną.

Miłość Dantego.

„Wizja Dantego o Racheli i Lei”

Rossetti zachęcał Liz twórczość literacka i zajęcia graficzne. Wiersze Siddal nie odniosły sukcesu, ale zasłynęła jako artystka. Ona, jako jedyna kobieta wśród artystów, brała udział w wystawie Prerafaelitów w Russell Place w 1857 roku. Jej prace zostały wystawione na Wystawie Sztuki Brytyjskiej w Ameryce w 1858 roku. Ruskin wspierał ją, a nawet wypłacał jej stypendium.
http://preraphs.tripod.com/people/lsiddal.html

Ale w związku między Elżbietą i Dantem nie wszystko było gładkie: Rossetti, pomimo jego wysublimowana miłość do Siddal, nie mógł zerwać więzi z innymi kobietami, w tym z Fanny Cornforth i Annie Miller (przyjaciółką Hunta).

Opowiem Ci trochę o nich.

Annie Miller urodziła się w 1835 roku w Chelsea w Londynie. Jej ojciec Henryk służył w 14. Dywizji Dragonów i został ranny Wojny napoleońskie. Matka była sprzątaczką. Kiedy zmarła w wieku 37 lat, jej ojciec nie mógł poradzić sobie z dwójką małych dzieci, Annie i jej starszą siostrą Harriet, a Millerowie zmuszeni byli zamieszkać z krewnymi. Rodzina żyła bardzo biednie, Annie pracowała od dziesiątego roku życia.
Miller, która miała około piętnastu lat, kiedy poznała Hunta, podawała drinki w barze. Hunt miał właśnie poślubić Annie i przed podróżą do Palestyny ​​w 1854 roku zostawił jej instrukcje, aby podczas jego nieobecności zajmowała się edukacją. Hunt pozostawiła także listę artystów, w tym Millais, dla których mogła pozować.

Williama Hunta. „Odnalezienie Zbawiciela w Świątyni” 1860 (Według jednej z Ewangelii mały Jezus pewnego razu zniknął, a jego rodzice zostali zwaleni z nóg, szukając Go. Trafił do Świątyni, gdzie rozmawiał z mędrców, a głębia wypowiedzi dziecka zszokowała starszych. Powiedział rodzicom, że przyszedł do domu swego Ojca).

To właśnie dla tego zdjęcia Hunt udał się na Bliski Wschód. Zdjęcie odniosło sukces, ale stracił narzeczoną. Pod jego nieobecność Annie wbrew jego woli pozowała także Rossettiemu, a wszystkie modelki tego artysty zostały jego kochankami.

Hunt wrócił z podróży w 1856 roku. Zaangażowanie Annie w Rossettiego doprowadziło do kłótni między nim a Huntem. Zazdrosna była także żona Rossettiego, Elizabeth Siddal. Według plotek raz nawet wrzuciła jego rysunki Millera do Tamizy. Pomimo propozycji Hunta, Annie miała romans z Thomasem Heronem Jonesem, 7. wicehrabią Ranelaghem, co spowodowało, że Hunt ostatecznie zerwał zaręczyny w 1859 roku.
Po zerwanych zaręczynach Annie zwróciła się o pomoc do Herona Jonesa, który zasugerował jej pozwanie Hunta za złamanie przysięgi małżeńskiej (co było możliwe w ówczesnych normach prawnych), ale wkrótce poznała kuzyna wicehrabiego, kapitana Thomasa Thomsona, który się w niej zakochał. Thomson zaproponował, że zagrozi, że przekażą gazecie listy Hunta do Annie. Przyjaciele Hunta zakładali, że kupił listy.
Thomas i Annie pobrali się w 1863 roku. Mieli syna i córkę. Następnie Hunt spotkał kiedyś Annie z dziećmi i napisał, że widział „cycatą matronę”.
Thomas Thomson zmarł w 1916 roku w wieku 87 lat. Annie Miller żyła kolejne dziewięć lat po jego śmierci i zmarła w 1925 roku w wieku 90 lat.

Fanny Cornforth urodziła się w Sussex w 1835 r. i poznała Rossettiego w 1858 r., stając się jego modelką i kochanką pod nieobecność Elizabeth Siddal. Ale jej głównym zajęciem było gotowanie i sprzątanie - została zatrudniona jako służąca.

Zdjęcie z 1863 roku.

Pochodziła z niższych warstw społecznych, charakteryzowała się brakiem wykształcenia i szorstkim akcentem.

„Pani Lilith”.
Rossetti odmienił tutaj rustykalny wygląd swojego kucharza. Początkowo namalował Jane Morris, ale klientowi nie spodobała się jej twarz, więc artysta przepisał ją na twarzy Fanny.

Fanny nie została napisana tylko przez Rossettiego.
Akwarela „Sidonia von Bork” Burne’a Jonesa (na podstawie książki pisarza z I połowy XIX wieku Wilhelma Meinholda „Sidonia von Bork. Klasztorna czarownica”). Złowrogą istotę bohaterki obrazu podkreśla specjalny wzór sukienki. Nawiasem mówiąc, wzór został najpierw nałożony farbą, a następnie wydrapany igłą. Tutaj jest więcej na ten temat:
http://blog.i.ua/community/1952/723967/

Kiedy Siddal wrócił w 1860 roku, Rossetti poślubił ją; w zamian Cornforth poślubił mechanika Timothy'ego Hughesa, ale nie mieszkali razem długo.
Po śmierci Elżbiety Siddal zamieszkała u Rossettiego jako gospodyni domowa, a ich związek trwał niemal do śmierci poety. W tym samym czasie Rossetti był w związku z Jane Morris, ale Jane była żoną Williama Morrisa, więc romans musiał zostać utrzymany w tajemnicy.
Z biegiem czasu Cornforth bardzo przybrała na wadze, za co otrzymała od Rossettiego przydomek „Drogi Słoniu”. Z kolei nazwała go „Nosorożcem”, nawiązując do jego zwiększonego obwodu talii. Kiedy Rossetti był osobno, narysował i wysłał jej słonie.
W 1879 rozstała się z artystą i wyszła za mąż za Johna Schotta. Prowadzili hotel. Pod koniec życia cierpiała na demencję starczą i w 1905 roku została zwolniona za kaucją do siostry męża. Zmarła w 1906 roku.

Annie, Fanny i nie tylko... Jak czuła się kobieta, przechodząc przez to wszystko? Stan zdrowia Elżbiety pogarszał się. Na początku 1860 roku poważnie zachorowała i wtedy Rossetti obiecał, że poślubi ją, gdy tylko wyzdrowieje. Ślub odbył się 23 maja 1860 roku. W maju 1861 roku Elżbieta urodziła martwą córeczkę. Siddal popadł w depresję, rozpoczęły się kłótnie z Dantem i ataki szaleństwa. Zmarła 11 lutego 1862 roku w wyniku przedawkowania laudanum. Nie wiadomo, czy był to wypadek, czy samobójstwo. Rossetti był głęboko zszokowany śmiercią żony. Przez całe późniejsze życie cierpiał na napady depresji, koszmary senne i wyrzuty sumienia. Rossetti znalazł ulgę w alkoholu i narkotykach.
Z trudem przeżywając śmierć żony, Rossetti opuścił dom przy Chatham Place, gdzie mieszkał z Elizabeth. Osiadł w Tudor House (Chelsea). Tutaj przez kilka lat, ponownie zwracając się ku technice malarstwa olejnego, stworzył pomnik Elżbiety – obraz, na którym przedstawił ją pod postacią Beatrycze.

Na pogrzebie Rossettiego w przypływie rozpaczy złożył rękopisy swoich wierszy w trumnie Elżbiety i przyrzekł, że pozostawi poezję. Kilka lat później zdecydował się opublikować swoje młodzieńcze wiersze; aby je zdobyć, otwarto grób Siddala na cmentarzu Highgate. Świadkowie twierdzą, że pomimo upływu lat Lizzie sprawiała wrażenie śpiącej, a nie martwej. Ciało po prostu zmumifikowało się, a reszty dopełniało niepewne światło pochodni i dzika wyobraźnia obecnych artystów. Sam Dante Gabriel wyjął rękopis – aby jeszcze raz dotknąć włosów zmarłego.
Książka została opublikowana i odniosła ogromny sukces – w dużej mierze dzięki niesamowitej historii jej powrotu na świat. Zbiór wierszy ukazał się w 1870 r. Ale wielu znajomych i przyjaciół zrobiło czyn Rossettiego.
Oto jeden z jego wierszy.

nagłe światło

Tak, byłem tu dawno temu.
Kiedy, dlaczego - te dni milczą.
Pamiętam płótno na drzwiach,
Ziołowy aromat,
Westchnienie wiatru, rzeka jest jasnym punktem.

Znam cię od dawna.
Nie pamiętam spotkań, rozstań, przyjacielu:
Ale jesteś jaskółką wyrzuconą przez okno
Nagle spojrzałem
A przeszłość - przyszła do mnie.

Czy to było dawno temu?
A czas ucieka,
Podobnie jak życie, dawana jest powracająca miłość:
Pokonaj śmierć
Prorokuj nam jedno we dnie i w nocy?

W 1871 roku Rossetti ponownie się zakochał. To była żona jego przyjaciela Williama Morrisa. Zostali kochankami, a Jane często pozowała Rossettiemu. Mąż najwyraźniej się martwił, ale nie zakłócał ich związku. Jane powiedziała, że ​​​​nigdy nie kochała swojego męża, a o Rosettim powiedziała, że ​​​​jest zupełnie inny niż inni ludzie.

Zdjęcia pokazują, że Jane była rzeczywiście ładna.

Jane Burden urodziła się w Oksfordzie. Ojciec pracował jako pan młody, a matka była analfabetką i najprawdopodobniej przyjechała do Oksfordu, aby pracować jako służąca. Niewiele wiadomo o dzieciństwie Jane, ale jasne jest, że spędziło je w biedzie i trudnościach.
W październiku 1857 roku Jane i jej siostra Elizabeth poszły na przedstawienie w Drury Lane Theatre, gdzie Jane została zauważona przez artystów Dantego Gabriela Rossettiego i Edwarda Burne-Jonesa, którzy należeli do grupy artystów malujących murale w Oxford Union z siedzibą w w cyklu arturialnym. Byli zachwyceni jej urodą i namówili ją do pozowania. Początkowo Jane była modelką dla królowej Ginewry w Rossetti, następnie pozowała dla Morrisa do obrazu „Piękna Izolda”, który jej się oświadczył i pobrali się. Rysował szkice i napisał na odwrocie: „Nie umiem cię narysować, ale cię kocham”. Nie przeszkodziła mu różnica w statusie społecznym – był socjalistą. Jane zakochała się w Rossetti, ale on już związał swoje życie z Siddalem.
Morris był wydawcą, pisarzem, artystą i jednym z ideologów ruchu prerafaelitów. Napisał powieść „Wiadomości znikąd”. Morris uważał, że konieczne jest ożywienie nie tylko średniowiecznego malarstwa, ale także średniowiecznego rzemiosła. W swojej posiadłości organizował warsztaty (pod ogólną nazwą „Arts & Crafts”, czyli sztuka i rzemiosło), gdzie własnoręcznie wykonywali meble, tkali dywany i gobeliny, wyrabiali koło garncarskie dania Sam był znakomitym tkaczem. „Arts & Crafts” przeżyło właściciela i istniało do I wojny światowej.

Przed ślubem Jane była wyjątkowo słabo wykształcona, ponieważ jej rodzice najprawdopodobniej przewidywali dla niej karierę służącej. Po zaręczynach Jane Morris zaczęła brać prywatne lekcje, nauczyła się francuskiego i włoskiego i została utalentowaną pianistką. Jej maniery i mowa uległy takiej zmianie, że współcześni określali ją jako osobę „królewską”. Później wstąpiła do angielskich wyższych sfer i mogła być inspiracją dla Elizy Dolittle w sztuce Bernarda Shawa „Pigmalion”. W 1896 roku Jane pochowała swojego męża, Williama Morrisa. Sama Jane Morris poznała XX wiek, cieszyła się sławą, jaka towarzyszyła malarstwu wielu prerafaelitów, i zmarła 26 stycznia 1914 roku w Bath.

Prozerpina.

Późniejsze lata Rossettiego naznaczone były coraz bardziej chorobliwym nastrojem, uzależnił się od alkoholu i hydratu chloralu i prowadził życie samotnika.
W 1872 roku doszło do fali anonimowych, brutalnych ataków na twórczość Rossettiego. Zawsze był wrażliwy na wszelką krytykę, dlatego przeżył załamanie nerwowe, a nawet podjął próbę samobójczą wypijając butelkę nalewki z opium (najwyraźniej pamiętał swoją pierwszą żonę). Przeżył, jednak zaczął cierpieć na urojenia prześladowcze i przez pewien czas był uważany za szaleńca. Mimo to Rossetti nadal pracował i pisał, mając wielu naśladowców zarówno w sztuce, jak i poezji. Przez kolejne dwa lata artysta mieszkał w Kelmscott Manor, a Jane pozostała obok niego. Z zewnątrz wyglądało to jak samotny artysta dzielący z nim chatę małżeństwo– przełamali to na pół. W 1874 roku Morris odmówił płacenia swojej części czynszu za domek. Oznaczało to, że podążanie tradycje społeczne, Jane nie mogła dłużej przebywać tam z Rossettim, jeśli nie chciała całkowicie zrujnować własnej reputacji. Rossetti wynajmował domek na wybrzeżu Sussex od 1875 do 1876 roku, a Jane wróciła do niego i mieszkała z nim przez cztery miesiące. W 1877 roku Rossetti przeżył kolejne załamanie nerwowe. Jane postanowiła w końcu z nim zerwać. Zaczęła rozumieć, jak wytrącony z równowagi był umysł artysty, stale osłabiany alkoholem i narkotykami. Rossetti resztę życia spędził jako odludek. Jednak przyjazna korespondencja z Rossettiego trwała aż do jego śmierci.
Od 1881 roku zaczął cierpieć na halucynacje i ataki paraliżu. Został przewieziony do kurort nadmorski Birchington-on-Sea i pozostawiony pod opieką pielęgniarki. Tam zmarł 9 kwietnia 1882 r.

Kolejną modelką Rossettiego była Alexa Wilding.
Monna Vanna (Kobieta próżności) lub Belcolore (1866)

Robotnicza rodzina Alexy Wilding pochodziła z Shrewsbury w Shropshire. Sama Alexa urodziła się w Surrey około 1845 roku jako córka konstruktora fortepianów. Według spisu ludności z 1861 r., gdy Wilding miała około szesnastu lat, mieszkała przy Warwick Lane 23 ze swoją 59-letnią babcią i dwoma wujkami. Pracowała, ale jak na ówczesne standardy jej warunki życia nie były szczególnie złe, umiała czytać i pisać. Zanim poznała Rossettiego, była krawcową i marzyła o zostaniu aktorką.
Rossetti po raz pierwszy zobaczył Wilding pewnego wieczoru na londyńskim Strandzie w 1865 roku i był pod wrażeniem jej urody. Zgodziła się pozować dla niego następnego dnia, ale nie pojawiła się na umówioną godzinę. Być może przestraszyła ją wątpliwa reputacja ówczesnych modeli. Mijały tygodnie, a Rossetti już odrzucił pomysł obrazu, który przyszedł mu do głowy, na którym bardzo ważne było dla niego zobaczenie tego konkretnego modelu, kiedy ponownie zobaczył Alexę na ulicy. Wyskoczył z taksówki, w której jechał, i namówił ją, aby pojechała prosto do jego pracowni. Zapłacił Wildingowi za tydzień, aby pozował tylko dla niego, bo bał się, że inni artyści też mogą ją zatrudnić. Mieli długi związek; Istnieją informacje, że po śmierci Rossettiego w 1882 r. Wilding, choć jej sytuacja materialna nie była do końca pomyślna, regularnie jeździła, aby złożyć wieniec na jego grobie w Birchington.
Sama Wilding nigdy nie wyszła za mąż, ale mieszkała z dwójką małych dzieci. Być może byli to dzieci nieślubne, ale spekuluje się, że mogły to być dzieci wuja Aleksy. Według zapisów z 1861 r. była ona właścicielką majątku i rentierem, co było znaczącym osiągnięciem dla dziewczyny z klasy robotniczej.
Według aktu zgonu Alexa Wilding zmarła 25 kwietnia 1884 roku w wieku 37 lat. Jako przyczynę śmierci podano zapalenie otrzewnej i ostateczne wyczerpanie; szesnaście miesięcy wcześniej zdiagnozowano u niej guz śledziony. Może to być ta sama dolegliwość, która spowodowała, że ​​Rossetti uwierzył, że jest chora i czasami nie mogła pozować.

Mówiąc o prerafaelitach, nie można oczywiście obejść się bez Johna Everetta Millaisa (1829-1896), jednego z 3 założycieli wspólnoty.

Johna Everetta Millaisa. Ariel wabi Ferdynanda (na podstawie fabuły Burzy Szekspira).

Chrystusa w domu swoich rodziców. Chłopiec pokazuje rodzicom stygmaty na dłoniach – w miejscu, gdzie będą gwoździe z ukrzyżowania.

Millet był cudownym dzieckiem i w wieku 11 lat wstąpił do Królewskiej Akademii Sztuk, stając się najmłodszym uczniem w historii Akademii. Już jego prace studenckie były wystawiane na wystawach akademickich i zdobywały pierwsze miejsca. W 1848 roku na jednej z wystaw Millet poznał Holmana Hunta i Dantego Gabriela Rossettiego i wraz z nimi założył Bractwo Prerafaelitów. Jednocześnie nadal wystawia na wystawach akademickich. Poparł go także krytyk John Ruskin, który od razu dostrzegł w Millu wybitny talent.
Latem 1853 roku Ruskin i jego żona Effie zaprosili Millais na wspólny wyjazd na lato do Glenfinlas.

Zwolnij rozkaz. Effie pozowała do postaci kobiecej (żony wyzwolonego Szkota) (1746, 1853)

Effie urodziła się w Perth w Szkocji i mieszkała w Bowerswell, domu, w którym dziadek Ruskina popełnił samobójstwo. Jej rodzina znała ojca Ruskina, który zachęcał do nawiązania między nimi więzi. W 1841 roku Ruskin napisał powieść fantasy „Król Złotej Rzeki” dla dwunastoletniej Effie. Po ślubie w 1846 roku udali się do Wenecji, gdzie Ruskin zebrał materiały do ​​swojej książki „Kamienie Wenecji”. Jednak ze względu na różnicę temperamentów małżonków towarzyska i zalotna Effie wkrótce zaczęła czuć się stłumiona przez kategoryczną osobowość Ruskina. Pięć lat po ślubie nadal była dziewicą, ponieważ Ruskin nieustannie odkładał dopełnienie małżeństwa. Przyczyny tego nie są jasne, ale można do nich zaliczyć niechęć do niektórych części jej ciała. Effie napisała później do ojca: „Przytacza różne powody, nienawiść do dzieci, względy religijne, chęć zachowania urody, aż wreszcie w tym roku podał mi prawdziwy powód… że kobieta, którą sobie wyobrażał, znacznie różniła się od tej, którą sobie wyobrażał. „To, co widzi we mnie i powód, dla którego nie uczynił mnie swoją żoną, to wstręt do mojej osoby, jaki odczuwał od pierwszego wieczoru 10 kwietnia”. Ruskin potwierdził to w oświadczeniu złożonym swojemu prawnikowi w trakcie postępowania rozwodowego. „Może wydawać się dziwne, że powstrzymałem się od kontaktu z kobietą, którą większość ludzi uważa za tak atrakcyjną. Ale chociaż jej twarz jest piękna, jej osobowość nie jest ukształtowana tak, aby wzbudzać namiętność. Wręcz przeciwnie, pewne szczegóły w jej osobowości całkowicie to uniemożliwiały. Przyczyna tej niechęci do „szczegółów w jej osobie” nie jest znana. Pojawiły się różne sugestie, w tym niechęć do włosów łonowych Effie i jej krwi menstruacyjnej.
Millais i Effie zakochali się w sobie i po jej skandalicznym rozwodzie z Ruskinem (w 1854 roku ich małżeństwo zostało uznane za nieważne) pobrali się. Podczas małżeństwa Effie urodziła Millais ośmioro dzieci, z których jednym był słynny ogrodnik i artysta zajmujący się ptakami, John Gilles Millais. Kiedy Ruskin chciał się później zaręczyć z młodą dziewczyną, Rose La Touche, jej zaniepokojeni rodzice napisali do Effie, która w swojej odpowiedzi określiła Ruskina jako męża tyrana. Nie wątpiąc w szczerość Effie, warto zauważyć, że jej interwencja przyczyniła się do zerwania zaręczyn, co z kolei prawdopodobnie było przyczyną zaburzeń psychicznych Ruskina.
Małżeństwo zmieniło Milleta: aby utrzymać rodzinę, musiał tworzyć obrazy szybciej i w większych nakładach, a także sprzedawać je po wysokiej cenie.
Millet całkowicie wyrzekł się poglądów i idei prerafaelityzmu, ale zyskał ogromną popularność i ogromną fortunę, zarabiając do 30 tysięcy funtów rocznie. Został malarzem portretowym i stał się pierwszym Artysta angielski otrzymał tytuł baroneta (w 1885 r.). W 1896 roku został wybrany na prezesa Akademii Królewskiej. W swoich portretach Millet zazwyczaj przedstawia znane osoby zajmujące wysokie stanowiska publiczne.

Chciałbym pokazać jeszcze kilka obrazów innych autorów.

Forda Madoxa Browna. „Zabierz swojego syna, proszę pana”. (1851-1857). Niedokończony obraz przedstawia żonę artysty i syna Artura.

Brown przepisał obraz więcej niż raz. Pierwsza żona zmarła w wieku 27 lat, pozostawiając 3-letnią córkę. Po 2 latach poznał Emmę Matildę Hill, córkę rolnika z Herefordshire, która była jego modelką. W 1850 roku urodziła mu drugą córkę (obie córki Łucja i Katarzyna zostały później artystkami). W 1853 roku Emma i Brown pobrali się. Świadkami byli Dante Gabriel Rossetti i Thomas Seddon. Dwa lata później Emma urodziła syna artysty, Olivera. We wrześniu 1856 roku urodził się im syn Artur, który żył zaledwie rok. Po śmierci najmłodszego syna Emma uzależniła się od alkoholu, który później, zwłaszcza po śmierci jej najstarszego syna Olivera, przybrał katastrofalne formy.
Oliver okazał się bardzo obiecujący jako artysta i poeta, ale w 1874 roku młody człowiek zmarł z powodu zatrucia krwi. Po jego śmierci Rossetti napisał sonet „Przedwczesna strata”.

Na wystawie znajdują się także pejzaże. Oto dwa z nich.
Sandys. Jesień

Tomasza Seddona. Widok na Jerozolimę i Dolinę Jehoszafata.

Nic dziwnego, że sama idea zerwania z akademizmem w malarstwie zrodziła się zarówno wśród studentów, jak i wśród studentów brytyjskiej Królewskiej Akademii Sztuk. Dyskusja początkowo wywiązała się pomiędzy trzema studentami: Holmanem Huntem, Dantem Gabrielem Rosettim i Johnem Everttem Millaisem. Młodzi i dalecy od przeciętnych artyści zastanawiali się nad teraźniejszością i przyszłością malarstwa, dzielili się planami reform i ostatecznie doszli do powstania tajnego „Bractwa Prerafaelitów”. Stanowiło to zaprzeczenie oficjalnej linii Akademii i głosiło powrót do ideałów epoki „przed Rafaelem”. Wkrótce w tajnym stowarzyszeniu było już siedmiu artystów.

Bractwo posiadało własne czasopismo „Rostock”, a Dante Rossetti np. podpisywał niektóre obrazy inicjałami P.R.B, zaznaczając swoją przynależność do tej grupy. W czasopiśmie publikowane były także pierwsze postulaty towarzystwa. Z biegiem czasu idee Bractwa nabrały kształtu ujednolicony system, który pomógł rozwinąć prerafaelizm w kulturze.

Po kilku latach istnienia Bractwo rozwiązało się, a każdy z jego członków poszedł swoją drogą. Ale nawet po zniszczeniu organizacji tezy i myśli prerafaelitów podekscytowały opinię publiczną. Ich idee przeniknęły do ​​wielu dziedzin kultury: projektowania, ilustracji, sztuki zdobniczej i literatury.

Założenia teorii

Początkowo prerafaelici publikowali we własnym czasopiśmie tezy na temat reformy w sztuce. Nawoływali do powrotu sztuki do rzeczywistości i naturalności, a także zapowiadali porzucenie doszczętnie wyczerpanych tematów mitologicznych i historycznych. Piękno nie powinno być abstrakcyjne, obce naturalności człowieka.

Logiczne jest, że jednym z głównych postulatów kierunku była praca z życia. Często na obrazach artystów można spotkać ich bliskich lub przyjaciół. Historycy malarstwa szczegółowo badają swoje płótna i znajdują ciekawe podobieństwa i zbiegi okoliczności.

Bractwo zwróciło się także w stronę technik malarskich. Ich zadaniem było odejście od ciemnych tonów, jakie dawał bitum używany wówczas przez artystów. Zależało im na czystym malarskim obrazie, dużej precyzji szczegółów i bogatej kolorystyce charakterystycznej dla epoki Quattrocento. Aby uzyskać taki efekt, na zagruntowane płótno nałożono warstwę bieli, oczyszczono płótno z oleju, a następnie nałożono na wierzch farby półprzezroczyste. Technika ta umożliwiła osiągnięcie czystości rysunku i niezwykłej jak na tamte czasy lekkości.

Nadmierny naturalizm i nowatorstwo podejścia wzbudziły nie tylko zainteresowanie, ale także odrzucenie w społeczeństwie. Jednak autorytatywny krytyk John Ruskin zainteresował się malarstwem prerafaelitów. Sformalizował postulaty „Bractwa” w logiczny i harmonijny sposób systemie artystycznym i odsłonił światu prerafaelitów, pomógł zrozumieć ich motywy i sztukę.

Ruskin uzasadnił kilka zasad tego ruchu artystycznego i wspierał je finansowo. Maksimum szczegółowości uzasadniano dbałością artystów o istotę rzeczy i niechęcią do zadowalania się ogólnie przyjętymi wyobrażeniami o naturze i człowieku. Prerafaelici tak bardzo przywiązywali wagę do szczegółów, że w swym pragnieniu malowania z życia doszli do zachwytu nad najdrobniejszymi szczegółami, spędzając na nich niesamowitą ilość czasu. świeże powietrze oraz w pracy z modelami.

Kolejną zasadą podkreślaną przez Ruskina jest wierność naturze połączona z wiernością zasadom duchowym. W każdej gałęzi i liściu, w każdej kropli wody artyści widzieli stworzenie Boga, dlatego wszystko traktowali z podziwem i szacunkiem. Powrót do duchowości był postrzegany jako nowe narodzenie i zwrot w stronę religijności wczesnego renesansu.

Poparcie krytyka wpłynęło na pozycję prerafaelitów w społeczeństwie, stali się oni bardziej popularni, a nawet modni.

Artyści i ich twórczość

John Evert Millais, Ofelia
Millet był jednym z założycieli ruchu. Niezwykle utalentowany, stał się jednym z najmłodszych kandydatów do Królewskiej Akademii Sztuk. Obraz Millet powstawał podczas wielogodzinnych plenerów na świeżym powietrzu. Artysta mógł pracować nawet 11 godzin dziennie! Artysta całą swoją uwagę skierował na tworzenie pejzażu, dlatego postać dziewczyny była ostatnim szczegółem płótna. Millais miał taką obsesję na punkcie szczegółów, że zmusił modelkę Elizabeth Siddal do spędzania godzin w wypełnionej po brzegi wannie. Dziewczyna przeziębiła się, a historia stała się jedną z legend prerafaelitów.

Dante Gabriel Rossetti, „Pani Lilith”
Artysta malował pierwszą wersję obrazu przez 2 lata, a później przepisał twarz dziewczyny nowym modelem. Obraz tworzy dyptyk z pracą „Sybilla Palmifera”. Godne uwagi jest to, że Rossetti malował na ramach sonety własnej kompozycji. „Lady Lilith” to oda do piękna. Na obrazie mocny jest duch symboliki: białe róże, maki, zawartość toaletki. Historycy nazywają tę pracę feministyczną: kobieta jest skoncentrowana wielka moc i piękno.

Evelyn de Morgan, „Medea”
Artystka sięga do starożytnych mitów greckich i tworzy jeden z najbardziej dramatycznych obrazów w literaturze. W centrum dzieła znajduje się rudowłosa kobieta, ukochana przez prerafaelitów.

Hunt William Holman, „Wynajęty pasterz” Pędzel Holmana nie był bynajmniej duszpasterski. Zgodnie z najlepszymi tradycjami „Bractwa” obraz po prostu świeci jasnymi kolorami. Wszystkie plany są starannie opracowane, praca jest ciekawa. Historycy uważają, że Holman włożył w obraz swoje zdziwienie współczesnym debatą religijną i rolą w niej księży.

Ford Murdoch Brown, Pożegnanie z Anglią
W centrum pracy znajduje się temat absolutnie ziemski – emigracja, który z nową energią zabrzmiał we współczesnej Wielkiej Brytanii artysty. W ośrodku jest rodzina, która poszukuje nowy dom. Na zdjęciu córka i żona artysty, malował z życia, oddając hołd ideom prerafaelitów. Choć Brown nigdy nie był członkiem Bractwa, popierał jego ideały, co znalazło odzwierciedlenie w tej pracy.

Wielka Brytania jest dumna ze swojego ruchu prerafaelitów, ponieważ jest jednym z najjaśniejszych kierunki artystyczne, który powstał w Anglii. Mimo że twórczość tych artystów była początkowo krytykowana, odnaleźli oni swoje miejsce w kulturze światowej i radykalnie wpłynęli zarówno na sztukę współczesną, jak i kulturę popularną.